Apollo i Marsjasz. Historia i etnologia. Dane. Wydarzenia. Fikcja. Rywalizacja muzyczna pomiędzy Marsjaszem i Apollem

Atena wynalazła flet, ale pewnego dnia usłyszała, że ​​nimfy śmieją się z niej, gdy gra. Patrząc na odbicie w wodzie, Atena zobaczyła, jak brzydko puchną jej policzki, więc w złości rzuciła flet i przeklinała każdego, kto by go podniósł. Silenus Marsyas, dzikie i nieokiełznane stworzenie, zobaczył flet, podniósł go i nauczył się na nim grać tak dobrze, że odważył się wyzwać samego Apolla Cyfareda na konkurs. Apollo wygrał konkurs, a Marsjasz został ukarany za swoją bezczelność rozkazem obdarcia go ze skóry.

Każdy Grek, który widział posąg Myrona, miał doskonałe pojęcie o rozwoju wydarzeń i widział w nim ucieleśnienie starożytnego ideału wyższości szlachty nad bazą.

Ideał „fizyczności” rzeźby antycznej został osiągnięty Poliklet(druga połowa V w. p.n.e.) i opiera się na dokładnych obliczeniach geometrycznych przedstawionych przez niego w jego słynnym „Kanonie”. W wyniku przeniesienia masy ciała

Miron. Dyskobolista. Marmur. l. ,-

Brytyjskie Muzeum. Londyn na „W Н0Г У ФИг УРа uzyskał zrelaksowany-

nowa pozycja - pomnik ożył. Geometria była przyczyną zewnętrznej obojętności posągów Polikleta, nawet jeśli przedstawiał on osobę w ruchu, w stanie emocjonalnego podniecenia. Indywidualizacja obrazów była na ogół obca starożytnej klasyce i to najlepszym antyczne posągi głowy nie były Głównym elementem figurki. Ze względu na ich abstrakcyjny, geometryczny charakter, nawet ich nie było oczywiste znaki płeć, co skłaniało przez długi czas do rozważania, powiedzmy, monachijskiego pomnika Apolla z citharą jako obrazu muzy. W szczególnych obrazy artystyczne Doryforos (włócznik) i Diadumen (sportowiec zawiązujący na głowie wstążkę zwycięstwa) Polikleitos odzwierciedlał ogólne cechy rzeczywistości. Pojawił się jego znakomity Doryphoros zbiorowo przystojny młodzieniec, znakomity sportowiec, odważny wojownik, noszący ciężką broń, a jednocześnie stał się apoteozą stylu geometrycznego tamtego okresu wczesne klasyki.

Szczytem oddania wewnętrznego „plastycznego życia” posągu była kreatywność Fidia. Potrafił przekazać ruch, impuls i wewnętrzną energię poprzez plastyczność nagiego ciała, poprzez układ draperii. Była to granica doskonałości w granicach stylu wysoka klasyka. Choć z dzieł samego Fidiasza, który stworzył słynne posągi Zeusa Olimpijskiego, jednego z „siedmiu cudów świata” i Ateny Partenos (Dziewicy), nie zachowało się nic, to zachowane pozostałości rzeźb i płaskorzeźb Partenonu pozwalają nam oceń styl wielkiego mistrza. Te fragmenty – konie hodowlane, jeźdźcy, byki ofiarne ciągnięte przez młodych mężczyzn, a nawet torsy bez rąk i głów – żyją dziś w skomplikowanym, trójwymiarowym plastiku.

Fidiasz był także kierownikiem prac budowlanych na Akropolu za panowania Peryklesa. Ten okres rozkwitu ateńskiej demokracji posiadającej niewolników określa się w sztuce jako wysoka klasyka.

Miasta greckie, które pokonały Persów, zjednoczyły się w połowie V wieku. PNE. pod auspicjami Aten, gdzie rozpoczęła się intensywna budowa. Z całej Grecji przyjeżdżali tu znani architekci, rzeźbiarze i malarze, których działalność skupiała się na Akropolu. Powstał tam zespół budynków, który wzbudził podziw nie tylko Hellenów, ale także sąsiednich ludów.

Patrząc na Akropol od zachodu, widoczne są dwie bryły architektoniczne: wspaniały marmur

Poliklet. Doryforos.

Kopia rzymska. Brązowy.

Muzeum Narodowe. Neapol

Fidiasz. Tors bogini z Zachodu

fronton Partenonu. Marmur.

