Podobnie jak uczone niedźwiedzie, lalki były kiedyś częścią repertuaru błaznów. Wszędzie, gdzie gromadzili się ludzie, ludowi lalkarze prowadzący wędrowny tryb życia wystawiali swoje zabawne przedstawienia. W XIX wieku główną postacią rosyjskiego ludowego teatru lalek w całym kraju stał się Pietruszka (Petr Iwanowicz Uksusow, vel Vanka Ratatouille). Wokół tej postaci niezmiennie gromadził się gęsty tłum widzów.

Najczęstszym był wędrowny teatr Pietruszki: lalkarz ze swoim asystentem muzyka i niezbędnym sprzętem (składany parawan, zestaw lalek, instrumenty muzyczne) przemieszczał się z jarmarku na jarmark, zarabiając na chleb i podróże. Inny rodzaj tej rozrywki reprezentowali miejscy kataryniarze, którzy spacerowali głównie ulicami swojego miasta i okolic. Ponadto przedstawienie kukiełkowe z Pietruszką często odbywało się w kabinach jako jeden z numerów w programie mieszanym.

Lalkarze zwykle tak dobrze opanowali swoje umiejętności, że widzowie mieli złudzenie, że Pietruszka to naprawdę żywa osoba, a nie lalka. Ogólnie rzecz biorąc, Petrushce udało się zdobyć naprawdę popularną miłość, ale przyczyny popularności tej postaci są bardzo różne: od „nieskomplikowania” scen z jego udziałem po ich satyryczny, aktualny element.

Treść przedstawień z Pietruszką różniła się w zależności od miejsca i czasu ich trwania, ale istniały sceny i techniki wspólne dla wszystkich przedstawień, ponieważ komedia o Pietruszce była zwykle przekazywana od wykonawcy do wykonawcy wyłącznie ustnie. Teatr Pietruszki w połowie XIX wieku obejmował sceny obowiązkowe (główną część komedii) i szereg mniejszych, których liczbę, treść i kolejność ustalał sam lalkarz według własnego uznania, w zależności od jego możliwości, talent, lokalna tradycja i tak dalej. Główne sceny z udziałem Pietruszki to: wyjście Pietruszki, scena z panną młodą, zakup konia, leczenie Pietruszki, szkolenie go na żołnierza i finał. Pojawienie się Pietruszki zwykle zaczynało się od jego nieoczekiwany wygląd zza ekranu. Strój Pietruszki składał się z czerwonej koszuli, sztruksowych spodni wpuszczonych w buty i czerwonej czapki. Cechami charakterystycznymi jego wyglądu był garb i długi nos.

Wyskakując przed publiczność, Pietruszka przedstawił się („Jestem Pietruszka, Pietruszka, wesoły chłopczyk! Piję wino bez miary, zawsze jestem wesoły i śpiewam…”). Przed rozpoczęciem samego przedstawienia postać ta prowadziła z publicznością ożywione rozmowy na dowolny temat, czasem, aby stworzyć pozory swobodnej rozmowy, lalkarze wynajmowali specjalnych „popychaczy”, którzy z tłumu prowadzili swobodną rozmowę z pietruszką . Następnie rozpoczęły się przygody Pietruszkina, które rozpoczęły się od zamiaru zawarcia małżeństwa. Pojawiła się jego narzeczona-lalka, na której twarzy była różna cechy charakteru jego czasów, na przykład moralność i maniery w mieście, nieznajomość wiejskiej dziewczyny na temat miejskiej mody i faceta obnoszącego się ze swoimi metropolitalnymi zwyczajami.

Po historii małżeństwa następowała zazwyczaj scena, w której nasz bohater kupuje konia, który okazuje się wcale nie tak dobry, jak opisał go cygański sprzedawca. Niespokojny koń zrzuca Pietruszkę i uderza go kopytem, ​​zaczyna głośno jęczeć i wzywać lekarza, a potem pojawia się jeden ze stałych bohaterów komedii Pietruszki - lekarz, który może sobie powiedzieć: „Ludzie są prowadzeni do mnie na nogach i ode mnie pędzą drogą” Następnie następuje zabawny, lubiany przez publiczność epizod poszukiwania bolącego miejsca i sprzeczka Pietruszki z lekarzem, w wyniku której pokazuje on „farmaceucie”, gdzie dokładnie uderzył go koń.

Niemal każdy spektakl z udziałem Pietruszki zawierał sceny ćwiczeń z „artykulacji żołnierskiej”, podczas których w komiczny sposób wykonywał polecenia musztry i techniki strzeleckiej. Komiczny efekt osiągnięto także wtedy, gdy bohater rzekomo nie słyszał dobrze wydawanych mu poleceń (np. na polecenie kaprala „Trzymaj prosto!”, pytał ponownie: „Co jest? Matryona Pietrowna?”). Cóż, na sam koniec przedstawienia, zgodnie z tradycją, Pietruszka wpada do „podziemia”, to znaczy jakaś postać (diabeł, pies, baran) ciągnie go za ekran, ale tylko wtedy dla naszego bohatera aby „zmartwychwstać” ponownie na początku kolejnego przedstawienia.

Jednocześnie stopień społecznej ostrości Komedii Pietruszki różnił się w zależności od miejsca i czasu przedstawienia, w tym celu wprawny lalkarz mógł w trakcie przedstawienia wyostrzyć niektóre aspekty przedstawienia, a inne wygładzić. Na przykład, jeśli komedia została wystawiona dla jednej firmy, żarty Pietruszkina stały się bardziej nieprzyzwoite, a fabuła dotyczyła głównie jego związku z narzeczoną; jeśli przedstawienie odbywało się na oczach chłopów lub biedoty miejskiej, wówczas bardzo istotna stała się scena przesłuchania Pietruszki i zemsty na policjantze. W ten sposób Pietruszka mógł wyrazić powszechny protest, ale lalkarz nie zawsze miał taką możliwość, a niektóre sceny czekały za kulisami przed wąskim kręgiem widzów.

Bez niego Teatr Pietruszki nie mógłby istnieć dobry muzyk, który spełniał trzy główne funkcje: towarzyszył akcji grą na instrumencie muzycznym; chwilowo brał udział w przedstawieniu kukiełkowym, rozmawiając z Pietruszką; pełnił rolę pośrednika między publicznością a lalkami.

Komedia lalkowa z udziałem bohaterów komiksowych ma swoje korzenie we Włoszech i Francji, a występy zagranicznych lalkarzy wywarły wpływ na Teatr Pietruszka, ale w Rosji Pietruszka stała się ulubieńcem publiczności, łącząc elementy rosyjskiego folkloru.

