Wielcy włoscy artyści renesansu. Wielcy artyści renesansu Przesłanie na temat artystów renesansu

Z klasyczną kompletnością renesans zrealizował się we Włoszech, w kulturze renesansu, w której występują okresy: protorenesans lub czasy zjawisk przedrenesansowych („era Dantego i Giotta”, około 1260-1320), częściowo zbiega się z okresem Ducento (XIII w.), a także Trecento (XIV w.), Quattrocento (XV w.) i Cinquecento (XVI w.). Bardziej ogólne okresy są Wczesny renesans(14-15 wieków), kiedy nowe trendy aktywnie współdziałają z gotykiem, pokonując go i twórczo przekształcając.

A także wysoki i późny renesans, którego szczególną fazą był manieryzm. W epoce Quattrocento w centrum uwagi znalazła się szkoła florencka, architekci (Filippo Brunelleschi, Leona Battista Alberti, Bernardo Rossellino i inni), rzeźbiarze (Lorenzo Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Antonio Rossellino, Desiderio da Settignano), malarze (Masaccio) innowacji we wszystkich rodzajach sztuki, Filippo Lippi, Andrea del Castagno, Paolo Uccello, Fra Angelico, Sandro Botticelli), którzy stworzyli plastycznie integralną koncepcję świata z wewnętrzną jednością, która stopniowo rozprzestrzeniła się po całych Włoszech (dzieło Piero della Francesca w Urbino, Vittore Carpaccio, Francesco Cossa w Ferrarze, Andrea Mantegna w Mantui, Antonello da Messina oraz bracia Gentile i Giovanni Bellini w Wenecji).

Rzeczą naturalną, że czas, który przywiązywał centralne znaczenie do „boskiej” twórczości ludzkiej, wyłonił w sztuce osobowości, które – przy całym bogactwie talentów tamtych czasów – stały się uosobieniem całych epok Kultura narodowa(osobowości – „tytani”, jak ich później romantycznie nazywano). Giotto stał się uosobieniem Protorenesansu; przeciwne aspekty Quattrocento – konstruktywna surowość i uduchowiony liryzm – wyrażali odpowiednio Masaccio, Angelico i Botticelli. „Tytani” średniego (lub „wysokiego”) renesansu Leonardo da Vinci, Rafael i Michał Anioł to artyści – symbole wielkiego przełomu New Age jako takiego. Kluczowe etapy Architektura włoskiego renesansu - wczesny, średni i późny - jest monumentalnie ucieleśniona w dziełach F. Brunelleschi, D. Bramante i A. Palladio.

W okresie renesansu średniowieczną anonimowość zastąpiła indywidualna, autorska twórczość. Teoria liniowości i perspektywa powietrzna, proporcje, zagadnienia anatomii oraz modelowanie światła i cienia. Centrum renesansowych innowacji, artystyczne „zwierciadło epoki”, było iluzoryczne na wzór natury malarstwo sceniczne, V sztuka religijna zastępuje ikonę, a w sztuce świeckiej daje początek niezależnym gatunkom pejzażu, malowanie domu, portret (ten ostatni odegrał pierwszoplanową rolę w wizualnej afirmacji ideałów humanistycznego virtu). Sztuka grawerowania w drewnie i metalu, która w okresie reformacji stała się prawdziwie rozpowszechniona, zyskuje ostateczną, samoistną wartość. Rysunek zmienia się ze szkicu roboczego w odrębne gatunki kreatywność; indywidualny styl kreski, kreski, a także faktura i efekt niekompletności (non-finito) zaczynają być cenione jako niezależne efekty artystyczne. Malarstwo monumentalne także staje się malownicze, iluzoryczne i trójwymiarowe, zyskując większą wizualną niezależność od masy muru. Wszystkie typy Dzieła wizualne teraz w ten czy inny sposób naruszają monolityczną średniowieczną syntezę (w której dominowała architektura), uzyskując względną niezależność. Powstają rodzaje posągów absolutnie okrągłych, pomników jeździeckich i popiersi portretowych (pod wieloma względami odwołujących się do starożytnej tradycji); nowy typ uroczysty nagrobek rzeźbiarski i architektoniczny.

