Urodzony 24 czerwca w Moskwie. Ojciec - Nazarenko Grigorij Nikołajewicz (1910-1990). Matka - Abramova Nina Nikołajewna (ur. 1920). Małżonek - Zhigulin Alexander Anatolyevich (ur. 1951). Dzieci: Nazarenko Nikołaj Wasiljewicz (ur. 1971), Zhigulin Aleksander Aleksandrowicz (ur. 1987).

Ojciec Tatyany Nazarenko, żołnierz pierwszej linii frontu, wojskowy, po wojnie został skierowany na Daleki Wschód, a rodzice wyjechali. Tanya przebywała w Moskwie ze swoją babcią Anną Siemionowną Abramową. Pokazała jej najpierw oceny szkolne, a potem rysunki i obrazy.

JAK. Abramowa jest wdową od 1937 r. Jej mąż, Nikołaj Nikołajewicz Abramow, był bezprawnie represjonowany i zmarł w areszcie. Pozostawiona sama, pracowała jako nauczycielka w przedszkolu, pielęgniarka, wychowywała i pomagała dwóm córkom zdobyć wyższe wykształcenie, wychowała wnuczkę Tatianę, a następnie pomagała wychowywać najstarszego syna Nikołaja. Babcia miała w sobie niewyczerpane źródło miłości, ale wydaje się, że jej główną miłością nadal była Tanya, która także ją kochała. Anna Siemionowna Abramowa żyła w obrazach artystki Tatyany Nazarenko: „Poranek Babcia i Nikolka” (1972), „Portret A.S. Abramowej” (1976), „Wspomnienia” (1982), „Życie” (1983), „ Białe studnie. Ku pamięci mojej babci” (1987).

W wieku 11 lat Tatyana wstąpiła do Moskiewskiej Szkoły Artystycznej. Szybko utworzył się tam krąg przyjaciół: Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Lyubov Reshetnikova, Ksenia Nechitailo - przyszli bystrzy mistrzowie lat 70. Był to czas burzliwy, hojny, bogaty w różnorodne wydarzenia życia kulturalnego, czas powstania rodzimej sztuki, zapoznania się z wybitnymi dziełami klasyki krajowej i zagranicznej XX wieku, które do tej pory były zakazane i nieznane młodym ludziom .

W 1962 roku Tatyana Nazarenko wstąpiła na wydział malarstwa VI Instytutu Sztuki. Surikowa, gdzie jej nauczycielami byli D.D. Żylinski, A.M. Gritsai, S.N. Szylnikow. Po ukończeniu instytutu, w latach 1968–1972, pracowała w pracowni twórczej Akademii Sztuk ZSRR pod kierunkiem G.M. Korżewa.

Twórczość Tatiany Nazarenko ukształtowała się pod wpływem burzliwych wydarzeń lat 60. i wspomnień tragicznych wydarzeń lat 30. XX wieku. Łączy w sobie pełnokrwistą postawę, miłość do życia, umiejętność przeżywania codziennych wydarzeń jak święta - i ciągły niepokój, który pozwala zamienić te święta w dziwne i złożone wydarzenia, gdzie wszystko jest prawdą i nieprawdą, gdzie jest tyle samo zabawy co smutku, gdzie wiele warstw percepcji, wiele przestrzeni nakładających się na siebie, gdzie czas jest niestały, splatają się trafność obserwacji terenowych i najbardziej nieokiełznana wyobraźnia.

Twórczość Tatyany Nazarenko ma silny element analityczny. Niezależnie od gatunku malarstwa, w którym pracuje, główna treść jej obrazów wyraża się nie tylko i nie tyle poprzez fabułę, ale poprzez ogólną atmosferę duchową, która determinuje stan psychiczny bohaterów, emocjonalną kolorystykę pejzaży, przedmiotów, i bardzo plastyczny język jej sztuki. Ta duchowość malarstwa połączona z analitycznym podejściem do przedstawianych zjawisk stanowi o wymownej oryginalności prac artysty.

Adekwatność czasu, głęboka nowoczesność to jedne z cech charakterystycznych twórczości artysty. Nazarenko wnosi do swoich dzieł coś nieuchwytnego, co jednak niewątpliwie czyni je wytworem naszych czasów, sposobem myślenia naszych współczesnych. Widz czuje w jej sztuce pulsujący czas.

Cechy te zaczęły pojawiać się już w pierwszych samodzielnych pracach artystki, w wielokierunkowych poszukiwaniach pierwszych lat studiów podyplomowych.

Pod koniec studiów w instytucie, w latach 1965-67, Nazarenko udał się do Azji Środkowej. Kazachstan, Uzbekistan i Kirgistan przez kilka lat wyznaczały zakres tematyczny jej prac. Środkowoazjatyckie obrazy Nazarenki („Matka z dzieckiem”, „Macierzyństwo”, „Samarkanda. Dziedziniec”, „Uzbecki ślub”, „Modlitwa”, „Chłopcy w Bucharze”) odzwierciedlały jej żywe obserwacje. Ale nie tylko. Prace te zdawały się zawierać cały bagaż jej studenckich nabytków. Ale pokazują już inną integralną cechę młodego artysty – oryginalność. Pod utartymi formami „sztuki lat sześćdziesiątych” wyłania się z nich inna treść. Wszystko w nich jest o wiele bardziej niestabilne i niejednoznaczne, są niezwykle muzyczne, pojawiają się w nich cechy prymitywne: chęć usunięcia przedstawienia, wprowadzenia uśmiechu, prostoty i zabawy.

I to nie przypadek, że zaraz po środkowoazjatyckim serialu Nazarenko powraca do tematów znacznie mu bliższych. Maluje obrazy, których głównymi bohaterami są ona sama i jej przyjaciele. Tematem jej sztuki staje się życie pokolenia.

Początek lat 70. dla Nazarenki, jak dla większości artystów jej pokolenia, był czasem poszukiwań gatunku, maniery i tematu. Artystka próbuje swoich sił zarówno w manierze „prymitywistycznej”, jak i w systemie ścisłego neoklasycyzmu, malując płótna romantyczne, dekoracyjne i zabawne. W tych latach napisała tak różnorodne dzieła, jak „Egzekucja Narodnej Woli” (1969–1972), „Drzewo w Nowym Athos” (1969), „Niedziela w lesie” (1970), „Portret aktorki cyrkowej” (1970), „Pożegnanie zimy” (1973), „Noworoczny” (1973), „Poranek. Babcia i Nikolka” (1972), „Młodzi artyści” (1968), „Moi współcześni” (1973), „Obiad” (1970), „Portret Igora Kupriaszyna” (1974).

Wśród jej bohaterów prawie zawsze można znaleźć swój własny wizerunek - i miarę bystrej bezwzględności oka, umiejętności podkreślania ostrego charakteru kosztem idylliczno-dostatniego, równie mocno w stosunku do siebie, jak do każdego innego Model.

Charakterystyczne w tym sensie są portrety grupowe, zaprojektowane na wzór malarstwa gatunkowego („Studenci”, 1969; „Młodzi artyści”, 1968; „Moi współcześni”, 1973; „Mglisty dzień na Shikotanie”, 1976; „Po egzaminie”, 1976). . Ich bohaterowie są rozpoznawalni i portretowi, zderzenia wiarygodne: wakacje młodzieży, rozmowy w warsztacie... A jednocześnie jest w nich coś tajemniczego, co zamienia codzienne sceny w romantyczne fantazje.

Historyczne kompozycje Tatyany Nazarenko odzwierciedlają spojrzenie na przeszłość naszego współczesnego człowieka. Jej obrazy przedstawiają jednocześnie przeszłość i teraźniejszość, wydarzenie historyczne – i nasze obecne jego rozumienie. Charakterystyczne jest samo podejście do rozwiązania tematu: w obrazach historycznych – „Rozstrzelanie ochotników ludowych”, „Przyszli partyzanci” (1975), „Dekabryści. Powstanie Pułku Czernigowa” (1978), „Pugaczow” (1980) – artysta wybiera momenty tragiczne, kulminacyjne, wymagające najwyższego napięcia sił duchowych uczestników akcji. Cisza i cisza są tu istotne.

Obraz Tatiany Nazarenko „Rozstrzelanie Narodnej Woli” pojawił się na Moskiewskiej Wystawie Młodzieży w 1972 roku. Zdjęcie zostało zauważone przez wszystkich – choć nie wszyscy je zaakceptowali. W misterny sposób łączył przywiązanie do wzorców renesansu, skłonność do uogólnionych refleksji i tragiczne poczucie bezbronności bojowników o wolność, o duchowe ideały, wobec miażdżącej, bezimiennej siły machiny ucisku. Za obraz „Rozstrzelanie Narodnej Woli” Nazarenko otrzymał Moskiewską Nagrodę Komsomołu. W 1976 roku otrzymała I nagrodę na Międzynarodowym Konkursie Młodych Malarzy w Sofii (Bułgaria).

Współczucie, poczucie odpowiedzialności społecznej – te cechy rozwinęły się później i umocniły w sztuce Tatyany Nazarenko, uzyskując różne, czasem dziwaczne formy ucieleśnienia, przeplatające się z motywami karnawałów, świąt, uroczystości, z romantycznymi autoportretami, z artystycznymi zabawami. I wszędzie, niewidocznie i wyraźnie, obecny jest niepokój, poczucie, że za niepewnym dobrobytem naszej codzienności kryje się surowy los innych pokoleń, ich ból i cierpienie.

Nazarenko uwielbia pisać karnawały. Jedną z pierwszych „karnawałowych” prac artystki są „Święta Nowego Roku” (1973), w których stara się ukazać wewnętrzny sens karnawału, gamę różnorodnych i dość skomplikowanych uczuć doświadczanych przez przypadkowe osoby.

Z biegiem lat element zabawy nasila się w twórczości artysty. Z dzieł znika narracyjność, pojawia się alegoria. W charakterze alegorycznym posługuje się także reminiscencjami sztuki przeszłości - czy to niemal bezpośrednimi cytatami z dzieł klasycznych, kostiumami historycznymi naszych współczesnych, czy też obecnością przedmiotów z przeszłości w kompozycjach poświęconych współczesności.

