Qual è il merito principale di Ostrovsky. Sempre vivo A.N. Ostrovskij. Vita personale dello scrittore

Qual è il merito di A.N. Ostrovskij? Perché, secondo I.A. Goncharov, solo dopo Ostrovsky potremmo dire che abbiamo il nostro teatro nazionale russo? (Riferendosi all'epigrafe della lezione)

Sì, c'erano "The Minor", "Woe from Wit", "The Inspector General", commedie di Turgenev, AK Tolstoy, Sukhovo-Kobylin, ma non erano abbastanza! La maggior parte del repertorio teatrale consisteva in vaudeville vuoto e melodrammi tradotti. Con l'avvento di Alexander Nikolaevich Ostrovsky, che dedicò tutto il suo talento esclusivamente al teatro, il repertorio teatrale sta cambiando qualitativamente. Ha scritto da solo tante opere quante tutti i classici russi non hanno scritto insieme: una cinquantina! Ogni stagione per più di trent'anni i teatri hanno ricevuto un nuovo spettacolo, o anche due! Ora c'era qualcosa da giocare!

C'era una nuova scuola di recitazione, una nuova estetica teatrale, apparve il "Teatro Ostrovsky", che divenne proprietà di tutta la cultura russa!

Cosa ha causato l'attenzione di Ostrovsky per il teatro? Lo stesso drammaturgo ha risposto a questa domanda come segue: “La poesia drammatica è più vicina alla gente di tutti gli altri rami della letteratura. Tutte le altre opere sono scritte per persone istruite, e drammi e commedie - per tutto il popolo ... ". Scrivere per le persone, risvegliare la loro coscienza, formare il gusto è un compito responsabile. E Ostrovsky la prese sul serio. Se non c'è un teatro esemplare, il pubblico ordinario può scambiare operette e melodrammi, irritante curiosità e sensibilità, per vera arte».

Quindi, notiamo i principali servizi di A.N. Ostrovsky al teatro russo.

1) Ostrovsky ha creato il repertorio teatrale. Ha scritto 47 commedie originali e 7 commedie in collaborazione con giovani autori. Ostrovsky tradusse venti commedie dall'italiano, dall'inglese, dal francese.

2) La diversità di genere del suo dramma non è meno importante: si tratta di "scene e immagini" della vita di Mosca, cronache drammatiche, drammi, commedie, la fiaba primaverile "The Snow Maiden".

3) Nelle sue commedie, il drammaturgo ha rappresentato varie proprietà, personaggi, professioni, ha creato 547 personaggi, dallo zar al servitore della taverna, con i loro personaggi intrinseci, abitudini, linguaggio unico.

4) Le commedie di Ostrovsky coprono un periodo storico enorme: dal XVII al XX secolo.

5) L'azione dei giochi si svolge nei manieri dei proprietari terrieri, nelle locande e sulle rive del Volga. Sui viali e nelle strade dei capoluoghi di provincia.

6) Gli eroi di Ostrovsky - e questa è la cosa principale - sono personaggi viventi con le proprie caratteristiche, maniere, con il proprio destino, con un linguaggio vivo inerente solo a questo eroe.

È passato un secolo e mezzo dalla messa in scena della prima commedia (gennaio 1853; “Don't Get In Your Sleigh”), e il nome del drammaturgo non ha lasciato le locandine dei teatri, gli spettacoli vanno in scena su molti palchi di il mondo.

L'interesse per Ostrovsky sorge in modo particolarmente acuto nei momenti di difficoltà, quando una persona è alla ricerca di risposte alle domande più importanti della vita: cosa ci sta succedendo? perché? cosa siamo noi? Forse è in un momento simile che a una persona mancano le emozioni, le passioni, il senso della pienezza della vita. E abbiamo ancora bisogno di ciò di cui ha scritto Ostrovsky: "E un profondo sospiro per l'intero teatro, e autentiche lacrime calde, discorsi caldi che si riverserebbero direttamente nell'anima".

Tutta la vita di Ostrovsky è una ricerca creativa che lo ha portato alla creazione di un teatro unico e nuovo. Questo è un teatro in cui non esiste una tradizionale divisione in arte per i beni comuni e istruiti, ei personaggi - mercanti, impiegati, sensali - sono migrati in scena direttamente dalla realtà. Il teatro di Ostrovsky è diventato l'incarnazione del modello del mondo nazionale.

Il suo dramma realistico era - ed è tuttora - la base del repertorio del teatro nazionale. Per l'epoca in cui si svolgeva l'attività letteraria e teatrale di Ostrovsky, questo compito era fissato dalla vita stessa. Sul palcoscenico dei palchi teatrali, come prima, c'erano per lo più commedie straniere - tradotte - e il repertorio delle commedie nazionali non era solo scarso e consisteva principalmente di melodrammi e vaudeville, ma prendeva anche in prestito in molti modi le forme e i personaggi del dramma straniero . Era necessario cambiare completamente la vita teatrale dell'"immagine del teatro" in quanto tale, doveva diventare un luogo in cui una persona potesse familiarizzare con l'aiuto di un linguaggio artistico semplice e accessibile ai problemi più importanti della vita .

Questo compito è stato intrapreso dal grande drammaturgo nazionale. La sua soluzione fu associata non solo alla creazione di spettacoli di repertorio, ma anche alla riforma del teatro stesso. " La casa di Ostrovsky"È consuetudine chiamare il Teatro Maly di Mosca. Questo teatro è stato aperto molto prima che arrivasse il giovane drammaturgo, le opere del fondatore del dramma realistico russo Gogol erano già in scena, ma grazie a Ostrovsky è diventato il Teatro Maly che è passato alla storia ed esiste oggi. Come è proseguito questo sviluppo del teatro? Come è arrivato il nostro grande drammaturgo a crearlo?

L'amore di Ostrovsky per il teatro è nato in gioventù. Non era solo un frequentatore del Teatro Maly, in cui brillavano allora Mochalov e Shchepkin, ma guardava anche con entusiasmo le esibizioni del teatro popolare con Petrushka, che si svolgevano durante le feste nei monasteri Maiden e Novinsky. Così, iniziando a creare le sue commedie, Ostrovsky conosceva bene le diverse forme di teatro ed era in grado di trarre il meglio da ciascuna.

L'era del nuovo teatro realistico, guidato da Ostrovsky, iniziò a Mosca. 14 gennaio 1853 al Maly Theatre nella performance di beneficenza di L.P. Kositskaya, che si chiamava Mochalov in gonna, ha ospitato la prima della commedia di Ostrovsky " Non salire sulla tua slitta».

I personaggi - "persone viventi" - hanno chiesto di essere interpretati in un modo completamente nuovo. Ostrovsky ha prestato la massima attenzione a questo, lavorando direttamente con gli attori. È noto che il drammaturgo era un lettore eccezionale delle sue opere teatrali, e lo ha fatto non solo come attore, ma come regista che ha cercato di enfatizzare l'essenza dei personaggi, il modo degli eroi, l'originalità del loro discorso.

Grazie agli sforzi di Ostrovsky, la compagnia del Teatro Maly migliorò notevolmente, ma il drammaturgo non era ancora soddisfatto. "Vogliamo scrivere per tutto il popolo", ha detto Ostrovsky. "Le mura del Teatro Maly sono strette per l'arte nazionale." Dal 1869, Ostrovsky ha inviato note alla direzione dei teatri imperiali di San Pietroburgo sulla necessità di riforme teatrali radicali, ma rimangono senza risposta. Quindi decise di creare un teatro popolare privato e nel febbraio 1882 ricevette il permesso per questo. Sembrava che il drammaturgo fosse già vicino alla realizzazione del suo caro sogno. Ha iniziato a preparare un elenco dei futuri azionisti del teatro russo, ha sviluppato un repertorio e ha delineato la composizione della compagnia. Ma l'improvvisa abolizione del monopolio teatrale del governo sui teatri e il successivo boom commerciale intorno all'apertura di nuovi teatri impedirono a Ostrovsky di porre fine alla questione. Dopo aver ottenuto una pensione statale nel 1884, trovò scomodo lavorare in un teatro privato e si rivolse nuovamente alla direzione dei teatri imperiali con le sue proposte. Tutta questa lunga storia ha avuto un effetto doloroso su Ostrovsky. Tale era l'amaro paradosso della vita: il genio del dramma russo, il suo creatore non aveva un teatro per una messa in scena seria e qualificata delle sue commedie.

Ma grazie agli sforzi di suo fratello Mikhail Nikolaevich, che ricopriva l'alto incarico di ministro del Demanio, il caso è stato portato avanti. Nell'ottobre 1884 si recò a San Pietroburgo, dove gli fu offerto di diventare il direttore artistico dei teatri imperiali di Mosca. Finalmente il sogno dell'autore” Temporali”Cominciò ad avverarsi. Così il famoso drammaturgo, che ha già superato i 60 anni, ha intrapreso un'attività difficile, ma così necessaria per tutti.

