Z ilu części składa się symfonia klasyczna? Co to jest symfonia? Zobacz, czym jest „symfonia” w innych słownikach

Flegontowa Anastazja

klasa 7specjalność „Teoria Muzyki”,MAOUUDOD DSHI nr 46, Kemerowo

Zaigraeva Walentina Afanasjewna

doradca naukowy,nauczyciel dyscyplin teoretycznych MAOU DOD „DSHI nr 46”

Wstęp

W każdym duże miasto istnieje orkiestra symfoniczna. Jest również poszukiwany w opery oraz w filharmoniach. Jednak sam gatunek symfonii – jeden z najbardziej szanowanych gatunków muzyki akademickiej – jest dziś wypierany przez muzykę kameralną i elektroniczną. A może się zdarzyć, że nadejdzie godzina, kiedy tak wspaniały gatunek jak symfonia nie będzie już w ogóle wykonywany na koncertach. Przynajmniej prawie przestali komponować symfonie. Znaczenie tematy badawcze: niesłabnące zainteresowanie kwestią przyszłego istnienia gatunku „symfonia”, co czeka symfonię w XXI wieku: odrodzenie czy zapomnienie? Przedmiot badań to symfonia jako gatunek i poważny sposób rozumienia świata i wyrażania siebie przez człowieka. Przedmiot badań: ewolucja gatunku symfonicznego od jego początków do współczesności. Cel pracy: przestudiować cechy rozwoju gatunku symfonicznego. Cele badań: analizować materiał naukowy i teoretyczny dotyczący problemu; opisują prawa, normy, modele i kierunki rozwoju gatunku symfonicznego.

RozdziałI. Historia słowa „symfonia”.

Symfonia (od greckiego symphonía – współbrzmienie, od sýn – razem i telefon – dźwięk), utwór muzyczny w formie cyklicznej sonatowej, przeznaczony do wykonania przez orkiestrę symfoniczną; jeden z najważniejszych gatunków muzyki symfonicznej. W niektórych symfoniach bierze udział także chór i śpiewacy solowi. Symfonia to jeden z najbardziej złożonych gatunków muzycznych. „Dla mnie tworzenie symfonii oznacza budowanie świata przy użyciu wszystkich środków współczesnej technologii muzycznej” – powiedział Austriacki kompozytor Gustava Mahlera.

Początkowo w starożytnej Grecji „symfonia” była nazwą nadawaną eufonicznemu brzmieniu tonów, śpiewających razem unisono. W starożytnym Rzymie była to już nazwa zespołu lub orkiestry. W średniowieczu muzykę świecką w ogóle uważano za „symfonię” (we Francji takie znaczenie utrzymało się do XVIII w.); tak można było nazwać niektóre instrumenty muzyczne (m.in. lira korbowa) . W Niemczech do połowy XVIII wieku symfonia była ogólnym określeniem odmian klawesynów - spinetów i dziewic, we Francji taką nazwą nadano organy beczkowe, klawesyny, dwugłowe bębny itp.

Pod koniec epoki baroku niektórzy kompozytorzy, jak na przykład Giuseppe Torelli (1658-1709), komponowali utwory na orkiestrę smyczkową i basso continuo w trzech częściach, z sekwencją tempa szybko-wolno-szybko. Chociaż utwory takie nazywano zwykle „koncertami”, nie różniły się one od dzieł zwanych „symfoniami”; na przykład motywy taneczne wykorzystano w finałach zarówno koncertów, jak i symfonii. Różnica dotyczyła przede wszystkim konstrukcji pierwszej części cyklu: w symfoniach była ona prostsza – z reguły binarna dwuczęściowa forma barokowej uwertury, sonaty i suity (AA BB). Dopiero w XVI wieku. zaczęto go stosować do pojedynczych dzieł, początkowo wokalno-instrumentalnych, takich kompozytorów jak Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 i Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610 ) i Heinricha Schütza (Symphoniae sacrae, 1629). kompozytorzy włoscy XVII wiek Słowo „symfonia” (sinfonia) często oznaczało instrumentalne wstępy do opery, oratorium czy kantaty, a znaczenie tego terminu zbliżało się do pojęć „preludium” czy „uwertura”.

Za pierwowzór symfonii można uznać uwerturę włoską, która ukształtowała się pod rządami Domenico Scarlattiego w r koniec XVII wiek. Formę tę zwano już symfonią i składała się z trzech przeciwstawnych sobie części: allegro, andante i allegro, które zlały się w jedną całość; w części pierwszej zarysowano cechy formy sonatowej. To właśnie ta forma jest często postrzegana jako bezpośrednia prekursorka symfonii orkiestrowej. Z kolei poprzedniczką symfonii była sonata orkiestrowa, składająca się z kilku części w najprostszych formach i głównie w tej samej tonacji. Przez większą część XVIII wieku terminy „uwertura” i „symfonia” były używane zamiennie.

W XVIII wieku symfonia oddzieliła się od opery i stała się samodzielnym gatunkiem koncertowym, zwykle składającym się z trzech części („szybko – wolno – szybko”). Wykorzystując cechy suity tańca barokowego, opery i koncertu, wielu kompozytorów, a przede wszystkim J.B. Sammartini stworzył model symfonii klasycznej – trzyczęściowego utworu na orkiestrę smyczkową, którego części szybkie przybierały najczęściej formę prostego ronda lub wczesnej formy sonatowej. Stopniowo do smyczków dołączały kolejne instrumenty: oboje (lub flety), rogi, trąbki i kotły. Dla słuchaczy XVIII wieku. symfonię wyznaczały normy klasyczne: faktura homofoniczna, harmonia diatoniczna, kontrasty melodyczne, zadany ciąg zmian dynamicznych i tematycznych. Ośrodki, w których była uprawiana symfonia klasyczna, stało się niemieckim miastem Mannheim (tutaj Jan Stamitz i inni autorzy rozszerzyli cykl symfoniczny do czterech części, wprowadzając do niego dwa tańce z barokowej suity – menuet i trio) oraz Wiedeń, gdzie Haydn, Mozart, Beethoven (a także ich poprzednicy, wśród których wyróżniają się Georg Monn i Georg Wagenseil, podnieśli gatunek symfonii na nowy poziom... Johann Sebastian Bach (1685-1750, Niemcy) nazwał także swoje 15 sztuk (w tej samej tonacji, co wynalazki dwugłosowe, ale w trzy głosy) „symfonie”.

RozdziałII. Symfonie kompozytorów zagranicznych

1. Klasyka wiedeńska

1.1. Franciszka Józefa Haydna

W twórczości Franza Josepha Haydna (1732-1809) ukształtował się ostatecznie cykl symfoniczny. Jego wczesne symfonie w zasadzie niczym się od nich nie różnią muzyka kameralna i prawie nie wykraczają poza zwykłe gatunki rozrywkowe i codzienne dla tamtej epoki. Dopiero w latach 70. pojawiły się dzieła wyrażające więcej głęboki świat obrazy („Symfonia pogrzebowa”, „ Pożegnanie Symfonii" itd.). Stopniowo jego symfonie nasycają się głębszą treścią dramatyczną. Najwyższym osiągnięciem symfonizmu Haydna jest dwanaście symfonii „londyńskich”.

Struktura sonatyAllegro. Każda z symfonii (z wyjątkiem c-moll) rozpoczyna się krótkim, powolnym wstępem o charakterze uroczyście majestatycznym, zamyślonym, lirycznie zamyślonym lub spokojnie kontemplacyjnym (najczęściej w tempie Largo lub Adagio). Powolne wprowadzenie ostro kontrastuje z późniejszym Allegro (będącym pierwszą częścią symfonii) i jednocześnie je przygotowuje. Pomiędzy tematami części głównej i drugorzędnej nie ma jasnego kontrastu figuratywnego. Obydwa mają przeważnie charakter pieśni i tańca ludowego. Występuje jedynie kontrast tonalny: tonacja główna partii głównych kontrastuje z dominującą tonacją partii bocznych. Rozwój, który opiera się na izolacji motywów, znacząco rozwinął się w symfoniach Haydna. Krótki, ale najbardziej aktywny fragment jest oddzielony od tematu części głównej lub wtórnej i podlega dość długiemu niezależnemu rozwojowi (ciągłe modulacje w różnych tonacjach, przeprowadzane na różnych instrumentach i w różnych rejestrach). Nadaje to rozwojowi dynamiczny i aspiracyjny charakter.

Druga (wolna) część mają inny charakter: czasem przemyślany liryczny, czasem pieśniowy, czasem marszowy. Różnią się także kształtem. Najbardziej powszechne są złożone formy trzyczęściowe i wariacyjne.

Menuety. Trzecie części symfonii „londyńskich” nazywane są zawsze Menuetto. Wiele menuetów Haydna ma charakter tańców wiejskich z ich nieco ciężkim chodem, rozległą melodią, nieoczekiwanymi akcentami i zmianami rytmicznymi, często tworzącymi humorystyczny efekt. Tradycyjny menuet, składający się z trzech taktów, zostaje zachowany, traci on jednak swoje arystokratyczne wyrafinowanie i staje się tańcem demokratycznym, chłopskim.