W drugiej połowie lat 70. i na początku 80. Nazarenko namalował kilka portretów zbiorowych przyjaciół zebranych z uroczystej okazji. Są to obrazy „Sylwester” (1976), „Wieczór moskiewski” (1978), „Karnawał” (1979), „Dzień Tatiany” (1982), „Wrzesień w Odessie” (1985) i wiele innych. jak te napisane wcześniej płótna „Młodzi artyści” (1968) i „Moi współcześni” (1974).

O ile we wczesnych portretach grupowych Nazarenki wyraźnie dało się odczuć ciszę, skupienie, chęć bohaterów do usłyszenia siebie nawzajem, wysłuchania prawdy, to w kolejnych pracach („Karnawał”, „Dzień Tatiany” itp.) żywioł nieokiełznany króluje karnawał. Kostiumy i pozy są ekstrawaganckie, duch festiwalu ma w sobie nie tylko ludzi, ale także przedmioty. Jest to jednak święto bez zabawy, komunikacji bez wzajemnego zrozumienia i duchowej bliskości. Tak ważny dla artystki motyw samotności, misternie łączy się w jej twórczości z motywem karnawału („Portret w przebraniu”, 1982).

Elementy karnawału pojawiają się także w obrazach „Karuzela” (1982) i dyptyku „Taniec” (1980).

W pracach Nazarenki pojawia się chęć kontaktu z widzem, chęć otwarcia się na uważne, współczujące spojrzenie. Artystka napisała kilka prac, w których niemal wprost mówi o konfesyjnym charakterze swojej sztuki, o tym, jak bolesne i trudne jest pokazanie się bez ochrony, wystawionego przed sądem powszechnej obojętności („Kwiaty. Autoportret”, 1979; „Cyrk”. Dziewczyna”, 1984; „Widzowie”, 1988; „Posiłek”, 1992).

Jednym z najbardziej niezwykłych obrazów Tatyany Nazarenko jest tryptyk „Warsztat” (1983). Artysta przedstawia widzowi prawdziwy warsztat, w którym powstawały prawdziwe obrazy („Dzień Tatiany” i „Karnawał”), a jednocześnie proces realizacji swojego planu.

W twórczości Nazarenki istnieje jeszcze inna forma „spowiedzi”. W takich pracach nie potrzebuje ironii, nie potrzebuje kolorowych strojów karnawału: tutaj ucieleśnia się to, co najbliższe, najcieplejsze... I prawie zawsze na tych obrazach pojawia się wizerunek babci: „Poranek. Babcia i Nikolka”, tryptyk „Życie” (1983) i inne. W 1982 roku powstał obraz „Wspomnienia”, w którym artysta zdawał się materializować skojarzenia życiowe, jakie pojawiły się podczas oglądania starych fotografii.

Do głównych dzieł Tatyany Nazarenko należą także: „Koncert domowy” (1986), dyptyk „Szczęśliwa starość” (1988), „Mała orkiestra” (1989), „Wrak” (1990), „Pomnik historii” (tryptyk , 1992), „Czas” (tryptyk, 1992), „Szalony świat” (1992), „Czar” (1995), „Bezdomny” (2001).

Tatyana Nazarenko jest artystką społeczną. „Zawsze interesowali mnie ludzie” – mówi. „Nie mogę odwrócić się i odsunąć na bok cudzego nieszczęścia”. Skłonić ludzi do myślenia, wzbudzić w nich współczucie – to główny cel mojej pracy. Wyraźnym tego dowodem była wystawa „Przejście” (1995-96) – instalacja 80 „sztuczek” ze sklejki pomalowanej na wymiar człowieka. Na wystawie zwiedzający musieli zatrzymać się i przyjrzeć twarzom nieszczęsnych starszych kobiet, osób niepełnosprawnych, wędrownych muzyków – wszystkich tych, których na co dzień widują w podziemnych przejściach, ale najczęściej przechodzą obok, nie zatrzymując się, żeby popatrzeć. Wystawa odniosła ogromny sukces (później oglądali ją mieszkańcy Niemiec, USA i Finlandii), a „Przejście” stało się dla artysty dosłownie przejściem do nowego etapu życia, do nowej sztuki.

W 1997 roku odbyła się jej wystawa „Mój Paryż”, na której znalazły się także figury ze sklejki – paryskie kawiarniane garçons w długich białych fartuchach, sprzedawcy ryb… Kolejna wystawa Tatiany Nazarenko „Stół moskiewski” odbyła się w tym samym roku w Marata Gelmana, a następnie pokazana w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu w programie wystawy „Sztuka kontra geografia”. W maju-wrześniu 2002 roku w Muzeum Kuskowo odbyła się wystawa artysty „Cieszę się, że dałem się oszukać...” (Sztuka oszustwa).

Od 1966 roku, kiedy Nazarenko po raz pierwszy pokazała swoje prace na VII Moskiewskiej Wystawie Młodzieży, stale uczestniczy w wystawach miejskich i ogólnorosyjskich, wystawach sztuk pięknych w Rosji i za granicą. Pierwsze wystawy indywidualne odbyły się w Leverkusen (1986), Bremie, Oldenburgu, Odessie, Kijowie, Lwowie (wszystkie w 1987). Od tego czasu indywidualne wystawy artysty odbywały się w Moskwie (pierwsza w 1989 r.), Kolonii, Waszyngtonie, Nowym Jorku, Bostonie, Madrycie, Tallinie, Helsinkach i innych miastach. Prace Tatiany Nazarenko znajdują się w zbiorach Państwowej Galerii Trietiakowskiej (Moskwa), Państwowego Muzeum Rosyjskiego (St. Petersburg), Narodowego Muzeum Kobiet w Sztuce (Waszyngton), Narodowego Muzeum Żydowskiego (Waszyngton), Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Sofia), Muzeum Sztuki Nowoczesnej (Budapeszt) i innych muzeów sztuki na całym świecie, w kolekcjach prywatnych.

Twórczość Tatiany Nazarenko została uhonorowana wysokimi nagrodami: Nagrodą Państwową Federacji Rosyjskiej (1993), Nagrodą Rządu Moskiewskiego (1999), srebrnym medalem Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1985).

T.G. Nazarenko – Zasłużony Artysta Rosji (2002), od 1997 – członek korespondent, od 2001 – członek zwyczajny, członek prezydium Rosyjskiej Akademii Sztuk; Profesor Katedry Malarstwa, kierownik Pracowni Malarstwa Sztalugowego Moskiewskiego Państwowego Akademickiego Instytutu Sztuki im. V.I. Surikova (1998). Od 1969 członek Związku Artystów Plastyków.

Mieszka i pracuje w Moskwie.

Czy Tatyana Nazarenko jest przedstawicielką sztuki „oficjalnej”?

Tatiana Nazarenko (*1944) - „królowa Związku Artystów” w swoim wywiadzie opowiada o trudnym losie „lewicowej” artystki we wczorajszym oficjalnym Związku. Niejednokrotnie jej prace były cenzurowane przez lojalnych urzędników zajmujących się sztuką i usuwane z oficjalnych wystaw. Uważano, że Nazarenko „oszpeca naród radziecki”. Dziś, zdaniem artysty, istnieje niebezpieczeństwo nowego braku wolności. Rynek sztuki zaczyna dyktować artyście „co i jak ma robić”.

Kredo:
"Robię ciągle to samo, zmieniając ten sam motyw - motyw samotności. Samotność wydaje mi się jednym z najważniejszych dramatów człowieka. W różnych pracach: na dużych płótnach historycznych, w portretach czy malarstwie rodzajowym, to Temat bardzo wiele w moich płótnach wyznacza. Skłaniać ludzi do myślenia, budzić w nich współczucie – to jest główny cel mojej twórczości.

Urodził się, mieszka i pracuje w Moskwie.

1968 - ukończył Moskiewski Instytut Sztuki Surikowa.

1969 - 1972 - praca w pracowniach Akademii Sztuk Pięknych.

1969 - wstąpił do Związku Artystów ZSRR.

Od 1966 roku brał udział w licznych wystawach, w tym zagranicznych.

1976 - I nagroda na międzynarodowym konkursie młodych malarzy w Sofii.

1987 - Srebrny medal Akademii Sztuk Pięknych ZSRR.

1993 - Laureat Nagrody Państwowej Federacji Rosyjskiej w dziedzinie literatury i sztuk pięknych.

Moja pierwsza znajomość z twórczością Tatyany Nazarenko miała miejsce gdzieś w połowie lat 70. Należałem wówczas do sekcji młodzieżowej Związku Artystów Plastyków. Młoda historyczka sztuki podzieliła się z nami swoimi przemyśleniami na temat nowych trendów w malarstwie sowieckim. Kiedy na ekranie pojawił się obraz Nazarenki „Przyszli partyzanci” (1975, Ministerstwo Kultury RFSRR), na sali rozległy się okrzyki zdziwienia. Ktoś natychmiast zaczął atakować i ostro krytykować dzieło. Jej decyzja była uderzająco niezwykła. Scena zdjęcia torturowanych z szubienicy została przedstawiona jako zdjęcie z krzyża na płótnach dawnych mistrzów. I to w kraju ateizmu. Było widać: do sztuki przyszła jasna indywidualność, poważny, poszukujący artysta. Już wkrótce Nazarenko stanie się jednym z czołowych artystów pokolenia. Spotka się z nagrodami, pochwałami, ale często też krytyką i odrzuceniem. Pierwsze wrażenie. Jaka ona jest mała. A jednocześnie dosłownie promieniująca energią. A także niezwykle jasny błękit jej oczu.

Czy jestem taki mały? „Zawsze uważałem się za osobę potężną” – śmieje się artysta.

Mój tata jest wojskowym, moja mama jest lekarzem. Wychowywała mnie babcia, ponieważ moi rodzice ciągle musieli mieszkać w różnych miastach. I mieszkałem z nią w Moskwie.

Babcia na zawsze pozostanie główną osobą w jej życiu. Kiedy Tatiana urodzi syna, pomoże go „wychować”. Nazarenko będzie to stale pisać. Na obrazie „Poranek. Babcia i Nikolka” (1972, Dyrekcja Wystaw Związku Artystów Plastyków) ukazuje ją pieczołowicie chroniącą sen wnuka. Artystka porównuje dwa światy – mądry i życzliwy świat starości oraz ten beztroski, kiedy każdy dzień jest świętem i odkryciem – dzieciństwa. Starannie i z miłością zapisuje każdą z niezliczonych zmarszczek na twarzy swojej babci oraz w jej smutnych i czułych oczach.

