Väljaanded jaotises Muuseumid

Kaunitaride saatused kuulsatelt portreedelt

Tunneme neid nägemise järgi ja imetleme nende ilu parimas nooruses. Aga kuidas need naised pärast maali valmimist elasid? Mõnikord osutub nende saatus üllatavaks. Mälestame koos Sofia Bagdasarovaga.

Sarah Fermor

JA MINA. Višnjakov. Sarah Eleanor Fermori portree. Umbes 1749–1750. Vene muuseum

Višnjakovi maal on üks ilusamaid vene rokokoo näiteid ja üks kuulsamaid keisrinna Elizabeth Petrovna ajastu portreesid. Eriti muljetavaldav on kontrast 10-aastase tüdruku lapseliku sarmi ja selle vahel, et ta püüab teha kõike "nagu täiskasvanu": ta nõustub õige rüht, hoiab etiketi järgi lehvikut, hoiab õukonnakleidi korsetis püüdlikult kehahoiakut.

Sarah on Vene teenistuses venestatud šotlase kindral Willim Fermori tütar. Just tema võttis meile Königsbergi ja kogu Ida-Preisimaa ning ehitas riigiteenistuses pärast tulekahju uuesti üles klassikalise Tveri sellisel kujul, mis meid praegu rõõmustab. Sarah' ema oli samuti pärit Šoti perekonnast - Bruces'ist ja kuulsa Jacob Bruce'i vennatütar, "Nõia Sukharevi tornist".

Saara abiellus tol ajal hilja, 20-aastaselt oma eakaaslase Jacob Pontus Stenbockiga, Rootsi krahviperekonna esindajaga (sealt oli pärit isegi üks Rootsi kuninganna). Stenbockid olid selleks ajaks kolinud Venemaa Eestisse. Paar elas ausalt öeldes päris hästi: piisab, kui öelda, et nende Tallinna palees asuvad praegu Eesti peaministri ruumid ja valitsuse istungite ruum. Saarast sai mõnede märkide kohaselt üheksa lapse ema ja ta suri keiser Aleksander I ajal - kas 1805. aastal või isegi 1824. aastal.

Maria Lopukhina

V.L. Borovikovski. Portree M.I. Lopukhina. 1797. Tretjakovi galerii

Borovikovski maalis palju portreesid vene aadlikest, kuid see on kõige võluvam. Selles rakendatakse kõiki meistri võtteid nii osavalt, et me ei märkagi täpselt, kuidas meid nõiutakse, kuidas luuakse selle noore daami võlu, kellele peaaegu sada aastat hiljem pühendas Jakov Polonsky luuletusi (“... kuid Borovikovsky päästis ta ilu”).

Lopukhina on portreel 18-aastane. Tundub ka tema kergus ja pisut üleolev välimus normaalne rüht sellise sentimentalismi ajastu portree eest või märgid melanhoolsest ja poeetilisest meelelaadist. Kuid me ei tea, milline ta iseloom tegelikult oli. Samal ajal Maria, selgub, oli õde Fjodor Tolstoi (ameeriklane), kuulus oma poolest trotslik käitumine. Üllataval kombel, kui vaadata tema venna portreed tema nooruspõlves (L. N. Tolstoi Riiklik Muuseum), näeme sama imposantset ja pingevaba viisi.

Portree tellis tema abikaasa Stepan Lopukhin vahetult pärast pulmi. Lopukhin oli vanem kui Maria 10 aastat ja pärines jõukast ja aadlisuguvõsa. Kuus aastat pärast pildi maalimist suri tüdruk tarbimise tõttu. Kümme aastat hiljem suri ka tema abikaasa. Kuna nad olid lastetud, päris maali Fjodor Tolstoi ainus ellujäänud tütar, kellelt Tretjakov selle 1880. aastatel ostis.

Giovannina Pacini

K.P. Brjullov. Rattur. 1832. Tretjakovi galerii

Brjullovi “Ratsunaine” on geniaalne tseremoniaalne portree, milles kõik on luksuslik – värvide heledus, kardinate hiilgus ja modellide ilu. Vene akadeemilisusel on, mille üle uhkust tunda.