Podczas Wysoki renesans, kiedy walka o humanistyczne ideały renesansu nabrała intensywnego i heroicznego charakteru, architekturę i sztuki piękne naznaczyła szerokość społecznego brzmienia, syntetyczna ogólność i siła obrazów pełnych duchowego i duchowego aktywność fizyczna. W budynkach Donato Bramante, Raphaela, Antonio da Sangallo idealna harmonia, monumentalność i wyraźna proporcjonalność osiągnęły apogeum; humanistyczna pełnia, śmiały lot wyobraźni artystycznej, szerokość rzeczywistości są charakterystyczne dla twórczości największych mistrzów sztuk pięknych tej epoki - Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła, Giorgione, Tycjana. Od drugiej ćwierci XVI wieku, kiedy Włochy weszły w czas kryzysu politycznego i rozczarowania ideami humanizmu, twórczość wielu mistrzów nabrała złożonego i dramatycznego charakteru. W architekturze późnego renesansu (Giacomo da Vignola, Michał Anioł, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi) wzrosło zainteresowanie przestrzennym zagospodarowaniem kompozycji i podporządkowaniem budowli szerokiemu planowi urbanistycznemu; w bogato i kompleksowo zagospodarowanych budynkach użyteczności publicznej, świątyniach, willach i pałacach wyraźną tektonikę wczesnego renesansu ustąpił miejsca intensywnemu konfliktowi sił tektonicznych (budowle Jacopo Sansovino, Galeazzo Alessi, Michele Sanmicheli, Andrea Palladio). Malarstwo i rzeźbę późnego renesansu wzbogaciło zrozumienie sprzeczności natury świata, zainteresowanie ukazywaniem dramatycznych akcji masowych, dynamiką przestrzenną (Paolo Veronese, Jacopo Tintoretto, Jacopo Bassano); osiągnął niespotykaną głębię, złożoność, wewnętrzną tragedię cechy psychologiczne obrazy w późniejszych dziełach Michała Anioła i Tycjana.

Szkoła w Wenecji

Szkoła Wenecka, jedna z głównych szkół malarskich we Włoszech, mająca swój ośrodek w Wenecji (częściowo także w małych miasteczkach Terraferma – terenach kontynentu sąsiadujących z Wenecją). Szkołę wenecką charakteryzuje dominacja zasady obrazowości, szczególne zainteresowanie problematyką koloru oraz chęć ucieleśnienia zmysłowej pełni i barwności życia. Ściśle powiązany z krajami Zachodnia Europa i Wschodu Wenecja czerpała z obcej kultury wszystko, co mogło ją ozdobić: elegancję i złoty blask Bizantyjskie mozaiki, kamienne otoczenie mauretańskich budynków, fantastyczny charakter gotyckich świątyń. Jednocześnie wykształcił swój własny, oryginalny styl w sztuce, skłaniający się ku ceremonialnej barwności. Szkołę wenecką cechuje świecka, afirmująca życie zasada, poetyckie postrzeganie świata, człowieka i natury oraz subtelna kolorystyka.

Szkoła wenecka osiągnęła swój największy rozkwit w epoce wczesnego i wysokiego renesansu, w twórczości Antonello da Messina, który otworzył dla swoich współczesnych możliwości ekspresyjne obraz olejny, twórcy idealnie harmonijnych obrazów Giovanniego Belliniego i Giorgione, największego kolorysty Tycjana, który ucieleśniał w swoich płótnach radość i bogactwo barw właściwe malarstwu weneckiemu. W twórczości mistrzów szkoły weneckiej drugiej połowy XVI wieku wirtuozja w oddaniu wielobarwnego świata, zamiłowanie do odświętnych widowiska i różnorodnej publiczności współistnieją z oczywistym i ukrytym dramatem, nieprzyjemne uczucie dynamika i nieskończoność wszechświata (obraz Paolo Veronese i Jacopo Tintoretto). W XVII wieku tradycyjne zainteresowanie problematyką koloru dla szkoły weneckiej w twórczości Domenico Fettiego, Bernardo Strozziego i innych artystów współistniało z technikami malarstwa barokowego, a także nurtami realistycznymi w duchu karawagizmu. Malarstwo weneckie XVIII wieku charakteryzuje się rozkwitem malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego (Giovanni Battista Tiepolo), gatunku codziennego (Giovanni Battista Piazzetta, Pietro Longhi), dokumentalnego pejzażu architektonicznego - vedata (Giovan Antonio Canaletto, Bernardo Belotto) i liryczny, subtelnie oddający poetycką atmosferę Życie codzienne Pejzaż Wenecji (Francesco Guardi).

Szkoła florencka

Szkoła Florencka, jedna z wiodących włoskich szkół szkoły artystyczne Renesans, skupiony w mieście Florencja. Powstaniu szkoły florenckiej, która ostatecznie ukształtowała się w XV wieku, sprzyjał rozkwit myśli humanistycznej (Francesco Petrarch, Giovanni Boccaccio, Lico della Mirandola i in.), która zwróciła się w stronę dziedzictwa antyku. Założycielem szkoły florenckiej w okresie protorenesansu był Giotto, który nadał swoim kompozycjom plastyczną siłę przekonywania i żywą autentyczność.
W XV wieku założycielami sztuki renesansu we Florencji byli architekt Filippo Brunelleschi, rzeźbiarz Donatello, malarz Masaccio, a następnie architekt Leon Battista Alberti, rzeźbiarze Lorenzo Ghiberti, Luca della Robbia, Desiderio da Settignano, Benedetto da Maiano i inni mistrzowie. W architekturze szkoły florenckiej w XV wieku powstał nowy typ renesansowego pałacu i rozpoczęto poszukiwania idealnego typu budowli świątynnej, spełniającej humanistyczne ideały epoki.