Dzieciństwo Nazarenki było normalnym dzieciństwem dziecka z „dobrej” rodziny. Szkoła Muzyczna. W wieku 11 lat rozpoczęła naukę w szkole plastycznej.

- Czy twoi rodzice zareagowali spokojnie na twój wybór bycia artystą?

W ogóle nie zareagowali. Poszedłem do szkoły artystycznej, cóż, uczę się i studiuję. To prawda, gdy jedna z moich znajomych powiedziała, że ​​artysta powinien mieć bogatego męża lub bogatych rodziców, zaniepokoiło ją to. Bardzo się martwili, że nigdy nie zarobię pieniędzy i będę musiała mnie karmić przez całe życie.

Teraz, gdy zostałem laureatem Nagrody Państwowej, potraktowano mnie poważnie. Ale ogólnie rzecz biorąc, moja mama wciąż czasami mówi, byłoby lepiej, gdybyś ukończył instytut radiowy i był normalnym człowiekiem. Tak się złożyło, że klasa Tatyany w szkole artystycznej okazała się niezwykle bogata w talenty. Natalya Nesterova, Irina Starzhenetskaya, Ksenia Nechitailo zostali jej kolegami z klasy i przyjaciółmi. Każdy z nich odnajdzie później swój własny, niepowtarzalny styl, świat obrazów. Dziś wszyscy są uznawani za „mistrzów” sztuki lat 70. – 80. XX wieku.

Dla Nazarenko i artystów jej pokolenia okres formacji i dojrzewania zbiegł się z czasem cudownym, niezapomnianym - okresem „odwilży”. To był czas nadziei. Czas prawdziwego odrodzenia i poszukiwań w kulturze i sztuce. Na zawsze zapamiętam swoje pierwsze spotkania ze współczesną sztuką Zachodu. Na przełomie lat 50. i 60. w Moskwie i Leningradzie odbywały się wystawy Pabla Picassa, Fernanda Légera oraz współczesnych artystów amerykańskich, angielskich, francuskich i belgijskich. Tysięczne tłumy oblegały muzea. Ludzie stoją w kolejce od nocy.

Jednym z najpotężniejszych wrażeń tamtych lat, wspomina Nazarenko, była wystawa „30 lat Moskiewskiego Związku Artystów”. Na nim, obok znanego, widzieliśmy taką sztukę radziecką, o istnieniu której nawet nie podejrzewaliśmy.

Pokazano tam także twórczość młodych lewicowych członków Związku: Andronowa, braci Nikonowów itp. Później zostali nazwani mistrzami „stylu surowego”. Wtedy ona, początkująca artystka, i jej przyjaciele nie mogli sobie nawet wyobrazić, że będą musieli kontynuować walkę rozpoczętą w „latach sześćdziesiątych” o dalszą odnowę i humanizację sztuki radzieckiej.

Następnie będzie studiował w Instytucie Sztuki. Surikow. Już na studiach zdałam sobie sprawę, że obrona siebie i swojego rozumienia sztuki nie będzie łatwa.

- "W szkole, potem w instytucie panowała pewna ambiwalencja w stosunku do naszej pracy. Nakazano nam żyć jak Wędrowcy. […] Oto historia tego, jak pisałam dyplom. Zdałam egzamin temat macierzyństwa. Wiedziałam na pewno, że chcę: w jurcie dwie kobiety – młoda i stara – przy kołysce z dzieckiem. Podświetlane postacie, czarne tło. Idea „Pokłonu Trzech Króli”. A. M. Gritsai [kierownik warsztatu - N. Sh.] powiedział: „Tanya, nie znasz życia, nie znasz szczęścia macierzyństwa. Czarne tło nie jest możliwe przy rozwiązywaniu takiego motywu. Ciemność jest zaprzeczeniem. Masz dużo naturalnych materiałów - podążaj za naturą. Posłuchałem - w rezultacie powstała praca, której nie zrobiłbym inaczej, gdybym nie był przekonany.

W swoich poszukiwaniach tworzenia „prawdziwej” sztuki Nazarenko, jak wielu poszukujących artystów swojego pokolenia, zwraca się do tradycji sztuki klasycznej. Jej głównymi „nauczycielami” są mistrzowie północno-holenderskiego renesansu. Bez względu na to, jak daleko zaszli w swoich poszukiwaniach młodzi członkowie Związku, zawsze istniała pewna granica, granica dopuszczalności: musieli mieścić się w ramach realistycznego malarstwa figuratywnego.

- Otrzymałeś wykształcenie akademickie. Czy sztuka realistyczna jest naprawdę Twoja?

Może to nie było moje. Kiedy studiowałam, nie wiedzieliśmy, że możemy pracować inaczej.

- Niektórzy artyści odważyli się zerwać z Akademią i jej systemem. (Przytaczam przykład Leningradarki Eleny Gritsenko, która z sukcesem ukończyła Akademię, a następnie porzuciła karierę „oficjalnej” artystki i związała swój los z undergroundem).

To wymaga charakteru. Miałem główną osobę - moją babcię, której nie chciałem denerwować. A niektóre rzeczy – opuszczenie instytutu i coś innego – nawet nie mogły mi przyjść do głowy, bo oznaczałoby to upadek fundamentów mojej babci. Zaprzyjaźniłem się z wieloma undergroundowymi artystami, miałem bliski kontakt z Kabakowem, Bułatowem, Wasiliewem, ale nie było mnie na to stać. Poza tym, jeśli chodzi o realizm, miałem wiele opcji.

– Już pierwsze Twoje prace, które pojawiały się na wystawach, różniły się od zwykłych, tradycyjnych. Czy istniała świadoma chęć nie podążania utartymi ścieżkami?

Niedawno odwiedziłem Instytut Surikowa. Po prostu nie mogłam uwierzyć własnym oczom. Sam budynek został zmodernizowany i przebudowany. Obecnie mamy połowę lat 90-tych. Wiszą tam jako próbki obrazy i rysunki z samego prawego skrzydła Unii. Wydawało mi się, że już dawno ich nie było. Uczyliśmy się od innych. Ten sam Żylinski. Z jego pomocą odkryliśmy renesans i byliśmy pod jego wrażeniem. To zrodziło moją pasję do Boscha, Bruegla, Masaccio, Uccello. Ich prace są dla mnie nadal szczytem sztuki. Do tej pory, gdy jest Ci smutno lub coś nie wychodzi, patrzysz, jak pomalowane jest ucho „kanonicznego” Van Eycka i od razu masz ochotę zrobić coś podobnego.

Mistrzowie „surowego stylu” przedstawiali „zwykłego człowieka w zwykłym otoczeniu”. Ich charaktery manifestowały się i realizowały w codziennej pracy i kontaktach społecznych. Bohater lat siedemdziesiątych jest mniej wyrazisty, bardziej skłonny do refleksji. Sama struktura obrazowa staje się coraz bardziej złożona. „Otwartość” wypowiedzi zostaje zastąpiona alegorią, metaforą i alegorią.

Nowego bohatera i tę dwuwymiarowość narracji poznajemy w portretach zbiorowych tworzonych przez Nazarenkę w latach 70. XX wieku („Moi współcześni”, 1973, Muzeum Sztuki w Saratowie im. Radiszczowa; „Wieczór moskiewski” 1978, Galeria Trietiakowska). Ich bohaterami są sama artystka i jej krąg bliskich przyjaciół. Jej twórczość ma charakter autobiograficzny i autoportretowy. Jej własny los, los jej bliskich i życie jej pokolenia stają się wiodącymi tematami artystki.

W „Wieczorze moskiewskim” Nazarenko odtwarza poufną, twórczą atmosferę przyjaznych spotkań młodych lat siedemdziesiątych. O zmierzchu w studiu siedzi kilku artystów. „Dźwięk siedmiostrunowej gitary” skłania do refleksji. Za oknem Moskwa. W oddali widać wieże i kopuły kościołów Kremla. Z ciemności wyłania się postać pięknej nieznajomej w pudrowanej peruce – postać z jednego ze słynnych rosyjskich portretów XVIII wieku.

W pracach tych wyraźnie zarysowały się już główne cechy zawsze rozpoznawalnego stylu Nazarenki. Uważne, pełne miłości odtworzenie znaków otaczającego świata, przybliżające jej twórczość do dzieł dawnych mistrzów holenderskich. Groteskowe wyolbrzymienie postaci. Znalazły tu odzwierciedlenie lekcje Bruegla, Boscha i rosyjskiego ludu „prymitywnego”. Krytycy będą oskarżać artystę o „oszpecanie narodu radzieckiego”.

- "Mówią mi: ludzie na Twoich obrazach są jacyś groteskowi. Nie zgadzam się. Zawsze wyolbrzymiamy nasze mocne strony, a bagatelizujemy wady. Po prostu widzę ludzi takimi, jacy są. I to nie zawsze jest piękne." Z biegiem czasu w twórczości Nazarenki narasta motyw samotności i braku jedności, często łączony z obrazami ogólnej zabawy, przyjaciół artysty zbierających się na uczcie, karnawale („Dzień Tatiany”, 1982, zbiory prywatne, Niemcy; „Karnawał”, 1979, Dyrekcja Wystaw Związku Artystów). Karnawały, maskarady, festiwale folklorystyczne to jeden z ulubionych tematów lat siedemdziesiątych. To swoista metafora aktorstwa, a jednocześnie braku jedności, samotności w tłumie i poszukiwania kontaktu z innymi.

Swego czasu wejście mistrzów „surowego stylu” do sztuki nie było łatwe i wywołało burzliwą dyskusję. Potem się do nich przyzwyczaili, ich poszukiwania zyskały „oficjalne” uznanie, wielu z nich zostało mistrzami. To samo powtórzyło się z najodważniejszymi, utalentowanymi, poszukującymi „latami siedemdziesiątymi”. Teraz ataki krytyki stały się ich udziałem. Ulubionymi oskarżeniami były oskarżenia o „zamkniętość” i „niejasność” ich twórczości.

