Druga symfonia nazywa się Borodin. Aleksander Borodin. Bohater muzyki rosyjskiej. Charakterystyczne cechy epickiej symfonii Borodina

Cel lekcji: Uogólnienie i utrwalenie materiałów edukacyjnych na temat twórczości Borodina.

1) edukacyjny :

– znajomość muzyki przepełnionej potężną, gigantyczną mocą.
– utrwalić wiedzę z terminologii muzycznej

2) rozwijający się :

- rozwijać twórcza wyobraźnia chłopaki, spróbujcie „zobaczyć” tę muzykę „w sobie”.
– rozwijanie umiejętności dzieci do pracy w grupie

3) edukacyjny:

– pielęgnować zainteresowanie twórczością Borodina
– pielęgnować chęć zapoznania się z dodatkową literaturą muzyczną.

Wyposażenie: magnetofon, odtwarzacz, akordeon guzikowy, karty, reprodukcja obrazu Wasnetsowa „Trzej bohaterowie”, karty z kluczem wiolinowym - za nagrodę za poprawną odpowiedź.

Kto nie zna się na muzyce, wiele traci.
A kto nie śpiewa piosenek, nie żyje szczęśliwie.

Dziś na zajęciach będziemy kontynuować rozmowę o twórczości Borodina i wysłuchamy „Symfonii Bogatyra”, która jest jego drugą symfonią.

Zapisz temat lekcji.

Ale najpierw chcę pamiętać wszystko, o czym rozmawialiśmy na ostatniej lekcji.

(6 osób pracuje nad kartkami z indywidualnymi zadaniami według uznania nauczyciela, a klasa odpowiada na pytania nauczyciela.)

A więc, co pamiętasz o Borodinie?

1. Ile zawodów miał kompozytor Borodin? – Odpowiedzi są rozdawane
2. Do jakiej organizacji muzycznej był członkiem? Kluczowe karty
3. Kto był organizatorem „Potężnej Garści”?
4. Główny cel kompozytorów „Potężnej Garści”?
5. Co jeszcze stworzyli członkowie „Potężnej Garści”?
6. Kogo uważa się za kompozytora operowego? (RK)
7. Ile oper napisał Borodin?
8. Kto mu opowiedział fabułę opery „Książę Igor”?

Kochani, z muzyką Borodina zapoznaliśmy się już w pierwszym kwartale, kiedy słuchaliśmy jego Kwartetu. Zapamiętajmy tę muzykę.

Słuchanie Kwartetu Borodina.

(Ilustracja)

Czym jest kwartet w muzyce?

Przypomnijmy sobie teraz, jakie instrumenty brzmiały w kwartecie kompozytora. Wybierz z obrazków na tablicy potrzebne nam instrumenty.Dzieci usuwają niepotrzebne karty, zostawiając 2 skrzypce, altówkę, wiolonczelę.

Wyświetlanie ilustracji ciągów. (Z albumu „Orkiestra Symfoniczna”)

Nowy temat:

„Temat heroiczny” słychać w sztuce rosyjskiej od dawna. Często spotykamy go w sztuce ludowej, poezji, literaturze, muzyce, malarstwie, kinie, teatrze. Dzieje się tak dlatego, że od czasów starożytnych do naszych czasów wrogowie atakowali Ruś ze wszystkich stron, próbując przejąć nasze ziemie, bogactwa i zniewolić nasz naród. Wizerunek bohatera narodził się w sztuce rosyjskiej jako wizerunek potężnego obrońcy Ojczyzny. („Iwan Susanin” Glinki, „Książę Igor” Borodina, „Wojna i pokój”, „Aleksander Newski” Prokofiewa.

Druga symfonia Borodina nazywa się „Symfonia Bogatyra”

Słuchanie tej muzyki. widzisz przed sobą potężnych i wolnych ludzi, takich jak rycerze z obrazu Wasnetsowa.

Szeroki, ekspansywny początek drugiej części przywodzi na myśl rozległość stepów Zawołżańskich. Dawno, dawno temu istniały jurty nomadów. Czasami po horyzoncie przemykały chmury jeźdźców na spienionych koniach. Stepowe przestrzenie zawsze przyciągały rosyjskich bohaterów.

Melodia 1 część Symfonii, jest melodia główna. W muzyce Borodina można poczuć silnych, potężnych ludzi, bohaterskich ludzi. Odważne, surowe, mocne brzmienia w niskim rejestrze smyczków główny temat, przywołując wyobrażenia o nieodpartej, „gigantycznej” sile legendarnych bohaterów.

To uczucie nie znika pomimo drugiej melodii, która jest gładsza i bardziej liryczna.

Jest szeroki, lekki i duży. Przesiąknięty rosyjską pieśnią i melodyjnymi intonacjami. Temat drugi zdaje się wprowadzać słuchaczy w „scenę akcji”. Wiolonczele brzmią miękko (jakby opisując naturę)

Słuchanie fragmentu. Oddziel tematy 1 i 2, podnosząc rękę.

Opisz muzykę jednym słowem.

(Nauczyciel przy tablicy ...Smutny, tragiczny, jesień)

A teraz musisz wykonać trudne zadanie. Ciekawie jest wiedzieć, jakim typem słuchaczy stałeś się w ciągu ostatnich 5 lat. Teraz napiszesz analizę muzyki, której słuchałeś.

Spróbuj porozmawiać o tej pracy tak, aby osoba, która jej nie zna, miała o niej pojęcie.