Egzaminy końcowe. Uwagę zwracają zwykle finały symfonii Haydna obrazy gatunkowe, wracając także do muzyki ludowej. Formą jest najczęściej sonata lub sonata rondo. W niektórych finałach symfonii „londyńskich” szeroko stosowane są techniki wariacji i rozwoju polifonicznego (imitującego), co dodatkowo podkreśla szybki ruch muzyki i dynamizuje całą tkankę muzyczną [ 4, s. 76-78]

Orkiestra. Skład orkiestry został również ustalony w dziele Haydna. Opiera się na czterech grupach instrumentów. Sekcja smyczkowa, prowadząca orkiestrę, składa się ze skrzypiec, altówek, wiolonczel i kontrabasów. Grupa drewniana Komponuję flety, oboje, klarnety (nie we wszystkich symfoniach), fagoty. Zespół dęty Haydna składa się z rogów i trąbek. Spośród instrumentów perkusyjnych Haydn używał w orkiestrze wyłącznie kotłów. Wyjątkiem jest XII „London Symphony” G-dur („Wojskowa”). Oprócz kotłów Haydn wprowadził trójkąt, talerze i bęben basowy. W sumie dzieło Franza Josepha Haydna obejmuje ponad 100 symfonii.

1.2. Wolfgang Amadeusz Mozart

Wolfgang Amadeusz Mozart (1756-1791) wraz z Haydnem stali u początków europejskiego symfonizmu, natomiast najlepsze symfonie Mozart pojawił się jeszcze przed Symfoniami Londyńskimi Haydna. Nie powielając Haydna, Mozart na swój sposób rozwiązał problem cyklu symfonicznego. Ogólna liczba jego symfonii przekracza 50, chociaż zgodnie z ciągłą numeracją przyjętą w rosyjskiej muzykologii ostatnią symfonię – „Jowisz” – uważa się za 41. Pojawienie się większości symfonii Mozarta sięga czasów wczesne lata jego twórczość. W okresie wiedeńskim powstało jedynie 6 ostatnich symfonii, w tym: „Linska” (1783), „Praga” (1786) i trzy symfonie z 1788 r.

Na pierwsze symfonie Mozarta duży wpływ miała twórczość J.S. Kawaler. Przejawiało się to zarówno w interpretacji cyklu (3 małe części, brak menueta, niewielka kompozycja orkiestrowa), jak i w różnorodnych szczegółach wyrazowych (melodia tematów, wyraziste kontrasty dur i moll, wiodąca rola skrzypiec).

Wizyty w głównych ośrodkach symfonii europejskiej (Wiedeń, Mediolan, Paryż, Mannheim) przyczyniły się do ewolucji myśli symfonicznej Mozarta: wzbogaciła się treść symfonii, zaostrzyły się kontrasty emocjonalne, aktywniejszy rozwój tematyczny, skala partii jest powiększony i tekstura orkiestrowa. W przeciwieństwie do „Symfonii londyńskich” Haydna, które generalnie rozwijają jeden typ symfonizmu, najlepsze symfonie Mozarta (nr 39–41) nie poddają się typizacji, są absolutnie wyjątkowe. Każdy z nich uosabia zasadniczo coś nowego pomysł artystyczny. Dwie z czterech ostatnich symfonii Mozarta mają powolne wstępy, pozostałe dwie nie. Symfonia nr 38 („Praga”, D-dur) ma trzy części („Symfonia bez menueta”), pozostałe cztery.

Do najbardziej charakterystycznych cech Mozarta w interpretacji gatunku symfonii należą:

· dramaturgia konfliktu. Na różnych poziomach części cyklu w symfoniach Mozarta pojawiają się poszczególne tematy, różne elementy tematyczne w obrębie tematu, kontrast i konflikt. Wiele tematów symfonicznych Mozarta początkowo jawi się jako „charakter złożony”: zbudowane są na kilku kontrastujących ze sobą elementach (np. tematy główne finału 40., pierwszej części symfonii Jowiszowej). Te wewnętrzne kontrasty są najważniejszym bodźcem do późniejszego dramatycznego rozwoju, zwłaszcza w rozwoju:

1. preferencja dla formy sonatowej. Z reguły Mozart nawiązuje do tego we wszystkich częściach swoich symfonii, z wyjątkiem menueta. Najgłębszego ujawnienia zdolna jest właśnie forma sonatowa, posiadająca ogromny potencjał przekształcania tematów początkowych świat duchowy osoba. W rozwoju sonaty Mozarta każdy temat ekspozycji może nabrać niezależnego znaczenia, m.in. łączący i końcowy (na przykład w symfonii „Jowisz” w rozwinięciu pierwszej części rozwijane są tematy z.p. i st.p., a w drugiej części - st.t.);

2. ogromna rola technologii polifonicznej. Do dramatyzmu, zwłaszcza w utworach późniejszych, wnoszą ogromny wkład różnorodne techniki polifoniczne (najbardziej uderzającym przykładem jest finał symfonii Jowisz);

3. odejście od gatunków otwartych w menuetach i finałach symfonicznych. Nie da się do nich zastosować definicji „gatunku codziennego”, jak Haydna. Wręcz przeciwnie, Mozart w swoich menuetach często „neutralizuje” zasadę tańca, wypełniając swoją muzykę albo dramatyzmem (w symfonii nr 40), albo liryzmem (w symfonii „Jowisz”);

4. ostateczne przezwyciężenie logiki suity cyklu symfonicznego, jako naprzemienność różnych części. Cztery części symfonii Mozarta stanowią organiczną jedność (było to szczególnie widoczne w 40. Symfonii);

5. ścisły związek z gatunki wokalne. Klasyczna muzyka instrumentalna powstała pod silnym wpływem opery. U Mozarta ten wpływ operowej wyrazistości jest bardzo mocno odczuwalny. Przejawia się to nie tylko w zastosowaniu charakterystycznych intonacji operowych (jak np. w temacie głównym 40. symfonii, często porównywanym do tematu Cherubina „Nie wiem, nie potrafię wytłumaczyć…”). ). Muzyka symfoniczna Mozarta przesiąknięta jest kontrastującymi zestawieniami tego, co tragiczne i błazeńskie, wzniosłe i zwyczajne, co wyraźnie przypomina jego dzieła operowe.

1.3. Ludwiga van Beethovena

Ludwig van Beethoven (1770-1827) jeszcze bardziej wzbogacił gatunek symfonii. W jego symfoniach wielkie znaczenie zyskały bohaterstwo, dramat i filozofia. Części symfonii są ściślej powiązane tematycznie, a cykl osiąga większą jedność. Zasada wykorzystania pokrewnego materiału tematycznego we wszystkich czterech częściach, zrealizowana w V Symfonii Beethovena, doprowadziła do powstania tzw. cykliczna symfonia. Beethoven zastępuje spokojny menuet bardziej żywym, często burzliwym scherzem; podnosi rozwój tematyczny na nowy poziom, poddając swoje tematy wszelkiego rodzaju zmianom, w tym rozwinięciu kontrapunktowemu, wyodrębnianiu fragmentów tematów, zmianie trybów (dur-moll), przesunięciom rytmicznym.

Mówiąc o symfoniach Beethovena, należy podkreślić jego innowacyjność orkiestrową. Wśród innowacji:

1. formacja faktyczna grupa miedzi. Choć na trąbkach nadal gra się i nagrywa razem z kotłami, funkcjonalnie one i rogi zaczynają być traktowane jako jedna grupa. Dołączają do nich także puzony, których nie było w orkiestrze symfonicznej Haydna i Mozarta. Puzony grają w finale V symfonii (3 puzony), w scenie burzy w VI (tutaj jest ich tylko 2), a także w niektórych partiach IX (w scherzo i w odcinku modlitewnym finału , a także w kodzie);

2. zagęszczenie „warstwy środkowej” wymusza wzrost pionu w górę i w dół. U góry pojawia się flet piccolo (we wszystkich powyższych przypadkach, z wyjątkiem epizodu modlitewnego w finale IX symfonii), a poniżej - kontrafagot (w finałach V i IX symfonii). Ale w każdym razie w orkiestrze Beethovena zawsze są dwa flety i fagoty;

3. Kontynuując tradycję Londyńskich Symfonii Haydna i późniejszych symfonii Mozarta, Beethoven uwypukla niezależność i wirtuozerię partii niemal wszystkich instrumentów, w tym trąbki (słynna solowa scena w uwerturach nr 2 i nr 3 Leonory) oraz kotłów . Często ma 5 partii smyczkowych (oddzielone kontrabasy od wiolonczel), a czasami więcej (gra na zasadzie divisi). Wszystkie instrumenty dęte drewniane, łącznie z fagotem, a także rogi (w refrenie, jak w trio scherzo III symfonii lub osobno) mogą występować solo podczas wykonywania bardzo jasnego materiału.