- "Może gdybym urodził się dekadę wcześniej, byłbym z Popkowem, z Nikonowem. A lata sześćdziesiąte byłyby dla mnie najcudowniejszymi latami. Byli szczerzy... Dlaczego z latami siedemdziesiątymi nie jest jasne?. ... Patos trudnej codzienności musiał odejść. To naturalna zmiana. Przyszła duchowość, zamknięcie, pisanie... To kontrastowało z bohaterem lat sześćdziesiątych z otwartą klatką piersiową: „popatrz, kim jestem!” ... Lata 70. zmusiły nas do sięgnięcia po alegorię: czas niejednoznaczny, kiedy wydaje się, że można wiele, a jednocześnie znowu nie, wszystko znów jest zamknięte.

Tatyana Nazarenko pracuje w różnych gatunkach. I niemal od pierwszych kroków próbował swoich sił w filmie historycznym. Malarstwo historyczne lub tematyczne zajęło wiodące miejsce w sztuce socrealizmu, podobnie jak wcześniej w akademizmie. Znamienne, że w sztuce radzieckiej pozostał on przywilejem artysty-mężczyzny. Począwszy od „Rozstrzelania Narodnej Woli” (1969-1972, Galeria Trietiakowska), każdy kolejny obraz Nazarenki o tematyce historycznej staje się wydarzeniem. W przeciwieństwie do tradycyjnych obrazów historycznych socrealizmu, które były budującym przykładem „bohaterskiej” przeszłości, obraz historyczny dla Nazarenki stał się dialogiem-refleksją skierowaną do widza-rozmówcy na temat przeszłości i jej nierozerwalnego związku z teraźniejszością , o historii jako wciąż powtarzającej się tragedii samotności. Bohaterami artysty są jednostki, które dotkliwie przeczuły niesprawiedliwość otaczającej rzeczywistości, podjęły walkę o jej zmianę i natrafiły na mur nieporozumień. O tym opowiada jej słynny dyptyk „Pugaczow” (1980).

Buntownik, przywódca powstania chłopskiego Emelyan Pugaczow, zabierany jest w klatce do Moskwy na egzekucję. Artysta nie dąży do rekonstrukcji wydarzenia. Centralna scena przypomina popularne ryciny i starożytne oleografy. Uproszczony, zabawkowy krajobraz, lalki przedstawiające żołnierzy w jasnych mundurach. Posługując się tą konwencją, świadomie dystansuje siebie i widza od tego, co się dzieje. To zdarzyło się kiedyś, dawno temu – mówi artysta. Część druga została napisana w zupełnie inny, ostrożny sposób, przypominający „sztuczki” z XVII wieku. Prezentuje starożytne portrety, dokumenty i tomy pochodzące z epoki panowania Katarzyny II i buntu Pugaczowa. To „naoczni świadkowie” wydarzenia. Z ich pomocą każdy może ożywić dla siebie przeszłość i zbliżyć się do niej.

- "Moje obrazy historyczne są oczywiście związane z dniem dzisiejszym. "Pugaczow" to historia zdrady. Dzieje się to na każdym kroku. Współpracownicy Pugaczowa porzucają go, skazując na egzekucję. To zawsze się zdarza." Życie nawet najbardziej „lewicowego” artysty, członka Unii, było obarczone nieuniknioną dwoistością. Aby być „widocznym” i uczestniczyć w wystawach, trzeba było iść na taki czy inny kompromis.

- Jak udało Ci się pozostać sobą i nadal pokazywać swoje prace?

Zawsze wyraźnie odróżniałam to, co piszę dla siebie, od tego, co na wystawy. To, co dla siebie zrobiłem, nie miało żadnej nadziei, że kiedykolwiek uda mi się to pokazać. Pierwsza wystawa, na której udało mi się choć część z tego pokazać, odbyła się w 1975 roku. Przyjechała komisja i usunęła 3 prace. Zdecydowałem, że jeśli nakręcą 5 głównych prac, to w ogóle odmówię udziału. Może wtedy moje życie potoczyłoby się inaczej. Ale zostawili mi te 2 prace i oprogramowanie. Zaczęli rozmawiać o tej wystawie... W ogóle wszystkie swoje prace pokazałem dopiero w 1989 roku, na mojej pierwszej wystawie indywidualnej.

Mimo całej „zamkniętości” lat siedemdziesiątych, w ich pracach często można odczuć chęć kontaktu, gotowość otwarcia się na uważnego, zainteresowanego widza. Jednym z takich „konfesyjnych” obrazów był tryptyk Nazarenki „Warsztat” (1983, Galeria Trietiakowska). Artystka wprowadza nas w „laboratorium” swojej twórczości. Po lewej stronie przedstawiła siebie siedzącą tyłem do widza, pogrążoną w swojej pracy. Część środkowa przedstawia sam proces narodzin obrazu. Jak z zapomnienia na płótnie pojawiają się przezroczyste postacie przyszłych postaci. Materializują się na naszych oczach i nabierają określonych cech. Liczne obiekty znajdujące się w pracowni opowiadają o artystce, jej świecie, jej pasjach. Na ścianie wisi odlew maski pośmiertnej Puszkina, kobiecy portret Cranacha i oczywiście reprodukcja portretu „kanonika” Van Eycka, „głównego” nauczyciela Nazarenki. Na biurku znajdują się stare książki, świeca, ikona. Po prawej stronie widać otwarte okno warsztatu. Na parapecie znajduje się gitara, tubki z farbą, butelka rozpuszczalnika. Za oknem wyraźnie widać wieczorną Moskwę.

- Czy masz rodzinę, dzieci. Łączenie obu tych ról musiało być trudne?

- Oczywiście, że to trudne. Rozstałam się z pierwszym mężem, bo dał mi wybór. Właśnie wtedy urodziłam swoje pierwsze dziecko... (tu wzdycha, potem się śmieje) Bardzo trudno to zapamiętać. W tym czasie uczyłem się w pracowniach Akademii Sztuk Pięknych. Musiałam albo siedzieć z dzieckiem, albo zamieszkać z babcią, która się nim opiekowała. Kobiecie zawsze jest trudniej. Przez całe życie byłem rozdarty pomiędzy kreatywnością a dziećmi. Niejednokrotnie dzieci znanych pisarzy, aktorek i artystów w swoich wspomnieniach na ich temat rozliczają się z matkami za pozbawione dzieciństwo, zarzucając im egoistyczne skupienie się na twórczości. W „Autoportrecie z synem” (1977, Ministerstwo Kultury) obok artystki szkicującej coś w zeszycie, całkowicie pochłoniętej pracą, stoi jej najstarszy syn Nikolka. Chłopiec uważnie i z ciekawością obserwuje, jak pusta kartka papieru ożywa pod jej dłonią, zamieniając się w pejzaż. Ale zazdrość wkrada się także w spojrzenie syna. Być może oko artysty mimowolnie zarejestrowało pierwsze pędy browarniczego konfliktu.

- Czy Twoje dzieci czuły się pokrzywdzone?

Straszny. Jakieś dwa tygodnie temu w telewizji był program, w którym przeprowadzono wywiad z moimi dziećmi. Zawsze wydawało mi się, że jestem rozdarta pomiędzy pracą a dziećmi, że poświęcam im dużo czasu. Najstarszy ma już 24 lata, najmłodszy 8. Obydwoje niezależnie od siebie stwierdzili, że nie zwracam na nie uwagi. Młodszy opowiadał, że wychowywała go babcia: „A moja mama jest wspaniałą artystką i najczęściej chodzę na jej premiery”. Co za koszmar. Najstarszy powiedział, że nie chce być artystą, bo jego mama cały czas spędzała w pracowni.

- Okazuje się, że jeśli kobieta całkowicie poświęci się kreatywności, niezależnie od tego, jak dobrze traktuje swoje dzieci, one i tak czują się pozbawione

Nie, tego nie można wybaczyć. Cierpią szaleńczo. Nie planowałem mojej rodziny. Dzieci zawsze powstają przez przypadek. Drugie dziecko urodziła świadomie. A teraz poświęcam dużo czasu na pracę, bo rozumiem, że wielu ludzi tworzy sztukę, sztuka może obejść się beze mnie, ale on nie może obejść się beze mnie. Ale, jak się okazało, to mu nie wystarczy.

Począwszy od końca lat 70. w twórczości Nazarenki coraz częściej pojawia się temat bezbronności, „nagości” i bezbronności artysty przed oceną leniwej i obojętnej publiczności oraz władzy. Wyraźnie brzmi już w jednym ze swoich najlepszych autoportretów - obrazie „Kwiaty. Autoportret” (1979, Galeria Trietiakowska). Niemal całą przestrzeń płótna zajmuje bukiet świeżych, złotych lilii, a na ścianie wisi reprodukcja obrazu Van Eycka, którego jest idolką. Artystka stoi przyciśnięta do krawędzi płótna, ze spuszczonymi oczami i bezwładnie wyciągniętymi ramionami, odwracając się od tego, co zwykle sprawia jej przyjemność i jest nieustannym źródłem inspiracji.

Temat ten staje się motywem przewodnim w „Człowieku cyrkowym” (1984). Na zawrotnej wysokości, ponad dachami domów, artystka ubrana jedynie w bikini balansuje „bez siatki zabezpieczającej”. Poniżej publiczność oklaskuje jej ryzykowny występ. To urzędnicy ze Związku, ubrani formalnie: ciemne garnitury i krawaty. Nazarenko nadaje swoim obrazom rozpoznawalne cechy portretu. Nie znając konkretnych okoliczności, które przyczyniły się do powstania tej pracy, można ją z powodzeniem zaliczyć do prac związanych z dyskursem feministycznym, tematycznych poświęconym roli kobiet w społeczeństwie.

Nadal nie rozumiem tego ruchu feministycznego. Dla mnie to nonsens.

- Twoją „Cyrkową dziewczynę” można z powodzeniem nazwać dziełem „feministycznym”.

