Krótki kurs

literaturę muzyczną

JEST. HUK
1. Polifonia to polifonia. Utwór polifoniczny może mieć od dwóch do pięciu głosów, z których każdy rozwija się niezależnie, ale wszystkie są wplecione w jedną muzyczną tkaninę. Polifonia była powszechna w okresie renesansu (XVI – XVII w.) Wybitni muzycy polifonistów z I połowy XVII w. byli: kompozytorzy niemieccy Georg Friedrich Handel, Georg Philipp Telemann, kompozytor angielski – Henry Purcell, kompozytor francuski Jean Baptiste Lully.
We Włoszech wyróżniał się Antonio Vivaldi. Powszechnie znane są jego koncerty skrzypcowe i suita „Pory roku”. We Francji najbardziej znanymi kompozytorami są klawesyniści: Jean Philippe Rameau, Francois Couperin, Louis Claude Daquin. Sonaty klawesynowe włoskiego kompozytora Domenico Scarlattiego cieszą się obecnie dużą popularnością.
Ale „ojciec” polifonii słusznie uważany jest za wielkiego Niemiecki kompozytor Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) Jego twórczość jest wielka i wieloaspektowa.
Bach urodził się w niemieckim mieście Eisenach. Tam spędził dzieciństwo, gdzie uczył się gry na organach, skrzypcach i klawesynie. Od 15 roku życia mieszkał samodzielnie: najpierw w mieście Lüneburg, następnie w poszukiwaniu pracy przeniósł się do miasta Weimar, gdzie pełnił funkcję organisty w kościele i tutaj napisał swoje najlepsze dzieła organowe: „ Toccata i fuga d-moll”, preludia i fugi chorałowe organowe. Następnie przenosi się do miasta Köthen.
W Köthen pełni funkcję nadwornego muzyka księcia Köthen i tutaj napisał najlepsze dzieła klawiszowe: 1. tom HTK (dobrze hartowany clavier), 6 suit angielskich i 6 francuskich, wynalazki, „Fantazję chromatyczną i fugę ”.
Bach ostatnie lata swego życia spędził w Lipsku. Tutaj pracował jako kierownik szkoły chóralnej (kantor) przy kościele św. Tomasza i napisał wiele dzieł chóralnych: „Msza h-moll”, „Pasja św. Jana”, „Pasja według św. Mateusza” i inne najlepsze próbki kantata i oratorium. Tutaj napisał drugi tom HTC.

JEST. Bach stał się twórcą muzyki polifonicznej. Nikt nie pisał polifonii lepiej od niego. Jego trzej synowie również stali się sławnymi kompozytorami, ale nazwisko Johanna Sebastiana Bacha przeszło do historii sztuka muzyczna za wszystkie czasy! Jego muzyka jest wieczna i zrozumiała dla ludzi - jest żywa.
2. Wiedeńska Szkoła Klasyczna.
To twórczy kierunek w muzyce końca XVIII – początków XIX wieku, który rozwinął się w Wiedniu (stolicy Cesarstwa Austriackiego). Należą do niego trzej kompozytorzy:Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusza Mozarta i Ludwiga van Beethovena. W ich twórczości powstał cykl sonatowo-symfoniczny. Ich prace są doskonałe w formie i treści (czyli klasyczne). Dlatego też nazywano je wielkimi klasykami wiedeńskimi.
Muzyka kompozytorów wiedeńskiej szkoły klasycznej pozostaje do dziś niedoścignionym przykładem kompozycji (klasycznej – w jednym ze znaczeń tego słowa – wzorowej). Szkoła jest tu pojęciem sukcesji, czyli tzw. kontynuacja i udoskonalenie przez jednego kompozytora tradycji i idei swojego poprzednika.
Klasycy wiedeńscy posługiwali się nową strukturą muzyczną (sposobem przedstawienia myśli muzycznej) – homofonoharmoniczną, w której występuje główny głos melodyczny, a melodii towarzyszą pozostałe głosy (towarzyszą jej). Ich praca składa się z 8-taktowego (kwadratowego) okresu. Wynika to z wykorzystania austriackich i niemieckich tematów ludowych. W harmonii dominują triady głównych stopni T, S, D.

Józefa Haydna (1732-1809) był najstarszym z wiedeńskich klasycystów. W jego twórczości ostatecznie ukształtowały się gatunki sonaty, symfonii, koncertu i kwartetu. Nazywany jest „ojcem” symfonii (ma ich ponad 100). Jego muzyka opiera się na tematyce tańców i pieśni ludowych, którą rozwija z wielkim kunsztem. W jego twórczości powstał także skład orkiestry symfonicznej, składający się z trzech grup instrumentów - smyczków, instrumentów dętych i perkusji. Niemal całe życie służył jako muzyk nadworny księcia Esterhazego, tworząc 104 symfonie, 52 sonaty, koncerty i 83 kwartety. Ale szczytem było jego 12 londyńskich symfonii, oratoria „Pory roku” i „Stworzenie świata”, napisane w Londynie pod koniec jego życia.

Niemiecki kompozytor stał się naśladowcą twórczości Haydna W.A.Mozart (1756-1791). Jego jasna muzyka jest wciąż nowoczesna - świecący przykład klasycyzm. Z wczesne lata zaczął komponować sonaty, symfonie i opery. Wykorzystując cykl sonatowo-symfoniczny Haydna, Mozart rozwinął go i wzbogacił. Jeśli u Haydna kontrast między częścią główną i wtórną nie jest wyraźnie wyrażony, to u Mozarta partia główna ma zupełnie inny charakter niż wtórna, przez co przetworzenie (część środkowa) jest intensywniejsze. Muzyka Mozarta z niezwykłą siłą przekazuje zarówno żałobne, tragiczne nastroje („Requiem”), humorystyczne obrazy, jak i piękną przyrodę. Muzyka Mozarta wyróżnia się pięknem i wdziękiem. Mozart jest autorem wielu oper, z których najbardziej znane to: „Wesele Figara”, „ magiczny flet", "Don Juan". W swoim dorobku ma około 50 symfonii (najsłynniejsze to G-moll nr 40 i „Jowisz” nr 41), wiele sonat, koncertów na klawesyn, skrzypce, obój, flet i rozrywkowe.

Ludwiga van Beethovena (1770-1827) – trzeci klasyk wiedeński.
Wielki niemiecki kompozytor urodził się w Bonn. Współczesny Wielkiej Rewolucji Francuskiej ucieleśniał w swojej muzyce buntowniczy patos, marzenie o wolności i szczęściu ludzkości. Stworzył 9 symfonii (najsłynniejsze: c-moll nr 5, nr 9), szereg uwertur („Coriolanus”, „Egmont”, „Leonora”); 32 sonaty („Lunar” nr 14, „Pathetique” nr 8, „Appassionata” nr 23 i in.), opera „Fidelio”, 5 koncertów fortepianowych, koncert skrzypcowy i sonaty na skrzypce, 16 kwartetów smyczkowych. Twórczość Beethovena jest przepełniona ogromną energią, kontrast między tematami jest bardzo wyraźny, jego muzyka jest dramatyczna, a jednocześnie afirmująca życie i zrozumiała dla wszystkich.
3. Era romantyzmu w muzyce.
Romantyzm to ruch artystyczny, który powstał w r początek XIX wieku, w czasie reakcji po francuskiej rewolucji burżuazyjnej. Ludzie sztuki w tamtych czasach nie mogli wiernie odzwierciedlać rzeczywistości i musieli albo udać się w świat fantazji, albo odzwierciedlić wewnętrzny świat człowieka, jego uczucia i emocje.
W muzyce pierwszym kompozytorem romantycznym byłFranza Schuberta (1797-1828) – wielki austriacki kompozytor i autor tekstów (ma ich ponad 600).
W młodości musiał doświadczyć wielu strat. Znalazłszy się sam w Wiedniu, mieszkał z przyjaciółmi i znajomymi i był pełen nadziei na wspaniałą przyszłość. Jego pieśni z tego okresu były lekkie w treści (cykl „Piękna żona młynarza”). Ale stopniowo zaczyna rozumieć, że życie nie jest tak bezchmurne, jak mu się wydawało, że losem muzyka jest bieda i potrzeba. W utworze „Organ Grinder” namalował portret siebie – piosenkarza wyrzuconego przez społeczeństwo. Ponure nastroje odzwierciedlają cykl „Zimowe odosobnienie”, „Łabędzi śpiew”. Pod słowami Goethego powstały takie arcydzieła jak ballada „Król lasu” i „Margarita przy kołowrotku”. „Serenada” Schuberta na stałe wpisała się do repertuaru znanych śpiewaków. Oprócz pieśni Schubert napisał także 8 symfonii (najsłynniejsza „Niedokończona” h-moll nr 8 w dwóch częściach). Ma też wiele małych dzieła fortepianowe: momenty muzyczne, improwizowane, ekosesy, walce.
Schubert zmarł bardzo wcześnie – w wieku 31 lat, jednak swoimi dziełami zdążył przygotować pojawienie się naśladowców jego twórczości.
Jednym z nich był polski kompozytor gatunek fortepianu Fryderyka Chopina (1810 – 1849).
Jego muzyka jest genialna. Pomimo tego, że pisał wyłącznie na fortepian, odkrył jednak cały świat - od tajemnych głębin ludzkich uczuć po proste sceny z życia na wsi.
Wracając do polskich gatunków narodowych – mazurków, polonezów, walców – ukazywał je z różnych stron. Na przykład jego mazurki mogą mieć charakter balowy lub przypominać prosty taniec wiejski. Polonezy są czasem genialne, czasem tragiczne.
Walce mają także bardzo różnorodny charakter, a jego etiudy wykraczają poza zakres dzieła czysto technicznego – są już utworami koncertowymi – obrazami. Preludia Chopina są niewielkich rozmiarów, ale bardzo różnią się odcieniami poruszanych w nich uczuć. Nokturny Chopina są przykładami melodii i harmonii. Chopin jest twórcą nowego gatunku muzyka fortepianowa- To gatunek balladowy. Ma także sonaty. Marsz żałobny Chopina jest wszystkim znany – to III część sonaty h-moll.
Fryderyk Chopin jest ulubionym kompozytorem wielu pianistów. Od 1927 roku w Warszawie regularnie odbywają się Światowe Konkursy Chopinowskie.
Trzeci romantyk muzyki zagranicznej -Roberta Schumanna (1810 – 1856).
To wielki niemiecki kompozytor – marzyciel i wynalazca. Miał niesamowitą umiejętność portretowania ludzi w muzyce, często z humorem. Jego najsłynniejszym dziełem jest cykl fortepianowy „Karnawał”. Napisał wiele drobnych utworów na fortepian, „Album dla młodzieży”, „Motyle”, 3 sonaty, „Etiudy symfoniczne” i inne.
4 . Twórczość kompozytorów drugiej połowy XIX i początku XX wieku.

Ryszarda Wagnera (1813-1883) - Wilhelm Richard Wagner był niemieckim kompozytorem i teoretykiem dramatycznym, reżyserem teatralnym, dyrygentem i polemistą, który zasłynął dzięki swoim operam, które wywarły rewolucyjny wpływ na muzykę zachodnią. Do jego głównych dzieł należą „Latający Holender” (1843), „Tannhäuser” (1845), „Lohengrin” (1850), „Tristan i Izolda” (1865), „Parsifal” (1882). .) i tetralogia „ Pierścień Nibelungów” (1869–1876).

Giuseppe Verdiego (1813-1901) - słynny włoski kompozytor, autor wielu dzieła nieśmiertelne. Jego twórczość uważana jest za najwyższy punkt rozwoju muzyki XIX wieku w jego rodzinnym kraju. Działalność Verdiego jako kompozytora trwała ponad pół wieku. Była kojarzona głównie z gatunkiem operowym. Pierwszą z nich Verdi stworzył mając 26 lat (Oberto, hrabia di San Bonifacio), a ostatnią napisał w wieku 80 lat (Falstaff). Autorem 32 oper (w tym nowych wydań dzieł napisanych wcześniej) jest Giuseppe Verdi. Jego biografia do dziś budzi ogromne zainteresowanie, a dzieła Verdiego do dziś znajdują się w głównym repertuarze teatrów na całym świecie.. Jego najsłynniejsze opery to Aida, Rigoletto i Traviata.

Edwarda Griega (1843 – 1907) - okres, figura, ,. Twórczość Griega powstała pod wpływem Norwegów Kultura ludowa.

Do najsłynniejszych dzieł Griega należą dwie suity z muzyki do dramatu „” oraz sonaty skrzypcowe.

Grieg skupił swoją uwagę na piosenkach, których wydał ponad 600. Około dwudziestu kolejnych jego sztuk ukazało się pośmiertnie. Kompozycje wokalne Griega pisane były do ​​słów poetów duńskich i norweskich, czasem niemieckich.

Claude Debussy (1862-1918) – francuski kompozytor C. Debussy nazywany jest często ojcem muzyki XX wieku. Pokazał, że każdy dźwięk, akord, tonację można usłyszeć w nowy sposób, można żyć swobodniej, bardziej kolorowo, jakby ciesząc się samym jego dźwiękiem, jego stopniowym, tajemniczym rozpuszczeniem w ciszę. To nie przypadek, że Debussy jest uważany za głównego przedstawiciela. Ulubionym gatunkiem kompozytora jest suita programowa (orkiestra i fortepian), przypominająca serię różnych obrazów, w której statykę pejzaży podkreślają szybko poruszające się, często taneczne rytmy. Są to suity na orkiestrę „” (1899), „” (1905) i „” (1912). Na fortepian powstaje „”, „, „”, które Debussy zadedykował swojej córce.

5. Rosyjska kultura muzyczna.

Michaił Iwanowicz Glinka (1804-1857)
Wielki rosyjski kompozytor jest twórcą narodowej muzyki klasycznej.
Po ukończeniu uniwersyteckiej szkoły z internatem szlacheckim dużo podróżował po Europie, studiując muzykę obcych krajów (Włochy, Niemcy, Austria). Wracając do ojczyzny, Glinka przystąpił do tworzenia rosyjskiej narodowej szkoły muzycznej i udało mu się to.
Glinka zbierała i przetwarzała rosyjski pieśni ludowe i pisał swoje utwory, posługując się ich intonacją, ubierając je w ścisłe, klasyczne formy.
Glinka jest autorką około 80 romansów i piosenek, w tym takich arcydzieł jak „Wątpliwość”, „Pamiętam cudowną chwilę”, „Skowronek” i innych.
Jego pierwszą operą o tematyce historycznej było „Życie dla cara” („Iwan Susanin”).
Z tej opery wywodzi się odłam rosyjskiej opery historycznej (stała się przykładem tego gatunku). Druga opera Glinki powstała na podstawie baśni A. S. Puszkina „Rusłan i Ludmiła”. Położyła podwaliny pod rosyjską operę baśniową.
Ponadto „Wszystko rosyjskie muzyka symfoniczna jest zawarta w Kamarynskiej Glinki jak dąb w żołędziu.” - napisał P.I. Czajkowski. To prawda. Oprócz „Kamarinskiej” Glinka napisał dwie uwertury o tematyce hiszpańskiej: „Jota aragońska” i „Noc w Madrycie”, a jego „Walc Fantazja” jest przykładem pięknych tekstów w muzyce instrumentalnej.
Podsumowując wszystko, co stworzyli przed nim rosyjscy kompozytorzy, Glinka podniósł muzykę rosyjską na jakościowo nowy poziom i zdobył uznanie muzyki rosyjskiej na światowym poziomie.

Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski (1813 – 1869)
Naśladowca i młodszy współczesny Glince, wszedł do historii rosyjskiej kultury muzycznej jako twórca dzieł odkrywczych społecznie. Wśród nich jest opera oparta na fabule tragedia pod tym samym tytułem„Rusałka” Puszkina, w której kompozytor przekazał tragedię prostej chłopki Nataszy, opuszczonej przez księcia, ku smutkowi ojca. Kolejna opera oparta jest na tekście małej tragedii Puszkina „Kamienny gość”. To także dramat społeczno-psychologiczny. W swoich operach Dargomyżski wprowadził nową zasadę od końca do końca rozwój muzyczny. To było to numery muzyczne arie, arioso, duety, chóry – płynnie i bez przerwy przechodzą w recytatyw i odwrotnie, a partia orkiestry często przekazuje to, czego nie da się wyrazić słowami.
Dargomyżski jest autorem około 100 romansów i piosenek. Wśród nich bardzo popularne są: „Jestem smutny”, „Stary kapral”, „Radny tytularny”, „Robak” i inne.
W swojej muzyce Dargomyżski opierał się na pieśniach ludowych, ale jednocześnie na intonacjach żywej mowy ludzkiej. „Chcę, aby dźwięk bezpośrednio wyrażał słowo. Chcę prawdy!" - to twórcze credo Dargomyżskiego.