2. Romantyzm

Główną cechą wyróżniającą romantyzm był rozwój formy, kompozycji orkiestry i gęstości brzmienia, pojawiły się motywy przewodnie. Kompozytorzy romantyczni zachowali tradycyjny schemat cyklu, ale wypełnili go nową treścią. Poczesne miejsce wśród nich zajmuje symfonia liryczna, której jednym z najjaśniejszych przykładów była Symfonia h-moll F. Schuberta. Kontynuacją tego nurtu były symfonie F. Mendelssohna-Bartholdy’ego, często mające charakter malarsko-pejzażowy. Tym samym symfonie nabrały cech programowych tak charakterystycznych dla kompozytorów romantycznych. Hector Berlioz, wybitny Kompozytor francuski, pierwszy stworzony symfonia programowa, pisząc dla niej program poetycki w formie krótkiego opowiadania o życiu artystki. Jednak zamierzenia programowe w romantyczna muzyka częściej w formie jednoczęściowej poemat symfoniczny, fantazje itp. Najwybitniejszy autor symfonii końca XIX i początku XX wieku. był G. Mahler, czasem atrakcyjny i początek wokalu. Znaczące symfonie na Zachodzie tworzyli przedstawiciele nowych szkół narodowych: w 2. połowie XIX wieku. - A. Dvorak w Czechach, w XX wieku. - K. Szymanowski w Polsce, E. Elgar i R. Vaughan Williams w Anglii, J. Sibelius w Finlandii. Cechą nowatorską wyróżniają się symfonie kompozytorów francuskich A. Honeggera, D. Milhauda i innych, powstałe na przełomie XIX i XX w. Podczas gdy dominowała wielka symfonia (często na rozbudowaną orkiestrę), później coraz większą rolę zaczęła odgrywać „symfonia kameralna”, skromna w skali i przeznaczona dla zespołu solistów.

2.1. Franciszek Schubert (1797-1828)

Romantyczny symfonizm stworzony przez Schuberta został zdefiniowany głównie w dwóch ostatnich symfoniach – VIII h-moll, zwanej „Niedokończoną” i IX, C-dur. Są zupełnie inni, przeciwstawni sobie. Epicka dziewiąta przepojona jest poczuciem zwycięskiej radości istnienia. „Niedokończony” ucieleśniał temat nędzy i tragicznej beznadziei. Takie uczucia, które odzwierciedlały losy całego pokolenia ludzi, przed Schubertem nie znalazły jeszcze symfonicznej formy wyrazu. Powstała dwa lata wcześniej niż IX symfonia Beethovena (w 1822 r.) „Niedokończona” zapoczątkowała pojawienie się nowego gatunku symfonicznego – liryczno-psychologicznego.

Jedną z głównych cech symfonii h-moll jest jej cykl, składający się jedynie z dwóch części. Wielu badaczy próbowało zgłębić „tajemnicę” tego dzieła: czy naprawdę genialna symfonia pozostała niedokończona? Z jednej strony nie ulega wątpliwości, że symfonia została pomyślana jako cykl czteroczęściowy: w jej oryginalnym szkicu fortepianowym znajdował się duży fragment części III – scherza. Brak równowagi tonalnej pomiędzy częściami (h-moll w I i E-dur w II) jest także mocnym argumentem przemawiającym za tym, że symfonia nie była z góry pomyślana jako dwuczęściowa. Z drugiej strony Schubert miał dość czasu, jeśli chciał dokończyć symfonię: po „Niedokończonych” stworzył duża liczba dzieła, w tym 4-częściową IX symfonię. Są jeszcze inne argumenty za i przeciw. Tymczasem „Unfinished” stała się jedną z najbardziej repertuarowych symfonii, absolutnie nie sprawiającą wrażenia niedopowiedzenia. Jej plan w dwóch częściach okazał się w pełni zrealizowany.

Bohater „Niedokończonych” jest zdolny do gwałtownych wybuchów protestu, ale protest ten nie prowadzi do zwycięstwa zasady afirmującej życie. Pod względem intensywności konfliktu symfonia ta nie ustępuje dzieła dramatyczne Beethovena, ale konflikt ten ma inny charakter, zostaje przeniesiony na sferę liryczno-psychologiczną. To dramat doświadczenia, a nie działania. Jej podstawą nie jest walka dwóch przeciwstawnych zasad, ale walka wewnątrz samej osobowości. Jest to najważniejsza cecha symfonizmu romantycznego, którego pierwszym przykładem była symfonia Schuberta.

RozdziałIII. Symfonia w Rosji

Dziedzictwo symfoniczne kompozytorów rosyjskich - P.I. Czajkowski, A.P. Borodina, A.G. Głazunow, Skriabin, S.V. Rachmaninow. Zaczynając od drugiego połowa XIX wieku wieku surowe formy symfonii zaczęły się załamywać. Cztery części stały się opcjonalne: istnieją symfonie jednoczęściowe (Miaskowski, Kanczeli, Borys Czajkowski), jedenastoczęściowe (Szostakowicz), a nawet dwudziestoczteroczęściowe (Hovaness). Pojawiły się powolne finały, niemożliwe w symfonii klasycznej (VI Symfonia Czajkowskiego, III i IX Symfonia Mahlera). Po IX Symfonii Beethovena kompozytorzy zaczęli częściej wprowadzać partie wokalne.

Druga symfonia Aleksandra Porfirievicha Borodina (1833–1887) jest jednym ze szczytów jego twórczości. Należy do światowych arcydzieł symfonicznych dzięki swojej jasności, oryginalności, monolitycznemu stylowi i pomysłowej realizacji obrazów rosyjskiej epopei ludowej. W sumie napisał trzy symfonie (trzecia nie została ukończona).

Aleksander Konstantinowicz Głazunow (1865-1936) to jeden z największych rosyjskich symfonistów. Jego styl w wyjątkowy sposób złamał tradycje twórcze Glinki i Borodina, Bałakiriewa i Rimskiego-Korsakowa, Czajkowskiego i Tanejewa. Był łącznikiem między przedpaździernikową klasyką rosyjską a młodą radziecką sztuką muzyczną.

3.1. Piotr Iljicz Czajkowski (1840-1893)

Symfonia w Rosji to przede wszystkim Czajkowski. Pierwsza symfonia „Winter Dreams” była jego pierwszym większym dziełem po ukończeniu Konserwatorium w Petersburgu. Wydarzenie to, które dziś wydaje się tak naturalne, w roku 1866 było czymś zupełnie niezwykłym. Symfonia rosyjska – wieloczęściowy cykl orkiestrowy – znajdowała się na samym początku swojej drogi. Do tego czasu istniały tylko pierwsze symfonie Antona Grigoriewicza Rubinsteina i pierwsze wydanie Pierwszej Symfonii Mikołaja Andriejewicza Rimskiego-Korsakowa, które nie zyskały sławy. Czajkowski postrzegał świat dramatycznie, a swoją symfonię inaczej epicka symfonia Borodin - ma charakter liryczno-dramatyczny, o charakterze ostro sprzecznym.

Sześć symfonii Czajkowskiego i symfonia programowa „Manfred” to odmienne od siebie światy artystyczne, to budynki budowane według „indywidualnego” projektu. Choć „prawa” gatunku, które powstały i rozwinęły się na ziemi zachodnioeuropejskiej, są przestrzegane i interpretowane z niezwykłą umiejętnością, treść i język symfonii mają charakter prawdziwie narodowy. Dlatego w symfoniach Czajkowskiego brzmią tak organicznie pieśni ludowe.

3.2. Aleksander Nikołajewicz Skriabin (1872-1915)

Symfonia Skriabina powstała na bazie twórczego przemyślenia różnych tradycji klasyki symfonicznej XIX wieku. Jest to przede wszystkim tradycja symfonizmu dramatycznego Czajkowskiego i po części Beethovena. Wraz z tym kompozytor zrealizował także pewne cechy programowej symfonii romantycznej Liszta. Niektóre cechy stylu orkiestrowego symfonii Skriabina łączą go po części z Wagnerem. Ale wszystkie te różne źródła zostały przez niego dogłębnie przetworzone niezależnie. Wszystkie trzy symfonie są ze sobą ściśle powiązane wspólną koncepcją ideologiczną. Jej istotę można określić jako walkę osobowość człowieka z wrogimi siłami stojącymi na jej drodze do ustanowienia wolności. Walka ta niezmiennie kończy się zwycięstwem bohatera i triumfem światła.

3.3. Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz (1906-1975)

Szostakowicz – kompozytor i symfonista. Jeśli dla Prokofiewa, przy całej różnorodności jego zainteresowań twórczych, najważniejszy jest teatr muzyczny, to dla Szostakowicza, wręcz przeciwnie, głównym gatunkiem jest symfonia. To tutaj główne idee jego twórczości znajdują głębokie i wszechstronne urzeczywistnienie. Świat symfonii Szostakowicza jest ogromny. Widzimy w nich całe życie ludzkości XX wieku, ze wszystkimi jego zawiłościami, sprzecznościami, wojnami i konfliktami społecznymi.

