Interessanti artisti contemporanei. Artisti della pittura contemporanea. Artisti contemporanei della Russia. L'arte contemporanea nella Russia del XXI secolo

L'arte della pittura moderna sono opere create nel presente o nel recente passato. Passerà un certo numero di anni e questi dipinti diventeranno proprietà della storia. I dipinti realizzati nel periodo che va dagli anni '60 del secolo scorso ai giorni nostri riflettono diverse aree dell'arte contemporanea che possono essere classificate come postmodernismo. Durante l'era Art Nouveau, l'opera dei pittori fu più ampiamente rappresentata e negli anni '70 del XX secolo si verificò un cambiamento nell'orientamento sociale dell'arte della pittura.

Arte contemporanea

Gli artisti della pittura moderna rappresentano, prima di tutto, le nuove tendenze nelle arti visive. Nella terminologia culturale, c'è il concetto di "arte contemporanea", che è in qualche modo correlato con il concetto di "pittura contemporanea". Sotto l'arte degli artisti reali il più delle volte significa innovazione, quando un pittore si rivolge a temi ultramoderni, indipendentemente dal loro focus. L'immagine può essere dipinta e raffigurare qualsiasi impresa industriale. Oppure, sulla tela, c'è un paesaggio con un campo di grano, un prato, una foresta, ma allo stesso tempo verrà disegnata una mietitrebbia in lontananza. Lo stile della pittura moderna assume un orientamento sociale dell'immagine. Allo stesso tempo, i paesaggi di artisti contemporanei privi di connotazione sociale sono valutati molto più in alto.

Scelta della direzione

Dalla fine degli anni '90, gli artisti della pittura moderna hanno abbandonato i temi della produzione e hanno trasferito il loro lavoro nel mainstream dell'arte pura. Apparvero maestri di ritratti raffinati, soggetti paesaggistici, nature morte nello stile del disegno fiammingo. E gradualmente, nella pittura moderna, iniziò ad apparire un'arte genuina, in alcun modo inferiore ai dipinti creati da artisti eccezionali del XVIII e XIX secolo, e in qualche modo persino superiore a loro. I maestri di oggi del pennello sono aiutati da una base tecnica sviluppata, un'abbondanza di nuovi strumenti che consentono loro di riflettere pienamente i loro piani sulla tela. Così, gli artisti della pittura moderna possono creare al meglio delle loro capacità. Certo, la qualità delle vernici o dei pennelli è importante nel processo di pittura, ma il talento è ancora la cosa principale.

Espressionismo astratto

Gli artisti contemporanei aderiscono a tecniche pittoriche che consentono l'uso di tratti non geometrici applicati in gran numero su tele di grandi dimensioni. Si usano pennelli grandi, a volte di pittura. Tale pittura difficilmente può essere definita arte nel senso classico della parola, ma l'astrazione è una continuazione del surrealismo, che apparve nel 1920 grazie alle idee di André Breton e trovò immediatamente molti seguaci, come Salvator Dali, Hans Hoffmann , Adolph Gottlieb. Allo stesso tempo, gli artisti contemporanei comprendono l'espressionismo a modo loro. Oggi questo genere differisce dal suo predecessore per le dimensioni delle tele, che possono raggiungere i tre metri di lunghezza.

Pop Art

La nuova avanguardia concettuale, che promuove i valori estetici, è diventata un contrappeso all'astrattismo. Gli artisti contemporanei iniziarono a includere immagini di personaggi famosi come Mao Zedong o Marilyn Monroe nei loro dipinti. Questa arte ha ricevuto il nome di "pop art" - una direzione popolare e generalmente riconosciuta nella pittura. La cultura popolare ha sostituito l'astrattismo e ha dato origine a un tipo speciale di estetica, che, in modo colorato e spettacolare, ha presentato al pubblico ciò che tutti stavano ascoltando, alcuni eventi recenti o immagini di personaggi noti in diverse situazioni di vita.

I fondatori e seguaci della pop art furono Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Fotorealismo

L'arte contemporanea è multiforme, spesso appare in una nuova direzione, combinando due o più tipi di belle arti. Il fotorealismo è diventato una tale forma di autoespressione dell'artista. Questa direzione nella pittura è apparsa negli Stati Uniti nel 1968. Fu inventato dall'artista d'avanguardia Louis Meisel, e il genere fu presentato due anni dopo, al Whitney Museum durante la mostra "Twenty-Two Realists".

La pittura nello stile del fotorealismo è associata alla fotografia, il movimento di un oggetto sembra congelarsi nel tempo. Un artista fotorealista raccoglie la sua immagine, che verrà catturata in un dipinto, utilizzando fotografie. Da un negativo o da una diapositiva, l'immagine viene trasferita sulla tela mediante proiezione o utilizzando una griglia in scala. Quindi viene creata un'immagine a tutti gli effetti utilizzando le tecnologie di pittura.

Il fotorealismo è fiorito a metà degli anni '70, poi c'è stato un calo di popolarità e all'inizio degli anni '90 il genere è stato ripreso. I venerabili artisti hanno lavorato principalmente negli Stati Uniti, tra loro c'erano molti scultori che hanno anche creato le loro opere utilizzando la proiezione di immagini. I maestri più famosi della pittura basata sul fotorealismo sono Richard Estes, Charles Bellett, Thomas Blackwell, Robert Demeckis, Donald Eddy, Dwayne Hanson.

Artisti fotorealisti delle nuove generazioni - Rafaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Artisti contemporanei della Russia

• Serge Fedulov (nato nel 1958), originario di Nevinnomyssk, Territorio di Stavropol. Partecipante a diverse mostre in America Latina ed Europa. I suoi dipinti si distinguono per realismo e combinazioni di colori contrastanti.
• Mikhail Golubev (nato nel 1981), si è diplomato alla classe d'arte della scuola di pittura di Omsk. Attualmente vive a San Pietroburgo. Differisce in un modo insolito di creatività, tutte le sue opere sono dipinti-riflessi con profonde sfumature filosofiche.
• Dmitry Annenkov (nato nel 1965) a Mosca. Laureato presso l'Istituto d'Arte Stroganov. Popolare all'estero, ma preferisce le mostre russe. L'arte di Annenkov è realistica, l'artista è un maestro riconosciuto della natura morta.

Impressionisti russi

• Alexey Chernigin, pittore impressionista russo (nato nel 1975), è il figlio del famoso pittore Alexander Chernigin. Ha studiato pittura e grafica alla Nizhny Novgorod Art School. Laureato presso l'Istituto di architettura di Nizhny Novgorod con una laurea in disegno industriale. Membro dell'Unione degli artisti della Russia dal 1998. Dal 2001 è docente presso la NSASU presso il Dipartimento di Interior Design.
• Konstantin Lupanov, artista di Krasnodar (nato nel 1977). Laureato presso l'Accademia Industriale presso l'Università Statale di Cultura e Arti con una laurea in Pittura Monumentale. Partecipante a numerose mostre d'arte a e San Pietroburgo. Differisce in modo raro dalla pittura a olio con pennellate vorticose. I dipinti di Lupanov sono completamente privi di combinazioni di colori contrastanti, le immagini sembrano fluire l'una nell'altra. L'artista stesso definisce il suo lavoro "un daub divertente e irresponsabile", ma c'è un pizzico di civetteria in questa affermazione: i dipinti sono in realtà scritti in modo abbastanza professionale.

Artisti russi che dipingono in stile nudo

• Sergei Marshennikov (nato nel 1971), uno dei più famosi artisti russi del nostro tempo. Laureato presso l'Ufa College of Arts. I suoi dipinti sono un esempio di palese realismo. Le opere danno l'impressione di una fotografia artistica, la composizione è così precisa e ogni tratto è verificato. La moglie dell'artista Natalya agisce più spesso come modella e questo lo aiuta a creare un'immagine sensuale.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (nata nel 1964), nipote del famoso cantante d'opera Lavrenty Dmitrievich Donskoy. Il rappresentante più brillante della pittura russa moderna. Disegna nello stile del nudo narrativo. Nella tavolozza creativa dell'artista, puoi trovare le bellezze dell'harem orientale e le ragazze nude del villaggio sulla riva del fiume la notte della festa di Ivan Kupala, un bagno russo con donne calde che escono nella neve e nuotano in una buca di ghiaccio . L'artista dipinge molto ed ha talento.

Artisti russi contemporanei, il loro lavoro è di crescente interesse per gli intenditori di belle arti di tutto il mondo.

La pittura contemporanea come arte mondiale

Oggi l'arte visiva ha assunto forme diverse da quelle richieste nel XVIII e XIX secolo. Gli artisti del mondo contemporaneo si sono rivolti all'avanguardia in un'interpretazione più ristretta, le tele hanno acquisito raffinatezza e sono diventate più significative. La società oggi ha bisogno di un'arte rinnovata, la necessità si applica a tutti i tipi di creatività, compresa la pittura. I dipinti di artisti contemporanei, se realizzati ad un livello sufficientemente alto, sono esauriti, diventano oggetto di contrattazione o scambio. Alcune tele sono incluse negli elenchi di opere d'arte di particolare pregio. I quadri del passato, dipinti da grandi pittori, sono ancora richiesti, ma gli artisti contemporanei stanno guadagnando sempre più popolarità. Olio, tempera, acquerello e altri colori li aiutano nella loro creatività e nella riuscita attuazione dei loro piani. I pittori tendono ad attenersi a uno stile. Può essere un paesaggio, un ritratto, scene di battaglia o qualsiasi altro genere. Di conseguenza, l'artista sceglie un certo grado di vernici per il suo lavoro.

Artisti contemporanei del mondo

I più famosi artisti contemporanei si differenziano per il loro stile di scrittura, il loro pennello è riconoscibile, a volte non serve nemmeno guardare la firma in fondo alla tela. Famosi maestri della pittura moderna sono Philip Pearlstein, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fishl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

) nelle sue opere espressive travolgenti, ha saputo preservare la trasparenza della nebbia, la leggerezza della vela, il dolce dondolio della nave sulle onde.

I suoi dipinti colpiscono per profondità, volume, saturazione e la trama è tale che è impossibile distogliere lo sguardo da loro.

Calda semplicità Valentina Gubarev

Artista primitivo di Minsk Valentin Gubarev non persegue la fama e fa solo ciò che ama. Il suo lavoro è follemente popolare all'estero, ma quasi sconosciuto ai suoi compatrioti. A metà degli anni '90, il francese si innamorò dei suoi schizzi quotidiani e firmò un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti, che, a quanto pare, dovrebbero essere comprensibili solo a noi, portatori del "fascino modesto del socialismo non sviluppato", sono piaciuti al pubblico europeo e sono iniziate mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.

Realismo sensuale di Sergei Marshennikov

Sergey Marshennikov ha 41 anni. Vive a San Pietroburgo e crea nelle migliori tradizioni della scuola classica russa di ritrattistica realistica. Le eroine delle sue tele sono donne gentili e indifese nella loro seminudine. Molti dei dipinti più famosi raffigurano la musa e moglie dell'artista, Natalya.

Il mondo miope di Philip Barlow

Nell'era moderna delle immagini ad alta risoluzione e nel periodo di massimo splendore dell'iperrealismo, il lavoro di Philip Barlow attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, è richiesto un certo sforzo da parte dello spettatore per costringersi a guardare le sagome sfocate e i punti luminosi sulle tele dell'autore. Probabilmente è così che le persone miopi vedono il mondo senza occhiali e lenti a contatto.

I coniglietti del sole di Laurent Parsellier

La pittura di Laurent Parcelier è un mondo meraviglioso in cui non c'è né tristezza né sconforto. Non troverai immagini cupe e piovose con lui. C'è molta luce, aria e colori brillanti sulle sue tele, che l'artista applica con tratti caratteristici e riconoscibili. Questo crea la sensazione che i dipinti siano tessuti da mille raggi di sole.

Dinamiche della città nelle opere di Jeremy Mann

L'artista americano Jeremy Mann dipinge ritratti dinamici di una moderna metropoli ad olio su pannelli di legno. "Forme astratte, linee, contrasto di punti chiari e scuri: tutto crea un'immagine che evoca la sensazione che una persona prova nella folla e nel trambusto della città, ma può anche esprimere la calma che si trova quando si contempla la bellezza tranquilla", afferma l'artista.

