Japońskie malarstwo klasyczne: najbardziej znane nazwiska. Malarstwo japońskie: wszystkie subtelności malarstwa orientalnego

Hokusai, XVIII-wieczny japoński artysta, stworzył zawrotną liczbę grafika. Hokusai pracował do późnej starości, niezmiennie twierdząc, że „wszystko, co zrobił przed 70. rokiem życia, nie było warte uwagi i nie było warte uwagi”.

Być może najsłynniejszy japoński artysta na świecie, zawsze wyróżniał się na tle swoich współczesnych zainteresowaniami Życie codzienne. Zamiast przedstawiać efektowne gejsze i bohaterskich samurajów, Hokusai malował robotników, rybaków i miejskie sceny rodzajowe, które nie były jeszcze przedmiotem zainteresowania Sztuka japońska. Przyjął także europejskie podejście do kompozycji.

Oto krótka lista kluczowych terminów, które pomogą Ci trochę poruszać się po twórczości Hokusai.

1 Ukiyo-e to grafiki i obrazy popularne w Japonii od XVII do XIX wieku. Ruch w japońskiej sztuce pięknej, który rozwinął się od okresu Edo. Termin ten pochodzi od słowa „ukyo”, co oznacza „zmienny świat”. Uikiye jest aluzją do hedonistycznych radości rozwijającej się klasy kupieckiej. W tym kierunku Hokusai jest najbardziej znanym artystą.

Hokusai przez całe życie używał co najmniej trzydziestu pseudonimów. Mimo że używanie pseudonimów było powszechną praktyką wśród ówczesnych artystów japońskich, pod względem liczby pseudonimów znacznie przewyższał innych znaczących autorów. Pseudonimy Hokusai są często używane do periodyzacji etapów jego twórczości.

2 Okres Edo to czas pomiędzy 1603 a 1868 rokiem Historia Japonii, nastąpił rozwój gospodarczy oraz nowe zainteresowanie sztuką i kulturą.

3 Shunrō to pierwszy z pseudonimów Hokusai.

4 Shunga dosłownie oznacza „obraz wiosny”, a „wiosna” to japoński slang określający seks. Są to zatem ryciny o charakterze erotycznym. Tworzyli je najbardziej szanowani artyści, w tym Hokusai.

5 Surimono. Najnowsze „surimono”, jak nazywano te niestandardowe nadruki, odniosło ogromny sukces. W przeciwieństwie do wydruków ukiyo-e, które były przeznaczone dla masowego odbiorcy, surimono rzadko było sprzedawane ogółowi społeczeństwa.

6 Góra Fuji to symetryczna góra, która jest najwyższą w Japonii. Przez lata zainspirował wielu artystów i poetów, w tym Hokusai, który opublikował serię ukiyo-e „Trzydzieści sześć widoków na górę Fuji”. Seria ta obejmuje najsłynniejsze grafiki Hokusai.

7 Japonizm – trwały wpływ, jaki Hokusai wywarł na kolejne pokolenia Artyści zachodni. Japonisme to styl inspirowany żywymi kolorami nadruków ukiyo-e, brakiem perspektywy i eksperymentami kompozycyjnymi.

Czy lubisz malarstwo japońskie? Jak dużo wiesz o znanych japońskich artystach? Zastanówmy się z Tobą w tym artykule najbardziej znany artysta Japonii, którzy tworzyli swoje dzieła w stylu ukiyo-e (浮世絵). Ten styl malarstwa rozwinął się z okresu Edo. Hieroglify użyte do napisania tego stylu 浮世絵 dosłownie oznaczają „obrazy (obrazy) zmieniającego się świata”, możesz przeczytać więcej o tym kierunku malarstwa

Hishikawy Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Uważany za twórcę gatunku ukiyo-e, choć tak naprawdę jest dopiero pierwszym mistrzem, któremu udało się zachować życie Informacje biograficzne. Moronobu urodził się w rodzinie mistrzów w farbowaniu tkanin i haftowaniu złotymi i srebrnymi nićmi oraz przez długi czas zajmował się rzemiosłem rodzinnym, dlatego cechą charakterystyczną jego twórczości są pięknie zdobione stroje piękności, dające wspaniały efekt artystyczny.

Po przeprowadzce do Edo najpierw samodzielnie uczył się technik malarskich, a następnie kontynuował je artysta Kambun.

Dotarły do ​​nas głównie albumy Moronobu, w których przedstawia on tematykę historyczną i tematy literackie i książki z wzorami kimon. Mistrz zajmował się także gatunkiem shunga, a spośród pojedynczych dzieł zachowało się kilka przedstawiających piękne kobiety.

