Третьяковські уроки: Живопис Відродження. Художники раннього відродження Російські художники епохи відродження

August 7th, 2014

Студенти художніх вузіві люди, які цікавляться історією мистецтв, знають, що у рубежі 14-15 століть у живопису стався різкий перелом - Ренесанс. Близько 1420-х років всі раптово стали значно краще малювати. Чому зображення раптом стали такими реалістичними та детальними, а в картинах з'явилося світло та об'єм? Про це довгий час ніхто не думав. Поки Девід Хокні не взяв у руки лупу.

Давайте ж ми дізнаємося, що він виявив...

Якось він розглядав малюнки Жана Огюста Домініка Енгра (Jean Auguste Dominique Ingres) - лідера французької академічної школи 19 століття. Хокні стало цікаво подивитися його невеликі малюнки у більшому масштабі, і він їх збільшив на ксероксі. Ось так він натрапив на таємний бік історії живопису починаючи з Ренесансу.

Зробивши ксерокопії маленьких (приблизно 30 сантиметрів) малюнків Енгра, Хокні був вражений тим, наскільки вони є реалістичними. І ще йому здалося, ніби лінії Енгра йому щось
нагадують. Виявилося, що вони нагадують йому роботи Воргола. А Уорхол робив так - проектував фото на полотно та описував його.

Зліва: деталь малюнка Енгра. Праворуч: малюнок Мао Цзедуна Уорхола

Цікаві справи, каже Хокні. Судячи з усього Енгр використовував Camera Lucida - пристрій, який є конструкцією з призмою, яка кріпиться, наприклад, на стійці до планшета. Таким чином художник, дивлячись на свій малюнок одним оком, бачить реальне зображення, а іншим – власне малюнок та свою руку. Виходить оптична ілюзія, що дозволяє точно переносити реальні пропорції на папір. А це якраз і є «запорукою» реалістичності зображення.

Малювання портрета за допомогою камери-люциди, 1807

Потім Хокні не на жарт зацікавився цим «оптичним» виглядом малюнків та картин. У своїй студії він разом зі своєю командою розвішив по стінах сотні репродукцій картин, створених упродовж століть. Роботи, які виглядали «реально», та ті, які не виглядали. Розташувавши за часом створення, і регіонам – північ нагорі, південь унизу, Хокні з командою побачив різкий перелом у живописі на рубежі 14-15 століть. Це взагалі всім, хто хоч трохи знає про історію мистецтва, відомо - Ренесанс.

Може вони користувалися тією камерою-люцидою? Вона була запатентована в 1807 Вільямом Хайдом Волластоном. Хоча, насправді такий пристрій описується Йоханесом Кеплером ще 1611 року у його праці Dioptrice. Тоді, можливо, вони користувалися іншим оптичним пристроєм – камерою-обскурою? Адже вона відома ще з часів Аристотеля і є темною кімнатою, в яку крізь невеликий отвір потрапляє світло і таким чином у темній кімнаті виходить проекція того, що перед отвором, але в перевернутому вигляді. Все б нічого, але те зображення, яке виходить при проекції камерою-обскурою без лінзи, м'яко кажучи, не якісне, воно не чітке, йому потрібно дуже багато яскравого світла, не кажучи вже про розміри проекції. Але якісні лінзи було практично неможливо виготовити аж до 16 століття, оскільки не існувало на той час способів отримати таке якісне скло. Справи, подумав Хокні, який до того моменту вже бився над проблемою разом із фізиком Чарльзом Фалком.

Однак є картина Ян Ван Ейка, майстри з Брюгге, фламандського живописцяепохи раннього відродження - в якій захована підказка. Картина називається "Портрет Чети Арнольфіні".

Ян Ван Ейк «Портрет Чети Арнольфіні» 1434

Картина просто блищить величезною кількістю деталей, що досить цікаво, адже вона написана лише 1434 року. І підказкою про те, яким чином автору вдалося зробити такий великий крок уперед у реалістичності зображення, є дзеркало. А також свічник - неймовірно складний та реалістичний.

Хокні розпирала цікавість. Він добув копію такої люстри і спробував намалювати її. Художник зіткнувся з тим, що таку складну штуку складно намалювати у перспективі. Ще одним важливим моментомбула матеріальність зображення цього металевого предмета. При зображенні сталевого предмета дуже важливо розмістити відблиски якомога реальніше, оскільки це надає величезну реалістичність. Але проблема з цими відблисками в тому, що вони рухаються, коли рухається погляд глядача чи художника, тобто сфотографувати їх взагалі непросто. І реалістичне зображення металу та відблисків - це теж відмінна рисакартин Ренесансу, до цього митці навіть не намагалися цього робити.

Відтворивши точну тривимірну модель люстри, команда Хокні переконалася, що люстра на картині «Портрет Чети Арнольфіні» намальована точно в перспективі з однією точкою сходу. Але проблема в тому, що таких точних оптичних інструментів, як камера-обскура з лінзою, не існувало ще приблизно століття після створення картини.

Фрагмент картини Яна Ван Ейка ​​"Портрет Чети Арнольфіні" 1434

На збільшеному фрагменті видно, що дзеркало на картині "Портрет Чети Арнольфіні" опукле. А значить були й дзеркала навпаки – увігнуті. Навіть більше того, у ті часи такі дзеркала робилися таким чином - бралася скляна сфера, і її дно покривалося сріблом, потім усе, крім дна, відсікалося. Задня сторона ж дзеркала не затемнялася. Значить увігнутим дзеркалом Яна Ван Ейка ​​могло бути те саме дзеркало, яке зображене на картині, просто з зворотного боку. І будь-який фізик знає, що таке дзеркало при відображенні проектує картинку відображуваного. Ось тут із розрахунками та дослідженнями і допоміг Девіду Хокні його знайомий фізик Чарльз Фалко.

Увігнуте дзеркало проектує на полотно зображення вежі за вікном.

Розмір чіткої, сфокусованої частини проекції приблизно 30 квадратних сантиметрів - а це розмір голів на безлічі портретів епохи Відродження.

Хокні описує проекцію людини на полотні

Це розмір наприклад портрета «Дожа Леонардо Лоредана» авторства Джованні Белліні (1501), портрета чоловіка авторства Робера Кампена (1430), власне портрета Яна Ван Ейка ​​«чоловік у червоному тюрбані» та ще безлічі ранніх голландських портретів.

Портрети епохи Відродження

Живопис був високооплачуваною роботою, і, природно, всі секрети бізнесу зберігалися в найсуворішій таємниці. Художнику було вигідно, щоб усі непосвячені люди вважали, що секрети в руках майстра та їх не вкрасти. Бізнес був закритим для сторонніх - художники перебували в гільдії, в ній же були самі різні майстри- від тих хто робив сідла до тих, хто робив дзеркала. І в Гільдії Святого Луки (Guild of Saint Luke), заснованої в Антверпені і вперше згадуваної в 1382 (потім подібні гільдії відкрилися в багатьох північних містах, і однією з найбільших була гільдія в Брюгге - місті де жив Ван Ейк) теж були майстри, що виготовляють дзеркала.

Так Хокні відтворив те, як можна намалювати складну люстру з картини Ван Ейка. Зовсім не дивно, що розмір спроектованої Хокні люстри точно збігається з розмірами люстри на картині "Портрет Чети Арнольфіні". Ну і звичайно відблиски на металі – на проекції вони стоять на місці і не змінюються, коли митець змінює становище.

Але проблема все ще не вирішена повністю, адже до появи якісної оптики, яка потрібна для використання камери-обскури, залишалося 100 років, а розмір проекції, яка отримується за допомогою дзеркала, дуже малий. Як писати картини більше розміру 30 квадратних сантиметрів? Вони створювалися як колаж - з безлічі точок зору, виходив такий кулястий зір з безліччю точок сходу. Хокні зрозумів це, оскільки сам займався такими картинками - він робив безліч фото-колажів, в яких досягається такий самий ефект.