6. Kultura muzyczna drugiej połowy XIX wieku.
W drugiej połowie XIX wieku w Rosji rozpoczął się wzrost sztuka narodowa- literatura, malarstwo, muzyka. W tym czasie powstał krąg podobnie myślących muzyków, nazwany przez słynnego krytyka muzycznego Stasowa „Potężna gromada”. Nazywana jest także „Wielką Rosyjską Piątką” lub „Nową Szkołą Rosyjską”.
W kręgu znalazło się 5 kompozytorów.
Jej przywódcą był Milij Aleksiejewicz Bałakiriew (1837-1910) – postać jasna, talent muzyczny. Jego zasługą jest to, że zbierał i przetwarzał rosyjskie pieśni ludowe. Bałakiriew nie stworzył zbyt wielu dzieł. Najciekawsze z nich to fantasy „Islamey”, 8
Rosyjskie pieśni ludowe w opracowaniach na fortepian, około 50 romansów.

Aleksander Porfiriewicz Borodin (1833-1887)
- wybitny chemik, pedagog, kompozytor. Autor opery „Książę Igor” opartej na fabule historycznej starożytnej rosyjskiej kroniki „Opowieść o kampanii Igora”, obrazu symfonicznego „W Azji Środkowej”, wspaniałych 2 kwartetów, 3 symfonii (najsłynniejsza II to „Bogatyrskaja ”) i 18 romansów. Kompozytor ucieleśniał w swoim dziele epicką epopeję narodu rosyjskiego, a także oświetlił świat Azji Wschodniej swoimi pięknymi melodiami.
Modest Pietrowicz Musorgski (1839-1881) - trybun-kompozytor, który odzwierciedlał życie i historię ludu jasnowłosego. Jego opery „Borys Godunow”, „Khovanshchina” i monumentalne ludowe dramaty muzyczne są szczytem jego twórczości; komedia muzyczna według Gogola” Jarmark Sorochinskaya» ukazuje życie żywe obrazy zwykli ludzie; cykl „Obrazy z wystawy”, cykle pieśni „Dzieci”, „Pieśni i tańce śmierci”, romanse znajdują się w repertuarze teatrów światowych.
Cezar Antonowicz Cui (1835-1918) – kompozytor i krytyk muzyczny, autor baśni operowych „Czerwony Kapturek”, „Kot w butach”, „Głupiec Iwan”, romansów, pieśni, krótkich utworów fortepianowych. Jego dzieła nie są tak znaczące jak dzieła innych kompozytorów „Potężnej Garści”, ale wniósł także wkład do skarbnicy muzyki rosyjskiej.
Tym, co łączyło wszystkich kompozytorów „Potężnej Garści”, był pełen szacunku stosunek do rosyjskiej pieśni ludowej oraz dążenie do wzbogacenia rosyjskiej muzyki klasycznej i wyniesienia jej na skalę światową. Wszyscy są naśladowcami wielkich rosyjskich kompozytorów klasycznych M.I. Glinki i A.S. Dargomyżskiego.
Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow (1844-1908) - utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego rosyjskiego dziedzictwa muzycznego.
Centralne miejsce w spuściźnie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery – 15 dzieł ukazujących różnorodność gatunkową kompozytora, rozwiązań stylistycznych, dramatycznych i kompozycyjnych. Twórczość kompozytora wyróżniają dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i eposów, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.
Oprócz działalności twórczej N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako wykonawca dzieł swoich przyjaciół - Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był twórcą szkoły kompozytorskiej, jako nauczyciel i dyrektor Konserwatorium w Petersburgu wykształcił około dwustu kompozytorów, dyrygentów i muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Piotr Iljicz Czajkowski (1840 -1893) - rosyjski kompozytor okresu romantyzmu. Niektóre z jego kompozycji należą do najpopularniejszych dzieła muzyczne. Był pierwszym rosyjskim kompozytorem, którego twórczość otworzyła muzyczny świat Rosji na poziomie międzynarodowym. Czynnikiem, który przyczynił się do popularności muzyki Czajkowskiego, była zmiana nastawienia do rosyjskiej publiczności. Do rosnącej popularności kompozytora przyczyniła się także publikacja jego pieśni z 1867 roku oraz znakomita muzyka fortepianowa na rynek krajowy. Pod koniec lat sześćdziesiątych XIX wieku Czajkowski zaczął komponować opery. Wśród jego najbardziej znaczące dzieła- opery: „Dama pik”, „Eugeniusz Oniegin”, „Dziewica Orleańska”, „Mazepa”, „Czerewiczki” i inne, balety: „Dziadek do orzechów”, „Jezioro łabędzie”, „Śpiąca królewna”, symfonia nr 1 „Zimowe sny”, VI symfonia „Pathetique”, uwertura-fantastyka „Romeo i Julia”, cykl fortepianowy „Album dla dzieci”; utwory symfoniczne, kameralne, fortepianowe, chóralne, wokalne i opracowania pieśni ludowych, a także wiele innych dzieł.

7. Twórczość kompozytorów końca XIX i początku XX wieku

Twórczość kompozytorów rosyjskich końca XIX i pierwszej połowy XX wieku stanowi holistyczną kontynuację tradycji szkoły rosyjskiej. Jednocześnie zmieniła się koncepcja podejścia do „narodowej” przynależności tej czy innej muzyki, praktycznie nie ma bezpośredniego cytowania melodii ludowych, ale pozostała intonacyjna rosyjska podstawa, rosyjska dusza.

Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915) - rosyjski kompozytor i pianista, jeden z najjaśniejsze osobowości Rosyjska i światowa kultura muzyczna. Oryginalna i głęboko poetycka twórczość Skriabina wyróżniała się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce związanych ze zmianami w życiu publicznym przełomu XIX i XX wieku.
Szczyt twórczości kompozytorskiej Skriabina przypadł na lata 1903-1908, kiedy to ukazała się III Symfonia („Boski poemat”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, poematy fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonaty oraz inne dzieła. wydany. Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii temu utworowi miała towarzyszyć muzyka kolorowa , ale premiera ze względów technicznych odbyła się bez efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” był plan Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować ją do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow (1873 - 1943) - największy na świecie kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy wizerunek kompozytora Rachmaninowa określany jest często mianem „najbardziej rosyjskiego kompozytora”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w łączeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w światowej kulturze muzycznej.

Studiował w Konserwatorium w Petersburgu, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista oraz komponował muzykę. Katastrofalna premiera nowatorskiej I Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX wieku wyłonił się Rachmaninow z dojrzałym stylem, łączącym rosyjską pieśń kościelną, odchodzący romantyzm europejski, nowoczesny impresjonizm i neoklasycyzm, a wszystko to w pełni o złożonej symbolice. W tym okresie twórczym narodziły się jego najlepsze dzieła, m.in. II i III koncert fortepianowy, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło – wiersz „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną został zmuszony do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w USA.

Interesujący fakt : podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których dochód przekazał Funduszowi Armii Czerwonej na walkę z nazistowskimi okupantami.

Igor Fedorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971) - jeden z najbardziej wpływowych kompozytorów światowych XX wieku, przywódca neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” epoki muzycznej, w jego twórczości odbija się wielość stylów, nieustannie przenikających się i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej historii muzyki i poddając własnym regułom.

Zawodowo komponował stosunkowo późno, ale jego rozwój był szybki – seria trzech baletów: „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911) i „Święto wiosny” (1913) natychmiast wyniosła go w szeregi kompozytorów pierwszej wielkości.
W 1914 r. opuścił Rosję, jak się okazało, niemal na zawsze (w 1962 r. odbyły tournée po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, zmuszony do zmiany kilku krajów – Rosji, Szwajcarii, Francji, aż ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość podzielona jest na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja masowa”, okresy dzieli nie czas życia w różnych krajach, ale „pismo ręczne” autora.

Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891-1953) - jeden z największych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista, dyrygent. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich „cudów muzycznych”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście dzieła te są jeszcze niedojrzałe, ale wykazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimski-Korsakow.

Do najbardziej uderzających dzieł należały opery „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie”; balety „Romeo i Julia” oraz „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Strażnik Pokoju”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; dzieła fortepianowe.
Twórczość Prokofiewa uderza wszechstronnością i szerokością tematów, oryginalność jego myślenia muzycznego, świeżość i oryginalność stanowiły całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły potężny wpływ na wielu kompozytorów radzieckich i zagranicznych.

Dmitrij Dmitriewicz SZOSTAKOWICZ ( 1906 - 1975) to jeden z najważniejszych i najczęściej wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego dzieła są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losem ojczyzna. Już na początku lat 20., pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych dzieł i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światowa sława przyszła do Szostakowicza po zdobyciu 1 Międzynarodowy Konkurs Chopina w 1927 r.
Do pewnego okresu, czyli przed wystawieniem opery „Lady Makbet” Rejon Mtsensk", Szostakowicz pracował jako wolny artysta - „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Ze wszystkich obszernych dzieł Szostakowicza we wszystkich gatunkach centralne miejsce zajmują symfonie (15 dzieł), najbardziej dramatycznie intensywne symfonie 5, 7, 8, 10, 15, które stały się szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej .

BILETY NA EGZAMIN Z LITERATURY MUZYCZNEJ

Bilet 1

2. Opery historyczne kompozytorów rosyjskich.

3. Kreatywność M.V. Mały Lis.

Bilet 2

1. Gatunki muzyczne: piosenka, taniec, marsz.

2. Sztuka rosyjska drugiej połowy XIX wieku.

3. Kreatywność K.G. Stetsenka.

Bilet 3

1. Muzyka programowa i wizualna. Musorgskiego „Obrazy z wystawy”.

2. Kreatywność V.A. Mozarta.

3. Koncerty chóralne kompozytorów ukraińskich.

Bilet 4

1. Muzyka w teatrze. Griega „Peer Gynt”

2. Twórczość M. I. Glinki

3. Twórczość symfoniczna kompozytorów ukraińskich

Bilet 5

1.Balet. Czajkowskiego „Dziadek do orzechów”.

2. Twórczość L. Beethovena.

3. Ukraińscy kompozytorzy okresu radianskiego.

Bilet 6

2. Rozwój sztuki muzycznej w okresie sowieckim.

3. Twórczość M. Leontowicza.

Bilet 7

1. Cykl sonatowo-symfoniczny. Orkiestra symfoniczna.

2. Twórczość P. I. Czajkowskiego.

3. Folklor ukraiński.

Bilet 8

1. Forma sonatowa. Dzieła fortepianowe klasyków wiedeńskich.

2. Twórczość kompozytorów Okres sowiecki.

3. A. Sztogarenko. Symfonia-kantata „Ukrainemoja”.

Bilet 9

1. Polifonia. Kreatywność I.S. Kawaler.

2. Rozwój gatunku romantycznego w muzyce rosyjskiej.

3. Dzieła operowe kompozytorów ukraińskich.

Bilet 10

1. Twórczość F. Chopina.

2. Opera bajkowa w twórczości kompozytorów rosyjskich.

3. Twórczość L. Revuckiego.

ODPOWIEDZI NA BILETY EGZAMINACYJNE

Bilet 1

W dziełach sztuki człowiek opowiada o otaczającym go życiu.

Treść piosenki, romansu lub refrenu jest łatwa do powtórzenia, ponieważ muzyka brzmi razem ze słowami. W operze lub balecie wydarzenia rozgrywają się na scenie teatralnej, którą można zobaczyć. Ale w utworach instrumentalnych treść ujawnia się dopiero w dźwięki muzyczne, można to poczuć i zrozumieć. Czasem kompozytor nadaje utworowi tytuł i tym samym objaśnia jego treść. Najczęstsze to:

1) temat przeszłości historycznej (opera „Iwan Susanin” Glinki, opera „Wojna i pokój” Prokofiewa)

2) temat życie ludowe(opery Rimskiego-Korsakowa „Śnieżna dziewczyna”, „Sadko”, fantazja na orkiestrę „Kamarinskaya” Glinki)

3) na podstawie dzieł literatury i sztuki ludowej (romanse i pieśni do wierszy Puszkina, Lermontowa itp.; sztuka orkiestrowa Lyadowa „Kikimora”)

4) obrazy natury („Świt nad rzeką Moskwą” z opery Musorgskiego)

5) współczesne życie ludzi (opera Kabalewskiego „Rodzina Tarasa”, oratorium Prokofiewa „Na straży świata”)

Tworząc utwór muzyczny, kompozytor posługuje się określonymi środkami wyrazu. Obejmują one:

1. Melodia - podstawy sztuki muzycznej. Melodia to monofoniczna sekwencja dźwięków o różnej wysokości i czasie trwania. Melodia wyraża pewną myśl muzyczną.

Nazywa się melodyjną melodią przypominającą piosenkę kantylena.

Melodia, w której melodyjność łączy się z elastycznością ludzkiej mowy, nazywa się recytatyw .

Instrumentalny melodia może zawierać duże skoki, ruch chromatyczny i dekoracje.

2. Rytm organizuje melodię w czasie. Cechy rytmu wpływają na charakter melodii. Przewaga równych czasów trwania w spokojnym tempie sprawia, że ​​melodia jest gładka. Różnorodność czasów trwania nadaje mu wdzięku i elastyczności.

3. Harmonia jest ciągiem akordów. Podtrzymując melodię, harmonia wypełnia ją nowymi wyrazistymi barwami.

4. Zarejestruj się - to jest wysokość dźwięku. Skala podzielona jest na rejestry górny, środkowy i dolny. Wyrazistość każdego rejestru jest wyjątkowa. Środkowy rejestr jest najmiększy i najpełniejszy. Niższe dźwięki wydają się ciemne i dudniące. Górne brzmią lekko, przejrzyście, dzwonią.

5. Barwa - specjalna kolorystyka głosu lub brzmienia instrumentu. Głosy żeńskie – sopran, mezzosopran, alt. Głosy męskie – tenor, baryton, bas.

Z barwami różnych instrumentów muzycznych można zapoznać się słuchając baśni symfonicznej Prokofiewa „Piotruś i Wilk”.

2. Opery historyczne kompozytorów rosyjskich

M. I. Glinka słusznie uważana jest za twórcę gatunku opery historycznej. Jego opera „Iwan Susanin” to bohaterski ludowy dramat muzyczny. Fabuła opery była legendą bohaterski wyczyn Chłop kostromski Iwan Susanin w 1612 roku, w czasie okupacji Rosji przez zaborców polskich.

Postacie: Susanin, jego córka Antonida, adoptowany syn Wania, Sobinin.

Głównym bohaterem są ludzie. Opera ma 4 akty i epilog.

Opera „Iwan Susanin” to dzieło realistyczne, zgodnie z prawdą i szczerze opowiadające o wydarzeniach historycznych. Stworzone przez Glinkę nowy typ ludowy dramat muzyczny wywarł ogromny wpływ na późniejszą twórczość kompozytorów rosyjskich („Kobieta z Pskowa” Rimskiego-Korsakowa, „Borys Godunow” Musorgskiego).

W sercu opery „Borys Godunow” Musorgski – tragedia Puszkina pod tym samym tytułem. Gatunek opery to ludowy dramat muzyczny. Składa się z prologu i czterech aktów, które podzielone są na sceny. Główną ideą jest konflikt między zbrodniczym carem Borysem a ludem.

Głównym bohaterem są ludzie. Musorgskiego pociągała możliwość odtworzenia w operze przebudzenia władzy ludu, co skutkuje spontanicznym powstaniem. „Borys Godunow” to wielkie dzieło muzyki rosyjskiej. Stworzenie tego dzieła było ważny etap w rozwoju teatru muzycznego.

„Książę Igor” Borodin to opera liryczno-epopetyczna w czterech aktach z prologiem. Opera oparta jest na dziele literatury starożytnej XII wieku – „Opowieści o kampanii Igora”.

Muzyka opery opiera się na intonacjach pieśni ludowych – rosyjskiej i wschodniej.

Prolog i akt 1 charakteryzują naród rosyjski. Obraz jest ważny zaćmienie Słońca z prologu. W folku poezja epicka różne dramatyczne wydarzenia w życiu ludzi często porównywano z potężnymi i groźne zjawiska Natura.

Akt II poświęcony jest ukazaniu życia ludów Wschodu.

Centralne miejsce w akcie 1Y zajmuje lament Jarosławnej, który wyrósł z dawnych głosów i lamentów ludowych.

Opera „Książę Igor” to jedno z najlepszych dzieł klasyki opery. Kompozytor zadedykował go pamięci Glinki. Gloryfikuje bohaterskiego ducha narodu, jego odporność, patriotyzm i duchowe piękno.

3. Kreatywny jest b M . V. Mały Lis

M. W. Lisenko to najwybitniejszy ukraiński kompozytor, stając się twórcą ukraińskiej muzyki klasycznej, zapisał się w historii mistyki narodowej jako utalentowany przywódca, myślący pedagog, uczony-folklorysta i ważna społeczność muzyczna Co za chłopiec .