Il 14 dicembre 1885 tornò a Mosca. È stato accolto da tutta la troupe del Teatro Maly. Inizia l'intensa attività teatrale di Ostrovsky. Viene creato un consiglio di repertorio, vengono invitati nuovi attori, viene redatto il curriculum della scuola di teatro, Ostrovsky vuole istituire premi statali per le migliori opere teatrali. Ma la sua forza sta svanendo. I suoi giorni erano già contati: il 2 giugno 1886 moriva il grande drammaturgo nazionale, appassionato personaggio teatrale, fondatore del teatro nazionale. Non è riuscito a portare a termine tutte le riforme pianificate del teatro russo. Ma le sue fondamenta erano ben poste. I contemporanei hanno apprezzato molto i meriti del drammaturgo.

E ora sembra che lo stesso Ostrovsky, il cui monumento è eretto all'ingresso del suo nativo Maly Theatre, sembra guardare attentamente alla sua creazione principale e con la sua presenza vivente aiuta coloro che ora suonano sul famoso palcoscenico o vengono - come 150 anni fa - a spettacoli in cui ancora e ancora suona la parola brillante e vivace del drammaturgo.

CIOÈ. Zaitseva

I ricercatori associano la formazione del realismo critico nel teatro russo a metà del XIX secolo con i molteplici cambiamenti che stavano avvenendo in quel momento in Russia in tutte le forme di coscienza sociale, compresa l'arte.

La direzione principale della ricerca artistica dell'epoca ha determinato la conoscenza della realtà in tutte le sue contraddizioni sociali. A metà degli anni '40 sorse una scuola che affermava la fedeltà alla verità della vita come criterio principale di un'opera d'arte.

L'amore per il teatro, il servizio ad esso divenne la vocazione di tutta la vita di Alexander Nikolaevich Ostrovsky (1823-1886). Il drammaturgo inizia la sua attività teatrale durante il periodo di feroce reazione che seguì le rivoluzioni europee del 1848. Questo "tetro periodo di sette anni" del regno di Nikolaev nella sfera culturale fu caratterizzato dalla più severa censura, dal dominio di funzionari burocratici che non capivano nulla di arte e dal rafforzamento del monopolio dei teatri imperiali. Una tale politica teatrale contribuì alla prosperità sul palcoscenico del vaudeville "vuoto" (per lo più tradotto), dei melodrammi lacrimosi, dei drammi fedeli, corrispondenti ai gusti dei teatri "gentilmente" della corte. Uno degli autori più popolari era N.V. Burattinaio, "un rappresentante della" falsa scuola signorile "che alimenta l'ammirazione per lo stato passato e presente dello stato nel pubblico" (Storia del dramma russo del XVII - prima metà del XIX secolo. - L., 1982 .-pag. 24). Naturalmente, le brillanti commedie di D.I. Fonvizin, A.S. Griboyedova, N.V. Gogol, commedie di A.S. Puskin. Ma erano troppo pochi, non potevano fornire un repertorio permanente.

Le parole di Gogol “Per l'amor di Dio, dacci caratteri russi, dacci noi stessi, i nostri furfanti, i nostri eccentrici! Al loro palcoscenico, per ridere di te ", i contemporanei percepiti come un programma del dramma nazionale russo. Ostrovsky ha cercato di implementarlo nei "giochi della vita".

Il drammaturgo ha scritto quarantasette opere originali, ha tradotto l'opera teatrale di G.F. Kvitka-Osnovyanenko "Shira love" ("Amore sincero, o caro più della felicità"), e ha anche tradotto ventidue opere drammatiche dall'inglese, dal francese, dallo spagnolo e dall'italiano.

Ostrovsky ha brillantemente affrontato il compito artistico storicamente importante: ha completato la creazione del dramma russo, "un intero teatro popolare". Era destinato ad apparire proprio perché alla fine degli anni '40, il rapido sviluppo del capitalismo ha portato al processo di democratizzazione della cultura, alla crescita dello strato culturale della società e, a questo proposito, un ordine sociale per il dramma dal russo sorse la vita (Polyakova EI Russian Drama era Ostrovsky // Dramma russo dell'era Ostrovsky. - M., 1984. - P. 9). Il successo del debuttante Ostrovsky ha portato un nuovo pubblico democratico. Il drammaturgo credeva che questo nuovo spettatore, che sta solo cercando di unirsi all'arte del teatro, sta muovendo i primi passi nella direzione della culturologia, può essere educato, sviluppato, formato in lui un bisogno del bello, altamente artistico:”. .. è necessario risvegliare in lui i buoni istinti - e questa è una questione d'arte ... Il teatro cattura un'anima fresca con mano imperiosa e conduce dove vuole. Certo, l'azione del teatro è breve, non segue lo spettatore in tutte le sue orme, ma bastano quelle tre o quattro ore in cui la natura selvaggia è sotto l'incantesimo dell'arte onnipotente su di lui - già profondi solchi di la cultura è passata attraverso il suo cervello crudo, già oltre il selvaggio innesto culturale "(Ostrovsky AN Raccolta completa di opere: In 16 volumi - M., 1951. - T. 10. - S. 137-138). In queste parole Ostrovsky si manifesta come un educatore democratico. Col tempo, il carattere utopico delle speranze illuministiche del drammaturgo divenne sempre più evidente: l'arte non riuscì a rifare il "fresco" pubblico mercantile. Per quanto riguarda l'intellighenzia, si aspettavano la propaganda diretta di idee avanzate dall'arte, e quindi Ostrovsky le sembrava non moderno (EI Polyakova).

Fin dall'inizio della sua attività creativa, il drammaturgo si è classificato direttamente tra gli "autori di una nuova direzione nella nostra letteratura". La sua innovazione si è manifestata nel fatto che è riuscito a scoprire una nuova natura del dramma, la cui essenza sono le vere contraddizioni sociali del tempo, dando inevitabilmente luogo a una protesta contro la realtà stessa. Le sue opere erano basate su conflitti spiati dal drammaturgo nella vita reale, che ha dato loro il nome di "dramma della vita".

I ricercatori associano l'apparizione dei "giochi della vita" di A.N. Ostrovsky in scena con due fenomeni: il trionfo delle tradizioni della commedia nazionale russa, dettate da Fonvizin, Krylov, Griboyedov, Gogol, e i principi della "scuola naturale", teoricamente sostanziati dal critico V.G. Belinsky. Il merito di Ostrovsky per la cultura teatrale russa è la combinazione di talento e l'ulteriore sviluppo di questi due fenomeni nel suo lavoro.

Nel 1847, il drammaturgo aveva iniziato e pubblicato parzialmente "Note di un residente di Zamoskvoretsky". Il mondo di Zamoskvorechye, dove Alexander Nikolayevich ha trascorso la sua infanzia e adolescenza, il tribunale commerciale di Mosca, dove ha prestato servizio come avvocato della giuria nel tavolo verbale, ha presentato materiale ricco, storie di vita vera e uno speciale sapore popolare.

Strappando il velo di oscurità dalla vita di Zamoskvoretsk, il drammaturgo divenne un pioniere nel misterioso paese di Zamoskvoretsk, che per la prima volta rivelò al pubblico il modo, il modo di vivere, le tradizioni, i costumi e la lingua dei suoi abitanti. Ha mostrato allo spettatore russo il mondo speciale di Zamoskvorechye, che il critico Dobrolyubov ha definito un "regno oscuro", dove operano le leggi sull'edilizia abitativa, i pregiudizi ridicoli, la routine filistea, le usanze umilianti. Grazie al talento del drammaturgo, sul palco sono apparse persone reali, come cancellate dalla natura, e hanno parlato in una lingua viva - semplice, quotidiana, che non aveva mai suonato sul palco.

Il 14 febbraio 1847, nella casa del professore dell'Università di Mosca S.P. Shevyreva Ostrovsky ha letto la sua prima opera teatrale - "A Picture of Family Happiness". Contemporanea del drammaturgo, attrice del Maly Theatre V.N. Ryzhova, che aveva ripetutamente ascoltato le esibizioni della sua autrice delle sue stesse opere, ha ricordato: “Ho letto A.N. Ostrovsky è sorprendentemente semplice, senza alcuna teatralità o affettazione, ma così sentito e toccante: che ... i cuori palpitavano di simpatia, indignazione, gioia. Aleksandr Nikolaevich aveva particolarmente successo nei ruoli femminili e, sebbene non cambiasse affatto la sua voce, nei commenti delle eroine si sentiva o malinconia puramente femminile, o amore materno, o immensa devozione femminile ... E mi sembrava che quando le persone si riconosceranno nel destino degli eroi di Ostrovsky, quando gli artisti ne parleranno come legge il grande drammaturgo stesso, le persone si vergogneranno di ferirsi e ferirsi a vicenda, di distruggere la felicità umana ”(Ryzhov su Ryzhova. - M., 1983. - pag. 83).

La commedia in un atto sulla vita del mercante Puzatov ha stupito tutti i presenti con la conoscenza del modo di vivere e della classe mercantile, brillantemente dimostrata dall'autore. Era un vero schizzo della natura del mondo di Zamoskvorechye. Tuttavia, il censore, che considerava l'opera offensiva per i mercanti, ne vietò la messa in scena (la prima ebbe luogo solo nel 1855).