Майже через століття, у 1500-х нарешті стало можливим отримати і добре обробити скло - з'явилися великі лінзи. А їх можна було нарешті вставити в камеру-обскуру, принцип дії якої був відомий ще з давніх-давен. Камера-обскура з лінзою була неймовірною революцією у візуальному мистецтві, оскільки тепер проекція могла бути будь-якого розміру. І ще один момент тепер зображення було не «ширококутним», а приблизно нормального аспекту - тобто приблизно таким, яке воно сьогодні при фотографії з лінзою з фокусною відстанню 35-50мм.

Однак проблема у використанні камери-обскури з лінзою полягає в тому, що пряма проекція з дзеркальної лінзи. Це призвело до великою кількістюлівшів у живопису на ранніх етапах використання оптики. Як на цій картині з 1600-х з музею Франса Халса, де танцює пара шульг, їм загрожує пальцем ліворукий старий, а під сукню жінки заглядає ліворука мавпочка.

На цій картині все шульги

Проблема вирішується встановленням дзеркала, в яке спрямована лінза, таким чином виходить правильна проекція. Але судячи з усього, добре рівне і велике дзеркалокоштувало чималих грошей, тож було не в усіх.

Ще однією проблемою було фокусування. Справа в тому, що деякі частини картинки при одному положенні полотна під променями проекції були не у фокусі, не чіткими. На роботах Яна Вермеєра, де цілком очевидно видно використання оптики, його роботи взагалі виглядають як фотографії, можна також помітити місця не у «фокусі». Видно навіть малюнок, який дає лінза - горезвісне «боке». Як, наприклад, тут, на картині «Молочниця» (1658) кошик, хліб у ньому і синя вазочка не у фокусі. Адже людське око не може бачити «не у фокусі».

Деякі деталі картини не у фокусі

І в світлі всього цього зовсім не дивно, що добрим другом Яна Вермеєра був Антоній Філіпс ван Левенгук, учений та мікробіолог, а також унікальний майстер, який створював власні мікроскопи та лінзи. Вчений став посмертним розпорядником художника. А це дозволяє припустити, що Вермеєр зобразив саме свого друга на двох полотнах – «Географ» та «Астроном».

Для того, щоб побачити якусь частину у фокусі, потрібно змінити положення полотна під променями проекції. Але в такому разі з'являлися помилки у пропорціях. Як видно тут: величезне плече «Антеї» Парміджаніно (близько 1537), маленькій голові «леді ​​Дженовезе» Антоніса Ван Дейка (1626), величезним ногам селянина на картині Жоржа де Ла Тура.

Помилки у пропорціях

Безперечно, всі художники використовували лінзи по-різному. Хтось для начерків, хтось складав із різних частин - адже тепер можна було зробити портрет, а все інше дописати з іншою моделлю або взагалі з манекеном.

Майже не залишилося малюнків і Веласкес. Однак залишився його шедевр - портрет папи Інокентія 10-го (1650). На мантії тата - очевидно шовкової, - чудова гра світла. Бліків. І щоб написати все це з одного погляду, треба було дуже постаратися. А якщо зробити проекцію, то вся ця краса нікуди не втече - відблиски більше не рухаються, можна писати саме тими широкими і швидкими мазками як у Веласкеса.

Хокні відтворює картину Веласкеса

Згодом камеру-обскуру змогли дозволити собі багато художників, і це перестало бути великим секретом. Каналетто активно використовував камеру для створення своїх видів Венеції та не приховував цього. Ці картини, завдяки своїй точності, дозволяють говорити про Каналетто як документаліста. Завдяки Каналетто можна побачити не просто Гарну картинку, А й саму історію. Можна побачити, яким був перший Вестмінстерський міст у Лондоні 1746 року.

Каналетто "Вестмінстерський міст" 1746 р.

Британський художник Сер Джошуа Рейнольдс володів камерою-обскурою і, мабуть, нікому про це не говорив, адже його камера складається і виглядає як книга. Сьогодні вона знаходиться у Лондонському науковому музеї.

Камера-обскура, замаскована під книгу

Нарешті на початку 19 століття Вільям Генрі Фокс Телбот, скориставшись камерою-люцидою - тією самою, в яку треба дивитися одним оком, а малювати руками, вилаявся, вирішивши що з такою незручністю треба покінчити раз і назавжди, і став одним із винахідників хімічної фотографії, а пізніше популяризатором, який зробив її масовою.

З винаходом фотографії монополія живопису на реалістичність картинки зникла, тепер фото стало монополістом. І ось тут нарешті живопис звільнився від лінзи, продовживши той шлях, з якого згорнув у 1400-х, і Ван Гог став предтечею всього мистецтва 20 століття.

Зліва: Візантійська мозаїка 12 ст. Справа: Вінсент Ван Гог «Портрет пана Трабука» 1889

Винахід фотографії - це найкраще, що сталося з живописом за її історію. Більше не потрібно було створювати винятково реальні зображення, художник став вільним. Звичайно, публіці знадобилося ціле століття, щоб наздогнати художників у розумінні візуальної музики та перестати вважати людей на кшталт Ван Гога «божевільними». При цьому художники почали активно користуватися фотографіями як «довідковий матеріал». Потім уже з'явилися такі люди, як Василь Кандинський, російський авангард, Марк Ротко, Джексон Поллок. Після живописом звільнилася і архітектура, скульптура і музика. Правда російська академічна школа живопису застрягла в часі, і сьогодні досі в академіях та училищах вважається ганьбою використання фотографії на допомогу, а найвищим подвигом вважається суто технічне вміння малювати якомога реалістичніше голими руками.

Завдяки статті журналіста Лоуренса Вешлера, який був присутній під час досліджень Девіда Хокні та Фалко, з'ясовується ще один цікавий факт: портрет подружжя Арнольфіні пензля Ван Ейка ​​- це портрет італійського купця у Брюгге Містер Арнольфіні - Флорентієць і навіть представник банку Медічі (практично господарі Флоренції часів Ренесансу, вважаються покровителями мистецтва на той час Італії). А це свідчить про що? Про те, що він запросто міг забрати секрет гільдії Святого Луки - дзеркало - з собою, у Флоренцію, в якій, як вважається в традиційної історії, і розпочався Ренесанс, а художників із Брюгге (і відповідно й інших майстрів) вважають «примітивістами».

Навколо теорії Хокні-Фалко безліч суперечок. Але зерно істини у ній, безумовно, є. Що стосується мистецтвознавців, критиків та істориків - навіть уявити важко, скільки наукових праць з історії та мистецтва насправді виявилися повною нісенітницею, це ж змінює всю історію мистецтва, всі їхні теорії та тексти.

Факти використання оптики анітрохи не применшують талантів художників – адже техніка це засіб передачі того, що хоче художник. І навпаки, те, що в цих картинах є справжнісінька реальність, тільки додає їм ваги - адже саме так виглядали люди того часу, речі, приміщення, міста. Це справжнісінькі документи.

В епоху Відродження відбувається багато змін та відкриттів. Вивчаються нові континенти, розвивається торгівля, винаходять важливі речі, такі як папір, морський компас, порох та багато інших. Зміни у живопису також мали велике значення. Картини епохи Відродження набули величезної популярності.

Основні стилі та напрямки у творах майстрів

Період був одним із найплідніших в історії мистецтва. Шедеври величезної кількості видатних майстрів можна знайти сьогодні у різних мистецьких центрах. У Флоренції у першій половині п'ятнадцятого сторіччя з'явилися новатори. Їхні картини епохи Відродження були відзначені початком нової ери в історії мистецтва.

У цей час наука та мистецтво стають дуже тісно пов'язаними між собою. Художники вчені прагнули освоєння фізичного світу. Художники намагалися скористатися більш точними уявленнями про людське тіло. Багато художників прагнули реалістичності. Стиль починається з картини Леонардо да Вінчі "Таємна Вечеря", яку він писав майже чотири роки.

