Nozioni di base sulla composizione. Le basi della composizione in fotografia Senso della composizione in fotografia

Comprendere la composizione è una cosa su cui ogni fotografo dovrebbe prendersi il proprio tempo. Senza dover investire in costose attrezzature, comprendere gli elementi di una buona composizione migliorerà senza dubbio il tuo lavoro fotografico. Lo sviluppo della visione fotografica viene naturale per alcuni, ma altri hanno bisogno di tempo e sforzi per affinare le proprie capacità e abilità visive. Ecco una selezione di suggerimenti e trucchi per aiutarti a valutare e comporre il tuo lavoro.

Se hai tempo, trova un motivo per concentrarti e mettere in pratica queste abilità, e sicuramente cerca di tenerle a mente la prossima volta che fai un tiro, può aiutarti a sentire la differenza tra fare un buon tiro e un grande tiro.

Passaggio 1: non cercare di essere perfetto

È importante capire che non esiste una composizione "perfetta". Trattandosi di una forma d'arte soggettiva, non arriverai mai al punto in cui ottieni lo scatto perfetto, ma è abbastanza possibile avere scatti con una composizione povera e buona. Ci sono molti elementi della composizione fotografica, di cui parlerò in dettaglio in questo articolo. Ognuna delle sezioni è solo una semplice linea guida per aiutarti a ottenere immagini più forti e coinvolgenti.

Fase 2 - semplicità

Una delle cose principali a cui prestare attenzione è la posizione degli elementi nel frame l'uno rispetto all'altro. In base a questo, dovrai decidere cosa includere nella cornice e cosa rimuovere da esso. Spesso si è tentati di riempire l'inquadratura con il maggior numero possibile di oggetti interessanti, ma quando si tratta di composizione, è meglio essere selettivi su ciò che si include nell'inquadratura ed essere consapevoli delle proprie scelte. Alcune delle fotografie più luminose hanno composizioni molto semplici ma efficaci, lo sguardo segue l'immagine senza interferenze e lo spettatore è coinvolto in uno scatto chiaro ed efficace.

Passaggio 3: la regola dei terzi

Una delle regole di composizione più semplici è la regola dei terzi, che è diventata uno strumento molto comune per i fotografi dilettanti e professionisti. Il metodo consiste nel dividere il fotogramma in terzi, verticalmente e orizzontalmente (quindi in realtà sono noni) e utilizzare quelle linee per dividere efficacemente l'immagine e separare le aree dell'immagine. I punti in cui le linee si intersecano sono considerati aree chiave per gli oggetti principali nella cornice.

Questa regola, sebbene molto semplice, funziona molto bene se applicata correttamente. Ad esempio, nella fotografia di paesaggio, l'orizzonte potrebbe tagliare l'inquadratura lungo la linea orizzontale inferiore e la parte superiore della cresta potrebbe attraversare la linea orizzontale superiore. Allo stesso modo con i ritratti, gli occhi possono essere posizionati nei punti in cui la linea orizzontale superiore interseca le due linee verticali.

Fase 4 - composizione del paesaggio

È estremamente importante utilizzare la composizione in modo efficace quando si lavora con i paesaggi. La drammaticità di un grande scatto paesaggistico si basa sulla composizione e sulla struttura. Chiediti quale sarà il tuo scatto. Dell'acqua, delle montagne in lontananza, dell'orizzonte, del tramonto o delle rocce in primo piano? Quali elementi vuoi evidenziare nella cornice? Usando la regola dei terzi, cerca di assicurarti che ci siano diversi livelli nell'inquadratura, assicurati di avere un soggetto interessante in primo piano per aggiungere un senso di profondità e scala all'immagine e che il punto focale principale nell'inquadratura sia chiaramente la priorità.

Passaggio 5 - linee

Le linee in un'immagine sono uno dei modi più efficaci per illuminare la cornice. Le linee orizzontali e verticali creano un'immagine chiaramente strutturata, mentre le linee curve sono più rilassate. Considera dove inizia ogni linea nella cornice e dove conduce. È molto efficace avere una linea nell'inquadratura che conduce l'occhio, ad esempio, dall'angolo inferiore attraverso l'immagine fino all'angolo opposto. Sentieri, fiumi, binari ferroviari e strade possono servire a questo scopo se usati correttamente.

Quando lavori con linee orizzontali e verticali nella cornice, assicurati che l'immagine appaia chiara, che le linee siano dritte. Che tu ci creda o no, quante fotografie ho visto sono state rovinate da una linea leggermente inclinata, come l'orizzonte. Certo, è possibile post-elaborare il fotogramma per correggere questi errori, ma è molto meglio esercitarsi bene e allinearlo correttamente già durante lo scatto.

Passaggio 6 - Forme

Una volta compreso il ruolo che le linee svolgono nella composizione di un'immagine, è possibile apprezzare l'influenza delle forme. Prova a prendere le distanze da ciò che stai guardando un soggetto specifico attraverso il mirino e fai riferimento alla forma di ogni elemento nell'inquadratura. È importante capire come le forme interagiscono tra loro. Forme forti come triangoli e quadrati sono molto più facili da inquadrare rispetto a forme più morbide e arrotondate, ma valutando come è formato ogni elemento, puoi avere un impatto molto potente presentando le forme e le loro interazioni come il tema principale dello scatto.

Passaggio 7 - contrasto

Quando si tratta del tuo soggetto principale, consideralo nel contesto e in relazione a ciò che lo circonda. In che modo i colori, le forme, le trame e le sfumature del punto focale principale corrispondono allo spazio circostante? Se c'è una forte connessione tra i due, puoi giocarci e far risaltare l'immagine con la composizione, combinando il soggetto con l'ambiente circostante. Se il soggetto e l'ambiente sono molto diversi, prova a utilizzare tecniche di composizione per migliorare tali differenze.

Passaggio 8: modellare la cornice

Un'inquadratura efficace è il fondamento di una composizione forte. Il desiderio naturale è posizionare il punto focale principale esattamente al centro, ma questo spesso sembra strano e fuori mano. Prova a posizionarlo più vicino a un lato o ad un angolo per vedere se riesci a creare contesto e relazioni. Vale la pena notare, tuttavia, che i ritratti spesso appaiono più vividi quando il soggetto è centrato. Quindi vale la pena sperimentare, non prendere una sola decisione di inquadratura e non fermarti qui, esplora tutte le tue possibilità.

Passaggio 9 - spazio negativo

È importante prendere in considerazione lo spazio negativo nell'immagine. Quando si lavora con oggetti piccoli, la tendenza è quella di cercare di posizionare l'intero punto focale nell'inquadratura. In effetti, la composizione di un soggetto macro è molto più luminosa se si riempie l'inquadratura con i soggetti vicini o si utilizza lo spazio negativo attorno ad esso per consentire al soggetto di respirare e adattarsi armoniosamente all'ambiente circostante.

Prova a sperimentare qualcosa di semplice come una conchiglia, o vedi come puoi cambiare la composizione se non scatti semplicemente nel solito modo, ma provi ad avvicinarti o, al contrario, ad allontanarti.

Passaggio 10 - angolo

Quando lavori con il soggetto, considera l'angolazione da cui stai riprendendo. Molto spesso, il modo più semplice è riprendere il soggetto dall'angolazione da cui lo vedi, ma mentre lavori sull'inquadratura, esplora diverse angolazioni e approcci. Potresti trovare un modo più interessante per esprimere il tema principale dello scatto.

Passaggio 11 - strati

Proprio come quando lavori con i livelli negli scatti di paesaggi, assicurati di includere alcuni elementi di profondità nelle tue immagini. Portare in primo piano un soggetto interessante è il modo più semplice per farlo, ma anche l'uso di un oggetto a zig-zag aggiungerà un senso di profondità e condurrà lo sguardo più in profondità nell'immagine.

Passaggio 12: simmetria e motivi

Sfruttare efficacemente simmetria e pattern può aiutare a creare uno scatto davvero potente, specialmente quando lavori con oggetti come l'architettura. Trascorri del tempo esplorando l'argomento e riconoscendo schemi e schemi (prestando attenzione a forme e linee). Trova il punto medio e posiziona la fotocamera esattamente perpendicolare al soggetto. Evita i dettagli distraenti che rompono la simmetria o lo schema e cerca di massimizzare l'effetto desiderato.

Passaggio 13 - ritaglio

In quest'epoca di post-elaborazione, se all'improvviso torni a casa e scopri che non hai composto lo scatto nel modo desiderato, nulla è perduto. Quasi tutte le utilità di elaborazione delle immagini ora dispongono di uno strumento di ritaglio con il quale è possibile ritagliare le parti in eccesso di una foto. Puoi farlo con le proporzioni fisse (la maggior parte delle foto oggi sono 3: 2), oppure puoi ritagliare liberamente la cornice nella forma che vuoi ottenere, ad esempio, in un quadrato, o creare una cornice panoramica ritagliando il livelli inferiori e superiori.

Passaggio 14: pratica, pratica, pratica

Quindi, abbiamo esplorato una serie di principi compositivi che possono davvero aiutarti nel tuo viaggio verso la creazione di immagini più forti e coinvolgenti. Non appena ne hai l'opportunità, esercitati utilizzando questi suggerimenti. Qualunque cosa scatti - paesaggi, ritratti, macro - c'è sempre spazio per esperimenti per migliorare la tua composizione, la possibilità di fare il tuo scatto, almeno un po', ma più luminoso.

