Александр Бородин. Богатырь русской музыки. Музыкальная былина: "Богатырская симфония" Бородина Кто сочинил симфонию богатырскую

В русской музыке драматический вариант продолжился у Шостаковича с иной расстановкой: основной конфликт пролег между экспозицией и разработкой, а раскол произошел в репризе, где ГП примкнула к разработке, а ПП – к коде (5, 7, 8, 10 симфонии).

Рондо-соната

Рондо-сонатой называется такая форма рондо с тремя или четырьмя эпизодами, в которой крайние эпизоды находятся в таком же соотношении, что и ПП в экспозиции и репризе сонатной формы. Средний эпизод может быть заменен разработкой:

От рондо эта форма взяла:

1. Принцип повторности частей (ГП).

2. Жанрово-танцевальный характер.

От сонатной формы она позаимствовала проведение крайних эпизодов в побочной (в экспозиции) и в главной (в репризе) тональностях, т.е. наличие ПП.

Между частями могут быть связки.

Так как эта форма содержит признаки двух форм, то ей можно дать и другое определение:

Рондо-соната – такая форма сонаты, в которой за сонатной экспозицией (а часто и за репризой) следует добавочное проведение ГПв основной тональности, а разработка может быть заменена эпизодом.

У венских классиков это излюбленная форма в части цикла (последней) или отдельного произведения. Часто встречается у Моцарта и Бетховена. С этой формой ассоциировался характер grazioso.

Вступление. Встречается редко. Похоже на вступление сонатной формы.

ГП (рефрен) – обладая песенно-танцевальной закругленностью, пишется в форме периода, что сближает ее с сонатной формой, или в простой двух- или трехчастной форме, что сближает ее с рондо. В дальнейших проведениях тема может сокращаться и варьироваться.

СвП – напоминает СвП сонатной формы, т.е. подготавливает ПП тонально, а иногда и тематически.

ПП – пишется в тех же тональностях, что и ПП сонатной формы. Со структурной стороны - чаще всего период. С тематической стороны контраст может быть различным, но без смены темпа.

После ПП вступает связующая часть, чтобы привести к повтору ГП.

Второе проведение ГП соединяет в себе репризу тематическую и тональную. В конце это проведение может превратиться в связку к центральному эпизоду.

Средний эпизод. Венские классики стремились найти освежающие тональные краски, в частности контрастный лад. Выбор тональностей ограничен:

· для мажора – IV, одноименный минор, параллельный минор;

· для минора – VI, одноименный мажор.

По своим функциям средний эпизод близок к трио сложной трехчастной формы. Например, в рондо Бетховена ор. 51 №2 он выделен сменой ключевых знаков, темпа, метра. Структура эпизода – обычно простая двух- или трехчастная форма, но может быть и более сложная. Например, в финале скрипичного концерта №5 Моцарта – двойная сложная двухчастная форма.

Разработка вместо центрального эпизода имеет обычные свойства разработочного построения.

Реприза отвечает сонатному принципу.

Начиная с Гайдна для рондо-сонаты характерно наличие коды. Иногда, по принципу «перемены в последний раз», в коде возникает новая тема (Бетховен, «Весенняя» соната для скрипки и фортепиано). Но всегда кода носит заключительный характер.

Существует рондо-соната с 2 или с 3 центральными эпизодами. Эпизоды или следуют подряд, или разделяются рефреном (Моцарт, сонаты B-dur К.533 и B-dur К.281).

В рондо-сонате с эпизодом и разработкой эти разделы могут располагаться в различном порядке (Гайдн, симфония №102).

Бывает рондо-соната с двумя-тремя ПП с их зеркальной репризой. Зеркальная реприза придает форме очертания концентричности, характерной для Прокофьева (Прокофьев, финал Сонаты №6).

Эта форма используется преимущественно в финалах крупных циклических форм.

Циклические формы

Слово «цикл» (из греч.) означает круг, поэтому циклическая форма охватывает тот или другой круг разных музыкальных образов (темпов, жанров и так далее).

Циклические формы – такие формы, которые состоят из нескольких частей, самостоятельных по форме, контрастных по характеру.