Il mondo illusorio di Neil Simon

Nei dipinti dell'artista britannico Neil Simone, tutto non è come sembra a prima vista. "Per me, il mondo intorno a me è una serie di forme, ombre e confini fragili e in costante cambiamento", afferma Simon. E nei suoi dipinti, tutto è davvero illusorio e interconnesso. I confini vengono spazzati via e le trame fluiscono l'una nell'altra.

Dramma d'amore di Joseph Lorasso

Italiano di nascita, l'artista americano contemporaneo Joseph Lorusso porta sulla tela le scene che ha visto nella quotidianità della gente comune. Abbracci e baci, impulsi appassionati, momenti di tenerezza e desideri riempiono le sue immagini emotive.

La vita del villaggio di Dmitry Lyovin

Dmitry Levin è un maestro riconosciuto del paesaggio russo, che si è affermato come un talentuoso rappresentante della scuola realistica russa. La fonte più importante della sua arte è il suo attaccamento alla natura, che ama teneramente e appassionatamente e di cui si sente parte.

L'oriente luminoso di Valery Blokhin

Nella foto è un dipinto del famoso artista italiano contemporaneo Aurelio Bruni. Vive e lavora in Umbria. L'artista dipinge nello stile dell'iperrealismo e del simbolismo, ha organizzato 25 mostre personali, ha partecipato a 53 mostre collettive, ha 10 diversi premi e riconoscimenti.

The Road to York through the Trail World è un dipinto del famoso artista britannico contemporaneo David Hockney. Il 21 giugno 2006 "Splash" di Hockney è stato venduto per 2,6 milioni di sterline. Il suo dipinto "The Grand Canyon", composto da 60 piccoli dipinti che sono stati combinati per riprodurre un enorme dipinto, è stato acquistato dalla National Gallery of Australia per $ 4,6 milioni. La casalinga di Beverly Hills è stata venduta per 7,9 milioni di dollari da Christie's, New York.Nel 2016 il suo paesaggio, Waldgate Woods, è stato venduto all'asta da Sotheby's per 9,4 milioni di sterline, diventando un nuovo record per David Hockney.

Nella foto c'è un dipinto del famoso artista americano contemporaneo Warren Chung. Grazie alla magistrale trasmissione di toni chiari e tenui, i suoi dipinti sembrano molto realistici, trasmettono perfettamente emozioni e stati d'animo. La maggior parte dei suoi dipinti ritraggono persone impegnate nelle loro attività professionali o nelle attività quotidiane. Dipinge anche quadri per interni. Warren Chang ha molti titoli e riconoscimenti diversi. Vive e lavora a Monterey, California.

Il dipinto è un'astrazione del famoso pittore tedesco contemporaneo Gerhard Richter, che è uno degli artisti più ricchi del mondo. Il dipinto mostrato in questa foto è stato venduto a Londra da Sotheby's per 44,52 milioni di dollari (30,4 milioni).

Nella foto c'è un dipinto del famoso artista francese contemporaneo Martial Rice. Nel 1993, una delle sue opere è stata acquistata dal miliardario François Pinault. Nel 2011, Rice's Last Year a Capri è stato venduto per $ 6,58 milioni da Christie's (al prezzo più alto di qualsiasi altro artista francese vivente venduto in precedenza) 50 artisti viventi più costosi.

Dipinto del famoso artista canadese contemporaneo Albini LeBlanc, maestro di paesaggi urbani in miniatura con la spatola. L'artista vive e lavora in Quebec. Il suo lavoro può essere visto nelle gallerie d'arte di Montreal, Toronto, Vancouver e Quebec. Albini LeBlanc ha organizzato 15 mostre personali, ha partecipato a 7 mostre collettive, ha 8 diversi premi e riconoscimenti.

Nella foto è un dipinto del famoso artista giapponese contemporaneo Tomoko Kashiki. L'artista ha organizzato mostre personali a Singapore, Francia e Giappone, ha partecipato a mostre collettive in Cina, USA, Australia, Giappone, Indonesia, Gran Bretagna, Emirati Arabi Uniti e Singapore. Il suo lavoro può essere visto in collezioni pubbliche presso la Art Gallery of Queensland, Brisbane, Australia; in una delle più grandi compagnie assicurative giapponesi - Dai-ichi Life Insurance Limited; al Museum of Old and New Art, Tasmania, Australia; alla Collezione d'Arte Toyota.

Dipinto "Coloring" del famoso artista moderno ucraino Oleg Tistol. Questo dipinto è stato venduto da Phillips per $ 53.900. Secondo Forbes, Oleg Tistol è uno dei tre artisti di maggior successo in Ucraina. È nato a Vradievka, regione di Mykolaiv, vive e lavora a Kiev, è membro dell'Unione degli artisti dell'Ucraina, ha partecipato a numerose mostre in Ucraina, Russia, Estonia, Polonia, Stati Uniti, Islanda, Slovenia, Paesi Bassi, Svizzera , Gran Bretagna, Danimarca, Brasile, Germania, Norvegia, Francia e Italia. Oleg Tistol ha partecipato alla Biennale: nel 1994 - "17 settembre", 22a Biennale di San Paolo; nel 2001 - "Primo progetto ucraino", 49a Biennale di Venezia. I suoi dipinti sono nelle collezioni: nel PinchukArtCentre, Kiev, Ucraina; nella Norton Dodge Collection, USA; allo Stedelik Museum, Amsterdam, Paesi Bassi; alla Christoph Merian Stiftung, Basilea, Svizzera; presso il Ministero della Cultura della Turchia, ad Ankara; al Museo di Storia di Mosca, Russia.

Nella foto è un dipinto del famoso artista polacco contemporaneo Wojciech Babski. L'artista vive e lavora a Katowice. È popolare non solo in Polonia ma anche all'estero. Wojciech Babski ha ricevuto i seguenti premi: 1° posto nella categoria "The 2016 American Art Awards" nella categoria dei dipinti pop art; 1° posto nella categoria "The 2016 American Art Awards" nella categoria dei dipinti a commento della politica; Dipinti in acrilico al 3° posto agli American Art Awards 2016; 4° e 5° posto nella categoria "The 2016 American Art Awards" nella categoria Espressionismo.

Nella foto è un dipinto della famosa artista bielorussa contemporanea Anna Silivonchik. L'artista è nata a Gomel, oggi vive e lavora a Minsk. Silivonchik Anna è membro dell'Unione degli artisti bielorussi, è stata insignita della medaglia "Talento e vocazione" dell'alleanza internazionale "Peacemaker", le sue opere sono nel Museo Nazionale della Repubblica di Bielorussia, nel Museo di Arte Contemporanea di Minsk, il Museum of Contemporary Russian Art di Jersey City (USA), finanzia il complesso del palazzo e del parco Gomel, la Riserva del Museo statale di Yelabuga in Russia, collezioni private di Bielorussia, Russia, Francia, USA, Giappone, Israele, Italia, Germania e Polonia. Nel periodo dal 2001 al 2016, l'artista ha organizzato numerose mostre personali in Bielorussia, Russia, Germania e Ucraina, e ha anche partecipato a mostre collettive in Bielorussia, USA, Russia, Estonia, Ucraina, Lettonia, Repubblica Ceca, Polonia, Germania, Ungheria , Niderand e Kazakistan.

Dipinto del famoso artista contemporaneo turco Gyurbuz Dogan Eksioglu. Il fumettista e grafico turco di fama mondiale di Ordu ha oltre 70 premi, di cui circa un terzo internazionali. Grbz Doan Ekiolu ha partecipato a molte mostre collettive, sia in Turchia che all'estero, ha tenuto più di 20 mostre personali, una delle quali si è tenuta a New York. Il suo lavoro è stato pubblicato sull'Atlantic, sul New York Times e ha anche abbellito le copertine delle riviste New Yorker e Forbes.

Dipinto del famoso artista egiziano contemporaneo Hossam Dirar. L'artista è nato, vive e lavora al Cairo. Hossam Dirar ha tenuto numerose mostre personali in paesi come Bahrain, Gran Bretagna, Slovacchia, Italia, Francia, Austria, Repubblica Ceca, Ungheria, Slovenia ed Egitto. Ha inoltre partecipato a mostre collettive in Germania, Egitto e Sud Africa.

Nella foto è raffigurato il dipinto "L'Ultima Cena" del famoso artista cinese contemporaneo Zeng Fanzhi. Questo dipinto è stato venduto per 23,3 milioni di dollari da Sotheby's Hong Kong nell'ottobre 2013, stabilendo un nuovo record per l'arte asiatica contemporanea. serie venduta per HK $ 75.367.500. Fu il record mondiale di quell'anno in termini di valore di vendita tra tutti gli artisti.

Nella foto c'è un dipinto del famoso artista greco contemporaneo Nikos Giftakis. L'artista è nato, vive e lavora ad Atene. È molto popolare non solo in Grecia, ha organizzato mostre personali e partecipato a molte collettive, in paesi come Svizzera, Cipro, Germania, Italia, Belgio, Svezia, Brasile, Russia e Grecia.

Dipinto del famoso artista georgiano contemporaneo David Popiashvili. L'artista, originario di Tbilisi, è membro dell'Unione degli artisti della Georgia, ha partecipato a mostre in Francia, Germania, Bulgaria, Russia e Georgia. Molte delle sue opere si trovano in musei e collezioni private in Georgia e all'estero.

Il quadro è stato dipinto dal famoso artista contemporaneo degli Emirati Arabi Uniti Abdul Kader Al-Rais. L'artista è uno dei fondatori della Emirates Society of Fine Arts ed è considerato uno dei pionieri dell'arte contemporanea negli Emirati. Le sue opere si trovano nell'Emirates Palace (hotel presidenziale ad Abu Dhabi), negli uffici governativi e nelle collezioni d'arte private della famiglia reale a Dubai. L'artista ha partecipato a diverse mostre collettive, oltre a mostre personali organizzate in diversi paesi (Repubblica Ceca, Libano, USA, Germania, Kuwait, Qatar, Oman, Arabia Saudita, Siria ed Emirati Arabi Uniti), ha vinto numerosi premi.

Nella foto è un dipinto del famoso artista contemporaneo olandese Tjalf Sparnaay. L'artista è originario dei Paesi Bassi, vive e lavora nella città di Hilversum, ha organizzato 14 mostre personali e ha partecipato a molte mostre collettive in diversi paesi (USA, Regno Unito, Belgio, Estonia, Germania, Canada, Austria e Paesi Bassi). Le sue opere sono in collezioni private e pubbliche in molti paesi.

Dipinto del famoso artista spagnolo contemporaneo Miguel Barcelo. Nel 2003 ha ricevuto il Premio Principe delle Asturie per l'Arte, uno dei più importanti premi in Spagna. Nel 2004 espone al Louvre gli acquerelli da lui creati per illustrare La Divina Commedia, diventando il primo artista contemporaneo vivente ad esporre in un museo. L'artista è tra i primi 30 artisti più ricchi del mondo. I suoi quadri sono costosi. Ad esempio, questo, la cui foto è presentata sopra, costa 244.398 USD.

Il quadro è stato dipinto dal famoso artista svizzero contemporaneo Urs Fischer. L'artista, originario di Zurigo, è tra i primi 50 artisti più ricchi del mondo. Divenne famoso per il suo approccio provocatorio all'arte, ma obbedisce alle sue leggi; si oppone alla presentazione dell'arte come merce commerciale, sebbene venda lui stesso il suo lavoro a caro prezzo, interagendo abilmente con il mercato dell'arte e con i collezionisti.

Nella foto c'è un dipinto della famosa artista israeliana contemporanea Orna Ben-Shoshan. Vive e lavora nella città di Ra'anana, ha tenuto numerose mostre personali e partecipato a mostre collettive in paesi come Stati Uniti, Italia, Gran Bretagna, Cipro, Francia e Israele. Dopo aver guardato le opere dell'artista, rimarrai affascinato dal fantastico mondo in cui tutto è possibile. Approfitta di questo per arricchire la tua immaginazione, ampliare i tuoi orizzonti e incontrare un artista di talento in rapida crescita.