(鳥居清長, 1752-1815). Uznany pod koniec XVIII w. mistrz Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosił pseudonim Torii Kiyonaga, który przyjął po odziedziczeniu szkoły ukiyo-e Torii od Torii Kiyomitsu po jej śmierci.

Kiyonaga urodził się w rodzinie księgarza Shirakoyi Ishibei. Największą sławę przyniósł mu gatunek bijinga, choć zaczynał od yakusha-e. Tematy rycin z gatunku bijinga zostały zaczerpnięte z życia codziennego: spacerów, świątecznych procesji, wycieczek na łono natury. Wśród wielu prac artysty można wyróżnić cykl „Konkursy modnych piękności z wesołych dzielnic”, przedstawiający Minami, jedną z „zabawnych dzielnic” na południu Edo, „12 portretów piękności z południa”, „10 rodzajów herbaciarni” na zewnątrz. Charakterystyczną cechą mistrza było szczegółowe opracowanie widoku tła i zastosowanie technik przedstawiania światła i przestrzeni pochodzących z Zachodu.

Kiyonaga zyskała początkową sławę dzięki wznowieniu w 1782 roku serii „Próbki mody: modele nowe jak wiosenne liście”, zapoczątkowanej przez Koryusai w latach siedemdziesiątych XVIII wieku dla wydawcy Nishimurai Yohachi.

(喜多川歌麿, 1753-1806). Na tego wybitnego mistrza ukiyo-e znaczący wpływ wywarli Torii Kiyonaga i wydawca Tsutaya Juzaburo. W wyniku wieloletniej współpracy z tym ostatnim ukazało się wiele albumów, książek z ilustracjami i cyklami rycin.

Pomimo tego, że Utamaro podejmował tematykę z życia prostych rzemieślników i starał się przedstawiać naturę („Księga owadów”), sławę zyskał jako twórca dzieł poświęconych gejszom dzielnicy Yoshiwara („Rocznik Yoshiwara Green Houses ”).

Dotarł do Utamaro wysoki poziom w wyrazie Stany umysłu na papierze. Po raz pierwszy w drzeworytach japońskich zaczął wykorzystywać kompozycje popiersiowe.

Wpływ na to miała kreatywność Utamaro Francuscy impresjoniści i przyczynił się do europejskiego zainteresowania grafiką japońską.

(葛飾北斎, 1760-1849). Prawdziwe imię Hokusai to Tokitaro. Prawdopodobnie najbardziej znany mistrz ukiyo-e na całym świecie. W swojej karierze posługiwał się ponad trzydziestoma pseudonimami. Historycy często używają pseudonimów, aby periodyzować jego twórczość.

Początkowo Hokusai pracował jako rzeźbiarz, którego twórczość była ograniczona zamierzeniami artysty. Fakt ten mocno zaciążył na Hokusai i zaczął szukać siebie jako niezależnego artysty.

W 1778 roku został uczniem w pracowni Katsukawa Shunsho, która specjalizowała się w drukach yakusha-e. Hokusai był zarówno utalentowany, jak i bardzo pilny uczeń, który zawsze okazywał szacunek nauczycielowi i dlatego cieszył się szczególną przychylnością Shunsho. Zatem pierwszy niezależna praca Hokusai należały do ​​gatunku yakusha-e w postaci dyptyków i tryptyków, a popularność ucznia dorównywała popularności nauczyciela. W tym czasie młody mistrz rozwinął już swój talent na tyle, że czuł się ciasno w jednej szkole, a po śmierci nauczyciela Hokusai opuścił pracownię i studiował kierunki innych szkół: Kano, Sotatsu (inaczej Koetsu), Rimpa, Tosa.

W tym okresie artysta przeżywa znaczące przeżycia problemy finansowe. Ale jednocześnie ma miejsce jego formacja na mistrza, który odrzuca utarty wizerunek, jakiego domagało się społeczeństwo i poszukuje własnego stylu.

W 1795 roku światło dzienne ujrzały ilustracje do antologii poetyckiej „Keka Edo Murasaki”. Następnie Hokusai namalował obrazy surimono, które natychmiast stały się popularne i wielu artystów zaczęło je naśladować.

Od tego okresu Tokitaro zaczął podpisywać swoje dzieła imieniem Hokusai, chociaż niektóre jego dzieła publikowane były pod pseudonimami Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.

W 1800 roku mistrz zaczął nazywać siebie Gakejin Hokusai, co oznaczało „Szalony Hokusai Malarstwa”.