Sztukę piękną szkoły florenckiej XV wieku cechuje fascynacja problematyką perspektywy, dążenie do plastycznej klarownej konstrukcji postaci ludzkiej (dzieła Andrei del Verrocchio, Paolo Uccello, Andrea del Castagno), a dla wielu swoich mistrzów – szczególna duchowość i intymna kontemplacja liryczna (malarstwo Benozzo Gozzoli, Sandro Botticellego, Fra Angelico, Filippo Lippiego). W XVII wieku szkoła florencka popadła w ruinę.

Dane referencyjne i biograficzne „Art Gallery of the Small Bay Planet” przygotowano na podstawie materiałów z „Historii sztuki zagranicznej” (pod redakcją M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), „The Art Encyclopedia of Foreign Art” sztuka klasyczna„, „Wielka encyklopedia rosyjska”.

Niewątpliwym osiągnięciem renesansu był poprawny geometrycznie projekt obrazu. Artysta budował obraz wykorzystując wypracowane przez siebie techniki. Najważniejszą rzeczą dla ówczesnych malarzy było zachowanie proporcji obiektów. Nawet natura podlegała matematycznym technikom obliczania proporcjonalności obrazu z innymi obiektami na obrazie.

Innymi słowy, artyści epoki renesansu starali się oddać wierny obraz np. osoby na tle natury. Jeśli porównamy to z nowoczesnymi technikami odtwarzania widzianego obrazu na płótnie, najprawdopodobniej fotografia z późniejszymi zmianami pomoże zrozumieć, do czego dążyli artyści renesansu.

Malarze renesansu wierzyli, że mają prawo korygować wady natury, to znaczy, jeśli ktoś ma brzydkie rysy twarzy, artyści poprawiają je w taki sposób, aby twarz stała się słodka i atrakcyjna.

Leonardo da Vinci

Renesans stał się taki dzięki wielu kreatywne osoby który żył w tym czasie. Światowej sławy Leonardo da Vinci (1452 - 1519) stworzył ogromną liczbę arcydzieł, których koszt sięga milionów dolarów, a koneserzy jego sztuki są gotowi długo kontemplować jego obrazy.

Leonardo rozpoczął studia we Florencji. Jego pierwszym obrazem, namalowanym około 1478 roku, jest „Benois Madonna”. Potem były takie dzieła jak „Madonna w grocie”, „Mona Lisa”, wspomniana już „Ostatnia wieczerza” i mnóstwo innych arcydzieł, napisanych ręką tytana renesansu.

Rygor proporcji geometrycznych i dokładne odwzorowanie budowy anatomicznej człowieka – to właśnie charakteryzuje obrazy Leonarda da Vinci. W jego przekonaniu sztuka przedstawiania określonych obrazów na płótnie jest nauką, a nie tylko jakimś hobby.

Rafał Santi

Raphael Santi (1483 - 1520), znany w świecie sztuki jako Raphael, swoje dzieła tworzył we Włoszech. Jego obrazy przepojone są liryzmem i wdziękiem. Rafael to przedstawiciel renesansu, który przedstawiał człowieka i jego egzystencję na ziemi, uwielbiał malować ściany katedr watykańskich.

Obrazy zdradzały jedność postaci, proporcjonalną zgodność przestrzeni i obrazów oraz eufonię koloru. Czystość Dziewicy była podstawą wielu obrazów Rafaela. Jego pierwszym wizerunkiem Matki Bożej jest Madonna Sykstyńska, namalowana przez słynnego artystę w 1513 roku. Portrety, które stworzył Rafael, odzwierciedlały idealny wizerunek człowieka.

Sandro Botticellego

Sandro Botticelli (1445 - 1510) jest także artystą renesansu. Jednym z jego pierwszych dzieł był obraz „Pokłon Trzech Króli”. Subtelna poezja i marzycielstwo były jego początkowymi manierami w przekazie obrazów artystycznych.

Na początku lat 80. XV wieku wielki artysta malował ściany Kaplicy Watykańskiej. Freski wykonane jego ręką do dziś zachwycają.

Z czasem jego obrazy zaczęto charakteryzować się spokojem starożytnych budynków, żywotnością przedstawionych postaci i harmonią obrazów. Ponadto znana jest pasja Botticellego do rysunków znanych dzieł literackich, co również tylko dodało sławy jego twórczości.

Michał Anioł Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475 – 1564) to włoski artysta, który tworzył także w epoce renesansu. Ten człowiek, znany wielu z nas, zrobił wszystko, co mógł. I rzeźba, i malarstwo, i architektura, i także poezja. Michał Anioł, podobnie jak Rafael i Botticelli, malował ściany kościołów watykańskich. Przecież tylko najzdolniejsi malarze tamtych czasów zajmowali się tak ważnym dziełem, jak malowanie obrazów na ścianach katedr katolickich. Musiał pokryć ponad 600 metrów kwadratowych Kaplicy Sykstyńskiej freskami przedstawiającymi różne sceny biblijne. Najbardziej znane dzieło w tym stylu znane jest nam jako „Sąd Ostateczny”. Znaczenie historii biblijnej jest wyrażone w pełni i wyraźnie. Taka precyzja w przekazie obrazów jest charakterystyczna dla całej twórczości Michała Anioła.