Одна з найвідоміших робіт

Була написана у 1490 роках для трапезного монастиря Санта-Марія-делле-Граціє в Мілані. Полотно представляє останню трапезу Ісуса разом зі своїми учнями перед тим, як його схопили та вбили. Сучасники, які спостерігали за роботою художника в цей період, відзначали, як він міг з ранку до вечора малювати, не зупиняючись навіть для того, щоб поїсти. А потім міг закинути свою картину на кілька днів і взагалі не підходити до неї.

Художника дуже турбував образ самого Христа та зрадника Юди. Коли ж нарешті картину було завершено, вона по праву була визнана шедевром. " таємна вечеряі по сьогоднішній день є однією з найпопулярніших. Репродукції епохи Відродження завжди мали широкий попит, але цей шедевр відзначений незліченними копіями.

Визнаний шедевр, або Загадкова посмішка жінки

Серед робіт, створених Леонардо у шістнадцятому столітті, значиться портрет, який називається "Мона Ліза", або "Джоконда". У сучасну епохуце, можливо, найвідоміша картина у світі. Популярною вона стала, в основному, через невловиму посмішку на обличчі жінки, зображену на полотні. Що спричинило таку загадковість? Уміла робота майстра, здатність так майстерно затінити куточки очей та рота? Точна природа цієї посмішки не може бути визначена й досі.

Поза конкуренцією та інші деталі цієї картини. Варто звернути увагу на руки та очі жінки: з якою точністю поставився митець до найдрібніших подробиць полотна під час його написання. Не менш цікавий і драматичний пейзаж на задньому плані картини, світ, у якому начебто все перебуває у стані потоку.

Ще один знаменитий представник живопису

Не менш відомий представник Ренесансу – Сандро Боттічеллі. Це великий італійський художник. Його картини епохи Відродження також мають величезну популярність серед широкого колаглядачів. "Поклоніння волхвів", "Мадонна з немовлям на троні", "Благовіщення" - ці твори Боттічеллі, присвячені релігійній тематиці, стали величезними здобутками художника.

Ще одна відома роботамайстри – "Мадонна Магніфікат". Вона прославилася ще за роки життя Сандро, про що свідчать численні репродукції. Подібні полотна у формі кола були досить потрібні у Флоренції п'ятнадцятого століття.

Новий поворот у творчості живописця

Починаючи з 1490 Сандро змінює свій стиль. Він стає аскетичнішим, поєднання фарб тепер набагато стриманіше, часто переважають темні тони. Новий підхідтворця до написання своїх творів чудово помітний у "Коронуванні Марії", "Оплакуванні Христа" та інших полотнах, на яких зображена Мадонна та Немовля.

Шедеври, написані Сандро Боттічеллі на той час, наприклад, портрет Данте, позбавлені пейзажних та інтер'єрних фонів. Один із не менш значних творів художника - це "Містичне Різдво". Картина була написана під впливом негараздів, які відбувалися наприкінці 1500 в Італії. Багато картин художників епохи Відродження непросто набули популярності, вони стали прикладом для наступного покоління художників.

Художник, полотна якого оточені ореолом захоплення

Рафаель Санті да Урбіно був не лише а й архітектором. Його картини епохи Відродження викликають захоплення ясністю своєї форми, простотою композиції та візуальним досягненням ідеалу людської величі. Поряд з Мікеланджело і Леонардо да Вінчі він входить у традиційну трійцю найбільших майстрів цього періоду.

Прожив він порівняно невелике життя, лише 37 років. Але за цей час створив величезну кількість своїх шедеврів. Деякі його твори знаходяться у Палаці Ватикану у Римі. Не всі глядачі можуть побачити на власні очі картини художників епохи Відродження. Фото цих шедеврів доступні всім (деякі з них представлені в цій статті).

Найбільш відомі твори Рафаеля

З 1504 до 1507 року Рафаель створив цілу серію "Мадонн". Картини відрізняються чарівною красою, мудрістю і одночасно якимось просвітленим смутком. Найзнаменитішим його полотном стала " Сикстинська мадоннаВона зображена ширяючою в небесах і плавно спускається до людей з Немовлям на руках. Саме цей рух дуже майстерно зміг зобразити художник.

Ця робота була високо оцінена багатьма відомими критиками, і всі вони дійшли єдиного висновку, що вона справді рідкісна та незвичайна. Усі картини художників епохи Відродження мають довгу історію. Але стала найбільш популярною завдяки своїм нескінченним мандрівкам, починаючи з моменту свого створення. Пройшовши через численні випробування, вона нарешті зайняла гідне місце серед експозицій Дрезденського музею.

Картини доби Відродження. Фото відомих полотен

І ще один відомий італійський живописець, скульптор, а також архітектор, який вплинув на розвиток мистецтва Заходу, - це Мікеланджело ді Сімоні. Незважаючи на те, що він відомий, в основному, як скульптор, існують і прекрасні твори його живопису. І найзначнішим із них є стеля Сикстинської капели.

Ця робота виконувалася протягом чотирьох років. Простір займає близько п'ятисот квадратних метріві містить понад триста фігур. У самому центрі дев'ять епізодів із книги Буття, розділених на кілька груп. Створення землі, створення людини та її падіння. Серед найбільш відомих картинна стелі - "Створення Адама" та "Адам і Єва".

Не менш знаменита його робота - Страшний судВиконана вона на вівтарній стіні Сикстинської капели. Фреска зображує друге пришестя Ісуса Христа. Тут Мікеланджело ігнорує стандартні художні умовності в написанні Ісуса. Він зобразив його з масивною м'язовою структурою тіла, молодим і безбородим.

Значення релігії, або Мистецтво епохи Відродження

Італійські картини епохи Відродження стали основою у розвиток західного мистецтва. Багато популярних робіт цього покоління творців мають величезний вплив на художників, який зберігається і до сьогодні. Великі митці того періоду зосереджували свою увагу на релігійних темах, часто працювали на замовлення заможних покровителів, у тому числі й самого Папи Римського.

Релігія буквально проникла в повсякденне життялюдей цієї епохи глибоко засіли у свідомості художників. Практично всі релігійні полотна знаходяться в музеях та сховищах мистецтва, а ось репродукції картин епохи Відродження, пов'язані не лише з цією тематикою, можна зустріти у багатьох закладах і навіть у звичайних будинках. Люди нескінченно захоплюватимуться роботами відомих майстрівтого періоду.

Епоха Відродження викликала глибокі зміни у всіх галузях культури - філософії, науці та мистецтві. Одне з них у тому. що стає все більш незалежною від релігії, перестає бути «служницею богослов'я», хоча до повної незалежності їй ще далеко. Як і в інших галузях культури, у філософії відроджуються вчення античних мислителів — насамперед Платона та Аристотеля. Марсиліо Фічіно заснував Платонівську академію у Флоренції, переклав праці великого грека латинською мовою. Ідеї ​​Аристотеля повернулися до Європи ще раніше, до епохи Відродження. Під час Ренесансу, за словами Лютера, саме він, а не Христос, «керує європейськими університетами».

Разом з античними навчаннями широкого поширення набуває натурфілософія, або філософія природи Її проповідують такі філософи як Б. Телезіо, Т. Кампанелла, Д. Бруно. У їхніх працях розвиваються думки про те, що філософія повинна вивчати не надприродного Бога, а саму природу, що природа підпорядковується своїм, внутрішнім законам, що основу пізнання становлять досвід та спостереження, а не божественне одкровення, що людина є частиною природи.

Поширенню натурфілософських поглядів сприяли науковівідкриття. Головним із них стала геліоцентрична теоріяН. Коперника, яка справила справжній переворот у уявленнях про світ.

Слід зазначити, що науково-філософські погляди того часу все ще відчувають помітний впливз боку релігії та теології. Такі погляди часто набувають форми пантеїзму, В якому існування Бога не заперечується, але Він розчиняється в природі, ототожнюється з нею. До цього треба додати також вплив про окультних наук — астрології, алхімії, містики, магії тощо. Усе це відбувається навіть у такого філософа, як Д. Бруно.