Do znanych serii ilustracji zalicza się „36 widoków na górę Fuji”, z których najbardziej godne uwagi są „Wiatr Zwycięstwa. Pogodny dzień” lub „Czerwone Fuji” i „ Wielka fala w Kanagawie”, „100 widoków na górę Fuji”, wydany w trzech albumach, „Hokusai’s Manga” (北斎漫画), zwany „encyklopedią narodu japońskiego”. Artysta włożył w „Mangę” wszystkie swoje poglądy na twórczość i filozofię. „Manga” jest najważniejszym źródłem do studiowania życia w Japonii w tamtym czasie, ponieważ obejmuje wiele aspektów kulturowych. Za życia artysty ukazało się łącznie dwanaście numerów, a po jego śmierci trzy kolejne:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (po śmierci artysty)

Sztuka Hokusai miała na to wpływ Europejskie kierunki, jak secesja i francuski impresjonizm.

(河鍋暁斎, 1831-1889). Używał pseudonimów Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin i uczył się w szkole Kano.

W przeciwieństwie do Hokusai, Kyosai był dość bezczelny, co spowodowało jego rozłam z artystą Tsuboyamą Tozanem. Po szkole został samodzielnym mistrzem, chociaż czasami uczęszczał do szkoły przez kolejne pięć lat. W tym czasie malował kyogę, tzw. „szalone obrazy”.

Do wybitnych dzieł rycin należy Sto obrazów Kyosai. Jako ilustrator Kyosai tworzy obrazy do opowiadań i powieści we współpracy z innymi artystami.

Pod koniec XIX wieku Europejczycy często odwiedzali Japonię. Część z nich artysta znał, a kilka jego prac znajduje się obecnie w British Museum.

(歌川広重, 1797-1858). Pracował pod pseudonimem Ando Hiroshige (安藤広重) i jest znany z subtelnego przedstawiania motywów naturalnych i Zjawiska naturalne. W wieku dziesięciu lat namalował swój pierwszy obraz „Góra Fuji w śniegu”, który obecnie znajduje się w Muzeum Suntory w Tokio. Fabuła wczesnych dzieł opierała się na prawdziwych wydarzeniach rozgrywających się na ulicach. Jego słynne cykle: „100 widoków na Edo”, „36 widoków na górę Fuji”, „53 stacje Tokaido”, „69 stacji Kimokaido”, „100 znane gatunki Edo.” Duży wpływ na Moneta i rosyjskiego artystę Bilibina wywarły „53 stacje drogi Tokaido” namalowane po podróży East Coast Road oraz „100 widoków Edo”. Z serii 25 rycin z gatunku kate-ga najbardziej znany jest arkusz „Wróble nad ośnieżoną kamelią”.

(歌川国貞, znany również jako Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Jeden z najwybitniejszych artystów ukiyo-e.

Szczególną uwagę poświęcił aktorom kabuki i samemu teatrowi – stanowi to około 60% wszystkich prac. Znane są także prace z gatunku bijinga oraz portrety zapaśników sumo. Wiadomo, że stworzył od 20 do 25 tysięcy działek, które obejmowały 35-40 tysięcy arkuszy. Rzadko zwracał się w stronę krajobrazów i wojowników. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798-1861). Urodzony w rodzinie farbiarza jedwabiu. Kuniyoshi zaczął uczyć się rysować w wieku dziesięciu lat, mieszkając z rodziną artystów Kuninao. Następnie kontynuował naukę u Katsukawy Shun'ei, a w wieku 13 lat rozpoczął naukę w warsztacie Tokuyoni. Pierwsze lata młody artysta sprawy nie układają się dobrze. Jednak po otrzymaniu zamówienia od wydawcy Kagayi Kichibei na pięć egzemplarzy serii 108 Suikoden Heroes, sprawy zaczęły nabierać tempa. Tworzy resztę postaci z serii, a następnie przechodzi do kolejnych różne prace, a piętnaście lat później stoi na równi z Utagawą Hiroshige i Utagawą Kunisada.

Po zakazie obrazów z 1842 r sceny teatralne, aktorzy, gejsze i kurtyzany, Kuniyoshi pisze cykl „kot”, wykonuje ryciny z serii edukacyjnej dla gospodyń domowych i dzieci, przedstawia bohaterów narodowych w serii „Tradycje, moralność i przyzwoitość”, a pod koniec lat czterdziestych XIX wieku - na początku lat pięćdziesiątych XIX wieku po osłabieniu zakazów artysta powraca do tematu kabuki.

(渓斎英泉, 1790-1848). Znany ze swoich dzieł z gatunku bijinga. W jego najlepsze prace zawiera portrety typu okubi-e („wielkie głowy”), które uważane są za przykłady rzemiosła epoki Bunsei (1818-1830), kiedy gatunek ukiyo-e podupadał. Artysta namalował wiele lirycznych i erotycznych surimono, a także cykl pejzaży „Sześćdziesiąt dziewięć stacji Kisokaido”, którego nie udało mu się ukończyć i dokończył Hiroshige.