Sellele on kirjutatud kaks tüdrukut, kes kandsid perekonnanime Pacini: vanim Giovannina istub hobuse seljas, noorem Amatzilia vaatab teda verandalt. Kuid kas neil oli õigus sellele perekonnanimele, pole siiani selge. Maali tellis tema kauaaegselt kallimalt Karl Brjullovilt nende lapsendaja, krahvinna Julia Samoilova, üks Venemaa ilusamaid naisi ning Skavronskyde, Litta ja Potjomkini kolossaalse varanduse pärija. Esimesest abikaasast lahkununa läks Samoilova elama Itaaliasse, kus nii Rossini kui ka Bellini külastasid tema salongi. Krahvinnal polnud oma lapsi, kuigi ta abiellus veel kaks korda, üks kord noore ja nägusa mehega Itaalia laulja Peri.

Kõrval ametlik versioon, Giovannina ja Amazilia olid õed - ooperi “Pompei viimane päev” autori, helilooja Giovanni Pacini, krahvinna sõbra (ja kuulujuttude järgi armukese) tütred. Ta võttis nad pärast mehe surma oma koju. Dokumentide järgi otsustades oli Pacinil aga ainult üks tütar, tüdrukutest noorim. Kes oli vanim? On olemas versioon, et ta sündis väljaspool abielu sama tenori Peri, Samoilova teise abikaasa õe poolt. Või oli krahvinnal ja tüdrukul lähedasem suhe perekondlik side... Ega asjata hakati “Ratsunaist” esmakordselt pidama krahvinna enda portreeks. Pärast täiskasvanuks saamist abiellus Giovannina Austria ohvitseri, husaarirügemendi kapteni Ludwig Aschbachiga ja läks temaga Prahasse. Samoilova garanteeris talle suure kaasavara. Kuna aga krahvinna läks vanas eas pankrotti (kolmandale abikaasale, prantsuse aristokraadile pidi ta maksma tohutult alimente), korjasid mõlemad “tütred” lubatud raha vanaproua “emalt” advokaadi vahendusel sisse. Samoilova suri Pariisis vaesuses, kuid tema õpilaste edasine saatus on teadmata.

Elizaveta Martõnova

K.A. Somov. Daam sinises. 1897–1900. Tretjakovi galerii

Somovi “Lady in Blue” - üks maalikunsti sümbolitest Hõbedaaeg, kunstikriitik Igor Grabari sõnadega – “Meie aja La Gioconda”. Nagu Borisov-Musatovi maalidel, ei ole siin mitte ainult ilu nautimine, vaid ka mõisniku Venemaa hääbuva võlu imetlemine.

Portreel Somovile poseerinud Elizaveta Martõnova oli ilmselt üks kunstniku vähestest naisarmastustest. Kunstnik kohtus temaga, arsti tütrega Keiserlikus Kunstiakadeemias õppides – ta kuulus 1890. aastal, mil naistele lubati esimest korda siia astuda. haridusasutus. Üllataval kombel tundub, et Martõnova enda teoseid pole säilinud. Tema portreesid ei maalinud aga mitte ainult Somov, vaid ka Philip Malyavin ja Osip Braz. Temaga koos õppis Anna Ostroumova-Lebedeva, kes märkis oma memuaarides juhuslikult, et kuigi Martõnovat kirjeldati alati kui pikka ja uhket kaunitari, oli ta tegelikult vertikaalselt vaidlustatud. Kunstniku iseloom oli emotsionaalne, uhke ja kergesti haavatav.

Somov maalis teda mitu korda: 1893. aastal akvarelliga profiilis, kaks aastat hiljem pliiatsiga ja 1897. aastal lõi ta temast väikese õlivärvi portree taustal. kevadine maastik(Astrahani kunstigalerii). Ta lõi sama pildi katkendlikult kolm aastat: kaks neist veetis kunstnik Pariisis ja Martõnova asus pikaks ajaks Tirooli elama, et ravida kopsuhaigust. Ravi ei aidanud: umbes neli aastat pärast maali valmimist suri ta umbes 36-aastaselt tarbimise tõttu. Ilmselt polnud tal perekonda

Galina Aderkas

B.M. Kustodijev. Kaupmehe naine teed joomas. 1918. Vene muuseum

Kuigi Kustodijevi “Kaupmehe naine tee ääres” on kirjutatud revolutsioonijärgsel 1918. aastal, on see meie jaoks tõeline illustratsioon helgest ja hästi toidetud Venemaalt, kus on laadad, karussellid ja “pransuse leiva krõmps”. Pärast revolutsiooni Kustodiev oma lemmikteemasid siiski ei vahetanud: elu lõpuni aheldatud inimese jaoks ratastool, sellest sai eskapismi vorm.