Symfonia VII („Leningradzka”) to jedno z najważniejszych dzieł kompozytora. Jest czteroczęściowy. Jej skala jest ogromna: symfonia trwa ponad 70 minut, z czego prawie połowę zajmuje część pierwsza. „Jaki diabeł jest w stanie pokonać naród zdolny do tworzenia takiej muzyki” – napisała w 1942 roku jedna z amerykańskich gazet. Siódmą Symfonię Szostakowicza można słusznie nazwać „Symfonią Bohaterską” XX wieku.

3.4. Alfred Garriewicz Schnittke (1934-1998)

Schnittke to radziecki i rosyjski kompozytor, teoretyk muzyki i pedagog (autor artykułów o kompozytorach rosyjskich i radzieckich), jedna z najważniejszych postaci muzycznych drugiej połowy XX wieku, Czczony Artysta RFSRR. Schnittke to jeden z liderów muzycznej awangardy. Pomimo dużej popularności muzyki tego wybitnego kompozytora, partytury wielu jego symfonii do dziś nie zostały opublikowane i nie są łatwo dostępne w Rosji. Schnittke poruszał w swoich utworach problemy filozoficzne, z których głównymi były człowiek i środowisko. Pierwsza symfonia zawierała cały kalejdoskop różnych stylów, gatunków i kierunków muzycznych. Punktem wyjścia do powstania I Symfonii był związek stylów muzyki poważnej i lekkiej. II i IV Symfonia w dużej mierze odzwierciedlają kształtowanie się samoświadomości religijnej kompozytora. II Symfonia brzmi jak starożytna msza. Trzecia symfonia powstała w wyniku wewnętrznej potrzeby wyrażenia swojego stosunku do kultury niemieckiej, niemieckich korzeni swego pochodzenia. W III Symfonii cała historia muzyki niemieckiej ukazuje się słuchaczowi w formie krótkich fragmentów. Alfred Schnittke marzył o stworzeniu dokładnie dziewięciu symfonii i oddaniu w ten sposób swoistego ukłonu Beethovenowi i Schubertowi, którzy napisali ten sam numer. Alfred Schnittke napisał IX Symfonię (1995-97), gdy był już poważnie chory. Doznał trzech udarów i w ogóle się nie ruszał. Kompozytorowi nie udało się ostatecznie dokończyć partytury. Po raz pierwszy jego ukończenie i wydanie orkiestrowe wykonał Giennadij Rozhdestvensky, pod którego dyrekcją prawykonanie odbyło się w Moskwie 19 czerwca 1998 roku. Nową wersję redakcyjną symfonii wykonał Aleksander Raskatow i wykonano w Dreźnie 16 czerwca 2007 roku.

W drugiej połowie XX wieku najpopularniejsze stało się łączenie w jednym dziele założeń różnych gatunków – symfonicznego, chóralnego, kameralnego, instrumentalnego i wokalnego. Na przykład XIV Symfonia Szostakowicza łączy w sobie muzykę symfoniczną, kameralną i instrumentalną; Chóralne występy Gavrilina łączą w sobie cechy oratorium, symfonii, cykl wokalny, balet, spektakl dramatyczny.

3.5. Michaił Żurawlew

W XXI wieku jest wielu utalentowanych kompozytorów, którzy składają hołd symfonii. Jednym z nich jest Michaił Żurawlew. Kompozytor swoim manifestem muzycznym i politycznym odważnie zrównał się z takimi postaciami historii muzyki, jak L. Beethoven, P. Czajkowski i D. Szostakowicz. Dziesiątą Symfonię M. Żurawlewa można dziś śmiało nazwać „Bohaterską Symfonią XXI wieku”. Oprócz ogólnych aspektów etycznych tej symfonii należy zwrócić uwagę także na aspekty czysto zawodowe. Autor nie dąży do innowacji dla innowacji. Momentami ma nawet zdecydowanie akademicki charakter, stanowczo sprzeciwiając się wszelkim dekadentom i artystom awangardowym. Udało mu się jednak powiedzieć coś naprawdę nowego, własne słowo w gatunku symfonicznym. Kompozytor M. Żurawlew w zadziwiający sposób posługuje się zasadami formy sonatowej, za każdym razem demonstrując jej nieograniczone możliwości. Połączone części III i IV stanowią w istocie swego rodzaju „supersonatę”, w której całą część IV można uznać za rozwiniętą w odrębną część kody. Naukowcy w przyszłości nadal będą musieli zmierzyć się z tą niezwykłą decyzją dotyczącą składu.

Wniosek

Symfoniami pierwotnie nazywano te dzieła, które nie mieściły się w ramach kompozycji tradycyjnych – pod względem liczby części, proporcji tempa, łączenia różnych stylów – polifonicznych (co uznawano za dominujące w XVII w.) i wyłaniającej się homofonicznej (z akompaniament głosowy). W XVII wieku symfonią (co oznaczało „współbrzmienie, zgodność, poszukiwanie nowych dźwięków”) nazywano wszelkiego rodzaju niezwykłe kompozycje muzyczne, a w XVIII wieku tzw. symfonie Divertisement, które miały za zadanie brzmieć upowszechniła się przestrzeń na balach i różnych imprezach towarzyskich. Symfonia stała się określeniem gatunkowym dopiero w XVIII wieku. Pod względem wykonawczym symfonia jest słusznie uważana za gatunek bardzo złożony. Wymaga to ogromnej kompozycji, obecności wielu rzadkich instrumenty muzyczne, kunszt orkiestry i wokalistów (jeśli jest to symfonia z tekstem), doskonała akustyka. Jak każdy gatunek muzyki, symfonia rządzi się swoimi prawami. Zatem normą dla symfonii klasycznej jest cykl czteroczęściowy, z formą sonatową (najbardziej złożoną) na brzegach, z częścią powolną i taneczną w środku utworu. Ta konstrukcja nie jest przypadkowa. Symfonia odzwierciedla procesy relacji człowieka ze światem: aktywne – w pierwszej części, społeczne – w czwartej, kontemplacyjne i zabawowe – w środkowych odcinkach cyklu. W punkty zwrotne jego rozwój muzyka symfoniczna zmienił ustalone zasady. I te zjawiska w dziedzinie sztuki, które początkowo wywołały szok, a potem stały się znajome. Na przykład symfonia z wokalem i poezją stała się nie tylko przypadkiem, ale jednym z trendów w rozwoju gatunku.

Współcześni kompozytorzy preferują dziś gatunki kameralne, które wymagają mniejszej obsady wykonawców, od form symfonicznych. Podczas tego typu koncertów wykorzystuje się nawet fonogramy z nagraniami hałasu lub jakimś rodzajem efektów elektroniczno-akustycznych. Język muzyczny, który jest dziś uprawiany w nowoczesna muzyka, - bardzo eksperymentalny, eksploracyjny. Uważa się, że pisanie muzyki na orkiestrę oznacza dziś wyłożenie jej na stół. Wielu uważa, że ​​czas symfonii jako gatunku, w którym tworzą młodzi kompozytorzy, z pewnością dobiegł końca. Ale czy rzeczywiście tak jest? Czas odpowie na to pytanie.

Bibliografia:

1. Averyanova O.I. Krajowa literatura muzyczna XX wieku: Podręcznik. dodatek na dziecięcą szkołę muzyczną: czwartek. rok nauczania tego przedmiotu. - M.: Muzyka, 2009. - 256 s.
2. Borodin. II Symfonia („Bogatyrskaya”) / Artykuł - [Zasoby elektroniczne] - Tryb dostępu - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
3. Heroiczna Symfonia XXI wieku / Artykuł V. Filatova // Proza. ru - [Zasoby elektroniczne] - Tryb dostępu - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
4. Levik B.V. Literatura muzyczna obce kraje: pomoc nauczania. Tom. 2. - M.: Muzyka, 1975. - 301 s.
5. Prokhorova I. Literatura muzyczna obcych krajów: Dla klasy 5. Dziecięca Szkoła Muzyczna: Podręcznik M.: Muzyka, 2000. - 112 s.
6. Rosyjska literatura muzyczna. Tom. 4. wyd. M.K. Michajłowa, E.L. Smażony. - Leningrad: „Muzyka”, 1986. - 264 s.
7. Symfonia // Yandex. Słowniki › TSB, 1969-1978 - [Zasoby elektroniczne] - Tryb dostępu - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSE/Symphony/
8. Symfonia. //Wikipedia. Darmowa encyklopedia - [Zasoby elektroniczne] - Tryb dostępu - URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchaikov.ru/symphony.html
9. Schubert, Symfonia „Niedokończona” // Wykłady nt literaturę muzyczną musike.ru - [Zasoby elektroniczne] - Tryb dostępu - URL: http://musike.ru/index.php?id=54