Narody Europy starały się wskrzesić skarby i tradycje utracone w wyniku niekończących się wojen eksterminacyjnych. Wojny zabrały z powierzchni ziemi ludzi i wielkie rzeczy, które ludzie stworzyli. Idea odrodzenia wysokiej cywilizacji świat starożytny powołano do życia filozofię, literaturę, muzykę, powstanie nauki przyrodnicze i - przede wszystkim - rozkwit sztuki. Epoka wymagała ludzi silnych, wykształconych, nie bających się żadnej pracy. To właśnie wśród nich możliwe stało się wyłonienie tych nielicznych geniuszy, których nazywa się „tytanami renesansu”. Ci sami, których nazywamy tylko po imieniu.

Renesans był przede wszystkim włoski. Nic więc dziwnego, że to właśnie we Włoszech sztuka osiągnęła w tym okresie najwyższy rozkwit i rozkwit. To tutaj pojawiają się dziesiątki nazwisk tytanów, geniuszy, wielkich i po prostu utalentowanych artystów.

MUZYKA LEONARDA.

Co za szczęściarz! – powie o nim wielu. Obdarzony rzadkim zdrowiem, przystojny, wysoki i miał niebieskie oczy. W młodości nosił blond loki, a jego dumny wygląd przypominał mu Świętego Jerzego Donatella. Miał niesłychaną, odważną siłę i męskie męstwo. Wspaniale śpiewał, komponował melodie i wiersze przed swoją publicznością. Grałem na dowolnym instrument muzyczny Co więcej, sam je stworzył.

Dla sztuki Leonarda da Vinci współcześni i potomkowie nigdy nie znaleźli innych definicji niż „genialny”, „boski” i „wielki”. Te same słowa odnoszą się do jego odkryć naukowych: wynalazł czołg, koparkę, helikopter, łódź podwodną, ​​spadochron, broń automatyczną, hełm do nurkowania, windę, rozwiązał najbardziej złożone problemy akustyki, botaniki, medycyny, kosmografii , stworzył projekt okrągłego teatru, wynalezionego sto lat wcześniej niż Galileusz, wahadło zegarowe, przyciągało prąd narciarstwo wodne, rozwinął teorię mechaniki.

Co za szczęściarz! - wielu powie o nim i zacznie wspominać jego ukochanych książąt i królów, którzy szukali z nim znajomości, przedstawień i wakacji, które wymyślił jako artysta, dramaturg, aktor, architekt i bawił się przy nich jak dziecko.

Czy jednak szczęśliwy był niepohamowany stulatek Leonardo, którego każdy dzień dostarczał ludziom i światu wizji i spostrzeżeń? Przewidział straszny los swoich dzieł: zniszczenie Ostatniej Wieczerzy, zestrzelenie pomnika Franceski Sforzy, niski handel i haniebną kradzież jego pamiętników i zeszytów ćwiczeń. W sumie do dziś przetrwało jedynie szesnaście obrazów. Niewiele rzeźb. Ale rysunków, zakodowanych rysunków było mnóstwo: niczym bohaterowie współczesnej fantastyki naukowej zmienił szczegół w swoim projekcie, tak jakby inny nie mógł z niego skorzystać.

Pracował w nim Leonardo da Vinci różne rodzaje i gatunki sztuki, ale największą sławę przyniosło mu malarstwo.

Jednym z najwcześniejszych obrazów Leonarda jest Madonna Kwiatowa lub Madonna Benois. Już tutaj artysta zachowuje się jak prawdziwy innowator. Łamie granice tradycyjna fabuła i nadaje obrazowi szersze, uniwersalne znaczenie, jakim jest macierzyńska radość i miłość. W tym dziele wyraźnie zamanifestowało się wiele cech twórczości artysty: wyraźna kompozycja postaci i objętość form, chęć zwięzłości i uogólnienia, psychologiczna ekspresja.

Kontynuacją rozpoczętego tematu był obraz „Madonna Litta”, w którym wyraźnie ujawniła się kolejna cecha twórczości artystki – gra kontrastami. Dopełnieniem tematu był obraz „Madonna w grocie”, w którym odnotowano idealne rozwiązanie kompozycyjne, dzięki któremu przedstawione postacie Madonny, Chrystusa i aniołów łączą się z krajobrazem w jedną całość, obdarzoną spokojną równowagą i harmonią .