Nel 1849 Ostrovsky terminò di lavorare alla commedia "Bankrupt" ("La nostra gente - numerata"), che fu anche bandita. Nonostante la valutazione categoricamente negativa dell'opera da parte della censura, l'aspirante drammaturgo non si è arreso. Insieme al suo amico, il giovane attore del Teatro Maly, Prov Sadovsky, si è esibito in commedie in varie case di Mosca. Fu un successo clamoroso e divenne una sensazione artistica. È. Turgenev ha parlato del debuttante: "Ha iniziato in modo insolito", A.F. Pisemsky scrisse al drammaturgo: "Il tuo" Fallimento "è" Guai da Wit " di un commerciante, o. più precisamente: mercante "Dead Souls"; AY. Herzen ha definito la commedia "un grido di rabbia e odio contro la morale russa".

L'opera teatrale fu pubblicata nel 1850 dalla rivista Moskvityanin, ma il comitato di censura ne vietò nuovamente la messa in scena e lo zar Nicola I scrisse di suo pugno: "Giustamente, invano fu pubblicato, ma proibisci di suonare ..." e supervisione è stato istituito, è stato "licenziato dal servizio" dal tribunale commerciale.

Nel 1850 Ostrovsky divenne un dipendente del "giovane comitato editoriale" della rivista "Moskvityanina". Modifica, scrive articoli, crea altri cinque spettacoli, ma tutti stavano aspettando il destino dei precedenti.

La prima commedia che è stata messa in scena è stata il melodramma Don't Get In Your Sleigh, che ha debuttato il 14 gennaio 1853 sul palco del Maly Theatre nell'esibizione di beneficenza dell'attrice LP Nikulina-Kositskaya, che ha stupito il pubblico con l'anima della sua recitazione. Questo giorno è il punto di partenza della storia teatrale delle commedie di Ostrovsky. Un contemporaneo del drammaturgo, uno dei membri del "giovane comitato editoriale" di "Moskvityanin", l'attore I.F. nuove parole, una nuova lingua, inedite dal palcoscenico, apparvero persone viventi ... "(Gorbunov IV Estratti da memorie // AN Ostrovsky nelle memorie dei contemporanei - M., 1966. - p. 49 ). L'esibizione, fornita da un eccellente ensemble, è stata un successo trionfante.

Ostrovsky fin dall'inizio della sua attività creativa è stato attribuito dai suoi contemporanei ai drammaturghi di tutti i giorni. L'artista stesso intendeva la vita come ordine, pace, santificata dalla tradizione, custodita dalla forza dell'abitudine. Fu Ostrovsky a toccare per primo tali temi, immagini, "strati domestici, che prima di lui erano considerati indegni di una rappresentazione artistica. Il talento del maestro gli ha permesso in questa tradizione, in quest'ordine, di vedere le inevitabili contraddizioni che minano e distruggono la loro inviolabilità, e di rivelare le contraddizioni quotidiane come sociali. Ha realizzato profondamente tutto il potere dell'inerzia, l'intorpidimento della vita quotidiana: “Ho chiamato questo potere Zamoskvoretskaya non senza motivo: lì, oltre il fiume Moscova, c'è il suo regno, c'è il suo trono. È lei che spinge un uomo in una casa di pietra e chiude dietro di sé i cancelli di ferro; veste una persona con una veste di cotone, mette una croce sul cancello contro uno spirito maligno e lascia i cani intorno al cortile da persone malvagie. ... È un'ingannatrice, finge sempre di essere la felicità della famiglia e una persona inesperta non la riconoscerà presto e, forse, la invidierà. È una traditrice: sta pulendo, pulendo una persona, ma all'improvviso bussa così forte che non avrà il tempo di attraversarsi ”(A. N. Ostrovsky. . - P. 43).

Seguendo il principio della fedeltà alla verità della vita, spacca serrature e catenacci, apre le persiane e le finestre del "regno oscuro" per mostrare i suoi eroi a casa, in famiglia, dove sono naturali, dove sono rivelarsi più pienamente: sarà riconosciuto!».

Il prossimo dramma del drammaturgo La povertà non è un vizio (1854), evidenziando inaspettatamente il personaggio principale - l'ubriacone Lyubim Tortsov, dotandolo di umanità e nobiltà, causò una burrascosa polemica sia nell'ambiente teatrale che nella stampa. Nelle memorie di un contemporaneo che ha assistito a questa performance, leggiamo:

“- Strada più ampia - L'amore Tortsov sta arrivando! - esclamò alla fine della commedia l'insegnante di letteratura russa seduto con noi, infilandosi il cappotto.

Cosa intendi con questo? Lo studente ha chiesto. - Non vedo un ideale in Lyubim Tortsov. L'ubriachezza non è l'ideale.

vedo la verità! - rispose bruscamente l'insegnante. - Sì, la verità. Più ampia la strada! La verità è sul palco. Adoriamo Tortsov - è vero! Questa è la fine dei paesaggi scenici, la fine del Burattinaio: la verità incarnata è apparsa sul palco "(I. Gorbunov. Estratti dalle memorie di AN Ostrovsky nelle memorie dei contemporanei. - M. 1966. - pp. 55 - 56).

Il famoso critico Ap. Grigoriev ha dichiarato con entusiasmo "una nuova parola" a teatro - sulla nazionalità, parlando con un articolo, che ha chiamato: "Strada più ampia - sta arrivando Lyubim Tortsov!" Gli avversari del gioco si sono opposti fortemente alle critiche. È così che l'estetica teatrale vecchia e nuova si scontrava in dispute e discussioni.

Ostrovsky continua ad affinare il suo stile, mescolando i generi e i loro confini. Ereditando le tradizioni dei suoi grandi predecessori, arricchisce il dramma con episodi comici e nella commedia introduce scene drammatiche, riempiendole di autenticità di vita, utilizzando tutta la bellezza e la diversità coloristica della lingua popolare russa.

Nel 1856, nella commedia "Una notte da leoni in una festa straniera" Ostrovsky usa per la prima volta il concetto di "tiranno", spiegandone l'essenza attraverso le labbra di uno dei personaggi: tutto loro. Batterà il piede e dirà: chi sono? Qui già tutta la casa dovrebbe essere ai suoi piedi, e mentire, e poi il guaio…”. Questo gioco traccia le caratteristiche della tirannia come fenomeno sociale. Ma questo fenomeno è sopravvissuto gradualmente con il corso della vita. Il tema della tirannia, che corrode la coscienza delle persone, può essere rintracciato in molte delle sue commedie.

Un successo senza precedenti è toccato al dramma "The Thunderstorm", che colpisce per la sua acutezza sociale e il pathos di denunciare la tirannia. La sua prima ha avuto luogo in due teatri: a Maly a Mosca e ad Alexandrinsky a San Pietroburgo.

Per la prima volta, lo spettatore vide "The Thunderstorm" il 16 novembre 1859 nell'esibizione di beneficenza dell'attore del Maly Theatre S.V. Vasiliev. Gli storici del teatro ritengono che l'emergere e il trionfo dell'opera teatrale siano associati al nome di L.P. Nikulina-Kositskaya, per il quale è stato scritto il ruolo di Katerina. Creando questa immagine, Ostrovsky ha proceduto dall'individualità di un'attrice di talento (ex servo), che lo ha deliziato con la sua conoscenza del linguaggio popolare, della vita quotidiana e delle tradizioni. L'intuizione della performance, una profonda comprensione dell'anima femminile, la tragedia della commedia hanno permesso all'attore del ruolo principale di elevarsi alle vette dell'arte scenica. La sua Katerina, forte, appassionata, pura e poetica, che si ribellò alla violenza contro l'anima umana vivente, divenne un vero "raggio di luce" per i suoi contemporanei.

Il drammaturgo ha concepito The Thunderstorm come una commedia, poi l'ha definita un dramma. Dobrolyubov ha visto in questa commedia che "le relazioni reciproche di piccola tirannia e mutismo sono portate in esso alle conseguenze più tragiche" (Dobrolyubov NA Un raggio di luce nel regno oscuro // Articoli critici letterari selezionati. - K., 1976. - Pag. 178). Secondo il genere, la critica letteraria moderna lo classifica come tragedia sociale e quotidiana. Critico d'arte B.V. Alpers considera l'opera una tragedia romantica del teatro nazionale russo, parlando di quella pulizia sociale e morale, di quella catarsi, che, come una vera tragedia, "The Thunderstorm" porta nell'auditorium (Alpers BV Schizzi teatrali. M., 1981 - T. 1. - Pag. 505).

In questa disperazione, in questa "cripta della vita" di Wild e Kabanov, c'è una ricchezza vivente, incorruttibile: la ricchezza spirituale di Katerina. La sua natura estetica è caratterizzata da religiosità, percezione poetica della natura, senso della bellezza.

Come ha accuratamente notato il ricercatore V.V. Osnovin, nella preghiera, nel servizio, nella percezione della bellezza del mondo circostante, cerca un'applicazione alle sue forze spirituali. E il punto più alto di questa applicazione per lei è l'amore. Tutta Katerina si manifesta nell'amore. Si ribella alla tirannia, armata di una sola cosa: la coscienza del diritto all'amore. Avendo scoperto l'amore, conoscendo la volontà, la libertà, vuole vivere. Vivere per lei è essere se stessa. Ma nel regno di Kalinov questo è impossibile. C'è solo una via d'uscita: la morte. C'è libertà in esso.