Найзначніші зміни епоха Відродження викликала в художній культурі, мистецтво.Саме в цій галузі розрив із Середньовіччям виявився найбільш глибоким та радикальним.

У Середньовіччі мистецтво багато в чому мало прикладний характер, воно було вплетене в саме життя і мало прикрашати його. В епоху Відродження мистецтво вперше набуває самоцінності, воно стає самостійною областю прекрасного. Разом з цим у сприймаючого глядача вперше формується суто художнє, естетичне почуття, вперше прокидається любов до мистецтва заради нього самого, а не заради призначення, якому воно служить.

Ніколи ще мистецтво не користувалося такою високою пошаною та повагою. Навіть в античній Греції праця художника за своєю суспільною значущістю помітно поступалася діяльності політика та громадянина. Ще більш скромне місце займав художник у Стародавньому Римі.

Тепер місце та роль художникау суспільстві незмірно зростають. Він уперше розглядається як самостійний та шановний професіонал, учений та мислитель, неповторна індивідуальність. В епоху Відродження мистецтво сприймається як один із найпотужніших засобів пізнання і в цій якості зрівнюється з наукою. Леонардо да Вінчі розглядає науку та мистецтво як два абсолютно рівноправні способи вивчення природи. Він пише: "Живопис - наука і законна дочка природи".

Ще більш цінується мистецтво як творчість. За своїми творчими можливостями художник Відродження прирівнюється до Бога-творця. Звідси зрозуміло, чому Рафаель отримав до свого імені додаток «Божественний». За тими самими мотивами «Комедія» Данте була названа «Божественною».

У мистецтві відбуваються глибокі зміни.Воно робить рішучий поворот від середньовічного символу та знака до реалістичного образу та достовірного зображення. Новими стають кошти художньої виразності. Їх основу тепер складають лінійна та повітряна перспектива, тривимірність обсягу, вчення про пропорції. Мистецтво у всьому прагне бути вірним дійсності, добиватися об'єктивності, достовірності та життєвості.

Епоха Відродження була передусім італійською. Тому не дивно, що саме в Італії мистецтво в цей період досягло найвищого піднесення та розквіту. Саме тут налічуються десятки імен титанів, геніїв, великих та просто талановитих художників. В інших країнах також є великі імена, проте Італія поза конкуренцією.

В італійському Відродженні зазвичай виділяють кілька етапів:

• Проторенесанс: друга половина XIII ст. - XIV ст.
• Раннє Відродження: майже весь XV ст.
• Високе Відродження: кінець XV ст. - Перша третина XVI ст.
• Пізніше Відродження: останні дві третини XVI ст.

Головними постатями Проторенессанс є поет Данте Аліг'єрі (1265-1321) і живописець Джотто (1266/67-1337 рр.).

Доля піднесла Данте багато випробувань. За участь у політичній боротьбі його переслідували, він поневірявся, помер на чужині, в Равенні. Його внесок у культуру виходить за межі поезії. Він писав не лише любовну лірику, а й філософські та політичні трактати. Данте є творцем італійської літературної мови. Іноді його називають останнім поетомСередньовіччя та першим поетом Нового часу. Ці два початки — старе і нове — справді тісно переплітаються у його творчості.

Перші твори Данте Нове життя» і «Бенкет» - являють собою ліричні вірші любовного змісту, присвячені його коханій Беатричі, яку він зустрів одного разу у Флоренції і яка через сім років після їхньої зустрічі померла. Своє кохання поет зберіг на все життя. За жанром лірика Данте перебуває у руслі середньовічної куртуазної поезії, де об'єктом оспівування виступає образ «Прекрасної Дами». Однак почуття, що виражаються поетом, вже належать Відродженню. Вони викликані реальними зустрічами та подіями, сповнені щирої теплоти, відзначені неповторною індивідуальністю.

Вершиною творчості Данте стала « Божественна комедія », Що посіла особливе місце в історії світової культури. За своєю побудовою ця поема також перебуває у руслі середньовічних традицій. У ній розповідається про пригоди людини, яка потрапила у потойбічний світ. Поема має три частини — Пекло, Чистилище та Рай, кожна з яких налічує 33 пісні, написані трирядковими строфами.

Цифра «три», що повторюється, прямо перегукується з християнським вченням про Трійцю. У ході розповіді Данте суворо дотримується багатьох вимог християнства. Зокрема, свого супроводжуючого по дев'яти колах пекла та чистилища — римського поета Вергілія — він не допускає до раю, бо язичник позбавлений такого права. Тут поета супроводжує його померла кохана Беатріче.

Однак у своїх думках і судженнях, у своєму відношенні до персонажів, що зображуються, і їх гріхів. Данте нерідко і дуже суттєво розходиться з християнським вченням. Так. замість християнського осуду чуттєвої любові як гріха він говорить про «закон любові», згідно з яким чуттєва любов включається до природи самого життя. Данте з розумінням і співчуттям ставиться до кохання Франческі та Паоло. хоча їхня любов пов'язана зі зрадою Франчески своєму чоловікові. Дух Відродження перемагає у Данте та інших випадках.

До видатних італійських поетів належить також Франческо Петрарка.У світовій культурі він відомий насамперед своїми сонетами.У той самий час він був широкомасштабним мислителем, філософом та істориком. Його по праву вважають фундатором усієї ренесансної культури.

Творчість Петрарки також частково перебуває у межах середньовічної куртуазної лірики. Як і Данте, у нього була кохана на ім'я Лаура, якій він присвятив свою «Книгу пісень». Водночас Петрарка більш рішуче пориває зв'язки з середньовічною культурою. У його творах висловлювані почуття любов, біль, розпач, туга постають набагато гострішими і оголеними. Вони сильніше звучить особистісне начало.

Ще одним яскравим представником літератури став Джованні Боккаччо(1313-1375). автор всесвітньо відомого « Декамерону».Принцип побудови своєї збірки новел та сюжетну канву Боккаччо запозичує із Середньовіччя. Все ж решта просякнута духом Ренесансу.

Головними персонажами новел є прості та прості люди. Вони написані напрочуд яскравою, живою, розмовною мовою. Вони немає нудних моралі, навпаки, багато новели буквально іскряться життєлюбством і веселощами. Сюжети деяких із них мають любовний та еротичний характер. Крім «Декамерона» Боккаччо написав також повість «Фьяметта», яка вважається першою психологічним романомзахідної літератури

Джотто ді Бондонеє найяскравішим представником італійського Проторенесансу в образотворчому мистецтві. Основним його жанром були фрескові розписи. Усі вони написані на біблійні та міфологічні сюжети, зображують сцени із життя Святого сімейства, євангелістів, святих. Однак у трактуванні цих сюжетів явно переважає ренесансний початок. У своїй творчості Джотто відмовляється від середньовічної умовності та звертається до реалізму та правдоподібності. Саме його визнається заслуга відродження живопису як художньої самоцінності.

У його творах цілком реалістично зображується природний ландшафт, у якому чітко видно дерева, скелі, храми. Всі персонажі, що беруть участь, включаючи самих святих, постають як живі люди, наділені фізичною плоттю, людськими почуттями і пристрастями. Їх одяг одягають природні форми їх тіла. Творам Джотто притаманні яскравий колорит та мальовничість, тонка пластичність.

Головним творінням Джотто є розпис Капели дель Арена в Падуї, що оповідає про події з життя Святого сімейства. Найбільше враження справляє настінний цикл, що включає сцени «Втеча до Єгипту», «Поцілунок Юди», «Оплакування Христа».

Усі зображені у розписах персонажі виглядають природними та достовірними. Положення їх тіл, жестикуляція, емоційний стан, погляди, обличчя - все це показано з рідкісною психологічною переконливістю У цьому поведінка кожного суворо відповідає відведеної йому ролі. Кожна сцена вирізняється неповторною атмосферою.