Pod koniec epoki baroku wielu kompozytorów, na przykład Giuseppe Torelli (1658–1709), napisało utwory na orkiestrę smyczkową i basso continuo w trzech częściach, w sekwencji tempo szybkie, wolne i szybkie. Chociaż takie dzieła nazywano zwykle „koncertami”, to jednak nie różniły się niczym od dzieł zwanych „symfoniami”; na przykład motywy taneczne wykorzystano w finałach zarówno koncertów, jak i symfonii. Różnica dotyczyła przede wszystkim konstrukcji pierwszej części cyklu: w symfoniach było to prostsze – jest to z reguły binarna dwuczęściowa forma barokowej uwertury, sonaty i suity (AA BB). Samo słowo „symfonia” sięga X wieku. oznaczało harmonijną współbrzmienie; do końca XVI wieku. tacy autorzy jak J. Gabrieli zastosowali tę koncepcję do współbrzmienia głosów i instrumentów. Później w muzyce takich kompozytorów jak Adriano Banchieri (1568–1634) i Salomone Rossi (ok. 1570–ok. 1630) słowo „symfonia” zaczęło oznaczać wspólne brzmienie instrumentów bez głosów. Włoscy kompozytorzy XVII wieku. Słowo „symfonia” (sinfonia) często oznaczało instrumentalne wstępy do opery, oratorium czy kantaty, a znaczenie tego terminu zbliżało się do pojęć „preludium” czy „uwertura”. Około 1680 roku w dziele operowym A. Scarlattiego ustalono rodzaj symfonii jako kompozycja instrumentalna na trzy sekcje (lub części), zbudowane na zasadzie „szybko – wolno – szybko”.

Symfonia klasyczna.

słuchacze XVIII w Podobały mi się utwory orkiestrowe w kilku częściach, w różnym tempie, które były wykonywane zarówno na domowych spotkaniach, jak i na publicznych koncertach. Utraciwszy funkcję wstępu, symfonia przekształciła się w samodzielny utwór orkiestrowy, zwykle składający się z trzech części („szybko – wolno – szybko”). Wykorzystując cechy suity tańca barokowego, opery i koncertu, wielu kompozytorów, w tym przede wszystkim G.B. Sammartini, stworzyło model symfonii klasycznej – trzyczęściowego utworu na orkiestrę smyczkową, którego szybkie partie przybierały zwykle formę proste rondo lub wczesna forma sonatowa. Stopniowo do smyczków dołączały kolejne instrumenty: oboje (lub flety), rogi, trąbki i kotły. Dla słuchaczy XVIII wieku. symfonię wyznaczały normy klasyczne: faktura homofoniczna, harmonia diatoniczna, kontrasty melodyczne, zadany ciąg zmian dynamicznych i tematycznych. Ośrodkami kultywacji symfonii klasycznej były niemieckie miasto Mannheim (tutaj Jan Stamitz i inni autorzy rozszerzyli cykl symfoniczny do czterech części, wprowadzając do niego dwa tańce z suity barokowej – menuet i trio) oraz Wiedeń, gdzie Haydn, Mozart Beethoven (a także ich poprzednicy, wśród których wyróżniają się Georg Monn i Georg Wagenseil, wynieśli gatunek symfonii na nowy poziom).

Symfonie J. Haydna i W. A. ​​Mozarta są znakomitymi przykładami stylu klasycznego. Części są wyraźnie od siebie oddzielone, każda posiada niezależny materiał tematyczny; Jedność cyklu zapewniają porównania tonalne oraz przemyślana przemiana tempa i charakteru tematów. Smyczki, instrumenty dęte drewniane, instrumenty dęte blaszane i kotły zapewniają różnorodne kombinacje instrumentalne; początek liryczny, wywodzący się z operowej pisarstwa wokalnego, przenika tematy części wolnych, odcinków tria w części trzeciej i wątki poboczne pozostałych części. Podstawą tematyczną części szybkich stają się inne motywy o charakterze operowym (skoki oktawowe, powtórzenia dźwięków, pasaże przypominające skalę). Symfonie Haydna wyróżniają się dowcipem, pomysłowością opracowania tematycznego, oryginalnością frazowania, instrumentacji, faktury i tematyki; Symfonie Mozarta cechuje bogactwo melodii, plastyczność, wdzięk harmonii i mistrzowski kontrapunkt.

Doskonały przykład symfonii klasycznej z końca XVIII wieku. – 41 Symfonię Mozarta (K. 551, C-dur (1788), znaną jako Jowisz. Na jego partyturę składa się flet, dwa oboje, dwa fagoty, dwa rogi, dwie trąbki, kotły i grupa smyczków (pierwsze i drugie skrzypce, altówki, wiolonczele, kontrabasy). Symfonia składa się z czterech części. Pierwsza, Allegro vivace, napisana jest w żywym tempie, w tonacji C-dur, w metrum 4/4, w formie sonatowej (tzw. forma allegra sonatowego: tematy pojawiają się najpierw w ekspozycji, następnie rozwijają się w przetworzeniu , po którym następuje powtórka, zwykle zakończona konkluzją – kodą). Druga część symfonii Mozarta napisana jest w umiarkowanym (moderato) tempie, w tonacji subdominującej F-dur, ponownie w formie sonatowej i ma charakter melodyjny (Andante cantabile).

Część trzecia składa się ze średnio aktywnego menueta i tria C-dur. Choć każdy z tych dwóch tańców zapisany jest w formie binarnej przypominającej rondę (menuet – AAVABA; trio – CCDCDC), powrót menueta po trio nadaje całości strukturę trójdzielną. Finał znów utrzymany jest w formie sonatowej, w bardzo szybkim tempie (Molto allegro), w tonacji głównej C-dur. Zbudowane na lakonicznych motywach tematy finału emanują energią i siłą; w kodzie finałowej techniki kontrapunktu Bacha łączą się z wirtuozerią klasycznego stylu Mozarta.

W twórczości L. van Beethovena części symfonii są ściślej powiązane tematycznie, a cykl osiąga większą jedność. Zasada wykorzystania pokrewnego materiału tematycznego we wszystkich czterech częściach, zrealizowana w V Symfonii Beethovena, doprowadziła do powstania tzw. cykliczna symfonia. Beethoven zastępuje spokojny menuet bardziej żywym, często burzliwym scherzem; podnosi rozwój tematyczny na nowy poziom, poddając swoje tematy wszelkiego rodzaju zmianom, w tym rozwinięciu kontrapunktowemu, wyodrębnianiu fragmentów tematów, zmianie trybów (dur-moll) i przesunięciom rytmicznym. Użycie puzonów przez Beethovena w V, VI i IX Symfonii oraz włączenie głosów w finale IX robi wrażenie. U Beethovena środek ciężkości cyklu przesuwa się z części pierwszej na finał; w trzecim, piątym i dziewiątym finały są niewątpliwie kulminacją cykli. Beethoven ma symfonie „charakterystyczne” i programowe - Trzecia ( Heroiczny) i szósty ( Pasterski).

Symfonia romantyczna.

Wraz z twórczością Beethovena symfonia wkroczyła w nowy wiek. Charakterystyczne dla jego stylu gwałtowne zmiany tempa, szerokość zakresu dynamiki, bogactwo obrazowości, wirtuozerii i dramatyzmu, czasem nieoczekiwany wygląd i niejednoznaczność tematów - wszystko to otworzyło drogę kompozytorom epoka romantyczna. Zdając sobie sprawę z wielkości Beethovena, starali się podążać jego drogą, nie tracąc przy tym własnej indywidualności. Kompozytorzy romantyczni, począwszy od F. Schuberta, eksperymentowali z sonatą i innymi formami, często je zawężając lub rozszerzając; Symfonie romantyków są pełne liryzmu, subiektywnej ekspresji i wyróżniają się bogactwem barwy i harmonijnej barwy. Współczesny Beethovenowi Schubert miał szczególny dar tworzenia tematów lirycznych i niezwykle wyrazistych sekwencji harmonicznych. Kiedy logika i porządek klasycyzmu ustąpiły miejsca subiektywności i nieprzewidywalności charakterystycznej dla sztuki romantyzmu, forma wielu symfonii stała się bardziej przestronna, a faktura cięższa.

Do niemieckich symfonistów romantycznych zaliczają się F. Mendelssohn, R. Schumann i J. Brahms. Mendelssohn ze swoim klasycyzmem w zakresie formy i proporcji odniósł szczególne sukcesy w III ( szkocki) i czwarty ( Włoski) symfonie będące odzwierciedleniem wrażeń autora z wizyty w tych krajach. Symfonie Schumanna, będące pod wpływem Beethovena i Mendelssohna, mają tendencję do cykliczności i jednocześnie rapsodyzmu, zwłaszcza III ( Nadrenia) i czwarte. W swoich czterech symfoniach Brahms z szacunkiem łączy stylowy kontrapunkt Bacha, sposób rozwoju Beethovena, liryzm Schuberta i nastrój Schumanna. P.I. Czajkowski unikał typowej dla zachodnich romantyków tendencji do szczegółowych programów symfonicznych i stosowania w tym gatunku środków wokalnych. Symfonie Czajkowskiego, utalentowanego orkiestratora i melodysty, odzwierciedlają zamiłowanie autora do rytmów tanecznych. Symfonie innego utalentowanego melodysty A. Dvoraka wyróżniają się dość konserwatywnym podejściem do formy symfonicznej, przejętym od Schuberta i Brahmsa. Symfonie A.P. Borodina mają głęboko narodową treść i monumentalną formę.