Nowość w przedstawieniu bijingi polegała na zmysłowości, jakiej nie widziano wcześniej u innych artystów. Z jego dzieł możemy zrozumieć modę tamtych czasów. Opublikował także biografie Czterdziestu Siedmiu Roninów i napisał kilka innych książek, w tym The History of Ukiyo-e Printings (Ukiyo-e ruiko), zawierającą biografie artystów. Z kolei w Notatkach Bezimiennego Starszego opisał siebie jako zdeprawowanego pijaka i byłego właściciela burdelu w Nedzu, który doszczętnie spłonął w latach trzydziestych XIX wieku.

Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Prawdziwe imię artysty to Hozumi Jirobei. Jest odkrywcą druku polichromowanego ukiyo-e. Uczęszczał do szkoły Kano i studiował malarstwo. Następnie, pod wpływem Shigenagi Nishimury i Torii Kiyomitsu, drzeworyt stał się jego hobby. Od początków XVIII wieku wykonywano ryciny w dwóch lub trzech kolorach, a Harunobu zaczął malować w dziesięciu kolorach, używając trzech desek i łącząc trzy kolory - żółty, niebieski i czerwony.

Celował w przedstawianiu scen ulicznych i obrazów z gatunku shunga. Od lat sześćdziesiątych XVIII wieku był jednym z pierwszych, którzy wcielili się w aktorów Kabuki. Jego twórczość wywarła wpływ na E. Maneta i E. Degasa.

(小原古邨, 1877 - 1945). Jego prawdziwe imię to Matao Ohara. Przedstawione sceny z wojen rosyjsko-japońskich i chińsko-japońskich. Jednak po ukazaniu się fotografii jego prace zaczęły się słabo sprzedawać, a on zaczął zarabiać na życie, ucząc w szkole sztuki piękne w Tokio. W 1926 roku Ernest Felloza, kustosz sztuki japońskiej w Muzeum Bostońskim, namówił Oharę do powrotu do malarstwa, a artysta zaczął przedstawiać ptaki i kwiaty, a jego prace dobrze sprzedawały się za granicą.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). Wyróżniał się na tle innych artystów ekscentrycznością i stylem życia, na który składała się przyjaźń z wieloma osobistościami kultury i religii tamtych czasów. Przedstawiał zwierzęta, kwiaty i ptaki w bardzo egzotycznej formie. Był bardzo znany i przyjmował zamówienia na malowanie parawanów i obrazów świątynnych.

(鳥居清信, 1664-1729). Jeden z najważniejszych przedstawicieli wczesny okres ukiyo-e. Pomimo wielkiego wpływu swojego nauczyciela Hishikawy Monorobu, stał się założycielem gatunku yakusha-e w przedstawianiu plakatów i plakatów oraz wynalazł własny styl. Aktorzy zostali przedstawieni w specjalnych pozach jako odważni bohaterowie i zostali namalowani
szlachetny kolor pomarańczowy i wciągnięto złoczyńców niebieskie kolory. Aby przedstawić pasję, artysta wymyślił specjalny rodzaj rysunku mimizugaki - są to kręte linie z naprzemiennymi cienkimi i grubymi pociągnięciami, połączone z groteskowym obrazem mięśni kończyn.

Torii Kiyonobu jest założycielką dynastii artystów Torii. Jego uczniami byli Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I i Torii Kiyomitsu.

Kto jest Twoim ulubionym artystą ukiyo-e?

Język japoński różni się od innych języków europejskich swoją strukturą, co może powodować pewne trudności w nauce. Jednak nie martw się! Specjalnie dla Ciebie przygotowaliśmy kurs „”, na który możesz zapisać się już teraz!

Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są już w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowanych artystach naszych czasów. I wierzcie mi, ich dzieła pozostaną w Waszej pamięci nie mniej głęboko, niż dzieła mistrzów minionych epok.

Wojciecha Babskiego

Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył studia na Politechnice Śląskiej, ale związał się z. W Ostatnio przyciąga głównie kobiety. Koncentruje się na wyrażaniu emocji, stara się uzyskać jak największy efekt prostymi środkami.

Uwielbia kolor, ale często sięga po odcienie czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z różnymi nowymi technikami. Ostatnio zyskuje coraz większą popularność za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z sukcesem sprzedaje swoje prace, które znajdują się już w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.

Warrena Changa

Warren Chang – nowoczesny Amerykański artysta. Urodzony w 1957 r. i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 r., gdzie uzyskał tytuł BFA. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę profesjonalnego artysty.

Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy do wnętrz i obrazy przedstawiające ludzi przy pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarstwa sięga twórczości XVI-wiecznego artysty Johannesa Vermeera i obejmuje tematy, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, studentów, wnętrza pracowni, sale lekcyjne i domy. Jego celem jest realistyczne obrazy kreuj nastrój i emocje poprzez manipulację światłem i stosowanie stonowanych kolorów.

Chang zasłynął po przejściu na tradycyjne sztuki piękne. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters of America, największej społeczności zajmującej się malarstwem olejnym w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 ma szansę otrzymać tę nagrodę. Warren obecnie mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, a także wykłada (znany jako utalentowany nauczyciel) w Akademii Sztuki w San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni – Włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955 r. Uzyskał dyplom ze scenografii w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, gdyż samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie położonym w szkole. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.

Wczesne obrazy Bruniego zakorzenione są w surrealizmie, jednak z czasem zaczyna on skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyjątkowym wyrafinowaniem i czystością swoich bohaterów. Obiekty animowane i nieożywione zyskują jednakową dostojność i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za kurtyną, ale pozwalają dojrzeć istotę swojej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, troskliwość i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony splendorem sztuki i harmonią muzyki.

Aleksander Balos

Alkasander Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 w Gliwicach, od 1989 mieszka i pracuje w USA, w Shasta w Kalifornii.

Już w dzieciństwie uczył się plastyki pod okiem ojca Jana, artysty-samouka i rzeźbiarza, dzięki czemu młodym wieku, działalność artystyczna otrzymała pełne wsparcie od obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka pracująca na pół etatu Kathy Gaggliardi namówiła Alkasandera do zapisania się do szkoły Szkoła Artystyczna. Następnie Balos otrzymał pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee w stanie Wisconsin, gdzie studiował malarstwo pod kierunkiem profesora filozofii Harry'ego Rozina.

Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata Balos przeniósł się do Chicago, aby rozpocząć studia w School of Fine Arts, której metody opierają się na twórczości Jacques-Louis Davida. Realizm figuratywny i malarstwo portretowe był bardzo Prace Balosa z lat 90. i początku XXI wieku. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do uwypuklenia cech i wad ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.

Tematyka kompozycji jego obrazów przeznaczona jest do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy obrazy nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu tematyka jego prac znacznie się poszerzyła i obejmuje obecnie bardziej swobodne metody malarskie, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrażać idee i ideały istnienia poprzez malarstwo.

Alyssa Monks

Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodzony w 1977 roku w Ridgewood w stanie New Jersey. Malowaniem zacząłem się interesować już jako dziecko. Studiował w New School w Nowym Jorku i Uniwersytet stanowy Montclair i ukończył Boston College w 1999 roku z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo de' Medici we Florencji.

Następnie kontynuowała studia w ramach studiów magisterskich w New York Academy of Art na wydziale Sztuki Figuratywnej, które ukończyła w 2001 roku. W 2006 roku ukończyła Fullerton College. Przez pewien czas wykładała na uniwersytetach i instytucje edukacyjne na terenie całego kraju uczyła malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy of Art College.

„Używając filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, z prześwitującymi wyspami koloru - częściami ludzkiego ciała.

Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utarte już, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Mogłyby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak zalety pływania, tańca i tak dalej. Moi bohaterowie przyciskają się do szyby okna prysznica, zniekształcając własne ciała, uświadamiając sobie, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Miesza się grube warstwy farby, aby z daleka imitować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska niesamowite właściwości fizyczne farba olejna. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję punkt, w którym abstrakcyjne pociągnięcia pędzlem stają się czymś innym.

Kiedy po raz pierwszy zacząłem malować ludzkie ciało, od razu byłem nim zafascynowany, a nawet miałem obsesję i wierzyłem, że muszę malować jak najbardziej realistycznie. „Wyznawałem” realizm, aż zaczął się on rozwikłać i ujawnić same w sobie sprzeczności. Obecnie badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style będą mogły współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.

Antonia Finelliego

Włoski artysta – „ Obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 roku. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech pomiędzy Rzymem a Campobasso. Jego prace wystawiane były w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, a także znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.

Rysunki ołówkiem” Obserwator czasu„Antonio Finelli zabiera nas w wieczną podróż wewnętrzny świat ludzka tymczasowość i związana z nią skrupulatna analiza tego świata, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady, jakie pozostawia na skórze.

Finelli maluje portrety osób w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta pragnie także znaleźć dowody bezlitosności czasu na ciałach swoich bohaterów. Antonio definiuje swoje dzieła jednym: Nazwa zwyczajowa: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe rezultaty upływ czasu w człowieku.

Flaminię Carloni

Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma trójkę dzieci. Przez dwanaście lat mieszkała w Rzymie, a przez trzy lata w Anglii i Francji. Ukończyła historię sztuki w BD School of Art. Następnie uzyskała dyplom konserwatora dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.