Występy z udziałem Pietruszki zawsze były postrzegane jako święto i gromadziły wokół siebie ludzi. duża liczba ludzi, ale na początku XX wieku ta rozrywka stopniowo zanikała, a Pietruszka przestała być głównym bohaterem jarmarku, zastąpiono go innymi zabawy ludowe. Dopiero po 1917 roku Pietruszka na krótko zyskała sławę.

(Artykuł powstał na podstawie materiałów: A. Nekrylovej „Rosyjskie ludowe festiwale miejskie, zabawy i widowiska. Koniec XVIII – początek XX wieku”)

Na ilustracji „Pietruszka”, 1882. Leonid Iwanowicz Solomatkin (1837–1883)

Ocena artykułu:

Rosjanie znali trzy rodzaje teatru lalek: teatr lalek (w którym lalki sterowano za pomocą nici), teatr Pietruszki z marionetki w rękawiczkach(lalki wkładano na palce lalkarza) i szopkę (w której lalki mocowano na drążkach i przesuwano po szczelinach w pudełkach). Teatr lalek nie upowszechnił się. Popularnością cieszył się Teatr Parsley. Szopka była dystrybuowana głównie na Syberii i południowej Rosji.

Teatr Pietruszka to rosyjska ludowa komedia lalkowa. Jego główną bohaterką był Pietruszka, od którego imienia wziął się teatr. Bohater ten nazywał się także Piotr Iwanowicz Uksusow, Piotr Pietrowicz Samowarow, na południu - Wania, Wanka, Wanka Retatouille, Ratatouille, Rutyutyu (tradycja północnych regionów Ukrainy). Teatr Pietruszkowy powstał pod wpływem włoskiego teatru lalek Pulcinella, z którym Włosi często występowali w Petersburgu i innych miastach.

Wczesny szkic Teatru Pietruszka pochodzi z lat 30. XX wieku. XVII wiek Ilustrację tę umieścił niemiecki podróżnik Adam Olearius w opisie swojej podróży do Moskwy. Odnosząc się do rysunku D. A. Rovinsky napisał: „... Mężczyzna, przywiązując do paska kobiecą spódnicę obręczą na dole, podniósł ją do góry - ta spódnica zakrywa go nad głową, może się w niej swobodnie poruszać, poruszać ręce, eksponuj lalki na górze i prezentuj całe komedie.<...>Na zdjęciu, na przenośnej scenie spódnicowej, nietrudno dostrzec klasyczna komedia o tym, jak Cygan sprzedał Pietruszce konia. Rowiński zacytował uwagę Oleariusa, że ​​marionetkowy komik zawsze był z przywódcą niedźwiedzia; poprawił także „pozycje” kozy i klauna. Skecze, zdaniem Oleariusa, zawsze miały charakter najskromniejsza treść.

Później podniesioną spódnicę damską z obręczą u dołu zastąpiono parawanem – przynajmniej w opisach Teatru Pietruszki z XIX wieku. o spódnicy nie ma już wzmianki.

W 19-stym wieku Teatr Pietruszki był najpopularniejszym i najbardziej rozpowszechnionym typem teatru lalek w Rosji. Składał się z lekkiego składanego parawanu, pudełka z kilkoma lalkami (w zależności od liczby postaci - zwykle od 7 do 20), organów beczkowych i drobnych rekwizytów (patyków lub pałek, grzechotek, wałków itp.). Teatr Parsley nie znał scenerii.

Lalkarz w towarzystwie muzyka, zwykle katarynki, chodził od podwórza do podwórza i dawał tradycyjne występy o Pietruszkę. Zawsze można go było spotkać na festynach i jarmarkach ludowych.

O strukturze Teatru Petrushka D. A. Rovinsky napisał: „Lalka nie ma ciała, a jedynie prostą spódnicę, do której naszyta jest pusta kartonowa głowa, a po bokach ręce, również puste. Lalkarz przykleja ją w głowę lalki palec wskazujący, a w rękach - pierwszy i trzeci palec; Zwykle wkłada po jednej lalce do każdej ręki i w ten sposób działa dwiema lalkami na raz.”

Cechy charakteru wygląd Pietruszka - duży haczykowaty nos, roześmiane usta, wystający podbródek, garb lub dwa garby (na plecach i na klatce piersiowej). Ubiór składał się z czerwonej koszuli, czapki z frędzlami i eleganckich butów na nogach; lub z klauna dwukolorowego stroju klauna, kołnierza i czapki z dzwoneczkami. Lalkarz przemawiał w imieniu Pietruszki za pomocą pisku – urządzenia, dzięki któremu głos stał się ostry, przenikliwy i trzeszczący. (Piszik wykonywano z dwóch zakrzywionych płytek kostnych lub srebrnych, wewnątrz których przymocowano wąski pasek lnianej wstążki). Dla reszty postacie Lalkarz komediowy mówił swoim naturalnym głosem, poruszając piskiem za policzkiem.

Spektakl Teatru Pietruszka składał się z zestawu skeczy o charakterze satyrycznym. M. Gorki mówił o Pietruszce jako o niezwyciężonym bohaterze komedii lalkowej, który pokonuje wszystkich i wszystko: policję, księży, a nawet diabła i śmierć, a on sam pozostaje nieśmiertelny.

Wizerunek Pietruszki jest uosobieniem świątecznej wolności, emancypacji i radosnego poczucia życia. Działania i słowa Pietruszki były sprzeczne z przyjętymi standardami zachowania i moralności. Improwizacje Parsleya były aktualne: zawierały ostre ataki na lokalnych kupców, właścicieli ziemskich i władze. Przedstawieniu towarzyszyły wstawki muzyczne, czasem parodyczne: na przykład obraz pogrzebu pod „Kamarinską” (patrz w Czytelniku „Pietruszka, vel Vanka Ratatouille”).

Zueva T.V., Kirdan B.P. Folklor rosyjski - M., 2002

Wstęp

Nikt na świecie nie ustalił i nie ustali dokładnego roku narodzin teatru. Nikt na całym świecie nie powiedział i nie powie, na którym kawałku kalendarza powinna być umieszczona jego pierwotna data.

Żywotność teatru mierzy się miarą niespotykaną w historii – życiem samego rodzaju ludzkiego.