В отличие от раздела формы каждая часть цикла может исполняться отдельно. При исполнении всего цикла между частями делаются перерывы, продолжительность которых не фиксируется.

В циклических формах все части различны, т.е. никакая не является репризным повтором предыдущих. Но в циклах из большого количества миниатюр встречаются повторения.

В инструментальной музыке сложились два основных вида циклических форм: сюита и сонатно-симфонический цикл.

Сюита

Слово «сюита» означает последовательность. Истоки сюиты – народная традиция сопоставления танцев: шествие противопоставляется прыжковому танцу (в России – кадриль, в Польше – куявяк, полонез, мазур).

В XVI веке сопоставлялись парные танцы (павана и гальярда; бранль и сальтарелла). Иногда к этой паре присоединялся третий танец, обычно трехдольный.

Классическая сюита сложилась у Фробергера: allemande, courante, sarabanda. Позднее он ввел и жигу. Части сюитного цикла связаны между собой единым замыслом, но не объединяются единой линией последовательного развития, как в произведении с сонатным принципом объединения частей.

Существуют разновидности сюиты. Обычно различают старинную и новую сюиту.

Старинная сюита

Старинная сюита наиболее полно представлена в творчестве композиторов первой половины XVIII века – в первую очередь Й.С. Баха и Ф. Генделя.

Основой типичной старинной сюиты эпохи барокко были четыре контрастных между собой по темпу и характеру танца, расположенных в определенной последовательности:

1. Аллеманда (немецкий) – умеренный, четырехдольный, чаще всего полифонического состава хороводный танец-шествие. Характер этого почтенного, несколько величавого танца в музыке отображается в умеренном, сдержанном темпе, в специфическом затакте, спокойных и напевных интонациях.

2. Куранта (итал. corrente – «текучий») – более резвый трехдольный французский сольный танец, который исполнялся парой танцоров на балах при дворе. Фактура куранты чаще всего полифоническая, но характер музыки несколько другой – она более подвижна, ее фразы более коротки, подчеркнуты стаккатными штрихами.

3. Сарабанда – танец испанского происхождения, известный с XVI века. Это также шествие, но траурно-похоронное. Сарабанда чаще всего исполнялась соло и сопровождалась мелодией. Отсюда для нее характерна аккордовая фактура, которая в ряде случаев переходила в гомофонную. Существовали медленный и быстрый виды сарабанды. У И.С. Баха и Ф. Генделя – это медленный трехдольный танец. Для ритма сарабанды характерна остановка на второй доле такта. Встречаются сарабанды лирически проницательные, сдержанно скорбные и другие, но всем им свойственны значимость и величие.

4. Жига – очень быстрый, коллективный, несколько комичный (матросский) танец ирландского происхождения. Для этого танца характерен триольный ритм и (в подавляющем большинстве) фугируемое изложение (реже вариации на basso-ostinato и фуга).

Таким образом, последование частей основано на периодическом чередовании темпов (при усилении темпового контраста к концу) и на симметричном расположении массовых и сольных танцев. Танцы следовали один за другим таким образом, что контрастность расположенных рядом танцев все время возрастала – умеренно медленная аллеманда и умеренно скорая куранта, затем очень медленная сарабанда и очень скорая жига. Это способствовало единству и цельности цикла, в центре которого была хоральная сарабанда.

Все танцы пишутся в одной тональности. Исключения касаются введения одноименной и иногда параллельной тональности, чаще во вставных номерах. Иногда за танцем (чаще всего сарабандой) следовала орнаментальная вариация на этот танец (Double).

Между сарабандой и жигой могут быть вставные номера, не обязательно танцы. Перед аллемандой может быть прелюдия (фантазия, симфония и т.д.), написанная часто в свободной форме.

Во вставных номерах могут следовать два одноименных танца (например два гавота или два менуэта), причем после второго танца опять повторяется первый. Таким образом, второй танец, который писался в одноименной тональности, образовывал своеобразное трио внутри повторов первого.