Sellel portreepildil poseeris kaupmehe naisele Galina Aderkas, naturaalne paruness perekonnast, mille ajalugu ulatub 13. sajandi Liivimaa rüütlini. Üks parunesse von Aderkas oli isegi Anna Leopoldovna õpetaja.

Astrahanis oli Galja Aderkas Kustodijevite majakaaslane kuuendalt korruselt; Kunstniku naine tõi tüdruku stuudiosse pärast värvika modelli märkamist. Sel perioodil oli Aderkas väga noor, arstiteaduse esimese kursuse üliõpilane. Ja ausalt öeldes näeb tema figuur visandites välja palju õhem ja mitte nii muljetavaldav. Ta õppis, nagu öeldakse, kirurgiat, kuid kirg muusika vastu viis ta teise valdkonda. Huvitava metsosoprani omanik, in nõukogude aastad Aderkas laulis üleliidulise raadiokomitee muusikaringhäälingu direktoraadis vene koori koosseisus, osales filmide dubleerimisel, kuid erilist edu ei saavutanud. Ta abiellus ilmselt teatud Boguslavskyga ja võib-olla hakkas tsirkuses esinema. Puškini maja käsikirjade osakond sisaldab isegi käsitsi kirjutatud memuaare, mille autoriks on G.V. Aderkas, pealkirjaga “Tsirkus on minu maailm...”. Milline oli tema saatus 30ndatel ja 40ndatel, pole teada.

ilu naise keha oli ja jääb kõigi aegade ja rahvaste kunstnike soovitud kujutamisobjektiks.

Kõige maalilisema alastuse kinkis meile muidugi renessanss, mil iidsete kaanonite järgi jõuliselt ülistati alasti kehade suurejoonelisust. Hilisemate aegade meistrid ei jää aga naisepildi oskusliku esitlemisega sugugi alla. Tehnikad ja kohad, mille taustal neidusid kujutati, muutusid ning muusad ise hakkasid aja jooksul omandama erinevaid jooni. Kuid naislooduse kujutamine on endiselt eriline teema, mis erutab kõigi loodusilu austajate teadvust.

Sandro Botticelli

"Veenuse sünd" 1482-1486

Peter Paul Rubens

Rubens oli suurepärane portreemaalija, maalis maastikke ja maale religioossed teemad, pani aluse barokkstiilile, kuid laiem avalikkus tunneb Rubensit kõige paremini tema alasti naiste ja meeste, pehmelt öeldes mitte asteenilise kehaehitusega piltide järgi.

"Maa ja vee liit", 1618

"Kolm graatsiat", 1639

Francisco Goya

"Maja akt", umbes 1800

Mitte igaüks ei tea, et Maha pole üldse nimi, vaid 18. ja 19. sajandi Hispaania tavaliste linnanaiste nimi.

Maha, kelle maine kujunes välja Andaluusias, hakati aja jooksul tajuma Hispaania naise kvintessentsina. Romantilisuse, maalilisuse, tugeva rahvusliku aktsendi ja vägivaldse kire pärast.

Eugene Delacroix

"Vabadus juhib rahvast", 1830

Delacroix lõi maali 1830. aasta juulirevolutsiooni põhjal, mis tegi lõpu Bourboni monarhia taastamisrežiimile. Kirjas oma vennale 12. oktoobril 1830 kirjutab Delacroix: "Kui ma ei võidelnud oma kodumaa eest, siis ma vähemalt kirjutan selle eest."

Pildil on põhjusega paljad rinnad. See sümboliseerib tolleaegse prantsuse rahva pühendumust, kes koos " paljas rind"Me läksime vaenlase poole.

Jules Joseph Lefebvre

Lefebvre oli prantsuse salongikunstnik, kes oli spetsialiseerunud kaunite tüdrukute kujutamisele. Tänu pildile naiselik ilu ta võttis elegantse, kuigi mõnevõrra maneerilise joonistajana väga silmapaistva koha.