Brytyjskie Muzeum. Londyn

Partenon. Łuk. Iktin I Kalikrates. Akropol. Ateny

przedsionek – Propyleje z szeroką klatką schodową i bocznymi skrzydłami oraz lekką jońską świątynią Nike Bezskrzydłej, stałej towarzyszki Ateny. Grecy, którzy pokonali Persów, pozwolili sobie zatrzymać na zawsze boginię zwycięstwa Nike, pozbawiając ją skrzydeł.

Pomiędzy kolumnami Propyleje, głębokim portykiem okalającym schody na Akropol, w uroczyste dni Wielkiej Panathenaia, święta poświęconego patronce miasta, bogini Atenie, przechodzili uczestnicy tłumnej procesji. boczne korytarze służyły Ateńczykom pieszym, środkowym, gdzie nie było schodów, jeździli jeźdźcy i rydwany wiozące zwierzęta ofiarne. Mnesical, który zbudował Propyleje, jako pierwszy połączył dwa różne zakony w jednym budynku. Zewnętrzne kolumny porządku doryckiego podkreślały powagę i dostojność wejścia, jednak już pod dachem bramy wchodzący znalazł się w gronie eleganckich joników. Rzymski architekt Witruwiusz napisał, że w kolumnie doryckiej „Grecy odtworzyli proporcje, siłę i piękno męskie ciało natomiast w kolumnie jońskiej naśladowali wyrafinowanie kobiet, ich dekorację i proporcjonalność”.

Uwagę wszystkich wychodzących z Propyleje na Akropol przyciągał siedemnastometrowy kolos Ateny Promachos (Wojownik). Co więcej, o ile styl archaiczny charakteryzował się zasadą symetrycznego rozmieszczenia obiektów, o tyle kompozycja Akropolu – charakteryzująca styl klasyczny – opierała się na zasadzie swobodnej panoramy. Dlatego posąg Ateny umieszczono po lewej stronie główna oś Propyleje i Partenon przesunięto na prawo. Zbudował to Iktin I Kalikrates wykonany ze złocistego różowego marmuru pentelliańskiego w stylu doryckim. Jednak niezauważalne krzywizny, jakie posiadają wszystkie poziome części budowli od fundamentów po gzyms, zwężenie każdej kolumny w górnej części pnia, ich lekkie nachylenie ku środkowi, a także fryz joński celli wyrafinowanie i łatwy ruch w górę. Dodatkowo Partenon ozdobiono farbami i złoceniami, co uczyniło go jeszcze bardziej malowniczym.

Centrum budowli stanowił kolosalny, dwunastometrowy posąg Ateny Partenos, wykonany ze złota i złota kość słoniowa dzieła Fidiasza. Drogocenne szafiry zdobiły oczodoły. Na dłoni prawa ręka umieszczono figurkę Nike, lewa spoczywała na tarczy przedstawiającej bitwę Greków z Amazonkami. Starożytni

Fidiasz. Fragment fryzu północnej strony Partenonu. Marmur. Brytyjskie Muzeum. Londyn

autorzy twierdzili, że Fidiasz pozostawił swój portret w łysym starcu, a wojownikiem z mieczem był władca Aten, Perykles. Świątynia była zasadniczo oprawą architektoniczną dla cennego posągu. W projekcie celli, budowli doryckiej, dopuszczono elementy stylu jońskiego: od zewnątrz otaczał ją ciągły fryz, którego płaskorzeźby odzwierciedlały prawdziwe wydarzenie - procesję Ateńczyków zmierzającą przez całe miasto do Akropol w celu złożenia ofiary i wręczenia bogini nowego płaszcza-peplo.

Na dziewięćdziesięciu dwóch metopach zdobiących zewnętrzną część świątyni przedstawiono wydarzenia o treści mitycznej: bitwy Greków z Amazonkami i centaurami, bitwę bogów z olbrzymami oraz sceny z wojny trojańskiej.

U podnóża Akropolu po południowej stronie zbudowano teatr Dionizosa, który stał się głównym typem teatru dla wszystkich greckich miast.

Dionizos, bóg winiarstwa i roślinności, był synem Zeusa i ziemskiej kobiety Semele.Kiedyś Zeus obiecał spełnić każdą jej prośbę i przysiągł to na wodach Styksu – świętą przysięgę bogów. Za namową zazdrosnej Hery kobieta poprosiła Zeusa, aby ukazał się jej w całym majestacie boga piorunów. Pojawiając się w błysku błyskawicy, Zeus spalił Semele ogniem, ale udało mu się wyrwać przedwczesnego Dionizosa z płomieni i wszyć go w udo. W przydzielony czas Zeus rozwiązał szwy na udzie i oddał narodzonego Dionizosa na wychowanie nimfom oraz Silenusowi, mądremu mentorowi i wiecznemu towarzyszowi boga.