Mam szczęśliwe, twórcze przeznaczenie. Dlatego dość wcześnie zacząłem podróżować za granicę. A potem, kiedy nagle ci mówią: „Nigdzie indziej nie pójdziesz, nic nie zobaczysz, nie będziesz wystawiać”. Napisałam więc „Cyrkowa dziewczyna”. Co to za feminizm? Ja przez jakiś czas należała do jakichś klubów kobiecych. Nie jest ciekawie siedzieć z kobietami i dyskutować o pewnych sprawach. Mam tak mało czasu. Mam dziecko w domu. Na Zachodzie życie jest inne. One mają oczywiście swoje problemów, ale żyje się im znacznie zamożniej. Po tym, jak kupiliśmy dom na wsi, zrozumiałem, jacy są Rosjanie. Wcześniej tego nie wiedziałem. Jeśli dla porównania weźmiemy Niemcy i Amerykę, to jest zupełnie inaczej poziom życia. Zaczynając od toalet, dróg, telewizorów, szmat. Po codzienność determinuje świadomość. Mając to wszystko, kobiety z Zachodu mogą siedzieć, rozmawiać, zastanawiać się, czy stanąć w obronie swoich praw, swoich dzieci, czy też za ekologizacją, lub o wolność mniejszości seksualnych.

- Dla mnie na przykład bardzo ważne było „odkrycie” zapomnianych pisarzy i artystów, którym zawdzięczamy feministki. Poczucie, że kobiety mają tradycję w sztuce, dodaje pewności siebie.

Uważam, że kreatywność kobiet jest wyjątkiem. To jest nieprawidłowość.

- Ale wszelka kreatywność jest w pewnym stopniu nienormalnością.

Tak, w zasadzie kreatywność jest zawsze anomalią. I kobiece – w jeszcze większym stopniu. Cierpią na tym dzieci. To nie jest normalne, że kobieta nie ma dzieci.

- Jeśli mówimy o artystach i pisarzach, to nawet dzisiaj znacznie trudniej jest im się przebić.

Nigdy nie spotkałem się z dyskryminacją. Może dopiero u zarania młodości, kiedy zapragnąłem dostać się do monumentalnego warsztatu. Powiedziano mi, że jej lider Aleksander Deineka nie chce mieć dziewcząt w swoim warsztacie. Następnie Elena Romanova uczyła się u niego. Może to była tylko plotka i gdybym był bardziej wytrwały, może udałoby mi się tam dotrzeć.

- Zachodni artyści znacznie rzadziej niż ich koledzy biorą udział w prestiżowych wystawach, duże galerie wciąż niechętnie wystawiają prace kobiet.

Cóż, co jest ważne?

- Nie, raczej nieświadomie.

Oczywiście nieświadomie. Bo z reguły artystki są gorsze. Ponieważ po prostu nie mają możliwości pełnej realizacji. Udowadniam, że współcześni artyści w niczym nie ustępują swoim kolegom. Zgadza się i dochodzi od razu do feministycznego wniosku: – Jeśli stworzy się takie same warunki, kobiety nie będą się różnić od mężczyzn. Ale to nigdy się nie wydarzyło. Wracając do tematu dzieci...

- Dlaczego uważasz, że wychowywanie dzieci jest tylko Twoim zadaniem? Dlaczego mężczyzna nie może wziąć w tym udziału?

Absolutnie nie może. Kiedy urodziłam drugie dziecko, nie było to to, czego chciałam. Ale mój mąż nie miał dzieci. Chciał tego dziecka. Urodziłam w wieku 42 lat. Postanowiłam, że urodzę dziecko i pozwolę mężowi się nim opiekować, uczyć, jeździć na nartach. To biedne dziecko kocha tylko mnie. I tak ja, nieszczęśliwa 50-latka, muszę wcześnie wstawać, odrabiać z nim ćwiczenia, sprawdzać lekcje, uczyć się angielskiego, jeździć na nartach, na które boję się jeździć... Z wielką przyjemnością siedzę w warsztacie , ale co poradzę? już się pojawił.

Mimo to mężczyźni mają zalety. Są znacznie silniejsi fizycznie i odporniejsi.

- Ale mężczyźni też mają fizyczne ograniczenia. Jeden ustanawia rekord świata w pływaniu, a drugi gra w szachy.

Wychowywano nas, żebyśmy nie byli gorsi od mężczyzn, słabsi. Dlatego przyzwyczaiłem się do bycia na równych prawach. Sama noszę obrazy, sama wypełniam płótno... W niczym nie mogę ustąpić człowiekowi. Na przykład chcę siedzieć z ogromnymi „rzeczami”. Ale fizycznie nie jestem w stanie tego udźwignąć.

- Dlaczego to musi być ogromna praca?

Ale chciałam nie czuć się kobietą. Udowodniłem, że potrafię, jak każdy człowiek, dokonać czegoś wielkiego, pisząc na przykład trzy na trzy.

- Więc miałeś w ten czy inny sposób poczucie bycia drugorzędnym?

Tak, oczywiście. Bardzo interesowałem się bronią. Pisałem zdjęcia z bronią. Naprawdę nie chciałam z niczego rezygnować.

Pamiętam, że gdy byłam członkiem komisji wystawy, z reguły można było się domyślić, że jest to dzieło kobiet. Może wtedy, gdy artysta nie zamierzał tego ukrywać. Nie było ani gorzej, ani lepiej. To było inne. Z reguły drobne prace, portrety dzieci lub coś związanego z zabawkami lub martwą naturą. Coś trochę delikatniejszego.

- Prawdopodobnie dlatego, że życie artystek różni się nieco od życia ich kolegów. Mężczyzna może sobie pozwolić na całkowite porzucenie codziennych zmartwień, odpowiedzialności za wychowanie dzieci i całkowite oddanie się twórczości. Zatem wszystko to spada na barki kobiet. A sytuacja społeczna artystki w pewnym stopniu determinuje zakres podejmowanych przez nią tematów. Jak już powiedziałeś, „życie codzienne determinuje świadomość”.

Tak, oczywiście.

- Dziś artysta ma wolność, choć wolność absolutna oczywiście nie istnieje. Mozesz robić wszystko na co masz ochotę.

W pewnym sensie zawsze czułam się wolna. Miałem mnóstwo prac, o których wiedziałem na pewno, że nigdy nie wyjdą ze ścian pracowni. Teraz wszystko jest podyktowane ilością pieniędzy. Z powodu jednego braku wolności znajdujesz się w innym. Jeśli masz pieniądze, możesz wynająć dowolny pokój i wystawiać, co chcesz. Jeśli ich tam nie ma, nic nie opublikujesz. W warsztacie mogę robić co chcę, ale nikomu to nie jest potrzebne. Całkowicie straciłem zainteresowanie sztuką. Być może wcześniej tego nie było, ale w jakiś sposób się pojawiało. Gdyby teraz moje dziecko chciało zostać artystą, biłabym je kijem, mówiąc: nie zostań artystą... Ale przy pierwszym dziecku bardzo chciałam, żeby zostało artystą. Teraz staliśmy się sługami. Osobiście mam ochotę służyć bogatym na prezentacjach i przyjęciach. Od pewnego czasu w naszym społeczeństwie znaleźliśmy się w tak nienormalnej sytuacji, że jesteśmy elitą, że możemy na coś wpływać. Poeci czytają swoje wiersze wielotysięcznej publiczności. W kabinie ciężarówki można było zobaczyć przypięte zdjęcia.

- Wcześniej dobra książka, film, malarstwo było powiewem wolności. A teraz ludzie mają inne wartości i możliwości. Mogą podróżować, robić zakupy. Okazało się, że nie każdy potrzebuje sztuki, wręcz przeciwnie, mało kto jej potrzebuje. Ale być może są to tylko procesy tymczasowe.

Jestem kiepskim filozofem, nie wiem, ile czasu zajmie ludziom zainteresowanie się sztuką i na ile będzie ona interesująca. Teraz dyktuje właściciel galerii. Doradzą co i jak zrobić. W każdej umowie określone są nawet rozmiary obrazów. Bo mieszczanie mają mury tej wielkości. Powinno to być coś miłego dla oka. Mój mąż mówi mi, że potrzebuję czegoś jasnego i niedrogiego.

- Ty i ja byliśmy współcześni „odwilży”. Dorastaliśmy w tym czasie. Dziś mamy zaszczyt być świadkami pierestrojki. Czy można w jakiś sposób porównać atmosferę i wrażenia tamtych czasów z tym, co dzieje się na naszych oczach dzisiaj?

Wiele osób nie zdało tego testu: wszystko było dozwolone, podróże i coś jeszcze. Komunikowaliśmy się częściej, byliśmy bardziej szczerzy. Po pokusach, jakie niosła pierestrojka, ludzie się zmienili. I w ogóle w pewnym stopniu uważam, że wcześniej byli lepsi. Indywidualna wystawa artysty (1989) była pokazywana nie tylko w Rosji, ale także na Zachodzie: w Niemczech, Ameryce. Został przyjęty z dużym zainteresowaniem przez zagraniczną publiczność i krytykę. Artystka zyskała miano „Królowej Związku Artystów”. Dla części „nowych” krytyków rosyjskich, którzy w walce o sztukę „współczesną” gotowi są wszystko na nowo oczyścić i zniszczyć „do ziemi”, wystawa Nazarenki była jednym z powodów rozliczenia się z latami siedemdziesiątymi. Jeden z nich argumentował: „W ogóle wystawa ukazała historyczne wyczerpanie malarstwa «lat siedemdziesiątych» i stała się swego rodzaju odejściem od ich jasnej, choć przemijającej twórczości”.

- "Nie czuję się straconym pokoleniem. Udało nam się zasmakować wolności podczas "odwilży". A w ponadczasowości Breżniewa staraliśmy się pokazać na wystawach to, co myśleliśmy: bezpośrednio lub poprzez alegorie. Moje obrazy zostały usunięte z wystaw więcej niż raz. „Pugaczowa” trzy razy…”

Nadmierna koncentracja na swoich żalach i nieporozumieniach była jedną z przyczyn trwającego kilka lat kryzysu twórczości artystki. Jeden po drugim zaczęły pojawiać się obrazy, coraz bardziej przypominające fantasmogorie Boscha. W nich urzędnicy Związku i „obojętna publiczność” zamienili się w brzydkie stworzenia, pół-człowieka, pół-zwierzę, dręczące artystę. Jednak Nazarenko nigdy nie była osobą obojętną, skupioną na sobie. Na jej oczach nadzieje związane z pierestrojką zamieniły się w inflację i zubożenie. Na ulicach pojawiały się starsze kobiety sprzedające swój ostatni dobytek, żebracy i bezdomni. Na to, co działo się wokół niej, odpowiedziała swoim „Przejściem”.