"Maarja Magdaleena grotis", 1836

Maalil “Maarja Magdaleena grotis” on oma eriline lugu. Pärast näitust 1876. aastal ostis selle poeg Alexandre Dumas. Pärast tema surma saadeti see 1896. aastal Peterburi näitusele. Nikolai II omandas selle eest. Talvepalee ja nüüd on Ermitaaži aarete hulgas näha "Maarja Magdaleena".

Edouard Manet

1865. aasta Pariisi salongis sai maal kunstiajaloo ühe suurima skandaali põhjuseks. Kaasaegsed ei näinud kujutatud figuuri mahtu ja pidasid pildi kompositsiooni konarlikuks ja tasaseks. Manet süüdistati ebamoraalsuses ja vulgaarsuses. Maal meelitas kohale sadu inimesi, kes tulid näitusele vaid maali kiruma ja selle peale sülitama. Selle tulemusena riputati maal Salongi kõige kaugemasse saali nii kõrgele, et see oli peaaegu nähtamatu. Kui närvis inimesed tol ajal olid.

Pierre-Auguste Renoir

Renoir on tuntud eelkõige ilmaliku portreede meistrina, kellel ei puudu sentimentaalsus; ta oli esimene impressionistidest, kes saavutas edu jõukate pariislaste seas. Akt oli Renoiri üks lemmikžanre.

"Alast sisse päikesevalgus", 1876

Esmakordselt näidati seda 1876. aasta teisel impressionistide näitusel, kus kriitikud said sellele väga karmi hinnangu: „Süvendage härra Renoirile, et naise keha ei ole hunnik lagunevat liha roheliste ja lillade laikudega, mis näitavad, et surnukeha juba mädaneb. täies hoos!”

"Suured suplejad", 1887

Ja see pilt tähistas Renoiri üleminekut puhtalt impressionismilt klassitsismile ja engrismile. “Suured suplejad” on tehtud selgemate joontega, lahedamate värvidega ning selle maali maalimisel kasutas Renoir esmakordselt visandeid ja visandeid.

Vladislav Podkovinski

"Naise orgasm", 1894

Pealkirjast selgub, et Poola kunstnik Vladislav Podkovinsky kujutas oma töös... Maali näitus algas tohutu skandaaliga ja kestis 36 päeva. Kuna Podkovinski ei pidanud survele vastu, tuli 37. päeval noaga ja lõikas kogu lõuendi ära. Kunstnik suri 29-aastaselt tuberkuloosi. Pärast tema surma otsustati maal taastada.

Adolphe-William Bouguereau

John Collier

Inglise maalikunstniku Collieri maalide teemadering on väga lai. Suurima populaarsuse saavutas see aga tänu piltide kasutamisele tõeliselt romantilises traditsioonis ilusad naised legendidest, müütidest, kirjandusest ja ajaloost kui tema maalide peateema.

Leedi Godiva põhines legendil. Maalil kujutatud alasti kaunitar (Leedi Godiva) anus oma võimsat ja domineerivat abikaasat (krahv Leofric), et ta vähendaks oma valduses olevate vaeste makse. Millele ta pakkus peaaegu kaotava panuse. Ta lubas makse alandada, kui tema proua alasti hobuse seljas läbi Coventry küla sõidab, mida tema naine ka tegi.

Herbert James Draper

"Odysseus ja sireenid", 1909

David Shterenberg

"Akt", 1908

Gustav Klimt

Pildilt on eemaldatud kõik mütoloogilise süžeega seotud detailid, jättes alles vaid kullasaju viljastumise stseen, millesse Zeus pöördus. Poosivalik ja moonutatud perspektiiv annavad Danae kehale ebatavalise seksuaalsuse.

Üheski teises teoses ei ole kunstnik naise seksuaalsust nii hüpertroofiasse viinud – see on enesessetõmbunud iha.

Herbert James Draper

Herbert James Draper oli kunstnik kuulus oma teoste poolest ajaloolisele ja mütoloogilised teemad. Kuigi Draper pälvis oma eluajal tunnustust, on tema tööd nüüdseks ebaõiglaselt unustatud ja oksjonitel nähakse harva.

"Udude mägi", 1912

"Udude mägi" on kunstniku kõigist piltidest üks võimsamaid, sensuaalsemaid ja lummavamaid. Esitletud alasti tüdrukud on sama kaunid kui Waterhouse'i nümfid, kuigi erinevalt tema omadest femme fatales meelitades mehi surma.