Prototypem przedstawień teatralnych były festiwale w Atenach poświęcone Dionizosowi. Na cześć boga winiarstwa organizowano wesołe procesje, których uczestnicy przedstawiali pasterzy – orszak Dionizosa. Zakładali kozie skóry, tańczyli, hymnami i pochwałami wychwalali swojego pijanego boga, którego reprezentował jeden z mumów, a rytuał zakończyli ofiarą z kozła. Zwołano pierwsze występy tragedia, co dosłownie oznacza „pieśń kóz” - z tych samych hymnów i dytyrambów. Chór składał się z dwunastu osób, które na zmianę śpiewały i tańczyły; śpiew i taniec były

główną część spektaklu, a dialog toczył się pomiędzy jedynym aktorem a liderem chóru – luminarz.

W V wieku PNE. starożytna tragedia grecka osiągnął swój szczyt, gdy był wysoki literacki i kultura muzyczna wyznaczyło skok jakościowy, jakim było przejście od pieśni rytualnych ku czci boga Dionizosa do profesjonalnie przygotowanego wykonania.

Teatr ateński z V w. p.n.e Oprócz religijnych zaczął pełnić funkcje edukacyjne, interpretując tematykę mitologiczną zgodnie z ideą państwową. Najbardziej znani autorzy starożytne tragedie byli Ajschylos, Sofokles i Eurypides.

Tragedie Ajschylos(524-456 p.n.e.) „Persowie”, „Petytanci”, „Oresteja”, „Prometeusz związany” służyli gloryfikacji demokratycznych tradycji ich rodzimej Grecji jako największej wartości nadawanej człowiekowi. W słowach króla Agamemnona z tragedii „Oresteja” nieustannie słychać motyw przeciwstawienia barbarzyńskiego, zacofanego, despotycznego systemu społecznego i humanitarnej, demokratycznej cywilizacji greckiej:

Nie ma potrzeby pochylać się przede mną jak przed barbarzyńcą z otwartymi ustami, Nie ma potrzeby, ku zazdrości wszystkich, kłaść dywaników pod moje stopy...

W tragediach Sofokles(496-406 p.n.e.) ukazały bezradność człowieka wobec nieubłaganego losu, a jednocześnie dały początek dyskusjom o moralnej odpowiedzialności za swoje czyny, o godnym zachowaniu się w najbardziej tragicznych okolicznościach.

W fabule tragedii „Król Edyp” Sofokles wzorował się na znanym micie o Edypie, który zabił swojego ojca, nie wiedząc, że to jego ojciec, a następnie objął tron ​​zamordowanego i poślubił wdowę po nim, jego własnej matki, nie podejrzewając, że to była jego matka.

Ale w tragedii autora i publiczność nie zajmowało pytanie „co?”, ale pytanie „jak?” Jak Edyp dowiedział się, że jest ojcobójcą i profanatorem łoża swojej matki, jak się zachował, gdy poznał prawdę, jak zachowały się jego matka i żona Jokasta? To właśnie ten psychologicznie poprawny pokaz przejścia bohatera od niewiedzy do wiedzy zawierał w sobie sens tragedii i oczyszczenia przez cierpienie, którego widzowie doświadczyli wspólnie z bohaterami:

O, bracia Tebańczycy! Oto przykład dla Ciebie:

Edyp, rozwiązujący zagadki i potężny król,

Ten, na którego los wszyscy z zazdrością patrzyli,

Został wrzucony w morze nieszczęść, wpadł w straszliwą otchłań!

Oznacza to, że śmiertelnicy muszą pamiętać nasz ostatni dzień,

I oczywiście tylko jednego można nazwać szczęśliwym

Który osiągnął kres życia, nie doświadczając nieszczęścia.

