Najsłynniejsze rzeźby. Historia rzeźby Kiedy powstała sztuka i nauka rzeźby

Rzeźba- jeden z rodzajów sztuk pięknych, który w sposób artystyczny odtwarza otaczający nas świat za pomocą formy trójwymiarowej. W odróżnieniu od malarstwa i grafiki rzeźba jest trójwymiarowa, można ją oglądać ze wszystkich stron, jest trójwymiarowa, jak rzeczy, które nas otaczają na co dzień.

Aby przybliżyć dzieło rzeźbiarskie do rzeczywistości, zostało ono namalowane. Tak było na przykład w starożytnym Egipcie. W sztuce europejskiej, obok rzeźby malarskiej, ceniono także naturalną barwę materiału, z którego wykonano posąg. Ponadto istnieją rzeźby wykonane z różnych materiałów. Jest dekoracyjna, czasem wygląda jak rzecz cenna. Był to posąg Zeusa Olimpijskiego – jeden z siedmiu cudów świata, stworzony z kości słoniowej i złota.

M. Antokolski. Nestor Kronikarz

Giovanniego Lorenzo Berniniego. Apollo i Dafne

Płaskorzeźba z kijowskiej katedry św. Michała o Złotych Kopułach

Portal katedry w Strasburgu (Francja)

Dzieje się rzeźba okrągły, jeśli można po nim chodzić lub umieścić go w samolocie - to tak ulga. Istnieje kilka rodzajów reliefu: jeśli obraz wznosi się nisko nad tłem - przed nami płaskorzeźba, jeśli wystaje bardzo mocno i staje się rzeźbą niemal okrągłą - wypukłorzeźba, a jeśli ulga się pogłębi, to jest to - kontrulga.

Rzeźba może mieć niewielkie rozmiary - to mały plastik; średniej wielkości i pełnią samodzielną rolę – wówczas, podobnie jak malarstwo i grafika, nazywa się to sztaluga; monumentalny związane z obiektem architektonicznym, środowiskiem naturalnym (pomniki, rzeźba parkowa itp.).

Rzeźba różni się także techniką wykonania. Można go wyrzeźbić z twardego kamienia, wylać z gipsu, wyrzeźbić z drewna, wyrzeźbić z miękkiego materiału - gliny, plasteliny, wosku lub wykonać z metalu.

1. Przypomnij sobie, jakie zabytki rzeźbiarskie znajdują się w Twoim mieście lub wsi. Który z nich jest według Ciebie najbardziej udany i dlaczego?
2. Przypomnijmy życiorys osoby, ku pamięci której wzniesiono pomnik. W jaki sposób rzeźbiarz wyraża uniwersalne, ludzkie znaczenie swojego wyczynu? Co podkreśla indywidualność tej osoby?
3. Wyobraź sobie, że musisz zaprojektować pomnik swojego ulubionego poety lub pisarza. Jaki będzie twój plan?

Praca studencka. Okrągła rzeźba zwierząt: kot, smok, niedźwiedź, pies

Stwórz rzeźbę, korzystając z narzędzi i materiałów opisanych w samouczku. Przeanalizuj swoją własną twórczość rzeźbiarską jako przykład małej sztuki plastycznej według tego planu:

• Tytuł pracy, jej autor.
• Materiał, z którego wykonano pracę (plastelina, glina itp.).
• Dlaczego wybrałeś ten konkretny temat swojej rzeźby?
• Co dokładnie chciałeś przekazać – spokój swojej postaci czy, odwrotnie, jego ruch? Czy myślisz, że ci się udało?
• Z której strony Twoim zdaniem najlepiej oglądać tę pracę? Jakich akcentów użyłeś, aby podkreślić tę szczególną koncepcję przestrzenną swojej pracy?
• Spójrz na swoją rzeźbę pod różnymi kątami. Czy różne kąty kamery dodają coś do tej postaci? Być może pod innym kątem robi zupełnie inne wrażenie?
• Czy możesz sobie wyobrazić swoją rzeźbę w powiększeniu? Gdzie byś to umieścił?

Etapy pracy nad rzeźbą

Modelowanie- stworzenie rzeźbiarskiego obrazu z miękkiego tworzywa sztucznego. Materiałem do modelowania jest glina lub plastelina.

Glina- naturalny materiał. Jest wydobywany z ziemi i rozcieńczany wodą do miękkości. Do modelowania bardziej odpowiednia jest glinka zielona lub szara. Wyroby gliniane wypalane w specjalnym piecu w temperaturze 900°C nazywane są ceramicznymi.

Plastelina- sztuczna masa plastyczna. Jest miękki, nie wysycha jak glina, a przedmioty z niego wykonane nie odkształcają się i nie pękają. Może być wielokolorowy. Ale w podwyższonych temperaturach powietrza lub na słońcu plastelina mięknie i topi się.

Używany do modelowania stos- drewniana lub plastikowa szpatułka o długości 15–20 cm, której jeden koniec jest zaostrzony jak ołówek i deska, na której można wykonywać pracę. Nadmiar gliny odcina się stosem, powierzchnię wygładza się, a w formie wykonuje się wgłębienia. Lepiej jest pracować nad rzeźbą na desce, która obraca się wokół własnej osi. W przeciwnym razie będziesz musiał sam biegać po stole lub obracać jeszcze nieukończoną pracę w różnych kierunkach, co może ją uszkodzić.

Narzędzia i materiały

1. Zanim zaczniesz pracę, zdecyduj, jaką postać chcesz stworzyć - Małą Syrenkę czy pomalowanego lisa, małego hobbita, Kapitana Flinta, czy może kogoś innego.
2. Najpierw wykonaj szkice ołówkiem, szkice swojej postaci z różnych stron. W końcu obraz rzeźbiarski jest trójwymiarowy i jeszcze zanim zaczniesz rzeźbić, powinieneś wyobrazić sobie, jak będzie wyglądał twój bohater ze wszystkich stron.
3. Jeśli rzeźba jest większa niż 20 cm, należy wykonać ramę, przymocować ją do stojaka, musi być mocna i nie zdeformowana. Może to być drewniany klocek lub metalowy drut przymocowany do poziomej deski.
4. Na początku pracy musisz określić rozmiar obrazu, materiał najbardziej odpowiedni dla zamierzonej kompozycji - glinę lub plastelinę.
5. Twórcze podejście do zadania wymaga zwrócenia szczególnej uwagi na szczegóły, które pomogą pełniej ujawnić wizerunek bohatera: wygląd, proporcje, cechy charakterystyczne.

Etapy pracy nad rzeźbą

Skończona praca

Johanna-Georga Pinsela(XVIII w.) – jeden z najsłynniejszych rzeźbiarzy działających na Ukrainie. Zachowało się jednak niewiele informacji biograficznych o Pinzelu. Podobno pochodził z południowych Niemiec lub Czech. Wiadomo na pewno, że w 1750 r. mistrz osiadł w mieście Buczacz (obwód tarnopolski). Zmarł w 1761 lub 1762. Zachowały się jednak liczne dzieła Pinzla, z których każde świadczy o jego ogromnym talencie. Mistrz brał udział w projektowaniu katedry św. Jerzego we Lwowie, ratusza w Buczaczu, wykonywał rzeźby do kościołów w małych miasteczkach. Rzeźby Pinzla wykonane są z drewna, malowane i złocone. Obrazy stworzone przez mistrza – Abrahama, Samsona, św. Annę i innych – są pełne silnych i żywych uczuć, skrajnego napięcia i prawdziwej tragedii.

Pinzel. Świętego Floriana

Donatello(pełne imię i nazwisko - Donato di Niccolo di Betto Bardi (ok. 1386-1466) - wielki włoski rzeźbiarz-reformator. Mieszkał i pracował we Florencji, a także w Parmie. Odwiedził Rzym, gdzie zainteresował się rzeźbą. Był to Donatello który ponownie zaczął tworzyć okrągłe posągi, które można było oglądać ze wszystkich stron. Jego najlepsze dzieła - „Dawid”, pomnik kondotiera (dowódcy) Gattamelaty w Parmie - wychwalają człowieka, jego urodę, jego odwagę. Ale ostatnie posągi mistrza („Maria Magdalena”, „Judyta”) są bardzo tragiczne.

Donatello. Madonna z Dzieciątkiem

Pojęcie rzeźby

Rzeźba(z łac. sculptura, od sculpo – rzeźbić, wycinać) – rzeźba, plastyka – rodzaj sztuki, której dzieła odzwierciedlają otaczającą rzeczywistość w trójwymiarowych, fizycznie trójwymiarowych obrazach przy użyciu różnych materiałów plastycznych.

Przez długi czas pojęcia „rzeźba” i „plastik” uważano za synonimy, jednak ich ładunek semantyczny jest inny. Rzeźba to szersze pojęcie. Sztuka plastyczna z jednej strony jest techniką rzeźbienia z materiałów miękkich (glina, plastelina, wosk, eglin), z drugiej zaś środkiem artystycznym i wizualnym, pozwalającym nadać rzeźbie figuratywność. W odróżnieniu od malarstwa i grafiki rzeźba obejmuje mniejszy zakres obiektów i zjawisk, które mogłyby stać się obiektami do przedstawienia. Środki wyrazu w rzeźbie są opracowywane z większą starannością. Pod wieloma względami rzeźba ma coś wspólnego z architekturą. Ponieważ oba rodzaje sztuki zajmują się objętością i przestrzenią oraz podlegają prawom tektoniki1, mają charakter materialny i często się uzupełniają. Istnieje jednak znacząca różnica. Architektura ma cel funkcjonalny, w pewien sposób organizuje przestrzeń życia człowieka, czego nie można powiedzieć o rzeźbie. Główną cechą tej sztuki jest realna, a nie obrazowa trójwymiarowość, fizyczność.

