Tajemnicza ciemność scen, ekscytujące oczekiwanie i spotkanie… z ekscytującymi, czasem szalenie odrażającymi, czasem szalenie atrakcyjnymi postaciami. Teatr i życie teatralne są wciągające i ekscytujące, rodząc nowe uczucia i doświadczenia. Rola teatru w naszym życiu jest nieoceniona.

Nie wszyscy jednak podzielają nasze odczucia co do roli teatru w życiu człowieka. Teatr i wszystko co z nim związane przyciąga posiadaczy tylko dwóch wektorów. Nie wymieniajmy ich od razu, ale wejdźmy nieco głębiej w istotę.
Pierwszą rzeczą, jaką daje nam teatr, są więc nowe doświadczenia wizualne. Piękne wnętrza przenoszą nas albo do minionego stulecia, albo do świata przyszłości, a co z aktorem stojącym samotnie na scenie w świetle reflektorów i czytającym przejmujący monolog? Tyle nowych wrażeń dla oka. Farby, kolor, światło, piękne twarze pełne uczuć...

Drugą kwestią jest oczywiście sama gra. Jak oceniana jest ta lub inna produkcja? Oczywiście i tutaj niektórzy najeźdźcy próbują dowiedzieć się, ile osób jest zaangażowanych, jakie kostiumy zostały zakupione, na jakiej scenie wykorzystano. Sprzedaż spektaklu teatralnego w opakowaniu nie jest jednak zbyt udana. Dla widza teatru najważniejszą rolą teatru jest przypływ uczuć i głębokich przeżyć, jakie wywołuje przedstawienie. Po spektaklu nie ma żadnych uczuć, żadnych zmartwień, żadnych nowych myśli – nawet nie będziesz miał ochoty na to iść.

Prawdziwa rola teatru w kulturze jest dramatyczna, gdyż często prowadzi do prawdziwego wizualnego katharsis – do łez. Jak mówi psychologia wektorów systemowych Jurija Burlana, wychodzą łzy, łzy oczyszczające, a nie wtedy, gdy jest ci niesamowicie przykro z powodu siebie, jest to jedno z najbardziej przydatnych działań dla każdej (uwagi) osoby wizualnej - to znaczy właściciela wektor wizualny.

Kiedy płaczemy, nasz stan się zmienia. Dla osoby wzrokowej łzy są zmianą stanu. Teatr może pomóc.

Rola teatru w kształceniu dzieci, zwłaszcza młodszego pokolenia widzów, jest nie do przecenienia. Dobre przedstawienia teatralne są najlepszą edukacją uczuć i moralności. Dobre przedstawienia rodzą pytania o moralność i wartość życia.

Ale to nie wszystko w branży teatralnej. Najlepsze spektakle stawiają nie tylko pytania uniwersalne, ale także stawiają pytanie o sens ludzkiego życia. Takie spektakle teatralne powstają przede wszystkim dla ludzi dźwiękowo-wizualnych (właścicieli jednocześnie wektorów wizualnych i dźwiękowych), ale tworzą je także widzowie dźwięku.

Po takich występach wychodzi się nie tylko z katharsis, ale i z poczuciem kontaktu z czymś bardzo ważnym. Budzą się w Tobie Twoje wewnętrzne poszukiwania i przez chwilę możesz nawet poczuć to niesamowite uczucie, że wszystko w tym życiu nie poszło na marne, z jakiegoś powodu wszystko zostało stworzone. Przynajmniej dlatego, że są tak wspaniali ludzie, którzy tworzą tak wspaniałe produkcje.

Jak można się domyślić, najlepszymi aktorami wzmacniającymi rolę teatru w życiu człowieka są także ci, którzy mają wektor wizualny i dźwiękowo-wizualną kombinację wektorów. Aktor z rozwiniętą wizją nie jest głupcem, nie jest jaskrawo pomalowanym i niezbyt bystrym ptakiem na scenie, zawsze jest osobą, która potrafi przekazać innym prawdziwe uczucia, obudzić w sobie wszystko, co najzdolniejsze i pokazać to, co najgorsze w ludzkiej naturze.

Aktorem dźwiękowo-wizualnym jest także głośność. Taki aktor może odgrywać stosunkowo proste role, ale już sama obecność dźwięku nada im sens i pogłębi ich treść. Najlepsi aktorzy to widzowie dźwięku. Takich jak Oleg Menshikov, Marlon Brando, Oleg Basilashvili i wielu, wielu innych.

Czy rola teatru w kulturze może całkowicie wypełnić pustkę współczesnych ludzi audiowizualnych? Jeśli chodzi o nową generację, oczywiście, że nie. Sam teatr nie jest w stanie tego zrobić. Musimy zdać sobie sprawę z naszych właściwości w społeczeństwie, dać z siebie wizualne współczucie i rozsądne poszukiwanie znaczenia.

Rolą teatru w naszym życiu jest dawanie nam dodatkowej inspiracji. Wypełnij nowymi myślami i uczuciami, aby przerodziły się w nowe działania. Rolą teatru w życiu człowieka jest taki rozwój wizualny i dźwiękowo-wizualny naszych dzieci, aby rozpoczęły poszukiwania od nowego, świadomego poziomu – odczuwanego i rozumianego na najlepszych lekcjach klasyki dramatu z przeszłości i teraźniejszości. Rolą teatru w kulturze jest podarowanie nam odrobiny szczęścia w najciemniejszym dniu naszego życia.

Artykuł został napisany z wykorzystaniem materiałów

Teatr można słusznie uznać za jeden z najstarszych bastionów kultury ludzkiej. W takiej czy innej formie udało mu się zająć swoje miejsce w tradycji kulturowej każdego narodu na świecie, niezależnie od przynależności rasowej, religijnej, etnicznej i innej. Rola teatru w życiu człowieka i społeczeństwa była zróżnicowana w zależności od czasu (ery) i celów, jakie przyświecały pracownikom teatru. Na przykład w starożytnej Grecji zadaniem teatru był rozwój duchowy i oczyszczenie moralne widzów poprzez empatię dla bohaterów (w dramacie starożytnym gatunkiem dominującym była tragedia), a także odzwierciedlenie najważniejszych wydarzeń historycznych.

Teatr w życiu człowieka

Główną funkcją teatru była i pozostaje rozrywkowa, wszystkie pozostałe (edukacyjne, edukacyjne, propagandowe i inne funkcje teatru, istotne dla różnych lat i kamieni milowych w historii) mogły istnieć tylko w sposób rozrywkowy. Wynika z tego, że od czasów starożytnych teatr zaspokajał naturalną potrzebę spektaklu człowieka.