(Dzieci zapisują w zeszytach analizę muzyki odtwarzanej w klasie. 5-10 zdań)

Przeczytaj analizę (2-4 osoby)

Muzyka, podobnie jak literatura, jest powiązana ze sztukami wizualnymi. (malarstwo, rzeźba). Chociaż to połączenie objawia się w zupełnie inny sposób. Wiersze można śpiewać, ich treść można wyrazić w poezji lub prozie.

Związek muzyki ze sztukami pięknymi jest inny:

Osoba ma nie tylko słuch wewnętrzny - zdolność słyszenia „mentalnie”, „wewnątrz siebie” tego, co w rzeczywistości nie brzmi, ale także wizję „wewnętrzną” - zdolność widzenia „wewnątrz siebie”, którego w tym momencie tak naprawdę nie ma przed nim oczy.

Chcę pokazać wam dobrze znany obraz Wasnetsowa „Trzej bohaterowie”.

Przedstawiając na obrazie bohaterów rosyjskich eposów - Ilję Muromiec, Dobrynyę Nikiticza, Aloszę Popowicza, artysta ucieleśniał ideę wielkości i potęgi Rosjan. Ludzie. W pozach i figurach można wyczuć majestatyczny spokój i pewność siebie. Za bohaterami rozciągały się ogromne odległości.

Co łączy muzykę I części symfonii Borodina z obrazem Wasnetsowa? Co łączy te dwa dzieła?

Obydwa dzieła ucieleśniają cechy charakteru, które zawsze były nieodłączne od narodu rosyjskiego. Dlatego dzieła te do dziś nie tracą na swej sile. Zarówno w filmie, jak i w muzyce głównymi bohaterami są ludzie, potężni, silni, których charakter ujawnia się w sytuacjach krytycznych. I opis natury, bez której sztuka by się udusiła.

Kabalewski powiedział: „Dla poety, kompozytora, artysty i dla każdego z nas nie ma przyrody bez człowieka”.

Teraz postaramy się zaśpiewać z Wami główną melodię symfonii, tak aby pozostała w naszej pamięci

Dzieci stojące śpiewają melodię głównego tematu symfonii.

Teraz zrelaksujmy się trochę i posłuchajmy muzyki.

QUIZ MUZYCZNY

1. „Skowronek” Glinki
2. Wokalizuj Rachmaninow
3.Walc Czajkowskiego z baletu „Śpiąca królewna”

Kończąc dzisiejszą rozmowę o A.P. Borodino, nie przestaję podziwiać tego człowieka. Ile dobroci i energii nosił w sobie ten człowiek. Nie miał własnych dzieci, przyjął 3 dziewczynki. Dużo śmieszne historie mu się przydarzyło.

Posłuchaj wiadomości chłopaków:

1 dziecko:

Czasem radosne muzyczne myśli przychodziły mu do głowy niespodziewanie, podczas spotkania lub podczas eksperymentu chemicznego. Borodin pospiesznie zapisał je na pierwszej kartce papieru. Aby nie ścierały się, wymyślił sposób ich zabezpieczenia: posmarował je białkiem jaja lub żelatyną, a następnie powiesił na sznurku, aby wyschły jak pranie. Patrzenie na tego wielkiego naukowca było zabawne i wzruszające. Dziecięco dumny ze swojego prostego wynalazku.

drugie dziecko:

Dawno, dawno temu, słynny Rosjanin kompozytor Borodin wracał z przyjacielem po wieczorze, podczas którego wraz z przyjaciółmi śpiewał i grał muzykę. O tej późnej godzinie na ulicy było już bardzo ciemno, ale towarzyszom to nie przeszkadzało, znali dobrze drogę i szli dalej, rozmawiając z ożywieniem.

Nagle towarzysz Borodina zatrzymał się w wielkim zdumieniu. Borodin, który właśnie szedł obok niego, zniknął. Cóż, jakby upadł na ziemię.

I rzeczywiście, po kilku sekundach spod ziemi rozległy się dźwięki fletu. Co się stało? Borodin faktycznie wpadł do otwartego włazu do piwnicy. W obawie o flet, który niósł ze sobą Borodin, ledwo budzący się z upadku, od razu zaczął sprawdzać, czy drogi mu instrument nie jest uszkodzony.

Podsumowując to, co dzisiaj usłyszałem, proszę o odpowiedź na moje pytania:

1. Jakie uczucia i nastroje wywoływała ta muzyka?
2. Jak to się nazywa kompozycja muzyczna? Ile tematów przesłuchaliśmy?
3. Gdybyś był kompozytorem, jaki tytuł nadałbyś temu utworowi?
4. główny pomysł?
5. Jakimi środkami autor tego dokonał?

Czy muzy mogą przenieść nas do innej epoki?

Byliśmy właśnie na zajęciach i teraz...

Nagranie utworu „Pursuit” z filmu „Nieuchwytny…”

Ta piosenka przenosi nas w zupełnie inny czas. Wojna domowa, jej bohaterowie. Ale chłopaki lubią oglądać przygody „nieuchwytnego” i śpiewać piosenkę „Pursuit”

Kontynuujmy naukę piosenki.

Melodia tupotu „Byk z wargami”
Nauka piosenki „Pogoń”
Praca nad dykcją w refrenie.
Wykonywanie piosenek na prośbę ucznia.