Nella foto c'è un dipinto del famoso artista thailandese contemporaneo Direk Kingnok, acquerellista della città di Nakhon Ratchasima. Ora vive e lavora a Khon Kaen City. Già all'età di 9 anni, il regista ha vinto la medaglia d'oro del Concorso Internazionale di Creatività per bambini in Giappone. Ha partecipato a mostre in Vietnam, Cina, Turchia, Italia, Russia, Corea del Sud, Malesia, Grecia, Albania e Thailandia.

Dipinto del famoso artista norvegese contemporaneo Christer Karlstad. Vive e lavora a Drammen, ha tenuto mostre personali e partecipato a mostre collettive negli Stati Uniti, Svezia, Norvegia.

Nella foto qui c'è un dipinto del famoso artista danese contemporaneo Jan Esmann. L'artista è nato, vive e lavora in Danimarca, ha partecipato a mostre in paesi come: Germania, Stati Uniti, Danimarca.

Il quadro è stato dipinto dal famoso artista svedese contemporaneo Nisse Niedezh Ottenhag. L'artista, originario della cittadina di Lilla-Edet, ha partecipato a numerose mostre in diversi paesi (negli USA, in Francia, a Monaco, in Namibia e in Svezia).

Nella foto è un dipinto della famosa artista australiana contemporanea Elizabeth Barsham. È nata, vive e lavora in Tasmania e ha molti premi. I suoi lavori si trovano spesso sulle copertine delle riviste o come illustrazioni per articoli. Di lei si parla spesso anche sulla stampa. L'artista ha partecipato a numerose mostre e ha organizzato mostre personali in diversi paesi (Gran Bretagna, Singapore, Italia, Australia).

La valutazione delle opere più costose degli artisti viventi è una costruzione che parla del ruolo e del posto dell'artista nella storia dell'arte molto meno che dell'età e della forza della salute.

Le regole per la compilazione del nostro rating sono semplici: in primo luogo, vengono prese in considerazione solo le transazioni con opere di autori viventi; secondo, vengono conteggiate solo le vendite all'asta pubblica; e in terzo luogo, viene osservata la regola "un artista - un'opera" (se nella valutazione delle opere due record appartengono a Jones, rimane solo il più costoso e il resto non viene preso in considerazione). La classifica è effettuata in termini di dollari (al tasso di cambio alla data di vendita).

1. JEFF KOONS Coniglio. 1986. $ 91.075 milioni

Più a lungo guardi la carriera all'asta di Jeff Koons (1955), più ti convinci che nulla è impossibile per la pop art. Puoi ammirare le sculture di Koons sotto forma di giocattoli da palloncini, oppure puoi considerarle kitsch e insipide - hai ragione. Una cosa non si può negare: le installazioni di Jeff Koons costano una follia.

Jeff Koons ha iniziato il suo viaggio verso la fama come artista vivente di maggior successo al mondo nel 2007, quando la sua gigantesca installazione di metallo "Hanging Heart" è stata acquistata per $ 23,6 milioni all'asta di Sotheby's. L'opera è stata acquistata dalla galleria Larry Gagosian che rappresenta Koons ( sulla stampa ha scritto che era nell'interesse del miliardario ucraino Viktor Pinchuk.) La galleria ha acquisito non solo un'installazione, ma, in effetti, un gioiello (2.7 m e pesa 1.600 kg), ma ha uno scopo simile .Ci sono volute più di seimila ore e mezzo per produrre una composizione con un cuore ricoperto da dieci strati di pittura.

Poi c'è stata la vendita del Purple Balloon Flower per £ 12,92 milioni ($ 25,8 milioni) all'asta di Christie's a Londra il 30 giugno 2008. È interessante notare che, sette anni prima, i precedenti proprietari di "Tsvetka" hanno acquistato l'opera per $ 1,1 milioni ed è facile calcolare che durante questo periodo il suo prezzo di mercato è aumentato di quasi 25 volte.

La recessione nel mercato dell'arte del 2008-2009 ha dato agli scettici un motivo per spettegolare sul fatto che la moda per Koons fosse finita. Ma si sbagliavano: insieme al mercato dell'arte, l'interesse per le opere di Koons è rinato. Il successore di Andy Warhol al trono del Re della Pop Art ha rinnovato il suo record personale nel novembre 2012 con la vendita da Christie's di una scultura multicolore "Tulips" della serie "Celebration" per $ 33,7 milioni, commissione inclusa.

Ma i "tulipani" erano "fiori" in senso letterale e figurato. Appena un anno dopo, nel novembre 2013, seguì la vendita della scultura in acciaio inossidabile "Balloon Dog (Orange)": il prezzo del martello raggiunse ben 58,4 milioni di dollari! Una somma favolosa per un artista vivente. L'opera di un artista contemporaneo è stata venduta al prezzo di un quadro di Van Gogh o Picasso. Erano già bacche...

Con questo risultato, Koons regnò per diversi anni in vetta alla classifica degli artisti viventi. Nel novembre 2018, è stato brevemente superato da David Hockney (vedi la seconda riga della nostra valutazione). Ma appena sei mesi dopo, tutto è tornato alla normalità: il 15 maggio 2019 a New York, all'asta del dopoguerra e dell'arte contemporanea, Christie's ha messo in vendita una scultura da manuale per Koons del 1986 - un "Coniglio" argentato realizzato di acciaio inossidabile, imitando un palloncino di forma simile.

In totale, Koons ha creato 3 di queste sculture più una copia dell'autore. L'asta ha ottenuto una copia di "Rabbit" al numero 2 - dalla collezione dell'editore cult Cy Newhouse, comproprietario della casa editrice Conde Nast (riviste Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, ecc.). L'argento "Rabbit" fu acquistato dal "padre del glamour" Sai Newhouse nel 1992 per una somma impressionante per gli standard di quegli anni: 1 milione di dollari. Dopo 27 anni in una lotta di 10 offerenti, il martello da scultura era 80 volte il suo precedente prezzo di vendita. E tenendo conto della commissione Buyer's Premium, il risultato finale è stato di un record di 91,075 milioni di dollari per tutti gli artisti viventi.

2. DAVID HOCKNEY Ritratto dell'artista. Piscina con due figure. 1972. $ 90.312.500

David Hockney (1937) è uno dei più importanti artisti britannici del Novecento. Nel 2011, David Hockney è stato votato come l'artista britannico più influente di tutti i tempi da un sondaggio di migliaia di pittori e scultori britannici professionisti. Allo stesso tempo, Hockney ha scavalcato maestri come William Turner e Francis Bacon. Il suo lavoro è solitamente classificato come pop art, sebbene nei suoi primi lavori gravitasse maggiormente verso l'espressionismo nello spirito di Francis Bacon.

David Hockney è nato e cresciuto in Inghilterra, nello Yorkshire. La madre del futuro artista manteneva la famiglia in una severità puritana e suo padre, un semplice ragioniere che dipingeva un po' a livello amatoriale, incoraggiò suo figlio a dipingere. Poco più che ventenne, David partì per la California, dove visse per un totale di circa tre decenni. Ha ancora due laboratori lì. Hockney ha reso gli eroi delle sue opere i locali ricchi, le loro ville, piscine, prati inzuppati dal sole californiano. Una delle sue opere più famose del periodo americano - il dipinto "Splash" - è l'immagine di un fascio di spruzzi che si è alzato da una piscina dopo che una persona è saltata in acqua. Per rappresentare questo covone, "vivente" per non più di due secondi, Hockney ha lavorato per due settimane. A proposito, nel 2006 questo dipinto è stato venduto da Sotheby's per $ 5,4 milioni e per qualche tempo è stato considerato il suo lavoro più costoso.

Hockney (1937) ha già più di ottant'anni, ma lavora ancora e inventa persino nuove tecniche artistiche utilizzando innovazioni tecniche. Una volta che gli è venuta l'idea di realizzare enormi collage di fotografie Polaroid, ha stampato le sue opere su macchine fax e oggi l'artista sta padroneggiando con entusiasmo il disegno sull'iPad. Le immagini disegnate sul tablet occupano un posto degno nelle sue mostre.

Nel 2005, Hockney è finalmente tornato dagli Stati Uniti in Inghilterra. Ora dipinge all'aria aperta e in studio enormi paesaggi (spesso composti da più parti) di foreste e terre desolate locali. Secondo Hockney, nei 30 anni trascorsi in California, è diventato così disabituato al semplice cambio di stagione che lei lo ammira davvero e lo strega. Interi cicli della sua opera recente sono dedicati, ad esempio, allo stesso paesaggio in diversi periodi dell'anno.

Nel 2018, i prezzi dei dipinti di Hockney hanno raggiunto più volte la soglia dei 10 milioni di dollari. E il 15 novembre 2018, Christie's ha registrato un nuovo record assoluto per il lavoro di un artista vivente: $ 90.312.500 per il dipinto "Ritratto di un artista (piscina con due figure)".

3. GERHARD RICHTER Pittura astratta. 1986. $ 46,3 milioni

Classico vivente Gerhard Richter (1932) al secondo posto nella nostra classifica. L'artista tedesco è stato il leader tra i colleghi viventi fino al 58 milionesimo record di Jeff Koons. Ma questa circostanza difficilmente scuoterà la già ferrea autorità di Richter nel mercato dell'arte. Alla fine del 2012, il fatturato annuo d'asta dell'artista tedesco è secondo solo a quello di Andy Warhol e Pablo Picasso.

Per molti anni, nulla ha preannunciato il successo che ora ha colpito Richter. Per decenni, l'artista ha occupato un posto modesto nel mercato dell'arte contemporanea e non ha affatto cercato la fama. Possiamo dire che la gloria ha superato lui stesso. Molti considerano l'acquisto di una serie di opere di Richter "October 18, 1977" da parte del New York Museum of MoMA nel 1995 come punto di partenza. L'American Museum ha pagato $ 3 milioni per 15 dipinti nei toni del grigio e presto ha pensato di tenere una retrospettiva a tutti gli effetti dell'artista tedesco. La grandiosa mostra è stata inaugurata sei anni dopo, nel 2001, e da allora l'interesse per il lavoro di Richter è cresciuto a passi da gigante. Dal 2004 al 2008 i prezzi dei suoi quadri sono triplicati. Nel 2010, le opere di Richter hanno già guadagnato $ 76,9 milioni, nel 2011, secondo il sito Web Artnet, le opere di Richter alle aste hanno guadagnato $ 200 milioni in totale e nel 2012 (secondo Artprice) - $ 262,7 milioni - più del lavoro di qualsiasi altro artista vivente.

Mentre, ad esempio, il travolgente successo all'asta di Jasper Johns è accompagnato principalmente solo dalle prime opere, una divisione così netta non è tipica delle opere di Richter: la domanda è ugualmente stabile per cose di diversi periodi creativi, di cui c'erano moltissime nella carriera di Richter. Negli ultimi sessant'anni, questo artista si è cimentato in quasi tutti i generi pittorici tradizionali: ritratto, paesaggio, marina, nudo, natura morta e, naturalmente, astrazione.

La storia dei record d'asta di Richter è iniziata con una serie di "Candele" di nature morte. 27 immagini fotorealistiche di candele nei primi anni '80, al momento della loro stesura, costavano solo 15 mila marchi tedeschi ($ 5800) per opera. Ma ancora nessuno ha comprato "Candele" alla loro prima mostra alla Galleria Max Hetzler di Stoccarda. Allora il tema dei dipinti si chiamava antiquato; oggi le "Candele" sono considerate opere di tutti i tempi. E costano milioni di dollari.

Nel febbraio 2008 "Candela", scritto nel 1983, è stato inaspettatamente acquistato per £ 7,97 milioni (16 milioni di dollari)... Questo record personale è durato tre anni e mezzo. Quindi nell'ottobre 2011 un altro "Candela" (1982)è andato sotto il martello da Christie's per £ 10,46 milioni (16,48 milioni di dollari)... Con questo disco, Gerhard Richter è entrato per la prima volta nella top tre degli artisti viventi di maggior successo, prendendo il suo posto dietro Jasper Johns e Jeff Koons.