Lisenko występował w różnych gatunkach:

1)Próbki ludowego shsen.

Zainteresowania M. Little Fox muzyką ludową sięgają dzieciństwa . Pod koniec życia Lisenko zajął się zbieraniem skarbów ludowych.

Wiersze folklorystyczne grupowano w gatunki i publikowano w odrębnych wydaniach. Kolekcjonerzy cieszą się wszystkimi możliwymi gatunkami: rytuałami, życiem codziennym, historycznymi i myślowymi. Próbki ukraińskich pieśni ludowych stały się laboratorium twórczym M. Lisenki.

2) Romans.

Little Fox ma ponad 100 romansów. Zwraca się ku poezji Tarasa Szewczenki, który kochał głęboką narodowość, Heinricha Heinego, I. Franka, LesiUkrainki. Naibіlshvidomі - „Ogród wiśniowy”, „Bezgraniczne pole”, „Kiedy nadejdzie cudowny maj”.

3)F orta N Ania kreatywna і jest.

Do granic wzmożonej kreatywności M. Lisenko wyczerpał się całym życiem. Są tu formy wielkie – sonata, dwa polonezy koncertowe, dwie rapsodie o tematyce ukraińskiej i małe pieśni – „Pieśni bez słów”, „Mrija”, „Zhurba”, „Elegia”. 3 na jednej stronie, w muzyce Mała Fox czuje napływ F. Chopina i F. Liszta, a z drugiej – strzeż się zainteresowania folklorem.

4)Khorova kreatywna JEST T.

Stworzony przez M. Little Foxa dla chóru, aby stał się jasną stroną jego muzycznego upadku. Większość chórów napisana jest na wersetach T. Szewczenki. Smród jest zróżnicowany pod względem ideologicznym i przenośnym oraz w formie. Są świetne płótna wokalno-symfoniczne, pieśni chóralne i miniatury. Każdy smród jest nierozerwalnie związany z folklorem.

Vagomy tvir na ratunek małemu lisowi - kantata „Witaj, niewodny”. Jest radość, wiosenne nadzieje, nadeszła wiara.

5) Opera „Taras Bulba”.

Opera „Taras Bulba” jest największym skarbem mistyki muzycznej i teatralnej tamtych czasów. Opera została napisana w trywialną godzinę. Operę zredagowali wybitni kompozytorzy Radyansky L. Revutsky i B. Lyatoshinsky.

Literacką podstawą opery była opowieść o tym samym tytule autorstwa M. Gogola.

Opera „Taras Bulba” to historyczny i heroiczny ludowy dramat muzyczny. W tym miejscu nie ma miejsca na wizerunki ludzi. W tej piosence kompozytor odnosi się z dużym szacunkiem do masowych scen chóralnych. Charakterystyka muzyczna głównych bohaterów – Tarasa Bulbi, Ostapa, Nastyi, Andrija, Marilicy – ​​jest żywa. Główną ideą utworu jest walka Ukraińcy przeciw
ucisk społeczny i narodowy.

Opera składa się z pięciu aktów i rozpoczyna się uwerturą, która skupia ją w przestrzeni społecznie wyobraźni.

Bilet 2

1. Gatunki muzyczne. Piosenka, taniec, marsz

Gatunki muzyki to jej różne rodzaje. Gatunki muzyczne powstały wraz z rozwojem sztuki muzycznej. Każdy z nich ma swoją własną charakterystykę. Utwory związane ze słowem i śpiewem należą do muzyki wokalnej (są to pieśni, romanse, arie, utwory na chór). Muzyka instrumentalna obejmuje różnorodne kompozycje na instrumenty indywidualne, zespoły (duety, tria, kwartety) i orkiestrę. Są wśród nich etiudy, preludia, improwizacje, nokturny, sonaty, suity, symfonie itp.

Gatunki muzyczne i teatralne obejmują: opery, operetki, balety.

Piosenka- najpopularniejsza forma sztuki muzycznej.

Melodia w piosence powtarza się kilka razy z różnymi słowami, tworząc wersety. Ta forma nazywa się dwuwierszem. Na końcu każdego wersu znajduje się refren, który się nie zmienia. Jeśli refren jest zwykle wykonywany przez jednego śpiewaka, wówczas refren jest często śpiewany w chórze.

Utwór może mieć towarzyszenie fortepianu, akordeonu lub orkiestry. Takie piosenki mają wstęp, przerwę między wersami i zakończenie. Jednak utwory można wykonywać bez akompaniamentu. Ten rodzaj śpiewu nazywa się a cappella. Jest to bardziej typowe dla pieśni ludowych.

Muzyka towarzysząca ruchom człowieka znana jest od czasów starożytnych.

Muzyka marszowa wykonywane w tempie spacerowym. Są marsze: uroczyste, wojskowe, marszowe, sportowe i żałobne. Przy całej różnorodności marszów mają one wspólne cechy. Jest to wielkość dwu- lub czterotaktowa i wyraźny rytm kroku. Forma marszu jest najczęściej trzyczęściowa.

Przykładem uroczystego marszu bohaterskiego jest marsz z opery „Aida” włoskiego kompozytora Verdiego. A marszowi z baletu Czajkowskiego „Dziadek do orzechów” towarzyszy wesoła zabawa impreza dla dzieci. Czasami marsze brzmią słowami - są to pieśni marcowe („Aviamarsh”, „Marsz Nachimowitów”).

Taniec powstał w czasach starożytnych i jest ściśle związany z życiem codziennym. Muzyka każdego tańca ma swoje własne tempo, wielkość i wzór rytmiczny. Każdy naród stworzył tańce, które wyróżniają się tożsamością narodową.

Rosyjskie tańce ludowe: kamarynska, trepak; Tańce ukraińskie: hopak, kozak; Białoruski taniec ludowy – Bulba; taniec narodów Kaukazu - Lezginka.

Tańce narodów Europy

Walc wywodzi się ze spokojnego i gładkiego tańca chłopskiego Ländlerów, powszechnego w Austrii, Niemczech i Czechach. W XIX wieku walc stał się popularny w całej Europie. Muzyka walcowa ma bardzo różnorodny charakter. Są walce radosne i smutne, brawurowe i spokojne, lekko marzycielskie i w zamyśleniu smutne. Różna jest także forma walców: od małych codziennych przedstawień po rozbudowane dzieła koncertowe. Walc ma trzy takty.

Wielu kompozytorów chętnie komponowało walce. Wspaniałe przykłady walca stworzyli Schubert i Chopin, Glinka i Czajkowski. Austriackiego kompozytora Straussa nazywano „królem walców”.

Polka- Czeski taniec ludowy o żywym, wesołym charakterze, Polkę cechuje werwa i humor.

Mazurek i Polonez- Polskie tańce narodowe.

Mazurek jest tańcem aktywnym i dynamicznym. Jego melodia ma zawsze ostry wzór rytmiczny. Często ostre akcenty przechodzą w czasie od mocnego uderzenia do słabego. Rozmiar: trójpłatkowy.

Polonez to uroczysty, dostojny taniec procesyjny. Ruch jest spokojny, niespieszny, z naciskiem na mocne uderzenie beatu. k,-.. p.sho,.

Najdoskonalsze przykłady mazurka i poloneza podał w swoim dziele fortepianowym polski kompozytor F. Chopin.

2. Sztuka rosyjska drugiej połowy XIX wiek

Druga połowa XIX wieku to czas potężnego rozkwitu muzyki rosyjskiej, a także całej sztuki rosyjskiej. Ostre zaostrzenie sprzeczności społeczne prowadzi do wielkiego ożywienia społecznego na początku lat 60-tych. Klęska Rosji w wojnie krymskiej (1853-1856) pokazała jej zacofanie i udowodniła, że ​​poddaństwo utrudnia rozwój kraju. Przeciwko autokracji wystąpili najlepsi przedstawiciele inteligencji szlacheckiej i plebsu.

W rozwoju ruch rewolucyjny W Rosji znacząca była rola Hercena, działalność Czernyszewskiego, Dobrolubowa i poety Niekrasowa. Rewolucyjne idee lat 60. znalazły odzwierciedlenie w literaturze, malarstwie i muzyce. Czołowi przedstawiciele kultury rosyjskiej walczyli o prostotę i przystępność sztuki, a ich dzieła starały się jasno odzwierciedlać życie osób znajdujących się w niekorzystnej sytuacji.

W drugiej połowie XIX wieku malarstwo rosyjskie wydało tak wspaniałych artystów, jak Perow, Kramskoj, Repin, Surikow, Sierow, Lewitan. Ich nazwy kojarzą się ze „Stowarzyszeniem Wystaw Objazdowych”, ponieważ wystawy malarstwa zaczęto organizować w różnych miastach Rosji.

Zmiany zaszły także w życiu muzycznym. Muzyka wykraczała poza arystokratyczne salony. Wielką rolę odegrała w tym organizacja Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego.

W 1862 r. otwarto pierwsze rosyjskie konserwatorium w Petersburgu, a w 1866 r. w Moskwie. Pierwsze wydawnictwa dały rosyjskiej sztuce wspaniałych muzyków.

W twórczości muzycznej lat 60 czołowe miejsce zajmowane przez Czajkowskiego i grupę kompozytorów tworzących stowarzyszenie tzw "Potężny kilka." Inspiratorem kręgu był Bałakiriew. W składzie znaleźli się Cui, Musorgski, Borodin, Rnmski-Korsakow. Kompozytorzy swój cel widzieli w rozwoju języka rosyjskiego muzyka narodowa, prawdziwe ucieleśnienie życia ludzi.

3. Kreatywność K.G. Stetsenka

Grigorowicz Stetsenko to klasyk muzyki ukraińskiej, naśladowca M. Łysenki i kompozytorów rosyjskich XIX wieku. Ten twórczy upadek, a także działalność dyrektywna, pedagogiczna, muzyczno-krytyczna jest niewidzialną częścią ukraińskiej kultury demokratycznej.

W swoim krótkim życiu twórczym Stetsenko napisał wiele oper, muzykę do przedstawień teatralnych, kilka kantat, ponad pięć tuzinów chórów, blisko pięćdziesiąt romansów, gromadząc znaczną liczbę aranżacji ukraińskich pieśni ludowych.

Zasady twórcze kompozytora Stetenko ukształtowały się pod napływem idei rewolucyjnych demokratów - T. Szewczenko, G. Czerniszewskiego, M. Dobrolyubowa, I. Szczery.

Najpopularniejsze utwory to: poemat chóralny „Early Young Recruits”, romans „Swim, Swim, Swan”, „Evening Song”, kantaty „Szewczenko” i „Organizacja Narodów Zjednoczonych”.

Droga twórcza K. Stetsenki była krótka, ale jego muzyczny atak stał się cennym wkładem w naszą kulturę narodową. W swoich lirycznych, epickich, liryczno-dramatycznych obrazach kompozytor wtapia się w nastrój aktualnego, gorączkowego życia. W wielu gatunkach Stetsenko jest na tyle mądry, że może powiedzieć słowo utalentowanego artysty.

Bilet 3

1. Muzyka programowo-wizualna. Musorgski „Obrazy z wystawy”

Kompozytorzy często wykonują różne utwory instrumentalne. nazwy wyjaśniające ich treść. Czasem kompozytor nadaje utworowi literacką przedmowę – program. Określa treść. To jest muzyka programowa.

Prawdziwe i fantastyczne historie, obrazy natury, wizerunki ptaków i zwierząt, bohaterowie znanych baśni i dzieł literackich są żywo zawarte w utworach programowych: „Album dla dzieci”, „Pory roku” Czajkowskiego, „Muzyka dla dzieci” Prokofiewa, „Album dla młodzieży” Schumanna, „Karnawał zwierząt” Saint-Saënsa, „Obrazy z wystawy” Musorgskiego.

„Obrazy z wystawy” zostały napisane przez Musorgskiego pod wrażeniem wystawy dzieł artysty W. Hartmanna, przyjaciela zmarłego nagle kompozytora.

Cykl jest zespołem dziesięciu niezależnych spektakli, które łączy wspólna koncepcja. Każdy utwór to obraz muzyczny odzwierciedlający wrażenie Musorgskiego, inspirowany tym czy innym rysunkiem Hartmanna. Są tu jasne obrazy życia codziennego („Ogród Tuilerie”, „Rynek w Limoges”), trafne szkice postaci ludzkich („Dwaj Żydzi”), pejzaże („Stary Zamek”) i obrazy z rosyjskich baśni. („Chata na kurzych nóżkach”), epopei („Brama Bogatyra”). Poszczególne miniatury kontrastują ze sobą pod względem treści i środków wyrazu. Jednocześnie oni. Połączonych tematem „Walking”, który otwiera cykl, a potem pojawiają się kolejne. kilka razy, jakby prowadząc słuchacza od jednego obrazu do drugiego.

Jednym z nich stały się „Obrazy z wystawy”. najpopularniejsze dzieła. Wielu pianistów włącza ten utwór do swoich programów koncertowych.

2. Kreatywność V.A. Mozarta « ;■.!.! . і *,„„„„” ї *.

Wolfgang Amadeusz Mozart to genialny austriacki kompozytor. Działalność koncertową rozpoczął w wieku 6 lat. Mimo że żył zaledwie 36 lat, pozostawił po sobie wielką spuściznę twórczą: 50 symfonii, 19 oper (Wesele Figara, Don Giovanni, Czarodziejski flet), requiem, koncerty, mnóstwo muzyki instrumentalnej i fortepianowej.

Bazując na osiągnięciach Haydna w dziedzinie muzyki sonatowo-symfonicznej, Mozart wniósł wiele nowych i oryginalnych rzeczy.

Dużą popularnością cieszy się sonata fortepianowa A-dur. Mając jasny, wesoły charakter, wyróżnia się wdziękiem. Konstrukcja pierwszej części jest specyficzna – napisana jest w formie wariacji. Część druga to tradycyjny menuet. Trzecia część to dobrze znany „Marsz Turecki”.

Symfonia g-moll to jedna z najsłynniejszych ostatnich symfonii Mozarta. Dzięki niezwykle szczerej muzyce symfonia jest zrozumiała dla szerokiego grona słuchaczy.

3. Chóry і koncert na Ukrainie їн wielu kompozytorów і V

Główny gatunek muzyki zawodowej XYII-pierwszej połowy XYIII wieku. Na Ukrainie odbędzie się koncert imprezowy. To jest jednoczęściowe, świetnie nadaje się do obsyag tvr.

Słowo koncert pochodzi od łacińskiego słowa, które oznacza „podekscytować się”. Ten gatunek muzyczny powstał we Włoszech o poranku: muzyka chóralna, orkiestrowa (concerto Grosso) i solowa na jeden instrument z orkiestrą. Skóra po plastyce nosa ma swoje własne cechy i wspólna jest dla nich zasada koncertowania, rozmycia, kontrastu i kontrastu.

Na Ukrainie koncerty partyjne sięgają XIX w. Do najwybitniejszych kompozytorów i autorów koncertów zaliczają się S. Pekalitsky, I. Kolyadchin, M. Diletsky.

Ze względu na charakter muzyki, figuratywne miejsce koncertów partycypacyjnych, można mentalnie podzielić ją na dwie grupy: miejską, chwalebną i liryczno-dramatyczną, żałobną.

Jednym ze szczytów współczesnej muzyki profesjonalnej były koncerty chóralne M. Bieriezowskiego, A. Wedla, D. Bortnyanskiego. . "; :;;.!:> sch< ■

Kompozytorzy ci próbowali uwzględnić postępowe ideały artystyczne swoich czasów. W jej muzyce słychać protest ludzi przeciwko przemocy, złu, niesprawiedliwości i uciskowi społecznemu. Potrafią wykorzystać zasięg współczesnej europejskiej kultury muzycznej i wyrazić swoje oryginalne słowo w tajemniczy sposób.

Bilet 4

1. Muzyka w teatrze. Griega „Peer Gynt”

W teatrze muzycznym wystawiane są opery, balety i operetki. W tych gatunkach podstawą spektaklu jest muzyka. Ale nawet w teatrze dramatycznym muzyka zajmuje poczesne miejsce. Zwiększa wpływ spektaklu na widza, pomaga wyraźniej przedstawić ten lub inny moment akcji i przekazać nastrój bohatera.

Muzyka dla występy dramatyczne Pisało wielu wybitnych kompozytorów - Beethoven i Mendelssohn, Grieg i Bizet, Glinka i Czajkowski, Chaczaturian i Prokofiew. Czasem tworzona przez nich muzyka wykraczała poza teatr i nabierała samodzielnego życia koncertowego.

„Peer Gynt”- sztuka wybitnego dramaturga Ibsena. Niektórym fragmentom spektaklu towarzyszy muzyka Griega. Kompozytor śpiewał surową i piękną przyrodę Norwegii, fantazję i starożytne życie, proste i szczere ludzkie uczucia.