Ricorda solo che non esistono soluzioni facili e veloci per ottenere ottimi scatti. Le tecniche di cui sopra possono aiutarti, ma non è vietato scavalcarle. Quando decidi di aver capito come mettere in pratica efficacemente questi principi, sentiti libero di iniziare a infrangere le regole e a fotografare i tuoi soggetti nel modo creativo che ritieni sia meglio per te.

Ci sono tre componenti principali in ogni fotografia di successo: composizione, illuminazione e, naturalmente, un momento unico che l'autore riesce a strappare dalla vita di tutti i giorni. Guarda qualsiasi famoso scatto di reportage: troverai tutti e tre i componenti.

Drew Hopper, un esperto fotografo documentarista australiano, viaggiatore, natura e diversità culturale, crede che la struttura compositiva in una fotografia determini l'umore e l'emotività di una scena. Uno scatto ben composto è sempre d'effetto, in cui una situazione quotidiana ordinaria si trasforma in qualcosa di straordinario. Ecco perché la composizione è di fondamentale importanza nel trasmettere l'unicità del momento. Drew Hopper offre molti dei suoi sviluppi a coloro che vogliono migliorare le proprie capacità. Se usi i consigli della procedura guidata, puoi migliorare significativamente i risultati del tuo lavoro. Quindi, una parola al professionista.

Le basi

“Ammettiamolo, le persone non guarderanno una fotografia che non ha nulla su cui interessare e su cui attirare l'attenzione. Per capire come attirare lo spettatore, devi sapere come funziona il cervello umano. Il lavoro compositivo si riferisce generalmente al posizionamento di elementi l'uno rispetto all'altro per una percezione ottimale. Una foto di alta qualità "spinge" immediatamente l'occhio dello spettatore sul punto centrale dell'immagine, o su più punti, in un ordine rigorosamente definito. Ci sono una serie di fattori che influenzano il modo in cui le persone percepiscono una foto. Inquadratura, posizionamento, prospettiva, lunghezza focale diventeranno strumenti per aiutarti a renderne conto.

Puoi riorganizzare fisicamente gli oggetti, modificare la disposizione degli elementi della scena o visualizzare un possibile risultato, anticipando il momento: questo approccio è adatto. I giornalisti devono agire e, soprattutto, pensare rapidamente, in modo che una frazione di secondo prima dell'evento desiderato debbano essere pronti a premere il pulsante di scatto. La capacità di cogliere il "momento" è un'abilità necessaria per lavorare nell'ambiente di strada.

Ricorda la pittura

Fotografia e belle arti hanno molto in comune. Le immagini, come i dipinti, rappresentano la realtà, rifratta attraverso l'immaginazione e lo sguardo del creatore, che immagina in anticipo come dovrebbe essere il risultato. La differenza è che un artista può iniziare con una tela bianca e aggiungere o sottrarre qualsiasi cosa. I fotografi agiscono in ordine inverso, partendo da una scena piena di elementi e rimuovendo selettivamente da essa gli elementi non necessari. Proprio come nei dipinti, una cornice mal composta è spesso falsa, fuorviante, peggio veicola il significato della scena. In ogni caso sono richiesti occhio attento, capacità di notare i dettagli e sensibilità compositiva.

Stress visivo

Certo, il "messaggio" di un'istantanea dipende da ciò che abbiamo scelto come suo punto di forza, ma ci sono regole di base che devono essere sempre prese in considerazione. Elimina parti della scena: lascia che lo spettatore cerchi di riempire gli spazi vuoti da solo. Puoi ritagliare all'interno di un'altra cornice per attirare l'attenzione sulla parte principale della foto.

In una foto forte, di regola, ci sono delle pietre miliari semantiche che guidano lo sguardo dello spettatore, che le segue, muovendosi con naturalezza nella scena. Se la cornice contiene solo ciò che è necessario, sarà più facile per lo spettatore seguire la narrazione fotografica dell'autore.

Distanza relativa

Il termine, quando si tratta di composizione, si riferisce alla distanza tra l'oggetto chiave e il resto dei dettagli, e il suo effetto è simile all'aggiunta di tensione. La regola di base è la stessa: non complicare il messaggio. Ad esempio, se due persone camminano in direzioni opposte, sembra più attraente che incrociarle nello stesso punto. Tenere traccia delle distanze relative tra il primo piano e lo sfondo è importante per una buona inquadratura. È necessario che gli elementi che formano il tema non si sovrappongano e che gli accenti sullo sfondo non attirino l'attenzione dal focus principale. Un buon trucco è fare una ripresa "di avvistamento" dello sfondo e poi aspettare che il primo piano sia appropriato. Può richiedere molto tempo, ma paga.

Riempimento competente del telaio

Il famoso fotografo Robert Capa una volta disse: "Se la tua fotografia non è abbastanza buona, allora non ti sei avvicinato abbastanza". Tuttavia, l'autore non deve armarsi di un teleobiettivo e scalare con tutte le sue forze. Devi muoverti fisicamente, avvicinarti all'oggetto, immergerti nella scena. Questo approccio aiuterà a tagliare contemporaneamente i dettagli non necessari, a concentrarsi sull'elemento principale e sulla sua cornice. Il corretto riempimento della cornice aiuterà a trasmettere il messaggio fotografico al pubblico, a migliorare la dinamica della cornice e a renderla drammatica. Ad esempio, un ritratto in primo piano è molto più intimo e significativo di un ritratto a figura intera, poiché in esso il modello guarda immediatamente negli occhi dello spettatore. Nella fotografia di strada, il trucco funziona anche.

Devi dare al pubblico un senso di presenza nell'inquadratura, trovare il giusto contrasto tra il soggetto e lo sfondo in modo che l'immagine lo colpisca di più. Se esageri e tagli gli elementi necessari della scena, non sarai in grado di riempire il fotogramma. Devi muoverti costantemente, scattare molte foto, vedere cosa funziona in esse per migliorare l'effetto. Evita di usare obiettivi zoom, non essere pigro, affidati meglio ai tuoi piedi. Una buona soluzione rapida e le tue gambe sono le migliori amiche di un fotografo.

Cerca di non ritagliare la cornice

Forse questa opinione di Drew Hopper è soggettiva, ma cerca di evitare di inquadrare. È molto più interessante perfezionare la composizione lavorando direttamente con la fotocamera. Ciò non solo consente di risparmiare tempo sulla post-elaborazione al computer, ma rende anche il fotografo più attento. Naturalmente, tutto dipende dalla situazione, ma praticare il miglioramento della composizione è comunque un'attività gratificante.

Schemi ritmici e ripetizioni

Gli ornamenti che le linee formano nella cornice sono estetici, ma è meglio se il loro infinito è interrotto e il disegno è rotto. In termini di composizione, la tecnica migliorerà l'impatto dell'immagine sullo spettatore. Quando l'ornamento nella foto viene ripetuto ritmicamente, struttura la base dell'armonia della foto. Se iniziamo a sperimentare con le linee, le immagini nelle fotografie prendono vita e diventano dinamiche.

Esistono due modi per utilizzare le ripetizioni: i motivi possono essere sottolineati o interrotti. Riempire la cornice con ornamenti ritmici attira l'attenzione dello spettatore sull'immagine. Ciò consente di concentrarsi sui dettagli principali, aggiungere profondità e complessità all'immagine. La ripetizione, ad esempio, funziona bene con un muro di mattoni, come ha fatto Drew Hopper. Quando il motivo inizia a rompersi, la tensione si accumula nel telaio.

Questa è un'ottima tecnica per focalizzare la tua attenzione sul soggetto principale di una scena. Ad esempio, una linea retta che cambia bruscamente direzione porta gli occhi dello spettatore al centro della composizione. La combinazione del soggetto principale e del motivo che attira l'attenzione aiuta ad aumentare l'attenzione del pubblico e fa sì che guardino da vicino l'immagine.

Quando parliamo di come fotografare al meglio, intendiamo come fare BUONE fotografie. Dopotutto, tutti coloro che prendono in mano una macchina fotografica vogliono ottenere BUONE FOTOGRAFIE. Come si può ottenere questo? Ahimè, non esiste una ricetta valida per tutti. Ognuno trova e va per la propria strada, ma questo percorso può essere reso molto più breve se, invece di imparare dalla propria "esperienza amara", utilizzare l'esperienza e le conoscenze accumulate da secoli di esperienza di artisti e diverse generazioni di fotografi.

Quindi, passiamo alla seconda lezione di fotografia e al primo workshop in formato completo. Nel numero precedente, a causa della mancanza di spazio, non siamo stati in grado di inserire tutto ciò che era previsto. A partire da questo numero della rivista, cercheremo di articolare ogni workshop in tre parti:
Completamento dell'argomento precedente, questa volta "Punto e angolo di ripresa".
Una breve escursione teorica e la divulgazione più visiva dell'argomento principale - "Luce nella fotografia".
Un annuncio visivo dell'argomento principale del prossimo numero basato su esempi degli errori più comuni commessi dai fotografi dilettanti alle prime armi - "Scegliere la giusta esposizione".