Boriss Kustodijev

Maaliline plastilisus, rõhk modelli kunstilisusele ja eredad välimuse omadused - need on Boris Kustodievi loomingu põhijooned.

"Vene Veenus" 1925-1926

“Vene Veenus” kujutab prisket naist vannis, kuid erinevalt jumalannast ei ümbritse alasti tüdrukut mitte merevaht, vaid vene saunast pärit aurupilved. Vikerkaaremullid puidust pingil kinnitavad, et see on Veenus. Jumalanna sündis vahust Vahemeri! Ja siin Venemaal - vannivahust...

Amedeo Modigliani

Modiglianit peetakse õigustatult alasti naisekeha ilu lauljaks. Ta oli üks esimesi, kes kujutas akte realistlikumal emotsionaalsel viisil. Just see asjaolu viis omal ajal selleni välk sulgemine tema esimene isikunäitus Pariisis. Modigliani aktimaile peetakse tema loomingulise pärandi pärliks.

"Istuv akt", 1916

Egon Schiele

Egon Schiele maalid ja graafika on närvilised, kogenud, dramaatilised ja väga seksikad. Sigmund Freudi psühhoanalüüsist tugevasti mõjutatud Schiele andis oma töös vabad käed omaenda kompleksidele ja kahtlustele ning paljud tema teosed olid oma olemuselt avalikult seksuaalsed. See viis isegi kunstniku vangistamiseni "ebamoraalsete jooniste loomise eest".

"Akt põlvili", 1917

"Lamav naine", 1917

Anders Zorn

Rootsi maalikunstnik ja graafik, kes pööras erilist tähelepanu aktimodelli individuaalsusele, tema näoilmete, žestide ja näoilmete originaalsusele, mis on tema töödes teravalt tabatud.

"Werneri sõudepaadis", 1917

"Peegeldused", 1889

Zinaida Serebryakova

Zinaida Evgenievna Serebryakova on üks esimesi vene naisi, kes läks maalikunsti ajalukku. Kunstnik esitas pildiliste vahenditega puhta naisekeha kuvandi. Tema mudelid ei olnud sportliku kehaehitusega, neis polnud jäikust ega teravust, vaid sujuv harmoonia keskkonnaga.

Serebrjakova kujutas “Vannis” alasti naisi ilustamata, idealiseerimise tunnused ilmnesid tema loomingus hiljem.

“Lamav akt”, Nevedomskaja portree, 1935

IN hiline loovus Serebryakova hakkas üha enam huvi tundma alasti modelle kujutavate tööde temaatika vastu ning Serebryakova jäi truuks “akti” žanrile. „Lamavas aktis” tunneb ta, et see teema õnnestub ja käsitleb seda pidevalt.

"Magav mudel", 1941

Igor Emmanuilovitš Grabar

Igor Emmanuilovich Grabar on üks enim kuulsad kunstnikud sajandi vene kultuuri ajaloos. Üks tema kuulsamaid töid on Flora portree.

Aleksander Mihhailovitš Gerasimov

Veel üks kuulus vene kunstnik, kes erinevalt eelmisest tegeles jämeda ja lihtsustatud erootika kujutamisega.

"Küla supelmaja", 1938

Kunstnik kirjutas paljude aastate jooksul “enese jaoks” palju visandeid “Külasauna” teemal. Maalil on mitu alasti naisekeha, mida ühendab keeruline struktuurne kompositsioon. Iga kujund on kujund, individuaalne tegelane.

Arkadi Aleksandrovitš Plastov

Arkadi Plastov - "nõukogude talurahva laulja". Oma töödes pööras ta erilist tähelepanu naiste isamaatööle Suure Isamaasõja ajal. Isamaasõda. Värvika pildi ja lihtsuse jäädvustas kunstnik maalile “Traktorijuhid”

"Traktoristid", 1943

Mood on oma muutlikkuse poolest ilmastiku järel teisel kohal, kuigi see on vastuoluline teema. Pealegi ei muutu mood mitte ainult rõivaste, stiilide või aksessuaaride osas, vaid ka naiste ilu osas. Ühe ajastu tunnustatud kaunitari pool sajandit hiljem võib pidada inetuks (aga sina ja mina teame seda koledad naised ei saa olla). Kunstnikud reageerisid alati moe kapriisidele väga tundlikult, kuna nad püüdsid alati kujutada oma ajastu kõige ilusamaid naisi.