Термин «сюита» возник в XVI веке и использовался в Германии и в Англии. Другие названия: lessons – в Англии, balletto – в Италии, partie – в Германии, ordre – во Франции.

После Баха старинная сюита потеряла свое значение. В XVIII веке возникли некоторые произведения, которые были подобны сюите (дивертисменты, кассации). В XIX веке появляется сюита, которая отличается от старинной.

Старинная сюита интересна тем, что в ней наметились композиционные черты ряда структур, которые несколько позже развились в самостоятельные музыкальные формы, а именно:

1. Строение вставных танцев стало основой для будущей трехчастной формы.

2. Дубли стали предшественником вариационной формы.

3. В ряде номеров тональный план и характер развития тематического материала стали основой будущей сонатной формы.

4. Характер расположения частей в сюите достаточно явно предусматривает расположение частей сонатно-симфонического цикла.

Сюита второй половины XVIII характеризуется отказом от танцевальности в чистом виде, приближением к музыке сонатно-симфонического цикла, его влиянием на тональный план и строение частей, использованием сонатного аллегро, отсутствием определенного количества частей.

Новая сюита

В связи с программностью, характерной для XIX века, стремлением к большей конкретности, новая сюита нередко объединена программным замыслом. Ряд сюит возник на основе музыки к сценическим произведениям, а в ХХ веке – к кинофильмам.

Танец используется в новой сюите, но не имеет такого важного значения. Используются новые танцы (вальс, мазурка и т.д.), кроме того, вводятся части, не обозначающие жанра.

В новой сюите части могут писаться в разных тональностях (тональное сопоставление играет важную роль в усилении контраста). Часто первая и последняя части пишутся в одной тональности, но и это не обязательно.

Форма частей может быть разной: простые, сложная трехчастная, рондо-соната и т.д. Количество частей в сюите – от 2–3 и более.

Александр Порфирьевич Бородин (1833 – 1887) – русский композитор и ученый-химик.

Внебрачный сын князя Луки Степановича Гедианова, при рождении записан как сын крепостного слуги князя – Порфирия Бородина.

В 9 лет написал первое произведение – польку «Helen». Обучался игре на флейте, фортепиано, виолончели. Композиторское искусство постигал самостоятельно. В десятилетнем возрасте стал интересоваться химией, которая впоследствии превратилась в дело всей его жизни. Окончил Медико-хирургическую академию. Изучая медицину, Александр Бородин начал заниматься химией под руководством Николая Николаевича Зинина.

Все это время Бородин не оставлял музыку, писал романсы, фортепианные пьесы, камерно-инструментальные ансамбли. Музыкальные увлечения Бородина вызывали недовольство его научного руководителя, считавшего, что это мешает серьезной научной работе. По этой причине Бородин некоторое время вынужден был скрывать свои композиторские опыты.

На протяжении всей его жизни музыка и химия то поочередно, то одновременно предъявляли на него свои права. Именно поэтому творческое наследие композитора Бородина невелико по объему. Наиболее известными его сочинениями являются опера «Князь Игорь» по «Слову о полку Игореве» и 2-я «Богатырская» симфония.

В 1860-х годах стал членом «Могучей кучки», куда входили Милий Балакирев, Цезарь Кюи, Николай Римский-Корсаков, Модест Мусоргский. Над «Князем Игорем» Александр Бородин работал на протяжении 18 лет, но опера так и не была окончена. Уже после смерти композитора оперу дописали и сделали ее оркестровку по материалам Бородина композиторы Николай Римский-Корсаков и Александр Глазунов.

Характерные черты творчества Бородина – народность, национальный характер, монументальность, эпическая мощь, эмоциональное русское полнокровие и оптимизм, колоритность гармонического языка.

Бородин скончался внезапно на 53-м году жизни, во время разговора, у себя в квартире.

Он стал одним из самых известных и популярных русских композиторов в Европе конца XIX-начала XX веков. «Князь Игорь» и «Богатырская» симфония по сей день – репертуарные произведения ведущих мировых театров и оркестров.

Среди произведений Бородина три симфонии, музыкальная картина «В средней Азии», камерно-инструментальные ансамбли, романсы.

