Znane kompozytorki. Wybitne kompozytorki. Aleksander Nikołajewicz Skriabin

KOBIETY Paweł krzyknął. Zacisnął zęby. Nagle zrobiło się cicho. Nataszy wydawało się, że już nie oddycha. Natasza ze strachem przyłożyła ucho do spierzchniętych warg.Stara kobieta spała. Na kuchence mrugała lampa bez szkła. W złym świetle koścista, gorąca głowa wyglądała brzydko

Kompozycja, podobnie jak wiele innych zawodów twórczych, jest tradycyjnie uważana za przywilej „silnej połowy ludzkości”. Jednak przez cały czas znajdowały się utalentowane muzykki, które nie zgadzały się z takim stanem rzeczy. Odważnie bronili swojego prawa do kreatywności i często odnosili wielkie sukcesy na polu kompozytorskim.

Jedną z najsłynniejszych kompozytorek jest prawdopodobnie Clara Schumann (1819-1896) z domu Wieck, żona Roberta Schumanna. Od dzieciństwa Klara wykazywała się niezwykłymi zdolnościami w grze na pianinie i komponowaniu. Jej rozwój zawodowy ułatwił ojciec, utalentowany nauczyciel, który osobiście uczył cudowne dziecko. Clara poznała Schumanna, gdy ten również zaczął pobierać lekcje gry na fortepianie u jej ojca. Friedrich Wieck nie pozwolił swojej córce wyjść za mąż za „niesolidnego” finansowo kompozytora i dopiero za pośrednictwem sądu Schumannowi udało się uzyskać pozwolenie na zawarcie związku małżeńskiego. Gdy Klara została żoną Schumanna, zaczęła zwracać większą uwagę na kompozycję. Spod jej pióra pochodzi wiele utworów fortepianowych i innych, w których wyczuwalny jest wpływ Schumanna i innych kompozytorów romantycznych - Mendelssohna, Chopina. Podczas koncertu zabrzmi jeden utwór Clary Schumann – Romans na skrzypce i fortepian A-dur op. 23.

Lily Boulanger (1893-1918), młodsza siostra Nadii Boulanger, słynnej pianistki i pedagog, żyła bardzo krótko – dwadzieścia cztery lata. Siostry Boulanger wychowały się w muzycznej rodzinie: ich ojciec uczył śpiewu w Konserwatorium Paryskim, a ich matka, rosyjska księżniczka Raisa Myshetskaya, była śpiewaczką. Talent muzyczny Lily został odkryty bardzo wcześnie: szybciej nauczyła się grać nuty niż czytać. W 1913 roku Lily ukończyła Konserwatorium Paryskie i w tym samym roku otrzymała Nagrodę Rzymską za kantatę „Faust i Helena”. Tym samym Lili Boulanger stała się pierwszą kompozytorką, która otrzymała tę prestiżową nagrodę (przed nią laureatami tej nagrody byli tacy autorzy jak Berlioz, Gounod, Massenet i Debussy). Lily była wszechstronną kompozytorką: pisała muzykę instrumentalną, wokalną, chóralną i sakralną. Podczas koncertu zostanie wykonany jej Nokturn na wiolonczelę i fortepian – utwór lekki i subtelny z lekkim orientalnym „odcieniem”.

W programie znalazła się kompozycja innej francuskiej kompozytorki Louise Farranc (1804-1875). Z jej biografią wiąże się wiele znanych postaci ówczesnego świata muzyki: mentorami Farranka byli Antonin Reich, Ignaz Moscheles, Johann Hummel. Louise była dobra w formach wielkoformatowych: napisała nie mniej niż trzy symfonie. Jej muzykę docenili Schumann, Berlioz, Chopin i Liszt. Oprócz działalności kompozytorskiej i pedagogicznej (Farranc wykładała w Konserwatorium Paryskim) zajmowała się także pedagogiką muzyczną, pisząc wielotomową antologię muzyki fortepianowej. Podczas koncertu zabrzmią dwie części twórczości kameralnej Farranca – Trio na flet, skrzypce i wiolonczelę.