Так, у сцені «Втеча до Єгипту» переважає стриманий і загалом спокійний емоційний тон. «Поцілунок Юди» наповнений бурхливим динамізмом, різкими та рішучими діями персонажів, які буквально зчепилися один з одним. І лише два головні учасники — Іуда та Христос — завмерли без руху і ведуть поєдинок поглядами.

Сцена "Оплакування Христа" відзначена особливим драматизмом. Вона переповнена трагічним розпачом, нестерпним болем і стражданням, невтішним горем та скорботою.

Раннє Відродження остаточно затвердило нові естетичні та художні принципимистецтва.При цьому біблійні сюжети, як і раніше, залишаються дуже популярними. Однак їхнє трактування стає зовсім іншим, у ньому вже мало що залишається від Середньовіччя.

Батьківщиною Раннього Відродженнястала Флоренція, а «батьками Відродження» вважаються архітектор Філіппе Брунеллескі(1377-1446), скульптор Донателло(1386-1466). живописець Мазаччо (1401 -1428).

Брунеллески зробив величезний внесок у розвиток архітектури. Він заклав основи ренесансної архітектури, відкрив нові форми, які проіснували цілі століття. Багато він зробив для розробки законів перспективи.

Найзначнішою роботою Брунеллески стало зведення купола над уже готовою конструкцією собору Санта-Марія дель Фьоре у Флоренції. Перед ним стояла винятково складна задачаоскільки необхідний купол повинен був мати величезні розміри — близько 50 м у діаметрі. За допомогою оригінальної конструкції він блискуче виходить зі складної ситуації. Завдяки знайденому рішенню не тільки сам купол виявився напрочуд легким і ніби ширяючим над містом, а й вся будівля собору набула стрункості та величності.

Не менше чудовим творомБрунеллески стала знаменита капела Пацці, зведена у дворі церкви Санта-Кроче у Флоренції. Вона є невеликою, прямокутною в плані будівлею, перекритою в центрі куполом. Усередині воно облицьоване білим мармуром. Як і інші споруди Брунеллескі, капела відрізняється простотою та ясністю, витонченістю та граціозністю.

Творчість Брунеллески примітно тим, що він виходить за межі культових споруд і створює чудові споруди світської архітектури. Прекрасним зразком такої архітектури є виховний будинок-притулок, збудований у формі літери «П», з критою галереєю-лоджією.

Флорентійський скульптор Донателло — один із найяскравіших творців Раннього Відродження. Він працював у різних жанрах, скрізь виявляючи справжнє новаторство. У своїй творчості Донателло використовує античну спадщину, спираючись на глибоке вивчення натури, сміливо оновлюючи засоби художньої виразності.

Він бере участь у розробці теорії лінійної перспективи, відроджує скульптурний портрет та зображення оголеного тіла, відливає перший бронзовий пам'ятник. Створені ним образи є втіленням гуманістичного ідеалу гармонійно розвиненої особистості. Своєю творчістю Донателло вплинув на подальший розвиток європейської скульптури.

Прагнення Донателло до ідеалізації зображуваної людини яскраво виявилося в статуї молодого Давида.У цьому творі Давид постає молодим, прекрасним, сповненим душевних і фізичних силюнаків. Красу його оголеного тіла підкреслює витончено вигнутий торс. Молода особа висловлює задум і сум. За цією статуєю була ціла низка оголених фігур у скульптурі Ренесансу.

Героїчне початок сильно і виразно звучить у статуї св. Георгія,стала однією з вершин творчості Донателло. Тут йому повністю вдалося втілити ідею сильної особистості. Перед нами високий, стрункий, мужній, спокійний та впевнений у своїх силах воїн. У цьому творі майстер творчо розвиває найкращі традиції античної скульптури.

Класичною роботою Донателло вважається бронзова статуя полководця Гаттамелатти - перший кінний пам'ятник у мистецтві Ренесансу. Тут великий скульптор досягає граничного рівня художнього та філософського узагальнення, що зближує цей твір з античністю.

У той самий час Донателло створив портрет конкретної та неповторної особистості. Полководець постає як справжній ренесансний герой, мужній, спокійний, впевнений у собі людина. Статую відрізняють лаконічність форм, ясна та чітка пластика, природність пози вершника та коня. Завдяки цьому пам'ятник став справжнім шедевром монументальної скульптури.

У останній періодтворчості Донателло створює бронзову групу «Юдіф та Олоферн». Ця робота наповнена динамікою та драматизмом: Юдіф зображена в той момент, коли вона заносить меч над уже пораненим Олоферном. щоб добити його.

Мазаччопо праву вважається однією з головних постатей Раннього Відродження. Він продовжує та розвиває тенденції, що йдуть від Джотто. Мазаччо прожив лише 27 років і встиг зробити небагато. Проте створені ним фрески стали справжньою школою живопису наступних італійських художників. На думку Вазарі, сучасника Високого Відродженнята авторитетного критика, «жоден майстер так близько не підійшов до сучасних майстрів, як Мазаччо».

Головним творінням Мазаччо є фрески в капелі Бранкаччі церкви Санта-Марія дель Карміне у Флоренції, що оповідають про епізоди з легенд про святого Петра, а також два біблійні сюжети — «Грихопадіння» і «Вигнання з Раю».

Хоча фрески розповідають про чудеса, здійснені св. Петром, у них немає нічого надприродного та містичного. Зображені Христос, Петро, ​​апостоли та інші учасники подій постають цілком земними людьми. Вони наділені індивідуальними рисами і поводяться цілком природно та по-людськи. Зокрема, у сцені «Хрещення» дивовижно достовірно показаний хлопець, що тремтить від холоду голою. Свою композицію Мазаччо будує з використанням засобів не лише лінійної, а й повітряної перспективи.

З усього циклу особливого виділення заслуговує фреска «Вигнання з Раю».Вона є справжнім шедевром живопису. Фреска гранично лаконічна, у ній немає нічого зайвого. На тлі невиразного пейзажу чітко видно фігури Рая Адама і Єви, що покинули ворота, над якими ширяє ангел з мечем. Уся увага зосереджена на Мамі та Єві.

Мазаччо першому історія живопису вдалося так переконливо і достовірно написати оголене тіло, передати його природні пропорції, надати йому стійкість і рух. Так само переконливо і яскраво виражено внутрішній стангероїв. Адам, що широко крокував, опустив голову від сорому і закрив обличчя руками. Єва, що ридає, в розпачі відкинула голову з відкритим ротом. Ця фреска відкриває нову епоху мистецтво.

Зроблене Мазаччо було продовжено такими митцями, як Андреа Мантенья(1431 -1506) та Сандро Боттічеллі(1455-1510). Перший прославився насамперед своїми розписами, серед яких особливе місце посідають фрески, що розповідають про останні епізоди життя св. Якова - хода на страту і сама страта. Боттічеллі віддавав перевагу станковому живопису. Найвідомішими його картинами є «Весна» та «Народження Венери».

З кінця XV ст., коли італійське мистецтво досягає найвищого підйому, починається Високе Відродження.Для Італії цей період виявився винятково важким. Роздроблена і тому беззахисна, вона була буквально спустошена, пограбована та знекровлена ​​вторгненнями з боку Франції, Іспанії, Німеччини та Туреччини. Однак мистецтво в цей період, хоч як це дивно, переживає небачений розквіт. Саме тим часом творять такі титани, як Леонардо да Вінчі. Рафаель. Мікеланджело, Тіціан.

В архітектурі початок Високого Відродження пов'язаний із творчістю Донато Браманте(1444-1514). Саме він створив стиль, що визначив розвиток архітектури даного періоду.

Однією з його ранніх робіт стала церква монастиря Санта-Марія делла Граціє в Мілані, в трапезній якої Леонардо да Вінчі напише свою знамениту фреску «Таємна вечеря». Його слава починається з маленької каплиці, що називається Темпетто(1502), побудованої у Римі і що стала своєрідним «маніфестом» Високого Відродження. Каплиця має форму ротонди, її відрізняють простота архітектурних засобів, гармонія частин та рідкісна виразність. Це справжній маленький шедевр.