Симфония № 2 си минор «Богатырская» – по праву считается одним из лучших произведений в русской симфонической музыке. С легкой руки критика Стасова симфония стала называться «Богатырской». И, пожалуй, это тот редкий случай в музыкальном искусстве, когда название идеально соответствует содержанию сочинения. Симфония писалась композитором в те годы (1869 – 1876), когда он работал над оперой «Князь Игорь». Некоторые материалы, предназначавшиеся сначала для оперы, были использованы в симфонии. В итоге симфония оказалась очень близкой к «Князю Игорю» и по духу, и по мелодике.

А.П. Бородин «Богатырская симфония»

«Богатырская» симфония – это вершина симфонического творчества Бородина. Произведение воспевает патриотизм и могущество Родины и русского народа. Ясность звучания, чистота тембров и невероятно красивые мелодии заставляют увидеть богатство родных краев. Мелодии одна за другой словно открывают для нас дверь в историю, возвращая нас к истокам, к былинному творчеству.

Симфония названа «Богатырской» неслучайно. Узнать, почему произведение носит такое название, как создавалась композиция, а также много других интересных фактов можно на нашей странице.

История создания

Эпические образы, также как и симфонические формы, всегда притягивали внимание композитора. В 1869 году Бородину в голову пришла замечательная идея о создании симфонии, олицетворяющей всю русскую мощь, изложенную в былинах. Несмотря на то, что первая часть композиции была закончена в 1870 году и показана друзьям по Балакиревскому кружку , работа продвигалась достаточно медленно. Основной причиной длительных перерывов в музыкальной деятельности являлось то, что Александр Бородин был выдающимся химиком, и часто профессиональная деятельность была для него в приоритете. Более того одновременно шло сочинение более масштабного произведения, а именно оперы «Князь Игорь » (отсюда стоит выделить родственность двух сочинений).

В итоге полностью вторая симфония была закончена лишь спустя семь лет, в 1876 г. Премьера состоялась в феврале следующего года под эгидой Русского музыкального общества в Санкт-Петербурге. Дирижировал композицией потрясающий дирижер 19 века Э.Ф. Направник. На презентацию был собран весь свет петербургского общества. Зал ликовал. Вторая симфония, безусловно, произвела фурор.

В этом же году последовала не менее успешная Московская премьера. Дирижировал несравненный Николай Григорьевич Рубинштейн. Примечательно, что во время прослушивания общество разделилось по впечатлениям на две стороны: одни признавали, что автору в полной силе удалось изобразить мощь и непобедимость Руси, другие же попытались оспорить использование русского фольклора в светской музыки.

Одним из слушателей был венгерский композитор и великолепный пианист Ф. Лист . После выступления он решил поддержать Александра Бородина и выявил ему собственное уважение, как профессионалу высочайшего уровня.

В настоящее время «Богатырская симфония» является одним из произведений, входящих в постоянный репертуар многих симфонических оркестров мира.