Dzieła symfoniczne A.P. Borodina

A.P. Borodin stworzył tylko dwie symfonie (trzecia nie została ukończona). II Symfonia jest obok opery „Książę Igor” najważniejszym dziełem kompozytora. Symfonię po raz pierwszy wykonano w 1877 roku na jednym z koncertów rosyjskich towarzystwo muzyczne i nie został doceniony. Premiera w Moskwie, która odbyła się w 1880 roku, była triumfem. Nazwę symfonii „Bogatyrskaja” nadał W.W. Stasow, on też sformułował program każdej części: I – Zgromadzenie bohaterów

II – Gry Bohaterów

III – Pieśń akordeonu guzikowego

IV – Święto Bohaterów

I. Dramaturgia symfonii. Symfonia jest pierwszym przykładem rosyjskiego symfonizmu epickiego. Bieguny figuratywne symfonii można umownie przedstawić jako antytezę „las – step”, najwyraźniej przejawiają się one w tematach tematycznych, które obejmują dwie sfery - rosyjską i wschodnią (pierwsza prezentowana jest w większej skali, druga często obecna jako „odwrotna strona” „rosyjskich tematów”).

1. Tematykę rosyjską w symfonii reprezentują różne gatunki:

Taniec – I element tematu głównego Części I, wątek tematyczny Części II, temat przewodni finału

Pieśniowy, przeciągnięty liryczny temat poboczny pierwszej części, poboczny temat finału (takt 3\2)

Pieśń epicka – temat przewodni części III

Melodia instrumentalna – Część II (temat główny), poszczególne zwroty tematu głównego Części IV

2. Tematyka wschodnia kojarzona jest przede wszystkim z Azją (a nie z Kaukazem), co jest charakterystyczne dla całej twórczości Borodina. Motywy orientalne charakteryzują się ostinatowym basem, synkopowaną melodią i wykwintnymi zmienionymi harmoniami (II część Allegretto).

II. Kontrast tematyczny odpowiada zasadom dramaturgii epickiej. Tematy nie kolidują ze sobą, lecz są ze sobą zestawiane. Ich rozmieszczenie tworzy serię kolorowych kontrastujących obrazów. Zasada porównania realizowana jest na wszystkich poziomach formy: na poziomie tematycznym (porównuje się szczegółowe przedstawienia tematów we wszystkich częściach, najwyraźniej w rozdziałach i podrozdziałach części I); na poziomie odcinków jednej części (przykład – Część I); na poziomie porównania części cyklu.

III. Podstawą modalną są tryby ludowe, moll naturalny (część III), tryby siedmiostopniowe:

Gl.t. Część I – frygijska

Pob.t. Część I – miksolidyjska

Temat części IV – z kwartą lidyjską

IV. Metrorytm – stosowanie liczników zmiennych i złożonych, częste występowanie synkopów.

V. Niezwykłe jest odczytanie kompozycyjne części cyklu. Kompozytor preferuje formę sonatową bez opracowania. W części I rozwój nadal spełnia motywacyjno-tematyczną zasadę rozwoju, choć konkuruje z nią zasada zmienności. W przyszłości Borodin stroni od rozwoju, co odpowiada bezkonfliktowemu typowi dramaturgii. Część IV jest formą sonatową typu rondo.

VI. Specyfika orkiestracji polega na zasadzie stylizacji barwy (odtwarzane jest brzmienie instrumentów ludowych).

4023 pocierać

Tuner gitarowy z automatycznym przełączaniem Flight FAT-46G.

Tuner włącza się i wyłącza automatycznie. Aby go włączyć, przesuń głowicę tunera do pozycji pionowej. Aby wyłączyć tuner, przesuń głowicę tunera do pozycji poziomej.

Funkcja oszczędzania energii automatycznie wyłącza urządzenie, jeśli nie jest używane dłużej niż 5 minut.

Sposób montażu: klips

Zakres częstotliwości: Subkontraoktawa A0 (27,50 Hz) – Do piątej oktawy C8 (4186 Hz)
Dokładność: +-1 września
Kalibracja: 440 Hz
Moc: 3B (bateria litowa CR2032)

467 pocierać

Zoom G5N to wieloefektowy procesor dla gitarzystów. Projektując G5n, głównym celem było stworzenie najlepszej kolekcji efektów gitarowych, jaką kiedykolwiek zaoferowano gitarzystom. W G5n znajdziesz dziesiątki klawiszy, od „FunkSauce” po „Texas Toast” i od „Carlos” po „Heavensent”.

Procesor gitarowy G5n zawiera 68 wysokiej jakości efektów DSP oraz 10 realistycznych emulatorów wzmacniaczy i kolumn stworzonych kiedykolwiek przez Zoom Sound Lab.

G5n oferuje świeże spojrzenie nie tylko na podstawowe efekty gitarowe, takie jak overdrive, zniekształcenie, kompresja, EQ, opóźnienie, pogłos, flanger, fazer, vibrato i chorus, ale także unikalne multiefekty, takie jak Seq Filter, Gold Drive, Reverse Opóźnienie, sala HD i echo OSC.

Możesz podłączyć G5n bezpośrednio do systemu PA lub interfejsu audio, korzystając z jednego z 10 całkowicie nowych emulatorów wzmacniaczy i obudów.

Zoom stale rekrutuje utalentowanych profesjonalnych gitarzystów do współpracy z nami w celu odblokowania bogatych możliwości, jakie oferuje G5n. Procesor zawiera 100 nowych, ręcznie wykonanych patchy zaprojektowanych w celu odtworzenia najlepszego brzmienia gitary najlepsi muzycy ostatnie dziesięciolecia, takich jak Eddie Van Halen, Jimi Hendrix, Jimmy Page, Carlos Santana, Michael Schenker i Brian May. Ponadto dostępne są zupełnie nowe style i kombinacje specjalnie dla graczy G5n.