Quindi iniziò la vittoriosa processione di "Immagini astratte" di Richter. L'artista scrive tali opere con una tecnica d'autore unica: applica una miscela di vernici semplici su uno sfondo chiaro e quindi, usando un lungo raschietto delle dimensioni di un paraurti per auto, le spalma sulla tela. Questo produce intricate transizioni di colore, macchie e strisce. L'esame della superficie dei suoi "Quadri Astratti" è come degli scavi: su di essi sono visibili tracce di varie "figure" attraverso le rotture di numerosi strati di pittura.

9 novembre 2011 all'asta di arte moderna e del dopoguerra Sotheby's su larga scala "Pittura astratta (849-3)" 1997 è andato sotto il martello per $ 20,8 milioni (£ 13,2 milioni)... E sei mesi dopo, 8 maggio 2012 all'asta di arte del dopoguerra e contemporanea Christie's a New York "Pittura astratta (798-3)" Il 1993 è andato per il record $ 21,8 milioni(compresa la commissione). Cinque mesi dopo - di nuovo il record: "Pittura astratta (809-4)" dalla collezione del musicista rock Eric Clapton il 12 ottobre 2012 all'asta di Sotheby's a Londra è andato sotto il martello per £ 21,3 milioni ($ 34,2 milioni)... La barriera dei 30 milioni è stata superata da Richter con una tale facilità, come se si trattasse non di pittura moderna, ma di capolavori che non hanno meno di cento anni. Anche se nel caso di Richter sembra che l'inclusione dei "grandi" nel pantheon sia avvenuta durante la vita dell'artista. I prezzi per il lavoro del tedesco continuano a salire.

Il prossimo record di Richter apparteneva al lavoro fotorealistico: il paesaggio "Piazza del Duomo, Milano (Domplatz, Milano)" 1968 anno. L'opera è stata venduta per 37,1 milioni all'asta di Sotheby's 14 maggio 2013... La veduta della piazza più bella è stata dipinta da un artista tedesco nel 1968 per ordine di Siemens Electro, appositamente per la sede milanese dell'azienda. Al momento della sua stesura, era la più grande opera figurativa di Richter (quasi tre metri per tre).

Il record di "Piazza della Cattedrale" durò quasi due anni, finché 10 febbraio 2015 non l'ha interrotto "Pittura astratta" ( 1986): il prezzo di aggiudicazione raggiunge £ 30,389 milioni ($ 46,3 milioni)... La "Pittura astratta" 300,5 × 250,5 cm, messa all'asta da Sotheby's, è una delle prime opere su larga scala di Richter nella tecnica del suo autore speciale di raschiare strati di vernice. L'ultima volta nel 1999, questo "Quadro astratto" è stato acquistato all'asta per $ 607 mila (da quest'anno fino all'attuale vendita, l'opera è stata esposta al Ludwig Museum di Colonia). All'asta del 10 febbraio 2015, un certo cliente americano con passaggi d'asta di 2 milioni di sterline ha raggiunto il prezzo di aggiudicazione di 46,3 milioni di dollari. Cioè, dal 1999 il prezzo dell'opera è aumentato di oltre 76 volte!

4. TSUI ZHUZHO "Grandi montagne innevate". 2013. $ 39.577 milioni

Per molto tempo non abbiamo seguito da vicino l'evolversi della situazione nel mercato dell'arte cinese, non volendo sovraccaricare i nostri lettori con una quantità eccessiva di informazioni sulla "non nostra" arte. Fatta eccezione per il dissidente Ai Weiwei, che non è nemmeno così caro come artista risonante, gli autori cinesi ci sono sembrati troppo numerosi e lontani da noi per approfondire ciò che sta accadendo lì sul mercato. Ma le statistiche, come si suol dire, sono una donna seria, e se stiamo parlando degli autori viventi di maggior successo al mondo, allora non possiamo fare a meno di una storia sugli eccezionali rappresentanti dell'arte contemporanea del Celeste Impero.

Cominciamo con un artista cinese Cui Ruzhuo... L'artista è nato nel 1944 a Pechino, dal 1981 al 1996 ha vissuto negli Stati Uniti. Dopo essere tornato in Cina, ha iniziato a insegnare alla National Academy of Arts. Cui Ruzhuo reinterpreta la tradizionale pittura a inchiostro cinese e crea gli enormi rotoli che uomini d'affari e funzionari cinesi amano scambiarsi regali. In Occidente si sa molto poco di lui, anche se molti devono ricordare la storia della pergamena da 3,7 milioni di dollari, buttata per errore, scambiata per spazzatura, dagli addetti alle pulizie di un hotel di Hong Kong. Quindi - era il rotolo di Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo ha circa 70 anni e ha un fiorente mercato per il suo lavoro. Oltre 60 opere di questo artista hanno superato il milione di dollari, ma le sue opere hanno ancora successo solo nelle aste cinesi. I dischi di Cui Ruzhuo sono davvero impressionanti. prima "Paesaggio nella neve" alla Poly Auction di Hong Kong 7 aprile 2014 raggiunto un prezzo di aggiudicazione di HK $ 184 milioni ( 23,7 milioni di dollari USA).

Esattamente un anno dopo, 6 aprile 2015 in una speciale Poly Auction a Hong Kong dedicata esclusivamente alle opere di Cui Ruzhuo, serie "Il grande paesaggio innevato del monte Jiangnan"(Jiangnan - una regione storica in Cina, che occupa la riva destra del basso Yangtze) di otto paesaggi in inchiostro su carta ha raggiunto il prezzo di aggiudicazione di HK $ 236 milioni ( US $ 30,444 milioni).

Un anno dopo, la storia si è ripetuta: all'asta personale di Cui Ruzhuo tenuta da Poly Auctions a Hong Kong 4 aprile 2016 polittico in sei parti "Grandi montagne innevate" 2013 ha colpito il prezzo di aggiudicazione (compresa la commissione della casa d'aste) HK $ 306 milioni (US $ 39,577 milioni). Finora, questo è un record assoluto tra gli artisti viventi asiatici.

Secondo il mercante d'arte Johnson Chan, che lavora con l'arte contemporanea cinese da 30 anni, c'è un desiderio incondizionato di aumentare i prezzi per le opere di questo autore, ma tutto questo sta accadendo a un livello di prezzo in cui è improbabile che i collezionisti esperti vogliano acquistare qualcosa. "I cinesi vogliono aumentare le valutazioni dei loro artisti gonfiando i prezzi delle loro opere nelle principali aste internazionali come quella organizzata da Poly a Hong Kong, ma non c'è dubbio che queste valutazioni siano completamente inventate", commenta Johnson Chan su Cui L'ultimo disco di Rujo.

Questa, ovviamente, è solo l'opinione di un singolo rivenditore, ma abbiamo un vero record registrato in tutti i database. Quindi faremo i conti con lui. Lo stesso Cui Ruzhuo, a giudicare dalle sue dichiarazioni, è lontano dalla modestia di Gerhard Richter quando si tratta del successo dell'asta. Sembra che questa corsa ai record lo affascini seriamente. “Spero che nei prossimi 5-10 anni i prezzi per il mio lavoro supereranno i prezzi per le opere di maestri occidentali come Picasso e Van Gogh. Questo è un sogno cinese ", afferma Cui Ruzhuo.

5. JASPER JONES Bandiera. 1983. $ 36 milioni

Il terzo posto nella classifica degli artisti viventi appartiene a un americano Jasper John (1930)... Prezzo record attuale per Jones Works - $ 36 milioni... Così tanto pagato per il suo famoso "Bandiera" al Christie "s 12 novembre 2014.

La serie di dipinti "bandiere", iniziata da Jones a metà degli anni Cinquanta, subito dopo il ritorno dell'artista dall'esercito, divenne uno dei punti centrali della sua opera. In gioventù, l'artista era interessato all'idea di readymade, la trasformazione di un oggetto quotidiano in un'opera d'arte. Tuttavia, le bandiere di Jones non erano reali, erano dipinte a olio su tela. Così, un'opera d'arte ha acquisito le proprietà di una cosa dalla vita ordinaria, era allo stesso tempo sia l'immagine della bandiera che la bandiera stessa. Una serie di opere con bandiere ha portato la fama mondiale a Jasper Johns. Ma le sue opere astratte non sono meno popolari. Per molti anni, l'elenco delle opere più costose, compilato secondo le regole di cui sopra, è stato guidato dal suo abstract "Falsa partenza"... Fino al 2007, questa tela molto luminosa e decorativa, dipinta da Jones nel 1959, era considerata proprietaria di un prezzo praticamente inaccessibile per un artista vivente (sebbene un classico per tutta la vita) - $ 17 milioni... Tanto è stato pagato in oro per il mercato dell'arte 1988 anno.

È interessante notare che il record di Jasper Johns come detentore del record non è stato continuo. Nel 1989, fu interrotto dal lavoro di un collega nel laboratorio Willem de Kooning: un'astrazione di due metri "Mixing" fu venduta da Sotheby's per $ 20,7 milioni. Jasper Johns dovette trasferirsi. Ma 8 anni dopo, nel 1997, de Kooning è morto e " Falsa partenza "Jones ha nuovamente conquistato la prima riga della classifica delle aste degli artisti viventi per quasi 10 anni.

Ma nel 2007 tutto è cambiato. Il disco di False Start è stato inizialmente messo in ombra dal lavoro dei giovani e ambiziosi Damien Hirst e Jeff Koons. Poi c'è stata una vendita record per $ 33,6 milioni del dipinto "The Sleeping Allowance Inspector" di Lucien Freud (ora deceduto, e quindi non partecipante a questa valutazione). Poi sono iniziati i dischi di Gerhard Richter. In generale, finora, con un record attuale di 36 milioni, Jasper Jones, uno dei maestri dell'arte americana del dopoguerra, che lavora all'incrocio tra neo-dadaismo, espressionismo astratto e pop art, occupa un onorevole terzo posto .

6. ED RUSHEI Distruggere. 1963. $ 30,4 milioni

L'improvviso successo del dipinto "Smash" dell'artista americano Edward Ruscha (nato nel 1937) all'asta Christie's 12 novembre 2014 ha portato questo autore nella lista degli artisti viventi più costosi. Il precedente prezzo record per l'opera di Ed Ruscha (spesso il cognome Ruscha si pronuncia in russo come "Rusha", ma la pronuncia corretta è Ruscha) era di "soli" 6,98 milioni di dollari: questo è quanto hanno pagato per la sua tela "Burning Distributore di benzina" nel 2007. Sette anni dopo "Distruggere" con una stima di 15-20 milioni di dollari ha raggiunto il prezzo di un martello $ 30,4 milioni... Ovviamente, il mercato per le opere di questo autore ha raggiunto un nuovo livello: non per niente Barack Obama decora la Casa Bianca con le sue opere e lo stesso Larry Gagosian lo espone nelle sue gallerie.

Ed Ruscha non ha mai aspirato alla New York del dopoguerra con la sua mania per l'espressionismo astratto. Invece, per oltre 40 anni, ha cercato ispirazione in California, dove si è trasferito dal Nebraska all'età di 18 anni. L'artista era all'origine di una nuova tendenza nell'arte, chiamata pop art. Insieme a Warhol, Liechtenstein, Wayne Thibault e altri cantanti della cultura pop, Edward Ruscha prese parte nel 1962 al Museo di Pasadena, A New Image of Ordinary Things, che divenne la prima mostra museale della pop art americana. Tuttavia, allo stesso Ed Ruscha non piace quando il suo lavoro è attribuito alla pop art, al concettualismo o a qualche altra tendenza artistica.