Il palcoscenico russo non conosceva ancora un personaggio del genere. I critici d'arte spiegano così l'enorme risonanza pubblica del dramma e delle sue prime rappresentazioni nei teatri Maly e Alexandrinsky.

Dopo la prima di "The Thunderstorm", si è svolta una discussione attorno ad essa. L'autore è stato rimproverato per l'immoralità, si è sostenuto che la sua commedia non era un dramma, ma una satira. Ma gli scrittori russi progressisti hanno molto apprezzato il "Temporale": N. A. Dobrolyubov l'ha definita "l'opera più decisiva di Ostrovsky", I. A. Goncharov ha sostenuto che "non esisteva un'opera del genere ... nella nostra letteratura", I. S. Turgenev credeva che questo fosse, senza dubbio , "l'opera più sorprendente e splendida del talento russo potente e completamente padroneggiato".

Per l'opera teatrale "The Thunderstorm" Ostrovsky ha ricevuto un premio accademico. Nel 1863 divenne il primo drammaturgo nella storia della letteratura russa ad essere eletto membro corrispondente dell'Accademia delle scienze.

Molte pagine indimenticabili sono state scritte nella storia dell'arte teatrale russa, dedicate all'interpretazione scenica delle immagini del Temporale interpretate da attori eccezionali. Una delle figure di spicco del Teatro Maly, l'attrice G. N. Fedotova, nel ruolo di Katerina nel 1863, la interpretò per trent'anni, trasformando questa immagine nell'apice della sua creatività. L'attrice ha gradualmente compreso la multidimensionalità del personaggio della sua eroina, ha selezionato mezzi speciali di espressione artistica: dettagli quotidiani, gesti, andatura, modo di parlare. La sua Katerina ha stupito con la "musica" del discorso russo. La conoscenza di una sorta di vecchia etichetta russa ha dato origine a una rara autenticità di carattere. Con temperamento e passione Fedotova ha trasmesso la sua confusione e disperazione. L'interpretazione del ruolo è stata determinata dalla pietà per la vittima del "regno oscuro". Nella performance di questa attrice, il tema della protesta era assente.

Nuove caratteristiche nella soluzione dell'immagine tragica di Katerina sono state ulteriormente incarnate nella performance di M. N. Ermolova (1873), che ha portato alla ribalta la protesta attiva di Katerina. Interpretando la tragedia, Ermolova ha dotato la sua eroina di "volontà inflessibile, coraggio e massimalismo spirituale" (BV Alpers). Per la sua natura appassionata e amante della libertà, l'amore per Boris era la conoscenza della completa libertà. Perdere questa libertà era morire. L'apoteosi creativa della performance sono stati gli ultimi due atti, in cui l'esibizione di Yermolova ha scioccato con tragica intensità. Questa Katerina rimase intatta, invitta nella mente dei suoi contemporanei.

L'immagine di Katerina, creata dall'attrice del dramma squisitamente rotto E. Roshchina-Insarova nello spettacolo Meyerhold del 1916 al Teatro Alexandrinsky, è apparsa davanti al pubblico in un'interpretazione completamente diversa. BV Alpers la chiamava Katerina "alla fine del secolo", che "non aveva più né la forza né la voglia di combattere". Il modo in cui guardava Boris viveva "non l'amore, non la passione ... ma l'ultimo addio alla vita". Il critico giunge alla convinzione che l'immagine di Katerina Roshchina sia inseparabile dall'atmosfera pre-tempesta in cui viveva il vecchio mondo prima della fine del 1916. Katerina Roshchina - la sua prole e vittima - era destinata a morire con lui.

Critico d'arte K.L. Rudnitsky ha scritto: "Evitando l'autenticità quotidiana, rifiutandosi di rappresentare direttamente il" regno oscuro ", trasformando la prosaica e selvaggia Kalinov in una città fiabesca di Kitezh, Meyerhold ha tirato fuori l'intera drammatica situazione di The Thunder dalle circostanze storiche specifiche della vita russa nel metà del XIX secolo. Ma allo stesso tempo, ha così rivelato la rilevanza di questa situazione per l'inizio del XX secolo. Poetizzato, ha acquisito il significato di universalità. Invece di uno specifico regno oscuro mercantile e una vita oscura, ha agito il potere delle forze spirituali oscure "(KL Rudnitsky Direttore Meyerhold. - M., 1969. - p. 191).

In questo inaspettato piano registico, l'immagine di Katerina suonava in un modo nuovo. “Katerina era da sola… incapace di aprirsi a nessuno fino in fondo, non capita da nessuno, non aveva bisogno di nessuno. In completa e congelata solitudine, si è mossa attraverso la performance". Rudnitsky paragonò Katerina Roshchina a una donna Blok, "che entrò nel palcoscenico di Alexandrinsky", così indifferente e luminosa, come se avesse liberamente dato la sua mano all'angelo della caduta. " Nel distacco, nel destino, nella prontezza per la morte era la sua invidiabile libertà ”(Ibid. - p. 192).

Maly Theatre artista S.V. Vasiliev, il primo interprete del ruolo di Tikhon, ha creato l'immagine tragica di una persona "impersonale", rovinata dal "regno oscuro". “Era spaventoso guardarlo”, ha scritto un contemporaneo, “quando, vivendo un tormento mortale, si è liberato dalle mani di sua madre. Non tanto con le parole quanto con i gesti, le espressioni facciali, ha combattuto con sua madre e l'ha implorata di lasciarlo andare. Il suo ultimo grido: “Mamma! L'hai rovinata!" - era terribile; ha sconvolto e poi a lungo inseguito lo spettatore» (Annuario dei teatri imperiali. Stagione 1895/1986. App., libro. 3. - p. 8).

Molti ricordi dell'interpretazione del ruolo di Tikhon da parte dell'attore del Teatro Alexandrinsky AE Martynov sono stati lasciati dai suoi contemporanei, considerando questo ruolo come l'apice del lavoro di un attore eccezionale che ha incarnato con talento l'estetica di un drammaturgo sulla St. .Pietroburgo tappa. Il trionfo dell'attore è stato l'ultimo atto, che non ha interpretato, ma vissuto in modo penetrante, toccante, sincero. Dopo aver appreso che Katerina era uscita di casa, si precipitò a trovare sua moglie e pianse silenziosamente, tornando senza nulla, disarmando il pubblico con un profondo amore e pietà per Katerina. Le ultime parole di Tikhon hanno fatto vedere al pubblico in lui la nascita di una nuova persona, capace di difendere la propria dignità.

L'attore P.M.Sadovsky, l'interprete del ruolo di Wild, ha impressionato il pubblico con uno straordinario potere accusatorio nella commedia, dotandolo di una disposizione sfrenata e di una ferocia umana, che ha dominato Kalinov con potere dispotico. È stato un contributo luminoso e significativo alla galleria scenica di immagini della tirannia mercantile. Durante la vita dell'attore, il drammaturgo ha creato trentadue commedie e molti dei personaggi sono stati scritti appositamente per Prov Sadovsky. Va notato che essendo un amico intimo del drammaturgo, socio, persona affine e un importante promotore del suo dramma innovativo, l'attore ha creato più di trenta ruoli diversi nelle commedie di AN Ostrovsky, impressionando i suoi contemporanei con "un nuovo verità di cruda semplicità."

La studentessa di A. N. Ostrovsky O. O. Sadovskaya, che ha fatto il suo debutto su consiglio del drammaturgo al Maly Theatre, ha interpretato quaranta ruoli nelle commedie del suo autore preferito. In The Thunderstorm, l'attrice ha interpretato il ruolo di Barbara, Feklusha e Kabanikha. Sia per il drammaturgo stesso che per Sadovskaya, il principale mezzo di espressione nell'opera teatrale era la parola, che lei, come la pausa sul palco, parlava fluentemente. Secondo i critici, la combinazione di silenzio (pausa) e discorso, l'espressività mimica unica ha dato origine allo sviluppo dell'immagine.

È noto che mentre lavorava a spettacoli teatrali, Ostrovsky ha scritto ruoli appositamente per gli artisti del Maly Theatre. Quindi, ha scritto il ruolo di Varvara in "The Thunderstorm" per l'attrice Varvara Borozdina, chiamando questa eroina il suo nome, perché ha trattato la giovane attrice di talento "non solo amichevole, con profonda simpatia umana, ma ha anche apprezzato molto il suo talento, era sconvolto dal fatto che all'epoca il repertorio del Maly Theatre non avesse ruoli abbastanza interessanti per lei "(Ryzhov su Ryzhova. - M., 1983. - p. 18). Questo fatto parla di Ostrovsky come una persona e un artista sensibile e premuroso, preoccupato per il destino di attori e teatro di talento.

A modo di un regista, V.I. Nemirovich-Danchenko: “La performance non dovrebbe essere grandiosa, ma semplice, come una canzone. La canzone russa porta sempre un sentimento profondo e semplice ... Per elevarsi a un'opera teatrale, devi essere estremamente profondo e semplice ”(Annuario del teatro artistico di Mosca. - M. 1045. - pp. 276 - 278).