Eurypides(480-406 p.n.e.) w tragediach „Alcestus”, „Medea”, „Hipolit” po raz pierwszy ukazał nieprzewidywalną osobę targaną namiętnościami, która wdała się w konfrontację z świat zewnętrzny. Sięgał wyłącznie do wątków mitologicznych, ale wprowadzał do akcji szczegóły z życia codziennego, jak najbardziej przybliżając tragedię życiu ludzi i kładąc w ten sposób podwaliny pod przyszłość europejskiego teatru. Pragnienie Eurypidesa maksymalnej wiarygodności tragicznego czynu zmusiło go do kwestionowania wielu rzeczy, w tym moralnej słuszności bogów, co do której Ajschylos i Sofokles nie mieli wątpliwości, ale on, podobnie jak oni, świadomie służył jak najbardziej humanitarnemu. system polityczny jego

czas - demokracja ateńska. Bardzo wymowny z tego punktu widzenia jest argument, który jeden z jego bohaterów, Grek Jazon, daje swojej opuszczonej żonie Medei, którą zabrał z Kolchidy, jako dowód, że odpłacił jej za wszystko, co dla niego zrobiła ( a on, uwaga, zawdzięczam życie):

Potwierdzam twoje usługi. Co

Od tego? Dług już dawno spłacony

I z zainteresowaniem. Po pierwsze, jesteś w Hellas

I już nie wśród barbarzyńców, prawo

Nauczyłeś się prawdy zamiast siły,

Która króluje wśród Was. Twój

Tutaj Hellenowie cenili sztukę,

I masz chwałę, ale żyj

Jesteś tam, na krańcu świata, wokół siebie

I nikt nie wiedział...

Tragedia, stając się literaturą, nadal się rozwijała, z czasem nabierając coraz bardziej świeckiego charakteru. Po pierwsze, odchodziło od swoich mitologicznych korzeni. Po drugie, śpiew chóralny zajmował w nim coraz mniej miejsca w porównaniu do dialogu. Po trzecie, wśród bohaterów byli nie tylko bohaterowie mitologiczni, ale także prawdziwi postacie historyczne a nawet niewolnicy. Ajschylos wprowadził do spektaklu drugiego aktora, tworząc w ten sposób dialog i akcję dramatyczną, co zostało skomentowane przez chór. Za Sofoklesa aktorzy ujawnili fabułę dzieła, których liczba osiągnęła trzy, a tematem tragicznego chóru pozostało powiększenie bogów. Eurypides przypisał chórowi rolę zewnętrznego obserwatora, komentującego to, co dzieje się na scenie i nie ingerującego w żaden sposób w akcję teatralną.

Ale wraz z rozwojem gatunku teatr ateński stał się prawdziwie świecki komedie. Za jej założyciela uważa się L/m/stio^byan (446-3 85 p.n.e.). Gatunek komediowo-komediowy powstał z wiejskich festiwali ku czci Dionizosa, podczas których wykonywano komiczne pieśni i tańce satyry - mityczni kozi towarzysze Boga. W teatrze ateńskim aktorzy komiksowi regularnie uczestniczyli w konkursach dionizyjskich wraz z tragikami, a po tragedii gloryfikującej Dionizosa i opowiadającej o jego cierpieniach odgrywali sceny satyryczne parodiujące poprzednie. Arystofanes zaczął używać komedii jako broni politycznej, bezlitośnie krytykując wojnę peloponeską, którą toczyły Ateny i Sparta. Krytyka stała się prawdziwym elementem teatru Arystofanesa, a jego komedie „Jeźdźcy”, „Świat”, „Lysistrata”, „Acharnianie”, „Ptaki” w najbardziej groteskowej formie, z niegrzecznymi, a nawet nieprzyzwoitymi dowcipami, wyrażały protest przeciwko wojna. W komedii „Jeźdźcy” Arystofanes bezlitośnie ośmieszył naród ateński, przedstawiony przez niego w postaci starca o słabym umyśle Demos („demos” w tłumaczeniu z greckiego - ludzie), który całkowicie wpadł pod wpływ swojego łajdaka służący garbarz i sam garbarz, w którym nietrudno było rozpoznać najważniejszego urzędnika w Atenach – Kleonę, właścicielkę warsztatu skórzanego:

Przecież bycie demagogiem to nie zajęcie piśmiennych, to nie zajęcie uczciwych i przyzwoitych obywateli, to zajęcie ignorantów i bezwartościowców.

W ten sam bezceremonialny sposób Arystofanes traktował bogów, parodiując język i styl tragedia grecka. W końcu zburzył teatralną konwencję wprowadzając specjał część chóralna, kiedy aktorzy zdjęli maski i zwrócili się bezpośrednio do widza.