Nowoczesne brzmienie Naszywka „Lead BGN” pomoże Ci wyróżnić się z tłumu, natomiast patch „Phazed” odtworzy intensywne brzmienie wzmacniacza lampowego z fazerem. Patch „UFO” ustawi korektor parametryczny w stylu gitarzysty prowadzącego zespołu o tej samej nazwie, a „DreamWorld” idealnie połączy chrupiący overdrive, wzmocniony Tape Echo (opóźnienie taśmy) i pogłos.

Dzięki oprogramowaniu ZOOM Guitar Lab zawsze będziesz mógł odkryć nowe efekty, emulatory wzmacniaczy i kolumn oraz uzyskać dostęp do stale powiększającej się biblioteki ekskluzywnych poprawek tworzonych przez profesjonalnych gitarzystów.

Proces konfiguracji jest prosty i intuicyjny, dzięki wyjątkowemu dużemu wyświetlaczowi, który pozwala szybko dodawać, usuwać lub zmieniać kolejność efektów. Na zwykłym pedalboardzie wykonanie takich zadań wymaga wiele więcej wysiłku. G5n posiada również cztery niezależne wyświetlacze, które pomogą Ci znaleźć idealny dźwięk. Banki pamięci są przywoływane bardzo łatwo i generalnie naśladują wrażenia z używania kostki efektowej. W pamięci urządzenia możesz przechowywać do 200 własnych łańcuchów efektów w postaci zestawów, a dostęp do każdego z nich można uzyskać po prostu naciskając przełącznik nożny.

Pedał ekspresji G5n umożliwia płynną kontrolę tonu, głośności lub wybranych parametrów w czasie rzeczywistym, a efekty są wyzwalane w locie za pomocą przełączników nożnych przypominających stompbox. A kiedy grasz solo na gitarze, przydatny będzie wbudowany wzmacniacz wyjściowy G5n. Dedykowany przełącznik nożny Tap Tempo pomaga łatwo zsynchronizować wzorce rytmiczne i czasy opóźnień z rytmem oraz uporządkować dźwięk.

G5n jest w stanie poradzić sobie ze złożonymi zadaniami, które normalnie wymagałyby arsenału kostek efektowych, wzmacniaczy i kolumn. Jednocześnie można zastosować do dziewięciu efektów oraz modeli wzmacniaczy i kolumn. Połącz je w łańcuch w dowolnej kolejności. G5n ma możliwości setek pełnoprawnych pedalboardów zamkniętych w jednym kompaktowym, łatwym w użyciu urządzeniu.

Liczba jednoczesnych efektów: 9
Liczba programowalnych zestawów brzmień/poprawek: 200
Konwersja A/D: 24 bity, nadpróbkowanie 128x
Konwersja cyfrowo-analogowa: 24 bity, nadpróbkowanie 128x
Przetwarzanie sygnału: 32-bitowe
Wyświetlacz: 4 wyświetlacze LCD 128x32 punktów, 1 wyświetlacz LCD 256x32 punktów

22814 pocierać

Ałtajski Comus Pawła Potkina jest jedną z modyfikacji słynnego „Comusa Potkina”. Są też comusy Włodzimierza Potkina, które wyróżniają się delikatnym, miękkim dźwiękiem, z kolei comusy Pawła Potkina można nazwać instrumentem bardziej męskim. Instrument Pawła Potkina jest niewielki, z powiększoną „podkową”, o niższym brzmieniu, z głębokimi wibracjami. Instrument jest delikatny i wymaga ostrożnego obchodzenia się z nim, zaleca się przechowywanie go w etui, najlepiej drewnianym, gdyż takie etui zapobiega deformacji języka i przedostawaniu się wilgoci.

803 pocierać

Gitara elektroakustyczna 39 cali z wycięciem.
Pokład górny: sklejka lipowa.
Pokład dolny: sklejka lipowa.
Skorupa: sklejka lipowa.
Szyja: lipa.
Progi: żółte.
Szyja i mostek: klon.
Przetwornik: 3-pasmowy korektor.
Dodatkowo: chromowana pokrywa.
Struny: 3 nylonowe + 3 stalowe

3671 pocierać

Podnóżek Fellowes I-Spire Series podnosi stopy, zapewniając prawidłową i wygodną pozycję podczas pracy. Antypoślizgowa teksturowana powierzchnia zapobiega ślizganiu się stóp po powierzchni stojaka i zapewnia wygodę użytkowania. Stylowy design harmonijnie komponuje się z każdym wnętrzem.

2600 pocierać

4840 pocierać

Zaawansowany interfejs audio Steinberg UR12 w kompaktowej i wytrzymałej metalowej obudowie z maksymalnym trybem pracy 24 bity/192 kHz. Model ten posiada dyskretny przedwzmacniacz mikrofonowy Yamaha D-PRE z obsługą zasilania fantomowego +48 V. Urządzenie jest również wyposażone w różne interfejsy i złącza, a mianowicie wejście mikrofonowe XLR, wejście instrumentalne Hi-Z TRS, a także 2 x Wyjście liniowe stereo RCA i złącze jack do podłączenia słuchawek. Steinberg UR12 umożliwia monitorowanie sygnału sprzętowego przy zerowym opóźnieniu. Dostępna jest obsługa systemów operacyjnych Windows, Mac OS i iOS. Z iPadem można współpracować za pomocą zestawu do podłączenia aparatu lub adaptera Lightning na USB Camera Adapter.