Il suo stile unico si chiama "pittura del testo". Dalla fine degli anni '50, Ed Ruscha iniziò a disegnare parole. Così come per Warhol una lattina di zuppa diventava un'opera d'arte, per Ed Ruscha erano parole e frasi ordinarie prese o da un cartellone pubblicitario o da un pacco in un supermercato, o dai titoli di coda di un film (Hollywood era sempre al fianco di Ruscha, ea differenza di molti dei suoi colleghi artisti, Rusha rispettava la "fabbrica dei sogni"). Le parole sulle sue tele acquisiscono le proprietà di oggetti tridimensionali, queste sono vere nature morte dalle parole. Guardando le sue tele, la prima cosa che viene in mente è la percezione visiva e sonora della parola disegnata, e solo dopo - il significato semantico. Quest'ultimo, di regola, non si presta a una decodifica univoca; le parole e le frasi scelte da Rushey possono essere interpretate in modi diversi. La stessa parola giallo brillante "Smash" su uno sfondo blu intenso può essere percepita come un richiamo aggressivo a distruggere qualcosa o qualcuno in mille pezzi; come un aggettivo solitario preso fuori contesto (parte di un titolo di giornale, per esempio), o semplicemente come una parola separata catturata nel flusso urbano delle immagini visive. Ed Ruschai apprezza questa incertezza. "Ho sempre rispettato profondamente le cose strane e inspiegabili... Le spiegazioni, in un certo senso, uccidono le cose", ha detto in un'intervista.

7. CHRISTOPHER WOOL Senza titolo (RIOT). 1990. $ 29,93 milioni

pittore americano Cristoforo Wool(1955) è esploso per la prima volta nella classifica degli artisti viventi nel 2013 - dopo la vendita dell'opera "Apocalypse Now" per $ 26,5 milioni.Questo record lo ha immediatamente messo alla pari con Jasper Johns e Gerhard Richter. L'importo di questo storico affare - più di 20 milioni di dollari - ha sorpreso molti, poiché prima di esso i prezzi per le opere dell'artista non superavano gli 8 milioni di dollari, ma la rapida crescita del mercato per le opere di Christopher Wool a quel tempo era già evidente : il track record dell'artista comprendeva 48 operazioni d'asta per importi superiori a 1 milione di dollari, di cui 22 (quasi la metà) avvenute nel 2013. Due anni dopo, il numero di opere di Chris Wool, vendute per oltre $ 1 milione, ha raggiunto i 70 e un nuovo record personale non si è fatto attendere. All'asta Sotheby's il 12 maggio 2015 opera "Untitled (RIOT)"è stato venduto per $ 29,93 milioni compreso il Buyer's Premium.

Christopher Wool è meglio conosciuto per il suo vasto lavoro di lettere nere su fogli di alluminio bianco. Sono quelli che, di regola, stabiliscono record alle aste. Queste sono tutte cose della fine degli anni '80 - primi anni '90. La leggenda narra che una sera Wool stava passeggiando per New York di sera e improvvisamente vide dei graffiti su un nuovo camion bianco in lettere nere - le parole sesso e amore. Questa vista lo colpì così tanto che tornò immediatamente al laboratorio e scrisse la sua versione con le stesse parole. Era il 1987, e le ulteriori ricerche dell'artista di parole e frasi per le sue opere "lettera" riflettono lo spirito contraddittorio di quel tempo. Questa è la chiamata "vendi la casa, vendi la macchina, vendi i bambini", presa da Wool dal film "Apocalypse Now", e la parola "FOOL" ("fool") in lettere maiuscole e la parola "RIOT" ("ribellione"), che si trova spesso nei titoli dei giornali dell'epoca.

La lana stampava parole e frasi su fogli di alluminio con vernici alchidiche o a smalto, lasciando deliberatamente striature, segni di stencil e altre prove del processo creativo. L'artista ha diviso le parole in modo che lo spettatore non ne capisse immediatamente il significato. All'inizio, vedi solo un accumulo di lettere, cioè percepisci la parola come un oggetto visivo e solo allora leggi e decifra il significato della frase o della parola. Wool ha utilizzato un carattere che è stato utilizzato dai militari americani dopo la seconda guerra mondiale, che rafforza l'impressione di un ordine, una direttiva, uno slogan. Queste opere “lettera” sono percepite come parte del paesaggio urbano, come graffiti illegali che violavano la pulizia della superficie di qualche oggetto stradale. Questa serie di opere di Christopher Wool è riconosciuta come una delle vette dell'astrazione linguistica, e quindi è molto apprezzata dagli amanti dell'arte contemporanea.

8. PETER DOIG Rosedale. 1991. $ 28,81 milioni

britannico Peter Doig(1959), sebbene appartenga alla generazione dei postmodernisti Koons e Hirst, scelse per sé un genere di paesaggio completamente tradizionale, che per lungo tempo non fu gradito agli artisti di spicco. Con il suo lavoro, Peter Doig ravviva l'interesse del pubblico per la pittura figurativa che era estinto. Il suo lavoro è molto apprezzato sia dalla critica che dai non specialisti, e la prova di ciò è il rapido aumento dei prezzi delle sue opere. Se all'inizio degli anni '90 i suoi paesaggi costavano diverse migliaia di dollari, ora il conto sale a milioni.

Il lavoro di Doig è spesso chiamato realismo magico. Basandosi su paesaggi reali, crea immagini fantastiche, misteriose e spesso cupe. L'artista ama raffigurare oggetti abbandonati dalle persone: un edificio fatiscente costruito da Le Corbusier nel mezzo di una foresta o una canoa bianca vuota sulla superficie di un lago di foresta. Oltre alla natura e all'immaginazione, Doig si ispira a film horror, vecchie cartoline, fotografie, video amatoriali e altro ancora. I dipinti di Doig sono colorati, complessi, decorativi e non provocatori. È bello possedere un dipinto del genere. L'interesse dei collezionisti è alimentato anche dalla scarsa produttività dell'autore: l'artista che vive a Trinidad realizza non più di una dozzina di quadri all'anno.

All'inizio degli anni 2000, alcuni dei paesaggi dell'artista sono stati venduti per diverse centinaia di migliaia di dollari. Allo stesso tempo, le opere di Doig sono state incluse nella Saatchi Gallery, alla Biennale al Whitney Museum e nella collezione del MoMA. Nel 2006 è stata superata la barra dell'asta di $ 1 milione e l'anno successivo c'è stata una svolta inaspettata: l'opera "White Canoe", proposta da Sotheby's il 7 febbraio 2007 con una stima di $ 0,8-1,2 milioni, cinque volte ha superato la stima preliminare ed è stata venduta per £ 5,7 milioni ($ 11,3 milioni). A quel tempo, questo era un prezzo record per le opere di un artista europeo vivente.

Nel 2008 le mostre personali di Doig si sono tenute alla Tate Gallery e al Museum of Modern Art di Parigi. I cartellini dei prezzi multimilionari per il lavoro di Doig sono diventati la norma. Il record personale di Peter Doig ha recentemente iniziato ad essere aggiornato più volte all'anno: abbiamo solo il tempo di cambiare l'immagine e il posto di questo artista nella nostra valutazione degli autori viventi.

L'opera più costosa di Peter Doig fino ad oggi è il paesaggio innevato “Rosedale” del 1991. È interessante notare che il record non è stato stabilito da Sotheby's o Christie's, ma all'asta di arte contemporanea della casa d'aste Phillips. Questo è successo il 18 maggio 2017. Una veduta dell'innevato Rosedale, uno dei quartieri di Toronto, è stata venduta a un acquirente telefonico per 28,81 milioni di dollari, circa 3 milioni in più rispetto al record precedente (25,9 milioni di dollari per l'opera "Swamped"). Rosedale ha preso parte alla mostra chiave di Doig alla Whitechapel Gallery di Londra nel 1998, e in generale questo lavoro era fresco per il mercato, e quindi il prezzo record è ben meritato.

9. FRANK STELLA Capo di pini. 1959. $ 28 milioni

Frank Stella è un importante rappresentante dell'astrazione post-pittura e del minimalismo nell'arte. Ad un certo punto, è classificato come un dipinto a bordo duro. All'inizio, Stella contrapponeva la rigorosa monocromia geometrica e ascetica e la struttura dei suoi dipinti con la spontaneità e il caos dei dipinti di espressionisti astratti come Jackson Pollock.

Alla fine degli anni Cinquanta l'artista viene notato dal rinomato gallerista Leo Castelli e per la prima volta viene premiato con una mostra. Su di esso, ha presentato le cosiddette "Black Pictures" - tele dipinte con linee nere parallele con sottili spazi di tela non dipinta tra di loro. Le linee sono piegate in forme geometriche, che ricordano in qualche modo le illusioni ottiche, le stesse immagini che tremolano, si muovono, si attorcigliano, creano una sensazione di spazio profondo, se le guardi a lungo. Stella ha continuato il tema delle linee parallele con sottili strisce divisorie nelle sue opere su alluminio e rame. Cambiarono i colori, la base pittorica e anche la forma dei dipinti (tra gli altri spiccano le opere a forma di lettere U, T, L). Ma il principio principale della sua pittura consisteva ancora nella chiarezza del contorno, nella monumentalità, nella forma semplice, nel monocromo. Nei decenni successivi, Stella si è allontanata da tale pittura geometrica verso forme e linee lisce e naturali, e dai dipinti monocromatici a transizioni di colore luminose e varie. Negli anni '70, Stella era affascinata dagli enormi modelli usati per dipingere le navi. L'artista li ha usati per enormi dipinti con elementi di assemblaggio - ha incluso pezzi di tubi d'acciaio o rete metallica nel suo lavoro.

Nelle sue prime interviste, Frank Stella discute francamente i significati messi nel suo lavoro, o meglio, sulla loro assenza: "Quello che vedi è quello che vedi". L'immagine è essa stessa un oggetto, non una riproduzione di nulla. "È una superficie piana con sopra della vernice e nient'altro", ha detto Stella.

Bene, firmata da Frank Stella, questa superficie "dipingi su di essa" potrebbe valere milioni di dollari oggi. Per la prima volta nella classifica degli artisti viventi, Frank Stella ha ottenuto nel 2015 con la vendita dell'opera "Delaware Crossing" (1961) per $ 13,69 milioni, tenendo conto della commissione.

Quattro anni dopo, il 15 maggio 2019, è stato stabilito un nuovo record dal primo lavoro (1959) "Cape of Pines": il prezzo del martello è stato di oltre $ 28 milioni, compresa la commissione. Questo è uno dei 29 "quadri neri", proprio quelli con cui Stella ha debuttato alla sua prima mostra a New York. All'epoca Frank Stella, laureato alla Princeton University, aveva 23 anni. Spesso non aveva abbastanza soldi per la pittura ad olio per gli artisti. Il giovane artista stava lavorando al chiaro di luna come lavoro di riparazione, gli piacevano molto i colori puri della vernice, e poi è nata l'idea di lavorare con questa pittura su tela. Con la vernice a smalto nero, Stella dipinge strisce parallele, lasciando tra di loro linee sottili di una tela non preparata. E scrive senza righelli, a occhio, senza uno schizzo preliminare. Stella non ha mai saputo quante linee nere sarebbero apparse in un particolare dipinto. Ad esempio, nel dipinto "Cape of Pines" ce n'erano 35. Il titolo dell'opera si riferisce al nome di un capo nella baia del Massachusetts - Point of pines. All'inizio del Novecento esisteva un grande parco divertimenti, ed oggi è uno dei quartieri della città di Revere.

10. YOSHITOMO NARA Coltello dietro la schiena. 2000. $ 24,95 milioni

Yoshitomo Nara (1959) è una delle figure chiave della neo-pop art giapponese. giapponese - perché, nonostante la fama mondiale e molti anni di lavoro all'estero, il suo lavoro si distingue ancora per una spiccata identità nazionale. I personaggi preferiti di Nara sono ragazze e cani nello stile dei manga giapponesi e dei fumetti anime. Le immagini che ha inventato per molti anni sono andate alla gente: vengono stampate su magliette, souvenir e con esse vengono realizzati vari “merch”. Nato in una famiglia povera, lontano dalla capitale, non solo è amato per il suo talento, ma anche apprezzato come persona che si è fatta da sé. L'artista lavora in modo rapido ed espressivo. È noto che alcuni dei suoi capolavori sono stati completati letteralmente dall'oggi al domani. I dipinti e le sculture di Yoshitomo Nara, di regola, sono molto laconici, se non avari nei mezzi espressivi, ma portano sempre una forte carica emotiva. Le ragazze adolescenti di Nara guardano spesso lo spettatore con uno sguardo sgarbato. Ai loro occhi - insolenza, sfida e aggressività. Nelle sue mani: un coltello, poi una sigaretta. Si ritiene che le perversioni del comportamento raffigurate siano una reazione all'oppressiva moralità pubblica, a vari tabù e ai principi di educazione adottati dai giapponesi. La severità quasi medievale e la vergogna guidano i problemi interni, creano le basi per uno scoppio emotivo ritardato. "The Knife Behind the Back" riflette semplicemente una delle idee principali dell'artista. In questo lavoro c'è sia uno sguardo d'odio della ragazza, sia una mano che è minacciosamente avvolta dietro la sua schiena. Fino al 2019, i dipinti e le sculture di Yoshitomo Nara avevano più di una volta preso il segno di un milione, o addirittura diversi milioni. Ma venti milioni per la prima volta. Nara è uno degli artisti giapponesi più famosi al mondo. E ora la persona vivente più cara. Il 6 ottobre 2109, da Sotheby's a Hong Kong, ha preso questo titolo da Takashi Murakami e ha notevolmente aggirato l'artista d'avanguardia novantenne Yayoi Kusama (i prezzi massimi d'asta per i suoi dipinti si avvicinano già a $ 9 milioni).