Amy Beach (1867-1944) – przedstawicielka kontynentu północnoamerykańskiego. Urodziła się w wiejskim New Hampshire; Studiował kompozycję, harmonię i kontrapunkt w Bostonie. Większość życia spędziła jednak w Stanach Zjednoczonych, odbywając czteroletnią podróż do Europy, podczas której wykonywała m.in. własne utwory. W programie znalazły się dwa utwory Amy Beach – Romans na skrzypce i fortepian A-dur op. 23 oraz Kwintet na fortepian i kwartet smyczkowy fis-moll op. 67. Obydwa przedstawienia należą do ruchu romantycznego i niewątpliwie daje się w nich wyczuć „puls” XX wieku.

Chorwacką rodzinę arystokratyczną reprezentuje Dora Pejacevic (1885-1923), córka bana Chorwacji Teodora Pejacevica. Jest bardzo ceniona w swojej ojczyźnie: Symfonia fis-moll, napisana przez Dorę Pejačević, uważana jest za pierwszą współczesną symfonię w muzyce chorwackiej. Napisała sporo (pięćdziesiąt osiem) utworów z różnych gatunków, w tym muzyki kameralnej, z którą zapozna słuchaczy Kwartet fortepianowy d-moll.

Wśród czcigodnych nazwisk kompozytorów przeszłości i ubiegłego stulecia szczególnie miło jest zobaczyć imię naszej współczesnej i rodaczki - Sofii Asgatovnej Gubaiduliny. Niedawno w Moskwie szeroko obchodzono jej 85. urodziny. Kompozytorka od wielu lat mieszka w Niemczech i nadal komponuje oraz komunikuje się z wykonawcami swojej muzyki. Lista nagród i tytułów honorowych otrzymanych przez Sofię Asgatovną w różnych krajach świata (Japonia, Niemcy, USA, Włochy, Dania i oczywiście Rosja) jest ogromna. Muzykę Gubaiduliny wyróżnia filigranowa technika, fascynujące połączenie intuicyjności i ścisłej kalkulacji oraz zmysłowa kolorystyka barw. Kompozycja Allegro rustico, która zostanie wykonana podczas koncertu, nie jest dla niej do końca typowa. Jest to spektakl komediowy, którego nazwę można rozszyfrować jako „Allegro w stylu rustykalnym”. Pomimo podkreślonej lapidarności rytmicznej i zamierzonej kanciastości melodii, utwór ten ma w sobie niemal magiczny urok, zmuszający słuchacza do śledzenia toku muzycznych myśli od pierwszej do ostatniej nuty.

W koncercie wezmą udział Vladlen Ovanesyants (skrzypce), Roman Yanchishin (skrzypce), Dmitry Usov (altówka), Boris Lifanovsky (wiolonczela), Stanislav Yaroshevsky (flet), Anna Grishina (fortepian).

Oksana Usowa

Melodie i pieśni narodu rosyjskiego były inspiracją dla twórczości znanych kompozytorów drugiej połowy XIX wieku. Wśród nich był P.I. Czajkowski, M.P. Musorgski, M.I. Glinka i A.P. Borodin. Ich tradycje kontynuowała cała plejada wybitnych postaci muzycznych. Rosyjscy kompozytorzy XX wieku są nadal popularni.

Aleksander Nikołajewicz Skriabin

Kreatywność A.N. Skriabin (1872 - 1915), rosyjski kompozytor i utalentowany pianista, pedagog i innowator, nie może pozostawić nikogo obojętnym. W jego oryginalnej i żywiołowej muzyce czasem słychać mistyczne momenty. Kompozytora pociąga i przyciąga obraz ognia. Nawet w tytułach swoich dzieł Skriabin często powtarza słowa takie jak ogień i światło. W swoich pracach szukał możliwości połączenia dźwięku i światła.