Интересные факты

• Впервые услышав произведение, Модест Мусоргский был приятно удивлен. Он предложил назвать сочинение «Славянская героическая», но название не прижилось.
• Работа над симфонией продолжалась на протяжении целых семи лет. Дело в том, что Бородин просто не успевал заниматься сочинением музыки, так как параллельно вел активную профессорскую деятельность, что обязывало его проводить «Женские врачебные курсы».
• В документальном фильме «Сергей Герасимов. Богатырская симфония», произведение является лейтмотивом, пронизывающим весь жизненный путь великого кинорежиссера СССР.
• Первое исполнение симфонии было высоко оценено не только соотечественниками композитора, но и знаменитыми зарубежными музыкантами. Ф. Лист после прослушивания был потрясен до глубины души, после премьеры он подошел к Бородину и посоветовал ему следовать собственным ощущениям в музыке и не слушать возгласы злопыхателей, так как его музыка всегда имеет четкую логику и выполнена искусно.
• Третья и четвертая часть образуют единый по смыслу мини цикл, в результате чего исполняются без перерыва.
• Стоит отметить, что в жанре «симфония» в те времена русские композиторы писали мало, поэтому Александр Порфирьевич Бородин, наряду с Римским-Корсаковым и Чайковским считаются основоположниками русской классической симфонии.
• Во многом «Вторая симфония» схожа с оперой «Князь Игорь». Дело в том, что сочинение шло параллельно. Нередко композитор заимствовал темы из оперы, вставляя их в симфонию, или наоборот, первоначально сочинял для симфонии, а использовал в опере. Так главная тема в симфонии была предназначена для экспозиции образа русских в опере «Князь Игорь».
• В основе первой темы заложены интонации всем известной бурлацкой трудовой песни «Эй, ухнем!».
• Мало кто знает, но первоначально Стасов предлагал назвать симфоническое произведение «Львицей». Но после того, когда он реально переосмыслил замысел Александра Бородина, великий критик предложил именовать ее, как «Богатырскую». Идея пришла ему в голову после рассказа композитора о программности музыки.
• Произведение было серьезно отредактировано двумя мастерами композиции и аранжировки, а именно Николаем Римским-Корсаковым и Александром Глазуновым . На сегодняшний день данная редакция исполняется чаще, чем авторская.
• Главная тема финала представляет собой народную песню «Пойду под Царьград».

Творчество Александра Бородина в основном строится на эпических русских образах, взывающих в слушателях гордость за Отчизну.

Композиция состоит из четырех классических частей, единственное отличие заключается в том, что автор поменял в структуре местами вторую и третью части, чтобы реализовать собственный композиционный замысел.

Жанр симфонии – эпический, что и определяет наличие соответствующих тематике образов, к которым относится могущественный богатырь, защищающий Родину и Баян-сказитель.

Примечательно, что произведение не имеет четкого программного замысла (т.к. нет литературного источника в основе симфонии), но выделяются черты программности. В связи с этим фактом, каждая часть может иметь условные названия:

• I часть – Сонатное allegro. «Собрание богатырей».
• II часть – Скерцо. «Игра богатырей».
• III часть – Andante. «Песнь Баяна».
• IV часть – Финал. «Богатырский пир».

О подобном названии частей Александр Бородин рассказывал Стасову. Стоит отметить, что композитор не настаивал на введении конкретной программе, позволив слушателю самому придумывать образы. Эта черта во многом характерна для творчества участников «Могучей кучки », и проявляется лишь в тяготении к программности.

Драматургическое развитие построено на типичном для эпического симфонизма приеме контрастной динамизации, чтобы лучше понять весь смысл, заложенный автором необходимо рассмотреть более подробно каждую часть.

Сонатное allegro строится на двух контрастных партиях: первая партия имеет суровый, мужественный характер и исполняется в унисон, олицетворяет богатырскую мощь и силу, вторая тема наполнена жизненной энергией, демонстрирует молодецкую удаль и быстроту ума. Часть активно развивается, уже в разработке главенствует новый музыкальный материал, показывающий сцену битвы богатырей, происходит завязка действия. Завершение представляет собой сокрушительное звучание основной «богатырской» темы.

Скерцо контрастно по характеру с предыдущей частью. Можно считать, что в драматургическом плане оно представляет собой эмоциональную разрядку.

Третья и четвертая части должны быть осмыслены, как единое целое. Andante – это сказ Баяна, что определяет соответствующий набор образно-инструментальных приемов, таких, как имитация звучания гуслей по средствам использования арфы, наличие переменного размера, характерного для сказа. Внутреннее развитие части строится на торжественном провозглашении «богатырской» темы в репризе, что тем самым подготавливает к началу новой части, знаменующейся, как «пир богатырей». Для финала характерно использование ярких для русской культуры тембров – свирелей, гуслей, балалаек. Симфония завершается фантастическим буйством музыкальных красок, отражающих удаль и энергичность русского народа.

Смена ярко контрастных друг другу масштабных музыкальных картин, связанных при этом интонационным единством – вот главный принцип симфонизма Бородина, проявляющийся во многих его творениях.