Przedstawienia teatralne odbywały się pod na wolnym powietrzu, a schody dla publiczności zostały wyrzeźbione niczym amfiteatr w naturalnym zagłębieniu wzgórza. To osobliwe audytorium został wezwany teatr Dla aktorów i rekwizytów wzniesiono specjalną prostokątną wielopoziomową konstrukcję - skene, przed którym znajdowały się bogato zdobione sceny sceniczne - Proskeniusz. Pomiędzy skene a podnóżem amfiteatru znajdowała się okrągła platforma dla chóru - orkiestra

Aby być wyraźnie widocznym, aktorzy występowali w bujnych płaszczach i jaskrawo pomalowanych maskach, co wskazywało na jedno i drugie pewien charakter(król, bohater, kobieta) lub stan i charakter (radość, złość itp.) i noszenie kozaków na bardzo wysokiej platformie.

Należy zauważyć, że przedstawienia teatralne odbywały się tylko podczas święta Wielkiego Dionizego i trwała od wschodu do zachodu słońca przez trzy dni. Spośród wszystkich zaprezentowanych sztuk najwyższy urzędnik państwowy wybrał trzy najlepsze tragedie i jedną komedię, które kolejno wystawiano, po czym specjalni sędziowie przyznali autorom nagrodę. Pierwsza nagroda oznaczała dla autora zwycięstwo, druga – umiarkowany sukces, trzecia – porażkę. Każdy konkurs dramatyczny był wydarzeniem nie tylko dla autorów, ale i całego miasta, zobowiązującym poetę do bycia wymagającym i świadomym swojej wysokiej misji obywatelskiej. Rola edukacyjno-wychowawcza teatru była ogromna, biorąc pod uwagę, że Teatr Dionizosa pomieścił około siedemnastu tysięcy widzów, tj. prawie cała dorosła populacja Aten.

V wiek p.n.e zaznaczyło się istotne przesunięcie w dziedzinie sztuk pięknych – przejście do tzw malarstwo iluzjonistyczne, którego założyciel uważany jest za malarza Apollodoros z Aten. Starożytni malarze, zdaniem Pliniusza, posługiwali się jedynie czterema kolorami: żółtym, czerwonym, białym i czarnym, nie przywiązując wagi do perspektywy i światłocienia. Ich malarstwo było w istocie malowanym rysunkiem. Najbardziej znanymi artystami tego okresu byli Zeuxis, znany uczeń Apollodora i Par-rasy. Pisali farbami woskowymi na miedzi. Z opowieści starożytnych autorów wynika, że ​​artyści ci starali się jak najdokładniej przedstawić naturę, o czym świadczy anegdota o rywalizacji Zeuksisa i Parrazjusza. Zeuxis przedstawił kiście winogron tak wiernie, że ptaki gromadziły się, aby je dziobać. Dumny ze swojego zwycięstwa Zeuxis podszedł do obrazu Parrazjusza i zażądał, aby artysta odsłonił zasłonę zasłaniającą obraz, który w rzeczywistości okazał się namalowany.

Sztuka grecka V p.n.e jego bogactwo i doskonałość odzwierciedlały wewnętrzny rozkwit społeczeństwa, które je zrodziło. Prostota, wdzięk, monumentalność i harmonia form były jego najbardziej charakterystycznymi cechami.

Stopniowo wysokie poczucie demokratycznych podstaw państwa-miasta zaczęło tracić na znaczeniu, a zastąpiło je poczucie, że „najwyższym dobrem człowieka jest uwolnienie się od społeczeństwa”.

Pojawiło się nowe podejście do świata, w którym na pierwszy plan wysunięto wszystko, co wyjątkowe, niepowtarzalne i indywidualne. W tym okresie nieznany architekt zbudował świątynię w miejscu, w którym Atena i Posejdon rywalizowali ze sobą o władzę nad miastem. Jego układ jest niezwykle złożony i asymetryczny, ponieważ podczas budowy konieczne było pokrycie wszystkich sakralnych części wzgórza. Dobudowano świątynię różne poziomy i jest podzielony na dwie części. Wschodnia poświęcona była Atenie Polias (patronce miasta), gdzie stał jej posąg wykonany z drewna oliwnego. Część zachodnia poświęcona była Posejdonowi, utożsamianemu z Erechteuszem, mitycznym królem Aten. Oto „Morze Erechtejskie”, które rzekomo powstało w wyniku uderzenia trzech

Marsjasz, grecki - satyr, czyli silny, z Frygii, który na swoje nieszczęście wyzwał go na konkurs muzyczny.