Ojciec kompozytora, Nikołaj Aleksandrowicz Skriabin, był znanym rosyjskim dyplomatą i aktywnym radcą stanu. Matka – Lyubov Petrovna Skryabina (z domu Shchetinina), była znana jako bardzo utalentowana pianistka. Ukończyła z wyróżnieniem Konserwatorium w Petersburgu. Jej kariera zawodowa rozpoczęła się pomyślnie, ale wkrótce po urodzeniu syna zmarła na suchoty. W 1878 r. Mikołaj Aleksandrowicz ukończył studia i otrzymał nominację do ambasady rosyjskiej w Konstantynopolu. Wychowanie przyszłego kompozytora kontynuowali jego bliscy krewni - babcia Elżbieta Iwanowna, jej siostra Maria Iwanowna i siostra jego ojca Ljubow Aleksandrowna.

Pomimo tego, że w wieku pięciu lat Skriabin opanował grę na fortepianie, a nieco później zaczął uczyć się kompozycji muzycznych, zgodnie z tradycją rodzinną otrzymał wykształcenie wojskowe. Ukończył 2. Moskiewski Korpus Kadetów. Jednocześnie pobierał prywatne lekcje gry na fortepianie i teorii muzyki. Później wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył go z małym złotym medalem.

Skriabin na początku swojej działalności twórczej świadomie podążał za Chopinem i wybierał te same gatunki. Jednak już wtedy ujawnił się jego własny talent. Na początku XX w. napisał trzy symfonie, następnie „Poemat ekstazy” (1907) i „Prometeusz” (1910). Co ciekawe, kompozytor uzupełnił partyturę „Prometeusza” lekką partią klawiszową. Jako pierwszy zastosował muzykę rozrywkową, której celem jest odkrywanie muzyki metodą percepcji wzrokowej.

Przypadkowa śmierć kompozytora przerwała jego twórczość. Nigdy nie zrealizował swojego planu stworzenia „Tajemnicy” – symfonii dźwięków, kolorów, ruchów i zapachów. W tej pracy Skriabin chciał przekazać całej ludzkości swoje najskrytsze myśli i zainspirować ich do stworzenia nowego świata, naznaczonego zjednoczeniem Uniwersalnego Ducha i Materii. Jego najważniejsze dzieła były jedynie wstępem do tego wspaniałego projektu.

Znany rosyjski kompozytor, pianista, dyrygent S.V. Rachmaninow (1873 - 1943) urodził się w zamożnej rodzinie szlacheckiej. Dziadek Rachmaninowa był zawodowym muzykiem. Pierwsze lekcje gry na fortepianie udzielała mu matka, a później zaprosili nauczyciela muzyki A.D. Ornacka. W 1885 roku rodzice wysłali go do prywatnej szkoły z internatem u profesora Konserwatorium Moskiewskiego N.S. Zverev. Porządek i dyscyplina panująca w placówce edukacyjnej miały istotny wpływ na kształtowanie się przyszłego charakteru kompozytora. Później ukończył Konserwatorium Moskiewskie ze złotym medalem. Jeszcze jako student Rachmaninow cieszył się dużą popularnością wśród moskiewskiej opinii publicznej. Ma już na swoim koncie „Pierwszy Koncert fortepianowy”, a także kilka innych romansów i sztuk teatralnych. A jego „Preludium cis-moll” stało się bardzo popularną kompozycją. Świetny PI Czajkowski zwrócił uwagę na pracę dyplomową Siergieja Rachmaninowa – operę „Oleko”, którą napisał pod wrażeniem poematu A.S. Puszkina „Cyganie”. Piotr Iljicz zrealizował jego inscenizację w Teatrze Bolszoj, próbował pomóc w włączeniu tego dzieła do repertuaru teatru, ale niespodziewanie zmarł.