Rzeźbiarze są najbardziej wrażliwi na objętość i kształt. Zdolność ta jest niezbędnym składnikiem twórczości plastycznej, podobnie jak „poczucie koloru” u malarza czy „słuch absolutny” u muzyka. Rozumienie objętości zachodzi nie tylko u rzeźbiarza, ale także u widza. Aby zrozumieć istotę dzieła rzeźbiarskiego, trzeba umieć zrozumieć „grę” powierzchni, poczuć formację, jej obrazowość, gdyż rzeźba nie jest eteryczną bryłą, ale obrazem wyrażonym w pewnym materiale, wykonanym w pewnym technikę i ujawnienie pewnego pomysłu. Pełne „odczytanie” rzeźby możliwe jest po zrozumieniu istoty materiału – jego właściwości i możliwości fizycznych, piękna i różnorodności faktury.

1. Tektonika (od greckiego tektonik6s – związana z budownictwem).

Chłód i delikatność porcelany nie jest w stanie w pełni oddać męskości, szybkości, determinacji, odwagi, tak jak ciepło i prostota drewna nie nadają się do kreowania wizerunku tego, co majestatyczne, ważne, królewskie i ambitne. Jak powiedział Lao Tzu: „garnki są zrobione z gliny, ale glina przestaje być gliną, gdy staje się garnkiem”. To właśnie ta cecha sprawia, że ​​materiał staje się materialnym nośnikiem obrazu i czyni rzeźbę sztuką lakoniczną. Lakonizm polega na umiejętności uogólnienia formy i skupienia treści obrazu artystycznego. Jest to jeden z głównych paradoksów rzeźby: z jednej strony jest łatwa do dostrzeżenia, ponieważ jej formy są uogólnione i skonkretyzowane, z drugiej strony jest złożona, ponieważ jej uogólnienie wynika z symboliki, co komplikuje jej zrozumienie. Bardzo często proste zestawienia form zawierają w sobie najgłębszą myśl i odwrotnie, dekoracyjne ekscesy podkreślają pustkę i bezsens.

Rzeźba jako forma sztuki jest ciekawa, ponieważ jak w prawdziwej sztuce jest w niej wiele niedopowiedzeń, co sprzyja rozwojowi twórczego myślenia widza i zachęca go do współtworzenia. Aby jednak wziąć udział w tym procesie, konieczne jest opanowanie przynajmniej minimum wiedzy, która ujawnia pewne prawa i zasady rzeźby. Znajomość tych wzorów i cech wyrazu rzeźby jest potrzebna zarówno dzieciom, jak i nauczycielom (obecnym i przyszłym). W związku z tym istotne wydaje się rozważenie szeregu pytań, które pomogą zrozumieć specyfikę rzeźby.

Rodzaje rzeźby

Rzeźba należy do rodzaju sztuki, która coraz częściej niezauważalnie wkracza w codzienne życie człowieka. Często nawet nie zauważamy, że otaczają nas rzeczy będące częścią rzeźby. Na przykład breloczki z talizmanami, medaliony, monety, figurki na półki, kamee itp. Wszystko to mówi o różnorodności rzeźby i jednocześnie o jej integralności.

Wyraziste środki i materiały użyte w pracy pozwalają rzeźbiarzowi stworzyć zarówno majestatyczny pomnik bohatera, jak i niewielką reliefową zawieszkę. Pomiędzy nimi znajduje się wiele dzieł rzeźbiarskich różnych typów i gatunków.

Na podstawie objętości trójwymiarowej:

- okrągła rzeźba, których prace są swobodnie umiejscowione w przestrzeni, tj. sugerują widok kołowy, grę objętości i przestrzeni. Okrągła rzeźba ma kilka odmiany:

statua(figurka ustawiona na pełnej wysokości);

grupa rzeźbiarska(dwie lub więcej postaci ujawniających jedną ideę i tworzących jedną całość);

statuetka(figurka rzeźbiarska niewielkich rozmiarów, znacznie mniejsza od jej rzeczywistych rozmiarów);

tułów(rzeźbiarski wizerunek ludzkiego tułowia);

biust(obraz klatki piersiowej osoby);

głowa(rzeźbiarski portret osoby, ograniczony do wizerunku głowy).

Pojawił się inny rodzaj okrągłej rzeźby - kinestetyczny, który nie wymaga chodzenia, demonstruje się dzięki wykonywanym ruchom;

- ulga (obraz znajduje się na płaszczyźnie stanowiącej tło, tłumaczone jako „uniesiony”, „wypukły”). Główna różnica między płaskorzeźbą a okrągłą rzeźbą polega na tym, że postrzegana jest w niej tylko przednia część bryły, ponieważ jest ona połączona ze ścianą. Ulga ma kilka odmiany, różnią się one w zależności od przeznaczenia i położenia na płaszczyźnie architektonicznej ( kompozycja frontalna, fryz, abażur, płytki, ułożone fragmentarycznie).

Położenie reliefu wpływa na jego wysokość:

płaskorzeźba- płaskorzeźba o małej wysokości, wystaje mniej niż połowa całkowitej objętości. Rzeczywista objętość płaskorzeźby jest mało wyraźna, zawarta jest w płytkiej strefie pomiędzy tłem a równoległą do niej płaszczyzną czołową;

duża ulga - płaskorzeźba o dużej wysokości, wystaje ponad powierzchnię o ponad połowę objętości. Płaskorzeźbione postacie przypominają posągi przysunięte blisko ściany. Wysoki relief można oglądać z trzech stron, zdaje się obejmować formę rzeźbiarską, swobodnie przenikając aż do samego tła;

kontrulga- głęboki relief, który nie wystaje na powierzchnię, ale usuwa objętość z powierzchni;

teren mieszany posiada elementy kilku rodzajów reliefu. Na przykład na płycie znajduje się wypukły obraz reliefowy, którego kontur wykonany jest za pomocą wgłębionych rowków.

-monumentalne i dekoracyjne, bezpośrednio związane z konkretnym środowiskiem architektonicznym, przestrzennym lub przyrodniczym. Główną różnicą od innych typów rzeźby jest jej wspólne, nierozerwalne istnienie z konstrukcją architektoniczną, np. reliefowe frontony, fryzy, posągi na frontonach, balustrady, portale, w niszach, kolumny w formie rzeźb (kariatydy, atlanty);

- dekoracyjny, przeznaczony do dekoracji parków, ogrodów, ulic, placów, bulwarów, fontann. Wraz z architekturą tworzy pewien wygląd miasta, nie jest kojarzony z odrębną strukturą, a koncentruje się na krajobrazie lub zespole architektonicznym. W rzeźbie dekoracyjnej można wyróżnić następujące elementy rodzaje:

prace ogrodowe- zlokalizowane na terenach rekreacyjnych (placów, parków, ogrodów, alejek, domów wypoczynkowych, sanatoriów itp.);

miejski- zlokalizowane na ulicach miasta, dzięki czemu ulice są czasem pozbawione twarzy, uroczyste, ciekawe, a czasem zabawne.

W rzeźbie miejskiej jest ich kilka kierunki:

pomniki, poświęcony różnym postaciom kultury, bohaterom, mężom stanu;

prace plastyczne, związane z biografią konkretnej postaci (np. rzeźba znajdująca się w pobliżu moskiewskiego cyrku imienia Yu. V. Nikulina; grupa rzeźbiarska „Natalie i A.S. Puszkin”, zlokalizowana na Arbacie w Moskwie);

rzeźba alegoryczna, przekazując abstrakcyjną ideę poprzez obraz. Dzieła rzeźby poświęcone postaciom baśniowym i wydarzeniom historycznym mogą mieć charakter alegoryczny (na przykład grupa rzeźbiarska „Samson rozrywający szczęki lwa” w Peterhofie, uosabiająca zwycięstwo Rosji nad Szwecją w wojnie północnej; fabuła z ustnej sztuki ludowej „Permyak „Słone Uszy” w Permie, „Czyżyk-Pyżik” w Petersburgu);

rzeźba przedstawiająca obraz zbiorowy dowolny zawód lub zjawisko społeczne (np. pomnik psa brutalnie zamordowanego w metrze, rzeźba „Hydraulik” znajdująca się na chodniku, rzeźba „Pocałunek” C. Brancausiego; rzeźba „Włamywacz” umieszczona na oknie budynek mieszkalny);

- sztaluga, posiadające niezależne znaczenie i bardziej kameralny charakter, niezwiązany bezpośrednio z architekturą i krajobrazem. Nie jest przeznaczony do konkretnego miejsca, na jego postrzeganie nie ma wpływu miejsce, w którym się znajduje.