Podziemne przejście metra to dziś schronisko dla bezdomnych i uchodźców. Mieszkają tu sprzedawcy gazet i kwiatów, muzycy, żebracy i osoby niepełnosprawne. Artysta „przeniósł” go do sal Centralnego Domu Artystów i skonfrontował widza z mniej szczęśliwymi, pokrzywdzonymi, zmusił do spojrzenia w twarze tych, których nieraz spiesznie mijał w „ niecierpliwość jego serca.” I oczywiście, jak w wielu jej pracach, wśród pozostałych bohaterów pojawia się sama artystka.

Transformacja to zarówno stan dzisiejszego poradzieckiego społeczeństwa, zmierzającego nie wiadomo dokąd, jak i nowy, interesujący etap w twórczym rozwoju Nazarenki.

Przed nami malarstwo rzeźbiarskie – druga rzeczywistość, rzeczywistość sztuki. Artysta zachowuje niezbędną miarę konwencji i dystansu. Po bliższym przyjrzeniu się figury okazują się być szorstką, malowaną sklejką. Ich odwrotna strona pozostaje nieleczona. Sami bohaterowie przedstawieni są z groteskową ostrością. „Liczby przejściowe” – jak trafnie określił jeden z krytyków.

„Przejście” wzbudziło duże zainteresowanie publiczności i „wtajemniczonych” i niewątpliwie stało się jednym z najważniejszych wydarzeń kulturalnych ostatnich lat. Artystka po raz kolejny potwierdziła swoje miejsce w sztuce i dobitnie „udowodniła”, że jest za wcześnie, aby grzebać lata siedemdziesiąte.

W jej „Przejściu” znów wyraźnie zabrzmiało odwieczne rosyjskie pytanie: „Rusiu, dokąd się spieszysz…”, wyrażono ból i nadzieję artystki…

1 pkt. autor: Lebiediewa, W. Tatyana Nazarenko, M., 1991.
2 Cytat. autor: Efimowicz, N. „Mówią, że oszpecam naród radziecki…” V; „Komsomolskaja Prawda”, 21 grudnia 1991 r.
3 Cytowane autor: Lebiediewa, V. Dekret. op.
4 Cytowane autor: Efimowicz, N. ibid.
5 „Sztuka”, 1989, L. 8, 76.
6 Cytowano. autor: Efimowicz, N. ibid.

„Myślę, że człowiek musi nieustannie dążyć do czegoś pięknego, bez względu na to, jak banalnie to brzmi”
Tatiana Nazarenko

„Moim zdaniem człowiek powinien stale dążyć do czegoś pięknego, bez względu na to, jak banalnie to brzmi”
Tatiana Nazarenko

Twórczość Nazarenki cechuje filozoficzne poczucie czasu, które interpretuje się jako ciągły nurt.Jej malarstwo wyróżnia się bogactwem plastyki, różnorodnością środków artystycznych, wyraźnym rytmem, dekoracyjną barwą, umownością przestrzeni, groteską i różnorodnością nieoczekiwanych rozwiązań kompozycyjnych. Artystka nieustannie poszukuje nowych środków artystycznych, wyrazistości i oryginalności tworzyw sztucznych. Wiele jej prac ma charakter autobiograficzny.

Początki kariery twórczej Tatyany Nazarenko sięgają końca lat sześćdziesiątych i początku siedemdziesiątych ubiegłego wieku. Zadebiutowała na wystawach w czasie, gdy „surowy styl” lat sześćdziesiątych zaczął odchodzić w przeszłość. Młodzi artyści lat siedemdziesiątych szeroko posługiwali się metaforami, alegoriami, przypowieściami oraz odważnie sięgali zarówno do plastycznego języka klasyki, jak i technik artystycznych oraz obrazów z różnych epok i kierunków w sztuce.

Już wczesne prace Tatyany Nazarenko „Egzekucja Narodnej Woli”, „Przyszli partyzanci”, „Dekabryści”, „Pugaczow” przyciągnęły uwagę nową koncepcją artystyczną. Konkretne wydarzenie historyczne, ukazane z podkreśloną autentycznością, zostało zwrócone w stronę teraźniejszości, ukazując głębokie powiązanie czasów. Twórczość Nazarenki skierowana była przeciwko „nieświadomości” i zmuszała go do prowadzenia dialogu z przeszłością. Porównując przeszłość z teraźniejszością, sięgając do wydarzeń historycznych różnych epok, starała się ukazać duchową istotę swoich bohaterów, wyrażającą się w głębokim patriotyzmie i wysokiej obywatelskości ich myśli, uczuć i czynów.

Jej obrazy cechuje filozoficzne wyczucie czasu, które interpretuje się jako ciągły, ciągły przepływ. Malarskie prace Nazarenki wyróżniają się rozmachem plastyczności, różnorodnością środków artystycznych, wyraźnym rytmem kolorystycznym, dekoracyjnością koloru, umownością przestrzeni, groteskowością, graficznym charakterem, wieloskalowością i nieoczekiwanymi rozwiązaniami kompozycyjnymi.

Jej twórczość mówi o ciągłym poszukiwaniu nowych środków artystycznych, maksymalnej wyrazistości i oryginalności plastyczności. Wiele dzieł Nazarenki ma charakter autobiograficzny. Na przykład jej „Cyrkowa dziewczyna” balansująca na napiętym drucie nad tłumem zazdrosnych i nieżyczliwych ludzi.

Nazarenko celowo deformuje sylwetki i twarze ludzi, zapewniając jednocześnie, że niczego nie przesadza, wszystkie postacie są skopiowane z życia i są niezwykle realistyczne.
Amerykański krytyk Donald Kuspit nazwał realizm Nazarenki absurdem – zgodnie z rzeczywistością (okres rozwiniętego socjalizmu), która go zrodziła. Nazarenko nie boi się etykiet, bez których krytycy nie mogą się obejść. Wręcz przeciwnie, sama siebie nazywa realistką stawiającą przed pewnym wyzwaniem, jakby broniąc swojego prawa do tego przestarzałego i niemodnego gatunku...
Jej realizm jest prymitywistyczny i ma charakter dość popularny. Ale na pewno nie ma to nic wspólnego z socjalizmem, który przedstawiał życie nie takim, jakie jest naprawdę, ale takim, jakie powinno być. Być może na tle tych fałszywych, lakierowanych fabuł i utartych stereotypów jej twórczość szokuje. Czasem wydaje się, że postanowiła rozwalić te stereotypy parodią…

Z czasem jej malownicze „teatry” stawały się coraz bardziej dramatyczne i groteskowe, zawierały elementy surrealistycznego „czarnego humoru” – przecinającą się symbolikę masek, teatru lalek i kanibalizmu.
Od 1996 roku często nadawała swoim obrazom trójwymiarowość, uzupełniając lub zastępując płótna zestawieniami sylwetek w wielkości życia, jakby wyłaniających się z obrazu w świat realny - instalacje: Przejście, 1996; Mój Paryż, 1997. (Bella Yezerskaya)

Tatiana Nazarenko:

Życie się zmienia, sztuka przybiera nowe formy. Cały czas byłem malarzem, potem zainteresowałem się figurami ze sklejki, miałem dwie wystawy prac fotograficznych... Chciałem kontynuować poszukiwania dalej, ale dzięki nauczaniu u Surikowskiego wróciłem ponownie do malarstwa. Bo wytłumaczenie jak malować bez dotykania płótna jest niezwykle trudne. (cytat z artykułu Anny Czepurnowej „Tatyana Nazarenko. W poszukiwaniu nowych form”).

Biografia
Tatiana Grigoriewna Nazarenko urodziła się 24 czerwca 1944 r. w Moskwie
W 1968 ukończyła Moskiewski Państwowy Akademicki Instytut Sztuki. V.I.Surikova, (nauczyciele: A.M.Gritsay, D.D.Zhilinsky, V.I.Shilnikov itp.)
Od 1969 członek Związku Artystów ZSRR
W latach 1969–1972 pracowała w pracowni Akademii Sztuk Pięknych ZSRR pod kierunkiem G.M. Korzheva
1975 - pierwsza wystawa zbiorowa w Moskwie (T. Nazarenko, O. Loshakov, O. Vukolov, I. Orlov, V. Rozhnev)
1987 - pierwsze wystawy indywidualne (Kijów, Odessa, Lwów i za granicą - Leverkusen (Niemcy)
1989 - wystawa indywidualna w Centralnym Domu Artystów (Moskwa)
W 1998 roku został członkiem korespondentem Rosyjskiej Akademii Sztuk
1999 - profesor, kierownik pracowni w Moskiewskiej Państwowej Akademii Sztuk im. VI Surikova
W 2001 roku został członkiem rzeczywistym, członkiem prezydium Rosyjskiej Akademii Sztuk
W 2003 roku T. G. Nazarenko otrzymał tytuł „Czczony Artysta Rosji”

Jej obrazy znajdują się w zbiorach wielu muzeów w Rosji i za granicą, m.in. Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Państwowego Muzeum Rosyjskiego itp., A także w galeriach i kolekcjach prywatnych (USA, Francja, Włochy, Anglia, Turcja, Niemcy, Finlandia , Czechy , Polska itp.)

Urodzony 24 czerwca 1944 w Moskwie.
Absolwentka Moskiewskiego Państwowego Instytutu Sztuki. VI Surikov w 1968 r.
Od 1969 do 1972 pracowała w pracowni w Akademii Sztuk Pięknych ZSRR.
Od 1969 członek Związku Artystów Plastyków.
Laureat Nagrody Państwowej Rosji w 1993 roku.

W jakich zbiorach prac?

Prace znajdują się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie,
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu,
muzea sztuki Saratowa, Wołogdy, Kijowa, Archangielska, Permu, Nikołajewa, Briańska, Nowokuźniecka, Nowosybirska, Elisty, Rostowa nad Donem, Bratysławy, Rostocku, Berlina, Sofii,
Muzeum P. Ludwiga, Aachen, Niemcy,
zbiory prywatne w Niemczech, Francji, Finlandii, Turcji, Włoszech, Wielkiej Brytanii, Hiszpanii, Portugalii, USA,
Fundacja Cremona, Fundacja Weismana w USA.