11. Zeng FANZHI L'ultima Cena. 2001. $ 23,3 milioni

All'asta di Sotheby's a Hong Kong 5 ottobre 2013 tela di grandi dimensioni "L'ultima Cena" Artista di Pechino Zeng Fanzhi (1964) venduto per la cifra record di 160 milioni di dollari di Hong Kong - $ 23,3 milioni STATI UNITI D'AMERICA. Il costo finale del lavoro di Fanzhi, scritto, ovviamente, sotto l'influenza dell'opera di Leonardo da Vinci, si è rivelato essere il doppio della stima preliminare di circa $ 10 milioni.Il precedente record di prezzo di Zeng Fanzhi era di $ 9,6 milioni pagato all'asta di Christie's a Hong Kong nel maggio 2008 per l'opera “Serie di maschere. 1996. No. 6".

L'Ultima Cena è il dipinto più grande (2,2 × 4 metri) di Fanzhi nella serie delle Maschere, che copre il periodo dal 1994 al 2001. Il ciclo è dedicato all'evoluzione della società cinese sotto l'influenza delle riforme economiche. L'introduzione da parte del governo della RPC di elementi di un'economia di mercato ha portato all'urbanizzazione e alla disunione dei cinesi. Fanzhi raffigura gli abitanti delle moderne città cinesi, che devono lottare per un posto al sole. La nota composizione dell'affresco leonardesco letta da Fanzhi assume tutt'altro significato: la scena dell'azione è stata trasferita da Gerusalemme nell'aula di una scuola cinese con le tipiche tavole geroglifiche alle pareti. "Cristo" e "apostoli" sono diventati pionieri con cravatte scarlatte e solo "Giuda" indossa una cravatta d'oro - questa è una metafora del capitalismo occidentale, che penetra e distrugge il solito modo di vivere in un paese socialista.

Le opere di Zeng Fanzhi sono stilisticamente vicine all'espressionismo europeo e sono altrettanto drammatiche. Ma allo stesso tempo, sono pieni di simboli e dettagli cinesi. Questa versatilità attrae collezionisti cinesi e occidentali al lavoro dell'artista. Una conferma diretta di ciò è la provenienza dell'Ultima Cena: l'opera è stata messa all'asta dal famoso collezionista dell'avanguardia cinese degli anni '80 - inizio anni '90 - il barone belga Guy Ullens.

12. ROBERT RYMAN Ponte. 1980. $ 20,6 milioni

All'asta Christie's 13 maggio 2015 lavoro astratto "Ponte" Artista americano di 85 anni Robert Ryman(Robert Ryman) è stato venduto per $ 20,6 milioni tenendo conto della commissione - due volte più costosa della stima più bassa.

Robert Ryman(1930) non si rese subito conto di voler diventare un artista. All'età di 23 anni si trasferisce a New York da Nashville, nel Tennessee, con il desiderio di diventare un sassofonista jazz. Fino a diventare un musicista famoso, ha dovuto lavorare come guardia di sicurezza al MoMA, dove ha incontrato Saul LeWitt e Dan Flavin. La prima lavorava nel museo come segretaria notturna, la seconda come guardia giurata e addetta all'ascensore. Impressionato dalle opere degli espressionisti astratti che vide al MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock e Newman - Robert Ryman iniziò a dipingere nel 1955.

Rayman viene spesso definito un minimalista, ma preferisce essere definito un "realista", perché non è interessato a creare illusioni, dimostra solo la qualità dei materiali che utilizza. La maggior parte delle sue opere sono dipinte con vernici di tutte le possibili sfumature di bianco (dal grigiastro o giallastro - al bianco abbagliante) sulla base di una forma quadrata laconica. Durante la sua carriera, Robert Ryman ha provato molti materiali e tecniche: ha dipinto ad olio, acrilico, caseina, smalto, pastelli, tempera, ecc. su tela, acciaio, plexiglass, alluminio, carta, cartone ondulato, vinile, carta da parati, ecc. amico, restauratore professionista, Orrin Riley, lo consigliò sulla causticità di qualunque materiale avesse pensato di usare. Come disse una volta l'artista, "Non ho mai una domanda, che cosa scrivi, l'essenziale è come Scrivi". Riguarda la trama, la natura dei tratti, il confine tra la superficie della vernice e i bordi della base, nonché il rapporto tra lavoro e muro. Dal 1975, gli infissi sono diventati una caratteristica speciale del suo lavoro, progettati dallo stesso Ryman e lasciandoli deliberatamente visibili, sottolineando il suo lavoro "reale come le pareti su cui sono appesi". Ryman preferisce dare alle opere "nomi" piuttosto che "titoli". Il "nome" è ciò che aiuta a distinguere un'opera dall'altra, e Ryman spesso nomina le sue opere con marchi di vernici, aziende, ecc., e il "nome" rivendica una sorta di allusione e significati profondamente nascosti, la cui presenza nel suo opere, l'artista nega regolarmente. Solo il materiale e la tecnica sono importanti.

13. DAMIEN HURST Primavera sonnolenta. 2002. $ 19,2 milioni

artista inglese Damien Hirst (1965) era destinato a essere il primo a conquistare il primo posto di questa classifica in una disputa con il classico vivente Jasper Johns. Il già citato lavoro "False Start" potrebbe rimanere un capo inaffondabile per molto tempo, se 21 giugno 2007 installazione ai tempi del 42enne Hirst "Primavera sonnolenta"(2002) non è stato venduto da Sotheby's per £ 9,76 milioni, cioè per $ 19,2 milioni... Il lavoro, tra l'altro, ha un formato piuttosto insolito. Da un lato, questa è una vetrina con manichini di pillole (6.136 pillole), in effetti, un'installazione classica. Questa vetrina, invece, è realizzata in piano (profondità 10 cm), racchiusa in una cornice e appesa alla parete come un pannello al plasma, offrendo così a pieno il comfort di proprietà tipico dei quadri. Nel 2002, la sorella dell'installazione, Sleepy Winter, ha venduto per 7,4 milioni di dollari, più della metà del prezzo. Qualcuno ha "spiegato" la differenza di prezzo con il fatto che in inverno le compresse sono sbiadite. Ma è chiaro che questa spiegazione è assolutamente infondata, perché il meccanismo dei prezzi per tali cose non è più associato alla loro decoratività.

Nel 2007, molti hanno riconosciuto Hirst come l'autore dell'opera più costosa tra gli artisti viventi. La domanda, tuttavia, proviene dalla categoria "a seconda di come si conta". Il fatto è che Hirst è stato venduto per sterline costose e Jones per i dollari ora più economici, e anche vent'anni fa. Ma anche se contiamo al valore nominale, escludendo l'inflazione ventennale, il lavoro di Hirst era più costoso in dollari e quello di Jones in sterline. La situazione era al limite e ognuno era libero di decidere chi fosse il più costoso. Ma Hirst ha resistito al primo posto non così a lungo. Nello stesso 2007 è stato rimosso dal primo posto da Koons con il suo "Hanging Heart".

Proprio alla vigilia del calo globale dei prezzi dell'arte contemporanea, Hirst ha intrapreso un'impresa senza precedenti per un giovane artista: un'asta personale delle sue opere, che ha avuto luogo il 15 settembre 2008 a Londra. La notizia del fallimento della banca Lehman Brothers annunciata alla vigilia non ha stuzzicato l'appetito degli amanti dell'arte contemporanea: su 223 opere offerte da Sotheby's, solo cinque non hanno trovato nuovi proprietari (uno degli acquirenti, tra l'altro, è stato Victor Pinchuk). Opera "Toro d'oro"- un enorme toro ripieno di formaldeide, sormontato da un disco d'oro, - portato tanto £ 10,3 milioni (18,6 milioni $)... Questo è il miglior risultato di Hirst se calcolato in sterline (nella valuta in cui è stata effettuata la transazione). Tuttavia, stiamo classificando in termini di dollari, quindi (che il Golden Calf ci perdoni) considereremo ancora la Sleepy Spring come la migliore vendita per Hirst.

Dal 2008, Hirst non ha avuto vendite del livello di "Sleepy Spring" e "Golden Calf". Record freschi degli anni 2010 - per opere di Richter, Jones, Fanzhi, Wool e Koons - hanno spinto Damien alla sesta riga della nostra classifica. Ma non diamo un giudizio categorico sulla fine dell'era Hirst. Secondo gli analisti, Hirst come "superstar" è già passato alla storia, il che significa che verrà acquistato per molto tempo; tuttavia, il maggior valore nel futuro è previsto per le opere realizzate durante il periodo più innovativo della sua carriera, ovvero negli anni '90.

14. MAURIZIO CATTELAN Lui. 2001. $ 17,19 milioni

L'italiano Maurizio Cattelan (1960) si è avvicinato all'arte dopo aver lavorato come guardia giurata, cuoco, giardiniere e designer di mobili. L'autore autodidatta è diventato famoso in tutto il mondo per le sue sculture e installazioni ironiche. Ha fatto cadere un meteorite sul Papa, ha trasformato la moglie del cliente in un trofeo di caccia, ha fatto un buco nel pavimento in un museo di antichi maestri, ha mostrato un dito medio gigante alla borsa di Milano, ha portato un asino vivo al Fregio giusto. Nel prossimo futuro, Cattelan promette di installare una toilette d'oro al Museo Guggenheim. Alla fine, le buffonate di Maurizio Cattelan hanno ricevuto un ampio riconoscimento nel mondo dell'arte: è stato invitato alla Biennale di Venezia (installazione "Altri" nel 2011 - uno stormo di duemila piccioni che guardano minacciosi da tutti i tubi e le travi alla folla di visitatori che passano sotto), organizza una retrospettiva al Guggenheim Museum di New York (novembre 2011) e alla fine viene pagato un sacco di soldi per le sue sculture.

Dal 2010, l'opera più costosa di Maurizio Cattelan è stata una scultura in cera di un uomo che fa capolino da un buco nel pavimento, esteriormente simile all'artista stesso (Untitled, 2001). Questa installazione-scultura, che esiste in tre copie più la copia dell'autore, è stata mostrata per la prima volta al Museo Boijmans van Beuningen di Rotterdam. Quindi questo personaggio malizioso ha guardato da un buco nel pavimento della sala con dipinti di pittori olandesi del XVIII - XIX secolo. Maurizio Cattellan in questo lavoro si associa a un audace criminale che invade lo spazio sacro della sala del museo con dipinti di grandi maestri. Vuole dunque privare l'arte dell'aura di santità che le danno le pareti dei musei. L'opera, per potersi esibire ogni volta che si deve perforare il pavimento, è stata venduta per 7,922 milioni di dollari da Sotheby's.