Teatr rodzi się z życia, co oznacza, że ​​każde przedstawienie teatralne zawsze opowiada nam o nas samych.

Drugą najważniejszą rolą teatru w życiu człowieka jest rozwojowa. Praktyka teatralna to popularny sposób samorozwoju, a także pożyteczny aktywny wypoczynek i po prostu przyjemna rozrywka. Praktyka aktorska rozwija się w człowieku:

• uczucie estetyczne;
• poczucie wewnętrznej wolności;
• poczucie rytmu i kontrola ciała;
• umiejętność wczucia się w siebie i postawienia się na miejscu drugiej osoby;
• umiejętność prawidłowego wyrażania i przekazywania swoich myśli, a także wyrażania ich bez pomocy słów;
• umiejętność rozumienia ludzi i sytuacji życiowych;
• miłość do literatury oraz umiejętność czytania sensownego i pożytecznego.

Znaczenie teatru w wychowaniu dzieci

Wydawać by się mogło, że rola teatru w wychowaniu dzieci jest oczywista, jednak nie dla każdego. Pozwól mi wyjaśnić. O popularności dziecięcych teatrów amatorskich i klubów teatralnych decydują trzy główne czynniki:

1. Możliwość nauki gry. Podstawą teatru jest literatura klasyczna świata, którą tak trudno dzieciom przyswoić poprzez lekturę, a tak łatwo – poprzez działanie na scenie.
2. Wystawienie spektaklu to wysiłek zespołowy, ciągła praca z partnerem, umiejętność wzięcia odpowiedzialności za innych ludzi i wspólną sprawę.
3. Teatr może zachwycić nastolatka, stać się jego hobby i uchronić go przed szkodliwym wpływem złych nawyków i dysfunkcyjnych towarzystw.

Ponadto rola teatru w kształtowaniu osobowości dziecka została potwierdzona przez psychologów dziecięcych jako niezawodna metoda przezwyciężenia zwątpienia, rozwinięcia ważnych umiejętności komunikacyjnych i zdrowego poczucia własnej wartości u dzieci w każdym wieku.

Zmieniająca się rola teatru we współczesnym społeczeństwie

Znaczenie teatru w życiu współczesnego człowieka zaczęło zauważalnie spadać w wyniku pojawienia się sztuki filmowej, a tym bardziej udoskonalenia technologii kręcenia i wyświetlania filmów.

Wraz z pojawieniem się telewizorów domowych teatr stracił znaczną część widowni, a w przyszłości całe pokolenia wychowywały się nie na scenie, ale na „niebieskim ekranie”.

Doprowadziło to do utraty przez teatr roli głównego dostawcy „okularów” dla mas i znacznego spadku zainteresowania nim. Jednak to właśnie dzisiaj, w dobie cyfrowej, kiedy całe archiwa filmów mieszczą się na centymetrowym kawałku plastiku i można je oglądać na każdym urządzeniu mobilnym, zmienia się rola teatru w społeczeństwie. Znów zyskuje popularność i zyskuje drugi oddech. Jest tego kilka powodów.

• Sytość. Kiedyś szalony wzrost popularności kina wynikał z nowości tego zjawiska, zwłaszcza w porównaniu z teatrem tradycyjnym. Dziś kino jest zjawiskiem na tyle zwyczajnym i powszechnym, że teatr na jego tle wygląda wręcz egzotycznie i szybko wraca do mody.
• Produkt masowy niskiej jakości. Aby zapewnić filmowi wysokie wpływy ze sprzedaży biletów, wystarczy zainwestować w efekty specjalne i reklamę z dobrym zwiastunem, bo widz trafia przede wszystkim na jasny obraz. Efektem jest szereg niskobudżetowych, niskobudżetowych efemeryd, których wartość jest oczywista jedynie dla ich twórców. A powstający głód intelektualny współczesnego widza może zaspokoić jedynie „inteligentne” kino, którego nie jest tak wiele, i oczywiście teatr.

W szkole wystąpień publicznych nauczanie komunikacji biznesowej obejmuje rozwijanie umiejętności komunikacyjnych i dzielenie się doświadczeniami negocjacyjnymi z uczniami takimi jak Ty. Razem ze swoim nauczycielem przeanalizujesz najtrudniejsze momenty w negocjacjach i nauczysz się je pokonywać.

Dla wielu z nas współczesna rzeczywistość niesie ze sobą wiele rozczarowań i smutków, dlatego ich „pełny przepływ” musi czasem zostać zatrzymany przez radosne, pozytywne i pogodne wydarzenia, na przykład wyjście do teatru. Dla współczesnego człowieka, podobnie jak dla jego przodków, teatr jest nie tylko ekscytującą formą sztuki, teatr jest silnym lekiem przeciwdepresyjnym, wywołującym ogromną ilość pozytywnych emocji, które dają dobry nastrój, lekkość i niesamowitą radość w duszy.

Przynajmniej czasami uczęszczając na przedstawienia teatralne, można łatwo pozbyć się depresji. Zastanówmy się zatem, dlaczego bilety do dużego teatru oraz innych dużych i małych świątyń Melpomeny działają na ludzki organizm jak silne leki przeciwdepresyjne.

Sekret polega na tym, że w teatrze podczas przedstawienia człowiek otrzymuje wiele pozytywnych emocji, które z kolei stymulują obniżenie poziomu hormonu stresu we krwi i zwiększają produkcję substancji odpowiedzialnej za dobry nastrój - serotonina. Substancja ta jest swego rodzaju narkotykiem dla ludzkiego organizmu, który wnosi pozytywność, radość i poczucie naturalnej błogości. Kiedy w organizmie wytwarzana jest niewystarczająca ilość serotoniny lub jej produkcja całkowicie ustaje, osoba popada w stan depresyjny.