Dzień powstania teatru ukryty jest za pasmem górskim dawno minionych stuleci i tysiącleci, w głębi najstarszej, najodleglejszej epoki historii ludzkości. Ta era, kiedy człowiek, który jako pierwszy wziął narzędzia w swoje ręce prymitywna praca, stał się człowiekiem.

Zaznajomienie się z twórczością przyniosło mu wnikliwość poetycką, człowiek zaczął odkrywać w sobie poetę, estetyczną zdolność poetyckiego postrzegania świata.

W tych odległych stuleciach nowo powstająca poezja nie miała potężnych skrzydeł, nie dotknął jej jeszcze potężny powiew swobodnego lotu. Do pewnego czasu, do pewnego czasu, jego cel ograniczał się jedynie do podporządkowanego towarzyszenia obrzędom i rytuałom, które zostały ustanowione w życiu prymitywnej społeczności. A kiedy przyszedł czas, aby dojrzała, stała się samodzielną egzystencją poetycką, poezja wyzwoliła się, zrywając kajdany dotychczasowej nierozerwalności z codziennością. A potem przyszedł czas, gdy losy poezji zbiegły się z losami teatru.

W złotym wieku dzieciństwa ludzkości pierwszymi poetami ziemi byli wielcy greccy tragicy Ajschylos, Sofokles, Eurypides, podobnie jak dobrzy geniusze poezja pochylona nad kolebką teatru. Powołali go do życia, zmusili do służenia ludziom, wychwalając duchową moc człowieka, jego niezłomną siłę, moralną energię bohaterstwa. Przez tysiąclecia, które minęły od tego czasu, imię jednego z pierwszych bohaterów teatru jeszcze nie zanikło. Był to Prometeusz z Ajschylosa – zbuntowany wojownik przeciw Bogu, skazany przez Zeusa na wieczne męki za służenie ludziom, za rozpalanie dla nich ognia, uczenie ich rzemiosł i nauk. Przykuty do skały na zawsze z dumą wychwalał wolność i godność człowieka:

Wiedz dobrze, że nie zamieniłbym się

Twoje smutki w służalczą służbę,

Wolałbym być przykuty do skały

Czy jest lepszy sposób niż bycie sługą Zeusa?

Marks nazwał bohatera tragedii Ajschylosa „Związanym Prometeuszem” najszlachetniejszym świętym i męczennikiem w kalendarzu filozoficznym... Razem z Ajschylosem, jego młodszym rówieśnikem, Sofoklesem, równie namiętnie wychwalanym człowiekiem: „W przyrodzie jest wiele cudownych sił, ale silniejszy od człowieka nie.” Za nimi, jego potężnymi poprzednikami, wznosił się Eurypides – najtragiczniejszy poeta starożytnego świata. I być może najbardziej nieustraszony. Wyrzekając się zadanych wątków mitologicznych, wykuł prawdziwe charaktery ludzi żyjących intensywnymi namiętnościami, uczuciami, myśli, doświadczenia.

Według historii Ajschylos, Sofokles i Eurypides zapoczątkowali wielkie dzieło. Sprawa wieczna! Wiek po stuleciu – przez cały czas, we wszystkich epokach, w których żyły niezliczone pokolenia ludzkie, teatr niezmiennie, nierozerwalnie towarzyszył biegowi historii ludzkości.

Jakiekolwiek zmiany zaszły na Ziemi - epoka następowała po epoce, jedna

formacja społeczno-gospodarcza zastąpiła inną, powstawały i znikały państwa, kraje, imperia, monarchie, Atlantyda zniknęła w głębinach oceanu, wściekły Wezuwiusz zalał nieszczęsne Pompeje gorącą lawą, przez wiele wieków piaski niosły Troję, wysławioną przez Homera, do wzgórzu Hissarlik, ale nic nigdy nie przerwało wiecznego istnienia teatru.

Najstarsze stworzenie człowieka do dziś zachowuje niezmienną siłę przyciągania, niezniszczalną witalność, tę cudowną

eliksir młodości, którego tajemnicy nigdy nie odkryli alchemicy średniowiecza. We wszystkich poprzednich epokach, niezależnie od tego, ile ich jest, zawsze istniała w człowieku odwieczna potrzeba teatru. Ta potrzeba, która kiedyś pojawiła się podczas starożytnych dionizyjskich świąt winogron Rhea na cześć mitycznego bóstwa ziemskiej płodności

Ludzie zawsze potrzebowali teatru!

Dziesiątki tysięcy widzów – prawie cała populacja miast – przybyło na przedstawienia teatralne w Starożytna Grecja. Do dziś przypominają o tym majestatyczne, zniszczone przez czas amfiteatry, zbudowane w czasach nieskończenie odległych od nas.

Jak zmieniły się losy teatru w przeszłości! Doświadczył i przeżył wszystko, aż znalazł swój stały dom – budynek teatru. Jego występy odbywały się wszędzie – na placach i jarmarkach, na werandach kościołów, w zamku szlacheckiego pana feudalnego, w klasztorze klasztornym, w złoconej sali pałacowej, w gospodzie, w majątku szlacheckiego pańszczyźnianego właściciela, w szkole kościelnej, na wiejskim festiwalu.

Wszystko wydarzyło się w jego losie... Był przeklęty, znienawidzony, wygnany, poddany prześladowaniom i drwiom, karom i prześladowaniom, ekskomunikowany z Kościoła, grożony biczami i szubienicami, wszelkimi karami niebieskimi i ziemskimi.

Żadne próby, żadne kłopoty i przeciwności nie złamały wiecznej żywotności teatru.

Szkoła życia to najstarsza, najbardziej niesamowita i pełna emocji, najbardziej świąteczna, inspirująca, wspaniała szkoła jak żadna inna – taki jest teatr.

„Teatr to szkoła życia” – tak o nim mówiono od stulecia do stulecia. Mówili wszędzie w Rosji, Francji, Włoszech, Anglii, Niemczech, Hiszpanii…

Gogol nazwał teatr departamentem dobroci.

Herzen uznał go za najwyższy autorytet w rozwiązywaniu żywotnych kwestii.

Belinsky widział w teatrze cały świat, cały wszechświat z całą jego różnorodnością i wspaniałością. Widział w nim autokratycznego władcę uczuć, zdolnego wstrząsnąć wszystkimi strunami duszy, budząc się silny ruch w umysłach i sercach, aby odświeżyć duszę potężnymi wrażeniami. Widział w teatrze jakiś niezwyciężony, fantastyczny urok dla społeczeństwa.

Według Woltera nic nie zacieśnia więzów przyjaźni bardziej niż teatr.