Pasja Flaminii do malarstwa zrodziła się w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, ponieważ uwielbia „uczesać la pate” i bawić się materiałem. Podobną technikę rozpoznała w twórczości artysty Pascala Torui. Flaminia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper czy François Legrand, a także różnymi ruchami artystycznymi: sztuką uliczną, realizmem chińskim, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubione artysta Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.

Denis Czernow

Denis Chernov to utalentowany ukraiński artysta, urodzony w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowskiej Szkoły Artystycznej w 1998 roku pozostał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował także na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.

Regularnie uczestniczy w wystawy sztuki, NA ten moment odbyło się ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość dzieł Denisa Chernova znajduje się w kolekcjach prywatnych na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.

Denis posługuje się szeroką gamą technik graficznych i malarskich. Rysunki ołówkiem to jedna z jego ulubionych metod malarskich, lista jego tematów rysunki ołówkiem jest również bardzo różnorodny, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje gatunkowe, ilustracje książkowe, literackie i rekonstrukcje historyczne i fantazje.

Każdy kraj ma swoich bohaterów Sztuka współczesna, których nazwiska są znane, których wystawy przyciągają rzesze fanów i ciekawskich, a których prace trafiają do prywatnych kolekcji.

W tym artykule przedstawimy Ci najpopularniejsze współcześni artyści Japonia.

Keiko Tanabe

Urodzona w Kioto Keiko jako dziecko odniosła wiele zwycięstw. konkursy plastyczne, Ale wyższa edukacja W ogóle nie łapałem tego w dziedzinie sztuki. Pracowała w dziale stosunków międzynarodowych japońskiej miejskiej organizacji handlowej w Tokio, dużej kancelarii prawnej w San Francisco i prywatnej firmie konsultingowej w San Diego, dużo podróżowała. Od 2003 roku rzuciła pracę i po przestudiowaniu podstaw malarstwa akwarelowego w San Diego poświęciła się wyłącznie sztuce.

Ikenaga Yasunari

Japońska artystka Ikenaga Yasunari maluje portrety nowoczesne kobiety w starożytnej tradycji malarstwa japońskiego, wykorzystując jako bazę pędzel Menso, pigmenty mineralne, sadzę, tusz i len. Jej bohaterkami są kobiety naszych czasów, ale dzięki stylowi Nihongi można odnieść wrażenie, że przybyły do ​​nas od niepamiętnych czasów.

Abe Toshiyukiego

Abe Toshiyuki to artysta realista, który opanował sztukę technika akwareli. Abe można nazwać artystą-filozofem: zasadniczo nie maluje słynnych zabytków, preferując subiektywne kompozycje odzwierciedlające stany wewnętrzne osobę, która je obserwuje.

Hiroko Sakai

Kariera artystki Hiroko Sakai rozpoczęła się na początku lat 90. w mieście Fukuoka. Po ukończeniu Uniwersytetu Seinan Gakuin i francuskiej Szkoły Architektury Wnętrz Nihon na kierunku projektowanie i wizualizacja założyła Atelier Yume-Tsumugi Ltd. i z sukcesem zarządzał tym studiem przez 5 lat. Wiele jej prac zdobi lobby szpitalne, biura dużych korporacji i niektóre budynki miejskie w Japonii. Po przeprowadzce do Stanów Zjednoczonych Hiroko zaczęła malować olejami.

Riusuke Fukahoriego

Trójwymiarowe prace Riusuki Fukahori przypominają hologramy. Skończyli farba akrylowa, nakładany kilkuwarstwowo oraz przezroczysty płyn żywiczny - wszystko to, nie wykluczając tradycyjnych metod, takich jak rysowanie cieni, zmiękczanie krawędzi, kontrolowanie przezroczystości, pozwala Riusukiemu na tworzenie rzeźbiarskich obrazów oraz nadaje pracom głębię i realizm.

Natsuki Otani

Natsuki Otani to utalentowana japońska ilustratorka mieszkająca i pracująca w Anglii.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu jako podstawę swojej twórczości wybrał motyw korzystny dla obu stron – rysuje koty. Jego obrazy cieszą się popularnością na całym świecie, szczególnie w formie puzzli.

Tetsuya Mishima

Większość obrazów współczesnego japońskiego artysty Mishima jest wykonana techniką olejną. Zawodowo zajmuje się malarstwem od lat 90., ma na swoim koncie kilka wystaw indywidualnych oraz dużą liczbę wystaw zbiorowych, zarówno japońskich, jak i zagranicznych.

Cześć, Drodzy Czytelnicy– poszukiwacze wiedzy i prawdy!