Jednym ze szczytów twórczości Leonarda jest fresk „ Ostatnia Wieczerza„w refektarzu klasztoru Santa Maria Della Grazie. Ta praca jest nie tylko niesamowita ogólny skład, ale także dokładność. Leonardo nie tylko oddaje stan psychiczny apostołów, ale robi to w momencie, w którym do niego dochodzi punkt krytyczny przeradza się w psychologiczną eksplozję i konflikt. Wybuch ten jest spowodowany słowami Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. Leonardo w pełni wykorzystał w tej pracy technikę specyficznego porównywania postaci, dzięki czemu każda postać jawi się jako niepowtarzalna indywidualność i osobowość.

Drugim szczytem twórczości Leonarda był słynny portret Mony Lisy, czyli La Gioconda. Dzieło to zapoczątkowało gatunek portret psychologiczny V Sztuka europejska. Tworząc go, wielki mistrz znakomicie wykorzystał cały arsenał narzędzi ekspresja artystyczna: ostre kontrasty i miękkie półtony, zamrożony bezruch oraz ogólna płynność i zmienność, subtelne psychologiczne niuanse i przejścia. Cały geniusz Leonarda tkwi w niesamowicie żywym wyglądzie Mony Lisy, jej tajemniczym i tajemniczy uśmiech, mistyczna mgła spowijająca krajobraz. Dzieło to jest jednym z najrzadszych arcydzieł sztuki.

Każdy, kto widział „La Giocondę” przywiezioną z Luwru w Moskwie, pamięta chwile całkowitej głuchoty przy tym małym płótnie, napięcie tego, co najlepsze w sobie. Gioconda wydawał się „Marsjaninem”, przedstawicielem nieznanego – zapewne przyszłości, a nie przeszłości ludzkiego plemienia, ucieleśnieniem harmonii, o której świat nie jest zmęczony i nie znudzi się marzyć.

Można o nim powiedzieć dużo więcej. Dziwię się, że to nie fikcja ani fantasy. Pamiętacie na przykład, jak proponował przeniesienie katedry San Giovanni – takie dzieło zadziwia nas, mieszkańców XX wieku.

Leonardo powiedział: „ Dobry artysta musi umieć napisać dwie główne rzeczy: osobę i przedstawienie jej duszy. A może mówi się o „Orliku” z Ermitażu w Petersburgu? Niektórzy badacze nazywają ją, a nie płótno Luwru, „La Gioconda”.

Chłopiec Nardo, tak miał na imię w Vinci: nieślubny syn notariusza literackiego, który uważał ptaki i konie za najlepsze stworzenia na Ziemi. Kochany przez wszystkich i samotny, który wyginał stalowe miecze i malował wisielców. Wynalazca mostu na Bosforze i idealne miasto, piękniejsze niż te Corbusiera i Niemeyera. Śpiewał delikatnym barytonem i wywoływał uśmiech Mony Lisy. W jednym ze swoich ostatnich notatników ten szczęściarz napisał: „Wydawało mi się, że uczę się żyć, ale uczę się umierać”. Następnie jednak podsumował to: „Dobrze przeżyte życie to długie życie”.

Czy można nie zgodzić się z Leonardem?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli urodził się we Florencji w 1445 roku w rodzinie garbarza skórzanego.

Pierwszy na czas oryginalna praca Botticelli uważany jest za „Pokłon Trzech Króli” (około 1740 r.), w którym główną cechą jego oryginalnego sposobu bycia – marzycielstwo i subtelna poezja. Miał wrodzony zmysł poezji, ale dosłownie we wszystkim przenikał go wyraźny dotyk kontemplacyjnego smutku. Nawet święty Sebastian, dręczony strzałami swoich oprawców, wygląda na zamyślonego i oderwanego od niego.

Pod koniec lat 70. XIV w. Botticelli zbliżył się do kręgu faktycznego władcy Florencji, Lorenza Medici, zwanego Wspaniałym. W luksusowych ogrodach Lorenzo zgromadziło się towarzystwo ludzi, prawdopodobnie najbardziej światłych i utalentowanych we Florencji. Byli tam filozofowie, poeci i muzycy. Panowała atmosfera zachwytu nad pięknem, ceniono nie tylko piękno sztuki, ale także piękno życia. Prototyp sztuki idealnej i idealne życie Starożytność była rozpatrywana, postrzegana jednak przez pryzmat późniejszych warstw filozoficznych. Bez wątpienia pod wpływem tej atmosfery pierwsi Duży obraz Botticelli „Primavera (wiosna)”. To zjawiskowa, wykwintna, cudownie piękna alegoria wiecznego cyklu, stała aktualizacja Natura. Jest przesiąknięty tym, co najbardziej złożone i kapryśne rytm muzyczny. Postać Flory, ozdobiona kwiatami, tańcząca wdziękami rajski ogród przedstawiały obrazy piękna wówczas jeszcze nie widzianego i dlatego wywoływały szczególnie urzekające wrażenie. Młody Botticelli natychmiast zajął czołowe miejsce wśród mistrzów swoich czasów.