Jego pochodzenie jest niejasne. Jego matkę uważano za boginię, a ojca za boga rzecznego Pragnącego z Tracji; ale czasami ojca Marsjasza nazywano muzykiem Giagnusem ze świty Kybele lub wynalazcą fletu Olimpu (który znowu jest czasami uważany za przyjaciela, a nawet syna Marsjasza). Ale w w tym przypadku to nie jest takie ważne. Co ważniejsze, Marsjasz nieostrożnie podniósł flet, który wyrzucił i przeklął, bo gra na nim zniekształciła jej twarz. Marsjasz szybko opanował ten instrument, wszyscy chwalili jego umiejętności, a on był tak dumny, że uważał, że jest w stanie konkurować w sztuka muzyczna z samym Apollem, skończony mistrz gry na lirze. Apollo przyjął wyzwanie, lecz bezczelność Marsjasza go uraziła i postawił warunek, że zwycięzca ma prawo obedrzeć przegranego żywcem ze skóry. Oczywiście Apollo wygrał, a Marsjasz dosłownie „zapłacił swoją skórą”: rozgniewany bóg powiesił go na drzewie i obdarł ze skóry żywcem (według innej wersji nie zrobił tego sam, ale na jego rozkaz). Przyjaciele nieszczęsnej Marcii mogli go tylko opłakiwać. Z ich łez wsiąkniętych w ziemię powstało źródło, które dało początek rzece o tej samej nazwie we Frygii.

Losy Marsjasza zainspirowały wielu artystów starożytnych i europejskich, ich szczególnie pociągała scena okrutnej kary – zapewne także ze względu na kuszącą możliwość pokazania anatomii Ludzkie ciało(wiele obrazów można łatwo znaleźć w Google lub Yandex, wyszukując na przykład „Marsyas i Apollo”). Nie zachowała się słynna grupa rzeźb Myrona „Atena i Marsjasz” (460–450 p.n.e.), która niegdyś zdobiła ateński Akropol, ale rzymska kopia „Marsjasza” z tej grupy znajduje się w Ermitażu w Petersburgu ( drugi taki sam - w Muzeum na lateranie w Rzymie), a rzymska kopia „Ateny” z tej samej grupy trafiła do galerii miejskiej we Frankfurcie nad Menem. W Paryżu i Berlinie znajdują się rzymskie kopie hellenistycznej grupy rzeźb „Marsjasz wiszący na drzewie”, a figurę scytyjskiego kata obdzierającego Marsjasza ze skóry na rozkaz Apolla można oglądać w Galerii Uffizi we Florencji.

Wydaje się, że pierwszym europejskim mistrzem, który zwrócił się do Marsjusza, był Michał Anioł (1490), za jego przykładem poszli Schiavone (ok. 1530), Tintoretto (przed 1545) i wielu innych. Chlubą Galerii Sztuki Kroměříž jest obraz Tycjana „Apollo i Marsjasz” (1570). W Spotkania rosyjskie m.in. w Ermitażu w Petersburgu znajdują się rzeźbiarskie i malarskie wizerunki Marsjasza. W XVIII wieku wynikiem rywalizacji Apolla z Marsjaszem był ulubiony satyryczny i alegoryczny wyraz zwycięstwa Piotra I nad królem szwedzkim Karolem XII. Brązowy posąg Marsjasza autorstwa F. F. Szczedrina pochodzi z 1776 roku.

I na koniec uwaga o rzece Marsjasz. Ciekawe, że największa rzeka dawnej Frygii, obecna Kizil-Irmak (w starożytności - Galis), w języku hetyckim, Pierwotni mieszkańcy kraj ten nazywał się kiedyś Marashantiya.

Satyr Marsjasz i Apollo (mit starożytnej Grecji)

Szlachetny i hojny piękny Apollin, ale nie toleruje nikogo, kto ośmiela się z nim konkurować, jak kiedyś ku jego rozpaczy zrobił drwiący satyr Marsjasz.