Вершиною творчості Браманте є реконструкція Ватикану та перетворення його споруд у єдиний ансамбль. Йому також належить розробка проекту собору св. Петра, в який Мікеланджело зробить зміни і почне реалізовувати.

Див. також: ,Мікеланджело Буонарроті

У мистецтві італійського Відродження особливе місце посідає ВенеціяШкола, що склалася, тут істотно відрізнялася від шкіл Флоренції, Риму, Мілана або Болоньї. Останні тяжіли до стійких традицій і наступності, вони були схильні до радикального оновлення. Саме на ці школи спирався класицизм XVII ст. та неокласицизм наступних століть.

Венеціанська школа виступала їх своєрідною противагою та антиподом. Тут панував дух новаторства та радикального, революційного оновлення. З представників інших італійських шкіл найближче до Венеції був Леонардо. Можливо, саме тут його пристрасть до пошуку та експерименту могла б знайти належне розуміння та визнання. У знаменитій суперечці «старих та нових» художників останні спиралися на приклад Венеції. Звідси брали початок тенденції, які вели до бароко та романтизму. І хоча романтики вшановували Рафаеля, їх справжніми богами були Тіціан і Веронезе. У Венеції отримав свій творчий заряд Ель Греко, що дозволило йому вразити іспанський живопис. Через Венецію пройшов Веласкес. Те ж саме можна сказати про фламандських художниківРубенсе та Ван Дейке.

Будучи портовим містом, Венеція опинилася на перехресті економічних та торговельних шляхів. Вона зазнавала впливу Північної Німеччини, Візантії та Сходу. Венеція стала місцем паломництва багатьох художників. Тут двічі був А. Дюрер - наприкінці XV ст. та на початку XVI ст. Її відвідав Ґете (1790). Вагнер тут слухав спів гондольєрів (1857), під натхненням якого він написав другий акт «Трістана та Ізольди». Спів гондольєрів слухав також Ніцше, назвавши його співом душі.

Близькість моря навіювала текучі та рухливі форми, а не чіткі геометричні структури. Венеція тяжіла не так до розуму з його строгими правилами, як до почуттів, з яких народжувалася дивовижна поетичність венеціанського мистецтва. У центрі уваги цієї поезії були природа - її зрима і відчувається матеріальність, жінка - хвилююча краса її плоті, музика - що народжується з гри квітів і світла і чарівних звуків одухотвореної природи.

Художники венеціанської школивіддавали перевагу не формі та малюнку, але кольору, грі світла та тіні. Зображуючи природу, вони прагнули передати її пориви та рух, мінливість та плинність. Красу жіночого тіла вони бачили не стільки в гармонії форм і пропорцій, скільки в найживішій і тілесній тілі.

Їм мало було реалістичної правдоподібності та достовірності. Вони прагнули розкриття багатств, властивих самого живопису. Саме Венеції належить заслуга відкриття чистого мальовничого початку, чи мальовничості у її чистому вигляді. Венеціанські художники першими показали можливість відокремлення мальовничості від предметів та форми, можливість вирішення проблем живопису за допомогою одного кольору, чисто мальовничими засобами, можливість розглядати мальовниче як самоціль. Цим шляхом піде весь наступний живопис, що спочиває на експресії та виразності. На думку деяких фахівців, від Тіціана можна перейти до Рубенса та Рембрандта, потім до Делакруа, а від нього до Гогена, Ван Гога, Сезанна і т.д.

Родоначальником венеціанської школи є Джорджоне(1476-1510). У творчості він виступив як справжній новатор. У нього остаточно перемагає світський початок, і замість біблійних сюжетів він вважає за краще писати на міфологічні та літературні теми. У його творчості відбувається затвердження станкової картини, яка вже нічим не нагадує ікону чи вівтарний образ.

Джорджоне відкриває нову еруу живописі, першим починаючи писати з натури. Зображуючи природу, він уперше зміщує акцент на рухливість, мінливість та плинність. Прекрасним прикладом є його картина «Гроза». Саме Джорджоне починає шукати таємницю живопису у світлі та його переходах, у грі світла та тіні, виступаючи попередником Караваджо та караваджизму.

Джорджоне створив різні за жанром та тематикою роботи — «Сільський концерт» та «Юдіф». Найзнаменитішим його твором стала «Спляча Венера». Ця картина позбавлена ​​будь-якого сюжету. Вона оспівує красу і красу оголеного жіночого тіла, представляючи «наготу заради самої наготи».

Головою венеціанської школи є Тіціан(бл. 1489-1576). Його творчість — поряд із творчістю Леонардо, Рафаеля та Мікеланджело — є вершиною мистецтва Ренесансу. Більшість його довгого життя посідає Пізнє Відродження.

У творчості Тіціана мистецтво Відродження досягає найвищого піднесення та розквіту. Його твори поєднують у собі творчий пошук і новаторство Леонардо, красу та досконалість Рафаеля, духовну глибину, драматизм та трагізм Мікеланджело. Їм властива надзвичайна чуттєвість, завдяки чому вони мають сильний вплив на глядача. Твори Тиціана напрочуд музичні та мелодійні.

Як зазначає Рубенс, разом із Тіціаном живопис набув свого аромату, а за словами Делакруа та Ван Гога — музику. Його полотна написані відкритим мазком, який є водночас легким, вільним та прозорим. Саме в його творах колір як би розчиняє і поглинає форму, і мальовничий початок вперше набуває автономності, виступає у чистому вигляді. Реалізм у його творах перетворюється на чарівний і тонкий ліризм.

У роботах першого періоду Тиціан прославляє безтурботну радість життя, насолоду земними благами. Він оспівує чуттєве начало, пишучу здоров'ям людське тіло, вічну красу тіла, фізичну досконалість людини. Цьому присвячені такі його полотна, як "Кохання земне і небесне", "Свято Венери", "Вакх і Аріадна", "Дана", "Венера і Адоніс".

Чуттєвий початок переважає й у картині «Магадалина, що кається.», хоча вона присвячена драматичній ситуації. Але і тут грішниця, що кається, має чуттєву плоть, чарівне, випромінююче світло тіло, повні і чуттєві губи, рум'яні щоки і золоте волосся. Проникливим ліризмом наповнено полотно «Хлопчик із собаками».

У роботах другого періоду чуттєвий початок зберігається, проте воно доповнюється психологізмом і драматизмом, що зростає. Загалом Тиціан здійснює поступовий перехід від фізичного та чуттєвого до духовного та драматичного. Зміни, що відбуваються в творчості Тиціана, добре видно при втіленні тем і сюжетів, до яких великий художник звертався двічі. Характерним прикладом у цьому плані може бути картина «Святий Себастьян». У першому варіанті доля самотнього, кинутого людьми страждальця не видається надто сумною. Навпаки, зображений святий наділений життєвими силами та фізичною красою. У пізнішому варіанті картини, що у Ермітажі, той самий образ набуває рис трагізму.

Ще яскравішим прикладом можуть бути варіанти картини «Коронування терновим вінцем», присвяченої епізоду життя Христа. У першому з них, що зберігається у Луврі. Христос постає фізично красивим і сильним атлетом, здатним дати відсіч своїм ґвалтівникам. У Мюнхенському варіанті, створеному через двадцять років, той самий епізод передано набагато глибше, складніше і багатозначніше. Христос зображений у білому плащі, у нього заплющені очі, він спокійно переносить побиття та приниження. Тепер головним стає не коронування та побиття, не фізичне явище, але психологічне та духовне. Картина сповнена глибокого трагізму, вона виражає торжество духу, духовного благородства над фізичною силою.

У пізніх творах Тиціана трагічне звучання дедалі більше посилюється. Про це свідчить полотно «Оплакування Христа».