Japońscy artyści mają niepowtarzalny styl, doskonalony przez całe pokolenia mistrzów. Dziś porozmawiamy o najwybitniejszych przedstawicielach malarstwa japońskiego i ich obrazach, od czasów starożytnych po czasy współczesne.

Cóż, zanurzmy się w sztuce Krainy Wschodzącego Słońca.

Narodziny sztuki

Starożytna sztuka malarstwa w Japonii kojarzona jest przede wszystkim ze specyfiką pisma i dlatego opiera się na podstawach kaligrafii. Pierwsze próbki obejmują znalezione podczas wykopalisk fragmenty dzwonów, naczyń i artykułów gospodarstwa domowego z brązu. Wiele z nich malowano naturalnymi farbami, a badania dają podstawy przypuszczać, że wyroby te powstały wcześniej niż 300 rok p.n.e.

Nowa runda rozwoju sztuki rozpoczęła się wraz z przybyciem do Japonii. Na emakimono – specjalne zwoje papieru, naniesiono wizerunki bóstw panteonu buddyjskiego, sceny z życia Nauczyciela i jego wyznawców.

Dominację tematyki religijnej w malarstwie widać m.in średniowieczna Japonia, a mianowicie od X do XV wieku. Nazwiska artystów tamtej epoki niestety nie zachowały się do dziś.

W okresie XV-XVIII w. rozpoczął się nowy czas, charakteryzujący się pojawieniem się artystów o rozwiniętym indywidualnym stylu. Wyznaczyli wektor dalszy rozwój Dzieła wizualne.

Jasni przedstawiciele przeszłości

Napięty Xubun (początek XV wieku)

Aby stać się wybitnym mistrzem, Xiubun studiował techniki pisania chińskich artystów Song i ich dzieła. Następnie stał się jednym z założycieli malarstwa w Japonii i twórcą sumi-e.

Sumi-e – styl artystyczny, która opiera się na rysowaniu tuszem, czyli jednym kolorem.

Xubun zrobił wiele nowy styl zakorzenił się w kręgach artystycznych, uczył sztuki innych talentów, także tych przyszłych znani malarze, na przykład Sesshu.

Najbardziej popularne malarstwo Syubuna nazywa się „Czytanie w bambusowym gaju”.

„Czytanie w bambusowym gaju” autorstwa Tense Xubuna

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Został twórcą szkoły nazwanej jego imieniem – Hasegawa. Początkowo starał się kierować kanonami szkoły Kano, stopniowo jednak w jego twórczości zaczęto doszukiwać się indywidualnego „pisma”. Tohaku kierował się grafiką Sesshu.

Podstawą prac były proste, lakoniczne, ale realistyczne pejzaże o prostych tytułach:

• „Sosny”;
• "Klon";
• „Sosny i rośliny kwitnące”.

„Pines” Hasegawy Tohaku

Bracia Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)

Bracia byli wspaniali rzemieślnicy 18 wiek. Najstarszy, Ogata Korin, całkowicie poświęcił się malarstwu i założył gatunek rimpa. Unikał obrazów stereotypowych, preferując gatunek impresjonistyczny.

Ogata Korin malował naturę w ogóle, a kwiaty w szczególności w formie jasnych abstrakcji. Jego pędzle należą do obrazów:

• „Kwiat śliwy czerwono-biały”;
• „Fale Matsushima”;
• „Chryzantemy”.

„Fale Matsushimy” Ogaty Korina

Młodszy brat, Ogata Kenzan, miał wiele pseudonimów. Choć zajmował się malarstwem, zasłynął bardziej jako wspaniały ceramik.

Ogata Kenzan opanował wiele technik tworzenia ceramiki. Wyróżniał się niestandardowe podejście na przykład stworzył talerze w kształcie kwadratu.

Jego własne malarstwo nie wyróżniało się przepychem – to też była jego osobliwość. Uwielbiał nanosić na swoje przedmioty kaligrafię przypominającą zwój lub fragmenty poezji. Czasami pracowali razem z bratem.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Tworzył w stylu ukiyo-e – rodzaj drzeworytu, czyli malarstwa rytowniczego. W ciągu całej swojej kariery zmienił około 30 nazwisk. Słynne dzieło– „Wielka Fala w Kanagawie”, dzięki której zasłynął poza granicami swojej ojczyzny.

„Wielka fala u wybrzeży Kanagawy” Hokusai Katsushiki

Hokusai zaczął szczególnie ciężko pracować po 60. roku życia, co przyniosło dobre rezultaty. Van Gogh, Monet i Renoir znali jego twórczość i w pewnym stopniu wpływała ona na twórczość europejskich mistrzów.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Jeden z najwybitniejszych artystów XIX wieku. Urodził się, mieszkał i pracował w Edo, kontynuował dzieło Hokusai i inspirował się jego twórczością. Sposób, w jaki przedstawił przyrodę, jest niemal tak imponujący, jak liczba samych dzieł.