Ma fino alla fine, nessun regista è stato in grado di svelare il mistero di questa commedia. Nella soluzione compositiva di The Thunderstorms, il drammaturgo ha unito il tragico e il comico, l'epico e il lirico. L'opera è così multidimensionale, sfaccettata che è incredibilmente difficile trovarvi la chiave giusta. Finora, la chiave della "natura dei sentimenti" (secondo GA Tovstonogov) non è stata trovata in questa commedia. Apparentemente, questo spiega il fatto che nella storia del teatro russo non sia ancora apparso uno spettacolo "armoniosamente integrale" basato sull'opera del drammaturgo, che sarebbe diventato un vero evento artistico.

Ma quanto francamente rilevante, quanto audacemente può suonare Ostrovsky oggi. Basti ricordare gli spettacoli "Basta per ogni saggio" a Lenkom messo in scena da M. A. Zakharov o "Lupi e pecore" di G.А. Tovstonogov, nel Teatro Drammatico Bolshoi intitolato a M. Gorky. Resta da sperare che appaia un regista che "renderà il più grande servizio al teatro russo svelando il mistero di The Thunderstorm".

Dopo il brillante successo di The Thunderstorms, Ostrovsky ha scritto cinque nuove commedie. Nel 1861, il divieto di censura fu finalmente revocato dalla sua brillante idea - la commedia "La nostra gente - Facciamo il numero". Solo a Mosca e a San Pietroburgo nel 1561 furono date ottantacinque rappresentazioni basate sulle commedie del drammaturgo. Negli ultimi due decenni, lo scrittore ha lavorato molto intensamente.

La tavolozza creativa del drammaturgo è varia, gli oggetti della sua attenzione sono: l'esposizione della tirannia del "regno oscuro" come fenomeno sociale; l'impoverimento spirituale dell'ambiente nobile, lo smantellamento dell'apparato burocratico e burocratico: l'emergere di nuove forze sociali; il destino di una donna nelle condizioni del sistema esistente; il tipo emergente di uomo d'affari - "il nuovo maestro della vita"; talento e società e molto altro ancora.

La linea satirica accusatoria dell'opera di A. N. Ostrovsky ("Basta semplicità per ogni uomo saggio", "Cuore caldo", "Lupi e montoni", ecc.) Rende le sue opere simili alla satira di M. Ye. Saltykov-Shchedrin e A. V. Sukhovo -Kobylina. La linea socio-psicologica ("L'ultima vittima", "Dote", "Talenti e ammiratori", "Colpevole senza colpa", ecc.) - avvicina Turgenev al teatro, anticipa il teatro di Cechov. L'interesse per la storia russa si traduce in un ciclo di cronache storiche e il fascino per la mitologia slava - in una poetica "fiaba primaverile" - "Snow Maiden", che divenne fonte di ispirazione per N. A. Rimsky-Korsakov e P. I. Tchaikovsky.

Una caratteristica stilistica artistica molto importante del drammaturgo era il desiderio di creare immagini generalizzate, combinando il socio-tipico e l'individuo in esse. Mentre era ancora uno scrittore alle prime armi, Ostrovsky ha parlato della sua commedia "La nostra gente - saremo numerati": "Volevo che il pubblico marchiasse il vizio con il nome di Podkhalyuzin, proprio come lei marchia con il nome di Garpogon, Tartuffe, Nedorosl, Khlestakov e altri" (Ostrovsky A. N Collezione completa di opere: In 16 volumi - M., 1953. - T. 14. - P. 16). Il sogno è diventato realtà: nessuna delle sue immagini è diventata un nome familiare.

Negli anni '80, l'ultimo periodo del lavoro del drammaturgo, la critica scrive della macinazione del suo talento. Il vero significato dell'opera di Ostrovsky è stato riassunto da IA ​​Goncharov, che nel giorno del 35 ° anniversario della sua attività letteraria ha scritto: "Tu solo hai completato l'edificio, alla cui base sono state poste le pietre angolari Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Ma solo dopo di te noi russi possiamo dire con orgoglio: abbiamo il nostro teatro nazionale russo. Dovrebbe essere giustamente chiamato il teatro di Ostrovsky "(Goncharov I. A. Opere raccolte: in 8 volumi - M., 1955. - T. 8. - P. 491 - 492).

Tuttavia, nella storia della cultura russa, Ostrovsky appare non solo come il creatore del teatro nazionale russo, ma anche come un teorico dell'arte che ha delineato nuovi modi di sviluppare l'estetica teatrale russa.

Nel 1865 fu Ostrovsky a diventare uno degli iniziatori dell'organizzazione del "Circolo artistico" con la partecipazione dello scrittore V.F. Odoevsky, musicista N.G. Rubinstein, collega e amico, attore P.M.Sadovsky. È stata la prima associazione creativa di operatori teatrali russi a sostituire la scuola di teatro.

Il nuovo tipo di dramma scoperto dallo scrittore ha causato la necessità di una scuola di recitazione realistica, che corrispondesse ai principi dei "drammi della vita". “Perché lo spettatore rimanga soddisfatto”, ha scritto, “è necessario che davanti a lui non ci fosse uno spettacolo, ma la vita, perché ci fosse un'illusione completa, perché si dimenticasse di essere a teatro. Pertanto, è necessario che gli attori, presentando l'opera, sappiano anche immaginare la vita, in modo che sappiano come vivere sul palco ”(A. Ostrovsky. 12. - P. 151).

Un'autorità indiscutibile per gli attori, il drammaturgo ritiene che il regista debba essere anche l'insegnante che lavora con l'attore sul ruolo. Non accettando il "premiership", parla della creazione di un "ensemble", impossibile senza la volontà del regista, la disciplina artistica e la tradizione che contribuiscono all'uniformità della rappresentazione scenica.

Parlando con la lettura di commedie, insegnando recitazione, Ostrovsky solleva il problema della partecipazione dell'autore dell'opera teatrale al lavoro creativo del regista. L'autore aiuta gli attori a comprendere l'essenza dello spettacolo e le sue immagini, a trovare il tono giusto.

Lottando con i cliché delle arti performative, ha un atteggiamento negativo nei confronti del “dilettantismo”: per un dilettante il teatro non è una cosa seria, ma solo divertimento.

L'attore è sempre rimasto l'anima dello spettacolo, il maestro della "vera arte scenica" per il drammaturgo. Dando la dovuta importanza alla scuola di recitazione, dove vengono poste le basi professionali, Ostrovsky assegna il ruolo principale nel processo di ulteriore sviluppo professionale al palcoscenico teatrale, sul quale si formano "artisti veri e completi".

Nel 1874, con la partecipazione del critico teatrale e traduttore V.I. Rodislavsky, Ostrovsky creò la Society of Russian Drama Writers. Rimanendo più volte all'estero, Ostrovsky era interessato allo sviluppo dell'attività teatrale nei paesi europei. Le impressioni accumulate, l'analisi dell'esperienza straniera sono servite a valutare la sfera teatrale domestica da parte del drammaturgo. Sta lavorando a una serie di note e articoli in cui fornisce una descrizione completa dell'allora stato del dramma e degli affari teatrali russi, essendo giunto alla conclusione che il teatro imperiale della capitale non può adempiere all'alta missione del teatro nazionale russo. Vede una via d'uscita nella creazione a Mosca di un teatro di una nuova cultura scenica, pubblica e democratica.

Poco prima della sua morte, Ostrovsky diresse il repertorio dei teatri imperiali di Mosca. L'anziano drammaturgo si mette al lavoro con entusiasmo, ma non riesce a lavorare a lungo - dopo sei mesi non c'è più.

Il teatro di Ostrovsky, secondo l'adeguata definizione del critico, è un "teatro etico", la cui carica morale dà fede nella vita. La sua arte è genuina, importante e quindi necessaria.

Per confermare il legame esistente tra l'arte di Ostrovsky e la modernità, in conclusione, vorrei ricordare una delle interpretazioni teatrali più vivide della commedia "Lupi e pecore" messa in scena dall'eccezionale regista del XX secolo Georgy Aleksandrovich Tovstonogov sul palcoscenico del Teatro Drammatico Bolshoi di Leningrado. M. Gorky, realizzato negli anni '80.

La performance di G. A. Tovstonogov è diventata quella vittoria quando il teatro riesce a combinare in sé una scuola, una vacanza, uno spettacolo e un intrattenimento. Il regista era interessato alla psicologia della non interferenza, della connivenza. “Da dove vengono i 'lupi', cosa contribuisce alla loro attivazione? L'indifferenza dei Lynyaev. Il drammaturgo ha visto come la scala della predazione stava crescendo di generazione in generazione ", ha scritto il regista. Il teatro aveva bisogno di farlo “affinché lo spettacolo potesse vedere la portata attuale del fenomeno stesso, in modo che l'ingenuo intrigo dei “lupi” di un secolo fa facesse pensare alla mafia prevalente nel mondo di oggi” (Tovstonogov GA Stage specchio Libro 2. - L. , 1984 .-- S. 72). Questa è la rilevanza del tema.