Autorem, w którego twórczości ukształtował się rodzaj symfonii programowej ubiegłego wieku, różniącej się pod wieloma względami od abstrakcyjnej lub, że tak powiem, symfonii absolutnej epoki klasycznej, był G. Berlioz. W symfonii programowej opowiadana jest narracja, malowany jest obraz lub, ogólnie rzecz biorąc, istnieje element „pozamuzyczny”, który leży poza samą muzyką. Zainspirowany IX Symfonią Beethovena z końcowym refrenem do słów Schillera Ody do radości Berlioz w swojej epoce poszedł dalej Fantastyczna symfonia(1831), gdzie każda część jest jakby fragmentem narracja autobiograficzna, a motywy przewodnie-przypomnienia przewijają się przez cały cykl. Wśród innych symfonii programowych kompozytora znajdują się m.in Harolda we Włoszech według Byrona i Romeo i Julia według Szekspira, gdzie obok instrumentów szeroko stosowane są także środki wokalne. Podobnie jak Berlioz, F. Liszt i R. Wagner byli „awangardystami” swojej epoki. Choć dążenie Wagnera do syntezy słowa i muzyki, głosów i instrumentów zaprowadziło go od symfonii do opery, wspaniałe mistrzostwo tego autora wywarło wpływ niemal na wszystkich europejskich kompozytorów kolejnego pokolenia, łącznie z Austriakiem A. Brucknerem. Podobnie jak Wagner, Liszt był jednym z przywódców późnego romantyzmu muzycznego, a jego pociąg do programowości dał początek takim dziełom, jak symfonie Fausta I Dante oraz 12 programowych poematów symfonicznych. Lisztowskie techniki figuratywnego przekształcania tematów w procesie ich rozwoju wywarły ogromny wpływ na twórczość S. Franka i R. Straussa, autorów późniejszego okresu.

Pod koniec XIX wieku. dzieło wielu utalentowanych symfonistów, z których każdy miał jasność indywidualny styl, wyznaczył końcowy etap tradycji klasyczno-romantycznej z jej przewagą formy sonatowej i pewnymi relacjami tonalnymi. Austriak G. Mahler nasycił symfonię tematami tematycznymi, mającymi swoje korzenie w jego własnych motywach pieśniowych i tanecznych; często bezpośrednio cytował fragmenty muzyki ludowej, religijnej czy wojskowej. Cztery symfonie Mahlera wykorzystują chór i solistów, a wszystkie dziesięć jego cykli symfonicznych charakteryzuje się niezwykłą różnorodnością i wyrafinowaniem pisarstwa orkiestrowego. Finn J. Sibelius komponował symfonie o charakterze abstrakcyjnym, przepojonym głębokimi uczuciami; Jego styl charakteryzuje się preferencją dla niskich rejestrów i instrumentów basowych, ale ogólnie jego faktura orkiestrowa pozostaje wyraźna. Francuz C. Saint-Saens napisał trzy symfonie, z których najsłynniejsza jest ostatnia (1886) – tzw. Symfonia organowa. Najpopularniejszą symfonię francuską tego okresu można nazwać jedyną symfonią S. Franka (1886–1888).

Doskonały przykład symfonii poromantycznej z końca XIX wieku. to II Symfonia c-moll Mahlera, ukończona w 1894 roku (czasami nazywana Wskrzeszenie w związku z treścią chorału w ostatniej części). Gigantyczny pięcioczęściowy cykl został napisany dla dużej obsady orkiestrowej: 4 flety (w tym piccolo), 4 oboje (w tym 2 rożki angielskie), 5 klarnetów (w tym jeden bas), 4 fagoty (w tym 2 kontrafagoty), 10 rogów, 10 trąbki, 4 puzony, tuba, organy, 2 harfy, dwóch solistów – kontralt i sopran, chór mieszany oraz ogromna sekcja perkusyjna zawierająca 6 kotłów, bęben basowy, talerze, gongi i dzwonki. Część pierwsza ma uroczysty (Allegro maestoso) charakter marszowy (metrum 4/4 w tonacji c-moll); pod względem konstrukcyjnym jest to rozbudowana forma sonatowa z podwójną ekspozycją. Część druga rozgrywa się w umiarkowanym tempie (Andante moderato) i swoim charakterem przypomina wdzięczny austriacki taniec Ländler. Część ta zapisana jest w tonacji submediantu (A-dur) w takcie 3/8 i prostej formie ABABA. Część trzecią wyróżnia płynny tok muzyki, napisana jest w tonacji głównej i w metrum 3/8. To trzyczęściowe scherzo jest symfonicznym rozwinięciem pieśni skomponowanej jednocześnie przez Mahlera Kazanie św. Antoniego do Ryb.

W części czwartej „Wieczne światło” („Urlicht”) pojawia się głos ludzki. Ta orkiestrowa pieśń, promienna i pełna głębokich uczuć religijnych, napisana jest na altówkę solo i zredukowaną orkiestrę; ma formę ABCB, metrum 4/4, tonacja Des-dur. Burzliwy, „dziki” finał w tempie scherza zawiera wiele zmian nastroju, tonacji, tempa i metrum. Jest to bardzo duża forma sonatowa z monumentalną kodą; W finale pojawiają się motywy marszowe, chorałowe i pieśni nawiązujące do poprzednich części. Pod koniec finału wchodzą głosy (solowy sopran i kontralt, a także chór – z hymnem o Chrystusie zmartwychwstałym do słów XVIII-wiecznego niemieckiego poety F. Klopstocka. W orkiestrowym zakończeniu lekka, błyskotliwa orkiestra kolory i tonacja Es-dur, równoległa do głównej, pojawiają się w c-moll: światło wiary rozprasza ciemności.

XX wiek.

Ostry kontrast z rozległymi późnoromantycznymi cyklami Mahlera stanowiły starannie wykończone neoklasyczne symfonie takich Autorzy francuscy, jak D. Milhaud i A. Honegger. Rosyjski autor I.F. Strawiński tworzył w stylu neoklasycznym (lub neobarokowym), który tradycyjne formy symfoniczne wypełnił nowym materiałem melodycznym i tonalno-harmonicznym. Również Niemiec P. Hindemith łączył formy wywodzące się z przeszłości z ostro indywidualnym językiem melodycznym i harmonicznym (charakteryzował się upodobaniem do interwału czwartego w tematyce i akordach).

Najwięksi rosyjscy symfoniści to S.V. Rachmaninow, S.S. Prokofiew i D.D. Szostakowicz. Trzy symfonie Rachmaninowa kontynuują tradycję narodowo-romantyczną wywodzącą się od Czajkowskiego. Symfonie Prokofiewa także kojarzą się z tradycją, tyle że poddawane są reinterpretacji; Autora charakteryzują sztywne rytmy motoryczne, niespodziewane przesunięcia tonalne, a także wątek wywodzący się z folkloru. Twórcze życie Wpłynął Szostakowicz Okres sowiecki historia Rosji. Za najbardziej „zaawansowane” można uznać jego pierwszą, dziesiątą, trzynastą i piętnastą symfonię, zaś trzecią, ósmą, jedenastą i dwunastą w większym stopniu kojarzony z tradycyjnym „stylem rosyjskim”. W Anglii wybitnymi symfonistami byli E. Elgar (dwie symfonie) i R. W. Williams (dziewięć symfonii napisanych w latach 1910-1957, w tym zawierająca element wokalny). Wśród innych autorów, z których każdy związany jest z tradycjami swojego kraju, można wymienić Polaków Witolda Lutosławskiego (ur. 1913) i K. Pendereckiego, Czecha Boguslava Martinu (1890–1959), Brazylijczyka E. Villa-Lobosa oraz Meksykanin Carlos Chavez (1899–1976).

Na początku XX wieku. Amerykanin Charles Ives skomponował wiele awangardowych symfonii, w których wykorzystano klastry orkiestrowe, interwały ćwierćtonowe, polirytmy, dysonansowe pisanie harmoniczne i techniki kolażu. W następnym pokoleniu amerykańską szkołę symfoniczną utworzyło kilku kompozytorów (wszyscy studiowali w Paryżu w latach dwudziestych XX wieku u Nadii Boulanger): A. Copland, Roy Harris (1898–1981) i W. Piston. W ich stylu, dzięki elementom neoklasycyzmu, zauważalne są wpływy francuskie, ale mimo to ich symfonie tworzą obraz Ameryki z jej otwartymi przestrzeniami, patosem i naturalnym pięknem. Symfonie Rogera Sessionsa charakteryzują się złożonością i kapryśnością chromatycznych linii melodycznych, napięciem rozwoju tematycznego i bogactwem kontrapunktu. Wallingford Rigger w swoich symfoniach wykorzystywał technikę seryjną A. Schönberga; Henry Cowell wykorzystywał w swoich symfoniach takie eksperymentalne pomysły, jak melodie fugowe hymnów, egzotyczne instrumenty, klastry dźwiękowe i dysonansowa chromatyka.