Vana-Kreeka ja Rooma

Kahjuks tuleb antiikaja naiseideaale hinnata freskode ja skulptuuride järgi, täieõiguslikud maalingud ei säilinud. IN Vana-Kreeka Naiste ilu etaloniks peeti jumalanna Aphroditet, pikkade paksude punaste juustega kurvikat daami. Täpselt nii on teda kujutatud Sandro Botticelli maalil “Veenuse sünd”, kuigi see loodi juba 1485. aastal. IN Vana-Rooma hindas kõige rohkem ilu naise nägu, ja vormide hiilgus oli teisel kohal. Näiteks Dante Rossetti maal “Proserpina” (1874) on loodud just seda silmas pidades.

keskaeg

Keskajal võidi naise ilu ülistamise eest tuleriidale saata, nii et kunstilisi tõendeid ei ole alles. Demonstreerida naise figuur oli rangelt keelatud. Riietus pidi keha täielikult varjama ja juuksed olid peidetud mütsi alla. Naiste ilu standardiks olid pühad naised, kes pühendusid Jumala teenimisele.

Renessanss

Renessanss on saanud sellise nime, kuna on elavnenud huvi antiikaja ideaalide vastu, sealhulgas naiste ilu vastu. Laiad puusad, täidlane keha, piklik nägu, terve jume – just selline pidi 15.-16.sajandi esimene kaunitar välja nägema. Täpselt nii on naisi kujutatud Sandro Botticelli, Raphael Santi ja Michelangelo maalidel. Renessansi iluideaaliks võib nimetada itaallannat Simonetta Vespuccit, keda on kujutatud mitmel Botticelli maalil “Kevade” (1478), “Veenuse sünd” (1485), “Noore naise portree” (1485). Renessansiajal olid moes kõrged laubad ning selle efekti saavutamiseks raseerisid fashionistas oma kulmud ja juuksepiiri. See on peal selgelt näha kuulus maal Leonardo Da Vinci "Mona Lisa".

Baroki ajastu

16. sajandi lõpus ja 17. sajandi alguses olid naise ilu ideaaliks valgenahalised naised (talunaiste suureks osaks peeti päevitamist), kellel olid väikesed rinnad, tillukesed jalad, kahvatu nägu, kuid kõverad puusad. Lisaks pidi igal aristokraadil olema kõrge ja keerukas soeng. Need moesuundid selgelt nähtav Louis XIV lemmiku Madame de Montespani portreel (1670), mille autor on Pierre Mignard. See kuulub sellesse perioodi kuulus teos John Vermeeri "Naine pärlkõrvarõngaga" (1665).

Rokokoo ajastu

Kui pildil näeb naine rohkem välja nagu portselannukk, keda ümbritsevad lehvikud, vihmavarjud, muhvid ja kindad, siis võib julgelt väita, et me räägime rokokoo ajastu kohta. 18. sajandi alguses tuli moodi “kerge anoreksia”: naiselik ilu muutus hapraks, kitsaste puusade, väikeste rindade ja sissevajunud põskedega. On tõendeid, et "vajunud põskede" efekti saavutamiseks eemaldasid mõned daamid külghambad, jättes alles ainult esihambad - ilu nõuab ohverdamist. Rokokooajastu ilukaanoneid illustreerivad suurepäraselt Francois Boucheri portreed, näiteks “Marquise de Pompadouri portree” (1756).

Romantiline ajastu

Alles 19. sajandi teisel poolel said loomulikust põsepunast, tervislikust värskusest ja vormi ümarusest taas naiste ilu standardid. Ja naise keha kõige atraktiivsem osa on ümarad õlad, mis olid lihtsalt vajalikud iga ilu paljastamiseks. Just neid naisi leidub Adolphe Bouguereau maalidel, selliseid naisi kujutasid esimesed impressionistid (Bouguereau “Veenuse sünd”, Renoiri “Suured suplejad”, Degase “Sinised tantsijad”).