Z reguły w okresie depresji ludzie zwracają się do lekarzy specjalistów, którzy po badaniu przepisują wiele leków, których głównym zadaniem jest stymulacja pojawienia się w organizmie hormonów radości. Ale bez wyjątku wszystkie leki przeciwdepresyjne działają w taki sam sposób, jak wszystkie inne leki farmakologiczne - wpływają pozytywnie na jeden narząd, a negatywnie na wszystkie inne. I czy warto wywierać negatywny wpływ na organizm za pomocą różnych tabletek, skoro depresji można pozbyć się regularnie odwiedzając teatr? Spektakl teatralny nie przyniesie żadnych skutków ubocznych, a bilet do teatru kosztuje mniej niż leki przepisane przez lekarza. Jednocześnie regularne wycieczki do świątyni sztuki dają możliwość rozwoju osobistego, dostarczają pokarmu dla umysłu i stymulują poznanie czegoś nowego i nieznanego. Oznacza to, że teatr jest najsilniejszą platformą duchowego samodoskonalenia.

Według statystyk chodzenie do teatru staje się ostatnio coraz bardziej popularne wśród współczesnej młodzieży. Oznacza to, że można sądzić, że teatr jako sztuka nigdy nie wymrze. Wręcz przeciwnie, nowe etapy postępu technologicznego otwierają przed branżą teatralną nowe możliwości, dlatego na premiery teatralne zaczynają przychodzić nawet ci, którzy uważali ją za relikt przeszłości.

Zarówno psychoterapeuci, jak i przedstawiciele teatru od dawna zastanawiają się, jak teatr wpływa na zdrowie fizyczne i moralne człowieka. W związku z tym w praktyce leczniczej i rehabilitacyjnej pojawiła się ostatnio nowa koncepcja – terapia transdramatyczna. Mówi o głębokim wpływie teatru na duszę widza. Po spektaklu ludzie wychodzą trochę inni, jakby odnowieni i oczyszczeni. Jeśli nigdy wcześniej nie byłeś w teatrze, radzimy odwiedzić - ta strona www.sim-sim.ru pomoże Ci uzyskać szczegółowe informacje na temat odbywających się koncertów. Nawiasem mówiąc, ten teatr jest także oranżerią, w której uczą się utalentowane dzieci.

System Stanisławski

Prawie każdy z nas zna lub przynajmniej słyszał o systemie Stanisławskiego. Niewiele jednak osób wie, że pracownik teatru, tworząc poradnik praktyki reżyserskiej i aktorskiej, korzystał z wiedzy medycznej. W systemie Stanisławskiego po raz pierwszy zaczęto rozważać problemy związane ze świadomym panowaniem człowieka nad podświadomym potencjałem twórczym, opartym na organicznej transformacji w rolę.

Aby rozwinąć system w kręgach teatralnych, Stanisławski zwrócił się do dzieł znanych naukowców Pawłowa i Sieczenowa, poświęconych wyższej aktywności nerwowej człowieka. Ucieleśniał własną metodę pracy, którą nazwano metodą działań fizycznych. Po szczegółowych studiach geniusz teatralny połączył na nowo prawa psychotechniki, a następnie wykorzystał je w praktyce teatralnej.

Pozytywny wpływ teatru na ludzkość

Od czasów Arystotelesa, który wierzył, że współczucie dla myśli i czynów aktora pozwala pozbyć się wielu problemów i doświadczeń, mówi się o dobroczynnym wpływie sztuki teatralnej na ludzkość. Na przykład każdy widz, który kupił bilety do teatru, może i powinien podczas spektaklu osiągnąć główny pozytywny efekt - ujawnić twórczą istotę jednostki i potencjału. Jednym z powodów jest to, że wszyscy ludzie w głębi serca są małymi aktorami.

Widz wchodząc do teatru mimowolnie stawia się w sytuacji bohaterów. Każda osoba przechodzi sprawę przez siebie, odczuwa własne wady i zalety zachowania. Celem głównym jest uświadomienie sobie otaczającego świata i siebie poprzez działania teatralne. Ale tutaj bardzo ważne jest, aby nie zapomnieć o sobie i nie przymierzać się często do ról, a tym bardziej nie wchodzić w postać na zawsze.

Przyjemność teatru

Mówią, że regularnie odwiedzając teatr można wyleczyć się z depresji, lenistwa i apatii. Sekret teatru polega na tym, że przedstawienie aktorskie dostarcza pozytywnych emocji i myśli, które obniżają poziom hormonów stresu w organizmie człowieka i znacząco poprawiają produkcję serotoniny, która sprawia nam radość i przyjemność.

We współczesnym społeczeństwie postindustrialnym, w którym człowiekowi często brakuje prawdziwych uczuć, wartościowych i pełnych wydarzeń wydarzeń życiowych. Właśnie po to stworzono teatr. Na scenie aktor nie może ukrywać się za rutyną i nudą. Odwiedzając teatry, możesz przeżyć niezapomnianą przyjemność, uszlachetnić się, w pewnym stopniu uzdrowić swoją duszę i uporządkować myśli, a to jest wiele warte.

Kontakty firmy sim-sim.ru
telefon: +7 495 77-228-77

MINISTERSTWO EDUKACJI I NAUKI FEDERACJI ROSYJSKIEJ

Federalna państwowa instytucja edukacyjna budżetowa

wykształcenie wyższe i zawodowe

„Uniwersytet Stanowy Ryazan nazwany na cześć SA. Jesienin”

Wydział Socjologii i Zarządzania

Katedra Socjologii

Specjalność 040100 - „Socjologia”

Teatr jako środek wychowawczy

Praca dydaktyczna studenta IV roku,

grupa 9910 Goryacheva T.G.

Opiekun naukowy: dr hab.

psychol. Nauki Tenyaeva O.V.

________________________

„____”________________2013

Ryazan2013

Wstęp

Rozdział 1. Wpływ procesu twórczości teatralnej na wychowanie jednostki

Teatr jako środek oddziaływania na osobowość………………………...4

„Aktor” jako zawód i zjawisko społeczno-psychologiczne…..8

Edukacja widzów za pomocą środków teatralnych…………………10

Rozdział 2. Proces edukacyjny w grupach teatralnych

2.1. Problemy wychowania w zespołach teatralnych…………………20

2.2. Rola prób w procesie edukacyjnym……………………………28

Wniosek

Wykaz używanej literatury

Aplikacja

Wstęp

Znaczenie tematu zajęć polega na tym, że we wczesnych stadiach rozwoju człowieka teatralne zasady ludzkiego zachowania odgrywały znacznie większą rolę niż w bliskich nam epokach. W przedkapitalistycznych stosunkach społecznych kultura była niejako przesiąknięta teatralnością.

W tym przypadku zachowanie teatralne często pojawia się na scenie i w dramacie jako najważniejszy przedmiot przedstawienia. W wielu utworach trzon stanowią epizody, w których akcja toczy się przy aktywnym udziale szerokiego grona osób.