Od dwudziestego roku życia Rachmaninow wykładał w kilku instytutach i udzielał prywatnych lekcji. Na zaproszenie słynnego filantropa, postaci teatralnej i muzycznej Savvy Mamontova, w wieku 24 lat kompozytor został drugim dyrygentem Moskiewskiej Rosyjskiej Opery Prywatnej. Tam zaprzyjaźnił się z F.I. Chaliapin.

Kariera Rachmaninowa została przerwana 15 marca 1897 roku z powodu braku akceptacji przez petersburską publiczność jego nowatorskiej I Symfonii. Recenzje tego dzieła były naprawdę druzgocące. Jednak największym rozczarowaniem kompozytora była negatywna recenzja pozostawiona przez N.A. Rimski-Korsakow, którego opinię Rachmaninow bardzo cenił. Potem popadł w długotrwałą depresję, z której udało mu się wyjść dzięki pomocy hipnotyzera N.V. Dalia.

W 1901 roku Rachmaninow zakończył pracę nad Drugim Koncertem fortepianowym. I od tego momentu rozpoczęła się jego aktywna działalność twórcza jako kompozytora i pianisty. Unikalny styl Rachmaninowa łączył rosyjskie pieśni kościelne, romantyzm i impresjonizm. Uważał, że melodia jest główną zasadą wiodącą w muzyce. Znalazło to największy wyraz w ulubionym utworze autora, wierszu „Dzwony”, który napisał na orkiestrę, chór i solistów.

Pod koniec 1917 r. Rachmaninow wraz z rodziną opuścił Rosję, pracował w Europie, a następnie udał się do Ameryki. Kompozytorowi ciężko było zerwać z ojczyzną. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej dawał koncerty charytatywne, z których dochód przekazał na Fundusz Armii Czerwonej.

Muzykę Strawińskiego wyróżnia różnorodność stylistyczna. Na samym początku swojej działalności twórczej opierał się na rosyjskich tradycjach muzycznych. A potem w utworach słychać wpływy neoklasycyzmu, charakterystycznego dla muzyki francuskiej tamtego okresu i dodekafonii.

Igor Strawiński urodził się w Oranienbaum (obecnie Łomonosow) w 1882 roku. Ojciec przyszłego kompozytora Fiodora Ignatiewicza jest znanym śpiewakiem operowym, jednym z solistów Teatru Maryjskiego. Jego matką była pianistka i śpiewaczka Anna Kirillovna Kholodovskaya. Od dziewiątego roku życia nauczyciele udzielali mu lekcji gry na fortepianie. Po ukończeniu szkoły średniej, na prośbę rodziców, wstąpił na wydział prawa tej uczelni. Przez dwa lata, od 1904 do 1906, pobierał lekcje u N.A. Rimskiego-Korsakowa, pod którego kierunkiem napisał swoje pierwsze dzieła – scherzo, sonatę fortepianową i suitę „Faun i Pasterka”. Siergiej Diagilew wysoko ocenił talent kompozytora i zaproponował mu współpracę. Efektem wspólnej pracy były trzy balety (w inscenizacji S. Diagilewa) - „Ognisty ptak”, „Pietruszka”, „Święto wiosny”.

Na krótko przed I wojną światową kompozytor wyjechał do Szwajcarii, a następnie do Francji. Rozpoczyna się nowy okres w jego twórczości. Studiuje style muzyczne XVIII wieku, pisze operę Król Edyp i muzykę do baletu Apollo Musagete. Charakter pisma jego autora zmieniał się na przestrzeni lat kilkakrotnie. Kompozytor przez wiele lat mieszkał w USA. Jego ostatnim znanym dziełem jest „Requiem”. Cechą szczególną kompozytora Strawińskiego jest umiejętność ciągłej zmiany stylów, gatunków i kierunków muzycznych.