To właśnie wysoka reputacja młodego malarza zapewniła mu zamówienie na freski biblijne do Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, które stworzył na początku lat osiemdziesiątych XIV wieku w Rzymie. Napisał „Sceny z życia Mojżesza”, „Karę Koracha, Datana i Abirona”, wykazując się niesamowitym kunsztem kompozytorskim. Klasyczny spokój starożytnych budowli, na tle którego Botticelli umieścił akcję, ostro kontrastuje z dramatycznym rytmem przedstawionych postaci i namiętności; ruch ciała ludzkie złożony, zagmatwany, pełen wybuchowej siły; stwarza wrażenie trzęsącej się harmonii, bezbronności widzialny świat przed szybką presją czasu i ludzkiej woli. Freski Kaplicy Sykstyńskiej po raz pierwszy wyraziły głęboki niepokój, który żył w duszy Botticellego, który z czasem nasilał się. Te same freski ukazały niesamowity talent Botticellego jako malarza portretów: każda z wielu namalowanych twarzy jest całkowicie oryginalna, niepowtarzalna i niezapomniana...

W latach osiemdziesiątych XIV wieku, wracając do Florencji, Botticelli kontynuował niestrudzoną pracę, ale spokojna przejrzystość Primery była już daleko za nim. W połowie dekady napisał swoje słynne „Narodziny Wenus”. Badacze zauważają w późniejszej twórczości mistrza niezwykły wcześniej moralizm i egzaltację religijną.

Być może ważniejsze od późnego malarstwa są rysunki Botticellego z lat 90. – ilustracje do „ Boska komedia» Dante. Malował z wyraźnym i nieskrywanym zachwytem; Wizje wielkiego poety z miłością i pieczołowitością oddają doskonałe proporcje licznych postaci, przemyślana organizacja przestrzeni, niewyczerpana zaradność w poszukiwaniu wizualnych odpowiedników słowa poetyckiego...

Mimo wszelkich burz i kryzysów psychicznych Botticelli do końca pozostał wielkim artystą, mistrzem swojej sztuki (zmarł w 1510 r.). Dobitnie o tym świadczy szlachetna rzeźba twarzy w „Portrecie młody człowiek", wyrazista cecha modelu, nie pozostawiająca wątpliwości co do jego wysokości godność człowieka, solidny rysunek mistrza i jego przyjazne spojrzenie.

Renesans - czas rozkwitu intelektualnego we Włoszech, który wpłynął na rozwój ludzkości. Ten wspaniały czas rozpoczął się w XIV wieku i zaczął upadać w XVI wieku. Nie da się znaleźć ani jednego obszaru działalności człowieka, na który renesans nie wpłynął. Rozkwit ludzkiej kultury, twórczości, sztuki, nauki. Polityka, filozofia, literatura, architektura, malarstwo – wszystko to nabrało nowego oddechu i zaczęło się rozwijać w niezwykle szybkim tempie. Większość najwybitniejszych artystów, którzy odeszli, o sobie wieczna pamięć w pracach i który opracował większość zasad i praw malarstwa, żył i tworzył właśnie w tym czasie. Renesans stał się łykiem dla ludzi świeże powietrze i początek nowego życia, prawdziwego rewolucja kulturalna. Zasady życia średniowiecza upadły, a człowiek zaczął dążyć do wyżyn, jakby realizując swój prawdziwy cel na Ziemi - tworzenie i rozwój.

Odrodzenie to nic innego jak powrót do wartości z przeszłości. Na nowo przemyśleno wartości z przeszłości, m.in. takie jak wiara i szczera miłość do sztuki, twórczości i twórczości. Świadomość człowieka we wszechświecie: człowiek jako korona natury, korona boskiego stworzenia, sam będąc twórcą.

Najbardziej znany artysta Renesans to Alberti, Michał Anioł, Rafael, Albrecht Durer i wielu innych. Swoją twórczością wyrazili ogólną koncepcję wszechświata, koncepcje dotyczące pochodzenia człowieka, które opierały się na religii i mitach. Można powiedzieć, że właśnie wtedy pojawiło się pragnienie artystów, aby nauczyć się tworzyć realistyczny obraz osoby, natury, rzeczy, a także zjawisk niematerialnych - uczuć, emocji, nastroju itp. Początkowo Florencja była uważana za centrum renesansu, ale w XVI wieku zdobyła Wenecję. To właśnie w Wenecji mieścili się najważniejsi dobroczyńcy czy mecenasi renesansu, tacy jak Medyceusze, papieże i inni.

Nie ma wątpliwości, że renesans wpłynął na bieg rozwoju całej ludzkości w każdym tego słowa znaczeniu. Dzieła sztuki z tamtego okresu do dziś należą do najdroższych, a ich autorzy na zawsze zapisali się w historii. Malarstwo i rzeźba renesansu uważane są za bezcenne arcydzieła i do dziś stanowią przewodnik i przykład dla każdego artysty. Wyjątkowa sztuka zachwyca pięknem i głębią designu. Każdy człowiek powinien wiedzieć o tym niezwykłym czasie, jaki wydarzył się w historii naszej przeszłości, bez którego dziedzictwa nie sposób wyobrazić sobie naszej teraźniejszości i przyszłości.