Nazwa pochodzi od słowa „maszyna” – obrotowego stojaka, na którym mistrz podczas pracy ustawia rzeźbę. Dlatego też rzeźba sztalugowa ma rozmiary zbliżone do naturalnej wielkości przedstawianych obiektów (ludzi, przedmiotów, zwierząt). Najczęściej lokuje się go w salach muzealnych, wnętrzach mieszkalnych i wystawach, które stanowią jego zwykłe otoczenie;

- mała rzeźba, wieloaspektowa w swej istocie i obejmująca szeroką gamę dzieł o różnym charakterze, funkcji i gatunkach. Rzeźbą drobnoformalną nazywa się zwykle dzieła małoformatowe o tematyce gatunkowej, przeznaczone do wnętrz mieszkalnych i miejsc kultu;

- mały plastik(dzieła o niewielkich, „miniaturowych” rozmiarach). Za sztukę uważa się najstarszy rodzaj małej sztuki plastycznej. gliptyka (rzeźba wykonana na twardych minerałach półszlachetnych). Niektóre z tych dzieł posiadały liczne wcięcia, co umożliwiało wykorzystanie ich jako pieczęci. Same obrazy zostały nazwane wklęsłość , które w różnych okresach kulturowych i historycznych przybierały różne formy. Inny rodzaj małej chirurgii plastycznej - rzeźbienie w kościach (słoń, mors), którego prace również są niewielkich rozmiarów. Pomimo tego, że handel ten był praktykowany w różnych częściach świata, tylko nieliczni stali się najbardziej znani. Należą do nich figurki mistrzów Północnych Kholmogorów oraz miniatury japońskie – netsuke.

Różnorodność dzieł małej sztuki plastycznej jest ogromna. Obejmują one małe figurki z kamieni półszlachetnych, drewna, brązu, porcelany, ceramiki, szkła; tablice z reliefowym wizerunkiem, pełniące funkcje broszek (zapięć), broszek, amuletów, kamei, monet, medali itp. Z jednej strony dzieła małej sztuki plastycznej mają charakter użytkowy i nie mają większego znaczenia w życiu człowieka (breloczki wykonane w formie reliefowych obrazów), z drugiej strony niosą ze sobą poważne idee religijne i obywatelskie. Przykładowo medalem jest płaskorzeźba przedstawiająca określone symbole umieszczone po obu stronach talerza lub figurki bożków czczonych w pogaństwie, krzyż z wizerunkiem ukrzyżowanego Chrystusa.

Według stopnia przybliżenia rzeźby do prawdziwe obiekty Wyróżnia się następujące typy otaczającej rzeczywistości:

- realistyczny- odzwierciedla przedmioty i zjawiska faktycznie istniejącej rzeczywistości poprzez obrazy plastyczne;

- alegoryczny- przypomina prostą obrazkową łamigłówkę, która zawiera system znaków identyfikacyjnych pozwalających na jej ułożenie. Alegoria zawiera pewne cechy, które czynią rzeźbę łatwo rozpoznawalną. Na przykład rzeźba przedstawiająca kobietę z zawiązanymi oczami i wagą w dłoniach reprezentuje sprawiedliwość.

Rodzaj alegorii - uosobienie, oznaczający ucieleśnienie abstrakcyjnej koncepcji w postaci postaci ludzkiej. Na przykład Nike, uosabiająca zwycięstwo; Fortuna, oznaczająca los; Libertas, charakteryzujący wolność.

W ramach personalizowanych dzieł rzeźbiarskich bardzo często pojawiają się personifikacje geograficzne, w których kreowany jest obraz rzek, gór, miast, a nawet krajów. Aby istota tych dzieł była jasna w odbiorze, należy do nich dołączyć notę ​​wyjaśniającą wyjaśniającą istotę symboliki;

- abstrakcyjny- polega na stworzeniu zbiorowego obrazu plastycznego, który odsłania jedynie wewnętrzną istotę przedstawianego przedmiotu, przedmiotu, zjawiska lub pojęcia. Podobieństwo zewnętrzne nie jest istotne. Niektóre poszczególne elementy mogą niejasno przypominać rzeczywistą formę, w przeciwnym razie niezwykle trudno byłoby „odczytać” ideę rzeźby. Ogólnie rzecz biorąc, plastikowy obraz jest wypełniony symbolami i atrybutami, które pozwalają inaczej spojrzeć na znane rzeczy. W rzeźbie abstrakcyjnej zasadnicze momenty konkretnego zjawiska są wyraźniej, wyraźniej i subtelniej zaznaczone (np. „Kobieta czesająca włosy” A. Archipenko; „Leżąca figura” G. Moore’a; „Wariacje” N. Gabo, „Ptak” K. Brancusi).

Na podstawie kształtu Wyróżnia się następujące typy rzeźb:

- pomnik- najpowszechniejsza forma rzeźby, której głównym zadaniem jest utrwalenie w „wiecznym” materiale pamiątki po postaci historycznej lub znaczącym wydarzeniu. Dzięki pomnikom przez wiele lat pamiętamy o zmarłych ludziach i wydarzeniach z przeszłości. W tym przypadku pomnik nie jest echem przeszłości, jest istotny dla każdego pokolenia, gdyż w każdym okresie kulturowym i historycznym symbolizuje coś innego;

- pomnik bardzo blisko pomnika. Ma także przypominać ludziom o ważnych wydarzeniach. Na pierwszy rzut oka bardzo trudno jest wyznaczyć granicę pomiędzy pomnikiem a pomnikiem. Jednak każdy z nich ma swoją specyfikę. Po pierwsze, pomnik ma bardziej intymne formy wyrazu, a pomnik jest zawsze majestatyczny. Po drugie, pomnik jest wykonany tak, aby przedstawiony obiekt był rozpoznawalny, wykorzystano w tym celu realia epoki i atrybuty charakterystyczne dla konkretnej osoby. Pomnik nie potrzebuje takich szczegółów, gdyż atrybuty kryją się za nimi głębokie znaczenie, zrozumiałe poza czasem i przestrzenią (np. pomnik „Ojczyzny” w Wołgogradzie, Statua Wolności w Nowym Jorku, pomnik O. Zadkine’a pomnik „Zrujnowane Miasto”, przypominający bombardowanie holenderskiego miasta Rotterdam w 1940 r.).

Jest jeszcze jedna różnica między pomnikiem a pomnikiem: o jego lokalizacji zawsze decyduje środowisko architektoniczne miasta. Pomnik wymaga starannego doboru lokalizacji, pełni bowiem funkcję miastotwórczą, zajmując jedną z centralnych części krajobrazu miejskiego, wyznaczając styl otaczającej go przestrzeni. Pomnik wymaga dystansu między nim a widzem, aby można było odczuć jego wielkość. Efekt uniesienia uzyskuje się poprzez cokół (podporę, stojak), który zdaje się przenosić pomnik w inną przestrzeń, oddzielając go od podłoża i czyniąc z niego identyfikujący znak oddzielenia od codziennej rzeczywistości.

Pojęcie „cokół” oznacza także pewnego rodzaju podparcie, a raczej „stopę”. Cokół kojarzy się jednak z pomnikiem, a pomnik z cokołem. Cokół wprawdzie wyznacza dystans pomiędzy pomnikiem a widzem, jednak nie jest on tak wyraźny jak w pomniku. Cokół pomnika ma swój własny język wizualny w postaci posągów i płaskorzeźb, które ujawniają treść całego obrazu.

Cokół pomnika, cokół pomnika, stojak pod rzeźbę sztalugową, podstawa popiersia mają jedną wspólną cechę; wyznaczają granicę między obrazem artystycznym a widzem, między światem rzeczywistości a światem sztuki;

- nagrobek- rodzaj rzeźby bardzo zbliżony funkcją do pomnika, a pomnik kojarzony jest także z motywem wieczności. W przeciwieństwie do pomnika i pomnika, nagrobek porusza kwestie życia i śmierci, nieśmiertelności i umierania;

- rzeźba gatunkowa różni się od wszystkich poprzednich typów. Nie wiąże się z tematem wiecznej pamięci, odzwierciedla różne sytuacje życiowe i zjawiska w całej ich różnorodności. Forma może być realistyczna, alegoryczna, a nawet abstrakcyjna. Jej specyfika polega na odzwierciedleniu życia w obrazie plastycznym, przy wykorzystaniu różnych gatunków sztuki.

Gatunki rzeźby

Gatunek zwierzęcy. Prace tego gatunku odsłaniają obraz zwierzęcia poprzez plastyczność.

Pomimo tego, że ludzie przedstawiali zwierzęta od czasów starożytnych, gatunek ten ukształtował się na początku XIX wieku, kiedy istniało już kilka kierunków.

Pierwszy kierunek wiąże się z zachowaniem naturalizmu w wizerunkach zwierząt, drugi charakteryzuje się dziełami, w których zwierzęta stają się uosobieniem cech ludzkich. Forma obrazu jest różna – od stylizacji po abstrakcję, od typizacji po alegorię.

Portret- kreowanie wizerunku osoby w ogóle lub konkretnej osoby. Gatunek jest jednocześnie prosty i trudny, gdyż rzeźba ma ograniczone środki wyrazu, co komplikuje proces plastycznego kształtowania.

Niektórzy rzeźbiarze dążą do naturalizmu (osoba jest przedstawiana taką, jaka jest); inni idealizują model (osoba jest przedstawiana taką, jaką chciałaby widzieć siebie w oczach innych).