Przyczyniło się to do powstania takiego rodzaju twórczości, jak sztuka teatralna, której w pierwszych etapach swojego powstania nie przywiązywano tak dużej wagi jako środka edukacyjnego, do którego w naszych czasach powstały liczne prace teoretyczne zarówno psychologów, pedagogów, jak i teatru krytycy są oddani.

Celem zajęć jest ukazanie możliwości teatru i sztuki teatralnej w procesie edukacyjnym.

Cele pracy na kursie są następujące:

Ukazanie znaczenia teatralności jako sztuki wyrażania siebie

Zastanówmy się nad procesem edukacyjnym w grupie teatralnej

Poznaj rolę teatru jako środka edukacyjnego

Rozdział 1. Wpływ procesu twórczości teatralnej na wychowanie jednostki

1.1. Teatr jako środek oddziaływania na osobowość

Sztukę teatralną uznaje się za główny i niemal jedyny czynnik wychowania moralnego, estetycznego i obywatelskiego jednostki. Jednocześnie jego wpływ jest często sztucznie usuwany z ogólnej atmosfery duchowej, w której porusza się człowiek, a determinująca rola aktywności zawodowej i relacji społecznych w kształtowaniu duchowego, a już twórczego potencjału jednostki, jest ignorowana . Rolę sztuki w procesie kształtowania osobowości można określić jako korygującą, wzbogacającą, wzmacniającą moralny, estetyczny i twórczy wpływ pracy i warunków środowiskowych. Sztuka w pewnym sensie i pod pewnymi warunkami przyczynia się do rozwiązania pojawiających się sprzeczności w procesie rozwoju osobowości twórczej, usuwa czynniki dysharmonijne i tworzy określone zaplecze artystyczne. Rola grupy teatralnej jako twórcy oryginalnych dzieł sztuki lub ich interpretatora ma wartość względną, na pierwszy plan wysuwa się problem jej orientacji pedagogicznej i pełnienia przez nią funkcji społeczno-pedagogicznej. Jaka jest specyfika teatru jako przedmiotu wychowania, środka wszechstronnego i harmonijnego rozwoju jednostki? Przede wszystkim należy podkreślić: sztuka nie jest jedyną formą świadomości społecznej kształtującą osobowość. Ładunek edukacyjny jest realizowany przez naukę, politykę, ideologię, moralność i prawo. Jednak wpływ każdej z tych form świadomości społecznej jest lokalny. Moralność określa wychowanie moralne, prawo – prawne, ideologia, polityka – ideologiczna i światopoglądowa. Teatr oddziałuje na świadomość, świat duchowy i emocjonalny człowieka (kształtując w ten sposób jego całościowy wygląd; aktywnie sprzyja rozwojowi duchowemu, pielęgnuje przekonania ideowe i moralne, stymuluje działania społecznie transformacyjne, poprawia kulturę polityczną, pracę i życie codzienne. Estetyczna zabawa, rozrywka niepostrzeżenie przekazywana bogactwo treści moralnych sztuki we własność osobistą. Kształtuje się całościowy stosunek człowieka do świata, pozostawiając ślad we wszystkich aspektach jego życia i działalności, na relacjach, zrozumieniu celu i sensu życia. Teatr wyostrza umysł, moralnie uszlachetnia uczucia, poszerza horyzonty. Proces „oczyszczający” – „oczyszczający” wpływ sztuki jest oczywiście złożony i niejednoznaczny. Wiąże się on z głębokimi korzeniami ze zjawiskami zachodzącymi w psychice, duchowym świecie jednostki; Bezpośredni lub pośredni wpływ na niego mają czynniki bytu społecznego, które mogą zarówno zwiększać, jak i zmniejszać efektywność procesu.

Radzieccy psychologowie, przede wszystkim L. Wygotski, S. Rubinstein, B. Tepłow, L. Yakobson, dość kompleksowo i dogłębnie przeanalizowali i eksperymentalnie potwierdzili wpływ teatru na rozwój osobowości: psychicznej, moralnej, estetycznej; Ukazuje się naturę zdolności artystycznych i predyspozycji człowieka do sztuki teatralnej jako formy działania. Główną cechą interakcji sztuki z człowiekiem jest głęboka emocjonalna, zmysłowa podstawa tego procesu. Jednak intensywność emocjonalna różnych czynności nie jest taka sama. W poznaniu naukowym emocje mają charakter podrzędny, tła. Tutaj myślenie i świadomość są na pierwszym planie. W sztuce i praktyce artystycznej dominującą rolę odgrywają emocje oraz przeżycia emocjonalno-zmysłowe. Na ich podstawie powstaje świadoma, ideologiczna i figuratywna wizja oraz rozumienie treści sztuki. Myślenie emocjonalne, czyli myślenie emocjami, które powstało w wyniku kontaktu ze sztuką, ma bezpośredni dostęp do ludzkich działań, ich treści semantycznej i emocjonalnej. Jak wiadomo, emocje i uczucia nie są końcowym produktem aktywności umysłowej. Pojawiają się jako bardzo konkretny rezultat (przy pewnej konwencji terminu) oddziaływania sztuki teatralnej, objawiający się w postaci określonych działań lub nadawania tym działaniom odpowiedniego kolorytu. Wpływając na działania, motywy zachowań, emocje zyskują widoczne zarysy i formy manifestacji. Ta cecha aktywności emocjonalnej i psychicznej jednostki w procesie odbioru sztuki teatralnej determinuje także intensywność jej wzbogacenia artystycznego, estetycznego i moralnego oraz proces rozwoju umiejętności artystycznych i twórczych.

Oryginalność efektów twórczości w grupie teatralnej można rozpatrywać zarówno z punktu widzenia artystyczno-estetycznego, jak i personalno-subiektywnego, czyli z punktu widzenia tego, co daje ona człowiekowi jako artyście i jako osobie. Występowanie w grupie teatralnej wiąże się z procesem tworzenia wartości estetycznych i duchowych. Jednym z nich jest głęboka socjalizacja moralna, doskonalenie moralne człowieka. Działalność ta może polegać na samodzielnym rozwiązywaniu lub znajdowaniu sposobów rozwiązania różnorodnych problemów artystycznych i twórczych. Następuje aktywne tworzenie osobowości, rozwój wszystkich jej aspektów oraz potencjału duchowego i twórczego. Co więcej, potencjał ten realizuje się nie tylko w sferze praktyki artystycznej, ale także w całym systemie relacji człowieka z innymi. Twórcze podejście do rozwiązywania pojawiających się problemów staje się jego naturalnym nawykiem, istotną cechą. Skuteczność działalności twórczej można określić poprzez kształtowanie się za jej pomocą typu osobowości twórczej. Kryterium to jest decydujące dla twórczości teatralnej, gdyż to zadanie jest najważniejszą z jej funkcji.