Leonardo da Vinci – Mona Lisa (La Gioconda)

Rafael Santi – Madonna

Pierwsze zwiastuny sztuki renesansowej pojawiły się we Włoszech w XIV wieku. Artyści tamtych czasów, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) i (przede wszystkim) Giotto (1267-1337) tworząc obrazy o tradycyjnej tematyce religijnej, zaczęto wykorzystywać nowe techniki artystyczne: zbudowanie trójwymiarowej kompozycji z wykorzystaniem pejzażu w tle, co pozwoliło uczynić obrazy bardziej realistycznymi i animowanymi. To wyraźnie oddzieliło ich twórczość od dotychczasowej tradycji ikonograficznej, pełnej konwencji obrazu.
Termin używany do określenia ich kreatywności Protorenesans (1300 - „Trecento”) .

Giotto di Bondone (ok. 1267-1337) – włoski artysta i architekt epoki prarenesansowej. Jedna z kluczowych postaci w historii Sztuka zachodnia. Pokonawszy tradycję bizantyjskiego malowania ikon, stał się prawdziwym założycielem całkowicie rozwiniętej włoskiej szkoły malarstwa nowe podejście do obrazu przestrzeni. Prace Giotta inspirowane były twórczością Leonarda da Vinci, Rafaela, Michała Anioła.


Wczesny renesans (XV w. – Quattrocento).

Na początku XV wieku Filippo Brunelleschiego (1377-1446), florencki naukowiec i architekt.
Brunelleschi chciał, aby postrzeganie zrekonstruowanych przez niego łaźni i teatrów było bardziej wizualne i próbował stworzyć obrazy z geometryczną perspektywą na podstawie swoich planów z określonego punktu widzenia. W trakcie tych poszukiwań odkryto bezpośrednia perspektywa.

Pozwoliło to artystom uzyskać doskonałe obrazy trójwymiarowej przestrzeni na płaskim płótnie malarskim.

_________

Kolejnym ważnym krokiem na drodze do renesansu było pojawienie się sztuki niereligijnej, świeckiej. Portret i krajobraz stały się niezależnymi gatunkami. Nawet tematy religijne zyskały inną interpretację - artyści renesansu zaczęli uważać swoje postacie za bohaterów o wyraźnym charakterze indywidualne cechy i motywacja człowieka do działania.

Bardzo znany artysta ten okres - Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanniego Belliniego (1430-1516), Antonello z Messyny (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticellego (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) – słynny malarz włoski, największy mistrz szkoły florenckiej, reformator malarstwa epoki Quattrocento.

Fresk. Cud ze statrem.

Obraz. Ukrzyżowanie.

Piero Della Francesco (1420-1492). Prace mistrza wyróżnia majestatyczna powaga, szlachetność i harmonia obrazów, uogólnione formy, równowaga kompozycyjna, proporcjonalność, precyzja konstrukcji perspektywicznych oraz miękka paleta pełna światła.

Fresk. Historia królowej Saby. Kościół San Francesco w Arezzo

Sandro Botticellego(1445-1510) – wielki malarz włoski, przedstawiciel szkoły malarstwa florenckiego.

Wiosna.

Narodziny Wenus.

Wysoki renesans („Cinquecento”).
Nastąpił największy rozkwit sztuki renesansowej dla pierwszej ćwierci XVI w.
Pracuje Sansovino (1486-1570), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafał Santi (1483-1520), Michał Anioł Buonarotti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), tycjanowski (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) stanowią złoty fundusz sztuki europejskiej.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florencja) (1452-1519) – włoski artysta (malarz, rzeźbiarz, architekt) i naukowiec (anatom, przyrodnik), wynalazca, pisarz.

Autoportret

Dama z gronostajem. 1490. Muzeum Czartoryskich, Kraków

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci osiągnął ogromną umiejętność oddania mimiki ludzkiej twarzy i ciała, sposobów przekazywania przestrzeni i konstruowania kompozycji. Jednocześnie jego prace tworzą harmonijny obraz człowieka spełniającego humanistyczne ideały.

Madonna Litta. 1490-1491. Ermitaż.

Madonna Benois (Madonna z kwiatem). 1478-1480

Madonna z goździkiem. 1478

W ciągu swojego życia Leonardo da Vinci sporządził tysiące notatek i rysunków na temat anatomii, ale swojej pracy nie opublikował. Dokonując sekcji ciał ludzi i zwierząt, dokładnie oddał budowę szkieletu i narządy wewnętrzne, w tym małe części. Według profesora anatomii klinicznej Petera Abramsa: Praca naukowa da Vinci wyprzedziła swoje czasy o 300 lat i pod wieloma względami przewyższała słynną „Anatomię Graya”.