20. sajandi algus

Boriss Kustodijevi “Vene Veenus”, “Kaupmehe naine tee ääres”, “Tüdruk Volgal” illustreerivad suurepäraselt 20. sajandi alguse ilukaanoneid. Kõik, mida romantism naises imetles, muutus veelgi suurejoonelisemaks ja kaalukamaks. 20. sajandi 20-40 aastat

20. sajandi keskpaik

Marilyn Monroest sai eelmise sajandi keskel naiste ilu ideaal. Lühike blond, ilma liialdusteta kõhnuse või lihavuse suunas. Popkunsti asutaja Andy Warhol kasutas oma töödes meelsasti tema pilti.
Rääkima edasine areng naiste ilu ideaalid, eriti seoses maalikunstiga, ei ole veel väärt. Tuleb vaid tähele panna, et ajalugu areneb ringiratast ning kõhnus ja haigestumine tulevad tagasi moodi.

Kuulsate kunstnike maalid hoiavad endas nendel kujutatud inimeste saladusi. Kutsume teid jalutama virtuaalses kunstigaleriis ja uurima maalidel kujutatud naiste lugusid. Need lood võivad olla romantilised, müstilised või lihtsalt naljakad.

See kunstiteos - üks maalija kuulsamaid maale - esitleti esmakordselt avalikkusele Itaalias, kus kriitikud võtsid selle positiivselt vastu. Karl Bryullov oli esimene vene kunstnik, kes sai kuulsaks prim-Euroopas. Pikka aega oletati, et see maal on portree noorest krahvinnast Julia Samoilovast, keda kunstnik väga armastas ja sageli oma lõuenditel kujutas. Näiteks filmis “Pompei viimane päev” on korraga kolmel tegelasel Julia Samoilova näojooned. Kui aga võrrelda maali “Ratsunaine” Bryullovi hiljem maalitud krahvinna portreedega, selgub, et maal pole Julia Samoilova. Aga kes? Karl Bryullov kujutas ühel oma maalil krahvinna Samoilovat koos oma õpilase Giovanninaga, teisel maalil sama krahvinnat. adopteeritud tütar Amazilia. Brjullovi loomingu uurijad on jõudnud järeldusele, et maalil on kujutatud just neid tüdrukuid, keda krahvinna kasvatas. Kuid kuulsate kunstnike maalid kannavad tavaliselt mingit saladust. Sellel maalil oleva mõistatuse lahendamiseks tuleb lähemalt vaadata kaelarihmaga koera, keda kunstnik väikese tüdruku kõrval kujutas. Kaelusele on kirjutatud selle omaniku Samoilova nimi.

Näib, et maali “Alyonushka” loomine on kõigile juba ammu teada. Arvatakse, et Vasnetsov kujutas vene eeposte kurva kangelanna kujus tüdrukut, kellega saatus ta Akhtyrka külas kokku viis. Sellest maalist rääkides tsiteerivad paljud Vasnetsovi enda tsitaati, kus ta tunnistab, et Aljonuška pilt oli tema peas juba pikka aega elanud, kuid portree lõplik versioon kujunes välja, kui ta kohtus Akhtyrka külas lihtsa tüdrukuga. Aga kas on? Ühest kunstniku märkmetest saate lugeda tõsilugu pildi maalimine. Vasnetsov tunnistab, et kuigi tal oli selle lihtsa tüdruku põhjal tehtud maali eskiis juba olemas, pole see elupõhine žanritükk. Kunstnik oli tegelikult inspireeritud Verusha Mamontova silmadest. Ta tunnistas, et selle konkreetse tüdruku silmad tundusid talle kõikjal ja asusid tema hinge. Kes on Verusha Mamontova? Muidugi on tema pilt kunstisõpradele tuttav, sest just teda on kujutatud Serovi maalil “Tüdruk virsikutega”. Nüüd, teades kunstniku paljastusi, leiate Alyonushkast hõlpsasti Verusha Mamontova näojooned.