Udział w wystawach i aukcjach

1975 5 moskiewskich artystów. Moskwa;
1978 3 moskiewskich artystów 3 pokoleń. Berlin, Rostock, Schwerin, Halle. Niemcy;
1981 23 moskiewskich artystów. Centralny Dom Artystów. Moskwa;
1982 Russische Malereiheut. Galeria Thomy Levy’ego. Hamburg. Niemcy;
1982-83 Wystawy artystów radzieckich ze zbiorów P. Ludwiga. Kolonia, Lubeka, Rebensburg, Mains. Niemcy; Żyła. Austria; Tiburg. Holandia; Onstad, Howicodon. Szwecja;
1984 Rosyjski kunst des zwanzigsten jahnunderts. Sammu long Seemjonow Galeria der stadt essfibgen an Neckar. Niemcy;
1986 Sztuka Moskwy. Berlin Zachodni;
1986 Kunstlerinnenaus der sowjetunion. Kunsthalle Recklinghausen. Niemcy;
1987 Współczesna sztuka radziecka. Wybór z ok. Nortona T. Dodge’a. Galeria sztuki Kennesaw College. USA;
1987 Wystawa indywidualna. Odessa, Kijów, Lwów. Ukraina;
1987 - 88 Wystawa indywidualna. Leverkusen, Brema, Oldenburg. Niemcy;
1988 Rosyjska awangarda i sztuka współczesna. Aukcja Sotheby’ego. Moskwa;
1988 Sowjetkunst heute. Muzeum P.Ludwiga. Kolonia. Niemcy;
Obrazy międzynarodowe z 1988 r. Seviley. Pensylwania. USA;
1989 Von der Revolution zur pierestrojka. Prace artystów radzieckich z kolekcji P. Ludwiga. Barcelona. Hiszpania;
1989 Wystawa indywidualna. Centralny Dom Artystów. Moskwa;
1990 Wystawa indywidualna. Galeria Soho. Boston. USA;
1990 Moskwa: Teorie i tradycje. Seattle. USA;
1990 Moskwa – Waszyngton. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1990 Dążenie do wyrażania siebie. Malarstwo w Moskwie i Leningradzie 1965-1990. Muzeum sztuki Kolumba. Columbus, Ohio, USA;
1990 26 artystów z Moskwy i Leningradu. Centralna Sala Wystawowa Związku Artystów RFSRR. Petersburg;
1990 Frammenti d`arte contemporanea 32 bohaterów z ZSRR. Rzym;
1991 Krytyka figuracyjna. Wielki Pałac. Francja;
1991 Waszyngton – Moskwa Wystawa wymiany dzieł sztuki. Biblioteka Garneqie. Waszyngton;
1991 Artistas rusos contemporaneos. Satiago de Compostela. Hiszpania;
1991 Pintusa russae sovietica w Portugalii autorstwa Mikołaja IIa Gorbaczowa. Zamek Leirea. Leirea. Portogal; 1992 Expo-92. Barcelona. Hiszpania;
1992 Wystawa indywidualna. Galeria Fernando Duran. Madryt;
1993 Sen odsłania naturę rzeczy. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1993 Dzień Tatyany. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1993 Wystawa indywidualna. Galeria Grzegorza. USA;
1993 Wystawa indywidualna. Galeria „Dziś”. Moskwa;
1994 Wystawa indywidualna. galeria rosyjska. Tallinn. Estonia.
1995 Gregory Gallery, Nowy Jork, USA
1995 Studio Galerii, Moskwa
1996 Centralny Dom Artystów, Moskwa
1996 Państwowa Galeria Trietiakowska, galeria Moskwa Palette
1997 Centralna Sala Wystawowa „Manege”, Moskwa
1997 Galeria M. Gelmana, Moskwa
1997 Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. A.S. Puszkin, Moskwa
1997 Galeria „EXIT-ART”, Kolonia, Niemcy

Pracuję, aby wyrazić coś dla mnie ważnego. Bardzo chciałbym być zrozumiany – choć niekoniecznie w taki sposób, w jaki zamierzałem swoją twórczość. Ważne jest dla mnie przekazanie ogólnej struktury mojego planu.
Cały czas robię to samo, zmieniając ten sam motyw – temat samotności. Samotność wydaje mi się jednym z najważniejszych dramatów człowieka. W różnych pracach – na dużych płótnach historycznych, w portretach czy malarstwie rodzajowym – ten motyw w moich płótnach bardzo wiele determinuje. Myślę o tym, jak straszna jest samotność, jak trudna i jak nieuchronnie czeka człowieka w różnych sytuacjach życiowych.
Skłonić ludzi do myślenia, wzbudzić w nich współczucie – to główny cel mojej pracy…
Malowanie zaczynam zazwyczaj wtedy, gdy obraz jest już całkowicie przemyślany i uformowany w mojej głowie. Czasami od pomysłu do realizacji może minąć rok lub dwa – to nie ma znaczenia.
Jeśli wrażenie po tym, co zobaczyłem, jest bardzo silne i wydaje mi się, że na zdjęciu będzie przedstawionych wiele osób, najpierw rysuję – na kartce papieru, na restauracyjnej serwetce, słowem na wszystkim, co może się znajdować ręka. Zwykle nie odbiegam od pierwotnego planu, a jedynie wzbogacam płótno o pewne detale...
To, co mnie martwi, powinnam zostawić na płótnie, a przynajmniej na kartce papieru. To jest moje życie. Dopóki pomysł nie przeniesie się na płótno, nie mogę się od niego uwolnić, jak matka oczekująca dziecka. Przecież traktujesz obrazy jak dzieci - one wychodzą z pracowni, zostawiają mnie, mają swoje przeznaczenie - szczęśliwe, nieszczęśliwe...
Wydaje mi się, że prawdziwa sztuka zaczyna się tam, gdzie jest tajemnica, trochę niedopowiedzenia, dzięki czemu dla każdego ulubiona rzecz jest pełna uroku, który objawia się tylko jemu...
Tworząc obraz, to tak, jakbyś podsumował jakiś etap swojego życia. W każdym razie dokładnie to samo przydarzyło mi się z wieloma płótnami. Niespełniona rzecz przeszkadza w Twoim życiu, niepokoi Cię i przypomina o Tobie, dzięki czemu czujesz swoją odpowiedzialność za życie, które dało Ci możliwość tworzenia.

Krytyka

Twórcza gwiazda Tatyany Nazarenko rozbłysła jasno i nieoczekiwanie na firmamencie rosyjskiej sztuki na samym początku lat siedemdziesiątych. Jego duchowy blask nie słabnie ani nie rozpuszcza się w czasie. Świat obrazów i język malarski artysty w dużej mierze zdeterminowane są pewnymi poglądami historycznymi, które tworzą atmosferę, w której budzi się nasze rozumienie natury ludzkiej. Jeśli wyobrażasz sobie w myślach galerię obrazów Nazarenki, od gatunków historycznych i „maskarady” bufonady po portrety i martwe natury, wówczas wszystko w nich będzie umiejscowione niejako na jednej ponadczasowej płaszczyźnie znaczeń, niezależnie od specyfiki i dokładności dzieła. reprodukcja indywidualnych atrybutów i rzeczywistości z przeszłości i teraźniejszości.
Prace Tatyany Nazarenko mają szczególny magnetyzm, kojarzą się nie tylko ze wspomnieniami tego, co się wydarzyło, ale także są skierowane w przyszłość. Jej prace pobudzają wyobraźnię widza swoją wieloskojarzeniową, metaforyczną naturą...
W jej obrazach bohaterowie starożytnych wydarzeń pojawiają się jakby zmartwychwstali, jednak postrzegani są poza określonymi parametrami czasu, być może dlatego, że nadaje im nieodłączne cechy, próbując powiązać konkretne postacie historyczne i losy z cnoty i wady naszego pokolenia. W ten sposób Nazarenko osiąga szczególny poziom artystycznego uogólnienia, który pozwala mu operować uniwersalnymi koncepcjami i wartościami nawet w odniesieniu do sytuacji czysto prywatnych.
Omawiając twórczość Nazarenki z perspektywy historyczno-filozoficznej, nie można pominąć czysto obrazowych, plastycznych walorów jej twórczości. Długo pielęgnuje pomysły na swoje obrazy, udoskonalając mentalnie fabułę, umieszczając niezbędne akcenty semantyczne. Jednocześnie wyobraża sobie już przyszłą kompozycję, jej kolorystyczną dramaturgię, lekki akompaniament do ściśle powściągliwego, uroczystego chóru barw. Malarski styl Nazarenki łączy w sobie techniki artystyczne dawnych mistrzów, z ich pomysłami na temat świetlistości koloru, faktury i odkryciami plastycznymi wprowadzonymi do sztuki w XX wieku. Jak już wspomniano, Nazarenko widzi przyszły obraz jeszcze zanim pędzel dotknie płótna, dlatego jej prace wyróżniają się precyzją rozwiązań figuratywnych, struktur kolorystycznych i kompozycyjnych, a w tej statycznej harmonii kipią namiętności i emocje.

Urodzony 24 czerwca 1944 w Moskwie.
Absolwentka Moskiewskiego Państwowego Instytutu Sztuki. VI Surikov w 1968 r.
Od 1969 do 1972 pracowała w pracowni w Akademii Sztuk Pięknych ZSRR.
Od 1969 członek Związku Artystów Plastyków.
Laureat Nagrody Państwowej Rosji w 1993 roku.

W jakich zbiorach prac?

Prace znajdują się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie,
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu,
muzea sztuki Saratowa, Wołogdy, Kijowa, Archangielska, Permu, Nikołajewa, Briańska, Nowokuźniecka, Nowosybirska, Elisty, Rostowa nad Donem, Bratysławy, Rostocku, Berlina, Sofii,
Muzeum P. Ludwiga, Aachen, Niemcy,
zbiory prywatne w Niemczech, Francji, Finlandii, Turcji, Włoszech, Wielkiej Brytanii, Hiszpanii, Portugalii, USA,
Fundacja Cremona, Fundacja Weismana w USA.