Edo to dawna nazwa Tokio.

Oto kilka liczb dotyczących jego twórczości, które są reprezentowane przez serię obrazów:

• 5,5 tys. – liczba wszystkich rycin;
• „100 widoków na Edo;
• „36 widoków na Fuji”;
• „69 stacji Kisokaido”;
• „53 stacje Tokaido”.

Malarstwo Ando Hiroshige

Co ciekawe, wybitny Van Gogh namalował kilka kopii swoich rycin.

Nowoczesność

Takashiego Murakamiego

Artysta, rzeźbiarz, projektant ubiorów, zasłynął już pod koniec XX wieku. W swojej twórczości podąża za trendami mody z elementami klasyki, a inspiracje czerpie z kreskówek anime i mangi.

Malarstwo Takashiego Murakamiego

Twórczość Takashiego Murakamiego uznawana jest za subkulturę, ale jednocześnie cieszy się niesamowitą popularnością. Na przykład w 2008 roku jedno z jego dzieł zostało kupione na aukcji za ponad 15 milionów dolarów. Kiedyś nowoczesny twórca współpracował z domami mody Marc Jacobs i Louis Vuitton.

Cicho Ashima

Koleżanka poprzedniego artysty, tworzy nowoczesne obrazy surrealistyczne. Przedstawiają widoki miast, ulic megalopoli i stworzeń jakby z innego wszechświata – duchy, złe duchy, obce dziewczyny. W tle obrazów często można dostrzec dziewiczą, czasem wręcz przerażającą przyrodę.

Jej obrazy osiągają duże rozmiary i rzadko ograniczają się do mediów papierowych. Przenoszone są na skórę i tworzywa sztuczne.

W 2006 roku w ramach wystawy w stolicy Wielkiej Brytanii kobieta stworzyła około 20 łukowych konstrukcji, które w dzień i w nocy odzwierciedlały piękno przyrody wsi i miasta. Jedna z nich ozdobiła stację metra.

Hej, Arakawo

Młodego człowieka nie można nazwać artystą w klasycznym tego słowa znaczeniu – tworzy instalacje tak popularne w sztuce XXI wieku. Tematyka jego wystaw jest prawdziwie japońska i dotyczy przyjacielskich relacji oraz pracy całego zespołu.

Hei Arakawa często uczestniczy w różnych biennale, np. w Wenecji i wystawia w muzeum Sztuka współczesna w swojej ojczyźnie, zasłużenie otrzymuje różne nagrody.

Ikenaga Yasunari

Współczesna malarka Ikenaga Yasunari zdołała połączyć dwie pozornie nieprzystające do siebie rzeczy: życie współczesnych dziewcząt w formie portretu i tradycyjne japońskie techniki z czasów starożytnych. W swojej twórczości malarz wykorzystuje specjalne pędzle, farby z naturalnym pigmentem, tusz i węgiel drzewny. Zamiast zwykłego lnu - tkanina lniana.

Malarstwo Ikenagi Yasunari

Podobna technika kontrastowania przedstawianej epoki i wygląd Bohaterki sprawiają wrażenie, jakby wróciły do ​​nas z przeszłości.

Popularną ostatnio w społeczności internetowej serię obrazów przedstawiających złożoność życia krokodyla stworzył także japoński rysownik Keigo.

Wniosek

Więc, malarstwo japońskie Powstał około III wieku p.n.e. i od tego czasu wiele się zmieniło. Pierwsze obrazy nanoszono na ceramikę, później w sztuce zaczęły dominować motywy buddyjskie, lecz nazwiska autorów nie zachowały się do dziś.

W epoce nowożytnej mistrzowie pędzla nabierali coraz większej indywidualności i tworzyli różne kierunki i szkoły. Dzisiejsze sztuka nie ogranicza się do tradycyjnego malarstwa – wykorzystuje się instalacje, karykatury, rzeźby artystyczne i specjalne konstrukcje.

Dziękuję bardzo za uwagę, drodzy czytelnicy! Mamy nadzieję, że nasz artykuł był dla Was przydatny, a opowieści o życiu i twórczości najwybitniejszych przedstawicieli sztuki pozwoliły lepiej ich poznać.

Oczywiście trudno w jednym artykule omówić wszystkich artystów od starożytności po współczesność. Niech więc będzie to pierwszy krok w stronę zrozumienia malarstwa japońskiego.

I dołącz do nas - zapisz się na bloga - będziemy wspólnie studiować buddyzm i kulturę Wschodu!