Punto di ripresa e angolo

Parlando del punto di ripresa e dell'angolazione, capiamo che non importa chi si muove: il soggetto o il fotografo. In ogni caso cambiare la posizione della fotocamera e dell'immagine fotografica permette di costruire una cornice, l'importante è scegliere il momento giusto per premere il pulsante... Ieri, oggi e sempre, la scelta del punto di ripresa, l'angolo, il momento dello scatto e l'inquadratura è un processo che garantisce la costruzione dell'inquadratura e la creazione delle basi della fotografia... Perché le basi? Perché c'è ancora la luce, lo strumento più potente che crea un'immagine, e ci sono molti aspetti tecnici che garantiscono la qualità tecnica della fotografia.
Avendo in mente la costruzione di una cornice, parlano spesso di un disegno lineare, di una composizione, di una trama, di un'immagine ... Ci sono molti approcci per studiare questo problema, ognuno dei quali è buono a modo suo. Ci concentreremo sul lato pratico del processo fotografico, prestando attenzione a importanti punti psicologici e toccando solo gli elementi della teoria "nuda" se necessario. Prima di continuare, chiediamoci: in che modo la fotografia buona è diversa dalla cattiva? Perché un'immagine è ammirevole e l'altra no?

Si possono convenzionalmente distinguere tre livelli di fotografia. Livello uno - documentario, quando un fotografo amatoriale principiante cattura semplicemente l'impronta della realtà che sta osservando. Questo è il documentario di tutti i giorni: “Io ei miei amici; la mia famiglia; Sono sullo sfondo del monumento; stiamo festeggiando...; il mio gatto preferito". Qui, di regola, non vale nemmeno la pena parlare della costruzione del telaio. Il fotografo non pensa ancora alla composizione e alla trama, il compito è sistemarla “come ricordo”. Non c'è volume in tali immagini, sono piatte e bidimensionali. Pezzo di vita 10 × 15, interessante per l'autore e i partecipanti agli eventi registrati.

Al secondo livello, figuratamente, nasce la comprensione del quadro. Comprendere che per lo spettatore tutti gli elementi catturati nella fotografia interagiscono tra loro, creando un'immagine indipendente, e INSIEME dovrebbero portare un carico semantico. Il fotografo non si limita a fotografare oggetti interessanti, crea una composizione in cui appare una nuova bellezza, dissolta nello spazio e invisibile all'occhio comune. L'autore sta già considerando lo scorcio, il piano, la prospettiva. Potrebbe non esserci ancora un soggetto in fotografia che provochi una tempesta di emozioni, ma l'immagine diventa interessante almeno dal punto di vista: come si fa? Qui, nella stampa piatta, appare la terza dimensione. E ci sono tecniche abbastanza semplici che aiutano a ottenere la foto volumetrica.
Terzo livello - complotto. Quando non c'è solo un'immagine interessante nell'inquadratura, ma appare anche un movimento, che dà origine a vivide emozioni per la maggior parte del pubblico. La quarta dimensione appare nell'aereo: il movimento del tempo è indovinato. Possiamo sentire cosa è successo prima del momento della foto e cosa succederà dopo. La grande fotografia è una piccola vita. Allo stesso tempo, il fotografo, di regola, non pensa più alle tecniche che usa. La sua coscienza è libera e focalizzata solo sull'immagine. Gli interessa cosa, non come.
Naturalmente è impossibile passare subito dal primo al terzo. Il percorso verso la padronanza passa attraverso diverse fasi: conoscenza, comprensione, abilità, abilità... Il compito del nostro laboratorio è quello di aiutare a superare la prima e la seconda fase. Il resto è nelle tue mani.

Quindi, per imparare a fotografare, devi imparare a usare i mezzi della fotografia. Data l'elevata intelligenza delle fotocamere moderne, che risparmiano molti problemi, prima di tutto, un fotografo principiante deve capire cosa inserire nell'inquadratura e cosa non metterci dentro: con quale angolazione, da quale angolazione, su quale scala ? Tutto ciò che appare nella cornice comporrà la composizione della fotografia (Composizione - dal latino - composizione, composizione, disposizione, unificazione dei singoli elementi in un unico insieme armonioso).
O non lo farà. Puoi ottenere solo una serie di elementi separati, anche se tecnicamente sono stati filmati con alta qualità. La composizione, purtroppo, non esiste oggettivamente e indipendentemente da una persona, ha senso solo nell'ambito della visione del mondo, principalmente estetica. Pertanto, è possibile parlare dei principi e dei mezzi di composizione basati sui fondamenti fisiologici della percezione e di quella parte dell'esperienza soggettiva che è comune alla maggior parte delle persone. Tuttavia, veniamo al lavoro.

Il nostro compito è costruire qualcosa dal nulla. Per chiarezza, semplicità e, soprattutto, per la riproducibilità della nostra ricerca pratica, abbiamo scelto come soggetto per le riprese un certo numero di monete e un lembo di ostrica (una normale conchiglia). Metti tutto arbitrariamente sul tavolo più ordinario. L'immagine, come puoi vedere (foto 1, vista dall'alto), non è delle più belle.
Proviamo, senza muovere nulla, a trovare un punto di ripresa e un'angolazione che diano almeno un po' di composizione nell'inquadratura.

SERIE 1. La prima cosa da fare è “mirare”, cercare l'angolazione e il punto di ripresa migliori. Muoversi nella natura morta. Di solito tali immagini, ovviamente, non vengono scattate, basta guardare attraverso il mirino per capire che la cornice è "non costruita".

Foto 2 (a sinistra - in basso). Si è rivelata, in generale, una bella immagine. Lucentezza di monete, trama di una conchiglia, motivo ombra. Il vantaggio della foto è la posizione del lavandino. "Mantiene" in uno dei nodi secondo la regola dei tre terzi *.
Le monete occupano gli altri tre nodi di attenzione. A causa di ciò, l'immagine è percepita come stabile ed equilibrata. Ma ulteriori lavori con questa fotografia sono inutili. Non puoi costruire una ripresa multipiano qui. La conchiglia e le monete si trovano quasi allo stesso livello rispetto allo spettatore. Inoltre, una tale composizione è spiacevole. I due oggetti sono in equilibrio. Discutono tra loro. In questo caso, la domanda: "chi è più forte?" - rimane senza risposta. Muoviamoci ancora un po'.
Foto 3 (a destra - in basso). Il lavandino è nell'angolo in basso a destra. Secondo la regola della mano sinistra**, il movimento dello sguardo va dall'angolo in alto a sinistra a quello in basso a destra e si appoggia alla conchiglia. Lei tipo rallenta i suoi occhi. Inoltre, il telaio diventa sbilanciato ***.
L'angolo in alto a sinistra è vuoto e il focus è sul lavandino. Ma la conchiglia da questa prospettiva non è così interessante da attirare l'attenzione. Non c'è trama nella foto.
Ci siamo fermati alla foto in cui si trova il lavandino nell'angolo in alto a sinistra. Ora proviamo ad esaltare il senso della progettualità, la profondità dell'immagine. Va ricordato: più l'angolo di campo è vicino alla perpendicolare abbassata sul piano, meno piani saranno nella fotografia. È necessario cercare un punto di vista in modo che gli oggetti siano a distanze diverse l'uno dall'altro e dal fotografo.

SERIE 2. Se prima ruotavamo attorno agli oggetti in senso orario, ora la telecamera si sposterà principalmente lungo la sfera celeste condizionale e si avvicinerà e si allontanerà rispetto all'oggetto.
Foto 1 (ricerca approfondita 1). Inoltre: la foto è stata scattata secondo la regola dei tre terzi. Il terzo inferiore è un piano d'appoggio, che crea un senso di "aria" nell'immagine. I primi due terzi sono monete e una conchiglia. Le monete, se guardi bene, formano due archi, due fronti. C'è un certo elemento di ritmo in questo *.
* Il ritmo in fotografia è un'armoniosa alternanza di forme geometriche, macchie e linee. Serve per esprimere l'espressione.
La profondità è diventata un po' più profonda rispetto alle immagini precedenti, ma ancora non abbastanza. Non c'è stabilità, equilibrio. Proviamo ad andare ancora più in basso.

Foto 2 (ricerca approfondita 2). Il senso della prospettiva si è intensificato. Il luccichio delle monete e l'ombra di un lavandino apparvero sul piano di lavoro. Evidenti inquadrature in primo piano e centrali, e monete che si allontanano in lontananza sono le inquadrature lontane. Ma ora la cornice non si riempie. Cercando di cambiare la scala.

Foto 3 (mucchio. Primo piano 1). Avvicinato, ma sembra troppo forte. Il chiaro predominio della conchiglia, e la "discarica" ​​di monete in primo piano. Questa foto non evoca alcuna emozione. Ma se il compito è mostrare l'ingombro di oggetti apparentemente piccoli, allora il punto di ripresa, l'angolo, il piano: tutto è scelto bene. Tuttavia, non abbiamo cercato di ottenere questo effetto, quindi cercheremo di ridurre il guscio nel telaio e aumentare il peso delle monete.

Foto 4 (primo piano 2). Ci stiamo avvicinando. Nonostante vi sia un'ovvia osservanza della regola dei tre terzi, la fotografia non sembra armoniosa. Proviamo a cambiare leggermente l'angolo sulla stessa scala.