Rozwój gatunku portretu w różnych okresach kulturowych i historycznych miał swoją własną charakterystykę (powstał wizerunek przedstawiciela ludu, klasy, epoki), co doprowadziło do zidentyfikowania kilku odmiany:

- izba portret wyróżnia się zewnętrzną prostotą, która skrywa wewnętrzny świat modelki. Najwyraźniej ujawnia to nieformalny stosunek autora do modela;

- drzwi wejściowe portret wygląda bardziej uroczyście, a jednocześnie oderwany od widza, jakby wznosił się ponad zwyczajność i codzienność dzięki ogromnej liczbie elementów dekoracyjnych (elementy kostiumu, dodatki, atrybuty itp.);

- gatunek portretowy - nie tylko portret osoby, ale realizacja pewnej idei portretu w oparciu o syntezę z innym gatunkiem. Na przykład wizerunek postaci historycznej łączy w sobie dwa gatunki: portret i gatunek historyczny, posąg Apolla - portret i gatunek mitologiczny.

Mniej powszechne w rzeźbie są gatunki codzienne, mitologiczne i historyczne.

Gatunek codzienny polega na odsłonięciu w rzeźbie tematów życia codziennego, zapoznaniu się z realiami życia codziennego. Treść dzieł gatunku codziennego porusza tematy bardzo głębokie, o korzeniach filozoficznych, zachęcając widza do refleksji nad złożonymi problemami życiowymi.

Gatunki historyczne i mitologiczne mają dłuższą historię rozwoju. Tematyka historyczna, mitologiczna i religijna interesuje rzeźbiarzy od bardzo dawna, gdyż każda epoka charakteryzuje się własną interpretacją wydarzeń historycznych, tematów mitologicznych czy religijnych.

Martwa natura i pejzaż. Początkowo używano ich wyłącznie w połączeniu z innym wiodącym gatunkiem. Jednak ostatnio, gdy temat i natura stały się odrębnym tematem dzieł sztuki plastycznej, pojawiły się rzeźby, które dają widzowi możliwość spojrzenia na otaczający go świat jak na żywy organizm. Warunkiem rozwoju tych gatunków były eksperymenty z formą rzeźbiarską, które pozwalały uwolnić się od realności tego, co jest przedstawiane i uniknąć efektu odlewu.

Gatunek fragment. W nim poszczególne elementy ludzkiego ciała, fragmenty obiektów naturalnych i przedmioty istnieją niezależnie.

Artystycznym bodźcem do rozwoju tego gatunku były znalezione podczas badań archeologicznych fragmenty rzeźb antycznych, które mimo swojej niekompletności zachowały wyrazistość i ciekawość. To właśnie ze względu na ich nietypowość stały się przedmiotami kolekcjonerskimi. Stopniowo fragmenty uzyskały niezależność w rzeźbie.

Za wybitnych przedstawicieli tego gatunku uważa się słusznie O. Rodina, który zwrócił uwagę innych na niesamowite plastycznie plastyczne brzmienie części ludzkiego ciała oraz W. Boccioniego, który futurystycznie spoglądał na rzeczy, badając je od środka.

Zawód twórczy, który pozwala tworzyć monumentalne dzieła sztuki, nazywa się rzeźbiarzem – kto to jest – przyjrzyjmy się bliżej.

Kim jest rzeźbiarz

(funkcja(w, d, n, s, t) ( w[n] = w[n] || ; w[n].push(funkcja() ( Ya.Context.AdvManager.render((blockId: "R-A -329917-22", renderTo: "yandex_rtb_R-A-329917-22", async: true )); )); t = d.getElementsByTagName("script"); s = d.createElement("script"); s .type = "text/javascript"; s.src = "//an.yandex.ru/system/context.js"; s.async = true; t.parentNode.insertBefore(s, t); ))(this , this.document, "yandexContextAsyncCallbacks");

Rzeźbiarz to szczególna osoba, której głównym zajęciem jest tworzenie rzeźb. I są to szczególne rodzaje dzieł, wykonane w formie trójwymiarowej i namacalnej.

Twoje imię rzeźbiarz otrzymane z łaciny , wskazując główne zajęcie - wycinać lub rzeźbić. Wszystkie prace mają charakter wolumetryczno-przestrzenny.

Cechy zawodu

Powstając jako samodzielna forma sztuki pięknej, rzeźbiarze stali się właścicielami jednej z najciekawszych specjalności. Co więcej, pierwsi specjaliści pojawili się w czasach starożytnych, kiedy ludzie mieli potrzebę tworzenia różnych monumentalnych pomników.

Aby zrealizować przypisane mu zadania, można zastosować różnego rodzaju materiały:

1. glina;
2. kamień;
3. metal;
4. drzewo;
5. wosk;
6. kość.

Te i wiele innych materiałów mogą być twarde lub plastikowe, lekkie lub bardzo ciężkie.

Rzeźby w ich pracach ucieleśniają:

• ludzi,
• inne obrazy z życia codziennego,
• legendy
• i wiele więcej.

Wybierając specjalizację rzeźbiarza należy przygotować się na długą i żmudną pracę, gdyż stworzenie jednej rzeźby może zająć dużo czasu.

Rozpoczyna się praca od opracowania bezpośredniego projektu. Może to wymagać bardziej szczegółowego zbadania postaci historycznej, zwierzęcia, rośliny lub wydarzenia, które zostanie przedstawione w rzeźbie. Jeśli zajdzie taka potrzeba, następuje akceptacja z klientem lub udział w konkursie.

Po otrzymaniu pozwolenia , rzeźbiarz otrzymuje możliwość przeprowadzenia prac przygotowawczych, których zadaniem jest określenie materiału, z którego zostanie wykonana rzeźba. Wybór najbardziej odpowiedniej techniki wykonania pracy nie będzie zbędny.

Jeśli rzeźbiarz należy do tzw. „wolnych artystów”, to może tworzyć dla własnej przyjemności, a potem swoje dzieła sprzedawać. W tym przypadku jedynym czynnikiem ograniczającym może być finansowanie, ponieważ specjalne materiały i narzędzia mogą być bardzo drogie.

Najbardziej poszukiwani są rzeźbiarze specjalizujący się w świadczeniu usług pogrzebowych lub pracujący bezpośrednio na zlecenie zamożnych klientów.

W tym przypadku tworzą różnorodne rzeźby:

1. do ogrodów i parków,
2. działki osobiste,
3. nagrobki lub płyty.

I tylko nielicznym udaje się stworzyć wystarczającą bazę materialną i finansową, aby pracować dla siebie.

Cechy osobiste specjalisty

Aby zostać dobrym rzeźbiarzem, wymagane są następujące cechy osobiste:

• dobra siła fizyczna i wytrzymałość;
• powinieneś być ostrożny;
• bądź cierpliwy;
• bądź ostrożny;
• mieć dobrą pamięć;
• być osobą zorientowaną na cel;
• mieć doskonałe oko, w tym liniowe, kątowe lub wolumetryczne;
• mieć różne typy myślenia, w tym myślenie abstrakcyjne;
• intuicja i kreatywne myślenie muszą być dobrze rozwinięte;
• Wymagana jest doskonała koordynacja ruchów, w tym obu rąk;
• musisz umieć improwizować;
• mieć doskonałą pamięć wzrokową;
• móc zobaczyć efekt końcowy.

Wniosek

Wzywa się różne kreatywne zawody, aby stworzyć coś, co będzie je sławić przez długi czas. A jednym z tych specjalistów jest rzeźbiarz, kim on jest, co powinien umieć – o tym pisaliśmy w tym artykule.

(funkcja(w, d, n, s, t) ( w[n] = w[n] || ; w[n].push(funkcja() ( Ya.Context.AdvManager.render((blockId: "R-A -329917-3", renderTo: "yandex_rtb_R-A-329917-3", async: true )); )); t = d.getElementsByTagName("script"); s = d.createElement("script"); s .type = "text/javascript"; s.src = "//an.yandex.ru/system/context.js"; s.async = true; t.parentNode.insertBefore(s, t); ))(this , this.document, "yandexContextAsyncCallbacks");

Każdy chronologiczny opis początków i ewolucji rzeźby zająłby kilka tomów, jeśli nie całą bibliotekę, a jego podsumowanie oznacza, że ​​wiele faktów historycznych nieuchronnie zostanie pominiętych. Jednak nawet tak daleka od pełnej wyprawy w historię rzeźby będzie pełna wspaniałych opowieści o niezwykłych mistrzach, którzy skierowali swój talent na tworzenie rzeźb i płaskorzeźb z marmuru, terakoty, brązu. Dzieła rzeźbiarzy nie tracą na znaczeniu w naszych czasach.

Historia rzeźby

Rzeźba prehistoryczna i neolityczna

Historia rzeźby sięga epoki kamienia. Najwcześniejsze znane nam dzieła (np. „Wenus z Berekhat-Ram” i „Wenus z Tan-Tan”) pochodzą z około 230 000–200 000 lat p.n.e.

Wenus z Berekhat Rama. Naszkicować.

Przedmiotem rzeźby prehistorycznej były rozmaite zwierzęta i postacie ludzkie. Materiałami do prac były kość mamuta, glina i różnego rodzaju kamienie.

Neolityczna sztuka rzeźbiarska charakteryzuje się przede wszystkim dziełami ceramicznymi. Najbardziej imponującą formą sztuki tego okresu były rzeźby w egipskich piramidach i grobowcach faraonów: ich dekoracją (o podtekstach religijnych) były różne płaskorzeźby i posągi.