Wędrując po polach i lasach Frygii, Marsjasz znalazł kiedyś flet trzcinowy. Ten flet należał do Pallas Ateny, sama go wykonała i lubiła czasem na nim grać, odrywając się od wojskowych trosk. Ale pewnego dnia spojrzała na swoje odbicie w lustrzanej osłonie i z oburzeniem rzuciła w krzaki swoją ulubioną fajkę. Wydawało jej się, że gra na flecie psuje jej piękną twarz.
„Kto znajdzie i podniesie ten flet, niech zostanie surowo ukarany” – zawołała.
To tam znalazł ją Marsjasz. On oczywiście nic nie wiedział o klątwie Ateny i wkrótce nauczył się grać na tym wspaniałym instrumencie tak dobrze, że wszyscy słuchali jego niesamowitego występu. Marsjasz stał się całkowicie dumny, zaczął się przechwalać i wmawiać wszystkim, że nie grał gorzej niż sam Apollo i jest gotowy wyzwać go na konkurs.
Apollo usłyszał aroganckie słowa Marsjasza, ale nie pokazał, jak zły rozgniewała go arogancja głupiego satyra. Podjął wyzwanie satyra. Apollo podniósł swoją złotą citharę i zaczął grać. Wszystko wokół pogrążyło się w głębokiej ciszy i tylko cudownych dźwiękach czarująca muzyka poruszył powietrzem zamrożonym ze zdumienia. I wtedy Marsjasz zaczął grać. To też było bardzo Piękna muzyka, a Marsjasz zagrał pięknie. Ale jak mógł się równać z bogiem o złotym głosie! Wszyscy, którzy byli na tym niezwykłym konkursie, jednogłośnie uznali, że Apollo wygrał. Rozgniewany bezczelnością bezczelnego satyra Apollo kazał go powiesić za ręce na wysokim drzewie, aby już nigdy nie mógł podnieść fletu.

Grupę opisał Pauzaniasz: „... Atena jest przedstawiona bijąca silnego Marsjasza, ponieważ podniósł flety, chociaż bogini chciała je zrzucić”. Pomnik ilustruje słynny mit o tym, jak Atena zrobiła kiedyś aulos – podwójny flet – z kości jelenia, ale odkryła, że ​​podczas gry jej twarz była brzydko zniekształcona. W gniewie wyrzuciła flet, rzucając klątwę na każdego, kto ośmielił się go podnieść. Marsjasz, znalazłszy flet i zaczął na nim grać, wkrótce tak uwierzył w swój sukces, że wyzwał samego Apolla na konkurs. Za tę bezczelność Marsjasz został surowo ukarany: na rozkaz Apolla zdarto mu skórę.

Przez długi czas oba pomniki były postrzegane jako niezależne i nie były ze sobą kojarzone słynna kompozycja Myrona, jednak odtwarzając tę ​​grupę na monetach ateńskich, zidentyfikowali Marsjasza, początkowo błędnie zrekonstruowanego jako tańczącego satyra z krotalami (rodzajem kastanietów) w dłoniach. Posąg Ateny przypisano znacznie później. Grupę zrekonstruowano na podstawie reprodukcji monet ateńskich i jednego rysunku wazowego.

Miron umieszcza psychologiczne centrum wydarzenia w grupie, skupiając się na flecie, a także łączy postacie optycznie – poprzez kontrast zewnętrzny i rytm ich ruchów. Aby osiągnąć jedność grupy, rzeźbiarz rezygnuje ze środków plastycznych na rzecz graficznych, co stwarza nieco malarskie wrażenie, w dodatku posągi są wciąż zbyt niezależne względem siebie i zamknięte w sobie.

19.07.2018

Jest jasne, że sztuka klasyczna Nie powstał nagle, ale przeszedł pewną ścieżkę rozwoju. Dlatego okres klasyczny podzielone są na trzy komponenty – wczesną klasykę (czas poszukiwań tego, co najbardziej udane techniki artystyczne, czas eksperymentów i odkryć), dojrzałą klasykę (rodzaj szczytu, okres rozkwitu klasycznej szkoły starożytnej Grecji) oraz późna klasyka(kiedy starożytni Grecy wydawali się trochę zmęczeni nadmiarem pięknych rzeźb, świątyń i otaczających ich obrazów). Najsłynniejszy rzeźbiarz ateński połowy V wieku. pne mi. (tym razem jest to dokładnie tak zwany wczesny klasyk), z całą pewnością można nazwać Myrona mieszkańcem miasta Elevthera w Boeotii. Niestety czas nie oszczędził żadnego z jego dzieł, ale rzeźby Myrona były tak dobre i tak sławne, że wielu innych mistrzów, zarówno samych starożytnych Greków, jak i (później) Rzymian, pilnie wykonywało kopie jego dzieł. Oczywiście kopia to jednak kopia główny pomysł Nadal można z niego komponować.