Foto 5 (primo piano 3). Il guscio è andato un po' a destra e sembra la prua di una nave che taglia le "onde moneta". Questa è la prima cosa che mi viene in mente. Questa potrebbe non essere l'associazione più difficile, ma il fatto che la fotografia faccia funzionare l'immaginazione è abbastanza buono. Non cercheremo ulteriormente qui. Proviamo a trovare una nuova prospettiva.

Foto 6 (Pianta più grande). Rimuovi il disordine dal primo piano, spostalo di lato. Rimpicciolito un po' per mostrare il guscio. La diversità è riapparsa: le monete dal primo piano al centro vanno dietro il lavandino. Interessante nella trama. Appare il saldo: l'angolo in alto a sinistra e l'angolo in basso a destra sono occupati dal lavandino e dalle monete. Tra di loro si forma un corridoio visivo, che va da sinistra a destra. Con un gran numero di vantaggi, c'è anche un aspetto negativo significativo: l'immagine si divide effettivamente in due parti uguali. La conchiglia e le monete litigano tra loro.

Foto 7 (primo piano a sinistra di 2.). Aumentiamo un po' il piano. La pianificazione dovuta all'"arco della moneta" è preservata. Proviamo a trovare una nuova prospettiva.

Foto 8 (nuovo angolo 1).È completamente incomprensibile cosa sta facendo il lavandino nella foto. C'è una semplice regola: tutto ciò che è possibile deve essere rimosso dal telaio. Se il lavandino scompare, non cambia sostanzialmente nulla. Ma ci troviamo di fronte al compito di rimuovere sia le monete che il guscio, in modo che tutto funzioni.

Foto 9 (nuovo angolo 2). Aumentata la presenza della conchiglia. Ci sono piani: quello anteriore con riflesso, quello centrale con oggetti, quello posteriore - "aria". La regola dei tre terzi è stata rispettata. Sul piano di lavoro apparve un riflesso. Una sorta di "predazione" si è formata presso la conchiglia. Sembra che stia divorando monete. Il predominio della conchiglia è enfatizzato dall'inclinazione verso di essa. Aumentiamo un po' questo effetto.

Foto 10 (tandem totale 1). In linea di principio, questa istantanea può essere considerata una sorta di riassunto. C'è un'immagine molto chiara del "guscio aggressivo".

Foto 11 (totale del tandem 2). Abbiamo provato a cambiare il raccolto. Per fare questo, abbiamo sollevato l'obiettivo, il lavandino, quindi, è affondato. Due tre sono impegnati con argomenti. In primo piano è un tavolo con la riflessione. La cornice non sembra affollata di oggetti. Lui "respira".

SERIE 3. Nella precedente serie di scatti, abbiamo utilizzato solo leggermente l'inclinazione della fotocamera. Proviamo a giocare con questa possibilità. Molte persone hanno paura di ruotare la telecamera. E completamente invano. A volte l'inclinazione può dare risultati interessanti.

Foto 1 (pendenza 1). Tutto è uscito dall'inquadratura. Le monete sono quasi invisibili, non è chiaro che tipo di trama ci sia a destra. Proviamo a riportare tutto nell'inquadratura ea mantenere l'inclinazione.

Foto 2 (pendenza 2). Gli oggetti sono chiaramente attribuiti nell'inquadratura, ma l'inclinazione coincide con la diagonale dello sguardo naturale (regola della mano sinistra) ed è quindi del tutto illeggibile. Quindi, non c'è dinamica di movimento, c'è scivolamento. Se volessimo ottenere la sensazione di scivolamento, ci starebbe bene questo scatto.

Foto 3 (pendenza 3. Cenni di movimento). Cambiamo la pendenza al contrario. Il movimento è apparso, ma non molto distinto.

Foto 4 (totale strisciante). La pendenza è stata leggermente aumentata e anche l'effetto del movimento è stato migliorato. Il guscio si è trasformato in una creatura vivente che cerca di strisciare via da qualche parte e allo stesso tempo lascia dietro di sé una scia di monete. Non si può dire che questo sia un capolavoro, ma questa immagine evoca già alcune associazioni. Non ci sono righe in quanto tali *, ma sono indovinate. I nodi di attenzione sono coinvolti secondo la regola dei tre terzi.

* Eventuali linee nell'immagine sono un buon strumento per l'impatto emotivo sullo spettatore. Le linee curve sono rilassanti; le linee spezzate agiscono come irritanti; le linee verticali trasmettono grandezza, forza, potenza; orizzontale: calma e serenità; diagonale - dinamismo.
In linea di principio, puoi ancora lavorare con le immagini finali della seconda e della terza serie. Ad esempio, gioca con la luce, con le ombre, con l'intensità della specchiatura superficiale. Tutto ciò creerà ulteriori dinamiche. Lavorare con la luce è il prossimo argomento del nostro workshop.
E, prima di chiudere con questo argomento, vogliamo dare un consiglio: “Guardando nel mirino, immagina cosa vedi con una fotografia incorniciata sul muro della tua abitazione. Se sei soddisfatto - audacemente, ma premi con attenzione il pulsante "otturatore", in caso contrario - continua a cercare un angolo.

* Regola dei tre terzi. Verticalmente e orizzontalmente, il telaio è convenzionalmente diviso in tre parti uguali. Qualsiasi superficie è posizionata al meglio in un rapporto 1: 2. Ad esempio, posiziona il cielo nella parte superiore dell'immagine. Nei due inferiori: il terreno. O ma il contrario. Questa disposizione consente di determinare cosa domina l'immagine, qual è l'enfasi. Inoltre, all'intersezione di due linee verticali e due orizzontali, che convenzionalmente dividono l'immagine in parti, si formano quattro "nodi" di attenzione. È meglio posizionare oggetti al loro interno.
** Regola della mano sinistra. La maggior parte delle persone guarda prima l'angolo in alto a sinistra dell'immagine, quindi il loro sguardo scivola in basso a destra. Se, ad esempio, è necessario selezionare una strada in una foto, è meglio avviarla dall'angolo in basso a sinistra in alto a destra. Quindi, sul percorso del movimento naturale dello sguardo da sinistra a destra, "inciamperà" oltre il bordo della strada e lo evidenzierà. Altrimenti, la strada si perderà semplicemente nell'immagine.
*** Ci sono due tipi di equilibrio in una fotografia: formale e informale. L'equilibrio formale è ottenuto dalla simmetria assoluta a sinistra ea destra del centro ottico dell'immagine. Una composizione così equilibrata sottolinea la dignità, la stabilità e il conservatorismo dell'immagine. Puoi raggiungere l'equilibrio in un modo diverso se posizioni elementi di diverse dimensioni, forme, intensità del colore a diverse distanze dal centro ottico. Questo è un equilibrio informale. Rende la foto più fantasiosa ed emotivamente ricca.

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Ognuno di noi ha incontrato più di una volta fotografie che colpivano per bellezza e originalità: impossibile distogliere lo sguardo da esse, hanno una storia di creazione ricca ed elaborata nei minimi dettagli. Sembra che per creare un'opera d'arte del genere, sia necessario procurarsi una buona fotocamera e iniziare a scattare, ma in realtà questo non è affatto sufficiente.

La parte del leone del successo della fotografia dipende da quanto bene il maestro ha elaborato i dettagli compositivi e le caratteristiche del suo lavoro. A volte in questo momento puoi seguire le regole generalmente accettate che sono note a ogni artista, ma spesso i professionisti nel loro campo si discostano da esse, usando tecniche straordinarie, grazie alle quali la fotografia diventa davvero brillante.

In effetti, la composizione è il modo principale per rendere bella una fotografia, o viceversa - per rovinare tutto al suo interno. Non una singola tecnica, nemmeno la più avanzata, farà il lavoro per te per trovare una composizione adatta del telaio: questa attività deve essere studiata, sperimentata con cura e non ha mai smesso di cercare angoli e opzioni per la costruzione del telaio. In questo articolo ti parleremo di una serie di tecniche compositive che ti aiuteranno a rendere la tua foto più originale e professionale.

Regole di terzi

La popolare regola compositiva "Legge dei terzi" prevede la divisione della cornice in sei linee equidistanti, tre delle quali orizzontali e tre verticali. È questa legge che ci dice che non dovremmo cercare di posizionare l'oggetto fotografato esattamente al centro: questo confonderà lo spettatore, perché non capirà quale metà dell'immagine è quella principale. I punti che si formano all'intersezione delle linee sono i nodi dell'attenzione. È su di loro che dovresti posizionare oggetti e persone, focalizzando l'attenzione su di loro. Anche per questo scopo, puoi usare le linee stesse, o meglio sceglierne una.

Simmetria e asimmetria nella foto

A volte centrare una composizione composta da piccole linee ordinate può essere un'idea speciale, quindi la composizione "centrata", di cui abbiamo parlato sopra, sarà giustificata. Spesso tali foto contengono immagini di ponti e scale. Quindi è meglio allontanarsi dalla regola dei terzi e posizionare il soggetto con un punto di accento sulla parte centrale: enfatizzerai la geometria snella, imposterai un certo ritmo e creerai uno scatto perfettamente verificato.