Obsługuje tryby do 24 bitów/192 kHz
Trwała, całkowicie metalowa obudowa

Wejście mikrofonowe MIC D-PRE (zbalansowane, XLR):
Maksymalny poziom wejściowy +0 dBu
Impedancja wejściowa 4 kOhm
Zakres wzmocnienia +10 dB... +54 dB
Wejście gitarowe HI-Z (niesymetryczne, TRS):
Maksymalny poziom wejściowy +8,5 dBV
Zakres wzmocnienia +/-0 dB ... +40 dB
Wyjście liniowe MAIN OUTPUT (niesymetryczne, RCA)
Maksymalny poziom wejściowy +6 dBV
Impedancja wyjściowa 600 omów
Wyjście słuchawkowe PHONES 1/2
Maksymalny poziom wejściowy 6 mW + 6 mW przy 40 omach

Wymagania systemowe:
Dwurdzeniowy procesor Intel lub AMD
RAM: 2 GB
Miejsce na dysku: 4 GB
Rozdzielczość ekranu: 1280 x 800
System operacyjny: WindowsXP/Vista/7/8/8.1; Mac OS X 10.7/10.8/10.9/10.10; iOS 6 lub nowszy
Aby zainstalować i aktywować oprogramowanie Cubase AI, wymagane jest połączenie internetowe.

8290 pocierać

Hohner Marine Band Deluxe 2005/20 A to unowocześniony model klasycznej opaski Marine Band 1896/20. W odróżnieniu od wersji tradycyjnej jego korpus nie jest malowany, lecz wykonany z bardzo twardego drewna i lakierowany specjalną pastą. Pokrywy

3757 pocierać

Zoom UAC-2 to ultraszybki dwukanałowy interfejs audio dla komputerów Mac lub PC. Przenieś jakość dźwięku na wyższy poziom.

Dzięki UAC-2 możesz dodać dwa wysokiej jakości kanały audio (24-bity/192 kHz) do dowolnego komputera z systemem Windows lub MacOS wyposażonego w USB 2.0 lub USB 3.0, a nawet iPada. UAC-2 jest wyposażony w technologię USB 3.0 SuperSpeed, która zapewnia transmisję sygnału o niskim opóźnieniu i zawiera zaawansowane funkcje, takie jak 4x upsampling, Loopback i MIDI I/O. Podłącz dowolny mikrofon, instrument muzyczny lub inne źródło sygnału liniowego i możesz używać UAC-2 do odtwarzania dźwięku na scenie, nagrywania na cyfrowej stacji roboczej audio lub po prostu cieszenia się wysokiej jakości dźwiękiem w domu lub pracy. Interfejsu audio UAC-2 można także używać do prezentacji multimedialnych online, podcastów, transmisji gier i wielu innych.

Występ na żywo
Teraz możesz w pełni wykorzystać możliwości swojego laptopa podczas każdego występu dzięki przenośnemu interfejsowi audio UAC-2, który może być zasilany bezpośrednio z USB (nie jest wymagany zasilacz sieciowy). Jest zawsze gotowy do podróży, a technologia USB 3.0 SuperSpeed ​​zapewnia wysoką jakość dźwięku, gdziekolwiek się udasz.

Prezentacje medialne, podcasty, gry i transmisje online
Publikuj wyniki lub proces swojej kreatywności, przenieś swoje wrażenia z gier wideo na wyższy poziom lub podziel się swoimi doświadczeniami ze światem. Funkcja Loopback umożliwia łączenie sygnału z podłączonych mikrofonów, instrumentów i innych źródeł liniowych z muzyką w tle lub dowolną inną ścieżką dźwiękową odtwarzaną na komputerze. Następnie możesz wykorzystać połączony sygnał w oprogramowaniu do transmisji strumieniowej online.

Nagrywanie i archiwizacja
Łącząc interfejs audio UAC-2 z cyfrową stacją roboczą audio (DAW), możesz stworzyć oszałamiający dźwięk w każdym środowisku. Można podłączyć szeroką gamę mikrofonów, instrumentów muzycznych i innych źródeł sygnału o poziomie liniowym. Direct Monitoring umożliwia dogrywanie z zerowym opóźnieniem. Zsynchronizuj swoje kontrolery MIDI, moduły dźwiękowe i automaty perkusyjne, aby nagrywać i zapisywać powstały dźwięk w wysokiej jakości. Interfejs audio UAC-2 mieści wszystko, czego potrzebujesz w kompaktowej obudowie.

Jakość dźwięku komputerowego
Czy uważasz, że Twoje głośniki lub słuchawki brzmią dobrze? Spróbuj podłączyć je do komputera poprzez UAC-2, zamiast używać standardowych wyjść audio, aby uzyskać niezrównane wrażenia. Teraz możesz cieszyć się wysokiej jakości strumieniowym przesyłaniem dźwięku do 24 bitów/192 kHz.

Pełna kompatybilność
Interfejs audio UAC-2 jest szczególnie elastyczny. Można go podłączyć do dowolnego urządzenia, od przestarzałych laptopów z obsługą USB 2.0, po komputery najnowszej generacji z systemem operacyjnym MacOS lub Windows i obsługą USB 3.0. Możesz też podłączyć go bezpośrednio do prądu i podłączyć do iPada za pomocą przejściówki ze Lightning na USB lub zestawu Apple Camera Connection.