Wielki niemiecki dramaturg Friedrich Schiller przekonywał, że „teatr wiedzie najlepiej wydeptaną drogę do umysłu i serca człowieka”.

Nieśmiertelny twórca Don Kichota Cervantes nazwał teatr „zwierciadłem ludzkiego życia, przykładem moralności, wzorem prawdy”.

Człowiek zwraca się do teatru jako odbicia swego sumienia, swojej duszy. Poznaje siebie, swój czas i swoje życie w teatrze. Teatr otwiera niesamowite możliwości samopoznania duchowego i moralnego.

I choć teatr ze swej natury estetycznej jest sztuką konwencjonalną, podobnie jak inne sztuki, to na scenie przed widzem nie pojawia się sama rzeczywista rzeczywistość, a jedynie jej artystyczne odbicie. Ale w tej refleksji jest tyle prawdy, że postrzega się ją w całej swojej bezwarunkowości, jako najbardziej autentyczne, prawdziwe życie. Widz rozpoznaje ostateczną rzeczywistość istnienia postaci scenicznych. Wielki Goethe wykrzyknął: „Cóż może być wspanialszą przyrodą niż ludzie Szekspira!”

Czyż nie w tym właśnie kryje się cudowna, duchowa, emocjonalna energia teatru?

wyjątkową oryginalność jego wpływu na nasze dusze.

A w teatrze, w tętniącej życiem wspólnocie ludzi zgromadzonych na scenie, wszystko jest możliwe: śmiech i łzy, smutek i radość, nieskrywane oburzenie i dziki zachwyt, smutek i szczęście, ironia i nieufność, pogarda i współczucie, strzeżona cisza i głośna aprobata, jednym słowem, całe bogactwo przejawów emocjonalnych i wstrząsów ludzkiej duszy.

Dobre przedstawienie pozostaje w repertuarze teatralnym na długo, ale za każdym razem, z każdym nowym spotkaniem z publicznością, rodzi się na nowo, rodzi się na nowo.

I nieważne, ile czasu minęło później między sceną a audytorium cudowny ogień związku duszy z myślą ponownie rozbłyśnie. A intensywność tej emocjonalnej, duchowej wymiany z pewnością wpłynie zarówno na grę aktora, jak i na całą atmosferę widowni.

Teatr Pietruszki Teatr Pietruszki Teatr Lalek Siergieja Obrazala teatry lalkowe

PETRUSZKA, „przydomek farsowej lalki, rosyjskiego błazna, dowcipnisia, dowcipnisia w czerwonym kaftanie i czerwonej czapce; Cały błazeński, marionetkowy legowisko nazywany jest też Pietruszką” (V. Dahl).

Kiedy i w jakim kraju powstał Teatr Parsley? Czyje ręce stworzyły pierwszą na świecie lalkę? Nikt tego nie wie i nie może wiedzieć, ponieważ wszystkie narody świata miały lalki tysiąc i dziesięć tysięcy lat temu.

Lalki robiono z gliny, drewna, słomy lub szmat. A dzieci się w nich bawiły: kładły je spać, leczyły, polowały na gliniane lub drewniane jelenie, słonie, hipopotamy. I to jest także teatr. Marionetka. Ponieważ aktorzy w nim to lalki.

W starożytności dorośli robili figurki przedstawiające bogów. Bogowie mają różne narody było wiele. Bóg słońca, bóg wody, bóg wojny, bóg łowów, a nawet bóg karalucha. Bogowie ci byli zrobieni z drewna, wyrzeźbieni z gliny lub wyrzeźbieni ze skóry w płaskie postacie i ukazani na naciągniętym płótnie w świetle lampy oliwnej. I nadal w wielu krajach, szczególnie w Ameryce Południowej, Afryce i Azji Południowo-Wschodniej, takie idee istnieją. To w połowie uwielbienie, w połowie przedstawienie kukiełkowe.

Stopniowo coraz częściej lalkami zaczęto odgrywać baśnie, bajki i różne zabawne, a czasem ostro satyryczne sceny. Istnieją cztery główne rodzaje prowadzenia lalek: na palcach, na sznurkach, na patykach i figurach cienia.

Główną bohaterką skeczy w Rosji była Pietruszka. Pietruszka była marionetką palców. Takie lalki do dziś grane są w wielu teatrach na całym świecie. Aktor z marionetką na palcach stoi za ekranem i podnosi rękę. Lalka widoczna jest nad ekranem.

Pierwsza wzmianka o teatrze lalek w Rosji pochodzi z 1609 roku. Jedną z pierwszych lalek była Pietruszka. Jego pełne imię i nazwisko Piotr Pietrowicz Uksusow. Po raz pierwszy w Rosji zobaczyłem pietruszkę Niemiecki pisarz, podróżnik i dyplomata Adam Olearius. To było prawie 400 lat temu!

Zabawne w tym bohaterze było to, że kiedy wszedł na „scenę”, od razu zaczął wszystkich bić kijem, a pod koniec przedstawienia wyszła śmierć i ściągnęła Pietruszkę ze sceny za długi nos. Pietruszka miał braci na całym świecie. Tak więc na Węgrzech był rycerz Laszlo. Wyróżniało go to, że bił wszystkich nie kijem jak pietruszka, ale patelnią.

Wróćmy jednak do Rosji. W 1730 r. w gazecie „St. Petersburg Wiedomosti” po raz pierwszy ukazał się artykuł o teatrze lalek, którego autor podał najlepszą definicję teatru lalek zdolnego „ukazywać naturę rzeczy”.

Zachowało się wiele opisów tych przedstawień ulicznych. W koniec XIX wieków producentów pietruszki łączono zwykle z młynarzami do organów. Od rana do późnego wieczora lalkarze chodzili z miejsca na miejsce, wielokrotnie w ciągu dnia powtarzając historię przygód Pietruszki – nie trwało to długo, a całe przedstawienie trwało 20-30 minut. Aktor niósł składany parawan i na ramieniu tobołek lub skrzynię z lalkami, a muzyk niósł ciężkie, do trzydziestu kilogramów, beczkowe organy.

Układ i kolejność scen uległy niewielkim zmianom, ale podstawowy rdzeń komedii pozostał niezmieniony. Pietruszka przywitał się z publicznością, przedstawił się i rozpoczął rozmowę z muzykiem. Kataryniarz od czasu do czasu stawał się partnerem Pietruszki: wdając się z nim w rozmowę, albo go upominał, a potem ostrzegał przed niebezpieczeństwem, albo sugerował, co robić. Te dialogi były uwarunkowane i to bardzo ważny powód o charakterze technicznym: z powodu piszczałki mowa Pietruszki nie zawsze była wystarczająco zrozumiała, a katarynarz, prowadząc dialog, powtarzał frazy Pietruszki, pomagając w ten sposób publiczności zrozumieć znaczenie jego słów.