Dużą popularnością cieszy się suita orkiestrowa, skomponowana przez kompozytora z poszczególnych numerów muzyki do dramatu. Z

Apartament składa się z czterech pokoi o kontrastowym charakterze:

1. "Poranek"- maluje obraz budzącej się przyrody. Muzyka oddaje nie tylko kolory świtu, ale także duchowy nastrój, który pojawia się na widok wschodzącego słońca.

Sercem spektaklu jest mały motyw. Przypomina melodię pasterską.

2. „Śmierć Oze” towarzyszy w dramacie scenie śmierci matki Peera Gynta, starego Ose. Pełna głębokiego smutku, w powolnym, miarowym ruchu, muzyka przypomina procesję pogrzebową.

3. „Taniec Anitry” Anitra to dziewczyna, którą Peer Gynt spotyka: podczas; jego podróży. Wykonuje taniec - lekki, elegancki, pełen wdzięku. Muzyka tańca jest bardzo zmienna, podobnie jak drwiący i zmienny temperament Anitry.

4. „W jaskini Króla Gór”. Muzyka tego numeru żywo i obrazowo przedstawia fantastyczną procesję. Spektakl opiera się na jednym temacie mającym charakter marszu. Jej akompaniament jest zróżnicowany. Brzmienie nasila się, tempo przyspiesza, stopniowo wchodzi cała orkiestra.

2. Kreatywność M.I. Glinka

Michaił Iwanowicz Glinka to genialny rosyjski kompozytor. Podobnie jak Puszkin w poezji, był twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej – opery i symfonii.

Początki muzyki Glinki sięgają rosyjskiej sztuki ludowej. Jego najlepsze dzieła przepojone są miłością do Ojczyzny, jej ludzi i rosyjskiej przyrody. :,:

Główne prace: ludowa opera bohaterska „Iwan Susanin”; baśniowo-epopetyczna opera „Rusłan i Ludmiła”; romanse; fantazja symfoniczna „Kamarinskaya”, „Waltz-Fantasy”; utwory na fortepian.

Opera „Iwan Susanin”- bohaterski ludowy dramat muzyczny. Fabuła opery była legendą o bohaterskim wyczynie chłopa kostromskiego Iwana Susanina w 1612 roku, podczas okupacji Rosji przez polskich najeźdźców.

Postacie: Susanin, jego córka Antonida, adoptowany syn Wania Sobinin. Głównym bohaterem są ludzie. Opera ma 4 akty i epilog.

Akt pierwszy to charakterystyka narodu rosyjskiego i głównych bohaterów;

Akt drugi to cecha muzyczna Polaków. Gra muzyka taneczna. Suitę symfoniczną tworzą cztery tańce: genialny polonez, krakowiak, walc i mazurek.

W końcowym refrenie „Glory” z epilogu muzyka jest dostojna i uroczysta. Nadaje mu to cechy hymnu. Ludzie wychwalają swoją ojczyznę i poległych bohaterów.

Ważne miejsce w twórczości Glinki zajmują utwory na orkiestrę symfoniczną. Wszystkie jego dzieła, przystępne dla szerokich rzesz słuchaczy, odznaczają się wysokim poziomem artystycznym i doskonałą formą. Fantazja symfoniczna „Kamarinskaya” reprezentuje wariacje na temat dwóch rosyjskich tematów ludowych”:

„Walcowa fantazja”- jedno z najbardziej poetyckich dzieł lirycznych Glinki. U podstaw leży temat szczery, porywczy i aspiracyjny.

Romanse Glinka pisał przez całe życie. Urzeka w nich wszystko: szczerość i prostota, powściągliwość w wyrażaniu uczuć, klasyczna harmonia i surowość formy, piękno melodii i wyraźna harmonia. Glinka komponowała romanse na podstawie wierszy współczesnych poetów – Żukowskiego, Delwiga, Puszkina.

Popularne są romanse z cyklu „Pożegnanie z Petersburgiem” – „Skowronek” i „Pieśń przemijająca” (teksty N. Kukolnika). Romans do słów Puszkina „Pamiętam cudowną chwilę” to perła rosyjskich tekstów wokalnych. Odnosi się do okresu dojrzałego
kreatywność, dlatego jest w niej tyle mistrzostwa. " : ""- )(R: ":

W W swoich romansach Glinka podsumował wszystko, co najlepsze, co stworzyli jego poprzednicy i współcześni.

3. Snmfo żaden chna kreatywny Tak skradziony їн wielu kompozytorów і V

Symfonia „pojawiła się w twórczości kompozytorów szkoły mannheimskiej (przyjaźń czeskich kompozytorów, którzy utworzyli orkiestrę dworską w niemieckim mieście Mannheim). Dla nich określenie „symfonia” przypisane jest cyklicznemu dziełu orkiestrowemu.

Symfonia klasyczna powstała w latach 70. i 80. XVIII wieku. w twórczości Haydna i W. Mozarta.

Symfonia jest ważną kompozycją cykliczną. ^

Część pierwsza – allegro sonatowe – będzie oparta na kontrastowej kompozycji dwóch tematów, część druga będzie liryczna, część trzecia będzie minusem, czwarta będzie żywym finałem.

W skład orkiestry wchodziły następujące instrumenty: 2 flety, 2 oboje, 2 fagoty, klarnety, 2 rogi, 1-2 trąbki, kotły, pierwsze i pozostałe skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy. W ciągu godziny taki magazyn był sukcesywnie uzupełniany o nowe narzędzia.

W drugiej połowie XIX w. „Symfonię młodzieżową” skomponował M. Łysenko, „Symfonię ukraińską” M. Kałaczewskiego, Symfonię g-moll W. Sokalskiego.

Z najważniejszymi osiągnięciami ukraińskiej symfonii Radian związane są nazwiska L. Revutsky'ego, B. Lyatoshinsky'ego, S. Lyudkevicha.

Bilet 5

1. Balet. Czajkowski „Dziadek do orzechów” shts-ishi-

Balet to dzieło muzyczno-teatralne łączące muzykę, taniec i akcję sceniczną. Balet ma fabułę i bohaterów. Uczucia bohaterów ujawniają się poprzez ruchy taneczne do muzyki.

Oprócz tańca dużą rolę w balecie odgrywa pantomima, czyli ciche aktorstwo, składające się z wyrazistych gestów i mimiki.

Twórcą rosyjskiego baletu klasycznego był Czajkowski („Jezioro łabędzie”, „Śpiąca królewna”, „Dziadek do orzechów”). Wspaniałe balety pisali Delibes i Ravel, Głazunow i Strawiński oraz radzieccy kompozytorzy Asafiew, Gliere, Prokofiew, Chaczaturian.

Czajkowskiego „Dziadek do orzechów”. Podstawą baletu była bajka dla dzieci niemieckiego pisarza Hoffmanna niesamowite przygody Dziewczyny Maszy, o których marzyła po wesołym świątecznym wieczorze drzewa noworocznego. Prawdziwe życie przeplata się tu z fikcją i fantazją. Każdy z bohaterów ma swoją własną charakterystykę muzyczną. Muzyka naprawdę oddaje przeżycia z dzieciństwa.

Balet składa się z dwóch aktów. W drugim akcie następuje barwna rozrywka (jest to ciąg różnorodnych tańców niemających bezpośredniego związku z rozwojem akcji).

Każdy taniec z rozrywki ma swoją nazwę: czekolada ( taniec hiszpański), kawa (taniec arabski), herbata (taniec chiński), taniec pasterki, Walc kwiatów, taniec wróżek Sugar Plum.

2. Dzieła L. Beethovena

Ludwig van Beethoven to niemiecki kompozytor. W jego twórczości muzyka klasyczna osiągnęła swój szczyt. Wielki rozkwit jego twórczości przypada na początek XIX wieku. Beethoven, współczesny wydarzeniom Rewolucji Francuskiej, po raz pierwszy w muzyce wyraził z taką siłą bohaterskie dążenia ludu.

Twórcze dziedzictwo: 9 symfonii, uwertur, koncertów, muzyki instrumentalnej, 32 sonat fortepianowych, opera „Fidelio”.

Wśród sonat fortepianowych najbardziej znane to: „Pathetique”, „Appassionata”, „Moonlight”.<;;; " З УїіїРШ.t„**.:

Miłość ludu zdobyła V Symfonia, której struktura jest tradycyjna – 4 części. Ale po raz pierwszy Beethovenowi udało się stworzyć czteroczęściowy cykl symfoniczny tak jednolity i nierozłączny. Wszystkie części łączy jeden temat imperatywny (temat losu), który początkowo brzmi jak motto.

Heroiczny nastrój przepojona jest także uwerturą do tragedii Goethego „Egmont”. Zainteresowanie Beethovena losami ludu, chęć ukazania w swojej muzyce walki jako nieuniknionej drogi do osiągnięcia celu i przyszłego zwycięstwa – główna treść bohaterskich dzieł kompozytora.

3. Ukra ї ns tak kompozytor I Ulica Radyansky'ego io du M

Formowanie się ukraińskiej szkoły kompozytorskiej Radian trwa w latach dwudziestych XX wieku. Trzon stanowili kompozytorzy klasyczni - Stetenko, Stepowy, Leontowicz. Kształtuje się młoda szkoła kompozytorska - m.in. L. Revutsky, P. Kozitsky, B. Lyatoshinsky, G. Verovka, M. Kolyada. W 1918 roku na Ukrainę przybył absolwent Konserwatorium Piotrogrodzkiego W. Kosenko, kompozytor i pianista. Vin jest szeroko zaangażowany w tę pracę.

Działalność wróżbiarska kompozytorów osiągnęła już w latach dwudziestych znaczący sukces. Powstały jasne kompozycje muzyczne, które stały się ważnym etapem w historii kultury ukraińskiej.

Najpopularniejszymi utworami były: opera „Bogdan Chmielnicki” Dankiewicza „Mediolan” Mayborodiego, „Pieśń leśna” Kireika, symfonia-kantata Sztogarenki „Moja Ukraina”.

Na muzycznej panoramie Ukrainy skały lat 60. i 70. to: nazwiska: L. Grabovsky, M. Skorik, V. Sylvestrov, V. Gubarenko, E. Stankovych, L. Dichko, Y. Ishchenko, O. Kiva i inni. pierwsze pomysły młodych kompozytorów wiązały się z muzyką kameralną i instrumentalną, poza miniaturą, później młodzi ludzie tworzą w wielu różnych gatunkach.

Bilet 6

1. Opera

Opera to duże i złożone dzieło muzyczno-teatralne. Wykonywana jest przez orkiestrę, chór, śpiewaków i często tancerzy. Opera łączy w sobie różne rodzaje sztuki: dramat i muzykę, śpiew i taniec, grę aktorską oraz kunszt malarzy-dekoratorów.

Fabuła opery jest najczęściej dziełem literackim. Na jego podstawie powstaje tekst opery – libretto. W zależności od treści opery mogą być operami historycznymi („Iwan Susanin” Glinki, „Książę Igor” Borodina, „Wojna i pokój” Prokofiewa), codziennymi („Sprzedana narzeczona” Smetany, „Jarmark Soroczyński” Musorgskiego) , baśniowy („Czarodziejski flet” Mozarta, „Śnieżna dziewczyna” Rimskiego-Korsakowa).

Akcja opery rozgrywa się na oczach widzów, na ozdobionej scenografią scenie. Głównym środkiem wyrazu jest muzyka. Odsłania charaktery bohaterów i główną ideę całego dzieła.

Spektakl operowy rozpoczyna się zwykle wstępem orkiestrowym – uwerturą. Muzyka uwertury wyraża ogólny nastrój utworu i tym samym przygotowuje słuchaczy do jego odbioru.

Uwerturę i orkiestrowe wstępy do pozostałych aktów opery wykonuje orkiestra symfoniczna. Towarzyszy także śpiewom śpiewaków, a także scenom baletowym.

Spektakl operowy dzieli się na akcje (akty). Każda akcja składa się z oddzielnych scen i liczb. Numery muzyczne mogą być solowe (dla jednego wykonawcy) - pieśni, arie; zespół - duety, tercety, kwartety itp.; chóralne i orkiestrowe.

Prawie wszyscy wielcy kompozytorzy pisali opery: Mozart i Verdi, Wagner i Bizet, Glinka i Czajkowski, Musorgski i Rimski-Korsakow, Rachmaninow i Prokofiew.

2. Rozwój sztuki muzycznej w okresie sowieckim *

Od 1918 r. rozpoczęło się masowe wprowadzanie ludności w kulturę muzyczną; Teatr Bolszoj otworzył swoje podwoje dla nowych słuchaczy – centrum języka rosyjskiego sztuka operowa. Konserwatoria w Moskwie i Piotrogrodzie stały się własnością państwa. Otwierają się dzienne i wieczorowe szkoły muzyczne, kluby i studia. Kwitnie amatorska działalność artystyczna, pomagająca odkryć bogactwo ludzkich talentów.

Muzyczne rozgłośnie radiowe rozwijają się od połowy lat dwudziestych XX wieku. Wiele dzieł klasycznych stało się dostępnych dla ogromnych rzesz słuchaczy.

Młoda szkoła performatywna osiągnęła ogromny sukces. Wśród światowej sławy muzyków występują skrzypkowie Ojstrach i Kogan, pianiści Gilels i Richter, wiolonczeliści Rostropowicz i Szafran.

Zaczyna się także rozwijać twórczość kompozytorów radzieckich. Cechą charakterystyczną jest innowacyjność. Przejawia się to w poszukiwaniu nowych środków wyrazu i form muzycznych.

Ważną cechą radzieckiej kultury muzycznej jest jej wielonarodowość. Najpopularniejszym gatunkiem jest piosenka masowa. To swego rodzaju kronika historii państwa. ->s.; ; .

Opera stała się jednym z najważniejszych gatunków muzyki radzieckiej. Kompozytorzy starali się tworzyć opery o tematyce współczesnej. Aby to zrobić, konieczna była aktualizacja gatunek tradycyjny, znaleźć nowe środki wyrazu. Pierwszymi udanymi operami radzieckimi były „ Cichy Don„Dzierżyński” (na podstawie powieści Szołochowa), „W burzę” Chrennikowa, „Siemion Kotko” Prokofiewa. Później ukazały się opery „Rodzina Tarasa”. Kabalewskog och, „Młoda gwardia” Meitusa, „Jalil” Żiganowa, „Wojna i pokój” Prokofiewa, „Katerina Izmailova” Szostakowicza.

Osiągnięcia baletu radzieckiego są wielkie. Są one w dużej mierze związane z rozkwitem sztuki choreograficznej w naszym kraju. Pojawiły się balety „Czerwony kwiat” Gliere’a, „Płomienie Paryża” i „Fontanna Bakczysaraja” Asafiewa, „Romeo i Julia” Prokofiewa, „Spartakus” Chaczaturiana.

W gatunkach muzyki symfonicznej kompozytorzy radzieccy potrafili głęboko odzwierciedlić nowoczesność i znaleźć nowe środki wyrazu. N. Myaskowski, autor 27 symfonii, słusznie uważany jest za szefa radzieckiej szkoły symfonicznej. Brzmi na całym świecie

7 symfonii S. Prokofiewa. Jednym z najwybitniejszych symfoników świata jest D. Szostakowicz.

Uwagę kompozytorów przyciągają gatunki wokalne i symfoniczne – kantata i oratorium, które zyskują nowy charakter. W przeszłości gatunki te kojarzone były z tematyką religijną. W muzyce radzieckiej stają się one dziełami o treści heroiczno-patriotycznej („Na polu Kulikowo” Szaporina, „Aleksander Newski” Prokofiewa, „Wiersz ku pamięci Siergieja Jesienina” Swiridowa i in.).

W twórczości kompozytorów radzieckich, instrumentalnych i gatunki wokalne- suity i koncerty, zespoły kameralne, romanse i cykle wokalne.

3. Kreatywny JEST T M. Leontowicz

Mikołaj Dmitrowicz Leontowicz to klasyk ukraińskiej muzyki przedświtu i jednocześnie jeden z twórców radiańskiej kultury muzycznej. Przez całe życie Leontowicz pracował w gatunku ukraińskich pieśni ludowych, osiągając prawdziwe mistyczne wyżyny. Jej twórczość chóralna jest jednym z najpiękniejszych aspektów muzyki ukraińskiej. Vaughn zszedł do skarbnicy starożytnego i lekkiego mistycyzmu muzycznego: Dzieła kompozytora można szeroko usłyszeć w naszym kraju za granicą. Yogo muzikakhviliu sikh.