Możliwości MIDI
UAC-2 posiada złącza MIDI (in/out), które zapewniają niezrównaną dokładność synchronizacji pomiędzy komputerem a urządzeniami, takimi jak klawiatury elektroniczne, kontrolery, automaty perkusyjne, syntezatory i samplery.

Superszybkość USB 3.0
UAC-2 obsługuje protokół transferu USB 3.0 SuperSpeed, który jest dziesięć razy szybszy niż USB 2.0 i sześć razy szybszy niż FireWire 800. Co Cię czeka? Niskie opóźnienia, które znacznie poprawią wydajność oprogramowanie do nagrywania i przetwarzania dźwięku. Dodatkowo można zapewnić stabilny strumień danych, na który nie ma wpływu jitter sygnału cyfrowego, eliminując konieczność podłączania źródeł zewnętrznych jako głównego zegara.

Interfejs audio UAC-2 zawiera zaawansowane technologicznie komponenty, takie jak przetwornik A/D Burr Brown PCM4202 i przetwornik D/A AKM AK4396. Ponadto UAC-2 może wykonywać poczwórne upsampling zarówno podczas konwersji C/A, jak i A/D. Innymi słowy, gdy częstotliwość próbkowania wynosi 44,1 kHz lub 48 kHz, UAC-2 przetwarza sygnał z wysoką jakością, która wynosi 176,4 kHz lub 192 kHz. W przypadku konwersji analogowo-cyfrowej skutkuje to redukcją szumów zewnętrznych, natomiast w przypadku konwersji cyfrowo-analogowej skutkuje to zwiększoną czystością i wiernością dźwięku.

A.P. Borodin to jedna z monumentalnych postaci rosyjskiej szkoły kompozytorskiej, jeden z jej członków. Jest jednym z pierwszych kompozytorów, dzięki któremu Europa rozpoznała i doceniła muzykę rosyjską. W tym sensie jego imię jest na równi z imieniem

Aleksander Porfirjewicz Borodin (1833–1887) żył krótko i zmarł nagle na zawał serca.

„...jakby trafiła go kula armatnia i wyrwała z szeregów żywych.”

W przeciwieństwie do podobnie myślących przyjaciół, kompozytor ten, podążając tradycyjną ścieżką, pozostał wierny swojemu głównemu zawodowi - chemii (w chwili rezygnacji Rimski-Korsakow opuścił służbę morską, Cui również nie pozostał długo inżynierem wojskowym).

Imię Borodina w XIX wieku. był powszechnie znany wraz z największymi chemikami rosyjskimi zarówno w Rosji, jak i w Europie: wraz z profesorem N. Zininem przeprowadził prawdziwą rewolucję (położył podwaliny pod współczesna teoria tworzywa sztuczne). Ponadto kompozytor był świetnym pedagogiem. Sam żartował, że komponuje muzykę, gdy odpoczywa lub jest chory. I jego żart jest słuszny, gdyż praca nad utworami często rozciągała się nie tylko na lata, ale na dziesięciolecia (nad operą „Książę Igor” pracował 25 lat i nigdy jej nie ukończył).

W twórczym dziedzictwie Borodina:

• 1 opera („Książę Igor”),
• operetka z dialogami mówionymi „Bogatyry”,
• 3 symfonie (nr 3 nieukończony),
• obraz symfoniczny „In Azja centralna»,
• kameralne, utwory fortepianowe, romanse i pieśni,
• koncert na flet, fortepian i orkiestrę (zaginiony).

Symfonie A.P. Borodina

Ważna rola w twórcza biografia Symfonista Borodin zagrał swoją I Symfonię Es-dur (1867, prawykonanie w grudniu 1868). Dzięki niej cała Europa rozpoznała kompozytora. Cui zauważa to w symfonii

„...dużo siły, zapału, ognia i znaczny stopień oryginalność."

Autor jednej z notatek prasowych określił symfonię jako „niezwykle bogatą, czysto beethovenowską piękność”. To ona otwiera linię rosyjskiego epicka symfonia, gdzie są zaplanowane charakterystyczne cechy i cechy rosyjskiej symfonii:

• szerokość, spokojna, spokojna, narracyjna, która implikuje epicką symfonię;
• brak bezpośrednich konfliktów;
• malowniczość.

Powstała tu także charakterystyczna dla kompozytora orkiestra.
To w jego pracy określa się pełny skład pary, instrumenty dęte blaszane stać się chromatycznym; Orkiestrę wyróżnia siła, przepych, jasność i bogactwo kolorystyczne.
II Symfonia (1869-1876) potwierdza tradycje ukształtowane w I Symfonii, a Stasow charakteryzuje ją następująco:

„Ma charakter narodowy i programowy. Tutaj słychać starożytny rosyjski bohaterski magazyn.”

Choć symfonia należy do najspokojniejszych, dzieła narracyjne siła jej oddziaływania jest tak wielka, że ​​Musorgski nazwał ją „Bohaterską Symfonią Słowiańską”. Płaskorzeźba i malowniczość sprawiły, że symfonii nadano nazwę programową „Bogatyrskaja”. Ponadto każda jego część otrzymała interpretację programową (dzięki Stasovowi):

„Spotkanie rosyjskich bogatyrów”, „Igrzyska bohaterów”, „Historia akordeonu”, „Święto bogatyrów”.

III Symfonia a-moll (niedokończona) o wyraźnym zabarwieniu narodowym została po raz pierwszy wykonana w Moskwie w 1899 roku w Moskiewskim Klubie Niemieckim pod dyrekcją V. S. Terentijewa.