S. V. Obrazcow w swojej książce „Na schodach pamięci” wspomina, jak jako dziecko widział występ Pietruszki: „Nad ekranem pojawił się ten, który piszczał. Pietruszka. Widzę go po raz pierwszy w życiu. Zabawne. Niezrozumiałe. Duży nos szydełko, duże zaskoczone oczy, rozciągnięte usta. Czerwona czapka, z tyłu jakiś zamierzony garb, a nie garb, i drewniane ramiona, które są płaskie jak łopatki. Bardzo śmieszne. Pojawił się i zaśpiewał tym samym nieludzkim piskliwym głosem.”

Wraz z nadejściem XX wieku „Komedia o Pietruszce” zaczyna szybko się upadać. Powodów było więcej niż wystarczająco. Przede wszystkim ułatwiała to wyjątkowo rygorystyczna kontrola władz, która doprowadziła do bezpośrednich prześladowań i zakazów. Strażników porządku i moralności irytowała wywrotowa treść niektórych scen, chamstwo i cynizm wypowiedzi oraz niemoralność zachowania bohatera. Sytuacja Pietruszki pogorszyła się jeszcze bardziej, gdy za pierwszym razem Wojna światowa. Głód i zniszczenia ogarnęły Rosję; ludzie nie mieli czasu na rozrywkę, a Pietruszka katastrofalnie szybko straciła widzów.

Aby zarobić na życie, lalkarze coraz częściej zaczynają wystawiać swoje komedie przed „dobrze wychowaną” dziecięcą publicznością. Są zapraszani na przyjęcia dla dzieci, choinki noworoczne; latem wyjeżdżają na dacze. Naturalnie w takich warunkach tekst i akcja wielu scen nieuchronnie uległy zmianie. Pietruszka stawał się niemal grzecznym chłopcem.

Pietruszka nie mogła znieść takiej przemocy. Straciwszy główne cechy swojego charakteru, straciwszy głównych partnerów, utraciwszy pilność sytuacji, uschnął i wkrótce stał się dla nikogo bezużyteczny. Próbowano go ożywić w przedstawieniach propagandowych pierwszych lat porewolucyjnych, a następnie w przedstawieniach edukacyjnych dla dzieci. Ale jego „dane” nie odpowiadały duchowi i charakterowi tych przedstawień i trzeba było go zastąpić innymi bohaterami. Tutaj zakończyła się historia Parsleya.

W przedrewolucyjnej Rosji istniało kino domowe, które można porównać do pomostu łączącego tradycyjne przedstawienia ludowe z nowym, nowoczesnym teatrem. Historia rosyjskich domowych przedstawień lalkowych najwyraźniej zaczyna się w koniec XVIII- początek XIX w. W XIX wieku animowane lalki nie straciły swojej powszechnej popularności, ale coraz częściej były klasyfikowane jako rozrywka dla dzieci. W kręgach wykształconych panował zwyczaj zapraszania lalkarza na przyjęcia dla dzieci, a czasem także samodzielnego dawania przedstawień kukiełkowych.

W przedrewolucyjnym domowym teatrze lalek można wyróżnić trzy typy przedstawień. Pojawili się najwyraźniej nie w tym samym czasie, ale wszyscy przetrwali do rewolucji październikowej.

Pierwszy rodzaj to przedstawienie kukiełkowe dla dzieci, wystawiane niemal bez udziału dorosłych. Postawa dorosłych jest zachęcająca, ale bierna; ich główną rolą jest rola widzów. To gra-performans, spektakl, w którym dziecko ma pełną swobodę. O takich występach można przeczytać u K. S. Stanisławskiego.

Drugi rodzaj to przedstawienie kukiełkowe dla dzieci, w wykonaniu dorosłych. Rola dorosłych staje się bardziej aktywna. Inicjatywa przechodzi w ich ręce. Domowa scena lalek służy celom edukacyjnym i szkoleniowym; Spektakl ma charakter pedagogiczny. Dzieci i dorośli zamieniają się miejscami: dzieci coraz częściej stają się widzami, dorośli – performerami i autorami spektakli.

Trzeci typ to występy dorosłych dla dorosłych. W kinie domowym ucieleśniane i rozwijane są koncepcje estetyczne, wystawiane są najlepsze przykłady literatury i dramatu, zaczynają się poruszać tematy polityczne i społeczne. Kino domowe przyciąga uwagę inteligencji artystycznej i staje się ośrodkiem teatralnych eksperymentów. Jego twórczość nabiera półprofesjonalnego, studyjnego charakteru.

Europejscy lalkarze spieszą się, aby wykorzystać nowe hobby Rosjan i otwierają w Rosji „teatry lalek dla dzieci”. Teatr lalek jest mocno zintegrowany z edukacją domową. Drukowane są broszury z „dziecięcymi” wersjami „Pietruszki”, „Poradniki budowania mały teatr i wszystko, co jest związane z działaniem postaci”, ukazują się dramatyzacje baśni z objaśnieniami, jak je wystawić na scenie lalek. Rosyjscy producenci rozpoczynają produkcję domowych lalek do kina domowego, stołowych teatrów kartonowych z zestawami figurek i dekoracje do różnych przedstawień.

Na początku XX wieku domowy teatr lalek „dojrzał” jeszcze bardziej. Jego repertuar coraz częściej wykracza poza zakres zadań edukacyjnych dzieci, coraz częściej porusza tematy dotyczące dorosłych.

Postępujące „dojrzewanie” publiczności i wykonawców domowego teatru lalek można tłumaczyć nie tylko koniecznością reagowania na wydarzenia polityczno-społeczne, wyrażania wobec nich swojego stosunku, ale także całym zespołem innych przyczyn.

Wśród nich jedno z głównych miejsc zajmuje rosnące zainteresowanie folklorem, zwłaszcza ludowym teatrem lalek. Inteligencja idzie obejrzeć występ ludowego lalkarza w budce. Jego twórczość coraz częściej budzi zdziwienie i podziw.

Historia tej lalki sięga początków XVII wieku. Chociaż ma wiele prototypów w teatrach ludowych Włoch, Francji, Niemiec i Turcji. Ogromną popularnością, przede wszystkim, cieszył się Teatr Parsley zwykli ludzie, a następnie wśród zamożniejszych warstw społeczeństwa.