Praca nad szkicem ludowej pieśni skórnej zajmuje dużo czasu, często kompozytor wymyśla trzy, cztery wariacje, wyczerpując wszystkie wewnętrzne możliwości wykonawcy. Dzięki temu, że melodia jest niezmienna, zachowuje bogaty arsenał harmonijnych, polifonicznych, teksturowanych i brzmieniowych cech do tworzenia indywidualnych obrazów. Głównym arcydziełem jest chór „Mała matka jednej córki”, „Spinning”, „Nad brzegiem rzeki”, „Dudarik”, „Shchedrik”.

W ciągu ostatniej godziny Leontovich stworzył, oprócz próbek pieśni ludowych, kilka pieśni chóralnych („Lodołamacz”, „Summer Tones”, „Moja piosenka”) oraz balet operowy „W wielkim dniu syreny”, który pozostał niedokończony.

Dzieła chóralne Leontowicza to bez wątpienia obrazy wysokiej klasy. Jest w nich żywiołowość, osadzony jest obraz aktywności Radiana.

Muzyka MD Leontowycz trafił kiedyś do skarbnicy naszego narodowego mistycyzmu muzycznego.

Bilet 7

1. Cykl sonatowo-symfoniczny. Symfonia. Orkiestra symfoniczna.

Za twórcę symfonii klasycznej uważany jest wielki austriacki kompozytor Joseph Haydn. Jego prace charakteryzuje harmonia i równowaga formy, jasny, afirmujący życie charakter. W jego twórczości ostatecznie ukształtował się cykl symfoniczny.

Symfonia to utwór cykliczny (czyli wieloczęściowy), o określonej kolejności części. W tłumaczeniu słowo „symfonia” oznacza „współbrzmienie”, „zgodność”. Słowo to nabrało różnych znaczeń. W XIX wieku symfonia stała się samodzielnym dziełem koncertowym.

І część idzie w tempie szybkim, w formie sonatowej, Część II - wolna, Część III - menuzt, Część IV - finał, powraca tempo szybkie.

Symfonia przeznaczona jest dla masowego odbiorcy. Wykonuje go orkiestra symfoniczna.

W twórczości Haydna ustalony został także skład orkiestry symfonicznej. Opiera się na czterech grupach narzędzi:

1 w grupa ciągów obejmuje: skrzypce, altówki, wiolonczele i kontrabasy;

2) do grupy instrumentów dętych drewnianych zalicza się: flety, oboje, klarnety, fagoty;

3) grupa instrumentów dętych blaszanych składa się z rogów i trąbek.

4) Wśród instrumentów perkusyjnych Haydn używał wyłącznie kotłów.

2. Kreatywność P.I. Czajkowski

Piotr Iljicz Czajkowski poświęcił człowiekowi całą swoją twórczość, miłość do Ojczyzny i rosyjskiej przyrody, swoje dążenia do szczęścia i odważną walkę z ciemnymi siłami zła. I bez względu na to, o czym mówi kompozytor, zawsze mówi prawdę i szczerość.

Czajkowski pisał niemal we wszystkich gatunkach i w każdym z nich dał słowo jako genialny artysta. Ale jego ulubionym gatunkiem była opera. Przywiązywał dużą wagę do treści, preferując tematy z życia rosyjskiego.

Jednocześnie muzyka symfoniczna zajmuje również ważne miejsce w twórczości Czajkowskiego.

Główne prace: 10 oper (Eugeniusz Oniegin, Czarodziejka, Dama pikowa, Jolanta i in.), 3 balety (Jezioro łabędzie, Śpiąca królewna, Dziadek do orzechów), 6 symfonii i innych dzieł symfonicznych, utwory fortepianowe (m.in. cykle „Pory roku”, „Album dla dzieci”), romanse.

Twórczość Czajkowskiego jest szczytem światowej kultury muzycznej XIX wieku.

I Symfonia „Sny zimowe”

Pierwsza Symfonia Czajkowskiego jest niezwykłym przykładem jego wczesnej twórczości orkiestrowej. Po raz pierwszy pojawiają się w nim charakterystyczne obrazy i techniki, głęboko rozwinięte przez kompozytora w twórczości symfonicznej jego dojrzałego okresu.

Część I - „Sny na zimowej drodze” - zdjęcia zimowej rosyjskiej przyrody są tu przedstawione w delikatnych kolorach..

Część II – „Kraina mroczna, kraina mglista”. Muzyka ta inspirowana jest wrażeniami z podróży Czajkowskiego przez Jezioro Ładoga.

Części III i IV – scherzo i finał – nie posiadają tytułów, jednak w swej treści nie wypadają z ogólnej koncepcji poetyckiej.

Opera „Eugeniusz Oniegin”

Czajkowski nazwał swoją operę „scenami lirycznymi”. Kompozytor całą swą uwagę skupił na odsłonięciu tego, co wewnętrzne, Święty spokój ich bohaterowie. Obrazy życia ludowego są również ujawniane żywo i zgodnie z prawdą. Z wielką miłością podawane są poetyckie „szkice” rosyjskiej natury, na „tle których ujawniają się uczucia i doświadczenia bohaterów”.

Postacie: Tatiana, Olga, Oniegin, Leński, Książę Gremin.

Ważną rolę w odkrywaniu postaci odgrywa orkiestra. Każdy z głównych bohaterów jest zarysowany przez swój własny, specjalny motyw muzyczny. gomsze chory-.-.:„”,.. >*■ ■ ;!: ■ ■■

Postacie bohaterów również rozwijają się i stopniowo zmieniają w trakcie rozwoju fabuły (na przykład w scenie pisania postać główny bohater dana w ruchu: z naiwnej, marzycielskiej dziewczyny Tatyana zamienia się w namiętnie kochającą kobietę, zyskującą duchową dojrzałość).

Opera „Eugeniusz Oniegin” jest najwyższym osiągnięciem rosyjskiej sztuki operowej. Już za życia kompozytora stała się jedną z najbardziej ukochanych oper.

3. Ukra їн Chiński folklor

Folklor jest dla ludzi największym bogactwem duchowym. Dzieje się tak dzięki przejawom dusz ludzi, których cylindry są wypełnione dużą ilością światła, przejawom duszy widzianym na przestrzeni wieków.

Ludzie tworzyli pieśni przez wieki. Znalezione starożytne związane są z kalendarzem rolniczym i rytuałami.

W wiekach XY - XYI powstały nowe gatunki folkloru - myśli i pieśni historyczne. Smród powstał pod wpływem walki narodu ukraińskiego z Tatarami, Turkami i polską szlachtą. Ukoronowali ich grający na kobzarach i bandurach.

W XIX wieku narodziły się pieśni liryczne, ogniste i taneczne. Ludzie odczuwają zamieszanie, zamieszanie, radość, zamieszanie, doświadczają piękna ludzkiej duszy.

Wiek XIX to romans pieśniowy, w którym spotykają się zasady zawodowe i popularne.

Wybitne postacie literackie - Grigorij Skovoroda, Iwan Kotlarewski, Taras Szewczenko, a także kompozytorzy Mykoła Diletsky, Maksym Bieriezowski, Artem Vedel, Dmytro Bortnyansky, Mykoła Lisenko inspirowali się folklorem, kochali yotsinuvili, wikorizowali swoje. Są twórczy.

Naukowe zapisy folkloru muzycznego rozpoczynają się w XIX wieku. Są to zbiory M. Maksimowicza i O. Alyabjewa, O. Rubcyi, M. Lisenki, E. Linovej, S. Ludkiewicza, I. Kolessiego i K. Kwitki.

Najstarsza warstwa pieśni ludowych, śpiewanych z porów skały, nazywana jest rytualną lub kalendarzowo-rytualną, są to także kolędy i Szczedrivka (zima), vesnyanka (wiosna), Kupała (lato) i obzhinkov (jesień). jak pieśni, pov” Zajmujemy się rytuałami pochówku i pochówku.

Kolędy i hojne і wki towarzyszył rytuał kolędowania i szczodrości z błogosławieństw nowych świętych.

Był to rodzaj teatralnego przedstawienia muzycznego. Fabuła pieśni jest różnorodna, ale nierozerwalnie związana z pracą i życiem mieszkańców wsi, a to za sprawą sukcesów nowej rodziny rolniczej, szczęścia władcy, jego żony i dzieci.

Zabiję grupę rytualistów. Napisz piosenkę kamieniarki(w zachodnich regionach Ukrainy nazywane są gajówkami). Czas wiosny kojarzy się z budzącą się do życia przyrodą, jest pełen radości, nowych nadziei i spokoju.Dawno temu szanowano, że wiosnę należy przywoływać, przywoływać.

Stoneflies to ważne piosenki dla dziewcząt. Pieśń kamienic często kojarzy się z pieśnią, okrągłym tańcem i występem scenicznym.Natura melodii pieśni z cyklu wiosennego jest miękka, liryczna i radosna. We wszystkich najważniejsza jest baza taneczna.

Cykl letni Piosenka dedykowana jest św. Iwanowi Kupale na cześć słońca. Tego dnia do ostatniej godziny oszczędzaliście się na goleniu się w wodzie (oczyszczaniu), nalaniu wina do wody i rzuceniu zaklęcia. Rytuałowi temu towarzyszyło śpiewanie pieśni kąpielowych.

Dokończony zostanie cykl pieśni rytualnych opartych na kalendarzu rolniczym obzhinkovi(Żniwarskiego) pieśni. Sam rytuał pieczenia składa się z następujących głównych momentów:

1) kończąc pracę, kobiety pozbędą się stresu poparzeniowego, wywołanego trądzikiem i marnowaniem zboża na polu, co z dużym prawdopodobieństwem urodzi kolejne pokolenie,

2) utkaj z fasoli wianek i załóż go na głowę najbliższego pracownika. Idź na wsparcie Pana.Dziewczyna daje jej wieniec z winem.Potem Pan wita kobiety śpiewem i dźwiękiem muzyki.

Bilet 8

1. Forma sonatowa. Dzieła fortepianowe klasyków wiedeńskich

Sonata nazywany produktem cyklicznym dla jednego lub dwóch instrumentów. Słowo „sonata” po włosku oznacza „brzmieć”.

W twórczości Haydna ustalono typ sonaty klasycznej. Składa się z trzech części: Część I napisana jest w szybkim tempie, w formie sonatowej; Część II toczy się w wolnym tempie; Część III, finał, znowu w krótkich odstępach czasu.

Kontrastujące ze sobą części cyklu ujawniają jedną koncepcję artystyczną.

Wśród sonat Haydna najpopularniejsze są sonaty e-moll (liryczne) i D-dur (wesołe). Ich konstrukcja jest tradycyjna. Muzyka jest przejrzysta i przystępna

Młodsi współcześni Haydnowi – Mozart i Beethoven – nazywani są także klasykami wiedeńskimi. (Ich sonaty można znaleźć w biletach nr 3, nr 5)

2. Twórczość kompozytorów okresu sowieckiego ^

Twórczość kompozytorów radzieckich obejmuje różnorodne gatunki instrumentalne i wokalne - suity i koncerty, zespoły kameralne, romanse i cykle wokalne.

Za największych kompozytorów tego okresu słusznie uważa się S. Prokofiewa, D. Szostakowicza, A.I. Chaczaturyan, D. Kabalewski.

Wielki radziecki kompozytor Siergiej Siergiejewicz Prokofiew słusznie nazywany jest klasykiem XX wieku. W swojej twórczości przekazywał uczucia swoich współczesnych, ostre, dramatyczne starcia epoki i wiarę w zwycięstwo jasnego początku życia. Prokofiew to artysta odważny i nowatorski. Otworzył „nowe światy” w dziedzinie melodii, rytmu, harmonii i instrumentacji. Jednocześnie jego twórczość jest mocno związana z tradycjami klasyki rosyjskiej i światowej „Wojna i pokój”; „Opowieść o prawdziwym mężczyźnie” itp.); 7 baletów („Romeo i Julia”, „Kopciuszek” itp.); oratorium „Strażnik Pokoju”; kantata „Aleksander Newski”; 7 symfonii; koncerty; cykle utworów fortepianowych: „Przemijanie”, „Opowieści starej babci”, „Muzyka dla dzieci”; baśń symfoniczna „Piotruś i Wilk”, muzyka do filmów.

Siódma Symfonia- ostatni ukończony główne dzieło Prokofiew.

Symfonia dla dzieci – taki był pierwotny pomysł. Ale w trakcie pracy zmienił się. W rezultacie powstała symfonia „dla dzieci i dorosłych” – kompozycja głęboka, łącząca w sobie cechy charakterystyczne dla twórczości Prokofiewa późnego okresu.

Muzyka Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz- najsilniejsze artystyczne ucieleśnienie swoich czasów. To sztuka przepojona miłością do człowieka, wiarą w jego szlachetność, wolą i rozumem. To sztuka demaskująca wszystko, co wrogie człowiekowi, faszyzm i inne formy tłumienia godności ludzkiej.

Główne prace:

15 symfonii (w tym siódma „Leningrad”, jedenasta „1905”); opera „Katerina Izmailova”; oratorium „Pieśń lasów”; koncerty; muzyka instrumentalna; 24 preludia i fugi na fortepian; pieśni, cykle wokalne; muzyka do filmów.

Siódma Symfonia („Leningrad”)- jedno z najważniejszych dzieł Szostakowicza. Symfonia powstała w 1941 r. Większość z nich powstała w oblężonym Leningradzie. Na partyturze widniał autorski napis: „Dedykowane miastu Leningradowi”.

Siódma Symfonia często porównywana jest do dzieł dokumentalnych o wojnie, zwanych „kroniką”, „dokumentem” – tak trafnie oddaje ducha wydarzeń. A jednocześnie ta muzyka zadziwia głębią myśli. Walka ludzie radzieccy Szostakowicz ukazał faszyzm jako walkę dwóch światów: świata stworzenia, twórczości, rozumu oraz świata zniszczenia i okrucieństwa; dobro i zło. Ideę walki i triumfu Człowieka objawiają się na różne sposoby cztery części symfonii.

Aram Iljicz Chaczaturyan- artysta o jasnej, niepowtarzalnej indywidualności. Temperamentny, wesoły, atrakcyjny świeżą harmonią i orkiestrowymi barwami, jego muzyka przesiąknięta jest intonacjami i rytmami ormiańskich pieśni i tańców ludowych. W swojej twórczości odwołuje się także do tradycji muzyki światowej, a przede wszystkim rosyjskiej.

Główne prace:

2 symfonie; 2 balety („Gayane”, „Spartacus”); koncert na skrzypce i orkiestrę; utwory na fortepian; piosenki i romanse; muzyka do dramatu Lermontowa „Maskarada”.

Koncert skrzypcowy- jedno z jego najdoskonalszych dzieł. Talent kompozytorski do tworzenia muzyki, czerpiącej w szerokim zakresie ze sztuki ludowej, objawił się tu ze szczególną siłą. Koncert składa się z trzech części, swoistych obrazów z życia ludowego, poetyckich szkiców natury Armenii.

Dmitrij Borysowicz Kabalewski- jeden z wybitni kompozytorzy Okres sowiecki. Kompozytora szczególnie pociągały obrazy dzieciństwa i młodości. Oto, co on mówi

większość jego dzieł.

Kompozytor pisał muzykę nie tylko dla swoich młodych przyjaciół. Prowadził wykłady w radiu i na scenie koncertowej oraz prowadził fascynujące rozmowy o muzyce. Rozmowy te stały się podstawą jego książki „O trzech wielorybach i wiele więcej”. Kabalewski był zaniepokojony kwestiami edukacji muzycznej dzieci.

Główne prace:

4 symfonie; 5 oper („Cola Brugnon”, „Rodzina Tarasa”, „Siostry”); operetka „Wiosna śpiewa”; 2 kantaty; Msza żałobna; koncerty; muzyka instrumentalna; utwory na fortepian, pieśni; muzyka do filmów.

3. A. Sztogarenko. Symfonia żaden I-kantata „Ukra” їн o mój"

Wszechstronność Andrija Jakowicza Sztogarienoka jako kompozytora rozpoczęła się w latach trzydziestych XX wieku. Największym osiągnięciem twórczym Mitza była majestatyczna kompozycja wokalno-symfoniczna „Moja Ukraina” (1943). Motywem przewodnim tej czteroczęściowej symfonii-kantaty jest ostry konflikt pomiędzy przeciwstawnymi siłami. Literacki. Podstawą kompozycji były dzieła A. Malishki i M. Rilsky'ego.

Części symfonii-kantaty mają nazwę programową. Persza – „Wstań, Ukraino” – pełna jest dramatu, gorzkiego zamętu, litości i cierpienia. Charakter muzyki wyznaczają dwa wątki muzyczne: dramatyczny, nieznośny gniew (jego finałowy chór) i straszliwa wściekłość (solo barytonowe), które oddają cierpienie z powodu okrucieństw popełnianych przez faszystów.

Kolejny utwór – „Koliskova” – stanowi liryczne centrum cyklu. Sztogarenko stworzył cudowną, czułą i serdeczną piosenkę dla swojej matki, próbując ukraść jej syna.