Kompozytor Prokofiew urodził się w 1891 roku w małej wiosce w guberni jekaterynosławskiej. Świat muzyki otworzyła mu matka, dobra pianistka, która często wykonywała dzieła Chopina i Beethovena. Stała się prawdziwym mentorem muzycznym dla swojego syna, a ponadto nauczyła go języka niemieckiego i francuskiego.

Na początku 1900 roku młodemu Prokofiewowi udało się uczęszczać na balet „Śpiąca królewna” i słuchać oper „Faust” i „Książę Igor”. Wrażenie, jakie wywarły występy teatrów moskiewskich, wyraziło się w jego własnej twórczości. Pisze operę „Olbrzym”, a następnie uwerturę do „Desert Shores”. Rodzice szybko zdają sobie sprawę, że nie mogą dalej uczyć syna muzyki. Wkrótce początkujący kompozytor, w wieku jedenastu lat, został przedstawiony słynnemu rosyjskiemu kompozytorowi i nauczycielowi S.I. Tanejewa, który osobiście zwrócił się do R.M. Gliera studiować kompozycję muzyczną u Siergieja. S. Prokofiew zdał egzaminy wstępne do Konserwatorium w Petersburgu w wieku 13 lat. Na początku swojej kariery kompozytor dużo koncertował i koncertował. Jednak jego twórczość wywołała nieporozumienia wśród opinii publicznej. Wynikało to z cech dzieł, które wyrażały się w następujący sposób:

• styl modernistyczny;
• niszczenie ustalonych kanonów muzycznych;
• ekstrawagancja i pomysłowość technik kompozytorskich

W 1918 r. S. Prokofiew wyjechał i wrócił dopiero w 1936 r. Już w ZSRR pisał muzykę do filmów, oper i baletów. Ale po tym, jak został oskarżony, wraz z wieloma innymi kompozytorami, o „formalizm”, praktycznie przeprowadził się do kraju, ale nadal pisał dzieła muzyczne. Jego opera „Wojna i pokój”, balety „Romeo i Julia”, „Kopciuszek” stały się własnością kultury światowej.

Rosyjscy kompozytorzy XX wieku, żyjący na przełomie wieków, nie tylko zachowali tradycje poprzedniego pokolenia twórczej inteligencji, ale także stworzyli własną, niepowtarzalną sztukę, dla której dzieła P.I. Czajkowski, M.I. Glinka, N.A. Rimski-Korsakow.

„Mężczyzna wolałby urodzić dziecko, niż kobieta pisać dobrą muzykę” – powiedział kiedyś niemiecki kompozytor Johannes Brahms. Półtora wieku później kompozytorki gromadzą największe sale koncertowe świata, pisząc muzykę do filmów i realizując ważne inicjatywy społeczne. „April” wspólnie z marką kosmetyczną NanoDerm opowiada o kobietach, których talent i praca pomogły obalić stereotyp o „męskim” zawodzie kompozytora.

1. Kasja z Konstantynopola

Grecka zakonnica Cassia urodziła się w zamożnej rodzinie w Konstantynopolu w 804 lub 805 roku. Dziś znana jest nie tylko jako założycielka klasztoru w Konstantynopolu, ale także jako jedna z pierwszych autorek hymnów i kompozytorek.

Kasja była bardzo piękna i według niektórych źródeł w 821 roku wzięła nawet udział w paradzie panny młodej dla cesarza Teofila. Dziewczynie nie było przeznaczone zostać żoną cesarza i wkrótce Cassia została zakonnicą, aby całe życie spędzić w założonym przez siebie klasztorze. Tam Kasja komponowała hymny i kanony kościelne, a analiza jej dzieł, w których znajdują się odniesienia do dzieł autorów starożytnych, pozwala stwierdzić, że dziewczyna miała dobre wykształcenie świeckie.

Kasja z Konstantynopola jest jednym z pierwszych kompozytorów, których dzieła mogą być wykonywane przez współczesnych muzyków.