Pewnego dnia Miron otrzymał zlecenie wykonania rzeźby przedstawiającej młodego mężczyznę, który zwyciężył w zawodach w rzucie dyskiem. Tak powstał niedościgniony „Dyskobol”, który zawładnął wyobraźnią Hellenów (a później przybyłych do Aten Rzymian) do tego stopnia, że ​​kopie tego posągu zaczęły ozdabiać pałace i parki zamożnych koneserów sztuki już od czasów starożytnych po dziś dzień. I można je zrozumieć – Myron potrafił zaskakująco trafnie oddać uczucie ruchu, szarpnięcia, uderzenia, a jednocześnie lodowaty, wręcz kosmiczny, triumfujący spokój. Jego bohater dopiero rzuca dyskiem, wciąż walczy o zwycięstwo, ale już wiemy, że wygra. Myron „zatrzymał” swojego bohatera w krótkim momencie, na pół sekundy przed rzutem, kiedy każdy mięsień sportowca jest maksymalnie zmobilizowany do jednego zdecydowanego ruchu, a jednocześnie nadał jego twarzy absolutnie pogodny, dosłownie kamienny wyraz. Kontrast napiętych mięśni i spokojnej twarzy jednocześnie rodzi poczucie ogromnej siły i pewnego chłodnego porządku, charakterystycznego dla środowiska cywilizowanego społeczeństwa starożytnego.

Fizyczne piękno młodego sportowca zostało podkreślone materiałem, z którego wykonano posąg – oryginał odlany został z ciepłego, słonecznego brązu.

Jednak prawdziwym hymnem starożytnej cywilizacji greckiej było kolejne dzieło Myrona - grupa rzeźbiarska „Atena i Marsjasz”, zainstalowana kiedyś na Akropol w Atenach. W przeciwieństwie do zamrożenia w głębokim i mocnym zakręcie
„Dyskobol” oba posągi grupy ukazują nam obrazy w mniej lub bardziej statycznym stanie, jednak i tutaj rzeźbiarz posłużył się takim, który pozwalał mu osiągnąć szczególną ekspresję. Tylko tutaj kontrasty są nieco innego rodzaju - pomiędzy luźnym, niegrzecznym, zwierzęcym Marsjaszem a surową, opanowaną, budzącą grozę i piękną Ateną. Tematem grupy rzeźbiarskiej było starożytny grecki mit o podwójnym flecie. Atena stworzyła między innymi podwójny flet i w celu przetestowania instrumentu próbowała coś na nim zagrać. Atenie nie spodobał się wynik: patrząc na nią, inne boginie wybuchły obraźliwym śmiechem. Okazało się, że podczas gry policzki Ateny komicznie spuchły, co wywołało tak niegrzeczną reakcję. W głębi serca Atena rzuciła niewinny instrument na ziemię i przeklęła go w zamian za transakcję. Jednak Marsjasz, nie rozumiejąc sytuacji, rzucił się po cenny przedmiot i został na tym przyłapany przez wściekłą Atenę. Z woli Myrona zamarł, wzdrygając się ze strachu pod groźnym spojrzeniem bogini – w absurdalnej pozie, z niskimi brwiami i nawet, jak się wydaje, nie do końca trzeźwy. Rzeźbiarz całe swoje odrzucenie bestialskiej, barbarzyńskiej natury przełożył na wygląd leśnego stworzenia.

Sama Atena to inna sprawa. Jak przystało na właścicielkę wysoce zorganizowanego umysłu (pamiętajmy, że Atena jest boginią mądrości), pokazuje nam przykład doskonałej kontroli nad swoimi uczuciami. Dopiero groźnie ściągnięte brwi i opuszczone kąciki ust zdradzają szalejącą złość, która nie wybucha w żaden inny sposób. Tak właśnie powinien zachowywać się człowiek cywilizowany i obywatel polis – tłumić wybuchy złości i działać nie brutalną siłą, ale mocnym słowem, poparte niewątpliwą wyższością moralną. Podejmując się przedstawienia „Ateny i Marcii”, Myron zderzył się z wyjątkiem problemy artystyczne, przynajmniej z jednym czysto moralnym. Faktem jest, że w Beocji, skąd pochodził Myron, Marsjasz był uważany za wysoce szanowaną postać mitologiczną, w żaden sposób nie nadającą się do karykatury. Ale Boeotia była wrogiem państwa ateńskiego (i dlatego grupa rzeźbiarska i zdecydował się postawić go na Akropolu), a Myron musiał wybierać między ojczyzną (gdzie nikt nie był szczególnie zainteresowany jego twórczością) a demokracją ateńską. Myron wybrał demokrację.