Historia teatru

Teatr Ludowy Pietruszki jest jednym z najstarszych w Rosji. Dokładnie ustalono, że istniał on już w dawnych czasach początek XVII stuleci na Rusi. Potwierdzenie tego faktu można znaleźć w katedrze Hagia Sophia w Kijowie, gdzie fresk przedstawia lalkarza podnoszącego kurtynę.

Świadczą o tym także wpisy w pamiętniku podróży naukowca, dyplomaty i podróżnika Adama Oleariusa (Elschlägera), który był kilkakrotnie wznawiany. Dwukrotnie przebywał w Rosji: w latach 1633-1634 – jako sekretarz ambasady niemieckiej, w latach 1635-1639 – jako pracownik naukowy.

Olearius szczegółowo opisał teatr lalek Pietruszki, uzupełniając swoją opowieść ilustracją, wykonaną później przez rytownika na zlecenie autora. Charakter i typ przedstawienia kukiełkowe, w którą wcielił się Adam Olearius, sugeruje, że przedstawienia te były pierwowzorem XIX-wiecznego Teatru Pietruszki.

Opis teatru

Teatr Pietruszkowy był ekranem złożonym z ram mocowanych specjalnymi zszywkami, pokrytymi tkaniną, najczęściej perkalem. Konstrukcja ta była przymocowana do ciała lalkarza. Po podniesieniu go nad głowę tworzył się rodzaj sceny, na której odbywały się przedstawienia.

W XVII-wiecznym przedstawieniu teatru lalek Pietruszka brał udział guslar, czyli sygnalista, prowadzący dialog z lalką i publicznością. Muzyk zaprosił publiczność na występ i na koniec odebrał zapłatę.

Na Rusi lalkarzem Pietruszki mógł być tylko mężczyzna. Kiedy „prowadził” lalkę i wydawał jej głos, aktor włożył jej gwizdek (piszczak) do krtani. Sprawiło to, że głos bohatera był dźwięczny i donośny, co było konieczne na przedstawieniach targowych, gdzie obecna była duża liczba osób. Jednocześnie z powodu pisku mowa nie zawsze była zrozumiała, w takich przypadkach na ratunek przychodził akompaniator i wszystko widzowi wyjaśniał.

Historia lalki

Pietruszka to marionetka w rękawiczce, którą lalkarz zakłada na dłoń i steruje nią palcami. Postać ta ubrana jest w czerwoną koszulę, płócienne spodnie i spiczastą czapkę z chwostem na końcu. W słowniku V. I. Dahla Pietruszka jest pozycjonowana jako farsowa lalka, żartowniś, rosyjski błazen, dowcipniś w czerwonym kaftanie i czapce.

Jego wygląd wcale nie jest słowiański, chociaż był głównym bohaterem Rosjanina teatr ludowy Pietruszka. Lalka ma znacznie powiększone ramiona i głowę, które zostały wyrzeźbione z drewna poddanego specjalnej obróbce, aby je przyciemnić.

Pietruszka ma przerostowe rysy twarzy, ogromne oczy w kształcie migdałów z gałkami ocznymi biały i czarną tęczówkę. Duży, długi nos z garbem i szeroko otwartymi ustami, co niektórzy biorą za uśmiech, ale w rzeczywistości jest to złośliwy uśmiech. Pietruszka pojawił się dzięki lalce Pulcinelli, włoskiej postaci komediowej.

Pochodzenie imienia

Nie wiadomo na pewno, skąd ta lalka otrzymała imię Parsley. Istnieje wersja, w której słynny bohater komediowy został nazwany na cześć swojego imiennika, Pietro Mirro (Pedrillo lub Petrucha-Farnos). To był nadworny błazen rosyjskiej carycy Anny Ioannovny. Wersję tę wspomagają teksty i popularne druki (zabawne arkusze) identyczne z fabułą Teatru Parsley.

Istnieje również hipoteza, że ​​​​Pietruszka otrzymał swoje imię od znanych aktorów lalkarzy, którzy mieszkali w początek XVIII wieku, są to Piotr Iwanow i Piotr Jakubowski. Całkiem możliwe, że lalka otrzymała imię od jednej z tych zabaw, których występy cieszyły się wówczas największą popularnością.

Uważa się, że imię Pietruszki wynikało z podobieństwa jego profilu i dźwięcznego, hałaśliwego głosu z kogutem. Tę wersję potwierdza fakt, że w Rosji koguty nazywane są Petya, Petrusha.

Marionetka zyskała swoje imię już w „epoce Piotra”, kiedy to cesarz Piotr I, według jednego z wyrażeń, swoje reskrypty podpisywał nie piórem, lecz maczugą, a w wolnych chwilach pił i wygłupiał się pod pseudonimem Pietruszka Michajłow w „najbardziej pijanych katedrach”.

Skrypty wydajnościowe

W Teatrze Parsley było kilka scenariuszy. Główne wątki to kupno konia i jazda na nim, nauka bycia żołnierzem, przygotowanie ślubu, scena z żandarmem lub policjantem, z psem lub śmierć. Niemal każda scena pokazywała walkę Pietruszki z inną postacią, w której niezmiennie wygrywał.

Zwykle występ zaczynał się od tego, że Pietruszka chciał kupić konia, a akompaniator wołał cygańskiego sprzedawcę. Główny bohater długo przygląda się koniowi, po czym rozpoczyna długie targowanie się z Cyganem, w wyniku czego bije go kijem po plecach za próbę oszukania.

Potem Pietruszka wsiada na konia, ale ona go zrzuca i ucieka. Leży na ziemi i czeka na lekarza, który pojawia się później. Dochodzi także do konfliktu z lekarzem, który kończy się bójką z klubem. Później dochodzi do potyczki z żandarmem lub policjantem, w której Pietruszka również ich pokonuje kijem. A wszystko skończyło się spotkaniem z psem lub śmiercią, po której zmarł.

Popularność bohaterów Teatru Pietruszkowego

Wszystkie postaci biorące udział w przedstawieniu zmieniały się okresowo. Jedyną stałą był Pietruszka, którego nazywano także Piotrem Pietrowiczem Samowarowem, Wanką Ratatouille lub Piotrem Iwanowiczem Ukusowem. Komedia z jego udziałem była bardzo popularna i szeroko rozpowszechniona w Rosji. Miłość zwyczajni ludzie głównego bohatera przemówień tłumaczono na różne sposoby. Jedni argumentowali, że powodem była aktualność satyry, inni zaś mówili o przystępności, prostocie i zrozumiałości przemówień.