2. Hildegarda z Bingen

Niemiecka zakonnica Hildegarda z Bingen była osobą niezwykłą nie tylko jeśli chodzi o pisanie muzyki - pracowała także nad dziełami z zakresu nauk przyrodniczych i medycyny, pisała mistyczne księgi wizji, a także wiersze duchowe.

Hildegarda urodziła się pod koniec XI wieku i była dziesiątym dzieckiem w rodzinie szlacheckiej. Od ósmego roku życia dziewczynka była wychowywana przez zakonnicę, a w wieku 14 lat zaczęła mieszkać w klasztorze, gdzie studiowała sztukę i liturgikę.

Dziewczyna już jako dziecko zaczęła komponować muzykę na podstawie własnych wierszy, a już jako dorosła zebrała swoje utwory w zbiorze zatytułowanym „Harmoniczna Symfonia Niebiańskich Objawień”. W zbiorze znajdują się pieśni, zebrane w kilka części o tematyce liturgicznej.

3. Barbara Strozzi

Włoska kompozytorka Barbara Strozzi, nazwana później „najbardziej wirtuozką”, była nieślubną córką poety Giulio Strozziego, który później ją adoptował. Sama Barbara miała czworo nieślubnych dzieci od różnych mężczyzn. Dziewczyna urodziła się w 1619 roku w Wenecji i studiowała u kompozytora Francesco Cavalli.

Strozzi pisała kantaty, arietty, madrygały, a jej ojciec Giulio pisał teksty do dzieł jej córki. Barbara stała się pierwszą kompozytorką, która wydała swoje utwory nie w zbiorach, ale pojedynczo. Muzyka Barbary Strozzi jest nadal wykonywana i wznawiana do dziś.

4. Klara Schumann

Nee Clara Wieck urodziła się w 1819 roku w Lipsku, w rodzinie Friedricha Wiecka, znanego w mieście i kraju nauczyciela gry na fortepianie. Od najmłodszych lat dziewczynka uczyła się gry na pianinie od ojca, a już w wieku 10 lat zaczęła z powodzeniem występować publicznie.

Klara wraz z ojcem odbyła tournée po Niemczech, następnie dała kilka koncertów w Paryżu. Mniej więcej w tym czasie młoda Klara zaczęła pisać muzykę – jej pierwsze utwory ukazały się w 1829 roku. W tym samym czasie młody Robert Schumann został uczniem Friedricha Wiecka, którego podziw dla utalentowanej córki nauczyciela przerodził się w miłość.

W 1940 roku Klara i Robert pobrali się. Od tego czasu dziewczyna zaczęła wykonywać muzykę napisaną przez męża, często jako pierwsza prezentowała publiczności nowe dzieła Roberta Schumanna. Również kompozytor Johannes Brahms, bliski przyjaciel rodziny, powierzył Klarze debiutanckie wykonanie swoich utworów.

Twórczość Clary Schumann wyróżniała się nowoczesnością i uznawana była za jeden z najlepszych przykładów szkoły romantycznej. Robert Schumann również wysoko cenił twórczość swojej żony, nalegał jednak, aby żona skupiła się na życiu rodzinnym i ośmiorgu dzieci.
Po śmierci Roberta Schumanna Klara nadal wykonywała jego utwory, a zainteresowanie własną twórczością na nowo wzrosło w 1970 r., kiedy ukazały się pierwsze nagrania kompozycji Klary

5. Plaża Amy

Amerykanka Amy Marcy Cheney Beach to jedyna kobieta w tak zwanej „bostońskiej szóstce” kompozytorów, do której oprócz niej należeli muzycy: John Knowles Payne, Arthur Foote, George Chadwick, Edward McDowell i Horatio Parker. Uważa się, że sześciu kompozytorów wywarło decydujący wpływ na kształtowanie się amerykańskiej muzyki akademickiej.