«Богатырская» симфония – это летопись Древней Руси в музыке. Благодаря таланту Александра Бородина и его безграничной любви к русской истории, эпическое направление получило распространение и активно развивалось в творчестве таких композиторов, как Танеев , Глазунов и Рахманинов . Вторая симфония представляет собой особый символ России, ее культуры и самобытности, который не померкнет с годами, а будет с каждым годом набирать мощь.

Видео: слушать «Богатырскую симфонию»

Будущее за программным симфонизмом глинкинского или берлиозовского типа, классический четырехчастный цикл безнадежно устарел – на такой позиции стояли все композиторы «Могучей кучки», но только не Александр Порфирьевич Бородин. Это даже позволило Владимиру Стасову выразить сожаление, что он не желает принять «сторону коренных новаторов». При всем уважении к Стасову следует признать, что в данном случае он был неправ – Бородин в области симфонизма был коренным новатором не в меньшей степени, чем или . Он сделал то, чего не сделал – создал русскую классическую симфонию, причем весьма своеобразную.

Вершиной симфонического творчества Александра Порфирьевича Бородина считается Симфония № 2. Замысел ее возник в 1869 г., но, как всегда, многочисленные обязанности оставляли мало времени для сочинения, и только в 1870 г. композитор показал друзьям первую часть. предложил назвать симфонию «Славянской героической», но утвердилось заглавие, предложенное Владимиром Стасовым – «Богатырская».

Композитор работал параллельно над симфонией и над оперой « », и потому не вызывает удивления близость их интонационного и образного строя. Более того, иногда музыкальный материал, создававшийся для одного произведения, входил затем в другое – например, тему, с которой начинается симфония, Бородин первоначально предназначал для половецкого хора в « ».

Первая часть – сонатное аллегро – воплощает героические образы. Главная партия складывается из двух элементов – мощного, «монолитного» унисона и оживленного наигрыша. Это несколько напоминает диалог Игоря с дружиной в прологе оперы. Побочная партия, проводимая виолончелями, близка русским хороводным песням. Такое сопоставление богатырского и лирического начал можно сравнить с образами Игоря и Ярославны. Интонационное родство двух тем позволяет сблизить их в разработке. Драматичность ей придают органные пункты и секвенционное развитие. В репризе главная партия – благодаря аккордовой фактуре – становится еще мощнее, побочная – еще мягче. В коде начальный элемент главной партии проходит в увеличении.

Вторая часть – «Богатырские игры» – стремительное скерцо в трехчастной форме, крайние разделы которого имеют сонатную форму без разработки. Энергичную, острую главную партию оттеняет побочная с ее хроматизмами и синкопами. Эти восточные черты еще явственнее проявляются в трио, заставляя вспомнить о половецких сценах « ». Тем не менее, восточные черты темы трио не мешают ее интонационному родству с побочной партией первой части – здесь проявляется характерный для эпического симфонизма принцип целостности и единства.

Третья – медленная часть – тоже имеет сонатную форму. Главная партия с ее ладовой переменностью и трихордовыми попевками напоминает былинный напев. Образ сказителя дополняется арфой, имитирующей гусли. Большей взволнованностью отличается побочная партия. Драматизм усиливается в разработке, где элементы тем приобретают грозное звучание, напоминая теперь главную партию из первой части. В репризе обе темы проходят в одной тональности – контраст исчезает, уступая место синтезу.

Финал – тоже в сонатной форме – без перерыва следует за третьей частью. И вступление, и главная партия имеют характер плясовых наигрышей. Присущи подобные черты и побочной, но кантиленность сближает ее скорее с хороводными песнями. Варьирование тем – тональное, оркестровое, гармоническое – начинается в экспозиции и продолжается в разработке и в конечном итоге приводит к их синтезу.

Над Симфонией № 2 Александр Порфирьевич Бородин работал несколько лет. Она была завершена в 1876 г., а годом позже исполнена в Санкт-Петербурге под управлением Эдуарда Направника.