In un gilet rosa mozzafiato, con una pancia rotonda "affascinante", splendide basette e baffi, "gatto" signorile, esausto, regalmente pigro, ozioso - Mikhail Borisych Lynyaev interpretato da O. V. Basilashvili ha fatto piangere il pubblico dalle risate. Il pubblico, seguendo l'eccitante processo di nascita del pensiero di Lynyaev, sembrava anticipare la direzione del suo movimento. E il problema principale, attorno al quale il pensiero di Lynyaev lavorava intensamente, si riduceva a una cosa: come dormire per un'ora o due. Tale Lynyaev era la figura centrale in questa performance di connivenza. Tovstonogov ha dato a "Wolves and Sheep" la purezza del genere: c'era la commedia, la satira sul palco, le risate regnavano sul palco. In effetti, in molte esibizioni professionali di "buona qualità" basate su questa commedia di Ostrovsky, le risate erano un ospite raro. L'esibizione della BDT ha "guarito" dal ridere, coscienziosa, ha reso la gente, rimanendo una "festa" di gioia per gli occhi e per l'anima.

Tutto ciò che Ostrovsky sognava era sul palco: la verità della vita, una brillante collaborazione, un gruppo superbamente ben coordinato; in un insieme unico di attori, ognuno era una star, ognuno aveva la sua melodia, ma tutto questo era subordinato a un piano comune: denunciare Lynyaev, Lyniavschina come un pericoloso fenomeno sociale del XX secolo.

Oggi, già dal XXI secolo, si può dire con sicurezza: Ostrovsky è nostro contemporaneo.

L-ra: Letteratura russa nelle scuole dell'Ucraina. - 2002. - N. 5. - S. 40-45.

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Ostrovsky dramma dote psicologica

I servizi di Ostrovsky al teatro russo, al teatro nazionale, sono enormi. Per quasi quarant'anni di A.N. Ostrovsky ha creato un ricco repertorio: una cinquantina di opere originali, diverse opere scritte in coautore. È stato anche coinvolto in traduzioni e alterazioni di opere teatrali di altri autori. Un tempo, dando il benvenuto al drammaturgo nel 35esimo anniversario della sua carriera, I.A. Goncharov ha scritto: “Hai donato un'intera biblioteca di opere d'arte alla letteratura, hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Tu solo hai completato l'edificio, alla cui base hai posto le pietre angolari Fonvizin, Griboedov, Gogol. Ma solo dopo di te noi russi possiamo dire con orgoglio: “Abbiamo il nostro teatro nazionale russo. Dovrebbe giustamente essere chiamato Ostrovsky Theatre AI Zhuravlev, VN Nekrasov. Teatro A.N. Ostrovskij. - M.: Arte, 1986, p. otto..

Il talento di Ostrovsky, che ha continuato le migliori tradizioni del dramma classico russo, che ha affermato il dramma dei personaggi e dei costumi sociali, la generalizzazione profonda e ampia, ha avuto un'influenza decisiva su tutto il successivo sviluppo del dramma russo progressivo. In misura maggiore o minore, sia L. Tolstoj che Cechov impararono da lui e procedettero da lui. È con quella linea del dramma psicologico russo, che Ostrovsky ha rappresentato così splendidamente, che è collegata anche la drammaturgia di Gorky. Le capacità drammatiche di Ostrovsky sono allo studio e saranno studiate a lungo da autori contemporanei.

Sarà giusto dire che anche prima di Ostrovsky, il dramma progressista russo aveva ottimi spettacoli. Ricordiamo "Minore" di Fonvizin, "Guai dallo spirito" di Griboedov, "Boris Godunov" di Pushkin, "Ispettore generale" di Gogol e "Masquerade" di Lermontov. Ognuna di queste commedie potrebbe arricchire e decorare, come ha giustamente scritto Belinsky, la letteratura di qualsiasi paese dell'Europa occidentale.

Ma queste commedie erano troppo poche. E non furono loro a determinare lo stato del repertorio teatrale. In senso figurato, torreggiavano al di sopra del livello del dramma di massa come montagne solitarie e rare in un'infinita pianura desertica. La stragrande maggioranza delle commedie che riempivano il palcoscenico teatrale di quel tempo erano traduzioni di vaudeville vuoto e frivolo e melodrammi sentimentali intessuti di orrore e crimine. Sia il vaudeville che i melodrammi, terribilmente lontani dalla vita reale, specialmente dalla vera realtà russa, non erano nemmeno la sua ombra.

Il rapido sviluppo del realismo psicologico, che osserviamo nella seconda metà del XIX secolo, si è manifestato anche nel dramma. L'interesse per la persona umana in tutti i suoi stati ha costretto gli scrittori a cercare mezzi per la loro espressione. Nel dramma, il principale mezzo di questo tipo era l'individualizzazione stilistica del linguaggio dei personaggi, ed è stato Ostrovsky a svolgere il ruolo principale nello sviluppo di questo metodo.

Inoltre, in psicologia, Ostrovsky fece un tentativo di andare oltre, lungo la strada per fornire ai suoi eroi la massima libertà possibile nell'ambito del piano dell'autore: il risultato di un tale esperimento fu l'immagine di Katerina in The Thunderstorm. Alexander Nikolaevich Ostrovsky considerò l'inizio del suo percorso letterario nel 1847, quando lesse l'opera teatrale "Family Picture" con grande successo nella casa del professore e scrittore della joint venture. Shevyreva. La sua prossima opera teatrale, "La nostra gente - numerata!" (il nome originale "Bankrupt") fece conoscere il suo nome a tutti coloro che leggevano la Russia. Dall'inizio degli anni '50. collabora attivamente alla rivista dello storico M.P. Pogodin "Moskvityanin" e presto, insieme ad A.A. Grigoriev, L.A. Mei e altri formarono il "giovane comitato editoriale" di "Moskvityanin", che cercò di fare della rivista un organo di una nuova tendenza nel pensiero sociale, vicino allo slavofilismo e precedente allo sviluppo del suolo. La rivista promuoveva l'arte realistica, l'interesse per la vita popolare e il folklore, la storia russa, in particolare la storia delle classi svantaggiate.

Ostrovsky è arrivato alla letteratura come il creatore di uno stile teatrale distintivo a livello nazionale basato sul folklore in poetica. Ciò si è rivelato possibile perché ha iniziato con la rappresentazione degli strati patriarcali del popolo russo, che conservava lo stile di vita familiare, familiare e culturale pre-petrino, quasi non europeizzato. Era anche un ambiente "prepersonale", per la sua rappresentazione la poetica del folklore poteva essere utilizzata il più ampiamente possibile con la sua estrema generalizzazione, con tipi stabili, come immediatamente riconoscibili da ascoltatori e spettatori, e anche con una situazione di trama principale ripetitiva - la lotta degli amanti per la loro felicità. Su questa base è stato creato il tipo di commedia psicologica popolare di Ostrovsky Letteratura russa dei secoli 19-20 / Comp. B.S. Bugrov, M.M. Golubkov. - M.: Aspect Press, 2000, p. 202..

È importante capire cosa ha predeterminato la presenza di un dramma psicologico nell'opera di Alexander Nikolaevich Ostrovsky. Prima di tutto, a nostro avviso, il fatto che abbia originariamente creato le sue opere per il teatro, per la messa in scena. Il gioco era per Ostrovsky la forma più completa di pubblicazione del gioco. Solo con la rappresentazione teatrale la finzione drammatica dell'autore riceve una forma completamente finita e produce esattamente quell'impatto psicologico, il cui raggiungimento l'autore si è prefissato l'obiettivo di Kotikov P.B. La voce dello spettatore è contemporanea. (F.A.Kony su A.N.Ostrovsky) // Letteratura a scuola. - 1998. - N. 3. - P. 18-22 ..

Inoltre, nell'era di Ostrovsky, il pubblico teatrale era più democratico, più "variato" in termini di livello sociale ed educativo rispetto ai lettori. Secondo la giusta opinione di Ostrovsky, la percezione della finzione richiede un certo livello di istruzione e l'abitudine di leggere seriamente. Lo spettatore può andare a teatro solo per divertimento, ed è affare del teatro e del drammaturgo, affinché lo spettacolo diventi insieme un piacere e una lezione morale. In altre parole, la performance teatrale dovrebbe avere il massimo impatto psicologico sullo spettatore.

L'attenzione all'esistenza scenica del dramma determina anche l'attenzione speciale dell'autore alle caratteristiche psicologiche di ciascun eroe: sia il personaggio principale che quello secondario.

Lo psicologismo della descrizione della natura ha predeterminato il futuro scenario della scena.

UN. Ostrovsky ha assegnato un ruolo significativo al titolo di ciascuna delle sue opere, concentrandosi anche su un'ulteriore produzione teatrale, che generalmente non era tipica della letteratura russa dell'era del realismo. Il fatto è che lo spettatore percepisce subito lo spettacolo, non può, come il lettore, fermarsi a pensare, tornare all'inizio. Pertanto, deve essere immediatamente sintonizzato psicologicamente dall'autore sull'uno o sull'altro tipo di spettacolo che sta per vedere. Il testo della commedia, come sai, inizia con un poster, cioè il nome, la definizione del genere e un elenco di personaggi caratterizzati da più caratteri. Già il manifesto, quindi, raccontava allo spettatore il contenuto e il "come finire", e spesso anche la posizione dell'autore: con chi simpatizza l'autore, come valuta l'esito dell'azione drammatica. I generi tradizionali in questo senso erano i più definiti e chiari. Commedia significa che per gli eroi con cui l'autore e lo spettatore simpatizzano, tutto finirà felicemente (il significato di questo benessere può, ovviamente, essere molto diverso, a volte in contrasto con la percezione pubblica) Zhuravleva A.I. Riproduzioni di A.N. Ostrovsky sul palcoscenico teatrale // Letteratura a scuola. - 1998. - N. 5. - S. 12-16 ..