Епоха Відродження чи Ренесанс подарувала нам величезну кількість великих творів мистецтва. То справді був сприятливий період у розвиток творчості. З Ренесансом пов'язані імена багатьох великих художників. Ботічеллі, Мікеланджело, Рафаель, Леонардо Да Вінчі, Джотто, Тіціан, Корреджо – це лише мала частина імен творців того часу.

З цим періодом пов'язано виникнення нових стилів та живопису. Підхід до зображення людського тіла став практично науковим. Художники прагнуть реальності - вони опрацьовують кожну деталь. Люди та події на картинах того часу виглядають вкрай реалістично.

Історики виділяють кілька періодів у розвитку живопису за доби Відродження.

Готика – 1200-і роки. Популярний стиль у дворі. Відрізнявся помпезністю, химерністю, зайвою барвистістю. Як фарби застосовувалася. Картини являли собою тематика яких - вівтарні сюжети. Найвідоміші представники цього напряму – італійські художники Вітторе Карпаччо, Сандро Ботічеллі.

Сандро Ботічеллі

Проторенесанс - 1300-ті роки. Саме тоді відбувається перебудова вдач у живопису. Релігійна тематика відходить на задній план, а світська набуває все більшої популярності. Картина займає місце ікон. Людей зображують реалістичніше, для художників стають важливими міміка, жести. З'являється новий жанробразотворчого мистецтва - . Представниками цього часу є Джотто, Пьєтро Лоренцетті, П'єтро Кавалліні.

Раніше Відродження – 1400-і роки. Розквіт нерелігійного живопису. Навіть лики на іконах стають більш живими - вони набувають людських рис обличчя. Художники більше ранніх періодівнамагалися малювати пейзажі, але вони були лише доповненням, тлом до основного зображення. У період раннього відродження стає самостійним жанром. Продовжує розвиватись і портрет. Вчені відкривають закон лінійної перспективи, на цій основі будують свої картини та художники. На їх полотнах можна побачити правильний тривимірний простір. Яскраві представники цього періоду Мазаччо, П'єро Делла Франческо, Джованні Белліні, Андреа Мантенья.

Високе Відродження - Золотий Вік. Кругозір митців стає ще ширшим - їх інтереси простягаються в простір Космосу, вони розглядають людину, як центр світобудови.

У цей час з'являються «титани» Відродження – Леонардо Да Вінчі, Мікеланджело, Тіціан, Рафаель Санті та інші. Це люди, інтереси яких не обмежувалися живописом. Їхні пізнання сягали набагато далі. Найяскравішим представником був Леонардо Да Вінчі, який був не лише великим живописцем, а й вченим, скульптором, драматургом. Він створив фантастичні техніки в живописі, наприклад, «смуффато» - ілюзію серпанку, яка використовувалася при створенні знаменитої «Джоконди».

Леонардо Да Вінчі

Пізніше Відродження- Згасання епохи Ренесансу (середина 1500-х кінець 1600-х). Цей час пов'язаний із змінами, релігійною кризою. Розквіт закінчується, лінії на полотнах стають нервовішими, йде індивідуалізм. Образом картин все частіше стає натовп. Талановиті роботи належать перу Паоло Веронезе, Якопо Тіноретто.

Паоло Веронезе

Італія подарувала світу найталановитіших художників епохи Відродження, про них в історії живопису зустрічається найбільше згадок. Тим часом в інших країнах у цей період живопис також розвивався, і вплинув на розвиток цього мистецтва. Живопис інших країн цей період називають Північним Відродженням.

Епоха Відродження (Ренесанс). Італія. XV-XVI ст. Ранній капіталізм. Країною правлять багаті банкіри. Вони цікавляться мистецтвом та наукою.

Багаті та впливові збирають навколо себе талановитих та мудрих. Поети, філософи, художники та скульптори ведуть щоденні бесіди зі своїми покровителями. На мить здалося, що люди правлять мудреці, як того хотів Платон.

Вони згадали про древніх римлян та греків. Які також будували суспільство вільних громадян. Де головна цінність - людина (крім рабів, звісно).

Відродження – це не просто копіювання мистецтва давніх цивілізацій. Це змішання. Міфології та Християнства. Реалістичності натури та душевності образів. Краси фізичної та духовної краси.

Це був лише спалах. Період Високого Відродження – це приблизно 30 років! З 1490-х до 1527 р.р. З початку розквіту творчості Леонардо. До розграбування Риму.

Міраж ідеального світу швидко померк. Італія виявилася надто крихкою. Вона незабаром була поневолена черговим диктатором.

Однак ці 30 років визначили головні риси європейського живописуна 500 років уперед! Аж до .

Реалістичність зображення. Антропоцентризм (коли людина - головний персонажта герой). Лінійна перспектива. Масляні фарби. Портрет. Краєвид.

Неймовірно, але в ці 30 років творили відразу кілька геніальних майстрів. Які за інших часів народжуються один на 1000 років.

Леонардо, Мікеланджело, Рафаель та Тіціан – титани епохи Відродження. Але не можна не згадати і про двох їхніх попередників. Джотто та Мазаччо. Без яких би жодного Відродження б і не було.

1. Джотто (1267-1337 рр.)

Паоло Уччелло. Джотто та Бондоньї. Фрагмент картини "П'ять майстрів флорентійського Відродження". Початок XVI ст. .

XIV ст. Проторенесанс. Головний її герой – Джотто. Це майстер, який поодинці здійснив революцію у мистецтві. За 200 років до Високого Відродження. Якби не він, епоха, якою так пишається людство, навряд чи настала б.

До Джотто були ікони та фрески. Вони створювалися за візантійськими канонами. Обличчя замість осіб. Плоскі фігури. Недотримання пропорцій. Замість пейзажу – золотий фон. Як, наприклад, на цій іконі.

Гвідо та Сієна. Поклоніння волхвів. 1275-1280 рр. Альтенбург, Лінденау Музей, Німеччина.

І раптом з'являються фрески Джотто. Там об'ємні фігури. Обличчя шляхетних людей. Сумні. Сумні. Здивовані. Старі та молоді. Різні.

Фрески Джотто у церкві Скровеньї у Падуї (1302-1305 рр.). Ліворуч: Оплакування Христа. Посередині: Поцілунок Юди (фрагмент). Праворуч: Благовіщення святої Анни (матері Марії), фрагмент.

Головне творіння Джотто – це цикл його фресок у Капелі Скровеньї в Падуї. Коли ця церква відкрилася для парафіян, у неї ринули натовпи людей. Бо такого вони ніколи не бачили.

Адже Джотто зробив небувале. Він ніби переклав біблійні сюжети простою зрозумілою мовою. І вони стали набагато доступнішими звичайним людям.

Джотт. Поклоніння волхвів. 1303-1305 р.р. Фреска в Капелі Скровеньї в Падуї, Італія.

Саме це буде властиво багатьом майстрам Епохи Відродження. Лаконічність образів. Живі емоції персонажів. Реалістичність.

Про фрески майстра читайте докладніше у статті.

Джотто захоплювалися. Але його новаторства розвивати далі не стали. В Італію прийшла мода на міжнародну готику.

Лише за 100 років з'явиться майстер, гідний продовжувач Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 рр.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески "Святий Петро на кафедрі"). 1425-1427 рр. Капела Бранкаччі в церкві Санта-Марія-дель-Карміне, Флоренція, Італія.

Початок XV ст. Так зване Раннє Відродження. На сцену виходить ще один новатор.

Мазаччо був першим художником, який використав лінійну перспективу. Її розробив його друг, архітектор Брунеллескі. Тепер зображений світ став схожим на реальний. Іграшкова архітектура – ​​у минулому.

Мазаччо. Святий Петро зцілює своєю тінню. 1425-1427 рр. Капела Бранкаччі в церкві Санта-Марія-дель-Карміне, Флоренція, Італія.

Він перейняв реалізм Джотто. Проте, на відміну попередника, вже добре знав анатомію.