Lista wynalazków, zarówno rzeczywistych, jak i przypisywanych mu:

Spadochron, doZamek Olessovo, wrower, tanka, llekkie mosty przenośne dla wojska, sprojektor, doatakult, roba, DTeleskop Vuhlensa.

Następnie opracowano te innowacje Rafał Santi (1483-1520) – wielki malarz, grafik i architekt, przedstawiciel szkoły umbryjskiej.

Autoportret. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) – włoski rzeźbiarz, artysta, architekt, poeta, myśliciel.

Obrazy i rzeźby Michała Anioła Buonarottiego są pełne heroicznego patosu, a zarazem tragicznego poczucia kryzysu humanizmu. Jego obrazy gloryfikują siłę i moc człowieka, piękno jego ciała, podkreślając jednocześnie jego samotność w świecie.

Geniusz Michała Anioła odcisnął piętno nie tylko na sztuce renesansu, ale także na wszystkich późniejszych kultura światowa. Jego działalność jest związana głównie z dwoma Włoskie miasta- Florencja i Rzym.

Jednak najbardziej ambitne plany artysta mógł zrealizować właśnie w malarstwie, gdzie dał się poznać jako prawdziwy innowator koloru i formy.
Na zlecenie papieża Juliusza II namalował sufit Kaplicy Sykstyńskiej (1508-1512), przedstawiający opowieść biblijna od stworzenia świata do potopu i zawiera ponad 300 figurek. W latach 1534-1541 w tym samym Kaplica Sykstyńska dla papieża Pawła III wykonał wspaniały, dramatyczny fresk „Sąd Ostateczny”.
Kaplica Sykstyńska 3D.

Twórczość Giorgione i Tycjana wyróżnia zainteresowanie pejzażem i poetyka fabuły. Obaj artyści osiągnęli wielkie mistrzostwo w sztuce portretu, za pomocą którego przekazali charakter i bogactwo. wewnętrzny świat ich postacie.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) – artysta włoski, przedstawiciel szkoła wenecka obraz.

Śpiąca Wenus. 1510

Judyta. 1504g

Tycjan Vecellio (1488/1490-1576) – malarz włoski, największy przedstawiciel Szkoła wenecka wysokiego i późnego renesansu.

Tycjan malował obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, zasłynął także jako portrecista. Otrzymywał rozkazy od królów i papieży, kardynałów, książąt i książąt. Tycjan nie miał nawet trzydziestu lat, kiedy został uznany za najlepszego malarza Wenecji.

Autoportret. 1567

Wenus z Urbino. 1538

Portret Tommaso Mostiego. 1520

Późny renesans.
Po splądrowaniu Rzymu przez siły cesarskie w 1527 r. włoski renesans wszedł w okres kryzysu. Już w twórczości zmarłego Rafaela zarysowała się nowa linia artystyczna, tzw manieryzm.
Epokę tę charakteryzują nadmuchane i przerywane linie, wydłużone lub nawet zdeformowane postacie, często nagie, napięte i nienaturalne pozy, niezwykłe lub dziwaczne efekty związane z rozmiarem, oświetleniem lub perspektywą, stosowaniem żrącej gamy chromatycznej, przeładowaną kompozycją itp. pierwsi mistrzowie manieryzmu Parmigianino , Pontormo , Bronzino- mieszkał i pracował na dworze książąt Medyceuszy we Florencji. Moda manierystyczna rozprzestrzeniła się później w całych Włoszech i poza nimi.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - „mieszkaniec Parmy”) (1503-1540) Włoski artysta i rytownik, przedstawiciel manieryzmu.

Autoportret. 1540

Portret kobiety. 1530.

Pontormo (1494-1557) – malarz włoski, przedstawiciel szkoły florenckiej, jeden z twórców manieryzmu.


W latach dziewięćdziesiątych XVI wieku sztuka zastąpiła manieryzm barokowy (dane przejściowe - Tintoretto I El Greco ).

Jacopo Robusti, lepiej znany jako Tintoretto (1518 lub 1519-1594) - malarz szkoły weneckiej późnego renesansu.

Ostatnia Wieczerza. 1592-1594. Kościół San Giorgio Maggiore w Wenecji.

El Greco ("Grecki" Domenikos Theotokopoulos ) (1541-1614) – artysta hiszpański. Z pochodzenia - Grek, pochodzący z Krety.
El Greco nie miał współczesnych naśladowców, a jego geniusz odkryto na nowo prawie 300 lat po jego śmierci.
El Greco uczył się w pracowni Tycjana, jednak jego technika malarska znacznie różni się od techniki jego nauczyciela. Prace El Greco charakteryzują się szybkością i wyrazistością wykonania, co zbliża je do malarstwa współczesnego.

Chrystus na krzyżu. OK. 1577. Zbiory prywatne.

Trójca. 1579 Prado.