Wenus z Tan-Tan. Naszkicować.

Początek epoki brązu, charakteryzujący się rozwojem miast i architektury budynków użyteczności publicznej, któremu towarzyszyło i ułatwiało tworzenie i udoskonalanie skomplikowanych narzędzi, spowodował wzrost zapotrzebowania na wszystkie rodzaje sztuk pięknych, w tym rzeźbę. Nowe dzieła odzwierciedlały moc bogów i ziemskich władców.

Rzeźba z epoki klasycznej (1100–100 p.n.e.)

Tzw. „wiek ciemny” (1100–900 p.n.e.) w dziejach kultury greckiej charakteryzuje się przewagą dzieł ceramicznych. Rzeźba grecka w znanej formie pojawia się od 650 roku p.n.e. mi. Następnie sztuka grecka rozwija się zgodnie z tradycyjną chronologią.

Na uwagę zasługuje także celtycka rzeźba metalowa (400–100 p.n.e.). Jej rozwój i rozprzestrzenianie się wpływów utrudniała dezorganizacja rozproszonych plemion celtyckich, które nie mogły wytrzymać konkurencji z bardziej zorganizowanymi i scentralizowanymi państwami.

Rzeźba bizantyjska (330–1450)

Aż do IV wieku naszej ery. Rzeźba wczesnochrześcijańska składała się głównie z płaskorzeźb nagrobnych i sarkofagów. Sztuka wschodniego imperium rzymskiego była niemal całkowicie religijna i poza drobnymi dziełami z kości słoniowej i biżuterią nie zawierała rzeźb trójwymiarowych.

Rzeźba w średniowieczu (ok. 500–800)

Jak sama nazwa okresu wskazuje, nie był to najlepszy czas dla europejskich rzeźbiarzy. Kościół nie miał znaczącej władzy, miasta zubożały, a poziom kultury był niski.

Następnie tworzy się połączenie architektury publicznej i rzeźby. Nowe budynki z reguły wymagały dekoracji rzeźbiarskich zarówno wewnątrz, jak i na zewnątrz. Na kolumnach nośnych umieszczono elementy dekoracyjne o różnych kształtach, a fasady i drzwi ozdobiono płaskorzeźbami.

Rzeźba wczesnoromańska (ok. 800–1050)

Odrodzenie średniowiecznej rzeźby rozpoczęło się za czasów Karola Wielkiego I, króla Franków, który w 800 roku został Świętym Cesarzem Rzymskim. Pozytywne zmiany kulturowe kontynuowali cesarze Otton I, Otton II i Otton III, w stylu zwanym sztuką ottońską.

Rzeźba romańska (około 1000–1200)

Różne wydarzenia polityczne, w tym wyprawy krzyżowe, doprowadziły do ​​gwałtownej budowy nowych katedr i kościołów w całej Europie. Styl romański, zwany w Wielkiej Brytanii i Irlandii architekturą „normańską”, cieszył się ogromną popularnością, co doprowadziło do rozwoju sztuk plastycznych, powstania warsztatów rzeźbiarskich itp.

Rzeźba gotycka (ok. 1150–1300)

Nowe techniki architektoniczne i rozwój zapotrzebowania na sztukę piękną w różnych formach pod koniec XII wieku utworzyły tzw. „Styl gotycki”. Charakterystyczne cechy stylu romańskiego (zaokrąglone łuki, masywne grube ściany i małe okna) zastąpiono ostrołukami, wysokimi sufitami, cienkimi ścianami i ogromnymi witrażami. To całkowicie odmieniło wnętrze wielu katedr.

Popiersie kardynała Richelieu. .

Rzeźba rokokowa (ok. 1700–1789)

Francuską reakcją na dramatyzm i powagę baroku był nieformalny i wesoły styl rokoko. Następnie dziwaczny styl dekadencki został zastąpiony bardziej sztywnym neoklasycyzmem, co wiązało się z sytuacją polityczną w kraju.

Rzeźba neoklasyczna (ok. 1790–1830)

Sztuka neoklasyczna kojarzona jest głównie z odwoływaniem się do klasycznych przykładów twórczości antycznej. Czołowi rzeźbiarze tamtych czasów wyrażali idee godności, obowiązku i bohaterstwa.

Kupidyn i Psyche. . Groźny Kupidyn. Falcone.

Rzeźba Rzeźba

(łac. sculptura, od sculpo - rzeźbić, wycinać), rzeźba plastyczna (gr. plastika, od plasso - rzeźbić), rodzaj sztuki plastycznej opartej na zasadzie trójwymiarowego, fizycznie trójwymiarowego obrazu. Z reguły przedmiotem obrazu w rzeźbie jest osoba, rzadziej zwierzęta (gatunek zwierzęcy), a jeszcze rzadziej przyroda (pejzaż) i rzeczy (martwa natura). Umiejscowienie postaci w przestrzeni, transmisja jej ruchu, postawy, gestu, modelowanie odcięcia uwydatniające relief formy, faktura rzeźby lub obróbka materiału, architektoniczna organizacja bryły, efekt wizualny jej masy, stosunki wagowe, dobór proporcji, specyficzny charakter sylwetki to w każdym przypadku główne czynniki wyrazu za pomocą rzeźby. Wolumetryczna forma rzeźbiarska budowana jest w rzeczywistej przestrzeni zgodnie z prawami harmonii, rytmu, równowagi, interakcji z otaczającym środowiskiem architektonicznym lub naturalnym oraz w oparciu o cechy anatomiczne (strukturalne) konkretnego modelu.

Wyróżnia się dwa główne typy rzeźb: okrągłą (posąg, grupa rzeźbiarska, figurka, tors, popiersie itp.), która jest swobodnie rozmieszczona w przestrzeni i zwykle wymaga widoku ze wszystkich stron, oraz reliefowa, gdzie obraz jest umieszczony na płaskiej powierzchni. płaszczyzna tworząca jego tło.

Rzeźbę ze względu na treść i funkcje dzieli się na monumentalną, monumentalno-dekoracyjną, sztalugową i tzw. rzeźbę drobnoformową. Rozwijające się w ścisłej interakcji tego typu rzeźby mają swoje własne cechy. Rzeźba monumentalna i monumentalno-dekoracyjna przeznaczona jest dla konkretnego środowiska architektonicznego, przestrzennego lub naturalnego i skierowana jest do mas widzów, umieszczanych przede wszystkim w miejscach publicznych – na ulicach i placach miasta, w parkach, na elewacjach i wnętrzach obiektów użyteczności publicznej. Budynki. Ma na celu konkretyzację obrazu architektonicznego, uzupełnienie wyrazistości form architektonicznych nowymi odcieniami ( cm. synteza sztuk), jest w stanie rozwiązać duże problemy ideologiczne i wyobraźni, co szczególnie kompletnie ujawnia się w pomnikach miejskich, pomnikach, budynkach pamięci, które zwykle charakteryzują się majestatem form i trwałością materiału, wzniesieniem figuratywnym strukturę i szerokość uogólnienia. Rzeźba sztalugowa, niezwiązana bezpośrednio z architekturą, ma charakter bardziej intymny i umieszczana jest najczęściej w salach wystawowych, muzeach i wnętrzach mieszkalnych. Determinuje to cechy plastycznego języka rzeźby, jej wymiary i ulubione gatunki (portret, gatunek codzienny, akt, gatunek zwierzęcy). Rzeźbę sztalugową w większym stopniu niż rzeźbę monumentalną cechuje zainteresowanie wewnętrznym światem człowieka, subtelny psychologizm i narracja. Rzeźba małych form obejmuje szeroką gamę dzieł przeznaczonych przede wszystkim do wnętrz mieszkalnych i pod wieloma względami jest ściśle powiązana ze sztuką zdobniczą i użytkową. Do rzeźby drobnej zaliczają się także dzieła medalierskie i gliptyki. Cel i treść dzieła rzeźbiarskiego determinuje charakter jego struktury plastycznej, a to z kolei wpływa na wybór materiału rzeźbiarskiego. Technika rzeźby w dużej mierze zależy od cech naturalnych i sposobów ich obróbki. Do modelowania używa się miękkich substancji (glina, wosk, plastelina itp.). Substancje stałe (różne rodzaje kamienia, drewna itp.) przetwarza się poprzez siekanie (rzeźbienie) lub rzeźbienie, usuwając niepotrzebne części materiału i stopniowo odsłaniając ukrytą w nim formę wolumetryczną. Do odlewania rzeźb przy użyciu specjalnie wykonanych form wykorzystuje się substancje przechodzące ze stanu ciekłego w stan stały (różne metale, gips, beton, tworzywa sztuczne itp.). Aby odtworzyć rzeźbę w metalu, uciekają się również do galwanoplastyki (wytwarzania dokładnych kopii metodą elektrochemiczną). W swojej niestopionej formie metal w rzeźbie jest przetwarzany poprzez kucie, tłoczenie, spawanie i cięcie. Do wykonania rzeźby ceramicznej używa się specjalnych rodzajów gliny, które zazwyczaj pokrywa się malarską lub kolorową glazurą i wypala w specjalnych piecach. Kolor był używany w rzeźbie od czasów starożytnych: dobrze znana jest rzeźba malarska starożytności, średniowiecza i renesansu. Zwrócenie się w rzeźbie ku polichromii lub odejście od niej na rzecz monochromatycznej barwy, zabarwienia i naturalnej barwy materiału wiąże się z ogólnym kierunkiem rozwoju sztuki w danym kraju i danej epoce. Pojawienie się rzeźby, której początki sięgają czasów prymitywnych, jest bezpośrednio związane z działalnością człowieka i wierzeniami magicznymi. Na stanowiskach paleolitycznych (Montespan we Francji, Willendorf w Austrii, Malta i Buret w ZSRR) odkryto wizerunki zwierząt i kobiet – przodków klanu, wyróżniające się ostrością obserwacji życia przy ogólności i szorstkości form. Rzeźbę neolityczną (okrągłą, zwykle niewielkich rozmiarów) wyrzeźbiono z miękkich kamieni, kości i drewna; płaskorzeźby wykonano na płytach kamiennych i ścianach jaskiń, w wizerunkach postaci dominowała schematyzacja form. Rzeźba często służyła jako środek do ozdabiania naczyń, narzędzi pracy i polowań, a także była używana jako amulet. Rzeźba doczekała się dalszego rozwoju w okresie rozkładu prymitywnego systemu komunalnego, w związku ze wzrostem podziału pracy i postępem technologicznym; Najjaśniejszymi zabytkami tego etapu są złote płaskorzeźby Scytów, terakotowe głowy kultury Nok, zróżnicowana typologicznie drewniana rzeźba ludów Oceanii.