Il record è durato fino all'8 maggio 2016, quando l'opera ancora più provocatoria di Cattelan "Him", raffigurante Hitler in ginocchio, è stata battuta per 17,189 milioni di dollari. Il nome è strano. La scelta del personaggio è rischiosa. Come tutti in Cattelan. Cosa significa Lui? "Sua" o "Sua maestà infernale"? È chiaro che non stiamo assolutamente parlando di glorificare l'immagine del Fuhrer. In questo lavoro, Hitler appare piuttosto in uno stato indifeso e miserabile. E assurdo: l'incarnazione di Satana è alta come un bambino, vestita con un costume da scolaretto e inginocchiata con un'espressione umile sul viso. Per Cattelan questa immagine è un invito a riflettere sulla natura del male assoluto e un modo per liberarsi dalle paure. A proposito, la scultura "Lui" è ben nota al pubblico occidentale. I suoi fratelli della serie sono stati esposti più di 10 volte nei principali musei di tutto il mondo, tra cui il Centre Pompidou e il Solomon Guggenheim Museum.

15. MARK GROTIAN Senza titolo (S III Rilasciato in Francia Face 43.14). 2011. $ 16,8 milioni

Il 17 maggio 2017, uno dei dipinti più potenti di Mark Grotian mai messi all'asta è apparso all'asta serale di Christie's a New York. Il dipinto "Untitled (S III Released to France Face 43.14)" è stato esposto dal collezionista parigino Patrick Seguin con una stima di 13-16 milioni di dollari, e poiché la vendita del lotto è stata garantita da un terzo, nessuno è rimasto particolarmente sorpreso per stabilire un nuovo record d'asta personale per l'artista 49enne... Il prezzo del martello di $ 14,75 milioni (compreso il Buyer's Premium $ 16,8 milioni) ha superato di oltre $ 10 milioni il precedente record d'asta di Grotian, consentendogli di entrare nel club degli artisti viventi, le cui opere vengono vendute per somme a otto cifre. Ci sono già una trentina di risultati a sette cifre (vendite di oltre $ 1 milione, ma non più di $ 10 milioni) nella scatola delle aste di Mark Grotian.

Mark Grotian (1968), nel cui lavoro gli esperti vedono l'influenza del modernismo, del minimalismo astratto, della pop e dell'op art, è arrivato al suo stile aziendale a metà degli anni '90, dopo essersi trasferito con il suo amico Brent Peterson a Los Angeles e aver aperto una galleria lì "Camera 702". Come ricorda lo stesso artista, in quel momento iniziò a pensare a ciò che era in primo luogo per lui nell'arte. Cercava un motivo per sperimentare. E ho capito che era sempre interessato alla linea e al colore. Esperimenti nello spirito del rayonismo e del minimalismo con una prospettiva lineare, numerosi punti di fuga e forme triangolari astratte multicolori alla fine hanno portato la fama mondiale di Grotian.

Da paesaggi astratti e colorati con molteplici orizzonti e punti di fuga prospettici, alla fine è arrivato a forme triangolari, che ricordano le ali delle farfalle. I dipinti di Grotian 2001-2007 questo è quello che chiamano - "Farfalle". Oggi, spostare il punto di fuga o utilizzare più punti di fuga contemporaneamente, distanziati nello spazio, è considerata una delle tecniche più potenti dell'artista.

La successiva grande serie di opere si chiamava "Faces"; nelle linee astratte di questa serie si indovinano i tratti di un volto umano, semplificati allo stato di una maschera nello spirito di Matisse, Jawlensky o Brancusi. Parlando dell'estrema semplificazione e stilizzazione delle forme, della soluzione compositiva dei dipinti, quando i contorni sparsi degli occhi e delle bocche sembrano guardarci da un boschetto, i ricercatori notano la connessione dei "Volti" di Grotian con l'arte delle tribù primitive dell'Africa e dell'Oceania, mentre all'artista stesso semplicemente “piace l'immagine degli occhi che guardano dalla giungla. A volte immaginavo facce di babbuini o scimmie. Non posso dire che consciamente o inconsciamente sono stato influenzato dall'arte primitiva africana, piuttosto, sono stato influenzato dagli artisti che erano sotto la sua influenza. Picasso è l'esempio più ovvio".

Le opere della serie "Faces" sono chiamate brutali ed eleganti, piacevoli alla vista e piacevoli alla mente. Nel tempo, cambia anche la trama di queste opere: per creare l'effetto dello spazio interno, l'artista utilizza ampi tratti di vernice spessa, anche uno spray in stile Pollock, tuttavia, la superficie del dipinto viene livellata in modo che a distanza ravvicinata all'esame sembra assolutamente piatto. Il dipinto record d'asta "Untitled (S III Released to France Face 43.14)" si riferisce proprio a questa illustre serie di Mark Grotian.

16. TAKASHI MURAKAMI Il mio cowboy solitario. $ 15,16 milioni

giapponese Takashi Murakami (1962) incluso nella nostra valutazione con una scultura "Il mio cowboy solitario" venduto da Sotheby's nel maggio 2008 per $ 15,16 milioni... Con questa vendita, Takashi Murakami è stato a lungo considerato l'artista asiatico vivente di maggior successo, fino a quando non è stato messo in ombra dalla vendita dell'Ultima Cena di Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami lavora come artista, scultore, stilista e animatore. Murakami voleva prendere qualcosa di veramente giapponese come base del suo lavoro, senza occidentali e altri prestiti. Nei suoi anni da studente, fu affascinato dalla pittura tradizionale giapponese di nihonga, in seguito fu sostituita dall'arte popolare di anime e manga. È così che è nato lo psichedelico Mr DOB, sorridenti motivi floreali e luminose e lucide sculture in fibra di vetro che sembravano appena uscite dalle pagine dei fumetti giapponesi. Alcuni considerano l'arte di Murakami un fast food e l'incarnazione della volgarità, altri chiamano l'artista il giapponese Andy Warhol - e nelle file di quest'ultimo, come vediamo, ci sono molte persone molto ricche.

Murakami ha preso in prestito il nome della sua scultura dal film di Andy Warhol Lonely Cowboys (1968), che i giapponesi, come lui stesso ha ammesso, non hanno mai visto, ma gli è piaciuta molto la combinazione di parole. Murakami con una scultura e ha soddisfatto i fan dei fumetti erotici giapponesi e ha riso di loro. Ingrandito nelle dimensioni, e inoltre, è anche tridimensionale, l'eroe dell'anime si trasforma in un feticcio della cultura di massa. Questa espressione artistica è abbastanza nello spirito della classica pop art occidentale (ricordate i mobili di Allen Jones o la Pantera Rosa di Koons), ma con un tocco nazionale.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. $ 14 784 505

KAWS è lo pseudonimo dell'artista americano Brian Donnelly del New Jersey. È il membro più giovane della nostra classifica, classe 1974. Donnelly ha iniziato come animatore alla Disney (ha disegnato gli sfondi per il cartone dei 101 Dalmati, ecc.). Fin da giovane era appassionato di graffiti. Il suo design distintivo era inizialmente un teschio con delle X al posto delle orbite. Le opere del giovane scrittore sono state amate dagli uomini dello spettacolo e dall'industria della moda: ha realizzato la copertina dell'album di Kanye West, pubblicato collaborazioni per Nike, Comme des Garçons e Uniqlo. KAWS è diventata nel tempo una figura ben nota nel mondo dell'arte contemporanea. La sua iconica statuetta di Topolino ha messo radici in musei, spazi pubblici e collezioni private. KAWS una volta ha rilasciato un giocattolo in vinile in edizione limitata con il marchio My Plastic Heart, e improvvisamente sono diventati oggetto di grande interesse da collezione. Uno degli appassionati collezionisti di questi "giocattoli" è il fondatore di Black Star, il rapper Timati: ha collezionato quasi completamente l'intera serie dei "Cavs Companions".

Il lavoro di KAWS ha stabilito un record di $ 14,7 milioni da Sotheby's Hong Kong il 1 aprile 2019. Faceva parte della collezione dello stilista giapponese Nigo. La lunga tela The KAWS Album è un omaggio alla copertina del famoso Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band del 1967 dei Beatles. Solo al posto delle persone, i Kimpson sono disegnati su di esso: personaggi stilizzati della serie animata I Simpson con X al posto degli occhi.

18. JIN SHANI sposa tagika. 1983. $ 13,89 milioni

Tra gli artisti cinesi relativamente giovani e contemporanei, che appartengono tutti insieme alla cosiddetta "new wave" della fine degli anni '80 nell'arte cinese, un rappresentante di una generazione completamente diversa e di una scuola diversa è entrato inaspettatamente nella nostra valutazione. Jin Shangyi, ora ottantenne, è uno dei più brillanti rappresentanti della prima generazione di artisti nella Cina comunista. Le opinioni di questo gruppo di artisti sono state modellate in larga misura sotto l'influenza del più vicino compagno d'armi comunista: l'URSS.

L'arte ufficiale sovietica, il realismo socialista, la pittura ad olio, che era ancora insolita per la Cina (al contrario della tradizionale pittura a inchiostro cinese), erano all'apice della popolarità negli anni '50, e l'artista sovietico Konstantin venne a insegnare all'Università d'Arte di Pechino per tre anni (dal 1954 al 1957) Methodievich Maksimov. Jin Shani, che a quel tempo era il più giovane del gruppo, entrò nella sua classe. L'artista ha sempre ricordato il suo insegnante con grande calore, dicendo che è stato Maksimov a insegnargli a capire e rappresentare correttamente il modello. KM Maksimov ha educato un'intera galassia di realisti cinesi, ora classici.

L'influenza sia dello "stile austero" sovietico che della scuola di pittura europea si fa sentire nell'opera di Jin Shani. L'artista ha dedicato molto tempo allo studio dell'eredità del Rinascimento e del classicismo, mentre ha ritenuto necessario preservare lo spirito cinese nelle sue opere. Il dipinto "Tajik Bride", dipinto nel 1983, è considerato un capolavoro generalmente riconosciuto, una nuova pietra miliare nel lavoro di Jin Shani. È stato messo all'asta di China Guardian nel novembre 2013 e venduto molte volte più costoso della stima - per $ 13,89 milioni, tenendo conto della commissione.

19. BANKSY Parlamento decaduto. 2008. $ 12,14 milioni

I murales etichettati con Banksy hanno cominciato ad apparire sui muri delle città (prima nel Regno Unito e poi in tutto il mondo) alla fine degli anni '90. I suoi graffiti filosofici e allo stesso tempo taglienti erano dedicati ai problemi dell'offensiva dello stato alle libertà dei cittadini, dei crimini contro l'ambiente, del consumo irresponsabile e della disumanità del sistema migratorio illegale. Nel tempo, i "rimproveri" del muro di Banksy hanno guadagnato una popolarità mediatica senza precedenti. Divenne infatti uno dei principali portavoce dell'opinione pubblica, condannando l'ipocrisia di stati e corporazioni, producendo crescenti ingiustizie nel sistema capitalista.

Il valore di Banksy, il senso del "nervo del tempo" e l'accuratezza delle sue metafore sono stati apprezzati non solo dagli spettatori, ma anche dai collezionisti. Negli anni 2010 sono state donate centinaia di migliaia, o anche più di un milione di dollari, per le sue opere. È arrivato al punto che i graffiti di Banksy sono stati scomposti e rubati insieme a pezzi dei muri.

In un'era di sorveglianza digitale avanzata, Banksy riesce ancora a rimanere anonimo. C'è una versione secondo cui questa non è più una persona, ma un gruppo di diversi artisti, guidati da una donna di talento. Questo spiegherebbe molto. Sia la dissomiglianza esterna degli scrittori catturati dalle lenti delle telecamere dei testimoni, sia il metodo di applicazione dello stencil impersonale (dà un'alta velocità e non richiede la partecipazione diretta dell'autore), sia il toccante romanticismo delle trame di i quadri (palline, fiocchi di neve, ecc.). Comunque sia, le persone del progetto Banksy, compresi i suoi assistenti, sanno come tenere a freno la lingua.

Nel 2019, l'opera più costosa di Banksy è diventata inaspettatamente la tela di quattro metri del Parlamento devoluto (parlamento "degradato", "decaduto" o "delegato"). Gli scimpanzé che litigano alla Camera dei Comuni sembrano deridere gli spettatori nell'anno della scandalosa Brexit. È sorprendente che il dipinto sia stato dipinto 10 anni prima di questa svolta storica, e quindi qualcuno lo considera profetico. All'asta di Sotheby's del 3 ottobre 2019, durante una feroce contrattazione, un acquirente sconosciuto ha acquistato questo petrolio per $ 12.143.000 - sei volte di più rispetto alla stima preliminare.