Музыкальные Сезоны

January 16th, 2013 , 02:40 am

Отечественные музыковеды выделяют два типа русского симфонизма:
конфликтный (лирико-драматический),
эпический.
Представитель первого типа – Чайковский, например; второго – Бородин.
Цельность в эпической симфонии иного рода, нежели в конфликтной.
Цикл эпической симфонии не распадается, потому что каждая часть представляет одну грань жизни (лирику, драму, комедию).
Вмести эти части создают целостную картину мира.
Бородин – автор эпической симфонии, признанной эталонной.
Эталон первый: цикл.
Первая часть воплощает героику.
Интересно соотношение темпа (Allegro) и плотной оркестровки.
Создается сугубо бородинский эффект симфонического динамического монументализма.
Динамический монументализм – это объемная, малоподвижная звуковая масса, которой предан не соответствующий ее возможностям стремительный темп.
Бородин первый в русской музыке нарушил закон массы и скорости.
Вторая часть – скерцо.
Для Бородина это – традиция.
Вторая часть воплощают идею – мира как игра.
Мелькающие маски.
Эта часть в наибольшей степени раскрывают характерную черту личности Бородина – юмор.
Третья часть содержит две образные сферы – лирику и драму.
Финал повторяет идею первой части в обобщенном виде.
Идея слияния героя и массы.
Эталон второй: трактовка сонатной формы.
Сонатная форма эпической симфонии отличается от сонатной формы конфликтной симфонии.
Во-первых, тематизмом.
Тематизм эпической симфонии строится на общих интонациях; имеет связь с русским фольклором.
Такой тематизм не имеет необходимости в дальнейшем развитии; он принципиально имеет завершенную структуру.
Все темы симфонии не имеют развития, Бородин лишь повторяет их на другой высоте.
Тема ГП – уникальное явление.
Она содержит национальную двойственность:
тяжелые терции и кварта с грузным «падением» к основному тону – чисто русское,
ее интонационный начальный абрис – нечто восточное.
Уникально ее ладовое решение:
русская переменность III ступени,
фригийский минор с IV пониженной (встречается в восточной музыке).
Ее опорные тоны намечают главные тональные зоны части:
начало разработки – c-mill,
ПП в репризе – Es (Dis)-dur.
ГП и ПП имеют общие интонации.
Вторая «колокольная» часть ГП схожа с начальной интонацией ПП.
Это – база для последующего сближения тем.
Разработка эпической симфонии тоже отличается от р. конф. симф.
В ней господствует идея цельности (неизменности).
Дробление темы направлено не на разрушение темы, а на ее сближение с другими темами на основе общих интонаций.
Гибрид ГП и ПП возникает почти сразу – 5 такт от ц.6.
Он развивается самостоятельно.
На его основе создается политональный канон (ц.7).
После этого ГП и ПП звучат одна за другой как естественное продолжение друг друга.
Очень интересен тональный план ГП в разработке: c (фригийский, с колеблющейся терцией) – g – f – d.
Принцип крупного штриха:
в качестве носителя ладовой функциональности Бородин выдвигает не аккорд, тон или тональность, а целостные ладовые комплексы.
Другое проявление этого принципа: развитие в разработке направлено к все более мощному проведению тем.
Скерцо.
Его темп на пределе исполнительских возможностей – целая =108 (!).
Тональность F-dur обретается постепенно.
В начале звучит доминантовый нонаккорд без квинты к h-moll.
Благодаря энгармонической замене (бас с fis уводится на с), образуется тональность F-dur.
По бетховенскому принципу ГП постепенно зарождается.
Трио имеет восточный характер.
Третья часть.
Andante, Des-dur.
Сонатная форма.
ГП – лирико-эпическая сфера.
Блок СП и ПП (e-C-As) – драматическая.
Общая программность – Бородин хотел нарисовать фигуру Баяна:
вначале гусельные переборы (арфа), затем песня о «делах давно минувших дней» (соло валторны).
Разработка вытекает из ЗП, что создает необычайную гибкость формы.
Финал.
Н-dur.
Тема ГП близка к народной песне «Пойду под Царьгород».
(Ее использовал Балакирев в «100 лет»).
ГП и ПП составляют эпическую оппозицию мужского начала – женского начала.