L'asimmetria è una tecnica molto popolare e "funzionante" in fotografia. Si trova in opere di vario genere: paesaggi urbani, naturali, ritratti, nature morte. L'essenza del metodo è posizionare correttamente il soggetto nel nodo dell'attenzione, ma allo stesso tempo attutire altri dettagli dell'inquadratura.

Sfocatura

Per rendere più facile per lo spettatore posizionare gli accenti nel significato della foto, è possibile utilizzare l'alternanza di messa a fuoco e sfocatura dell'immagine. Qualsiasi soggetto che richiede la massima attenzione nell'inquadratura dovrebbe essere chiaramente visibile e tutto il resto dovrebbe essere sfocato. Questo può essere un ritratto, un'istantanea di un'auto che corre lungo la strada, un cavallo in un salto e molto altro.

A volte la composizione richiede l'effetto opposto, quando la nitidezza è inferiore. Particolarmente espressivi sono gli scatti con una silhouette sfocata di una persona, situata sullo sfondo di una bellissima strada o stagno. Il fotografo invita lo spettatore a vedere non solo ciò che vede attraverso l'obiettivo, ma anche l'immagine attraverso gli occhi della modella fotografata.

Foto incorniciata

La cornice può essere non solo sotto forma di cornice di legno della fotografia, ma anche all'interno della fotografia stessa. Questa tecnica artistica conferisce profondità ed espressività. Le volte e gli archi di splendidi edifici, colonne antiche, persino finestre e porte, nonché "aiutanti" naturali: rami di alberi, viti e così via possono diventare una cornice.

Va notato che gli elementi sullo sfondo dovrebbero essere disposti secondo la regola dei terzi.

Scegli un angolo vantaggioso che copra capientemente il telaio e gli dia la simmetria desiderata. Nel caso della fotografia di paesaggio, la cornice alleggerisce notevolmente la composizione, conferendole un tocco artistico.

Creare linee

Come portare lo spettatore all'accento semantico della fotografia? Utilizzando linee che indicano chiaramente la direzione in cui muoversi. Qualsiasi cosa con una forma geometrica snella è adatta per questa attività: strade, muri di edifici, scale e ponti.

Se vedi molte linee orizzontali di fronte a te e tutte si sommano a una composizione interessante, rendile la base della fotografia e posiziona una cosa nel terzo in alto: l'oggetto che incoronerà la composizione.

Lavorare con triangoli e diagonali

La geometria nella costruzione dell'immagine ne determina la dinamica, la rende più profonda e ti consente di incarnare idee artistiche creative. Il principio è semplice: il fotografo cattura oggetti situati nel metodo dei raggi: la composizione è divisa in triangoli che coprono l'intera struttura della fotografia. Ideale per combinare oggetti piccoli e grandi: sinistra, destra, sopra e sotto. La cosa principale è evitare il raggruppamento al centro e dare all'immagine una simmetria non standard.

Struttura

Quando si riprendono edifici, strutture architettoniche interessanti, piazze, piazzette, vecchie strade, è importante riflettere l'atmosfera del luogo, per evidenziare la sua particolarità. Una delle tecniche che aggiungono un'atmosfera e un'estetica speciali a una foto è l'enfasi sulle trame, la loro selezione e la ripetizione di piccoli elementi che contribuiranno a rendere la composizione più interessante.

Queste tecniche sono particolarmente efficaci e applicate con successo su superfici stradali insolite: un sentiero di pietra, pietre per lastricati sulla strada, un insolito ornamento di piastrelle che si desidera riparare.

Parità pari e dispari in fotografia

Una delle leggi della fotografia dice: ci deve essere un numero dispari di oggetti nella cornice. Ciò è dovuto al fatto che è più facile per lo spettatore percepire un'immagine con una determinata enfasi compositiva. Se vedi tre persone di fronte a te, l'attenzione si concentrerà automaticamente sulla figura centrale. Seguendo questa logica, due oggetti o una persona nell'inquadratura confondono lo spettatore. Ma se scatti una foto con una storia dal vivo, in cui due interlocutori sono al centro dell'inquadratura, puoi deviare dalla regola. Cerca di mostrare vividamente i gesti delle persone, le loro emozioni e le espressioni facciali, gli elementi di articolazione - quindi l'immagine sarà interessante da guardare per molto tempo.

Riempire la cornice

La base della tecnica di riempimento è un primo piano, che è privo dello sfondo. Un volto umano, la testa di un animale o qualsiasi altro oggetto, ad esempio un edificio con una bella architettura: tutto ciò che è degno di nota e in grado di catturare i dettagli può diventare il centro della composizione della cornice. Solo un po' di cielo in alto e ai bordi, la linea orizzontale inferiore è sufficiente - e ora l'immagine è riempita correttamente. La ricezione è particolarmente buona nella fotografia di ritratto, dove è importante enfatizzare gli occhi.

Aggiungi aria al telaio

Un bellissimo oggetto contro il cielo, un albero solitario in un terreno libero, un faro circondato dall'acqua, una persona nel mezzo di un paesaggio: un approccio così minimalista alla creazione di una composizione e molto spazio libero rendono l'immagine "più facile" , consentendo allo spettatore di percepire più facilmente le informazioni e di interpretarle. Creando scatti con spazio e aria liberi, lasci respirare di più il tuo lavoro.

Ci concentriamo sul look

Quando si tratta di scattare ritratti, la cosa più importante da sapere sulla composizione è tenere a mente gli occhi. Solo in questo modo, ponendovi gli accenti principali, trasmetterai tutte le emozioni e i pensieri di una persona, la sua storia e il suo stato attuale. Non dimenticare la regola dei terzi: posiziona la linea degli occhi nella parte superiore della cornice. A proposito, la tecnica funziona non solo sugli esseri umani, ma anche sugli animali.

Sperimentare con gli angoli

La maggior parte della fotografia umana prevede un angolo all'altezza degli occhi del modello, in posizione eretta. Questa tecnica è standard e viene utilizzata da molti maestri: in questo modo mostrerai nel modo più corretto e naturale le proporzioni della figura del modello. Ma vale la pena ricordare che cambiare la simmetria delle linee e giocare con gli angoli può rendere una foto originale e insolita: è in questi casi che è molto spesso possibile trasmettere l'idea alla base del progetto.

Quindi, ad esempio, fotografando un cane che salta da un punto basso, aumenti visivamente la distanza tra il terreno e le sue zampe, creando espressività semantica. Per i paesaggi con molti soggetti interessanti, non aver paura di scattare dall'alto. È molto importante cambiare la posizione della telecamera per trovare qualcosa di proprio, il più adatto.

Lavorare con il colore

Anche il colore gioca un ruolo nella composizione. Con l'aiuto dei colori e della loro combinazione competente, rifletterai l'umore della cornice e tutte le emozioni. È necessario che un fotografo studi la coloristica, ma all'inizio è possibile utilizzare una tabella dei colori speciale, che viene utilizzata nel lavoro da designer, artisti e altre persone creative. La capacità di combinare sfumature e creare un'immagine completa è un'abilità importante che porterà il tuo mestiere al livello successivo.

Creazione del movimento e selezione della direzione

Qualsiasi movimento è percepito da una persona da sinistra a destra: ecco come siamo fatti. Quando scatti, tieni a mente questo dettaglio e usalo nel tuo lavoro. Ad esempio, un'auto si precipita lungo la strada e una bicicletta lungo un sentiero nel bosco, una persona sta correndo e il suo cane sta cercando di raggiungere un bastone volante: ogni movimento con dinamica dovrebbe essere diretto sul lato destro.

È molto importante non dimenticare di lasciare uno spazio vuoto davanti, che aiuterà a comprendere meglio le dinamiche della composizione e dove si sta dirigendo l'eroe dell'immagine. Una direzione di movimento ben scelta e costruita può fare miracoli con la dinamica della fotografia.

Bilancia

Se hai una strada cittadina di fronte a te con un bellissimo lampione, disponilo secondo la regola dei terzi e includi elementi secondari nel telaio: dovrebbero essere a distanza: ad esempio, dall'altra parte della strada. Questa tecnica bilancerà l'immagine, la bilancerà strutturalmente. In questo caso, il lampione continuerà a dominare, ma gli elementi organici appariranno nella composizione, diventerà artisticamente interessante. Evita le singole sagome che dividono la foto.

Contrasto nella cornice

Questa è una delle tecniche più espressive che conferisce all'immagine un'atmosfera unica e riflette i due lati della realtà. Vecchio e nuovo, bianco e nero, divertente e triste, bambini e anziani, dinamica e statica: i contrasti sono sempre vincenti e hanno una loro idea filosofica.

Usa le tecniche compositive di cui sopra nella tua pratica fotografica e troverai sicuramente le tue, quelle che daranno al tuo lavoro un gusto e un'originalità. Non aver paura di guardare il mondo attraverso l'obiettivo da diverse angolazioni, sperimenta prospettiva e proporzioni, messa a fuoco e sfocatura: questo è l'unico modo per rendere unica la tua creatività.

Immagina di avere davanti a te un piano di un foglio, assolutamente non riempito con alcun elemento dell'immagine. In poche parole, una tabula rasa. Come viene percepito da noi? Naturalmente, il piano del foglio non porta alcuna informazione, è percepito da noi come privo di significato, vuoto, non organizzato. Ma! Basta metterci sopra un punto, una linea, un tratto e questo piano comincia a prendere vita. Ciò significa che i nostri elementi pittorici, qualsiasi - un punto, una linea, un tratto - entrano in connessione spaziale con esso, formando una sorta di legame semantico. In poche parole, l'aereo e qualsiasi elemento su di esso iniziano a interagire, conducono un dialogo tra loro e iniziano a "raccontarci" qualcosa.