20. JOHN CARREN “Bello e semplice”. 1999. $ 12,007 milioni

pittore americano John Curran (1962) noto per i suoi dipinti figurativi satirici su temi sessuali e sociali provocatori. Le opere di Curren riescono a combinare le tecniche della pittura di antichi maestri (soprattutto Lucas Cranach il Vecchio e i Manieristi) e la fotografia di moda delle riviste patinate. Alla ricerca di un maggiore grottesco, Curren spesso distorce le proporzioni del corpo umano, aumenta o diminuisce le sue singole parti, raffigura personaggi in pose rotte e educate.

Curren ha iniziato nel 1989 con ritratti di ragazze, ridisegnati da un album di scuola; continuato nei primi anni '90 con immagini di bellezze procace ispirate alle foto di Cosmopolitan e Playboy; nel 1992 apparvero ritratti di donne anziane benestanti; e nel 1994, Curren sposò la scultrice Rachel Feinstein, che divenne la sua principale musa e modella per molti anni. Alla fine degli anni '90, l'abilità tecnica di Curren, combinata con il kitsch e il grottesco dei suoi dipinti, gli ha portato popolarità. Nel 2003, Larry Gagosian ha intrapreso la promozione dell'artista e se un commerciante come Gagosian assume l'autore, il successo è assicurato. Nel 2004, c'è stata una retrospettiva di John Curren al Whitney Museum.

Fu in questo periodo che iniziò a vendere a sei cifre. L'attuale record per la pittura di John Curren appartiene all'opera "Nice and Simple", venduta il 15 novembre 2016 da Christie's per $ 12 milioni, ora oltre i 50, questa è sicuramente una svolta nella carriera. Il suo record precedente nel 2008 era di $ 5,5 milioni (pagato, tra l'altro, per lo stesso lavoro "Nice and Simple").

21. BRICE MARDEN Il frequentato. 1996-1999. $ 10.917 milioni

Un altro artista astratto americano vivente nella nostra classifica è Bryce Marden (1938). Le opere di Marden nello stile del minimalismo e dalla fine degli anni '80 - la pittura gestuale, si distinguono per la tavolozza leggermente smorzata dell'autore unico. Le combinazioni di colori nelle opere di Marden sono ispirate ai suoi viaggi in giro per il mondo: Grecia, India, Thailandia, Sri Lanka. Tra gli autori che hanno influenzato la formazione di Marden c'erano Jackson Pollock (nei primi anni '60, Marden lavorò come guardia di sicurezza al Jewish Museum, dove osservò personalmente il "gocciolamento" di Pollock), Alberto Giacometti (conobbe le sue opere a Parigi) e Robert Rauschenberg (alcuni mentre Marden lavorava come suo assistente). La prima fase del lavoro di Marden è dedicata alle tele classiche minimaliste, costituite da blocchi rettangolari colorati (orizzontali o verticali). A differenza di molti altri minimalisti, che hanno raggiunto la qualità ideale delle opere, come se fossero stampate da una macchina e non disegnate da una persona, Marden ha conservato tracce del lavoro dell'artista, combinando materiali diversi (cera e colori ad olio). Dalla metà degli anni '80, sotto l'influenza della calligrafia orientale, l'astrazione geometrica è stata sostituita da linee sinuose e meandro, per le quali gli stessi campi di colore monocromatici fungevano da sfondo. Una di queste opere "meandre" - "The Attended" - all'asta di Sotheby's nel novembre 2013 è stata venduta per 10,917 milioni di dollari compresa la commissione.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23 dicembre 1959. $ 10,6 milioni

23. ZHANG Xiaogang Amore eterno. $ 10,2 milioni

Un altro rappresentante dell'arte contemporanea cinese - simbolista e surrealista Zhang Xiaogang (1958)... All'asta di Sotheby's a Hong Kong 3 aprile 2011 dove è stata venduta l'avanguardia cinese della collezione del barone belga Guy Ullens, il trittico di Zhang Xiaogang "Amore eterno"è stato venduto per $ 10,2 milioni... A quel tempo, era un record non solo per l'artista, ma anche per l'intera arte contemporanea cinese. Si dice che l'opera di Xiaogang sia stata acquistata dalla moglie del miliardario Wang Wei, che sta per aprire il suo museo.

Zhang Xiaogang, appassionato di misticismo e filosofia orientale, ha scritto la storia dell'"Amore Eterno" in tre parti: vita, morte e rinascita. Questo trittico è stato presentato nella mostra cult del 1989 "China / Avant-garde" al National Museum of Art. Nello stesso 1989, le manifestazioni studentesche furono brutalmente represse dai militari in piazza Tiananmen. In seguito a questo tragico evento, iniziò il serraggio delle viti: la mostra al Museo Nazionale fu dispersa, molti artisti emigrarono. In risposta al realismo socialista imposto dall'alto, emerse una tendenza al realismo cinico, di cui uno dei principali rappresentanti fu Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN L'impotente Henry Moore. 1967. $ 9,9 milioni

americano Bruce Nauman (1941), vincitore del premio principale della 48a Biennale di Venezia (1999), ha camminato a lungo verso il suo record. Nauman ha iniziato la sua carriera negli anni Sessanta. Gli intenditori lo definiscono, insieme ad Andy Warhol e Joseph Beuys, una delle figure più influenti nell'arte della seconda metà del Novecento. Tuttavia, la ricca intellettualità e l'assoluta mancanza di decorazione di alcune delle sue opere hanno ovviamente ostacolato il suo rapido riconoscimento e successo con il grande pubblico. Naumann sperimenta spesso con il linguaggio, scoprendo significati inaspettati di frasi familiari. Le parole diventano personaggi centrali in molte delle sue opere, tra cui pseudo insegne e pannelli al neon. Lo stesso Nauman si definisce scultore, anche se negli ultimi quarant'anni si è cimentato in generi completamente diversi: scultura, fotografia, video arte, performance, grafica. All'inizio degli anni novanta, Larry Gagosian pronunciò parole profetiche: "Il vero valore dell'opera di Nauman deve ancora essere realizzato". E così è successo: 17 maggio 2001 al lavoro di Christie di Naumann 1967 "Henry Moore indifeso (vista posteriore)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ha stabilito un nuovo record nel segmento dell'arte del dopoguerra. Un calco delle mani di Naumann legato dietro la schiena fatto di gesso e cera è andato sotto il martello per $ 9,9 milioni alla collezione del magnate francese Francois Pinault (secondo altre fonti, l'americana Phyllis Wattis). La stima del lavoro era di soli 2-3 milioni di dollari, quindi il risultato è stato una vera sorpresa per tutti.

Prima di questa vendita leggendaria, solo due delle opere di Naumann superavano la barra da un milione di dollari. E durante tutta la sua carriera d'asta finora solo sei opere, oltre a "Henry Moore ...", sono andate per somme a sette cifre, ma i loro risultati non possono ancora essere paragonati a nove milioni.

The Helpless Henry Moore fa parte di una serie di opere polemiche di Naumann sulla figura di Henry Moore (1898-1986), pittore britannico che, negli anni '60, fu considerato uno dei più grandi scultori del XX secolo. I giovani autori, che erano all'ombra del maestro riconosciuto, si avventarono poi su di lui con veementi critiche. Il lavoro di Naumann è una risposta a questa critica e allo stesso tempo una riflessione sul tema della creatività. Il titolo dell'opera diventa un gioco di parole, in quanto collega i due significati della parola inglese vincolato - legato (letteralmente) e condannato a un certo destino.

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Quanto costa l'arte contemporanea? Quale degli artisti viventi gode del maggior riconoscimento, la cui misura sono le banconote? Artnet ha risposto a questa domanda analizzando i risultati delle aste dal 2011 al 2015 e compilando una lista artisti contemporanei più venduti... Ahimè, non c'erano creatori dalla Russia nella lista.

10. Ed Ruscha

Negli anni '60 del secolo scorso, Ed, insieme a personaggi famosi oggi come Andy Warhol e Jim Dine, ha preso parte allo storico evento "Renewing Common Objects". È stata una delle prime mostre dello stile emergente della pop art in America. A un occhio non illuminato, i dipinti di Ruscha ricordano molto un'iscrizione a stencil su uno sfondo di paesaggi o un'allegra spruzzata di fiori. Tuttavia, in 4 anni le sue creazioni sono state vendute per un importo totale di USD 129.030.255.

9. Richard Prince

Richard si è fatto un nome rifotografando le immagini degli annunci stampati, modificandole in ordine casuale e decorandole con slogan pungenti. Cowboy Marlboro, celebrità, pornostar, infermiere e fidanzate motocicliste hanno sofferto per mano sua. Dipinge anche i cofani delle auto. Il pubblico ha apprezzato il suo lavoro in 146.056.862 USD- è per questo importo che sono state vendute diverse opere dell'artista.

8. Yayoi Kusama

L'artista malato di mente ama coprire le superfici con punti di vernice: questa è chiamata la "rete dell'infinito". È riuscita a trasformare sia questo pisello che la sua stessa malattia in un marchio di fabbrica ed è ora l'artista contemporanea più venduta al mondo ( 152.768.689 USD).

7. Peter Doig

Uno dei rappresentanti della pittura paesaggistica tradizionale. Il suo lavoro è invariabilmente apprezzato dallo spettatore stanco del postmodernismo iperironico - dopotutto, dopo le iscrizioni, i collage di fotografie e le sedie a pois, è così piacevole fermare lo sguardo su un paesaggio notturno tropicale. Dipinti venduti per 4 anni 155.229.785 dollari.

6. Fan Zeng

Anche le scritte in calligrafia, i paesaggi ad acquerello trasparenti e i ritratti in stile tradizionale cinese si vendono bene - 176.718.242 USD dal 2011 al 2015.

5. Cui Ruzhou

Questo artista cinese contemporaneo è famoso per i suoi dipinti a inchiostro di fiori, uccelli e paesaggi. Tuttavia, la gente comune non può capire il potente potere dell'arte - e nel 2012, una donna delle pulizie del Grand Hayatt Hotel ha accidentalmente gettato nella spazzatura una delle sue opere del valore di 3,7 milioni di dollari. Le opere di Cui Ruzhou sono state vendute negli ultimi 4 anni per 223.551.382 USD.

4. Zeng Fanji

Anche le complesse opere multicolori di un altro artista cinese, dove esseri viventi e oggetti sono rimasti impigliati in una ragnatela, o si sono persi in una foresta invernale, così come sinistri pionieri con le mani insanguinate dal 2011 al 2015, hanno venduto bene anche - per 267 949 220 dollari.

3. Christopher Wool

Il marchio di fabbrica di Christopher sono enormi tele bianche con scritte nere. Quattro di queste lettere, che formano la parola Riot, sono state vendute da Sotheby's per 29,9 milioni di dollari. E in soli 4 anni, le opere dell'artista sono state vendute per un importo di $ 323.997.854.

2. Jeff Koons

L'ex marito della pornostar Cicciolina preferisce lavorare nel genere neo-pop. È particolarmente famoso per le sue sculture in acciaio, che imitano i giocattoli fatti di palloncini oblunghi. Per una delle opere (un cane arancione d'acciaio), all'asta di Christie's sono stati pagati 58,4 milioni di dollari. Jeff ha anche intenzione di mettere una gru davanti al Museo d'Arte di Los Angeles, sulla quale appenderà una locomotiva a vapore per sbuffare ed emettere sbuffi di fumo. Dal 2011 al 2015, Koons ha venduto opere per un importo totale di 379.778.439 USD.

1. Gerard Richter

In primo luogo nella classifica degli artisti con i dipinti più venduti c'è un maestro che non si considera nemmeno tale. Secondo Gerard, per molto tempo ha creato qualcosa che non era legato all'arte, alla composizione, al colore, alla creatività, ecc. Vale a dire, ha coperto le tele con macchie di vernice usando raschietti e spatole. Uno di questi dipinti, intitolato "Immagine astratta", che ricorda soprattutto un cocomero morto in agonia, è stato valutato da Sotheby's per $ 43,6 milioni, e le opere dell'artista in quattro anni vendute per una modica cifra di 1 165 527 419 dollari.