Udział w wystawach i aukcjach

1975 5 moskiewskich artystów. Moskwa;
1978 3 moskiewskich artystów 3 pokoleń. Berlin, Rostock, Schwerin, Halle. Niemcy;
1981 23 moskiewskich artystów. Centralny Dom Artystów. Moskwa;
1982 Russische Malereiheut. Galeria Thomy Levy’ego. Hamburg. Niemcy;
1982-83 Wystawy artystów radzieckich ze zbiorów P. Ludwiga. Kolonia, Lubeka, Rebensburg, Mains. Niemcy; Żyła. Austria; Tiburg. Holandia; Onstad, Howicodon. Szwecja;
1984 Rosyjski kunst des zwanzigsten jahnunderts. Sammu long Seemjonow Galeria der stadt essfibgen an Neckar. Niemcy;
1986 Sztuka Moskwy. Berlin Zachodni;
1986 Kunstlerinnenaus der sowjetunion. Kunsthalle Recklinghausen. Niemcy;
1987 Współczesna sztuka radziecka. Wybór z ok. Nortona T. Dodge’a. Galeria sztuki Kennesaw College. USA;
1987 Wystawa indywidualna. Odessa, Kijów, Lwów. Ukraina;
1987 - 88 Wystawa indywidualna. Leverkusen, Brema, Oldenburg. Niemcy;
1988 Rosyjska awangarda i sztuka współczesna. Aukcja Sotheby’ego. Moskwa;
1988 Sowjetkunst heute. Muzeum P.Ludwiga. Kolonia. Niemcy;
Obrazy międzynarodowe z 1988 r. Seviley. Pensylwania. USA;
1989 Von der Revolution zur pierestrojka. Prace artystów radzieckich z kolekcji P. Ludwiga. Barcelona. Hiszpania;
1989 Wystawa indywidualna. Centralny Dom Artystów. Moskwa;
1990 Wystawa indywidualna. Galeria Soho. Boston. USA;
1990 Moskwa: Teorie i tradycje. Seattle. USA;
1990 Moskwa – Waszyngton. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1990 Dążenie do wyrażania siebie. Malarstwo w Moskwie i Leningradzie 1965-1990. Muzeum sztuki Kolumba. Columbus, Ohio, USA;
1990 26 artystów z Moskwy i Leningradu. Centralna Sala Wystawowa Związku Artystów RFSRR. Petersburg;
1990 Frammenti d`arte contemporanea 32 bohaterów z ZSRR. Rzym;
1991 Krytyka figuracyjna. Wielki Pałac. Francja;
1991 Waszyngton – Moskwa Wystawa wymiany dzieł sztuki. Biblioteka Garneqie. Waszyngton;
1991 Artistas rusos contemporaneos. Satiago de Compostela. Hiszpania;
1991 Pintusa russae sovietica w Portugalii autorstwa Mikołaja IIa Gorbaczowa. Zamek Leirea. Leirea. Portogal; 1992 Expo-92. Barcelona. Hiszpania;
1992 Wystawa indywidualna. Galeria Fernando Duran. Madryt;
1993 Sen odsłania naturę rzeczy. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1993 Dzień Tatyany. Państwowa Galeria Trietiakowska. Moskwa;
1993 Wystawa indywidualna. Galeria Grzegorza. USA;
1993 Wystawa indywidualna. Galeria „Dziś”. Moskwa;
1994 Wystawa indywidualna. galeria rosyjska. Tallinn. Estonia.
1995 Gregory Gallery, Nowy Jork, USA
1995 Studio Galerii, Moskwa
1996 Centralny Dom Artystów, Moskwa
1996 Państwowa Galeria Trietiakowska, galeria Moskwa Palette
1997 Centralna Sala Wystawowa „Manege”, Moskwa
1997 Galeria M. Gelmana, Moskwa
1997 Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. A.S. Puszkin, Moskwa
1997 Galeria „EXIT-ART”, Kolonia, Niemcy

Pracuję, aby wyrazić coś dla mnie ważnego. Bardzo chciałbym być zrozumiany – choć niekoniecznie w taki sposób, w jaki zamierzałem swoją twórczość. Ważne jest dla mnie przekazanie ogólnej struktury mojego planu.
Cały czas robię to samo, zmieniając ten sam motyw – temat samotności. Samotność wydaje mi się jednym z najważniejszych dramatów człowieka. W różnych pracach – na dużych płótnach historycznych, w portretach czy malarstwie rodzajowym – ten motyw w moich płótnach bardzo wiele determinuje. Myślę o tym, jak straszna jest samotność, jak trudna i jak nieuchronnie czeka człowieka w różnych sytuacjach życiowych.
Skłonić ludzi do myślenia, wzbudzić w nich współczucie – to główny cel mojej pracy…
Malowanie zaczynam zazwyczaj wtedy, gdy obraz jest już całkowicie przemyślany i uformowany w mojej głowie. Czasami od pomysłu do realizacji może minąć rok lub dwa – to nie ma znaczenia.
Jeśli wrażenie po tym, co zobaczyłem, jest bardzo silne i wydaje mi się, że na zdjęciu będzie przedstawionych wiele osób, najpierw rysuję – na kartce papieru, na restauracyjnej serwetce, słowem na wszystkim, co może się znajdować ręka. Zwykle nie odbiegam od pierwotnego planu, a jedynie wzbogacam płótno o pewne detale...
To, co mnie martwi, powinnam zostawić na płótnie, a przynajmniej na kartce papieru. To jest moje życie. Dopóki pomysł nie przeniesie się na płótno, nie mogę się od niego uwolnić, jak matka oczekująca dziecka. Przecież traktujesz obrazy jak dzieci - one wychodzą z pracowni, zostawiają mnie, mają swoje przeznaczenie - szczęśliwe, nieszczęśliwe...
Wydaje mi się, że prawdziwa sztuka zaczyna się tam, gdzie jest tajemnica, trochę niedopowiedzenia, dzięki czemu dla każdego ulubiona rzecz jest pełna uroku, który objawia się tylko jemu...
Tworząc obraz, to tak, jakbyś podsumował jakiś etap swojego życia. W każdym razie dokładnie to samo przydarzyło mi się z wieloma płótnami. Niespełniona rzecz przeszkadza w Twoim życiu, niepokoi Cię i przypomina o Tobie, dzięki czemu czujesz swoją odpowiedzialność za życie, które dało Ci możliwość tworzenia.

Kreatywna gwiazda Tatiana Nazarenko wybuchł na firmamencie sztuki rosyjskiej jasno i nieoczekiwanie na samym początku lat siedemdziesiątych. Jego duchowy blask nie słabnie ani nie rozpuszcza się w czasie. Świat obrazów i język malarski artysty w dużej mierze zdeterminowane są pewnymi poglądami historycznymi, które tworzą atmosferę, w której budzi się nasze rozumienie natury ludzkiej. Jeśli wyobrażasz sobie w myślach galerię obrazów Nazarenko od gatunków historycznych i „maskarady” bufonady po portrety i martwe natury, wówczas wszystko w nich będzie umiejscowione niejako na jednej ponadczasowej płaszczyźnie znaczeń, niezależnie od specyfiki i dokładności reprodukcji poszczególnych atrybutów i realiów przeszłości i obecny.
Prace Tatyany Nazarenko Mają szczególny magnetyzm, kojarzą się nie tylko ze wspomnieniami tego, co się wydarzyło, ale są także skierowane w przyszłość. Jej prace pobudzają wyobraźnię widza swoją wieloskojarzeniową, metaforyczną naturą...
W jej obrazach bohaterowie starożytnych wydarzeń pojawiają się jakby zmartwychwstali, jednak postrzegani są poza określonymi parametrami czasu, być może dlatego, że nadaje im nieodłączne cechy, próbując powiązać konkretne postacie historyczne i losy z cnoty i wady naszego pokolenia. Zatem, Nazarenko osiąga szczególny poziom artystycznego uogólnienia, który pozwala operować uniwersalnymi ludzkimi koncepcjami i wartościami nawet w odniesieniu do sytuacji życia czysto prywatnego.
Mówiąc o kreatywności Nazarenko w aspekcie historyczno-filozoficznym nie można pominąć czysto malarskich, plastycznych walorów jej dzieł. Długo pielęgnuje pomysły na swoje obrazy, udoskonalając mentalnie fabułę, umieszczając niezbędne akcenty semantyczne. Jednocześnie wyobraża sobie już przyszłą kompozycję, jej kolorystyczną dramaturgię, lekki akompaniament do ściśle powściągliwego, uroczystego chóru barw. Malowniczy sposób Nazarenko Wchłonęła także techniki artystyczne dawnych mistrzów, z ich pomysłami na temat świetlistości koloru, faktury i odkryciami plastycznymi wprowadzonymi do sztuki w XX wieku. Jak już zauważono, Nazarenko widzi przyszły obraz jeszcze zanim pędzel dotknie płótna, dlatego jej prace wyróżniają się precyzją rozwiązań figuratywnych, kolorów i struktur kompozycyjnych, a w tej statycznej harmonii kipią namiętności i przeżycia.

A. Rozhin
Bibliografia

A. Dekhtyar „Młodzi artyści lat 70.” wyd. „Artysta radziecki”, 1979;
A. Kamenski” Tatiana Nazarenko”, czasopismo „Bildende kunst”, N1, 1976;
A. Morozow” Tatiana Nazarenko. Nowe nazwy.”, wydawnictwo „Artysta Radziecki”, 1978;
Gambrell Samey „Soviet Art Today”, magazyn Art in America, listopad 1985;
L. Krichevskaya „Malarstwo Tatiany Nazarenko”, czasopismo „Artysta”, N6, 1982;
A. Jakimowicz „Kompozycje historyczne i gatunki T. Nazarenko„, czasopismo „Malarstwo Radzieckie”, N5, 1982;
V. Lebiediewa „Malarstwo Tatiany Nazarenko”, magazyn „Soviet Union Today” (w języku niemieckim), N10, 1987;
Katalog wystawy osobistej, 1988;
A. Morozow” Tatiana Nazarenko”, Leningrad, wydawnictwo „Aurora”, 1988;
Katalog aukcyjny Sotheby's, „Rosyjska awangarda i radziecka sztuka współczesna”, 1988;
Weiss Evelin „Sowjet kunst teute Cologne”, Muzeum Ludwig, 1988;
Matthew Gullern Bown „Współczesna sztuka rosyjska”, Phaidon Press Limited, Oxford, Wielka Brytania, 1988;
W. Lebiediewa” Tatiana Nazarenko”, wydawnictwo „Artysta Radziecki”, 1991.