Jak każda sztuka, teatr pełni funkcje edukacyjne, które mogą być realizowane jedynie w teatralnej grupie twórczej. Właściwie zorganizowana praca pedagogiczna pozwala uczestnikom efektywniej rozwiązywać postawione zadania i osiągać zamierzony rezultat. Teatr i sztuki performatywne nie mogły pojawić się znikąd. Pierwszym etapem rozwoju teatru i tego rodzaju sztuki było pojawienie się teatralności zarówno w samym człowieku, jak i następnie w dziełach, które wykonywał, w sposobie życia, który dla siebie definiował jako główne kryterium istnienia i przetrwania w trudnych czasach. Obecnie teatr jest już samodzielną jednostką, różniącą się pod wieloma względami od pierwszych prób twórczości teatralnej czy scenicznej, posiadającą bogate doświadczenie zarówno w kształtowaniu repertuaru, jak i tworzeniu własnej widowni. Edukacyjne oddziaływanie teatru dostrzeżono już w starożytności, jednak nie nadano mu szczególnego kolorytu, gdyż problem ten nabrał współcześnie aktualności i jest obecnie rozpatrywany kompleksowo przez specjalistów z zakresu kultury i sztuki

1.2. „Aktor” jako zawód i zjawisko społeczno-psychologiczne

Aktor to profesjonalny wykonawca różnych ról w teatrze, operze, balecie, a także w cyrku i na scenie. Czasami słowo „aktor” kojarzy się z artystą, choć jego znaczenie jest nieco szersze. Artystą jest zazwyczaj osoba, która osiągnęła określony poziom umiejętności w jakiejś działalności niezwiązanej z teatrem lub inną formą sztuk performatywnych.

Z pewnością każdy z nas przynajmniej raz w życiu myślał o zostaniu aktorem. Niektórym się to udaje, ale dla innych pozostaje to marzeniem.

Zawód aktora odgrywa dziś dużą rolę w życiu kulturalnym każdego człowieka. Wszyscy uwielbiamy oglądać filmy i chodzić do teatrów. Nie każdy może zostać aktorem, dlatego zawodowi aktorzy są bardzo poszukiwani i mają dobre honoraria. Profesjonalny aktor musi umieć pracować zarówno samodzielnie, jak i w zespole, być odpowiedzialnym w swojej pracy, a także zdawać sobie sprawę z zamierzeń reżysera

Aby zostać aktorem, trzeba mieć zdolności artystyczne, być kreatywnym, a także posiadać prezencję sceniczną. Zawodowi aktorzy są bardzo poszukiwani na scenach teatralnych i planach filmowych. Często dzienne opłaty wahają się od 25 do 100 tysięcy rubli za jeden dzień zdjęciowy.

Zawód aktora jest bardzo ciekawy, ale jednocześnie trudny i odpowiedzialny. Tym samym zawód kaskadera często wiąże się z zagrożeniem życia, dlatego wymaga maksymalnej staranności i koncentracji na planie czy scenie teatralnej.

Dziś w naszym kraju sztuki aktorskiej uczy się w wyspecjalizowanych placówkach edukacyjnych. Najpierw musisz przejść wstępne przesłuchanie, podczas którego możesz zostać poproszony o przeczytanie fragmentu wiersza lub wykonanie numeru. Możesz uczyć się aktorstwa bez końca, ponieważ Twoja doskonałość nie ma granic.

Specjalność „Aktorstwo” ma jedną kwalifikację – „artysta teatru dramatycznego i filmu”. Ile będzie „teatru”, a ile „kina”, zależy od uczelni.

Jedyną państwową uczelnią kształcącą aktorów filmowych jest Ogólnorosyjski Państwowy Instytut Kinematografii im. SA Gierasimowa (VGIK). Jeśli Twoim celem jest scena teatralna, wybór uczelni jest większy. W Moskwie aktorzy teatralni kształcą się na czterech państwowych uniwersytetach. Jednak w ostatniej dekadzie uczelnie komercyjne aktywnie podjęły kształcenie aktorów teatralnych i filmowych.

Bardzo trudno jest zapisać się do działu aktorskiego, a wejście do działu budżetowego jest prawie niemożliwe. Przyszli aktorzy przyjeżdżają do Moskwy z całego kraju. Przeciętna konkurencja o przyjęcie to 20 osób na miejsce.

1.3. Edukacja widzów poprzez środki teatralne

Każda sztuka, dysponując specjalnymi środkami oddziaływania, może i powinna wnosić swój wkład w ogólny system edukacji estetycznej uczniów. Teatr, jak żadna inna forma sztuki, ma największe „pojemności”. Absorbuje zdolność literatury do odtwarzania życia w słowach w jego zewnętrznych i wewnętrznych przejawach, ale słowo to nie jest narracyjne, ale żywo brzmiące, bezpośrednio skuteczne. Co więcej, w przeciwieństwie do literatury, teatr odtwarza rzeczywistość nie w umyśle czytelnika, ale jako obiektywnie istniejące obrazy życia (spektakl) umiejscowione w przestrzeni. I pod tym względem teatr zbliża się do malarstwa. Ale spektakl teatralny jest w ciągłym ruchu, rozwija się w czasie – i w ten sposób jest bliski muzyce. Zanurzenie się w świat przeżyć widza przypomina stan, jakiego doświadcza słuchacz muzyki, zanurzony we własnym świecie subiektywnego postrzegania dźwięków.

Oczywiście teatr w żaden sposób nie zastępuje innych form sztuki. Specyfiką teatru jest to, że przenosi on „właściwości” literatury, malarstwa i muzyki poprzez obraz żywej, działającej osoby. Ten bezpośredni materiał ludzki dla innych rodzajów sztuki to dopiero punkt wyjścia twórczości. Dla teatru „przyroda” służy nie tylko jako materiał, ale także zostaje zachowana w jej bezpośredniej żywotności. Jak zauważył filozof G. G. Shpet: „Aktor tworzy siebie w podwójnym sensie: 1) jak każdy artysta, ze swojej twórczej wyobraźni; oraz 2) w szczególności posiadanie przy sobie materiału, z którego tworzony jest obraz artystyczny” (1).