Amy urodziła się 5 września 1867 roku w zamożnej rodzinie z New Hampshire. Od najmłodszych lat dziewczynka uczyła się muzyki pod okiem matki, a po przeprowadzce rodziny do Bostonu zaczęła studiować sztukę kompozycji. Pierwszy solowy koncert Amy Beach odbył się w 1883 roku i okazał się wielkim sukcesem. Dwa lata później dziewczyna wyszła za mąż i pod naciskiem męża praktycznie przestała występować, koncentrując się na pisaniu muzyki.

Później wykonywała własne utwory podczas tournée po Europie i Ameryce, a dziś Amy Beach uważana jest za pierwszą kobietę, której udało się zrobić karierę w wysokiej sztuce muzycznej.

6. Walentyna Serowa

Pierwsza rosyjska kompozytorka, z domu Valentina Siemionowna Bergman, urodziła się w 1846 roku w Moskwie. Dziewczyna nie ukończyła Konserwatorium w Petersburgu z powodu konfliktu z reżyserem, po czym Walentyna zaczęła pobierać lekcje u krytyka muzycznego i kompozytora Aleksandra Serowa.

W 1863 roku Walentyna i Aleksander pobrali się, a dwa lata później para miała syna, przyszłego artystę Walentina Serowa. W 1867 r. Sierowowie zaczęli wydawać czasopismo „Muzyka i teatr”. Para utrzymywała przyjazne stosunki z Iwanem Turgieniewem i Poliną Viardot, Lwem Tołstojem, Ilją Repinem.

Valentina Serova była dość wrażliwa na twórczość męża, a po jego śmierci opublikowała cztery tomy artykułów o swoim mężu, a także ukończyła jego operę „Siła wroga”.

Serova jest autorką oper „Uriel Acosta”, „Maria D'Orval”, „Miroed”, „Ilya Muromets”. Oprócz muzyki pisała także artykuły o sztuce kompozytorskiej, publikowała wspomnienia o spotkaniach z Lwem Tołstojem oraz wspomnienia męża i syna.

7. Sofia Gubajdulina

Dziś rosyjska kompozytorka Sofia Gubaidulina mieszka i pracuje w Niemczech, ale w jej rodzinnym Tatarstanie co roku odbywają się konkursy i festiwale muzyczne poświęcone słynnemu mieszkańcowi republiki.

Sofia Gubaidulina urodziła się w mieście Czystopol w 1931 roku. Jako dziewczynka ukończyła kazańskie gimnazjum muzyczne, a następnie wstąpiła do Konserwatorium w Kazaniu, gdzie studiowała kompozycję. Po przeprowadzce do Moskwy Gubajdulina kontynuowała naukę w Konserwatorium Moskiewskim, a po ukończeniu studiów otrzymała od kompozytora Dmitrija Szostakowicza ważne dla siebie pożegnalne słowo: „Życzę wam, abyście podążali swoją „złą” ścieżką”.

Wraz z Alfredem Schnittke i Edisonem Denisowem Sofia Gubaidulina należała do trójcy moskiewskich kompozytorów awangardowych. Gubajdulina dużo pracował dla kina i pisał muzykę do takich filmów jak „Pion”, „Człowiek i jego ptak”, „Mowgli”, „Strach na wróble”.

W 1991 roku Sofia Gubaidulina otrzymała stypendium niemieckie i od tego czasu mieszka w Niemczech, regularnie przyjeżdżając do Rosji na koncerty, festiwale i różne inicjatywy społeczne.

„W starożytnej Grecji wszyscy harfiści byli mężczyznami, ale teraz jest to instrument „żeński”. Czasy się zmieniają i słowa Brahmsa, że ​​„mężczyzna wolałby urodzić dziecko, niż kobieta pisać dobrą muzykę”, nie brzmią już poważnie” – powiedziała w wywiadzie Sofia Asgatovna.