Quindi otteniamo la composizione più primitiva, che è persino difficile da chiamare tale, ma è così.

Più lontano. Io e te abbiamo uno strumento universale datoci dalla natura, questi sono i nostri occhi, la nostra visione. Quindi, il nostro occhio vede e percepisce il mondo che ci circonda in proporzioni e proporzioni. Cosa significa? La nostra visione è in grado di sentire l'armonia, e ciò che non è armonioso. Il nostro occhio è in grado di trovare la differenza tra la discrepanza tra le dimensioni delle singole parti e il tutto, o viceversa, di vedere una corrispondenza completa. La vista è in grado di percepire combinazioni di colori che non irritano gli occhi o viceversa: possono essere completamente disarmonie. Dirò di più, il nostro istinto naturale fin dall'inizio, che ti piaccia o no, si sforza per un senso di armonia in ogni cosa. E obbliga inconsciamente, sentendosi, a comporre oggetti e le loro parti in modo che nessuna parte della composizione risulti aliena o sproporzionata. Hai solo bisogno impara ad ascoltare i tuoi sentimenti e capire come raggiungere l'armonia, cioè fare una buona composizione. Qualunque.

Vai avanti. Prendiamo una forma, ad esempio, un cerchio e proviamo a posizionarlo in punti diversi sul piano del foglio. Possiamo vedere, sentire, che in alcuni casi occuperà una posizione più stabile, in altri sarà instabile. Figura a sinistra: guarda come funziona la nostra visione - sembrerebbe che per un cerchio il luogo più stabile sia la coincidenza del suo centro con il centro geometrico del piano del foglio (disegnando linee diagonali da un angolo all'altro del foglio, ottenere il centro del foglio all'intersezione di queste linee). Tuttavia, questo non è tutto. A causa di un'illusione ottica (l'occhio sopravvaluta leggermente la parte superiore e sottovaluta la parte inferiore del piano), il cerchio viene percepito come leggermente spostato verso il basso. Senti come il cerchio è attratto dalla base del quadrato? Il cerchio non si sente distintamente né al centro né al di sotto, e questo si traduce in un fraintendimento della sua posizione, si avverte la disarmonia. Come raggiungere l'armonia? In quale posizione dovrebbe essere il cerchio per poterlo percepire armoniosamente nel piano del lenzuolo? Naturalmente, deve essere leggermente spostato. Guarda l'immagine a destra. Il cerchio si sente stabile? Prende esattamente il suo posto nella piazza. Pertanto, la nostra composizione più semplice sarà più armoniosa e quindi più corretta.
Comprensione: il piano e l'oggetto formano una sorta di connessione spaziale condizionale che possiamo correggere.

Il nostro piano ha inizialmente una certa struttura condizionale, anche se non c'è ancora un singolo elemento su di esso. Il piano può essere diviso in assi: orizzontale, verticale, diagonale. Otteniamo la struttura: guarda l'immagine a sinistra. Nel centro del piano (centro geometrico), tutte le forze di questa struttura nascosta sono in uno stato di equilibrio e la parte centrale del piano è percepita attivamente e le parti non centrali passivamente. Questo è come ci sentiamo. Questa percezione dello spazio condizionale, quindi la nostra visione cerca di trovare la pace. Questa comprensione è piuttosto arbitraria, ma vera.

L'occhio cerca di vedere l'armonia in ciò che osserva: determina il centro della nostra composizione, che per lui sembra più attiva, tutto il resto è più passivo. Questo è ciò che solo lo studio di un piano bianco del foglio può darci. Inoltre, questo è ciò che solo lo studio di una forma quadrata, il piano del foglio, può darci. Ma il principio è lo stesso. Si tratta della struttura del piano del foglio.

Ma sarebbe del tutto insufficiente smembrare il piano o comporre una composizione di un elemento su un foglio. È noioso e non ha bisogno di nessuno, né di te né dello spettatore. C'è sempre di più, più vario e molto più interessante.

Ora proviamo a comporre un'altra composizione, ma con più partecipanti. Vedi l'immagine a sinistra. Cosa vediamo, cosa sentiamo? E sentiamo che la nostra composizione non è armoniosa, perché le sue singole parti non sono equilibrate. I soggetti sono fortemente spostati a sinistra, lasciando spazio vuoto, non necessario, inutilizzato nella composizione a destra. E l'occhio si sforza sempre di bilanciare tutto e raggiungere l'armonia. Cosa dobbiamo fare qui? Naturalmente, bilancia le parti della composizione in modo che formino armoniosamente un'unica grande composizione e facciano parte di un tutto. Dobbiamo assicurarci che la nostra visione sia confortevole.

Guarda l'immagine a destra. È così che ti senti più armonioso? Penso di si. Cosa significa? Nella percezione visiva degli elementi e del piano del foglio e nell'analisi delle loro connessioni: si avverte l'influenza delle forze interne alla struttura del piano sul comportamento degli elementi figurativi. Cosa significa? I nostri elementi che partecipano alla composizione interagiscono con gli assi condizionali diagonali, verticali e orizzontali del piano. Abbiamo raggiunto un equilibrio visivo stabile di tutti i componenti della composizione rispetto al centro geometrico. Anche se qui non c'è una sola figura al centro, si bilanciano tra loro, formando insieme il centro dove la visione lo aspetta, quindi è più comodo guardare questo disegno rispetto al precedente.

E se aggiungi qualche altro elemento, allora in questo caso dovrebbero essere leggermente più deboli per dimensioni o tono (o colore) e in un certo luogo, in modo da non abbattere visivamente il centro geometrico della composizione, altrimenti avrai cambiare la disposizione degli elementi per ritrovare l'armonia, cioè la percezione armonica. Questo per quanto riguarda il concetto- centro geometrico di composizione, che ora abbiamo introdotto nello studio.

Dovresti sempre cercare un equilibrio visivo stabile di tutti i componenti della composizione nelle sue varie direzioni: su e giù, destra e sinistra, in diagonale. E la composizione dovrebbe essere armoniosa da qualsiasi posizione, in ogni svolta: capovolgi la tua composizione o di 90 gradi, dovrebbe anche essere piacevole da guardare, senza alcun accenno di disagio. Ed è più facile presumere che il centro geometrico della composizione sia all'intersezione di linee diagonali o poco più in alto, è in questo luogo che gli occhi, dopo aver visto la composizione stessa, qualunque essa sia, alla fine si fermano e trovano " riposo", si calma in questo luogo, anche se non ci sono oggetti su di esso. Questo è un luogo condizionato. E una composizione armoniosa è considerata tale quando non è più necessario introdurre nuovi elementi o rimuoverne uno. Tutti gli attori che partecipano all'intera composizione sono subordinati a un'idea comune.

Nozioni di base sulla composizione - equilibrio statico ed equilibrio dinamico

La composizione dovrebbe essere armoniosa e le sue singole aree dovrebbero essere equilibrate. Andiamo oltre e analizziamo i seguenti concetti:

Equilibrio statico e equilibrio dinamico... Questi sono modi per bilanciare la composizione, modi per creare armonia. I metodi sono diversi, in quanto influenzano la nostra visione in modi diversi. Diciamo che abbiamo due composizioni. Guardiamo la figura a sinistra: cosa abbiamo? Abbiamo una composizione in cui prendono parte un cerchio e delle strisce. Questo mostra l'equilibrio statico di un cerchio e delle strisce. Come si ottiene? Innanzitutto, se guardi la struttura nascosta del foglio di composizione, puoi capire che è costruito principalmente lungo gli assi orizzontale e verticale. Altro che statico. In secondo luogo: vengono utilizzati elementi statici: un cerchio e strisce, il cerchio è bilanciato con strisce e non vola fuori dall'aereo e il centro visivo geometrico condizionale si trova all'intersezione delle diagonali, la composizione può anche essere vista da tutti i lati , senza dar luogo a disarmonia.
Ora guardiamo l'immagine a destra. Vediamo un equilibrio dinamico di diversi semicerchi e cerchi con l'evidenziazione della dominante di colore. Come si ottiene l'equilibrio dinamico? Se guardi la struttura nascosta del foglio, oltre agli assi orizzontale e verticale della costruzione della composizione, puoi vedere chiaramente l'uso dell'asse diagonale. La sua presenza, l'uso, emette un cerchio rosso, che in questa composizione è un punto dominante, dominante, un'area a cui l'occhio presta attenzione in primo luogo. Introduciamo il concetto centro di composizione

Centro di composizione. Dominante

Centro compositivo, dominante, come intenderlo: nella composizione a sinistra c'è un certo centro compositivo, o dominante, che è il punto di partenza della composizione ea cui obbediscono tutti gli altri elementi. Possiamo dire di più: tutti gli altri elementi esaltano il significato della dominante e "giocano" con essa.

Abbiamo un personaggio principale dominante ed elementi secondari. Gli elementi minori possono anche essere classificati in base alla loro importanza. Più significativi - accenti e meno significativi - elementi minori. Il loro significato è determinato solo dal contenuto della storia, dalla trama della composizione, e quindi tutti gli elementi della composizione sono importanti e devono essere subordinati l'uno all'altro, "contorti" in un tutt'uno.