Ma con la complicazione della vita rappresentata nella commedia, è diventato sempre più difficile dare una chiara definizione di genere. E spesso abbandonando il nome "commedia", Ostrovsky chiama il genere "scene" o "dipinti". "Scene" - un tale genere è apparso nella giovinezza di Ostrovsky. Quindi è stato associato alla poetica della "scuola naturale" ed era qualcosa come uno schizzo drammatizzato, disegnando tipi caratteristici in una trama, che è un episodio separato, un'immagine delle vite dei personaggi. Nelle "scene" e nelle "immagini" degli anni 1860 e 1870, vediamo qualcosa di diverso. Qui abbiamo una trama completamente sviluppata, uno sviluppo coerente di un'azione drammatica che porta a un epilogo, un conflitto drammatico completamente esauriente. Il confine tra "scene" e commedia non è sempre facile da definire in questo periodo. Forse si possono evidenziare due ragioni per il rifiuto di Ostrovsky dalla definizione di genere tradizionale. In alcuni casi, al drammaturgo sembra che il divertente incidente a cui si fa riferimento nell'opera teatrale non sia abbastanza tipico e "su larga scala" per una profonda generalizzazione e importanti conclusioni morali - ed è così che Ostrovsky ha compreso l'essenza della commedia (ad esempio , “Non tutto il gatto è Shrovetide”). In altri casi, c'era troppo triste e difficile nella vita degli eroi, anche se il finale si è rivelato un successo ("Deeps", "Late Love") Zhuravlev A.I. Riproduzioni di A.N. Ostrovsky sul palcoscenico teatrale // Letteratura a scuola. - 1998. - N. 5. - S. 12-16 ..

Nelle commedie degli anni 1860-1870 si verifica un graduale accumulo di drammi e si forma un eroe, necessario per il genere del dramma nel senso stretto della parola. Questo eroe, prima di tutto, deve avere una coscienza personale sviluppata. Finché interiormente, spiritualmente non si sente opposto all'ambiente, in generale non se ne separa, può evocare simpatia, ma ancora non può diventare un eroe di un dramma, per il quale una lotta attiva ed efficace dell'eroe con le circostanze è necessario. La formazione della dignità morale personale e il valore extra-classe di una persona nelle menti dei lavoratori poveri, le masse urbane attirano il vivo interesse di Ostrovsky. L'aumento del senso della personalità causato dalla riforma, che ha catturato uno strato abbastanza ampio della popolazione russa, fornisce materiale e costituisce la base per il dramma. Nel mondo artistico di Ostrovsky, con il suo brillante dono comico, un conflitto di natura drammatica continua spesso a risolversi in una struttura drammatica. "La verità è buona, ma la felicità è migliore" si rivela semplicemente una commedia letteralmente sull'orlo del dramma: il prossimo "grande spettacolo", di cui si parla nella lettera sopra citata, è "The Dowry". Avendo inizialmente concepito "scene" a cui non attribuiva molta importanza, Ostrovsky ha sentito l'importanza dei personaggi e del conflitto nel corso del suo lavoro. E sembra che il punto qui sia principalmente nell'eroe - Platon Zybkin.

Un amico della giovinezza di Ostrovsky, un meraviglioso poeta e critico A.A. Grigoriev vide "una delle alte ispirazioni di Ostrovsky" in Chatsky. Ha anche chiamato Chatsky "l'unica persona eroica nella nostra letteratura" (1862). A prima vista, l'osservazione del critico può sorprendere: Griboedov e Ostrovsky hanno ritratto mondi molto diversi. Tuttavia, a un livello più profondo, si rivela la correttezza incondizionata del giudizio di Grigoriev.

Griboyedov ha creato nel dramma russo il tipo di "eroe supremo", cioè un eroe attraverso una parola diretta e liricamente vicina all'autore, rivelando la verità, valutando gli eventi che si svolgono nel gioco e influenzando il loro corso. Era un eroe personale con indipendenza e resistenza alle circostanze. A questo proposito, la scoperta di Griboedov ha influenzato l'intero corso ulteriore della letteratura russa del XIX secolo e, naturalmente, Ostrovsky.

L'orientamento verso un ampio, diretto nelle loro percezioni e impressioni dello spettatore ha determinato la pronunciata originalità della drammaturgia di Ostrovsky. Era convinto che il pubblico popolare nei drammi e nelle tragedie avesse bisogno di "un profondo sospiro, per tutto il teatro, vere lacrime calde, discorsi ardenti che si riversassero direttamente nell'anima".

Alla luce di queste esigenze, il drammaturgo ha scritto commedie di grande intensità ideologica ed emotiva, comiche o drammatiche, commedie che "catturano l'anima, fanno dimenticare il tempo e il luogo". Creando opere teatrali, Ostrovsky procedeva principalmente dalle tradizioni del dramma popolare, dalle esigenze del dramma forte e del grande comico. "Gli autori russi vogliono cimentarsi", dichiarò, "davanti a un pubblico fresco, i cui nervi non sono molto flessibili, per il quale un dramma forte, un grande comico, che evoca risate franche e rumorose, sentimenti caldi e sinceri, vivaci e forti caratteri è obbligatorio."

Il famoso critico teatrale F.A. Koni, famoso per la sua imparzialità e coraggio, apprezzò immediatamente l'alta qualità delle opere di Ostrovsky. Koni considerava la semplicità del contenuto una delle virtù dell'opera drammatica, e vedeva questa semplicità, elevata ad arte, nelle commedie di Ostrovsky nella rappresentazione dei volti. Koni ha scritto, in particolare sull'opera teatrale moscoviti: “Il drammaturgo ha fatto innamorare gli eroi che ha creato. mi ha fatto innamorare di Rusakov, Borodkin e Dunya, nonostante il loro intrinseco imbarazzo esterno, perché era in grado di rivelare il loro lato umano interiore, che non poteva che influenzare l'umanità del pubblico. ”Koni A.F. Alla commedia "Moscoviti" // Repertorio e pantheon del palcoscenico russo. - 1853. - N. 4. - P. 34 // Vedi. Kotikova P.B. La voce dello spettatore è contemporanea. (F.A.Kony su A.N.Ostrovsky) // Letteratura a scuola. - 1998. - N. 3. - P. 18-22 ..

Anche A.F. Koni ha notato il fatto che prima di Ostrovsky "neanche i contrasti (psicologici) sono ammessi nella commedia russa: tutte le facce sono su un blocco - tutti i furfanti e gli sciocchi senza eccezioni" Koni A.F. Qual è la nazionalità russa? // Repertorio e pantheon della scena russa. - 1853. - N. 4. - P. 3 // Vedi. Kotikova P.B. La voce dello spettatore è contemporanea. (F.A.Kony su A.N.Ostrovsky) // Letteratura a scuola. - 1998. - N. 3. - P. 18-22 ..

Quindi, possiamo dire che già ai tempi di Ostrovsky, i critici hanno notato la presenza nelle sue opere drammatiche di un sottile psicologismo in grado di influenzare la percezione del pubblico degli eroi delle commedie.

Va notato che nelle sue commedie e drammi Ostrovsky non si è limitato al ruolo di un denunciatore satirico. Ha ritratto in modo vivido e comprensivo le vittime del dispotismo socio-politico e familiare e domestico, i lavoratori, gli amanti della verità, gli educatori, i protestanti cordiali contro l'arbitrio e la violenza. Questi suoi eroi apparvero nel regno oscuro dell'autocrazia come "raggi luminosi" che proclamavano l'inevitabile vittoria della giustizia V.Ya. Lakshin. Teatro Ostrovskij. - M.: Arte, 1985, p. 28 ..

Punendo i potenti, gli "oppressori", i tiranni con una corte formidabile, simpatizzando con gli svantaggiati, attirando eroi degni di imitazione, Ostrovsky trasformò il dramma e il teatro in una scuola di costumi pubblici.

Il drammaturgo non solo ha reso gli eroi positivi delle sue opere persone del lavoro e del progresso, portatrici della verità e della saggezza del popolo, ma ha anche scritto in nome del popolo e per il popolo. Ostrovsky ha ritratto nelle sue commedie la prosa della vita, la gente comune nelle circostanze quotidiane. Ma ha sollevato questa prosa della vita nel quadro di tipi artistici di tremenda generalizzazione.