Część trzecia – „Partizańska” – to heroiczne scherzo. Jest przesiąknięty dynamizmem, posuwa się do przodu. Symfonia-kantata kończy się bohaterskim finałem.

Bilet 9

1. Polifonia. kreacja JEST. Kawaler

Johann Sebastian Bach to wielki niemiecki kompozytor. Większość dzieł Bacha jest polifoniczna. „Polifonia” w tłumaczeniu oznacza polifonię. Każdy głos w muzyce polifonicznej jest niezależny.

Jednym z głównych sposobów rozwoju polifonii jest imitacja („imitacja”). W muzyce jest to technika naprzemiennego wprowadzania głosów, przy czym każdy głos wydaje się imitować poprzedni z pewnym opóźnieniem. Imitacja przyczynia się do ciągłości ruchu melodycznego, czyli piętno muzyka polifoniczna.

W twórczości Bacha polifonia osiągnęła najwyższą doskonałość. Pisał drobne preludia, fugi, inwencje 2- i 3-głosowe.

Wielką wartość ma 48 preludiów i fug, które składają się na dwa tomy. Utwór nosił tytuł „The Well-Tempered Clavier”. Tutaj kompozytor udowodnił, że wszystkie tony są równe i brzmią równie dobrze.

Bach napisał także dużo muzyki na organy, które były jego ulubionym instrumentem.

2. Rozwój gatunku romantycznego w muzyce rosyjskiej

Jednym z najbardziej ukochanych rodzajów sztuki muzycznej końca XIX i pierwszej połowy XIX wieku był romans. Wiele romansów tamtych czasów było ściśle związanych z miejskimi piosenkami codziennego użytku. Wykonywane były przy akompaniamencie fortepianu, harfy lub gitary. Ważną rolę w rozwoju rosyjskiego romansu odegrali kompozytorzy Alyabyev („Słowik”), Varlamov („Samotny żagiel wybiela”, „Szczyty górskie”, „Zamieć szaleje po ulicy”), Gurilev („ Matka Gołębica”, „Niebieskoskrzydła jaskółka”, „Dzwon”). Twórczość tych kompozytorów stanowi cenny wkład w skarbnicę muzyki rosyjskiej. . . .

Romans zajmuje ważne miejsce w twórczości M.I. Glinka. Glinka przez całe życie pisał romanse. Wszystko w nich urzeka: szczerość i prostota; powściągliwość w wyrażaniu uczuć, klasyczna harmonia i surowość formy, piękno melodii i wyraźna harmonia. Popularne są romanse - „Skowronek”, „Przemijająca piosenka”, „Pamiętam cudowną chwilę”

Romanse i pieśni zajmują poczesne miejsce w twórczości Dargomyżskiego, Borodina, Musorgskiego i Czajkowskiego.

3. Kreatywność opery і tam skradziono ї nskyh kompozytor і V

Opera- jest to gatunek łączący śpiew (solowy, zespołowy, chóralny), muzykę instrumentalną, aktorstwo sceniczne, sztuki twórcze (kostiumy, charakteryzacja, oświetlenie; oprawa artystyczna spektaklu).

Podstawy europejskiej mistyki muzycznej i teatralnej sięgają starożytnych przedstawień teatru ludowego (we Włoszech – commedia dell'arte, w Rosji – Teatr Pietruszki, na Ukrainie – szopka). Opera wywodzi się z Włoch. Pierwsze prace pisano na tematy starożytne. Pozostała część opery jest ukształtowana przez twórczość znanego włoskiego kompozytora Claudio Monteverdiego.

Już w II wieku po stuleciu najpopularniejszym gatunkiem stała się opera.

Wielkim mistrzem mistyki operowej jest B.A. Mozart. Do jego najważniejszych oper należą: „Vesilla Figaro”, „Don Giovanni”, „Czarodziejski flet”. . .I.

Ukraina їн ska-opera powstał w drugiej połowie XIX w. Pierwsze klasyczne postacie noszą imiona S. Gulaka-Artemowskiego („Zaporożec za Dunajem”, 1862) i Mlisenki („Natalka Połtawka”, 1889 i „Taras Bulba”, 1890).

Tematyka opery może być zróżnicowana. Są to sceny historyczne, obrazy, przeżycia ludzi i ich wewnętrzne światło.

Tekst, na którym opierają się numery wokalne, pomaga odsłonić oprawę opery. Ten tekst nazywa się czy bretto Sam jest piosenkarzem, dramaturgiem i kompozytorem.

Kompozytor tworzy obrazy artystyczne, posługując się metodami wirtuozerii muzycznej. Należą do nich wyraźna melodia, harmonia, zróżnicowana orkiestracja i niepowtarzalny rytm. Ważną rolę odgrywa dobór form muzycznych do poszczególnych numerów, scen i aktów. Numery solowe noszą następujące nazwy: aria, arioso, arrieta (aria małej wielkości), cavatina, romans.

W operze szeroko stosowane są recytatywy (deklamacje muzyczne). Śmierdzi... jadalnymi chórami, zespołami, chórami.

Seria partii solowych w zespołach operowych, chórach, numerach baletowych.

Duzhe Vagoma w roli operowej orkiestra. Nie tylko towarzyszy Twojemu śnie, ale także go uzupełnia i czyni Cię bogatym. Orkiestrze powierzone są samodzielne numery: uwertura, przerwa do kolejnych aktów, epizody, wstęp do arii.

Uwertura- Trzeba poczekać na płonące zakończenie orkiestrowego numeru, który kończy się do samego końca. Kompozytor koncentruje się w nim na głównych ideach muzycznych opery.

Przerwa- to małe, orkiestrowe wprowadzenie na scenę, biorąc pod uwagę jej wielkość.

Przykładem opery liryczno-komicznej jest opera S. Gulaka-Artemowskiego „Zalorozżec za Dunajem”. Przeplatają się tu dwie wątki: liryczna (małżeństwo to Oksana IAndrij) i komiczna (Iwan Karas i jego żona Odarka).

Cechą charakterystyczną opery komicznej są dialogi nieformalne, która odegrała znaczącą rolę w historii ukraińskiej sztuki operowej. Tutaj pokazane są najjaśniejsze typy ludowe, podkreślony jest najjaśniejszy ryż narodu ukraińskiego.

Przykładem opery historyczno-heroicznej jest opera Little Foxa „Taras Gulba”. Jest w nim miejsce na dawanie ludziom obrazów. W tym kontekście kompozytor zwraca szczególną uwagę na mszalne sceny chóralne, w których zaszczepiona jest walka bohatera i triumf zwycięstwa.

Bilet 10

1. Dzieła F. Chopina

Fryderyk Chopin to wielki polski kompozytor i pianista. Wzbogacił muzykę o nowe treści i wprowadził nowe techniki wykonawstwa pianistycznego. Jego twórczość przypada na epokę romantyzmu, którą charakteryzuje gatunek miniatury.

Chopin komponował wyłącznie na fortepian. Jego muzyka zyskała uznanie już za jego życia i dziś organizowane są konkursy imienia Chopina.

Główne prace: mazurki, polonezy, walce, nokturny, preludia, etiudy, improwizacje, sonaty, ballady, scherza, fantazje, koncerty.

Chopin znacznie rozszerzył możliwości ekspresyjne wielu gatunków (m.in. mazurka, poloneza, etiudy, walca itp.), przekształcając je w dzieła koncertowe.

Szczególną popularnością cieszą się Walc cis-moll, Etiuda „Rewolucyjna” oraz cykl 24 preludiów (Chopin jako pierwszy zinterpretował preludium jako utwór samodzielny)

2. Opera-bajka w twórczości Rosjan kompozytorzy

Gatunek opery baśniowej pojawił się w twórczości Glinki wraz z powstaniem opery „Rusłan i Ludmiła”. Szczyt osiągnął w twórczości Rimskiego-Korsakowa („Śnieżna dziewica”, „Sadko”, „Opowieść o carze Saltanie”, „Złoty kogucik”).

Opera "Królowa Śniegu" napisany na fabule sztuki A.N. Ostrowskiego w 1880 r. Kompozytor reprodukował z wielkim ciepłem Starożytne zwyczaje i rytuały. Prawdziwe przedstawienie życia ludzi i życia codziennego łączy się ze światem fantazji i baśni. Postacie: car Berendey, Bermyata, Kupava, Lel, Mizgir, Bobyl i Bobylikha (realistyczne obrazy); Wiosenny Czerwony i Ojciec Mróz są obdarzeni cechami ludzkimi; Wizerunek Śnieżnej Dziewicy - córki Mroza i Wiosny - łączy w sobie cechy rzeczywiste z fantastycznymi.

W operze często przedstawiana jest natura. Czasami obrazy natury mają znaczenie alegoryczne - uosabiają sprawiedliwość i prawidłowość zjawisk życiowych.

Rimski-Korsakow często posługuje się motywami przewodnimi – podtrzymany cechy muzyczne. Sceny oparte na ciągłym („od końca do końca”) rozwoju przeplatają się w operze z ukończonymi numerami. W operze występuje wiele chórów, powszechnie używane są autentyczne melodie ludowe, prezentowane są obrzędy ludowe.

Opera składa się z prologu i czterech aktów.

3. Twórczość L. Revuckiego

Lew Mikołajowicz Revutski jest zaangażowany w historię ukraińskiej chrześcijańskiej kultury muzycznej jako wybitny kompozytor, pedagog, pedagog i działacz muzyczny. Ścieżka twórcza rozpoczęła się na początku lat dwudziestych, choć reszta formacji tego jakmyta rozpoczęła się znacznie później, w latach dwudziestych.

Dla ukształtowania indywidualnego stylu Rewuckiego ogromne znaczenie ma niewielki wysiłek i poważna praca z pieśniami ludowymi. Kompozytor kompiluje pieśni ludowe, co jest dla nich ważne

Cykl „Soneczko” ukazało się w 1925 roku. Pojawiło się 20 różnych piosenek w zależności od ich charakteru i gatunku: szereg kamienic (Wyjdź, wyjdź, małe słońce, Podolyanochka, Idź, idź, deska), lirycznych (Przyleciała przepiórka), pieśni taneczne ( Dibi-dibi), koliskikhs („Mały kotek jest szary”, „Och, chodzenie to marzenie”), gry („Och, jest kalina”, " Upij się, jestem pijany).

Stał się nowym etapem mistycznego trapu Symfonia nr 2.

Oryginalność dzieła polega na tym, że cały jego materiał tematyczny opiera się na folklorze. Kompozytor vikoristav 7 piosenek: w części I - „Och, wiosno, wiosno”, „Och, nie żałuj mi”, w części II - „Och Mikito, Mikito”, „Och, na polu jest sosna”, „ Na rynku kijowskim”, w części III – „I sialiśmy proso”, „W dolinie maków”.

Melodie tych pieśni ludowych stały się „ziarnem” obrazowości, punktem wyjścia, impulsem do rozwoju.

II Symfonia stała się pierwszym klasycznym przykładem gatunku symfonicznego w ukraińskiej muzyce Radian.

Największe dzieło lat 40 poemat kantata „Hustina”(za twórczością T. Szewczenki) Obrazy muzyczne powstają z pieśni ludowych, ponadto kompozytor nie cytuje melodii ludowych, ale tworzy oryginalną tkaninę - melodię, rytm, harmonię, fakturę - w folklorze dusi.

„Hustina” to telewizor jednoczęściowy. Istnieją odcinki chóralne, solowe i orkiestrowe.

Poprzez swój śpiew kantatowy Revutsky rozwinął zasady gatunku kantatowego, rozszerzonego przez Lisenkę i Stetenko. Vin interpretuje ten gatunek w sposób liryczno-dramatyczny (klasyczne kantaty nie są istotne dla ich miejskiego charakteru).

Tvorchiydorobok L.M. Revutsky nie jest zbyt wielki, to tylko machina. Piękne dzieła kompozytora weszły do ​​złotego funduszu naszej kultury.

Samodzielna instytucja samorządowa
dodatkowa edukacja
„Dziecięca Szkoła Artystyczna”
Zadonski rejon miejski obwodu lipieckiego

zestaw narzędzi
Dla wydziałów muzycznych Dziecięcej Szkoły Artystycznej

„Krótki kurs literatury muzycznej”

Wiek od 8 do 16 lat

Opracował: nauczyciel
muzyczne dyscypliny teoretyczne
Komowa Alla Wasiliewna

Zadońsk
2015

„Krótki kurs literatury muzycznej” ma na celu podsumowanie całego przebiegu tego przedmiotu w dziecięcych szkołach muzycznych. Tutaj bardzo zwięźle przedstawiono wszystkie podstawowe informacje o kompozytorach, ich najsłynniejszych dziełach, krótko omówiono główne epoki światowej kultury muzycznej, podano podstawowe pojęcia gatunków muzycznych, form i elementów mowy muzycznej.

1. Polifonia to polifonia. Utwór polifoniczny może mieć od dwóch do pięciu głosów, z których każdy rozwija się niezależnie, ale wszystkie są wplecione w jedną muzyczną tkaninę. Polifonia była powszechna w epoce renesansu (XVI – XVII w.) za sprawą wybitnych muzyków i polifonistów w 1. połowie XVII w. byli: kompozytorzy niemieccy Georg Friedrich Handel, Georg Philipp Telemann, kompozytor angielski – Henry Purcell, kompozytor francuski Jean Baptiste Lully.
We Włoszech wyróżniał się Antonio Vivaldi. Powszechnie znane są jego koncerty skrzypcowe i suita „Pory roku”. We Francji najbardziej znanymi kompozytorami są klawesyniści: Jean Philippe Rameau, Francois Couperin, Louis Claude Daquin. Sonaty klawesynowe włoskiego kompozytora Domenico Scarlattiego cieszą się obecnie dużą popularnością.
Ale za „ojca” polifonii słusznie uważa się wielkiego niemieckiego kompozytora Johanna Sebastiana Bacha (1685 – 1750), którego twórczość jest wielka i wieloaspektowa.
Bach urodził się w niemieckim mieście Eisenach. Tam spędził dzieciństwo, gdzie uczył się gry na organach, skrzypcach i klawesynie. Od 15 roku życia mieszkał samodzielnie: najpierw w mieście Lüneburg, następnie w poszukiwaniu pracy przeniósł się do miasta Weimar, gdzie pełnił funkcję organisty w kościele i tutaj napisał swoje najlepsze dzieła organowe: „ Toccata i fuga d-moll”, preludia i fugi chorałowe organowe. Następnie przenosi się do miasta Köthen.
W Köthen pełni funkcję nadwornego muzyka księcia Köthen i tutaj napisał najlepsze dzieła klawiszowe: 1. tom HTK (dobrze hartowany clavier), 6 suit angielskich i 6 francuskich, wynalazki, „Fantazję chromatyczną i fugę ”.
Bach ostatnie lata swego życia spędził w Lipsku. Tutaj pracował jako kierownik szkoły chóralnej (kantor) przy kościele św. Tomasza i napisał wiele dzieł chóralnych: „Msza h-moll”, „Pasja według św. Jana”, „Pasja Mateuszowa” i inne najlepsze przykłady kantat i oratoria. Tutaj napisał drugi tom HTC.

JEST. Bach stał się twórcą muzyki polifonicznej. Nikt nie pisał polifonii lepiej od niego. Jego trzej synowie również zasłynęli jako kompozytorzy, ale nazwisko Johanna Sebastiana Bacha przeszło do historii sztuki muzycznej na zawsze! Jego muzyka jest wieczna i zrozumiała dla ludzi - jest żywa.

2. Wiedeńska Szkoła Klasyczna.

To twórczy kierunek w muzyce końca XVIII – początków XIX wieku, który rozwinął się w Wiedniu (stolicy Cesarstwa Austriackiego). Należą do niego trzej kompozytorzy: Joseph Haydn, Wolfgang Amadeusz Mozart i Ludwig van Beethoven. W ich twórczości powstał cykl sonatowo-symfoniczny. Ich prace są doskonałe w formie i treści (czyli klasyczne). Dlatego też nazywano je wielkimi klasykami wiedeńskimi.
Muzyka kompozytorów wiedeńskiej szkoły klasycznej pozostaje do dziś niedoścignionym przykładem kompozycji (klasycznej – w jednym ze znaczeń tego słowa – wzorowej). Szkoła jest tu pojęciem sukcesji, czyli tzw. kontynuacja i udoskonalenie przez jednego kompozytora tradycji i idei swojego poprzednika.
Klasycy wiedeńscy posługiwali się nową strukturą muzyczną (sposobem przedstawienia myśli muzycznej) – homofonoharmoniczną, w której występuje główny głos melodyczny, a melodii towarzyszą pozostałe głosy (towarzyszą jej). Ich praca składa się z 8-taktowego (kwadratowego) okresu. Wynika to z wykorzystania austriackich i niemieckich tematów ludowych. W harmonii dominują triady głównych stopni T, S, D.