Sztuka teatru ma niesamowitą zdolność łączenia się z życiem. Choć występ sceniczny odbywa się po drugiej stronie sceny, w momentach największego napięcia zaciera granicę pomiędzy sztuką a życiem i jest odbierany przez widzów jako sama rzeczywistość. Atrakcyjność teatru polega na tym, że „życie sceniczne” swobodnie manifestuje się w wyobraźni widza.

Ten zwrot psychologiczny następuje dlatego, że teatr nie tylko jest obdarzony cechami rzeczywistości, ale sam w sobie odsłania rzeczywistość kreowaną artystycznie. Rzeczywistość teatralna, tworząca wrażenie rzeczywistości, rządzi się swoimi szczególnymi prawami. Prawdziwości teatru nie można mierzyć kryteriami wiarygodności z życia wziętego. Człowiek nie jest w stanie znieść ciężaru psychicznego, jaki bohater dramatu bierze na siebie w życiu, gdyż w teatrze dochodzi do skrajnej kondensacji całych cykli zdarzeń. Bohater spektaklu często doświadcza swojego życia wewnętrznego jako skrzepu namiętności i dużej koncentracji myśli. A wszystko to jest przez publiczność traktowane jako coś oczywistego. „Niesamowite” według standardów obiektywnej rzeczywistości wcale nie jest oznaką nierzetelności w sztuce. W teatrze „prawda” i „nieprawda” mają różne kryteria i są wyznaczane przez prawo wyobraźni. „Sztuka jest doświadczana jako rzeczywistość w pełni naszych „mechanizmów” mentalnych, ale jednocześnie oceniana jest pod względem jej specyficznej jakości jako ręcznie wykonane i zabawne „nierealne”, jak mówią dzieci, iluzoryczne podwojenie rzeczywistości” (2).

Widz teatralny staje się widzem teatralnym, gdy dostrzeże ten podwójny aspekt akcji scenicznej, nie tylko widząc przed sobą żywotnie konkretny akt, ale także rozumiejąc wewnętrzny sens tego aktu. To, co dzieje się na scenie, odbierane jest zarówno jako prawda życia, jak i jego przenośne odtworzenie. Jednocześnie trzeba zaznaczyć, że widz, nie tracąc poczucia rzeczywistości, zaczyna żyć w świecie teatru. Relacja rzeczywistości realnej i teatralnej jest dość złożona. W procesie tym można wyróżnić trzy fazy: 1. Rzeczywistość obiektywnie ukazanej rzeczywistości, przekształcona przez wyobraźnię dramatopisarza w dzieło dramatyczne. 2. Dzieło dramatyczne wcielone przez teatr (reżysera, aktorów) w życie sceniczne – spektakl. 3. Życie sceniczne, postrzegane przez widzów i stające się częścią ich przeżyć, zlewające się z życiem widzów i tym samym powracające na nowo do rzeczywistości.

Ale ten „powrót” nie jest analogiczny do pierwotnego źródła; teraz jest wzbogacony duchowo i estetycznie. „Dzieło sztuki powstaje po to, aby żyło – żyło niemal w dosłownym tego słowa znaczeniu, tj. weszło, podobnie jak doświadczane wydarzenia prawdziwego życia, w duchowe doświadczenie każdego człowieka i całej ludzkości” (3).

Ze skrzyżowania dwóch typów wyobraźni aktywnej – aktorskiej i widza – rodzi się tak zwana „magia teatru”. Zaletą sztuki teatralnej jest to, że jasno i konkretnie ucieleśnia ona wyobraźnię w żywej akcji rozgrywającej się na scenie. W innych sztukach wyimaginowany świat albo pojawia się w ludzkiej wyobraźni, jak w literaturze i muzyce, albo jest uchwycony w kamieniu lub na płótnie, jak w rzeźbie lub malarstwie. W teatrze widz widzi to, co wyobrażone. „Każdy spektakl zawiera pewne elementy fizyczne i obiektywne, dostępne dla każdego widza” (4).

Sztuka performatywna ze swej natury zakłada nie bierne, ale aktywne zaangażowanie publiczności, gdyż w żadnej innej sztuce nie ma takiej zależności procesu twórczego od jej percepcji, jak w teatrze. Publiczność G.D. Gaczowa jest „jak istoty niebiańskie, jak tysiącoki Argus<...>rozświetl akcję na scenie<...>bo świat sceniczny powstaje sam w sobie, pojawia się, ale w równym stopniu jest dziełem widza” (5).

Podstawowe prawo teatru – wewnętrzne uczestnictwo publiczności w wydarzeniach rozgrywających się na scenie – zakłada pobudzenie wyobraźni, niezależnej, wewnętrznej twórczości u każdego z widzów. Ta niewola w akcji odróżnia widza od obojętnego obserwatora, którego można spotkać także w salach teatralnych. Widz, w przeciwieństwie do aktora, aktywnego artysty, jest artystą kontemplującym.

Aktywna wyobraźnia widzów nie jest bynajmniej jakąś szczególną duchową własnością wybranych miłośników sztuki. Oczywiście rozwinięty gust artystyczny ma ogromne znaczenie, ale jest to kwestia rozwoju tych zasad emocjonalnych, które są nieodłączne dla każdego człowieka. „Gust artystyczny otwiera czytelnikowi, słuchaczowi i widzowi drogę od formy zewnętrznej do wewnętrznej i od niej do treści dzieła. Aby ta droga przebiegła pomyślnie, niezbędny jest udział wyobraźni i pamięci, emocjonalnych i intelektualnych sił psychiki, woli i uwagi, wreszcie wiary i miłości, czyli tego samego integralnego mentalnego zespołu sił mentalnych, które realizują akt twórczy” (6).

Świadomość rzeczywistości artystycznej w procesie percepcji jest głębsza, im pełniej widz zanurzony jest w sferze przeżyć, tym bardziej wielowarstwowa sztuka wnika w duszę człowieka. To właśnie na styku dwóch sfer – nieświadomego doświadczenia i świadomego postrzegania sztuki istnieje wyobraźnia. Jest ona pierwotnie wpisana w psychikę człowieka, organicznie, dostępna każdemu człowiekowi i może być znacznie rozwinięta w trakcie kumulacji przeżyć estetycznych.