Ostrovsky

Infanzia e adolescenza, anni di servizio, attività

Alexander Nikolaevich Ostrovsky nacque il 31 marzo (12 aprile) 1823 a Mosca su Malaya Ordynka. Suo padre, Nikolai Fedorovich, era figlio di un prete, si laureò lui stesso al seminario di Kostroma, poi all'Accademia teologica di Mosca, ma iniziò a esercitare la professione di avvocato giudiziario, occupandosi di proprietà e questioni commerciali; salì al rango di consigliere titolare, e nel 1839 ricevette la nobiltà. La madre, Lyubov Ivanovna Savvina, figlia di un sagrestano, è morta quando Alexander aveva solo otto anni. La famiglia aveva quattro figli. La famiglia viveva in prosperità, molta attenzione era rivolta allo studio dei bambini che ricevevano l'educazione domestica. Cinque anni dopo la morte di sua madre, suo padre sposò la baronessa Emilia Andreevna von Tessin, figlia di un nobile svedese russificato. I bambini sono stati fortunati con la loro matrigna: li ha circondati di cure e ha continuato a insegnare loro. Alexander è diventato dipendente dalla lettura da bambino, riceve una buona educazione a casa, conosce il greco, il latino, il francese, il tedesco, in seguito - inglese, italiano, spagnolo. Quando Alessandro aveva tredici anni, suo padre si sposò una seconda volta con la figlia di un barone svedese russificato, che non era troppo impegnato a crescere i figli dal primo matrimonio di suo marito. Con il suo arrivo, il modo di vivere domestico cambia notevolmente, la vita burocratica viene rimodellata in modo nobile, l'ambiente cambia, si sentono nuovi discorsi in casa. A questo punto, il futuro drammaturgo aveva riletto quasi tutta la biblioteca di suo padre .. L'infanzia di Ostrovsky e parte della sua giovinezza trascorse nel centro di Zamoskvorechye. Grazie alla vasta biblioteca di suo padre, conobbe presto la letteratura russa e sentì un debole per la scrittura, ma suo padre voleva fare di lui un avvocato. Nel 1835, Ostrovsky entrò nel 1 ° Ginnasio di Mosca, dopo di che nel 1840 divenne studente presso la facoltà di giurisprudenza dell'Università di Mosca, ma non riuscì a completare il corso, poiché ebbe un litigio con uno degli insegnanti (ha studiato fino a quando 1843). Su richiesta di suo padre, Ostrovsky entrò al servizio di uno scriba in tribunale e prestò servizio nei tribunali di Mosca fino al 1851; il suo primo stipendio era di 4 rubli al mese, dopo un po' salì a 15 rubli.

Anni universitari

Dal 1835-1840 - Ostrovsky sta studiando al primo ginnasio di Mosca. Nel 1840, dopo essersi diplomato al ginnasio, fu iscritto alla facoltà di giurisprudenza dell'Università di Mosca. All'università, uno studente della facoltà di giurisprudenza Ostrovsky ha avuto la fortuna di ascoltare le lezioni di esperti di storia, giurisprudenza e letteratura come T.N. Granovsky, N.I. Krylov, M.P. Pogodin. Qui il futuro autore di "Minin" e "Voyevoda" viene prima esposto alla ricchezza delle cronache russe, la lingua appare davanti a lui in una prospettiva storica. Ma nel 1843 Ostrovsky lasciò l'università, non volendo ripetere l'esame. Quindi entrò nell'ufficio del Consiglio di corte di Mosca, in seguito prestò servizio presso il tribunale commerciale (1845-1851). Questa esperienza ha avuto un ruolo significativo nel lavoro di Ostrovsky. La seconda università è il Maly Theatre. Dipendente dal palcoscenico negli anni del ginnasio, Ostrovsky diventa un habitué del più antico teatro russo.

Primi ascolti

1847 - nel volantino della città di Mosca, Ostrovsky pubblica la prima bozza della futura commedia "La nostra gente è numerata" con il titolo "Il debitore insolvente", poi la commedia "Picture of Family Happiness" (in seguito "Family Picture") e un saggio in prosa "Note di un residente di Zamoskvoretsky" .. La fama letteraria Ostrovsky ha portato la commedia "La nostra gente - numerata!" (nome originale - "Bankrupt"), pubblicato nel 1850. Il gioco ha evocato risposte di approvazione da H. V. Gogol, I. A. Goncharov. Gli influenti mercanti moscoviti, offesi per la loro classe, si lamentavano con i "capi"; Di conseguenza, la commedia è stata bandita dalla produzione e l'autore è stato licenziato dal servizio e posto sotto la supervisione della polizia per ordine personale di Nicola I. La supervisione è stata rimossa dopo l'adesione di Alessandro II e l'opera è stata messa in scena solo nel 1861. Dopo la commedia "La nostra gente è numerata", Ostrovsky ogni anno pubblica una, e talvolta due o tre opere, scrivendo così 47 opere teatrali di vario genere, dalla tragedia agli episodi drammatici. Inoltre, ci sono anche commedie scritte insieme ad altri drammaturghi - S.A. Gedeonov, N. Ya. Solovyov, P.M. Nevezhin, oltre a oltre 20 opere tradotte (K. Goldoni, N. Macchiavely, M. Cervantes, Terenzio, ecc.).

Anni di servizio in tribunale

Nel 1843, su richiesta di suo padre, Alexander Nikolaevich Ostrovsky entrò in servizio come impiegato presso il tribunale di coscienza di Mosca. Nel 1845 si trasferì al tribunale commerciale di Mosca. Ostrovsky prestò servizio nei tribunali di Mosca fino al 1851. Ostrovsky percepiva il servizio nei tribunali come un dovere. Ma lo ha eseguito fedelmente. Successivamente, l'esperienza del lavoro giudiziario lo ha aiutato molto nella creazione di opere di attualità. Ostrovsky ha preso molte idee per i giochi da lì. La pratica legale di suo padre e il servizio in tribunale per quasi otto anni hanno dato al futuro drammaturgo ricco materiale per le sue commedie.

ultimi anni di vita

Alla fine della sua vita, Ostrovsky raggiunse finalmente la prosperità materiale (ricevette una pensione a vita di 3 mila rubli), e nel 1884 assunse la posizione di capo del repertorio dei teatri di Mosca (il drammaturgo sognava di servire il teatro tutto il suo vita). Ma la sua salute era minata, le sue forze erano esaurite.

Ostrovsky non solo ha insegnato, ha anche studiato. Numerose esperienze di Ostrovsky nel campo della traduzione della letteratura drammatica antica, inglese, spagnola, italiana e francese non solo hanno testimoniato la sua ottima conoscenza della letteratura drammatica di tutti i tempi e di tutti i popoli, ma giustamente sono state considerate dagli studiosi della sua opera come un una sorta di scuola di abilità drammatica, che Ostrovsky ha attraversato per tutta la vita (ha iniziato nel 1850 con la traduzione della commedia di Shakespeare "La bisbetica domata").

La morte lo trovò a tradurre la tragedia di Shakespeare "Antonio e Cleopatra") il 2 giugno (14), 1886 nella tenuta di Shchelykovo, nella regione di Kostroma, da una malattia ereditaria - l'angina pectoris. È sceso nella tomba senza fare tutto quello che poteva fare, ma ha fatto un'enorme quantità. Dopo la morte dello scrittore, la Duma di Mosca ha allestito una sala di lettura intitolata ad A.N. Ostrovskij. Il 27 maggio 1929, a Mosca, in piazza Teatralnaya di fronte al Teatro Maly, dove venivano rappresentate le sue commedie, fu inaugurato un monumento a Ostrovsky (scultore N.A.Andreev, architetto I.P. Mashkov). UN. Ostrovsky è elencato nel Libro dei primati russo "Divo" come "il drammaturgo più prolifico" (1993).

Ostrovsky - il creatore del teatro nazionale russo

Alexander Nikolaevich Ostrovsky è considerato il fondatore del teatro drammatico russo. Avendo lavorato per il palcoscenico russo per quasi quarant'anni, Ostrovsky ha creato un intero repertorio: cinquantaquattro commedie. Inoltre, ha scritto numerose traduzioni da Cervantes, Shakespeare, Goldoni. io Goncharov scrisse ad A.N. Ostrovsky: "Hai donato un'intera biblioteca di opere d'arte alla letteratura, creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Solo tu hai completato l'edificio, alla cui base hai posto le pietre angolari Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Ma solo dopo di te, noi russi possiamo dire con orgoglio: "Abbiamo il nostro teatro nazionale russo". In tutta onestà, dovrebbe essere chiamato: "Teatro di Ostrovsky". teatro e scuole di teatro.Ciò portò naturalmente al fatto che nel 1885 il drammaturgo fu nominato capo della parte di repertorio del Teatro Maly, mettendolo "nel cerchio" 5.800 rubli e un anno prima, il fratello dello scrittore gli procurò un pensione di 3.000 rubli Si calmò un po ': grazie a Dio, la testa non farà male alla famiglia, ma non provava molta gioia. E anche allora - mancava solo un anno di vita ... Durante quest'anno, lavora praticamente in teatro, scrive, traduce, progetta di aprire corsi di recitazione. Tuttavia, un attacco di cuore è seguito da un altro, e poi c'è la febbre; e prima di lei - uno shock nervoso dal fuoco nella sua amata Shchelykov; e ancora, un attacco di soffocamento... sconsolato da tutto questo, Alexander Nikolaevich decide il 28 maggio di andare da Mosca a Shchelykovo: in fondo natura, aria fresca, pace. Sì, e il Maly Theatre è andato a Varsavia, portando via otto dei suoi spettacoli, mentre altri teatri sono ancora chiusi - non c'è stagione; puoi riposarti un po'.