Dzieło operowe Borodina

Szeroki słynna opera„Książę Igor” muzyk tworzył przez 25 lat, ale pozostał niedokończony. Premiera odbyła się dopiero w 1890 roku (23 października, wyst Teatr Maryjski), stając się swoistym pomnikiem kompozytora, który już wówczas nie żył. Nad librettem pracował wspólnie z V.V. Stasowem, który wniósł nieoceniony wkład w proces tworzenia opery. Był więc okres, kiedy Borodin przestał pracować nad dziełem, podając dwa powody:

• złożoność i skala dzieła budziły wątpliwości kompozytora, czy sobie z nim poradzi;
• gatunek muzyczny źródło literackie(„Opowieść o kampanii Igora”) nie oznaczała intensywnej konfrontacji niezbędnej do powstania napięcia w rozwoju akcji scenicznej.

I tutaj Stasow przyszedł z pomocą kompozytorowi, proponując oprócz głównej linii konfliktu konfrontacji między narodami (rosyjsko-połowiecki) linię moralności: z jednej strony szlachetność i wzniosłość Igora, z drugiej, przynosząca w fabułę opery świat figuratywny Książę Galitsky. W ten sposób dramat operowy nabrał dodatkowego konfliktu. Dzięki działaniom Stasowa i skomplikowaniu fabuły mistrz wraca do pracy nad pracą.

Muzyka kameralna A.P. Borodina

Kompozytor w to wierzył

„...muzyka kameralna stanowi jeden z najpotężniejszych środków rozwijania gustu muzycznego i zrozumienia...”

Zdobywszy umiejętności techniczne poprzez opanowanie zachodnioeuropejskich tradycji w zakresie kameralistyki, muzyk dodatkowo doskonali tradycję Glinki, tworząc własną indywidualny styl, co objawia się już we wczesnych utworach.
Przykłady muzyki kameralnej obejmują na przykład:

Kwintet c-moll na fortepian i smyczki; „Tarantella” na fortepian na cztery ręce; „Polka” na fortepian na cztery ręce; Trio smyczkowe na temat „Jak cię zdenerwowałem”; Sekstet, Kwartet na flet, altówkę, obój, wiolonczelę, fortepian i trio smyczkowe; Kwintet smyczkowy; 2 scherza na fortepian na cztery ręce; czteroręczny „Allegretto”; utwory wokalne; Kwartet nr 1 A – dur (wykonany po raz pierwszy w 1880 r. z rękopisu); Kwartet nr 2 D-dur (1881).

Także „Mała suita” na fortepian (orkiestr: A. Głazunowa), „Parafrazy” (żart muzyczny stworzony przez kompozytorów „Potężnej Garści”, który wzbudził podziw Liszta i stał się powodem ataków muzyków wrogich Lisztowi kierunek „kuczkistowski” – zauważa W. Jakowlew). Wśród dzieła wokalne– „Pieśń ciemnego lasu” (często wykonywana jako utwór chóralny), romanse „Za brzegi odległej ojczyzny”, „Fałszywa nuta”, ballada „Morze” i wiele innych.

Dzieje się tak w kameralnej muzyce wokalnej, którą często nazywa się „ kreatywne laboratorium„Kompozytor po raz pierwszy” – zauważa A. N. Sokhor – „kompozytor znalazł spójny i pełny przejaw bohaterskiego ducha, rosyjskiego stylu ludowo-epickiego, oryginalności melodyczno-harmonicznej (romanse „Śpiąca księżniczka”, „Pieśń z Ciemnego Lasu”).

I dlatego zrozumienie „monumentalnego Borodina” opiera się na jego kameralnych „szkicach”, „akwarelach”, „szkicach”.
Cała twórczość kompozytora zawiera i w takim czy innym stopniu zawsze łączy dwie zasady: epicką i liryczną. Na tle muzyki innych kompozytorów styl Borodina wyróżnia się spokojem, wzniosłością, szlachetnością i równowagą.
Kontynuując podążanie ścieżkami nakreślonymi przez M. Glinkę, Borodin miał jednak swoje zdanie w historii rozwoju rosyjskiej kultury muzycznej:

• Czajkowskiego, twórcy gatunku kwartetu rosyjskiego.
• Rosja i Wschód. Interesować się świat wschodni było istotne wcześniej, ale to właśnie u tego kompozytora pojawia się temat przyjaźni (wyraźnie pokazuje to obraz symfoniczny „W Azji Środkowej”, w którym rozwijają się motywy rosyjskie i wschodnie, ostatecznie jednocząc się).

Skład orkiestry: 2 flety, 2 piccolo, 2 oboje, 2 klarnety, 2 fagoty, 4 rogi, 2 trąbki, 3 puzony, tuba, kotły, trójkąt, harfa, smyczki.

Historia stworzenia

Druga symfonia Borodina jest jednym ze szczytów jego twórczości. Należy do światowych arcydzieł symfonicznych dzięki swojej jasności, oryginalności, monolitycznemu stylowi i genialnemu wykonaniu rosyjskich obrazów epos ludowy. Kompozytor wymyślił go na początku 1869 roku, pracował jednak nad nim z bardzo długimi przerwami, wynikającymi zarówno z głównych obowiązków zawodowych, jak i realizacji innych pomysłów muzycznych. Pierwsza część została napisana w 1870 r. Następnie pokazał to swoim towarzyszom – Bałakiriewowi, Cui, Rimskiemu-Korsakowowi i Musorgskiemu, którzy tworzyli tzw. Potężna gromada(definicja ich starszego mentora i przywódcy ideologicznego, krytyka sztuki W. Stasowa). To, co zostało pokazane, wzbudziło prawdziwy entuzjazm wśród znajomych. Gorąca i szybko reagująca na głośne definicje Stasow natychmiast nazwał ją „Lwicą”. Musorgski zaproponował dla niego nazwę słowiański heroiczny. Jednak Stasow już nie myśli definicja emocjonalna, a nad nazwą, pod którą będzie żyła muzyka, zasugerował: Bogatyrskaya. Autor nie sprzeciwił się takiej interpretacji swojego planu, a symfonia pozostała z nim na zawsze.