Percepcja estetyczna jest twórczością widza i może osiągnąć dużą intensywność. Im bogatsza natura samego widza, tym bardziej rozwinięty jego zmysł estetyczny, tym pełniejsze jego przeżycia artystyczne, tym aktywniejsza jego wyobraźnia i bogatsze wrażenia teatralne.

Estetyka percepcji w dużej mierze skupia się na idealnym odbiorcy. W rzeczywistości świadomy proces kultywowania kultury teatralnej prawdopodobnie popchnie widza w stronę zdobywania wiedzy o sztuce i opanowania pewnych umiejętności percepcyjnych. Wykształcony widz może: - poznać teatr według jego praw; - poznać teatr w jego współczesnych procesach; - poznać teatr w jego historycznym rozwoju.

Jednocześnie należy mieć świadomość, że wiedza mechanicznie zapisana w głowie widza nie gwarantuje pełnej percepcji. Proces kształtowania się kultury widza ma w pewnym stopniu charakter „czarnej skrzynki”, w której aspekty ilościowe nie zawsze łączą się bezpośrednio z pewnymi zjawiskami jakościowymi. Teatr to niesamowita sztuka. Choćby dlatego, że w ciągu ostatniego stulecia kilkakrotnie przepowiadano jego nieuniknioną śmierć. Groził mu Wielki Cichy, który nabył mowę – wydawało się, że kino dźwiękowe odciągnie wszystkich widzów od teatru. Potem pojawiło się zagrożenie ze strony telewizji, gdy spektakl dotarł bezpośrednio do domu, a później zaczęto obawiać się potężnego rozprzestrzeniania się wideo i Internetu.

Jeśli jednak skupimy się na ogólnych tendencjach istnienia sztuki teatralnej na świecie, nie będzie zaskoczeniem, że na początku XXI wieku teatr nie tylko się zachował, ale zaczął wyraźnie podkreślać niemasowość i, co najważniejsze, niemasowość. w pewnym sensie „elitarność” swojej sztuki. Ale w tym samym sensie o elitarności sztuk pięknych czy muzyki klasycznej możemy mówić, jeśli porównamy wielomilionową widownię, którą gromadzą popularni wykonawcy, z ograniczoną liczbą widzów w oranżerii.

W teatrze syntetycznym współczesności tradycyjna relacja pomiędzy dominującymi zasadami – prawdą i fikcją – jawi się jako swego rodzaju nierozerwalna jedność. Synteza ta zachodzi zarówno jako akt doświadczenia (postrzeganie prawdy życiowej), jak i akt przyjemności estetycznej (postrzeganie poezji teatru). Widz staje się wtedy nie tylko psychologicznym uczestnikiem akcji, czyli osobą, która „wchłania” losy bohatera i wzbogaca się duchowo, ale także twórcą, który dokonuje w swojej wyobraźni działania twórczego, jednocześnie z tym, co się dzieje. na scenie. Ten ostatni punkt jest niezwykle ważny i zajmuje centralne miejsce w estetycznej edukacji odbiorców.

Oczywiście każdy widz może mieć swój własny pomysł na idealne wykonanie. Ale we wszystkich przypadkach opiera się na pewnym „programie” wymagań art. Ten rodzaj „wiedzy” zakłada pewną dojrzałość kultury widza.

Kultura widza w dużej mierze zależy od charakteru sztuki, która jest mu oferowana. Im bardziej złożone jest przed nim zadanie – estetyczne, etyczne, filozoficzne – tym intensywniejsza jest myśl, ostrzejsze emocje, tym subtelniejsza manifestacja gustu widza. To bowiem, co nazywamy kulturą czytelnika, słuchacza czy widza, jest bezpośrednio związane z rozwojem samej osobowości człowieka, zależy od jego rozwoju duchowego i wpływa na jego dalszy rozwój duchowy.

Znaczenie zadania, jakie teatr stawia przed widzem w ujęciu psychologicznym, polega na tym, że obraz artystyczny, w całej swojej złożoności i niespójności, odbierany jest przez widza najpierw jako realną, obiektywnie istniejącą postać, a następnie – jako przyzwyczaja się do obrazu i zastanawia się nad jego czynami, odsłania (jakby niezależnie) jego wewnętrzną istotę, jego ogólne znaczenie.

Pod względem estetycznym złożoność zadania polega na tym, że widz postrzega obraz sceniczny nie tylko według kryteriów prawdziwości, ale także wie, jak (uczy się) rozszyfrować jego poetycki, metaforyczny sens. Specyfiką sztuki teatralnej jest więc człowiek żywy, jako bezpośrednio doświadczający bohater i jako bezpośrednio tworzący artysta, a najważniejszym prawem teatru jest bezpośrednie oddziaływanie na widza. O „efektu teatru”, o jego przejrzystości decyduje nie tylko godność samej twórczości, ale także godność i kultura estetyczna widowni. Sami praktycy teatru (reżyserzy i aktorzy) najczęściej piszą i mówią o widzu jako obowiązkowym współtwórcy spektaklu: „Nie ma przedstawienia teatralnego bez udziału publiczności, a spektakl ma szansę powodzenia tylko wtedy, gdy widz sam „przegrywa” grę, tj.… akceptuje jej zasady i wciela się w osobę empatyczną lub samoeliminującą się” (7).

Jednak przebudzenie artysty w odbiorze następuje tylko wtedy, gdy widz jest w stanie dostrzec w całości treści zawarte w spektaklu, jeśli jest w stanie poszerzyć swój zakres estetyczny i nauczyć się widzieć w sztuce coś nowego, jeśli jednocześnie pozostając wiernym swojemu ulubionemu stylowi artystycznemu, nie okazuje się głuchy i na inne kierunki twórcze, jeśli potrafi dostrzec nową interpretację klasycznego dzieła i potrafi oddzielić plan reżyserski od jego realizacji przez aktorów. .. Takich „jeśli” można wymienić znacznie więcej. W konsekwencji, aby widz zaangażował się w twórczość, aby obudził się w nim artysta, na obecnym etapie rozwoju naszego teatru istnieje potrzeba ogólnego wzrostu kultury artystycznej widza.