Mõnikord üllatavad kuulsate kunstnike maalid sellega, kust nad pärit on sarnane süžee, mõnikord on inspiratsiooniallikad ootamatud. Seda võib öelda lõuendi maalimise ajaloo kohta " Ebavõrdne abielu" Üks Moskva aristokraat otsustas kirja panna oma mälestused, kus ta rääkis kõigist oma sugulastest, sealhulgas oma onust Sergei Varentsovist. Aastal 1862 armus see onu noore mehena ootamatult kaupmees Rybnikovi kenasse tütresse Sofiasse. Ja ta armus nii väga, et tegi isegi abieluettepaneku, kuid talle keelduti. Tüdruku arukas isa ei tahtnud tütart noore ja kergemeelse rehaga abielluda, vaid eelistas käe anda eakale, mitte vaesele kaupmehele Korzinkinile (huvitaval kombel oli “eakas” peigmees siis 38-aastane). Õnnetu juhuse läbi pidi noor Varentsov selles pulmas täitma parima mehe rolli. Kunstnik Vassili Pukirev oli sellest loost ja armastava südame piinast nii läbi imbunud, et lõi selle lõuendi. Tänu sellele maalile sai Vassili Pukirev professori tiitli ja hea raha: lõuendi ostis kohe ära kunstikollektsionäär Borisovski ja Tretjakov ostis selle temalt. Tõsi, Pukirev pidi lõuendit veidi ümber tegema, sest Varentsov tundis end sellel pildil parimas mehes ära. Kunstnik kujutas Varentsovit oma loomingus nii täpselt, et tänu maali populaarsusele hakati tema õnnetust armastusest rääkima kogu Moskvas. Selle tulemusena pidi Pukirev parima mehe näo ümber kirjutama ja nüüd pilti vaadates näeb avalikkus taustal Pukirevi enda näo kujutist.

Vladimir Borovikovski maal “M. I. Lopuhhina portree”.

See maal loodi 1797. aastal ja on romantiline naisepilt. See on avalikkust köitnud sajandeid ja kunstigurmaanide arvates on see ood sentimentalismile. Kuulsate kunstnike maale saadavad sageli müstilised muinasjutud. Selline muinasjutt on selle pildiga seotud. 18-aastase kaunitari pilt on esimene müstikast läbi imbunud maal Venemaa ajaloos. Portreel kujutatud tüdruk oli krahv Ivan Tolstoi tütar. Portree maalimise aastal abiellus ta Stepan Lopuhhiniga, kes töötas Paul I administratsioonis. Kohe pärast pulmi tellis tema abikaasa Borovikovski portree tema armastatud naine. Abielu ei kestnud kaua, sest 3 aastat pärast pulmi suri noor printsess haigusesse – tarbimisse. Lohutamatu isa ostis tütre portreega maali oma väimehelt ja riputas selle oma majja. Peab ütlema, et krahv Tolstoi oli meister Vabamüürlaste loož ja tundis huvi müstika vastu. Käisid kuulujutud, et krahv suutis maagiat kasutades välja kutsuda oma surnud tütre vaimu ja hingata seda Borovikovski maalile. On muinasjutt – iga tüdruk, kes portreed vaatab, sureb kindlasti. Nad viitasid isegi "väga usaldusväärsetele faktidele", et portree tappis vähemalt tosin noort tüdrukut. Tretjakov järglaste õnneks müstikasse ei uskunud ja sajand hiljem ostis ta maali, mida miljonid vaatajad nüüd temanimelises galeriis näevad.

Kuulsate kunstnike maalid eristuvad selle poolest, et nad ülistavad oma töödes naiselik ideaal. Isegi Madonnat kujutades maalisid kõigi aegade südametunnistuse piitsutamata kunstnikud portreesid oma armastatutest, kellest paljud olid mitte just kõige õilsama päritoluga naised. Näiteks väidavad Raphaeli loomingu uurijad, et kunstnik kohtus ühel Rooma tänaval vaese pagari tütre Fornarinaga. Kunstnik armus temasse. Juba varem laialt tuntud ja sotsiaalsel redelil kõrgel positsioonil olnud Raphael ostis tüdruku oma isalt ja rentis talle luksusliku maja. Kunstnik pidas teda tõesti iluideaaliks ja elas temaga kuni oma surmani 12 aastat. Kuid nad ütlevad, et kaunitar ise polnud oma heategijale lojaalne ja käis teda nii kunstniku õpilaste kui ka maalide tellijatega. Pärast Raffaeli surma ei tahtnud paavst selle naise maine tõttu isegi tema jaoks matusetalitust läbi viia, sest Fornarina seisis läheduses. Kõigele sellele vaatamata näeme maalil just Fornarina nägu " Sixtuse Madonna" Raphael kinkis talle ka paljude teiste oma käega maalitud madonnade näo.