Do zakończenia wciąż było bardzo daleko. Rozrywek jest wiele – nauczanie w Akademii Medyczno-Chirurgicznej, gdzie Borodin jest profesorem, wykładanie na Kursach Medycznych Kobiet, liczne obowiązki publiczne, w tym redagowanie czasopisma popularnonaukowego „Wiedza”. Ten ostatni trwał tylko jeden sezon, gdyż niezadowolony z ateistycznej orientacji pisma rząd „zalecił” Borodinowi opuszczenie redakcji. Wreszcie kompozytor został rozproszony przez tworzenie innych dzieł. W tych samych latach ukazały się fragmenty opery „Książę Igor”, w których również bardzo mocne były nuty „bohaterskie”. Symfonię ukończono dopiero w 1876 roku. Jego premiera odbyła się 2 lutego 1877 roku na jednym z koncertów Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego w Petersburgu pod dyrekcją E. F. Napravnika.

Symfonia, mimo braku ogłoszonego programu, ma wyraźnie rysy programowe. Stasow pisał o tym: „Sam Borodin nieraz mi mówił, że w adagio chciał narysować postać Bojana, w pierwszej części – spotkanie rosyjskich bohaterów, w finale – scena bohaterskiej uczty z dźwiękiem gusli, przy uciesze wielkiego tłumu”. W rzeczywistości ta interpretacja dała Stasowowi powód do imienia Bogatyrska.

Muzyka

Pierwsza część opiera się na porównaniu dwóch obrazów. Pierwszy to potężny motyw unisono w wykonaniu smyczków, jakby deptany, ciężki i przysadzisty. Uzupełnia go, nieco łagodząc surowość, motyw żywszy, intonowany przez instrumenty dęte drewniane. Temat poboczny – szeroka melodia pieśni w wykonaniu wiolonczel – zdaje się przedstawiać rozległy rosyjski step. Rozwój opiera się na przemianie heroicznych, intensywnych epizodów, budzących skojarzenia z bitwami, epickimi wyczynami, z momentami lirycznymi, bardziej osobistymi, w których temat drugorzędny w wyniku rozwoju nabiera radosnego charakteru. Po skondensowanej repryzie temat pierwszy zostaje z gigantyczną siłą afirmowany w kodzie utworu.

Część druga to szybkie scherzo, którego temat pierwszy szybko wyrywa się z głębi basu na tle powtarzanej przez rogi oktawy, a potem schodzi w dół, jakby „bez tchu”. Temat drugi brzmi nieco łagodniej, choć nadal zachowuje swój męski charakter. W swoistym synkopowanym rytmie słychać odgłosy szalonego galopu koni stepowych po bezkresnych przestrzeniach. Trio urzeka melodyjnym urokiem i jak to często bywa w przypadku Borodina, melodia przepełniona jest orientalną błogością. Ale środkowy odcinek jest krótki – i szybki bieg zostaje wznowiony, stopniowo zanikając, jakby uniesiony w nieznane.

Trzecia część, zaprojektowana według samego Borodina, aby przekazać wizerunek Bojana, legendarnego starożytnego rosyjskiego piosenkarza, to charakter narracyjny i rozwija się płynnym, spokojnym ruchem. Akordy harfy imitują szarpanie strun psałterium. Po kilku taktach wstępu intonowanego przez klarnet róg zaczyna śpiewać poetycką melodię, należącą do najlepszych kart muzyki kompozytora. Spokojna narracja nie trwa jednak długo: nowe motywy wprowadzają niejasne poczucie zagrożenia, kolory stają się gęstsze i ciemniejsze. Początkowa przejrzystość jest stopniowo przywracana. Utwór kończy się wspaniałym epizodem lirycznym, w którym główna melodia rozbrzmiewa w całej pełni swego uroku.

Powtarzanie taktów początkowych prowadzi bezpośrednio do zakończenia, które rozpoczyna się bez przerwy. Jego muzyka urzeka rozmachem, blaskiem, pogodą ducha i zarazem wielkością. Podstawowy obraz muzyczny- tematem przewodnim formy sonatowej jest rozległy, szalenie wesoły temat w ostrym, synkopowanym rytmie, który ma swój pierwowzór w ludowej pieśni chóralnej „Pójdę do carskiego miasta”. Całość uzupełnia krótki, „śmieciowy” motyw oboju. Temat poboczny jest bardziej liryczny i spokojny. Ma ono charakter gloryfikacji i brzmi najpierw od klarnetu solo, a następnie od fletu i oboju na tle swoistej „grającej na harfie dzwoniącej”. Te trzy tematy podlegają różnorodnemu i mistrzowskiemu rozwinięciu, którego początek wyznacza surowa i potężna sekwencja dźwiękowa w zwolnionym tempie. Potem ruch staje się coraz bardziej ożywiony, symfonia kończy się muzyką pełną waleczności i niekontrolowanej zabawy.