W sztuce społeczeństwa niewolniczego rzeźba wyróżniała się jako szczególny rodzaj działalności, mający określone zadania i swoich mistrzów. Rzeźba starożytnych państw Wschodu, mająca znaczenie rytualne i magiczne, służyła utrwaleniu ścisłej hierarchii społecznej, władzy bogów i królów, która została utrwalona w dziełach o wielkiej skali, lakonicznym i surowym stylu. Starożytny Egipt, który wyróżniał się unikalnym systemem konwencjonalnego przedstawienia postaci ludzkiej - kanon, sfinksy, majestatyczne posągi faraonów, portrety szlachty, podsumowane objętościowo, zachował ideę pierwotnego bloku materiału. W rzeźbie innych starożytnych despotyzmów wschodnich, które rozwijały się w podobny sposób (Sumer, Akad, Babilonia, Asyria), charakterystycznymi cechami była jasność kolorystyki (Sumer), wprowadzenie do płaskorzeźby wielu szczegółów, w tym elementów krajobrazu (Asyria) .

Rzeźba starożytnej Grecji i częściowo starożytnego Rzymu ma inny, humanistyczny charakter, adresowana do mas wolnych obywateli i pod wieloma względami będąca plastyczną materializacją mitologii starożytnej. W obrazach bogów i bohaterów, sportowców i wojowników rzeźbiarze starożytnej Grecji ucieleśniali ideał harmonijnie rozwiniętej osobowości i potwierdzali swoje idee etyczne i estetyczne. Holistyczną, plastycznie uogólnioną, ale nieco ograniczoną rzeźbę okresu archaicznego zastąpiono rzeźbą klasyczną, opartą na dokładnej znajomości anatomii i swobodnym rozmieszczeniu figury w przestrzeni, co wydało na świat takich wielkich mistrzów jak Myron, Fidiasz, Poliklet, Skopas, Praksyteles, Lizyp. W ich twórczości najpełniej ujawniła się humanistyczna istota rzeźby greckiej: afirmacja znaczenia ludzkiej osobowości, plastycznego piękna ludzkiego ciała, połączona z idealnym uogólnieniem obrazu. W sztuce hellenistycznej równowagę i harmonię rzeźby klasycznej zastępuje dramat, patetyczna namiętność, intensywność obrazów i zewnętrzna widowiskowość form. Realizm starożytnej rzeźby rzymskiej szczególnie w pełni ujawnił się w sztuce portretu, która zadziwia ostrością indywidualnego i społecznego przedstawienia postaci. Powstały płaskorzeźby o tematyce historyczno-narracyjnej, zdobiące kolumny i łuki triumfalne; powstał rodzaj pomnika jeździeckiego (posąg Marka Aureliusza, ustawiony później przez Michała Anioła na Placu Kapitolińskim w Rzymie).

Religia chrześcijańska jako główna forma światopoglądu w dużej mierze zdeterminowała charakter europejskiej rzeźby średniowiecznej. Rzeźba jako niezbędne ogniwo wpisuje się w tkankę architektoniczną katedr romańskich, podporządkowaną surowej powadze ich struktury tektonicznej. W sztuce gotyckiej, gdzie płaskorzeźby i posągi apostołów, proroków, świętych, stworzeń fantastycznych, a czasem wyidealizowanych wizerunków rzeczywistych osób dosłownie wypełniają portale katedr, galerie wyższych kondygnacji, nisze wieżyczek i ryzalitów gzymsów, rzeźba odgrywa szczególną rolę zauważalna rola. Wydaje się, że „humanizuje” architekturę, wzmacniając jej duchowe bogactwo. Na starożytnej Rusi sztuka reliefowa osiągnęła wysoki poziom (reliefy z łupków kijowskich, rzeźbione w kamieniu dekoracje świątyń szkoły Włodzimierza-Suzdala). W średniowieczu rzeźba rozwinęła się szeroko w krajach Bliskiego i Dalekiego Wschodu; Światowe znaczenie artystyczne rzeźby z Indii, Indonezji i Indochin jest szczególnie duże, ma charakter monumentalny, łączący siłę konstruowania brył ze zmysłowym wyrafinowaniem modelowania.

W XII-XVI w. Rzeźba zachodnioeuropejska, stopniowo uwalniając się od treści religijnych i mistycznych, przechodzi do bardziej bezpośredniego przedstawienia życia. Wcześniej niż w rzeźbie innych krajów, w drugiej połowie XIII - na początku XIV wieku. nowe nurty realistyczne pojawiły się w północnych Włoszech (Niccolò Pisano i inni) w XV-XVI wieku. Rzeźba włoska, bazująca na tradycji antycznej, coraz bardziej skłania się ku wyrazowi ideałów renesansowego humanizmu ( cm. Renesans). Jego głównym zadaniem staje się ucieleśnienie jasnych charakterów ludzkich, przepojonych duchem afirmacji życia (dzieła Donatello, Jacopo della Quercia, A. Verrocchio). Ważnym krokiem naprzód było stworzenie pomników wolnostojących (tj. stosunkowo niezależnych od architektury), rozwiązania problemów umieszczania pomników w zespole miejskim i wielopłaszczyznowej płaskorzeźbie. Udoskonala się technikę odlewania i tłoczenia brązu, stosuje się technikę majoliki. Jednym z szczytów sztuki renesansu były dzieła rzeźbiarskie Michała Anioła, pełne tytanicznej mocy i intensywnego dramatyzmu. Rzeźbiarzy manierystycznych (B. Cellini i in.) wyróżniało dominujące zainteresowanie zadaniami zdobniczymi. Wśród rzeźbiarzy renesansu w innych krajach wyróżniają się Klaus Sluter (Burgundia), J. Goujon i J. Pilon (Francja), M. Lacher (Austria), A. Kraft, F. Stoss i T. Riemenschneider (Niemcy).

W rzeźbie barokowej renesansowa harmonia i wyrazistość ustępują miejsca elementom form zmiennych, dobitnie dynamicznych, często przepełnionych uroczystym przepychem. Trendy dekoracyjne szybko rosną: rzeźba dosłownie splata się z architekturą kościołów, pałaców, fontann i parków. W epoce baroku powstały także liczne portrety ceremonialne i pomniki. Największymi przedstawicielami rzeźby barokowej są L. Bernini we Włoszech, A. Schlüter w Niemczech, P. Luger we Francji, gdzie klasycyzm rozwinął się w ścisłym związku z barokiem (cechy obu stylów przeplatały się w twórczości F. Girardona, A. Coisevoux itp.). Zasady klasycyzmu, przemyślane w okresie Oświecenia, odegrały ważną rolę w rozwoju rzeźby zachodnioeuropejskiej drugiej połowy XVIII – pierwszej tercji XIX wieku, w której obok wątków historycznych, mitologicznych i alegorycznych (A. Canova we Włoszech, B. Thorvaldsen w Danii), duży Portret zyskał na znaczeniu (J.B. Pigalle, E.M. Falconet, J.A. Houdon we Francji). Napięcie emocjonalne i poszukiwanie nowych środków wyrazu są charakterystyczne dla rzeźby epoki romantyzmu (P. J. David d'Angers, A. L. Bari, F. Rude we Francji).