Wśród innych amerykańskich symfonistów połowy XX wieku. możemy wyróżnić H. Hansona, W. Schumanna, D. Diamonda i V. Persichettiego. W drugiej połowie stulecia ciekawe symfonie stworzyli E. Carter, J. Rochberg, W. G. Still, F. Glass, E. T. Zwilich i J. Corigliano. W Anglii tradycję symfoniczną kontynuował Michael Tippett (1905–1998). W latach 90. doszło do niezwykłego zjawiska: współczesna symfonia stała się „hitem” wśród szerokiej publiczności. To jest o o III Symfonii ( Symfonie smutnych piosenek) Polak Heinrich Górecki. Na przełomie trzeciego tysiąclecia kompozytorzy różne kraje tworzył symfonie, które odzwierciedlały upodobanie ich autorów do tak różnorodnych zjawisk, jak minimalizm, serializm totalny, aleatoryka, Muzyka elektroniczna, neoromantyzm, jazz i pozaeuropejskie kultury muzyczne.

Wśród wielu gatunków muzycznych jedno z najbardziej zaszczytnych miejsc należy do symfonii. Zawsze, od momentu powstania aż po dzień dzisiejszy, z wyczuciem odzwierciedla swój czas: symfonie Mozarta i Beethovena, Berlioza i Mahlera, Prokofiewa i Szostakowicza są refleksją nad epoką, człowiekiem, drogami świata, sposoby życia na ziemi. jako niezależny gatunek muzyczny powstał stosunkowo niedawno, bo jakieś dwa i pół wieku temu. Jednak w tym historycznie krótkim czasie przebył długą drogę.
Słowo symfonia przetłumaczone z języka greckiego oznacza po prostu współbrzmienie. W starożytnej Grecji taką nazwą nadano przyjemne połączenie dźwięków. Później zaczęto wyznaczać albo orkiestrę, albo wstęp do suity tanecznej. Na początku XVIII wieku termin ten zastąpił dotychczasową koncepcję uwertury. Pierwsze symfonie w obecnym znaczeniu pojawiły się w centrum Europy w drugiej połowie XVIII wieku. A miejsce i czas jej narodzin nie są przypadkowe. Pochodzące jednocześnie w różne części W Europie, w głębi dawnych, ustalonych wcześniej form muzycznych – suity tanecznej i uwertury operowej, symfonia ukształtowała się ostatecznie w krajach języka niemieckiego.
We Włoszech opera była sztuką narodową. W przedrewolucyjnej Francji, przesiąkniętej już atmosferą wolnomyślicielstwa i buntu, rozwinęły się inne sztuki. Takie jak literatura, malarstwo i teatr - bardziej konkretne, bezpośrednio i wyraźnie wyrażające nowe idee, które ekscytują świat. Kiedy kilkadziesiąt lat później doszło do muzyki, piosenka weszła w szeregi wojsk rewolucyjnych jako pełnoprawny wojownik - „Carmagnola”, „Ca ira”, „La Marseillaise”. Ale – i to do dziś najbardziej złożony ze wszystkich rodzajów muzyki niemających nic wspólnego z innymi sztukami – wymagał do swego powstania innych warunków, do pełnego odbioru: wymagał myślenia, uogólnień – spokojnej i skupionej pracy. To nie przypadek, że ośrodek myśli filozoficznej, będący odzwierciedleniem przemian społecznych w Europie końca XVIII wieku, okazał się w Niemczech, z dala od burz społecznych.
Jednocześnie w Niemczech i Austrii rozwinęły się bogate tradycje muzyki instrumentalnej. To tu pojawiła się symfonia. Powstała w twórczości kompozytorów czeskich i austriackich, ostateczną formę uzyskała w dziełach Haydna, by osiągnąć swój szczyt u Mozarta i Beethovena. Ta klasyczna symfonia (Haydn, Mozart i Beethoven weszła do historii muzyki jako „klasyka wiedeńska”, gdyż większość ich twórczość jest związana z tym miastem) rozwinęła się jako cykl czterech części, które obejmowały różne aspekty życie człowieka. Pierwsza część symfonii jest szybka, aktywna, czasami poprzedzona powolnym wstępem. Napisana jest w formie sonatowej (przeczytacie o tym w opowieści o sonacie). Część druga ma charakter powolny – zazwyczaj zamyślony, elegijny lub pastoralny, czyli poświęcony spokojnym obrazom natury, cichemu odpoczynkowi lub snom. Są drugie części, które są żałobne, skoncentrowane i głębokie. Trzecia część symfonii to menuet, a później, u Beethovena, scherzo. To jest gra, zabawa, obrazy na żywo życie ludowe, fascynujący okrągły taniec... Finał jest efektem całego cyklu, zwieńczeniem wszystkiego, co zostało pokazane, przemyślane, odczute w poprzednich częściach. Często zakończenie jest podnoszące na duchu, uroczyste, zwycięskie lub świąteczne. W ogólnym schemacie symfonie różnych kompozytorów są bardzo różne. Jeśli więc symfonie Haydna są w większości pogodne, radosne i tylko w nielicznych ze 104 dzieł tego gatunku, które stworzył, pojawiają się tony poważne lub smutne, to symfonie Mozarta są znacznie bardziej indywidualne. bywają postrzegani jako prekursorzy sztuki romantycznej.
Symfonie Beethovena pełne są obrazów walki. W pełni odzwierciedlały czas - epokę Wielkiej Rewolucji Francuskiej, inspirowane nią wzniosłe idee obywatelskie. Symfonie Beethovena są dziełami monumentalnymi pod względem głębi treści, szerokości i siły uogólnienia, nie ustępującymi operze, dramatowi czy powieści. Różnią się głęboki dramat, bohaterstwo, patos. W ostatniej symfonii Beethovena, IX, chór śpiewa entuzjastyczny i majestatyczny hymn „Embrace, O Millions”, do wersetów ody Schillera do radości. Kompozytor maluje tu wspaniały obraz wolnej, radosnej ludzkości, dążącej do powszechnego braterstwa. W tym samym czasie co Beethoven, w tym samym Wiedniu, żył inny wspaniały austriacki kompozytor, Franz Schubert. Jego symfonie brzmią jak wiersze liryczne jako wypowiedzi głęboko osobiste i intymne. Wraz z Schubertem w muzyce europejskiej pojawił się nowy ruch, gatunek symfoniczny - romantyzm. Przedstawicielami romantyzmu muzycznego w symfonii są Schumann, Mendelssohn, Berlioz. Hector Berlioz, wybitny francuski kompozytor, jako pierwszy stworzył symfonię programową (zobacz opowieść o muzyce programowej), pisząc do niej program poetycki w formie opowiadania o życiu artysty. w Rosji jest to przede wszystkim Czajkowski. Jego dzieła symfoniczne to ekscytujące, ekscytujące historie o walce człowieka o życie, o szczęście. Ale to jest Borodin: jego symfonie wyróżniają się epicką rozmachem, siłą i prawdziwie rosyjskim rozmachem. Są to Rachmaninow, Skriabin i Głazunow, którzy stworzyli osiem symfonii - pięknych, jasnych, zrównoważonych. Symfonie D. Szostakowicza ucieleśniają XX wiek z jego burzami, tragediami i osiągnięciami. Odzwierciedlają wydarzenia z naszej historii oraz obrazy ludzi – współczesnych kompozytorowi, budujących, walczących, poszukujących, cierpiących i zwyciężających. Symfonie S. Prokofiewa wyróżniają się epicką mądrością, głębokim dramatem, czystymi i jasnymi tekstami oraz ostrymi dowcipami.
Każda symfonia jest cały świat. Świat artysty, który go stworzył. Świat czasu, który go zrodził. Słuchając klasycznych symfonii, stajemy się bogatsi duchowo, poznajemy skarby ludzkiego geniuszu, dorównujące tragediom Szekspira, powieściom Tołstoja, wierszom Puszkina, malarstwu Rafaela. Wśród autorów symfonii radzieckich są N. Myaskowski, A. Chaczaturyan, T. Chrennikow, W. Salmanow, R. Szczedrin, B. Tiszczenko, B. Czajkowski, A. Terteryan, G. Kancheli, A. Schnittke.