Il centro compositivo dipende da:

1. La sua dimensione e la dimensione di altri elementi.

2. Posizioni sull'aereo.

3. La forma dell'elemento, che è diversa dalla forma degli altri elementi.

4. La trama di un oggetto che è diversa dalla trama di altri oggetti.

5. Colori. Applicando un contrasto (colore opposto) al colore degli elementi secondari (un colore brillante in un ambiente neutro, e viceversa, o un colore cromatico tra quelli acromatici, o un colore caldo con una gamma fredda generale di elementi secondari, o un colore colore scuro tra quelli chiari...

6. Sviluppo. L'elemento principale, il dominante, è più elaborato di quelli secondari.

Centri compositivi e geometrici di composizione

Continuando... Questa dominante, un cospicuo elemento attivo, non si trova affatto al centro della foglia, ma il suo peso e la sua attività sono sostenuti da molti elementi secondari posti in diagonale più avanti, opposti a questa dominante. Se disegni un'altra diagonale, su entrambi i lati il ​​"peso" della composizione sarà condizionatamente lo stesso. La composizione è equilibrata sia in verticale che in orizzontale e in diagonale. Vengono utilizzati elementi che differiscono nell'attività dalla composizione precedente: sono più attivamente localizzati e più attivi nella forma. Sebbene si trovino in modo elementare, lungo una griglia convenzionale e la struttura della composizione è semplice, ma oltre a ciò, la composizione ha un equilibrio dinamico, poiché conduce lo spettatore lungo una certa traiettoria.

Nota: la composizione a destra non è assolutamente realizzata con colori su carta, ma mi è piaciuta molto, e in sostanza, tutto sommato, non cambia, è anche una composizione. Continua ...

Dici, dov'è il centro geometrico della composizione? La risposta è: il centro geometrico della composizione è dove dovrebbe essere. Inizialmente, può sembrare che si trovi dove si trova il dominante. Ma la dominante è più un accento, il punto di partenza della composizione, cioè il centro compositivo. Tuttavia, non dimentichiamo che esiste anche una struttura nascosta della composizione, il cui centro geometrico si trova come nella composizione a sinistra. Lo spettatore rivolge il suo primo sguardo a centro di composizione, dominante, ma dopo averla considerata, e poi dopo aver rivisto l'intera composizione, il tuo sguardo si è fermato ancora a centro geometrico, Giusto? Controlla tu stesso, segui i tuoi sentimenti. Ha trovato "pace" lì, il posto più comodo. Di tanto in tanto, esamina di nuovo la composizione, prestando attenzione alla dominante, ma poi si calma di nuovo nel centro geometrico. Ecco perché un tale equilibrio è chiamato dinamico, introduce movimento: l'attenzione visiva non è distribuita uniformemente in tutta la composizione, ma segue un certo corso creato dall'artista. Il tuo occhio troverà movimento nel centro compositivo, ma non sarà in grado di calmarsi lì. Ed è proprio con la riuscita costruzione della composizione, cioè l'uso corretto del centro geometrico, che è armoniosamente visibile da ogni svolta. E il centro compositivo - da esso, la composizione inizia a condurre un dialogo con lo spettatore, questa è una sezione della composizione che ti consente di controllare l'attenzione dello spettatore e dirigerla nella giusta direzione.

Composizione statica e composizione dinamica

Qui arriviamo ai seguenti termini che dobbiamo considerare. Questi termini differiscono nel significato da equilibrio statico e dinamico, significato: puoi bilanciare qualsiasi composizione in modi diversi. Allora... cos'è composizione statica? È uno stato di composizione in cui elementi equilibrati nel loro insieme danno l'impressione della sua immobilità stabile.

1. Composizione, in base alla quale è possibile osservare visivamente chiaramente l'uso della struttura nascosta del foglio per la costruzione. In una composizione statica, esiste un ordine di compilazione condizionale.

2. I soggetti per una composizione statica sono selezionati più vicini per forma, peso, consistenza.

3. C'è una certa morbidezza nella soluzione tonale.

4. La combinazione di colori si basa su sfumature: colori simili.

Composizione dinamica, rispettivamente, possono essere costruiti in modo opposto. È uno stato di composizione in cui elementi in equilibrio tra loro danno l'impressione di essere movimento e dinamiche interne.

Ripeto: ma, qualunque sia la composizione, devi sempre cercare un equilibrio visivo stabile di tutti i componenti della composizione nelle sue varie direzioni: su e giù, destra e sinistra, in diagonale.

E la composizione dovrebbe essere armoniosa da qualsiasi posizione, in ogni svolta: capovolgi la tua composizione, o di 90 gradi, con le masse generali e le macchie di colore / tono, dovrebbe anche essere vista piacevolmente, senza alcun accenno di disagio.

Nozioni di base sulla composizione - Esercizi

Ulteriori esercizi possono essere eseguiti con gouache, come applique, matite colorate e altri materiali con cui il tuo cuore desidera lavorare. Puoi eseguire dall'esercizio che ti sembra più facile o interessante, al più difficile.

1. Bilancia alcuni elementi di forma semplice su un piano quadrato. Segui lo stesso principio per comporre un semplice motivo paesaggistico.

2. Da semplici motivi stilizzati di forme naturali, fai uno schizzo di una composizione chiusa (non andando oltre l'immagine), racchiusa in un formato di foglio. Composizione chiusa: l'azione è contorta solo nello spazio che usi, piena completezza. Le composizioni hanno un movimento circolare.

3. Organizza diversi triangoli e cerchi secondo il principio della composizione dinamica (disposizione asimmetrica delle figure su un piano), variando il colore, la leggerezza delle figure e lo sfondo.

4. Applicando il principio della divisione degli elementi della composizione, bilanciare diverse forme di diverse configurazioni in un formato rettangolare. Segui questo principio per eseguire una composizione semplice su un argomento arbitrario.

5. Da semplici motivi stilizzati di forme naturali, applicando il principio di articolazione degli elementi, disegna una composizione aperta. Una composizione aperta è una composizione che può essere ulteriormente sviluppata - in larghezza e in altezza.

6. Dividi il piano del foglio in una struttura condizionale secondo il sentimento e componi una composizione sulla base: la soluzione è in bianco e nero.

Mezzi espressivi di composizione

I mezzi espressivi di composizione nelle arti decorative e applicate includono linea, punto, macchia, colore, trama ... Questi mezzi sono allo stesso tempo elementi della composizione. Sulla base dei compiti e degli obiettivi fissati e tenendo conto delle possibilità di un determinato materiale, l'artista utilizza i mezzi espressivi necessari.

La linea è l'elemento modellante principale che trasmette nel modo più accurato la natura dei contorni di qualsiasi forma. La linea ha una doppia funzione, essendo sia un mezzo di rappresentazione che un mezzo di espressione.

Esistono tre tipi di linee:

Linee rette: verticali, orizzontali, oblique
Curve: cerchi, archi
Curve con raggio di curvatura variabile: parabole, iperboli e loro segmenti

L'espressività della percezione associativa delle linee dipende dalla natura del loro contorno, suono tonale e colore.

Le linee trasmettono:

Verticale - aspirazione verso l'alto

Inclinato - instabilità, caduta

Linee - movimento variabile

Ondulato: movimento uniforme e fluido, oscillazione

Spirale - rallentamento del movimento rotatorio, accelerando verso il centro

Movimento tondo - chiuso

Ovale: l'aspirazione della forma a concentrarsi.

Le linee spesse sporgono in avanti e le linee sottili si allontanano nella profondità del piano. Eseguendo schizzi della composizione, creano combinazioni di determinate linee, punti che stimolano la manifestazione delle sue proprietà plastiche e cromatiche.

Il punto è ampiamente utilizzato come uno dei mezzi di espressione in molte opere di arte decorativa e applicata. Aiuta a rivelare la trama dell'immagine, a trasferire lo spazio condizionale.

Lo spot è utilizzato per l'organizzazione ritmica di motivi ornamentali non pittorici. I punti di varie configurazioni, organizzati in una composizione specifica, acquisiscono espressività artistica e, influenzando emotivamente lo spettatore, evocano in lui l'umore appropriato.

Gli artisti nelle loro opere usano spesso come elementi pittorici figure geometriche: cerchio, quadrato, triangolo. Le loro composizioni possono simboleggiare il movimento del tempo, i ritmi della vita umana.

L'organizzazione ritmica di motivi ornamentali da elementi non grafici (punti di configurazione astratta, sagome di figure geometriche), combinati in strutture compositive, diventa un mezzo di espressione artistica.

Altri strumenti di composizione

1. Subordinazione: una persona nel primo secondo inizia a percepire la composizione come un'immagine di silhouette su un certo sfondo: l'area della silhouette, il disegno della linea di contorno, il grado di compattezza, tono, colore, struttura della superficie , e così via.

2. Simmetria e asimmetria: un mezzo efficace per raggiungere l'equilibrio in una composizione è la simmetria, la disposizione regolare degli elementi della forma rispetto a un piano, asse o punto.