Joseph Haydn (1732-1809) był najstarszym z wiedeńskich klasycystów. W jego twórczości ostatecznie ukształtowały się gatunki sonaty, symfonii, koncertu i kwartetu. Nazywany jest „ojcem” symfonii (ma ich ponad 100). Jego muzyka opiera się na tematyce tańców i pieśni ludowych, którą rozwija z wielkim kunsztem. W jego twórczości powstał także skład orkiestry symfonicznej, składający się z trzech grup instrumentów - smyczków, instrumentów dętych i perkusji. Niemal całe życie służył jako muzyk nadworny księcia Esterhazego, tworząc 104 symfonie, 52 sonaty, koncerty i 83 kwartety. Ale szczytem było jego 12 londyńskich symfonii, oratoria „Pory roku” i „Stworzenie świata”, napisane w Londynie pod koniec jego życia.

Naśladowcą twórczości Haydna stał się niemiecki kompozytor W.A. Mozart (1756-1791). Jego jasna muzyka jest wciąż nowoczesna - żywy przykład klasycyzmu. Od najmłodszych lat zaczął komponować sonaty, symfonie i opery. Wykorzystując cykl sonatowo-symfoniczny Haydna, Mozart rozwinął go i wzbogacił. Jeśli u Haydna kontrast między częścią główną i wtórną nie jest wyraźnie wyrażony, to u Mozarta partia główna ma zupełnie inny charakter niż wtórna, przez co przetworzenie (część środkowa) jest intensywniejsze. Muzyka Mozarta z niezwykłą siłą przekazuje zarówno żałobne, tragiczne nastroje („Requiem”), humorystyczne obrazy, jak i piękną przyrodę. Muzyka Mozarta wyróżnia się pięknem i wdziękiem. Mozart jest autorem wielu oper, z których najbardziej znane to: „Wesele Figara”, „Czarodziejski flet”, „Don Giovanni”. W swoim dorobku ma około 50 symfonii (najsłynniejsze to G-moll nr 40 i „Jowisz” nr 41), wiele sonat, koncertów na klawesyn, skrzypce, obój, flet i rozrywkowe.

Ludwik
awangarda
Beethoven (1770-1827) – trzeci klasyk wiedeński.
Wielki niemiecki kompozytor urodził się w Bonn. Współczesny Wielkiej Rewolucji Francuskiej ucieleśniał w swojej muzyce buntowniczy patos, marzenie o wolności i szczęściu ludzkości. Stworzył 9 symfonii (najsłynniejsze: c-moll nr 5, nr 9), szereg uwertur („Coriolanus”, „Egmont”, „Leonora”); 32 sonaty („Lunar” nr 14, „Pathetique” nr 8, „Appassionata” nr 23 i in.), opera „Fidelio”, 5 koncertów fortepianowych, koncert skrzypcowy i sonaty na skrzypce, 16 kwartetów smyczkowych. Twórczość Beethovena jest przepełniona ogromną energią, kontrast między tematami jest bardzo wyraźny, jego muzyka jest dramatyczna, a jednocześnie afirmująca życie i zrozumiała dla wszystkich.

3. Era romantyzmu w muzyce.

Romantyzm jest ruchem artystycznym, który powstał na początku XIX wieku, w okresie reakcji po francuskiej rewolucji burżuazyjnej. Ludzie sztuki w tamtych czasach nie mogli wiernie odzwierciedlać rzeczywistości i musieli albo udać się w świat fantazji, albo odzwierciedlić wewnętrzny świat człowieka, jego uczucia i emocje.

W muzyce pierwszym kompozytorem romantycznym był Franz Schubert (1797-1828), wielki austriacki kompozytor i autor tekstów (ma ich ponad 600).
W młodości musiał doświadczyć wielu strat. Znalazłszy się sam w Wiedniu, mieszkał z przyjaciółmi i znajomymi i był pełen nadziei na wspaniałą przyszłość. Jego pieśni z tego okresu były lekkie w treści (cykl „Piękna żona młynarza”). Ale stopniowo zaczyna rozumieć, że życie nie jest tak bezchmurne, jak mu się wydawało, że losem muzyka jest bieda i potrzeba. W utworze „Organ Grinder” namalował portret siebie – piosenkarza wyrzuconego przez społeczeństwo. Ponure nastroje odzwierciedlają cykl „Zimowe odosobnienie”, „Łabędzi śpiew”. Pod słowami Goethego powstały takie arcydzieła jak ballada „Król lasu” i „Margarita przy kołowrotku”. „Serenada” Schuberta na stałe wpisała się do repertuaru znanych śpiewaków. Oprócz pieśni Schubert napisał także 8 symfonii (najsłynniejsza „Niedokończona” h-moll nr 8 w dwóch częściach). Ma także wiele drobnych dzieł fortepianowych: momenty muzyczne, improwizowane, ekozaise, walce.
Schubert zmarł bardzo wcześnie – w wieku 31 lat, jednak swoimi dziełami zdążył przygotować pojawienie się naśladowców jego twórczości.

Jednym z nich był polski kompozytor fortepianowy Fryderyk Chopin (1810 – 1849).
Jego muzyka jest genialna. Pomimo tego, że pisał wyłącznie na fortepian, odkrył jednak cały świat - od tajemnych głębin ludzkich uczuć po proste sceny z życia na wsi.
Wracając do polskich gatunków narodowych – mazurków, polonezów, walców – ukazywał je z różnych stron. Na przykład jego mazurki mogą mieć charakter balowy lub przypominać prosty taniec wiejski. Polonezy są czasem genialne, czasem tragiczne.
Walce mają także bardzo różnorodny charakter, a jego etiudy wykraczają poza zakres dzieła czysto technicznego – są już utworami koncertowymi – obrazami. Preludia Chopina są niewielkich rozmiarów, ale bardzo różnią się odcieniami poruszanych w nich uczuć. Nokturny Chopina są przykładami melodii i harmonii. Chopin jest twórcą nowego gatunku muzyki fortepianowej – gatunku balladowego. Ma także sonaty. Marsz żałobny Chopina jest wszystkim znany – to III część sonaty h-moll.
Fryderyk Chopin jest ulubionym kompozytorem wielu pianistów. Od 1927 roku w Warszawie regularnie odbywają się Światowe Konkursy Chopinowskie.

Trzecim romantykiem muzyki zagranicznej jest Robert Schumann (1810 – 1856).
To wielki niemiecki kompozytor – marzyciel i wynalazca. Miał niesamowitą umiejętność portretowania ludzi w muzyce, często z humorem. Jego najsłynniejszym dziełem jest cykl fortepianowy „Karnawał”. Napisał wiele drobnych utworów na fortepian, „Album dla młodzieży”, „Motyle”, 3 sonaty, „Etiudy symfoniczne” i inne.

4. Rosyjska kultura muzyczna.

Michaił Iwanowicz Glinka (1804-1857)
Wielki rosyjski kompozytor jest twórcą narodowej muzyki klasycznej.
Po ukończeniu uniwersyteckiej szkoły z internatem szlacheckim dużo podróżował po Europie, studiując muzykę obcych krajów (Włochy, Niemcy, Austria). Wracając do ojczyzny, Glinka przystąpił do tworzenia rosyjskiej narodowej szkoły muzycznej i udało mu się to.
Glinka zbierał i przetwarzał rosyjskie pieśni ludowe oraz pisał swoje utwory, wykorzystując ich intonację, ubierając je w ścisłe, klasyczne formy.
Glinka jest autorką około 80 romansów i piosenek, w tym takich arcydzieł jak „Wątpliwość”, „Pamiętam cudowną chwilę”, „Skowronek” i innych.
Jego pierwszą operą o tematyce historycznej było „Życie dla cara” („Iwan Susanin”).
Z tej opery wywodzi się odłam rosyjskiej opery historycznej (stała się przykładem tego gatunku). Druga opera Glinki powstała na podstawie baśni A. S. Puszkina „Rusłan i Ludmiła”. Położyła podwaliny pod rosyjską operę baśniową.
Poza tym „Cała rosyjska muzyka symfoniczna zawarta jest w Kamarynskiej Glince jak dąb w żołędziu”. - napisał P.I. Czajkowski. To prawda. Oprócz „Kamarinskiej” Glinka napisał dwie uwertury o tematyce hiszpańskiej: „Jota aragońska” i „Noc w Madrycie”, a jego „Walc Fantazja” jest przykładem pięknych tekstów w muzyce instrumentalnej.
Podsumowując wszystko, co stworzyli przed nim rosyjscy kompozytorzy, Glinka podniósł muzykę rosyjską na jakościowo nowy poziom i zdobył uznanie muzyki rosyjskiej na światowym poziomie.

Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski (1813 – 1869)
Naśladowca i młodszy współczesny Glince, wszedł do historii rosyjskiej kultury muzycznej jako twórca dzieł odkrywczych społecznie. Wśród nich znajduje się opera oparta na fabule tragedii Puszkina pod tym samym tytułem „Rusałka”, w której kompozytor przekazał tragedię prostej chłopki Nataszy, opuszczonej przez księcia, ku smutkowi ojca. Kolejna opera oparta jest na tekście małej tragedii Puszkina „Kamienny gość”. To także dramat społeczno-psychologiczny. W swoich operach Dargomyżski wprowadził nową zasadę kompleksowego rozwoju muzycznego. Polegało to na tym, że numery muzyczne: arie, arioso, duety, chóry płynnie i bez przerwy przechodzą w recytatyw i odwrotnie, a partia orkiestry często przekazuje to, czego nie da się wyrazić słowami.
Dargomyżski jest autorem około 100 romansów i piosenek. Wśród nich bardzo popularne są: „Jestem smutny”, „Stary kapral”, „Radny tytularny”, „Robak” i inne.
W swojej muzyce Dargomyżski opierał się na pieśniach ludowych, ale jednocześnie na intonacjach żywej mowy ludzkiej. „Chcę, aby dźwięk bezpośrednio wyrażał słowo. Chcę prawdy!" - to twórcze credo Dargomyżskiego.

W drugiej połowie XIX wieku w Rosji rozpoczął się rozwój sztuki narodowej - literatury, malarstwa, muzyki. W tym czasie powstał krąg podobnie myślących muzyków, nazwany przez słynnego krytyka muzycznego Stasowa „Potężną Garścią”. Nazywana jest także „Wielką Rosyjską Piątką” lub „Nową Szkołą Rosyjską”.
W kręgu znalazło się 5 kompozytorów.
Jej przywódcą był Mily Alekseevich Balakirev (1837–1910) – bystra postać, talent muzyczny. Jego zasługą jest to, że zbierał i przetwarzał rosyjskie pieśni ludowe. Bałakiriew nie stworzył zbyt wielu dzieł. Najciekawsze z nich to fantasy „Islamey”, 8
Rosyjskie pieśni ludowe w opracowaniach na fortepian, około 50 romansów.

Aleksander Porfiriewicz Borodin (1833-1887)

- wybitny chemik, pedagog, kompozytor. Autor opery „Książę Igor” opartej na fabule historycznej starożytnej rosyjskiej kroniki „Opowieść o kampanii Igora”, obrazu symfonicznego „W Azji Środkowej”, wspaniałych 2 kwartetów, 3 symfonii (najsłynniejsza II to „Bogatyrskaja ”) i 18 romansów. Kompozytor ucieleśniał w swoim dziele epicką epopeję narodu rosyjskiego, a także oświetlił świat Azji Wschodniej swoimi pięknymi melodiami.

Modest Pietrowicz Musorgski (1839-1881) był kompozytorem trybunem, który odzwierciedlał życie i historię jasnowłosego ludu. Jego opery „Borys Godunow”, „Khovanshchina” i monumentalne ludowe dramaty muzyczne są szczytem jego twórczości; komedia muzyczna oparta na Gogolu „Jarmark Sorochinskaya” odsłania żywe, żywe obrazy zwykłych ludzi; cykl „Obrazy z wystawy”, cykle pieśni „Dzieci”, „Pieśni i tańce śmierci”, romanse znajdują się w repertuarze teatrów światowych.

Cesar Antonowicz Cui (1835-1918) – kompozytor i krytyk muzyczny, autor baśni operowych „Czerwony Kapturek”, „Kot w butach”, „Głupiec Iwan”, romansów, pieśni, krótkich utworów fortepianowych. Jego dzieła nie są tak znaczące jak dzieła innych kompozytorów „Potężnej Garści”, ale wniósł także wkład do skarbnicy muzyki rosyjskiej.

Tym, co łączyło wszystkich kompozytorów „Potężnej Garści”, był pełen szacunku stosunek do rosyjskiej pieśni ludowej oraz dążenie do wzbogacenia rosyjskiej muzyki klasycznej i wyniesienia jej na skalę światową. Wszyscy są naśladowcami wielkich rosyjskich kompozytorów klasycznych M.I. Glinki i A.S. Dargomyżskiego.

Bibliografia:
Bazhenova L., Nekrasova L., Kurchan N., Rubinstein I., „Światowa kultura artystyczna XX wieku: kino, teatr, muzyka”. Piotr 2008
Gorbaczowa E. „Popularna historia muzyki”, opublikowana. „Wiecze” 2002
Mikheeva L. „Słownik muzyczny w opowiadaniach”, opublikowano. Moskwa, „Kompozytor radziecki” 1984
Privalov S. „Zagraniczna literatura muzyczna. Era romantyzmu”
opublikowany „Kompozytor” 2003
5. Prokhorova, I., Skudina, G. „Literatura muzyczna okresu sowieckiego”
opublikowany „Muzyka” 2003
6. Prokhorova, I. „Literatura muzyczna obcych krajów”
opublikowany „Muzyka” 2003

7. Smirnova E. „Rosyjska literatura muzyczna”, opublikowana. „Muzyka” 2001
8. Encyklopedia dla dzieci. Tom 7. Sztuka. Część 3. Muzyka. Teatr. Wydawnictwo kinowe CJSC „Dom Książki, Avanta+” 2000

13STRONA \* MERGEFORMAT14915

Jak wybrać się do opery i czerpać z niej tylko przyjemność, a nie rozczarowanie? Jak nie zasnąć podczas koncertów symfonicznych, a potem żałować, że wszystko szybko się skończyło? Jak zrozumieć muzykę, która na pierwszy rzut oka wydaje się zupełnie przestarzała?

Okazuje się, że tego wszystkiego może się nauczyć każdy. Dzieci uczą się tego w szkole muzycznej (i muszę przyznać, że z dużym powodzeniem), ale każdy dorosły może sam opanować wszystkie tajemnice. Z pomocą przyjdzie podręcznik literatury muzycznej. I nie trzeba bać się słowa „podręcznik”. Czym dla dziecka jest podręcznik, tym dla dorosłego jest „książka z bajkami z obrazkami”, która intryguje i fascynuje swoją „ciekawością”.

O temacie „literatura muzyczna”

Być może jednym z najciekawszych przedmiotów, jakie podejmują uczniowie szkół muzycznych, jest literatura muzyczna. Kurs ten swoją treścią przypomina nieco kurs literatury, którego uczy się w zwykłej szkole średniej: tylko zamiast pisarzy - kompozytorzy, zamiast wierszy i prozy - najlepsze dzieła muzyczne klasyki i czasów współczesnych.

Wiedza przekazywana na lekcjach literatury muzycznej rozwija erudycję i niezwykle poszerza horyzonty młodych muzyków w obszarach samej muzyki, historii krajowej i zagranicznej, fikcji, teatru i malarstwa. Ta sama wiedza ma także bezpośrednie przełożenie na praktyczne lekcje muzyki (gra na instrumencie).

Każdy powinien studiować literaturę muzyczną

Kurs literatury muzycznej ze względu na swoją wyjątkową przydatność można polecić dorosłym lub początkującym muzykom-samoukom. Nikt inny kurs muzyczny nie zapewnia takiej kompletności i podstawowej wiedzy o muzyce, jej historii, stylach, epokach i kompozytorach, gatunkach i formach, instrumentach muzycznych i głosach śpiewających, sposobach wykonania i kompozycji, środkach wyrazu i możliwościach muzyki itp.

Co dokładnie obejmujesz w ramach kursu literatury muzycznej?

Literatura muzyczna jest przedmiotem obowiązkowym na wszystkich wydziałach szkoły muzycznej. Ten przedmiot został ukończony w ciągu cztery lata, podczas którego młodzi muzycy zapoznają się z dziesiątkami różnorodnych dzieł artystycznych i muzycznych.

Rok pierwszy – „Muzyka, jej formy i gatunki”

Pierwszy rok z reguły poświęcony jest opowieściom o podstawowych środkach wyrazu, gatunkach i formach muzycznych, o różnych rodzajach orkiestr i zespołów oraz o tym, jak prawidłowo słuchać i rozumieć muzykę.