Zobacz wartość Symfonia w innych słownikach

Symfonia- I. grecki muzyka harmonia, zgodność dźwięków, współbrzmienie polifoniczne. | Specjalny widok polifoniczny kompozycja muzyczna. Haydena. | na Starym, na Nowym Testamencie, kod, oznaczenie miejsc.......
Słownik wyjaśniający Dahla

Symfonia- symfonie, w. (Symfonia grecka - harmonia dźwięków, współbrzmienie). 1. Duży utwór muzyczny na orkiestrę, składający się zwykle z 4 części, z których pierwsza i często ostatnia.......
Słownik wyjaśniający Uszakowa

Symfonia J.— 1. Duży utwór muzyczny na orkiestrę, składający się zwykle z 3-4 części, różniących się między sobą charakterem muzycznym i tempem. // przenosić Dźwięk harmoniczny............
Słownik wyjaśniający autorstwa Efremowej

Symfonia- -I; I. [z greckiego symphonia - współbrzmienie]
1. Wielkoformatowy utwór muzyczny na orkiestrę (zwykle składający się z czterech części). Zasady budowy symfonii. Dramaturgia........
Słownik wyjaśniający Kuzniecowa

Symfonia- To jest imię gatunek muzyczny zapożyczone z języka francuskiego i sięga wstecz do łacińskiego słowa pochodzenia greckiego symfonia, do którego (syn - to (o)", telefon - "dźwięk, głos")......
Słownik etymologiczny Kryłowa

Symfonia- (z greckiej symfonia - współbrzmienie) - utwór muzyczny na orkiestrę symfoniczną, napisany w formie cyklicznej sonaty; najwyższa forma muzyki instrumentalnej. Zazwyczaj........
Duży słownik encyklopedyczny

Symfonia- - zbiór słów - zbiór w kolejności alfabetycznej wszystkich słów, wyrażeń i zwrotów występujących w Biblii, ze wskazaniem miejsca, w którym się one znajdują. Są też S. w Koranie, do.......
Słownik historyczny

Symfonia kameralna- rodzaj symfonii, który powstał na początku. XX wiek jako rodzaj reakcji na dużą cykliczność. Symfonia XIX w i jej przerośnięty ork. aparat. K. s. początek XX wiek charakteryzuje się skromnością............
Encyklopedia muzyczna

Symfonia koncertowa- (włoska symfonia koncertująca, a także koncertująca, niemiecka Konzertante Symphonie, a także Konzertante) - określenie używane w II połowie. 18 wiek wyznaczyć prace cykliczne dla kilku. instrumenty solowe.......
Encyklopedia muzyczna

Symfonia- (z greckiego symponia - współbrzmienie) - muzyka. utwór na orkiestrę, rozdz. przyr. symfoniczny, z reguły, w formie sonatowo-cyklicznej. Zwykle składa się z 4 części; jest S. z dużym.......
Encyklopedia muzyczna

Symfonia- (grecki, dosł. - zbiór słów) - zbiór w kolejności alfabetycznej wszystkich słów, wyrażeń i zwrotów występujących w Biblii, ze wskazaniem miejsca, w którym się znajdują. Są też S.......
Słownik filozoficzny

SYMFONIA— SYMFONIA, -i, w. 1. Duży (zwykle czteroczęściowy) utwór muzyczny na orkiestrę. 2. przeniesienie Związek harmoniczny, połączenie czegoś. (książka). S. kwiaty. S. kolory............
Słownik wyjaśniający Ożegowa

Symfonia(z greckiego „konsonans”) – utwór na orkiestrę, składający się z kilku części. Symfonia jest najbardziej forma muzyczna wśród koncertowej muzyki orkiestrowej.

Klasyczna struktura

Ze względu na względne podobieństwo budowy do sonaty, symfonię można nazwać wielką sonatą na orkiestrę. Sonata i symfonia, a także trio, kwartet itp. należą do „cyklu sonatowo-symfonicznego” - cyklicznej formy muzycznej dzieła, w której zwyczajowo prezentuje się przynajmniej jedną z części (zwykle pierwszą) w sonatach formularz. Cykl sonatowo-symfoniczny jest największą formą cykliczną spośród form czysto instrumentalnych.

Podobnie jak sonata, symfonia klasyczna ma cztery części:
- część pierwsza, utrzymana w szybkim tempie, utrzymana jest w formie sonatowej;
- część druga, w części wolnej, napisana jest w formie ronda, rzadziej w formie sonaty lub wariacji;
- część trzecia, scherzo lub menuet w formie trójdzielnej;
- część czwarta, w szybkim tempie, w formie sonatowej lub w formie rondo, rondo sonata.
Jeżeli pierwsza część jest napisana w umiarkowanym tempie, to wręcz przeciwnie, może po niej nastąpić szybka druga i powolna trzecia część (np. IX symfonia Beethovena).

Zważywszy, że symfonia przeznaczona jest na dużą orkiestrę, każda jej partia jest napisana szerzej i bardziej szczegółowo niż np. w zwykłej sonacie fortepianowej, gdyż bogactwo środków wyrazu orkiestry symfonicznej pozwala na szczegółowe przedstawienie utworu muzycznego. myśl.

Historia symfonii

Terminem symfonia posługiwano się już w starożytnej Grecji, w średniowieczu i głównie na określenie różnych instrumentów, zwłaszcza tych, które potrafią wydobyć więcej niż jeden dźwięk jednocześnie. Tak więc w Niemczech do połowy XVIII wieku symfonia była ogólnym określeniem odmian klawesynów - spinetów i dziewic, we Francji była to nazwa organów beczkowych, klawesynów, dwugłowych bębnów itp.

Słowo symfonia, na oznaczenie utworów muzycznych, które brzmią razem, zaczęło pojawiać się w tytułach niektórych dzieł z XVI i XVII wieku, takich kompozytorów jak Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 i Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) i Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Za pierwowzór symfonii można uznać tę, która ukształtowała się pod koniec XVII wieku za czasów Domenico Scarlattiego. Formę tę zwano już symfonią i składała się z trzech kontrastujących ze sobą części: allegro, andante i allegro, które połączyły się w jedną całość. To właśnie ta forma jest często postrzegana jako bezpośrednia prekursorka symfonii orkiestrowej. Przez większą część XVIII wieku terminy „uwertura” i „symfonia” były używane zamiennie.

Innymi ważnymi przodkami symfonii były suita orkiestrowa, składająca się z kilku części w najprostszych formach i przeważnie w tej samej tonacji, oraz koncert ripieno, forma przypominająca koncert na smyczki i continuo, ale bez instrumentów solowych. W takiej formie powstały dzieła Giuseppe Torelliego, a chyba najsłynniejszym koncertem ripieno jest III Koncert brandenburski Jana Sebastiana Bacha.

Uważany jest za twórcę klasycznego modelu symfonii. W symfonii klasycznej tę samą tonację mają tylko części pierwsza i ostatnia, a środkowe zapisane są w tonacji powiązanej z tonacją główną, która wyznacza tonację całej symfonii. Wybitnymi przedstawicielami symfonii klasycznej są Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven. Beethoven radykalnie rozszerzył symfonię. Jego III Symfonia („Eroica”) ma skalę i rozpiętość emocjonalną przewyższającą wszystkie wcześniejsze dzieła, a V Symfonia jest prawdopodobnie najsłynniejszą symfonią, jaką kiedykolwiek napisano. Jego IX Symfonia staje się jedną z pierwszych „symfonii chóralnych” po włączeniu w ostatniej części partii solistów i chóru.

Symfonia romantyczna była połączeniem formy klasycznej z romantycznym wyrazem. Rozwija się także trend oprogramowania. Pojawić się. Główną cechą wyróżniającą romantyzm był rozwój formy, składu orkiestry i gęstości dźwięku. Do najwybitniejszych autorów symfonii tej epoki należą Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Czajkowski, A. Bruckner i Gustav Mahler.

Począwszy od drugiej połowy XIX w., a zwłaszcza XX w., nastąpiła dalsza transformacja symfonii. Czteroczęściowa struktura stała się opcjonalna: symfonie mogą zawierać od jednej (VII Symfonia) do jedenastu (XIV Symfonia D. Szostakowicza) lub więcej części. Wielu kompozytorów eksperymentowało z metrum symfonii, jak np. VIII Symfonia Gustava Mahlera, zwana „Symfonią Tysiąca Uczestników” (ze względu na siłę orkiestry i chórów wymaganych do jej wykonania). Użycie formy sonatowej staje się opcjonalne.
Po IX Symfonii L. Beethovena kompozytorzy coraz częściej zaczęli wprowadzać do symfonii partie wokalne. Jednakże skala i zawartość materiału muzycznego pozostają niezmienne.

Lista wybitnych autorów symfonii
Joseph Haydn – 108 symfonii
Wolfgang Amadeusz Mozart – 41 (56) symfonii
Ludwig van Beethoven – 9 symfonii
Franz Schubert – 9 symfonii
Robert Schumann – 4 symfonie
Feliks Mendelssohn – 5 symfonii
Hector Berlioz – kilka symfonii programowych
Antonin Dvorak – 9 symfonii
Johannes Brahms – 4 symfonie
Piotr Czajkowski – 6 symfonii (w tym symfonia Manfreda)
Anton Bruckner – 10 symfonii
Gustav Mahler – 10 symfonii
- 7 symfonii
Siergiej Rachmaninow – 3 symfonie
Igor Strawiński – 5 symfonii
Siergiej Prokofiew – 7 symfonii
Dymitr Szostakowicz – 15 symfonii (także kilka symfonii kameralnych)
Alfred Schnittke – 9 symfonii