Замість глибокоподібних персонажів Джотто – чудово складені люди. Зовсім як у давніх греків.

Мазаччо. Хрещення неофітів. 1426-1427 рр. Капела Бранкаччі, церква Санта-Марія дель Карміне у Флоренції, Італія.
Мазаччо. Вигнання з Раю. 1426-1427 рр. Фреска в Капелі Бранкаччі, церква Санта-Марія-дель-Карміне, Флоренція, Італія.

Мазаччо прожив недовге життя. Він помер, як і його батько, зненацька. У 27 років.

Однак послідовників він мав багато. Майстри наступних поколінь ходили до Капели Бранкаччі, щоб навчатися з його фресок.

Так новаторства Мазаччо підхопили всіма великими титанами Високого Відродження.

3. Леонардо да Вінчі (1452-1519 рр.)

Леонардо Да Вінчі. Автопортрет. 1512 р. Королівська бібліотека у Турині, Італія.

Леонардо да Вінчі - один із титанів Епохи Відродження. Який колосальним чином вплинув розвиток живопису.

Саме він підвищив статус художника. Завдяки йому представники цієї професії відтепер не просто ремісники. Це творці та аристократи духу.

Леонардо зробив прорив насамперед у портретного живопису.

Він вважав, що нічого не повинно відволікати від головного образу. Погляд не повинен блукати від однієї деталі до іншої. Так з'явилися його відомі портрети. Лаконічні. Гармонійні.

Леонардо Да Вінчі. Дама з горностаєм. 1489-1490 р.р. Музей Чорторійських, Краків.

Головне ж новаторство Леонардо – це те, що він знайшов спосіб, як зробити образи… живими.

До нього персонажі на портретах були схожі на манекени. Лінії були чіткими. Усі деталі ретельно промальовані. Розмальований малюнок ніяк не міг бути живим.

Але тут Леонардо винайшов метод сфумато. Він розтушовував лінії. Зробив перехід від світла до тіні дуже м'яким. Його герої немов покриті ледве вловимим серпанком. Персонажі ожили.

. 1503-1519 рр. Лувр, Париж.

З того часу сфумато увійде до активного словника всіх великих художників майбутнього.

Часто зустрічається думка, що Леонардо, звісно, ​​геній. Але не вмів нічого довести до кінця. І картини часто не дописував. І багато його проектів так і залишилися на папері (між іншим, у 24 томах). І взагалі його кидало то в медицину, то музику. І навіть мистецтвом сервірування у свій час захоплювався.

Проте самі подумайте. 19 картин. І він – найбільший художниквсіх часів та народів. А хтось навіть близько не стоїть по величі. При цьому написавши 6000 полотен за життя. Очевидно, у кого ККД вище.

Про саму знаменитій картинімайстри читайте у статті.

4. Мікеланджело (1475-1564 рр.)

Данієле і Вольтерра. Мікеланджело (фрагмент). 1544 р. Музей Метрополітен, Нью-Йорк.

Мікеланджело вважав себе скульптором. Але він був універсальним майстром. Як та інші його колеги Епохи Відродження. Тому його мальовнича спадщина не менш грандіозна.

Він впізнається насамперед за фізично розвиненими персонажами. Тому що він зображував досконалу людину. В якому фізична краса означає духовну красу.

Тому всі його герої такі м'язисті, витривалі. Навіть жінки та старі.

Мікеланджело. Фрагменти фрески “Страшний суд” у Сикстинській капелі, Ватикан.

Часто Мікеланджело писав персонажа оголеним. А потім уже згори дописував одяг. Щоб тіло було максимально рельєфним.

Стеля Сикстинської капели він розписував сам. Хоча це кілька сотень фігур! Він навіть фарби розтирати нікому не дозволяв. Так, він був одинаком. Маючи крутий і неуживливий характер. Але найбільше він був незадоволений … собою.

Мікеланджело. Фрагмент фрески "Створення Адама". 1511 р. Сикстинська капела, Ватикан.

Мікеланджело прожив довге життя. Переживши згасання Відродження. Він це було особистої трагедією. Пізні його роботи сповнені смутку та скорботи.

Взагалі, творчий шлях Мікеланджело унікальний. Ранні його роботи – це вихваляння людини-героя. Вільного та мужнього. У найкращих традиціях стародавньої Греції. Як його Давид.

У Останніми рокамижиття – це трагічні образи. Навмисно грубо обтесаний камінь. Начебто маємо пам'ятники жертвам фашизму 20 століття. Подивіться на його "П'єту".

Скульптури Мікеланджело в Академії витончених мистецтву Флоренції. Ліворуч: Давид. 1504 Праворуч: П'єта Палестрини. 1555 р.

Як таке можливо? Один художник за одне своє життя пройшов усі етапи мистецтва від доби Відродження до 20 століття. Що ж робити наступним поколінням? Що ж, йти своїм шляхом. Усвідомлюючи, що планку піднято дуже високо.

5. Рафаель (1483-1520 рр.)

. 1506 р. Галерея Уффіці, Флоренція, Італія.

Рафаель ніколи не був у забутті. Його геніальність визнавали завжди. І за життя. І після смерті.

Його герої наділені чуттєвою, ліричною красою. Саме його по праву вважаються найпрекраснішими жіночими образами, будь-коли створеними. Їхня зовнішня краса відображає і душевну красугероїнь. Їхня лагідність. Їхня жертовність.

Рафаель. . 1513 р. Галерея старих майстрів, Дрезден, Німеччина.

Знамениті слова "Краса врятує світ" Федір Достоєвський сказав саме про . Це була його найулюбленіша картина.

Однак чуттєві образи – не єдина сильна сторонаРафаеля. Він ретельно продумував композиції своїх картин. Він був неперевершеним архітектором у живописі. Причому завжди знаходив найпростіше і гармонійне рішення у створенні простору. Здається, що інакше й не може бути.

Рафаель. Афінська школа. 1509-1511 рр. Фреска в станції Апостольського палацу, Ватикан.

Рафаель прожив лише 37 років. Він помер раптово. Від підхопленої застуди та лікарської помилки. Але його спадок важко переоцінити. Багато художників обожнювали цього майстра. Умножуючи його чуттєві образи в тисячах своїх полотен.

Тиціан був неперевершеним колористом. Також він багато експериментував із композицією. Взагалі він був зухвалим та яскравим новатором.

За таку яскравість таланту всі його любили. Називаючи "Королем живописців і живописцем королів".

Говорячи про Тиціана, хочеться після кожної пропозиції ставити знак оклику. Адже саме він привніс у живопис динаміку. Пафос. Захоплення. Яскравий колорит. Сяйво фарб.

Тиціан. Вознесіння Марії. 1515-1518 рр. Церква Санта-Марія Глоріозі деї Фрарі, Венеція.

До кінця життя він виробив незвичайну технікулисти. Мазки швидкі, густі. Фарбу наносив то пензлем, то пальцями. Від цього - образи ще живіші, що дихають. А сюжети - ще динамічніші і драматичніші.

Тиціан. Тарквіній та Лукреція. 1571 р. Музей Фіцуїльяма, Кембрідж, Англія.

Нічого вам це не нагадує? Звичайно, це техніка. І техніка художників XIX століття: барбізонців та . Тіціан, як і Мікеланджело, пройде 500 років живопису за своє життя. На те він геній.

Про знаменитого шедевра майстра читайте у статті.

Художники епохи Відродження – це художники великих знань. Щоб залишити таку спадщину, треба було багато знати. В галузі історії, астрології, фізики тощо.

Тому кожен їхній образ змушує нас замислюватися. Навіщо це зображено? Яке тут зашифроване послання?

Тому майже ніколи не помилялися. Тому що досконало продумували свій майбутній твір. Використовуючи весь багаж своїх знань.

Вони були більшими, ніж художники. Вони були філософами. Які пояснюють нам світ за допомогою живопису.

Ось чому вони будуть завжди глибоко цікаві.