Asimmetria: l'armonia di una composizione asimmetrica si ottiene più difficile, si basa sull'uso di una combinazione di vari modelli di costruzione della composizione. Tuttavia, le composizioni basate sui principi dell'asimmetria non hanno alcun valore estetico inferiore a quelle simmetriche. Quando lavora sulla sua struttura spaziale, l'artista combina simmetria e asimmetria, concentrandosi sulla regolarità dominante (simmetria o asimmetria), utilizza l'asimmetria per evidenziare gli elementi principali della composizione.

3. Le proporzioni sono l'interconnessione quantitativa delle singole parti della composizione tra loro e con il tutto, soggetta a una certa legge. Una composizione organizzata per proporzioni viene percepita molto più facilmente e velocemente di una massa visivamente disorganizzata. Le proporzioni sono suddivise in modulari (aritmetiche), quando l'interrelazione delle parti e del tutto viene aggiunta ripetendo una singola dimensione data, e geometriche, che si basano sull'uguaglianza delle relazioni e si manifestano nella somiglianza geometrica delle divisioni di forma.

4. Sfumatura e contrasto: le relazioni tra le sfumature sono differenze minori e debolmente espresse in termini di dimensioni, motivo, trama, colore, posizione nello spazio del foglio. Come mezzo di composizione, la sfumatura può manifestarsi nelle proporzioni, nel ritmo, nei rapporti cromatici e tonali e nella plastica.
Contrasto: consiste in una pronunciata opposizione degli elementi della composizione. Il contrasto rende l'immagine evidente, la fa risaltare dagli altri. Ci sono contrasti: direzioni di movimento, dimensione, massa condizionale, forma, colore, luce, struttura o consistenza. Con contrasto direzionale, orizzontale contro verticale, inclina da sinistra a destra - inclina da destra a sinistra. In contrasto con le dimensioni, alto contro basso, lungo contro corto, largo contro stretto. Con il contrasto della massa, l'elemento visivamente pesante della composizione si trova vicino al polmone. Con il contrasto della forma, le forme "duri", angolari, sono contrapposte a quelle "morbide", arrotondate. Con il contrasto chiaro, le aree chiare della superficie sono in contrasto con quelle scure.

6. Il ritmo è un certo ordinamento degli elementi caratteristici di una composizione, creato ripetendo elementi, alternandoli, aumentando o diminuendo. Lo schema più semplice in base al quale si costruisce una composizione è la ripetizione degli elementi e degli intervalli tra di essi, detta ritmo modulare o ripetizione metrica.

La serie metrica può essere semplice, costituita da un elemento della forma, ripetuta ad intervalli regolari nello spazio (a), o complessa.

Una serie metrica complessa è costituita da gruppi di elementi identici (c) o può includere singoli elementi che differiscono dagli elementi principali della serie per forma, dimensione o colore (b).

La combinazione di più righe metriche, combinate in un'unica composizione, ravviva significativamente la forma. In generale, l'ordine metrico esprime riposo statico e relativo.

Una certa direzione può essere data alla composizione, creando un ritmo dinamico, che si basa sulle leggi delle proporzioni geometriche aumentando (diminuendo) la dimensione di elementi simili o cambiando regolarmente gli intervalli tra gli stessi elementi della serie (a - e). Un ritmo più attivo si ottiene con un cambiamento simultaneo delle dimensioni degli elementi e degli intervalli tra loro (e).
All'aumentare del grado di ritmo, la dinamica compositiva della forma aumenta nella direzione della condensazione della serie ritmica.

Per creare una serie ritmica, puoi utilizzare un cambiamento regolare nell'intensità del colore. In condizioni di ripetizione metrica, l'illusione del ritmo viene creata come risultato di una graduale diminuzione o aumento dell'intensità del colore di un elemento. Quando le dimensioni degli elementi cambiano, il colore può intensificare il ritmo se l'aumento della sua intensità avviene contemporaneamente all'aumento della dimensione degli elementi, oppure bilanciare visivamente il ritmo se l'intensità del colore diminuisce con l'aumento della dimensione degli elementi. Il ruolo organizzativo del ritmo in una composizione dipende dalla dimensione relativa degli elementi che compongono la serie ritmica, e dal loro numero (per creare una serie, devi avere almeno quattro o cinque elementi).

I colori caldi e luminosi vengono utilizzati per far risaltare gli elementi attivi della composizione. I colori freddi li rimuovono visivamente. Il colore influenza attivamente la psiche umana, è in grado di evocare una varietà di sentimenti ed esperienze: compiacere e addolorare, rinvigorire e opprimere. Il colore agisce su una persona indipendentemente dalla sua volontà, poiché fino al 90% delle informazioni che riceviamo attraverso la vista. Studi sperimentali dimostrano che il minor affaticamento degli occhi si verifica osservando il colore relativo alla parte centrale dello spettro (area giallo-verde). I colori in quest'area danno una percezione del colore più stabile e le parti estreme dello spettro (viola e rosso) causano il maggior affaticamento degli occhi e irritazione del sistema nervoso.

Secondo il grado di influenza sulla psiche umana, tutti i colori sono divisi in attivi e passivi. I colori attivi (rosso, giallo, arancione) hanno un effetto stimolante, accelerano i processi vitali del corpo. I colori passivi (blu, viola) hanno l'effetto opposto: calmano, provocano rilassamento, diminuiscono l'efficienza. Le prestazioni massime si osservano quando viene applicato il verde.

Il bisogno umano naturale è armonia di colori = subordinazione di tutti i colori della composizione ad un'unica idea compositiva... Tutta la varietà delle armonie cromatiche può essere suddivisa in combinazioni sfumate basate sulla convergenza (identità di tonalità, leggerezza o saturazione), e combinazioni contrastanti basate sull'opposizione.

Esistono sette opzioni di armonia dei colori basate sulle somiglianze:

1. la stessa saturazione a diversa luminosità e tonalità di colore;

2. la stessa leggerezza con diversa saturazione e tonalità di colore;

3. la stessa tonalità di colore a diversa saturazione e luminosità;

4. la stessa leggerezza e saturazione con tonalità di colore diverse;

5. la stessa tonalità di colore e luminosità con diversa saturazione;

6. stessa tonalità di colore e saturazione a diversa luminosità;

7. la stessa tonalità di colore, leggerezza e saturazione di tutti gli elementi della composizione.

Con il cambiamento della tonalità, l'armonia può essere raggiunta combinando due colori principali e intermedi (ad esempio giallo, verde e senape) o contrastando la tonalità. Le combinazioni contrastanti sono costituite da colori complementari (ad esempio rosso con verde freddo, blu con arancione, viola con giallo...) o da triadi di colori equidistanti sulla ruota dei colori (ad esempio giallo, magenta, verde- blu, rosso, verde e blu-viola). L'armonia dei colori è formata non solo da combinazioni di colori cromatici, ma anche cromatici saturi con acromatici (blu e grigio, marrone e grigio e così via).

Esercizi di più...

1. Disegna un motivo naturale con una linea e un punto

2. Eseguire una composizione tematica utilizzando mezzi espressivi grafici: linea, punto, punto

3. Da oggetti liberamente collocati nello spazio, comporre una composizione equilibrata di natura morta, senza ricorrere ad abbreviazioni prospettiche di oggetti e piani spaziali

8. Esplodere il piano di un cerchio inscritto in un quadrato (soluzione in bianco e nero) e comporre una composizione rappoport dai cerchi smembrati. Puoi fare lo stesso con altre forme geometriche.

Artista e composizione

Ora non si tratta di come comporre una composizione, ma piuttosto delle forze che ti spingono a crearla. Queste forze sono molto più forti ed efficienti di quanto fareste a fondo e trascorrete molte ore a studiare gli aspetti tecnici della sua creazione, ma investite con parsimonia almeno un po' della vostra anima nel processo. È una forte motivazione, forza motivante. Sei un artista, indipendentemente dalle conoscenze e abilità che hai e in quale fase di sviluppo ti trovi. Sei un ARTISTA, una persona creativa. Prima di creare una composizione, chiunque, coltivi un'idea, pensi, provi emozioni, osservi la sua creazione ancora dentro di te. Alcuni di noi lo sognano in sogno, alcuni di noi sono sotto l'influenza di questo processo magico ogni giorno, a volte ci impedisce solo di vivere come tutte le persone comuni, perché lo creiamo fin dall'inizio dentro di noi. Ogni composizione, ogni creazione è una sublimazione di quelle sensazioni ed esperienze che accompagnano l'artista e crescono in lui, nella sua mente. E poi, un giorno, in un momento, capisci che eccola qui, la creazione, ora può nascere nel mondo e finalmente hai capito cosa dovresti fare. E nasce la composizione. Ora niente può fermare il tuo processo creativo. E nel complesso, la composizione è lo stato d'animo dell'artista, i pensieri, l'idea stessa che getta sul piano senza vita di un foglio o di una tela, costringendoli a VIVERE la loro vita peculiare, non come tutti gli altri. E anche se l'artista non è molto bravo a studiare le leggi della composizione di una composizione su un foglio, il potere creativo della creazione è molte volte più forte, tutto il resto è un'attività redditizia. Non aver paura di esprimere i tuoi pensieri e sentimenti. Audace e semplice, misterioso e malvagio, gioioso e fantastico... nessuno può raccontare meglio i tuoi pensieri, solo tu.