W miesięczniku „Dziennik pisarza” w 1876 r. F. M. Dostojewski napisał opowiadanie na temat teatru lalek Pietruszki. Opisuje w nim występ, który odbył się w petersburskim domu artystów. Ojcowie z dziećmi stali w tłumie i oglądali zawsze popularną komedię, a ten występ był najfajniejszą zabawą podczas całego święta. Autor zadaje pytania: dlaczego czujesz się tak zabawnie z powodu Pietruszki, tak szczęśliwy, kiedy na niego patrzysz? Dlaczego wszyscy są szczęśliwi – zarówno starzy, jak i dzieci?

Krewni pietruszki

Niektórzy historycy uważają, że Pietruszka ma tak zwanych krewnych w teatralnym świecie lalek innych krajów. Jest to na przykład Pulcinella – postać uważana za przodka pietruszki, odkąd pojawiła się w XVI wieku. We Francji jest to Polichinelle – bohater teatru ludowego, garbus, wesoły tyran i kpiarz. W Anglii jest to Punch, opisywany jako garbus ze spiczastym nosem w kształcie haczyka i noszący czapkę. Jest łotrem, wojownikiem, wesołym człowiekiem i biesiadnikiem.

W Turcji pierwowzorem Teatru Pietruszki był teatr cieni, którego główną bohaterką była lalka o imieniu Karagöz (po turecku – czarnooka). Miał także pogodną, ​​zarozumiałą osobowość. Niezadowolenie ludzi z istniejącej władzy często wyrażało się w scenach performatywnych.

W Niemczech bratem Parsleya była lalka Kaschperle (Casper), która brała także udział w występach komiksowych na targach i uroczystościach. Z natury Kasper był prostym, wesołym żartownisiem, który żartował na aktualne tematy.

Teatr Pietruszki w XIX wieku

Po pewnym czasie postać ta przestała istnieć jedynie jako performerka uliczna. Lalkarzy i akompaniatorów coraz częściej zaprasza się do domów panów, gdzie sceny z udziałem Pietruszki tracą na ostrości i aktualności. Przestaje zabijać i bić swoich partnerów scenicznych, a jedynie ich karci i wypędza.

Na przełomie XVIII i XIX w. w teatrze zaszły zmiany. Instrumenty muzyczne, takie jak harfa i gwizdek, są zastępowane przez skrzypce i organy. Ta ostatnia jest szczególnie rozpowszechniona. W rzeczywistości była pierwszą mechaniczną instrument muzyczny i podobał się publiczności. Nie wymagał specjalnych umiejętności gry i dlatego stopniowo zastępował harfę, skrzypce i brzęczyk.

Również w XIX wieku zmieniła się konstrukcja samego ekranu, obecnie składa się on z dwóch słupów, na których naciągana jest gruba tkanina, najczęściej barwiona, Kolor niebieski. Dzięki temu projektowi lalkarz pokazał swój występ.

Od dowcipu do bohatera dziecięcych przyjęć

Mowa Pietruszki zmienia się z pospolitej na bardziej akceptowalną dla dworków, a „pietruszka” nie jest już aktorem ulicznym, ale aktorem salonowym. Sama scena ozdobiona jest pięknymi, bujnymi draperiami, a uczestnicy spektaklu ubrani są w satynowe stroje z błyszczącymi świecidełkami, co nadaje występowi uroczystości i podniosłości.

Pietruszka ze złego dowcipu i nieprzyzwoitych dowcipów zmienia się w życzliwą, wesołą postać na dziecięcych przyjęciach i porankach. Co więcej, po pewnym czasie odradza się z marionetki w rękawiczce w marionetkę, podobnie jak jego zagraniczni krewni Pulcinella, Polichinelle, Punch i Karagöz. Coraz częściej można zobaczyć występ marionetki Pietruszki, a nie marionetki w rękawiczce.

Pietruszka w XX wieku

W Czas sowiecki pojawia się Nowa postać- Towarzyszu Pietruszka, jednocześnie schodzi ze sceny i zamienia się w bohatera opowieści i sztuki literackie. Teraz nie ma starego Teatru Pietruszki, w którym wiele było dozwolone. W XX wieku zatracono frywolność fabuła wydarzenia przedstawione w sztukach i opowiadaniach mają na celu promowanie higieny, umiejętności czytania i pisania oraz recyklingu.

Z pierwotnego Pietruszki pozostała tylko skłonność do oskarżania. Wskazuje, identyfikuje i potępia pijaków i próżniaków, a także wyjaśnia czytelnikom elementarne standardy przyzwoitości i przyzwoitego zachowania w społeczeństwie.

Transformacji ulega także wygląd lalki. W ten sposób czerwona koszula, w którą był wcześniej ubrany Pietruszka, zamienia się w tunikę lub bluzkę, a zamiast spiczastej czapki na głowie pojawia się czapka, budenovka lub czapka. Nawet jego długi nos z garbem skraca się i początkowo staje się zadarty, a później staje się zupełnie zwyczajny.

Pietruszka w czasach nowożytnych

Historia Teatru Pietruszka jest obecnie badana przez naukowców i znawców teatru. A dziś ta postać nie przeżyła swojej użyteczności. Na przykład Pietruszka stał się bohaterem baletu o tej samej nazwie, który często utożsamiany jest ze swoistym emblematem Rosjan. sezony baletowe.

Był naprawdę kluczową postacią dla twórczości kompozytora I. F. Strawińskiego, który napisał wspaniałą muzykę do baletu, dla założyciela klasycznej rosyjskiej szkoły baletowej M. M. Fokina, który stworzył to przedstawienie, a także dla tancerza W. Niżyńskiego, którzy grali główne role w tym balecie.

Pietruszka pozostała na obrazie nieprzejednanego bojownika z niesprawiedliwością i cechy negatywne osoba. Naśmiewając się z tego wszystkiego, próbuje to zmienić na lepsze.

W Sztuka ludowa też było wiadomo teatr lalek: teatr marionetek(w nim lalki sterowano za pomocą nici), Teatr Pietruszki z kukiełkami w rękawiczkach (lalki zakładano na palce lalkarza) oraz szopka(w nim lalki były trwale przymocowane do prętów i przesuwane wzdłuż szczelin w pudełkach).