Rok drugi – „Zagraniczna literatura muzyczna”

Drugi rok ma zazwyczaj na celu opanowanie warstwy obcej kultury muzycznej. Opowieść o nim zaczyna się od czasów starożytnych, od jego powstania, przez średniowiecze, aż po najważniejsze osobistości kompozytorskie. Sześciu kompozytorów zostało wyróżnionych w oddzielnych, dużych tematach i studiowanych podczas kilku lekcji. To niemiecki kompozytor epoki baroku, trzy „ Klasyka wiedeńska» – J. Haydn, V.A. Mozart i L. van Beethoven, romantycy F. Schubert i F. Chopin. Jest sporo kompozytorów romantycznych, na lekcjach szkolnych nie ma wystarczająco dużo czasu, aby zapoznać się z twórczością każdego z nich, ale oczywiście podano ogólne pojęcie o muzyce romantyzmu.

Wolfgang Amadeusz Mozart

Sądząc po dziełach, podręcznik literatury muzycznej obcych krajów wprowadza nas do imponującej listy różnych dzieł. To opera „Wesele Figara” oparta na fabule Francuski dramaturg Beaumarchais i aż 4 symfonie – 103. symfonię Haydna (tzw. „Z kotłami tremolo”), 40. słynną symfonię g-moll Mozarta, V Symfonię Beethovena z jej „tematem losu” i „Symfonię niedokończoną” Schuberta, z główne symfonie. Uwertura Egmont Beethovena jest również uwzględniona.

Poza tym studiują sonaty fortepianowe– 8. sonata „Pathetique” Beethovena, 11. sonata Mozarta ze słynnym „tureckim Rondo” w finale i promienna sonata D-dur Haydna. Wśród innych dzieł fortepianowych książka przedstawia etiudy, nokturny, polonezy i mazurki wielkiego polskiego kompozytora Chopina. Badane są także dzieła wokalne - pieśni Schuberta, jego genialna pieśń modlitewna „Ave Maria”, ballada „Król lasu” oparta na tekście Goethego, ulubiona przez wszystkich „Wieczorna serenada”, szereg innych piosenek, a także cykl wokalny „ Piękna żona młynarza”.

Rok trzeci „Rosyjska literatura muzyczna XIX wieku”

Trzeci rok studiów jest w całości poświęcony muzyce rosyjskiej od czasów starożytnych aż po prawie koniec XIX wiek. Jakich kwestii nie poruszają początkowe rozdziały, które mówią o muzyce ludowej, o śpiewie kościelnym, o początkach sztuki świeckiej, o głównych kompozytorach epoki klasycznej - Bortniańskim i Bieriezowskim, o romantycznej twórczości Warlamowa, Gurilew, Alabyev i Wierstowski.

Jako centralne ponownie przytacza się postacie sześciu głównych kompozytorów: A.S. Dargomyżski, A.P. Borodina, M.P. Musorgski, N.A. Rimski-Korsakow, P.I. Czajkowski. Każdy z nich jawi się nie tylko jako genialny artysta, ale także jako wyjątkowa osobowość. Na przykład Glinka nazywana jest założycielką rosyjskiej muzyki klasycznej, Dargomyżski nazywany jest nauczycielem prawdy muzycznej. Borodin, będąc chemikiem, komponował muzykę tylko „w weekendy”, a Musorgski i Czajkowski wręcz przeciwnie, porzucili służbę dla muzyki; Rimski-Korsakow w młodości wyruszył w opłynięcie świata.

MI. Opera Glinka „Rusłan i Ludmiła”

Materiał muzyczny jaki jest opanowany na tym etapie jest obszerny i poważny. W ciągu roku powstaje cała seria świetnych filmów rosyjskich: „Iwan Susanin”, „Rusłan i Ludmiła” Glinki, „Rusałka” Dargomyżskiego, „Książę Igor” Borodina, „Borys Godunow” Musorgskiego, „Śnieżna dziewczyna”, „Sadko” i „Opowieść o carze Saltanie”, „Rimski-Korsakow”, „Eugeniusz Oniegin” Czajkowskiego. Zapoznając się z tymi operami, studenci mimowolnie stykają się z dziełami literackimi, które stanowią ich podstawę. Co więcej, jeśli mówimy konkretnie o szkole muzycznej, to klasycznych dzieł literatury uczy się przed rozpoczęciem nauki w szkole ogólnokształcącej – czyż nie jest to korzyść?

Oprócz oper w tym samym okresie bada się wiele romansów (Glinki, Dargomyżskiego, Czajkowskiego), wśród których znów są te pisane do wierszy wielkich rosyjskich poetów. Wykonywane są także symfonie – „Bohaterskie”, „Sny zimowe” i „Patetyka” Borodina oraz znakomita suita symfoniczna Rimskiego-Korsakowa – „Szeherezada” oparta na baśniach „Baśnie tysiąca i jednej nocy”. Wśród dzieł fortepianowych można wymienić duże cykle: „Obrazy z wystawy” Musorgskiego i „Pory roku” Czajkowskiego.

Rok czwarty – „Muzyka krajowa XX wieku”

Czwarta książka o literaturze muzycznej odpowiada czwartemu rokowi nauczania tego przedmiotu. Tym razem zainteresowania studentów skupiają się w kierunku muzyki rosyjskiej XX i XXI wieku. W odróżnieniu od poprzednich wydań podręczników literatury muzycznej, to najnowsze jest aktualizowane z godną pozazdroszczenia regularnością – materiał do nauki jest całkowicie przerysowany, wypełniony informacjami o najnowszych osiągnięciach muzyka akademicka.

SS. Balet Prokofiewa „Romeo i Julia”

Czwarty numer opowiada o osiągnięciach takich kompozytorów jak S.V. Rachmaninow, A.N. Skriabin, I.F. Strawiński, SS Prokofiew, D.D. Szostakowicz, G.V. Sviridova, a także całą plejada kompozytorów czasów najnowszych i współczesnych – V.A. Gavrilina, R.K. Szczedrina, E.V. Tiszczenko i inni.

Wachlarz analizowanych dzieł niezwykle się poszerza. Nie trzeba ich wszystkich wymieniać, wystarczy wymienić tylko takie arcydzieła, jak ulubiony na świecie II Koncert fortepianowy Rachmaninowa, słynne balety Strawińskiego („Pietruszka”, „Ognisty ptak”) i Prokofiewa („Romeo i Julia”, „Kopciuszek” „), Symfonia „Leningradzka” Szostakowicza, „Wiersz ku pamięci Siergieja Jesienina” Sviridowa i wiele innych genialnych dzieł.

Jakie są podręczniki do literatury muzycznej?

Obecnie nie ma wielu opcji podręczników do literatury muzycznej dla szkoły, ale nadal istnieje „różnorodność”. Jednymi z pierwszych podręczników, które zaczęto uczyć masowo, były książki z serii podręczników o literaturze muzycznej autorstwa I.A. Prochorowa. Bardziej współcześni popularni autorzy - V.E. Bryantseva, O.I. Averyanova.

Autorką podręczników literatury muzycznej, którą studiuje obecnie prawie cały kraj, jest Maria Shornikova. Jest właścicielem podręczników do wszystkich czterech poziomów nauczania szkolnego tego przedmiotu. Fajnie, że w najnowszym wydaniu podręczniki wyposażone są także w płytę z nagraniem omawianych prac najlepsza wydajność- w ten sposób rozwiązuje się problem znalezienia tego odpowiedniego materiał muzyczny na lekcje, prace domowe lub samokształcenie. W ostatnim czasie ukazało się wiele innych znakomitych książek z zakresu literatury muzycznej. Powtarzam to Dorośli również mogą z wielką korzyścią przeczytać takie podręczniki.

Podręczniki te szybko wyprzedają się w sklepach i nie są tak łatwo dostępne. Rzecz w tym, że publikowane są w bardzo małych nakładach i od razu stają się bibliograficzną rzadkością. Aby nie tracić czasu na szukanie, sugeruję zamów całą serię tych podręczników bezpośrednio na tej stronie po cenach wydawcy: wystarczy kliknąć przycisk „Kup” i złożyć zamówienie w wyświetlonym oknie sklepu internetowego. Następnie wybierz metodę płatności i dostawy. Zamiast spędzać godziny na chodzeniu po księgarniach w poszukiwaniu tych książek, dostaniesz je w ciągu kilku minut.

Przypomnę, że dzisiaj jakimś przypadkiem zaczęliśmy rozmawiać o literaturze, która przyda się każdemu początkującemu muzykowi lub osobie, która po prostu interesuje się muzyką klasyczną. Tak, nawet jeśli są to podręczniki, ale spróbuj je otworzyć, a potem przestań czytać?

Podręczniki do literatury muzycznej to podręczniki niepoprawne, zbyt ciekawe, żeby nazwać je po prostu podręcznikami. Przyszli szaleni muzycy wykorzystują je do nauki w swoich szalonych szkołach muzycznych, a wieczorami, kiedy młodzi muzycy śpią, ich rodzice z zapałem czytają te podręczniki, bo jest ciekawie! Tutaj!

W kontekście przemian w różnych sferach życia publicznego w naszym kraju istnieje pilna potrzeba twórczego rozwoju młodego pokolenia, które w swoich praktycznych działaniach potrafi zrozumieć, docenić i przemienić otaczający je świat. Dlatego ważne jest, aby zwracać szczególną uwagę na każde dziecko i kształtowanie jego osobowości twórczej. Bezpośrednie lekcje zajęć muzycznych i artystycznych w dziecięcych szkołach muzycznych i dziecięcych szkołach artystycznych bardzo skutecznie przyczyniają się do rozwiązywania problemów nie tylko samego rozwoju muzycznego, ale także kształtowania ogólnych zdolności dziecka i kształtowania jego indywidualności. Pomoc w rozwiązaniu tego problemu należy do zadań nauczyciela literatury muzycznej, gdyż dyscyplina ta zajmuje szczególne miejsce w toku nauczania dyscyplin teoretycznych w dziecięcej szkole artystycznej.

Pobierać:

Zapowiedź:

„Literatura muzyczna” jako przedmiot muzycznego cyklu teoretycznego w placówkach kształcenia dodatkowego

W kontekście przemian w różnych sferach życia publicznego w naszym kraju istnieje pilna potrzeba twórczego rozwoju młodego pokolenia, które w swoich praktycznych działaniach potrafi zrozumieć, docenić i przemienić otaczający je świat. Dlatego ważne jest, aby zwracać szczególną uwagę na każde dziecko i kształtowanie jego osobowości twórczej. Bezpośrednie lekcje zajęć muzycznych i artystycznych w dziecięcych szkołach muzycznych i dziecięcych szkołach artystycznych bardzo skutecznie przyczyniają się do rozwiązywania problemów nie tylko samego rozwoju muzycznego, ale także kształtowania ogólnych zdolności dziecka i kształtowania jego indywidualności. Pomoc w rozwiązaniu tego problemu należy do zadań nauczyciela literatury muzycznej, gdyż dyscyplina ta zajmuje szczególne miejsce w toku nauczania dyscyplin teoretycznych w dziecięcej szkole plastycznej.

Termin „literatura muzyczna” ugruntował się ostatecznie w latach 30. XX wieku. Początków literatury muzycznej jako przedmiotu dokonał B.V. Asafiew i B.L. Jaworski. Od tego czasu kurs literatury muzycznej uległ znaczącym zmianom: wzbogacono jej treść, udoskonalono metodologię, pojawiły się specjalne pomoce dydaktyczne.

Nowoczesny program przedmiot akademicki„Literatura muzyczna” została opracowana w oparciu o wymagania państwa federalnego dotyczące dodatkowych przedprofesjonalnych programów kształcenia ogólnego w zakresie sztuki muzycznej „Fortepian”, „Instrumenty ludowe”, „Instrumenty dęte i perkusyjne”.

Literatura muzyczna jest przedmiotem akademickim, objętym obowiązkową częścią obszaru przedmiotowego „Teoria i historia muzyki”; egzamin końcowy z literatury muzycznej jest częścią egzaminu końcowego.

Na lekcjach „Literatura muzyczna” uczniowie rozwijają myślenie muzyczne, umiejętności postrzegania i analizowania dzieł muzycznych, zdobywają wiedzę o prawach formy muzycznej, specyfice języka muzycznego i środkach wyrazu muzyki. Treść przedmiotu obejmuje także naukę historii świata, historii muzyki oraz wprowadzenie do historii sztuk pięknych i literatury. Lekcje „Literatury muzycznej” przyczyniają się do kształtowania i poszerzania horyzontów uczniów w zakresie sztuki muzycznej, rozwijają gust muzyczny i rozbudzają miłość do muzyki.

Przedmiot edukacyjny „Literatura muzyczna” stanowi kontynuację procesu edukacyjno-rozwojowego rozpoczętego w ramach przedmiotu edukacyjnego „Słuchanie muzyki”. Wymieniona dyscyplina jest również ściśle powiązana z przedmiotem akademickim „Solfeggio” z przedmiotami z obszaru tematycznego „Występy muzyczne”. Dzięki zdobytej wiedzy teoretycznej i sprawności słuchowej studenci opanowują umiejętności świadomego postrzegania elementów języka muzycznego i mowy muzycznej, umiejętności analizy nieznanego utworu muzycznego, znajomość głównych kierunków i stylów w sztuce muzycznej, co pozwala wykorzystania zdobytej wiedzy w wykonywaniu czynności.

Przeznaczenie przedmiotu to rozwój zdolności muzycznych i twórczych ucznia w oparciu o kształtowanie zestawu wiedzy, umiejętności i zdolności, które pozwalają mu samodzielnie postrzegać, opanowywać i oceniać różne dzieła kompozytorów krajowych i zagranicznych, a także identyfikować uzdolnione dzieci w tej dziedzinie sztuki muzycznej, przygotowując ich do przyjęcia do profesjonalnych placówek oświatowych.

Cele przedmiotu„Literatura muzyczna” to:

• rozwijanie zainteresowań i miłości do muzyki klasycznej i kultury muzycznej w ogóle;
• wychowanie percepcja muzyczna: dzieła muzyczne różne style i gatunki powstałe w różnych okresach historycznych i w różnych krajach;
• opanowanie umiejętności postrzegania elementów języka muzycznego;
• znajomość specyfiki różnych gatunków muzycznych, teatralnych i instrumentalnych;
• znajomość różnych epok i stylów w historii i sztuce;
• umiejętność pracy z tekstem muzycznym (clavier, partytura);
• umiejętność wykorzystania zdobytej wiedzy teoretycznej podczas wykonywania utworów muzycznych na instrumencie;
• kształtowanie świadomej motywacji wśród najzdolniejszych absolwentów do kontynuowania nauki szkolenie zawodowe i przygotowanie ich do egzaminów wstępnych do placówek oświatowych realizujących programy zawodowe.

Okres realizacji przedmiotu edukacyjnego „Literatura muzyczna” dla dzieci, które rozpoczęły naukę w placówce edukacyjnej w pierwszej klasie w wieku od sześciu lat i sześciu miesięcy do dziewięciu lat, wynosi 5 lat (od klasy 4 do 8). Okres realizacji przedmiotu edukacyjnego „Literatura muzyczna” dla dzieci, które rozpoczęły naukę w placówce edukacyjnej w pierwszej klasie w wieku od dziesięciu do dwunastu lat, wynosi 5 lat (od klas 1 do 5). Okres realizacji przedmiotu edukacyjnego „Literatura muzyczna” dla dzieci, które nie ukończyły programu kształcenia podstawowego ogólnego lub średniego (pełnego) ogólnego i które planują podjąć naukę w placówkach oświatowych realizujących podstawowe programy kształcenia zawodowego w zakresie: sztukę muzyczną można zwiększyć o jeden rok.

Ilość godzin dydaktycznych przewidziana w programie nauczania placówki oświatowej na realizację przedmiotu akademickiego

Maksymalny wymiar zajęć z przedmiotu „Literatura muzyczna” wynosi 346,5 godzin, co stanowi 1 godzinę akademicką tygodniowo w klasach 4-7 (1-4) i 1,5 godziny tygodniowo w klasie końcowej 8 (5), a także 9 (6) klasa. (Załącznik nr 1)

Forma prowadzenia zajęć z przedmiotu „Literatura muzyczna” to zajęcia w małych grupach, liczących od 4 do 10 osób.

Nauczanie literatury muzycznej w dziecięcych szkołach artystycznych i dziecięcych szkołach muzycznych to zapoznanie się z twórczością kompozytorów. Ciekawy, bogaty, ale jednocześnie trudny do nauczenia się materiał o dużej objętości będzie musiał zostać przekazany uczniom różne grupy wiekowe(dzieci w wieku 10 – 15 lat mogą uczyć się w jednej grupie). A wrażenie, jakie dzieci będą miały na temat kultury muzycznej i pozostanie z nimi do końca życia, w dużej mierze zależy od tego, jakie metody i podejścia zastosuje nauczyciel na swoich lekcjach.