W rzeźbie rosyjskiej z początku XVIII wieku. następuje przejście od średniowiecznych form religijnych do świeckich; Rozwijając się w duchu paneuropejskich stylów – baroku i klasycyzmu, łączy w sobie patos ustanawiania nowej państwowości, a następnie edukacyjne ideały obywatelskie ze świadomością plastycznego piękna realnego świata. Pomnik Piotra I w Petersburgu autorstwa Falcone stał się symbolem nowych dążeń historycznych Rosji. Znakomite przykłady parkowej rzeźby monumentalnej i dekoracyjnej, rzeźby w drewnie i portretów obrzędowych pojawiły się już w pierwszej połowie XVIII wieku. (B.K. Rastrelli i inni). W drugiej połowie XVIII – pierwszej połowie XIX wieku. Powstaje akademicka szkoła rzeźby rosyjskiej, reprezentowana przez galaktykę wybitnych mistrzów. Patriotyczny patos, majestat i klasyczna klarowność obrazów charakteryzują twórczość F. I. Shubina, M. I. Kozłowskiego, F. F. Szczedrina, I. P. Martosa, V. I. Demuta-Malinowskiego, F. P. Tołstoja, S. S. Pimenowej. Ścisły związek z architekturą, równorzędna pozycja w syntezie z nią, uogólniona struktura figuratywna są typowe dla rzeźby rosyjskiego klasycyzmu. W latach 1830-40. W rzeźbie rosyjskiej coraz częściej odchodzi się od pragnienia historycznej specyfiki obrazu (B. I. Orłowski) i gatunkowej (P. K. Klodt, N. S. Pimenov).

W drugiej połowie XIX w. Rzeźba rosyjska i zachodnioeuropejska odzwierciedla ogólny proces demokratyzacji sztuki. Klasycyzmowi, który obecnie wyradza się w sztukę salonową, przeciwstawia się kierunek realistyczny ( cm. Realizm) z jego otwarcie wyrażaną orientacją społeczną, uznaniem życia codziennego godnego uwagi artysty, odwoływaniem się do tematu pracy, do problemów moralności publicznej (J. Dalou we Francji, C. Meunier w Belgii itp.). Realistyczna rzeźba rosyjska rozwija się pod silnym wpływem malarstwa Wędrowców. Charakterystyczna dla tej ostatniej głębia refleksji nad historycznymi losami ojczyzny wyróżnia się także twórczością rzeźbiarską M. M. Antokolskiego. Rzeźba afirmuje tematykę zaczerpniętą z życia współczesnego, tematykę chłopską (F. F. Kamensky, M. A. Czyżow, S. O. Iwanow), które jednak cierpią na nadmierny naturalizm i przyziemność obrazów, a czasem także sentymentalizm.

W sztuce drugiej połowy XIX w. rozpoczął się upadek syntezy architektury i sztuki, upadek rzeźby monumentalno-dekoracyjnej i monumentalnej; Rozprzestrzeniały się różne ruchy naturalistyczne. Próby przezwyciężenia kryzysu rzeźby pojawiły się na przełomie XIX i XX w., kiedy to w ramach stylu secesyjnego odrodziło się na nowo dążenie do syntezy sztuk, w której rzeźba (zwłaszcza kojarzona z wnętrza, projekty fasad, czyli płaskorzeźba, rzeźba sztalugowa i dekoracyjna) zajmują ważne miejsce. Na rozwój rzeźby tego czasu wpływają współczesne ruchy artystyczne (impresjonizm, symbolika), w dużej mierze opiera się ona na tradycjach z przeszłości (archaika grecka, klasyka, renesans). Ściśle związana z nauką o naturze i odzwierciedlająca sprzeczny charakter swojej epoki, plastyka O. Rodina, który stworzył dzieła żywe w swym emocjonalnym oddziaływaniu i istotne w swojej koncepcji ideowej, wywiera potężny wpływ na wszystkie szkoły narodowe. Częściowo pod wpływem Rodina ukształtowała się twórczość największych mistrzów rzeźby francuskiej XX wieku. - E. A. Bourdelle, A. Maillol, C. Despiot. Najwybitniejsi przedstawiciele tego typu sztuki w innych krajach pierwszej połowy XX wieku. byli E. Barlach (w Niemczech), I. Meštrović (w Chorwacji). Różne kierunki rzeźby rosyjskiej tego okresu wyrażają S. M. Volnukhin, I. Ya Ginzburg, P. P. Trubetskoy, A. S. Golubkina, S. T. Konenkov, A. T. Matveev, N. A. Andreev. W rzeźbie plastyczna wyrazistość form nabiera pierwszorzędnego znaczenia (M. Rosso we Włoszech, A. Giacometti w Szwajcarii, G. Kolbe w Niemczech).

W XX wieku Rozwój rzeźby nabiera charakteru sprzecznego. Eksperymentalizm modernistycznych ruchów malarskich XX wieku. przeniknął do rzeźby; Szczególnie silny był wpływ kubizmu (P. Picasso, A. P. Archipenko, A. Laurent), co doprowadziło do włączenia do dzieł rzeźbiarskich szerokiej gamy nietradycyjnych materiałów. Przedstawicielami konstruktywizmu byli N. Gabo, A. Pevzner, surrealizmu – X. Arp, sztuki abstrakcyjnej – A. Calder i in. Dadaiści (M. Duchamp), a po nich artyści pop-artu wprowadzili zasadę przekształcania zwykłego przedmiotu w dzieła rzeźby, tzw. obiektu, zaprzeczającego znaczeniu formy artystycznej i plastycznej. Formy dekoracyjne tworzone z najnowocześniejszych materiałów (I. Noguchi, USA) czy gigantyczne stylizowane postacie ludzi (G. Moore, Wielka Brytania) wpisują się w nowoczesne środowisko miejskie.

Tendencjom modernistycznym konsekwentnie przeciwstawia się rzeźba radziecka, rozwijająca się na ścieżce socrealizmu. Jej powstanie jest nierozerwalnie związane z leninowskim planem propagandy monumentalnej, na bazie którego powstały pierwsze rewolucyjne pomniki i tablice pamiątkowe, a następnie wiele znaczących dzieł rzeźby monumentalnej. W zabytkach z lat 20-30. (rzeźbiarze A. T. Matveev, S. D. Merkurov, B. D. Korolev, M. G. Manizer i inni), w monumentalnej i dekoracyjnej rzeźbie, która zdobiła duże budynki użyteczności publicznej, stacje metra, wystawy ogólnounijne i międzynarodowe („Pracownica i kobieta z kołchozu” V.I. Mukhiny i innych ) wyraźnie manifestował się socjalistyczny światopogląd, realizowano zasady narodowości i sztuki partyjnej. Centralny w rzeźbie lat 20-30. stać się tematem rewolucji (Matwiejew i inni), wizerunkiem uczestnika wydarzeń rewolucyjnych, budowniczego socjalizmu. W rzeźbie sztalugowej duże miejsce zajmuje portret (Andreev, Golubkina, S. D. Lebedeva, V. N. Domogatsky itp.), A także wizerunek ludzkiego wojownika (I. D. Shadr itp.), Wojownika (L. V. Sherwood ), robotnik (G.I. Motowiłow). Rozwija się rzeźba zwierzęca (I. S. Efimov, V. A. Vatagin), rzeźba małych form jest zauważalnie aktualizowana (V. V. Kuznetsov, N. Ya. Danko itp.). Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w latach 1941–45 na pierwszy plan wysunął się temat Ojczyzny i patriotyzmu sowieckiego, ucieleśniony w portretach bohaterów (Mukhin, Lebiediewa, N.V. Tomski), w intensywnie dramatycznych postaciach i grupach gatunkowych (V.V. Lishev, E. F. Belashova i inni). Tragiczne wydarzenia i bohaterskie osiągnięcia lat wojny szczególnie wyraźnie znalazły odzwierciedlenie w rzeźbie budynków pamięci z lat 40. i 70. XX wieku. (E. V. Vuchetich, J. Mikenas, G. Jokubonis, L. V. Bukovsky i in.). W latach 40-80. rzeźba odgrywa aktywną rolę jako element dekoracyjny lub organizujący przestrzennie w architekturze budynków i zespołów użyteczności publicznej oraz jest wykorzystywana w tworzeniu zespołów urbanistycznych, w których wraz z licznymi nowymi pomnikami i kompozycjami monumentalnymi (M.K. Anikushin, E.D. Amashukeli, V.Z. Borodai , L. E. Kerbel, A. P. Kibalnikov, O. K. Komov, Yu. G. Orekhov, T. Sadykov, V. E. Tsigal, Yu. L. Chernov itp.) ważne miejsce zajmuje rzeźba ogrodnicza, rzeźbiarstwo obszarów mieszkalnych itp. Wyostrzone wyczucie nowoczesności, poszukiwanie sposobów aktualizacji języka plastycznego charakteryzują rzeźbę sztalugową drugiej połowy lat 50. i 80. XX wieku. (A.G. Pologova, L.M. Baranov i inni). Wspólną cechą wielu narodowych szkół rzeźby radzieckiej jest chęć ucieleśnienia charakteru współczesnego człowieka - budowniczego komunizmu, odwołanie się do tematów przyjaźni narodów, walki o pokój. Te same tendencje są obecne także w rzeźbie innych krajów socjalistycznych, która wydała na świat wielu znaczących mistrzów (K. Dunikowski w Polsce, F. Kremer w NRD, A. Avgustincic w Jugosławii, J. Kisfaludi-Strobl na Węgrzech, itp.). W rzeźbie zachodnioeuropejskiej reakcja na faszyzm i wojnę spowodowała aktywizację najbardziej postępowych sił i przyczyniła się do powstania dzieł przesiąkniętych wysokim humanistycznym patosem (rzeźbiarze M. Mazakurati, G. Manzu we Włoszech, V. V. Aaltonen w Finlandii). Rzeźba czołowych artystów propaguje postępowe idee nowoczesności, odtwarza wydarzenia historyczne i współczesne ze szczególną rozmachem, epickością i ekspresją, a przedstawiciele różnych ruchów modernistycznych zrywają żywy związek z rzeczywistością, odchodząc od aktualnych problemów życiowych w świat subiektywnej fikcji i eksperymenty formalistyczne.