Szczególnym upodobaniem publiczności cieszył się Teatr Parsley. W XIX wieku Teatr Pietruszki był najpopularniejszym i najbardziej rozpowszechnionym rodzajem teatru lalek w Rosji. Składał się z lekkiego składanego parawanu, pudełka z kilkoma lalkami (liczba postaci zwykle waha się od 7 do 20), organów beczkowych oraz drobnych rekwizytów (patyków lub pałek, grzechotek, wałków itp.). Teatr Parsley nie znał scenerii. Lalkarz w towarzystwie muzyka, zwykle katarynki, spacerował od podwórza do podwórza i dawał tradycyjne występy Pietruszki. Zawsze można go było spotkać na festynach i jarmarkach ludowych. Głównym bohaterem był Pietruszka, od którego imienia nazwano teatr. Bohater ten nazywał się także Piotr Iwanowicz Uksusow, Piotr Pietrowicz Samowarow itp. Powstał pod wpływem włoskiego teatru lalek Pulcinello, z którym Włosi często występowali w Petersburgu i innych miastach.

Osobne sceny satyryczne prezentowane były w Teatrze Pietruszka. JESTEM. Gorki zauważył, że „niezwyciężony marionetkowy bohater pokonał wszystkich i wszystko: księży, policję, diabła i śmierć. On sam pozostał nieśmiertelny”. 1

Tak to opisał D.A. Występ Rowińskiego w Teatrze Pietruszka, którego był świadkiem:

„Ta komedia grana jest w Moskwie, niedaleko Nowinskiego. […] Jej treść jest bardzo prosta: najpierw pojawia się Pietruszka, kłamie w wierszach najróżniejsze bzdury, świszcząc i nosowo w nosie - rozmowa prowadzona jest przez maszynę do pisania umieszczoną obok podniebienie, nad językiem, dokładnie tak samo, jak to się robi u Francuzów i Włochów. Pojawia się Cygan, ofiarowuje Pietruszce konia. Pietruszka go ogląda i otrzymuje od konia kopnięcia, najpierw w nos, potem w brzuch.Cała komedia wypełniona jest kozłami i kopniakami, to one są dla widza częścią najistotniejszą i najbardziej śmieszną. Jest targ - mówi Cygan bez maszyny do pisania, basowym głosem. Po długich targach, Pietruszka kupuje konia, Cygan odchodzi. Pietruszka siada na swoim zakupie, zakup uderza go w przód i w tył, zrzuca Pietruszkę i ucieka, zostawiając go martwego na scenie. Następuje żałosne wycie. Pietruszka i lamenty nad przedwczesną śmiercią Dobry człowiek. Przychodzi Doktor:

Gdzie boli?

Tutaj!

I tu?

Okazuje się, że w Pietruszce wszystko boli. Ale kiedy Doktor dociera do czułego miejsca, Pietruszka podskakuje i uderza go w ucho; Doktor stawia opór, rozpoczyna się bójka, skądś pojawia się kij, którym Pietruszka w końcu uspokaja Doktora.

Jakim jesteś Doktorem” – krzyczy do niego Parsley – „jeśli pytasz, gdzie boli?” Po co się uczyłeś? Powinieneś wiedzieć, gdzie boli!

Jeszcze kilka minut – pojawia się Kvartalny, czyli marionetkowo „oficer fatalny”. Ponieważ na scenie leży trup, Pietruszka zostaje poddana rygorystycznemu przesłuchaniu (w wysokich tonach):

Dlaczego zabiłeś Doktora?

Odpowiedź (w nosie):

Bo słabo zna się na swojej nauce – patrzy na to, co ma na sobie, nie widzi, a nawet go pyta.

Słowo po słowie widać, że Pietruszce nie podobają się przesłuchania Fatalnego. Chwyta stary kij i dochodzi do walki, która kończy się zniszczeniem i wypędzeniem Fatala, ku powszechnemu zachwytowi widzów; Ten marionetkowy protest przeciwko policji zwykle wywołuje prawdziwą sensację wśród społeczeństwa.

Wydawałoby się, że sztuka się skończyła; ale co zrobić z pietruszką? I wtedy na scenę wbiega drewniany pudel, przyklejony ogonem i nogami skrawkami ubitej waty, i zaczyna szczekać z całych sił (szczekanie robi husky od dołu).

Kochanie – pieści ją Pietruszka – zamieszkajmy ze mną, nakarmię cię kocim mięsem.

Ale Shavochka bez wyraźnego powodu chwyta Pietruszkę za nos; Pietruszkę na bok, ona bierze go za rękę, on bierze ją do drugiej, ona znowu chwyta go za nos; Wreszcie Pietruszka podejmuje haniebny lot. Na tym komedia się kończy. Jeśli jest dużo widzów i swata Pietruszkina, tj. główny komik otrzymuje wódkę, po czym następuje specjalna przerwa Ślub Pietruszki. Nie ma w nim fabuły, za to jest sporo akcji. Pietruszki przyprowadza swoją narzeczoną Varyushę; przygląda się jej jak koń. Pietruszka bardzo lubił Varyushkę i nie może znieść czekania na ślub, dlatego zaczyna ją błagać: „Poświęć się, Varyushka!” Wtedy to się dzieje scena końcowa, w którym nie może być obecna płeć piękna. To już prawdziwy i „ostatni koniec” spektaklu; następnie Pietruszka wychodzi na zewnętrzną scenę budki, aby kłamać najróżniejsze bzdury i zapraszać publiczność na nowy występ.

W przerwach między akcjami spektaklu prezentowane są zazwyczaj tańce dwóch Arapoków, czasem cała przerywnik o Pani ukąszonej przez węża (Ewie?); tutaj wreszcie pokazano dwóch Pagliacci bawiących się piłkami i kijem. To ostatnie wychodzi niezwykle sprytnie i zabawnie w wykonaniu doświadczonych lalkarzy: lalka nie ma ciała, a jedynie sztuczną prostą spódniczkę, do której naszyta jest pusta kartonowa głowa i ramiona, również puste, po bokach. Lalkarz wkłada palec wskazujący w głowę lalki, a pierwszy i trzeci palec w dłonie; Zwykle zakłada lalkę na każdą rękę i w ten sposób działa dwiema lalkami na raz. Podczas komedii lalkowej zawsze pojawiają się organy beczkowe, które zastępują stare klasyczne dudy, harfę i gwizdek; Jednocześnie młynek do organów pełni funkcję „podpowiadacza”, tj. wchodzi w rozmowy z Pietruszką, zadaje mu pytania i namawia, aby bez przerwy kontynuował kłamstwa.”2