Współczesna pedagogika dostrzega także możliwości teatru jako realnego środka edukacji artystycznej dzieci w wieku szkolnym. Teatr zawsze był szkołą dla utalentowanych widzów. Dziś, w warunkach rozwoju kultury elektronicznej, ekspansji mediów, „rozrywki dóbr konsumpcyjnych” (Z. Ya. Korogodsky), należy szukać środków, które pomogą przeciwstawić się temu procesowi. Oczywiście wielomilionowa publiczność wideo i skromna publiczność teatru są ilościowo nieporównywalne, ale to widz teatru, wychowany na komunikacji z żywą sztuką, jak twierdzą psychologowie, socjolodzy i krytycy sztuki, jest najbardziej wykształcony i utalentowany.

Zauważmy też, że poszukiwania artystyczne współczesnego teatru zakładają w naturalny sposób obecność wykształconego widza, którego do teatru przyciąga coś więcej niż tylko znajomość nieznanej fabuły czy możliwość przyjemnego spędzenia wolnego czasu. Zróżnicowanie widzów na indywidualnych „ekspertów” i masową „jednorazową” publiczność wpisuje się w kształtujący się podział w samej sztuce teatralnej na spektakle tworzone w oryginalnym języku artystycznym i spektakle masowe dostępne dla każdego widza. Teatr współczesny, jak pokazuje praktyka, staje się samowystarczalnym organizmem twórczym, wpisując się w zjawisko, które w historii kultury nazywano „sztuką dla sztuki”. W tym procesie widz „trzeciego twórcy spektaklu” (K.S. Stanisławskiego) zamienia się w składnik wtórny, często umiejscowiony na peryferiach uwagi samego teatru. Jeśli więc dziś teatr w swojej działalności twórczej praktycznie porzucił funkcję edukacyjną, to współczesna szkoła wzięła na siebie odpowiedzialność za rozwijanie zainteresowań sztuką i przeciwstawienie się brakowi duchowości i kultury masowej.

To właśnie w szkole zaczęto włączać teatr do różnorodnych form zajęć edukacyjnych i pozaszkolnych. Nie tylko szkoły specjalistyczne o kierunkach humanitarnych czy estetycznych (gimnazja i licea), ale także zwykłe szkoły średnie zaczęły wprowadzać do swojego programu nie tylko koła teatralne i przedmioty do wyboru, ale także lekcje teatralne (przy całej złożoności pomysłów na to, czym jest lekcja teatru w Szkoła jest ). Pojawiło się wiele programów, przede wszystkim autorskich, które najczęściej zakładają wprowadzenie dzieci w wieku szkolnym w sztukę teatralną w adaptowanej wersji profesjonalnej edukacji teatralnej.

Integralną częścią zarówno lekcji teatralnych, zajęć fakultatywnych, jak i teatralizacji jako środka rozwoju osobowości dziecka stała się część kultury teatralnej, która według nauczycieli zaangażowanych w tę pracę polega najczęściej na zapoznawaniu dzieci w wieku szkolnym z teatrem jako formą sztuki , studiując historię teatru krajowego i zagranicznego, opanowując elementy gry aktorskiej i inscenizując spektakle, w których bawią się dzieci.

Aktywna inwazja na świadomość dzieci już od najmłodszych lat przez ogromną masę spektakularnych wrażeń, jakie niesie ze sobą kino i telewizja, nie przebiega bez śladu. Dzisiejszy teatr przemawia oczywiście do telewizyjnego pokolenia młodych widzów. Specyfika widza telewizyjnego wpływa na jego egzystencję w sali teatralnej. Możliwość podczas oglądania w domu przerwania programu lub filmu, zatrzymania się, „wyjścia” z oglądania i „wejścia” ponownie, kiedy tylko chcesz, tworzy rodzaj dyskretnej percepcji, która w teatrze poddawana jest poważnym testom. Konieczność długotrwałego zanurzenia się w holistycznym procesie komunikacji ze sztuką zderza się z niemożnością powolnego zaistnienia w tej komunikacji młodych widzów. Proces ten dodatkowo komplikuje zaangażowanie wielu współczesnych reżyserów w tworzenie monumentalnych dzieł trwających cztery, pięć godzin, czasem z tylko jedną przerwą. Takie przedstawienia dosłownie sprawdzają „siłę” zainteresowania publiczności sztuką teatralną. Współczesny widz młodzieżowy w dużej mierze wychowany jest przez kulturę masową i na nią zorientowany. Używając terminu teatralnego, można powiedzieć, że wszelkie „dodatki” młodych ludzi do sztuki wywodzą się na ogół z tej „masowej” edukacji. Dlatego nawet kultywowanie postawy wobec zwiedzania teatru jako pewnego rytuału, przestrzegającego pewnych zasad i tradycji, natrafia na specyficzne trudności. Młodzi widzowie występu teatru młodzieżowego wykazują „syndrom” koncertu rockowego na stadionie: gdy tylko zgasną światła w sali, młodzi widzowie gwiżdżą, ryczą i tupią nogami. Często, zgodnie z planem reżysera, wiele przedstawień rozpoczyna się w ciszy, a sala młodzieżowa od razu deklaruje się, oferując dialog i informację zwrotną – jak na koncercie, bez zrozumienia i akceptacji warunków zabawy teatralnej.

Jednocześnie w historii teatru można znaleźć wiele przykładów, gdy teatr świadomie kształcił widza w niezbędnym dla niego kierunku, teatrze. Na przykład Moskiewski Teatr Artystyczny nie tylko zmagał się z damskimi kapeluszami na sali, ale także odrywał publiczność od oklasków, gdy aktorzy wychodzili w środku akcji, i od muzyki w przerwach.

Nie chodzi tu oczywiście tylko o kultywowanie kultury zewnętrznej (nie spóźnianie się na rozpoczęcie spektaklu czy nie wychodzenie przed jego zakończeniem). Czy nie jest sprzeczność w tym, że współczesnemu młodemu widzowi, który dorastał w otoczeniu mediów, komputerów, zarażonym „świadomością komiksu”, proponuje się spokojną komunikację ze sztuką, pozostającą w granicach klasycznych wartości? Dialog zakłada akceptację języka komunikacji – akceptację i zrozumienie. W rozumieniu ważne jest powolne istnienie, czytanie, rozszyfrowywanie znaczeń (w scenografii, w mise-en-scène, w podtekście) i oczywiście czerpanie przyjemności z tego procesu. Współczesny teatr skłania się nie w stronę prostoty i przejrzystości środków artystycznych i wyrazowych, ale w stronę sensowności, wielowarstwowego spektaklu, który wymaga od widza obdarzonego w pewnym stopniu cechami artysty, twórcy.