Enku (Japonia). "Pustelnik". Drzewo. XVII wiek Świątynia Kannonji. Nagoja.

Michał Anioł (Włochy). "Noc". Fragment dekoracji Nowej Zakrystii (Kaplica Medyceuszy) kościoła San Lorenzo we Florencji. Marmur. 1520 - 1534.

A. Mayol (Francja). „Ograniczony ruch”. Brązowy. Początek 20 wieku Muzeum Sztuki Metropolitan. Nowy Jork.

"Nieprzerwany." Fragment zespołu pamiątkowego ku pamięci ofiar faszystowskiego terroru w Salaspils (Łotewska SRR). Beton. 1967. Rzeźbiarze L. Bukovsky, J. Zarin, O. Skarainis.
Literatura: G. I. Kepinov, Technologia rzeźby, M., 1936; D. E. Arkin, Obrazy rzeźby, M., 1961; M. Ya Libman, O rzeźbie, M., 1962; A. S. Golubkina, Kilka słów o rzemiośle rzeźbiarza, M., 1963; I. M. Schmidt, Rozmowy o rzeźbie, M., 1963; S. S. Valerius, Rzeźba postępowa XX wieku. Problemy i trendy, M., 1973; Landsberger F., Vom Wesen der Plastik. Ein kunstpädagogischer Versuch, W., 1924; Rich C., Materiały i metody rzeźby, N. Y., 1947; Malraux A., Le musée imaginaire de la rzeźba mondiale, (t. 1-3, s.), 1952-54; Przeczytaj N. E., The art of rzeźba, wyd. 2, N. Y., 1961; Mills J. W., Technika rzeźby, L., (1965); Rogers L.R., Rzeźba, L.-N. Y.-Oxf., 1969; Bazin G., Dzieje rzeźby światowej, L., 1970; jego autorstwa, Le monde de la rzeźba des origine a nos jours, P., 1972; jego autorstwa, Zwięzła historia rzeźby światowej, Newton Abbot, 1981; Albreht H. Y., Sculptur im 20. Jahrhundert, Köln, 1977, Wittkower R., Rzeźba: procesy i zasady, L., 1977; Kotula A., Krakowski P., Rzeźba współczesna, Warsz., 1980.

Źródło: „Encyklopedia sztuki popularnej”. wyd. Polevoy V.M.; M.: Wydawnictwo „Encyklopedia Radziecka”, 1986.)

Rzeźbienie, jeden z typów Dzieła wizualne. Rzeźba w odróżnieniu od malarstwa ma realną, a nie przedstawioną objętość. Istnieją dwa główne typy rzeźb: rzeźba okrągła i ulga. Okrągły posąg „żyje” w wolnej przestrzeni, można go obejść ze wszystkich stron, dotknąć dłonią szorstkiej lub gładkiej powierzchni, poczuć okrągłość kształtu. Płaskorzeźba przypomina trójwymiarowy wzór na płaszczyźnie.
Głównym tematem obrazu w rzeźbie jest człowiek. Tylko czasami mistrzowie przedstawiają zwierzęta i ptaki, przedmioty nieożywione. W rzeźbie okrągłej, w przeciwieństwie do malarstwa, bardzo trudno jest odtworzyć naturę, nie da się oddać cech przewiewnej atmosfery. Jednak rzeźbiarze są w stanie wyrazić w formie fizycznej wszelkie uczucia i pomysły - od lirycznych i uduchowionych po wspaniałe i majestatyczne. Mistrz nie stara się dokładnie kopiować form, które widzi w życiu. W rzeźbie, jak w każdym dziele sztuki, należy wybrać to, co najważniejsze, istotne, usunąć niepotrzebne detale, a wręcz przeciwnie, coś uwypuklić, podkreślić, wyolbrzymić. Rzeźbiarz nie kopiuje, ale tworzy, tworzy nową formę, opierając się na znajomości natury.

Każda rzeźba jest bardzo wrażliwa na oświetlenie. Inaczej będzie wyglądać w świetle górnym i bocznym, przy pochmurnej pogodzie i jasnym słońcu. Rzeźbiarze uwzględniają to w swojej twórczości. Dzieło rzeźbiarskie powstaje z myślą o konkretnym środowisku: ulicy lub placu miejskim, sali muzealnej, alei parkowej, pokoju w domu. Miejsce, w którym stanie rzeźba, determinuje jej wielkość, materiał, z jakiego zostanie wykonana, oraz cechy jej kształtu.
W zależności od przeznaczenia rzeźbę dzieli się na monumentalną i sztalugową. Rzeźba monumentalna to pomnik wzniesiony dla upamiętnienia wydarzenia historycznego lub przedstawiający wybitną osobę. Uosabiają zdolność rzeźby do wyrażania wielkich pomysłów w uogólnionych obrazach. Rzeźba parkowa służy ozdabianiu środowiska naturalnego: zręczna ręka rzeźbiarza zdaje się konkurować z naturą w tworzeniu doskonałych form. Figurki wykonane maszynowo zaliczane są do rzeźb sztalugowych. Przeznaczone są do małych pomieszczeń, do sal muzealnych.
Wszystkie materiały rzeźbiarskie można podzielić na miękkie (glina, plastelina, wosk) i twarde (kamień, drewno, kość słoniowa). Pracując z miękkimi materiałami, rzeźbiarz rzeźbi i zwiększa objętość przyszłego posągu. Najstarszy materiał plastyczny, znany od czasów prymitywnych, lepka i miękka glina, pod palcami mistrza przybiera dowolny kształt. Wyroby wykonane z wypalanej gliny nazywane są terakotą (od włoskiej terakoty – wypalana ziemia). Rzeźby do grobowców i świątyń były rzeźbione z trwałego kamienia od czasów starożytnych. Twarde skały (granit, bazalt itp.) są trudne w obróbce, nie da się w nich wycinać małych części. Dlatego w tego typu pracach najmocniej można wyczuć solidną bryłę kamienia (rzeźba starożytnego Egiptu). Wapień jest bardziej miękkim kamieniem. W średniowieczu wykorzystywano go do dekoracji reliefowych portale katedry Starożytni Grecy jako pierwsi przetwarzali marmur: połyskujący, jak oddychający kamień, w kolorze zbliżonym do cielistego, dobrze nadający się na posągi nagich bogów i bohaterów.
Wielkiemu rzeźbiarzowi renesansu Michał Anioł przypisuje się słynne powiedzenie, że stworzenie rzeźby jest bardzo proste: wystarczy wziąć kamień i „usunąć wszystko, co niepotrzebne”. Rzeczywiście mistrz pracujący z twardymi materiałami „uwalnia” przyszłą rzeźbę „z niewoli” masy kamiennej czy drewnianej. Aby obrabiać kamień, musisz mieć siłę fizyczną i pewną rękę. Jeden błąd i cała praca pójdzie na marne. Najpierw największe kawałki są odłupywane z kamienia za pomocą narzędzia na pióro i wpust, które przypomina duży gwóźdź. Następnie pracują z trojanem - dużym nożem z płaskim, postrzępionym końcem, który służy do wygładzania nierówności. Za pomocą skarpela, mniejszego noża, wycina się drobne detale. Za pomocą wiertła (specjalnego wiertła) wierci się otwory (loki włosów, źrenice itp.). Po zakończeniu prac poszczególne części rzeźby są polerowane na połysk.
Od niepamiętnych czasów rzeźbiarze posługiwali się drewnem. Przez tysiące lat pozostawał ulubionym materiałem rzemieślników ludowych, którzy wykonywali z niego zabawne zabawki i małe ozdobne figurki. Narzędzia do pracy z drewnem są w zasadzie takie same, jak do pracy z kamieniem: różne noże, przecinaki, piły i młotki. Chociaż rzeźbienie w drewnie jest łatwiejsze niż cięcie kamienia, praca z nim wiąże się z pewnymi wyzwaniami. Drewno można ciąć wyłącznie zgodnie z kierunkiem słojów; W realizacji planu może przeszkodzić jakaś gałązka, która „pojawiła się” w najbardziej nieodpowiednim miejscu. Na koniec, aby zapobiec wysychaniu i pękaniu drewnianej rzeźby, gotowy posąg dzieli się na dwie części, wydrąża je od wewnątrz, a następnie połówki ponownie łączy. Drewno jak żaden inny materiał „sugeruje” kształt przyszłego dzieła. Rzeźbiarz potrafi zamienić plątaninę sęków w dłonie posągu, rozrzucone korzenie starego pnia w zakrzywione łapy potwora... Drewno – ciepły, „żywy” materiał – zdaje się wypełniać rzeźbę specjalna siła organiczna.
Wśród materiałów rzeźbiarskich wyróżniają się metale: brąz, miedź, żeliwo, złoto. W procesie wykonywania rzeźby z brązu (lub innego metalu) najpierw wykonuje się jej model z wosku, gipsu, gliny itp. Model pokrywa się gipsem, w wyniku czego powstaje wydrążona, wyjmowana forma, do której następnie wlewa się roztopiony metal nalany.