Il romanticismo è una direzione artistica. Romanticismo nell'arte (XVIII - XIX secolo). Romanticismo in musica

Prova d'esame

Tema: "Romanticismo come tendenza nell'arte".

Eseguita studente 11 classe "B" scuola №3

Boyprav Anna

Docente d'arte mondiale

cultura Butsu T.N.

Brest 2002

1. introduzione

2. Le ragioni dell'emergere del romanticismo

3. Le caratteristiche principali del romanticismo

4. Eroe romantico

5. Romanticismo in Russia

a) Letteratura

b) Pittura

c) Musica

6. Romanticismo dell'Europa occidentale

un dipinto

b) Musica

7. Conclusione

8. Riferimenti

1. INTRODUZIONE

Se guardi nel dizionario esplicativo della lingua russa, puoi trovare diversi significati della parola "romanticismo": 1. La tendenza nella letteratura e nell'arte del primo quarto del XIX secolo, caratterizzata dall'idealizzazione del passato, dall'isolamento da realtà, culto della personalità e dell'uomo. 2. Una tendenza nella letteratura e nell'arte, intrisa di ottimismo e il desiderio di mostrare in immagini vivide l'alto scopo di una persona. 3. Umore, intriso di idealizzazione della realtà, contemplazione sognante.

Come si può vedere dalla definizione, il romanticismo è un fenomeno che si manifesta non solo nell'arte, ma anche nel comportamento, nell'abbigliamento, nello stile di vita, nella psicologia delle persone e sorge nei punti di svolta della vita, quindi il tema del romanticismo è rilevante oggi. Viviamo a cavallo del secolo, siamo in una fase di transizione. A questo proposito, nella società, c'è mancanza di fiducia nel futuro, mancanza di fiducia negli ideali, c'è desiderio di evadere dalla realtà circostante nel mondo delle proprie esperienze e allo stesso tempo di comprenderla. Sono queste caratteristiche che sono caratteristiche dell'arte romantica. Ecco perché ho scelto il tema "Romanticismo come direzione nell'arte" per la ricerca.

Il romanticismo è uno strato molto ampio di diversi tipi di arte. Lo scopo del mio lavoro è tracciare le condizioni di origine e le ragioni dell'emergere del romanticismo in diversi paesi, indagare lo sviluppo del romanticismo in forme d'arte come la letteratura, la pittura e la musica e confrontarle. Il compito principale per me era evidenziare le caratteristiche principali del romanticismo, caratteristiche di tutti i tipi di arte, per determinare quale influenza ha avuto il romanticismo sullo sviluppo di altre tendenze nell'arte.

Durante lo sviluppo dell'argomento, ho usato libri di testo sull'arte di autori come Filimonova, Vorotnikov, ecc., Enciclopedie, monografie dedicate a vari autori dell'era del romanticismo, materiali biografici di autori come Aminskaya, Atsarkina, Nekrasov, ecc.

2. MOTIVI DEL ROMANZO

Più ci avviciniamo alla modernità, più brevi diventano i periodi di tempo per il predominio di uno stile o di un altro. Periodo di tempo della fine del 18°-1° terzo del 19° secolo. è considerata l'era del romanticismo (dal francese Romantique; qualcosa di misterioso, strano, irreale)

Cosa ha influenzato l'emergere di un nuovo stile?

Questi sono tre eventi principali: la Grande Rivoluzione francese, le guerre napoleoniche, l'ascesa del movimento di liberazione nazionale in Europa.

I tuoni di Parigi echeggiarono in tutta Europa. Lo slogan "Libertà, uguaglianza, fratellanza!" Possedeva un'enorme forza di attrazione per tutti i popoli europei. Con la formazione delle società borghesi, la classe operaia iniziò ad agire contro l'ordine feudale come forza indipendente. La lotta contrapposta delle tre classi - la nobiltà, la borghesia e il proletariato - ha costituito la base dello sviluppo storico del XIX secolo.

Il destino di Napoleone e il suo ruolo nella storia europea per 2 decenni, 1796-1815, hanno occupato le menti dei suoi contemporanei. "Il dominatore dei pensieri" - ha detto A.S. Puskin.

Per la Francia furono anni di grandezza e gloria, anche se a costo della vita di migliaia di francesi. L'Italia vedeva Napoleone come il suo liberatore. I polacchi riponevano in lui grandi speranze.

Napoleone ha agito da conquistatore agendo nell'interesse della borghesia francese. Per i monarchi europei, non era solo un nemico militare, ma anche un rappresentante del mondo alieno della borghesia. Lo odiavano. All'inizio delle guerre napoleoniche nel suo "Grande Esercito" c'erano molti partecipanti diretti alla rivoluzione.

La personalità dello stesso Napoleone era fenomenale. Il giovane Lermontov ha risposto al decimo anniversario della morte di Napoleone:

È estraneo al mondo. Tutto di lui era un segreto

Un giorno di ascesa - e un'ora di caduta!

Questo segreto ha attirato l'attenzione soprattutto dei romantici.

In connessione con le guerre napoleoniche e la maturazione della coscienza nazionale, questo periodo fu caratterizzato dall'ascesa del movimento di liberazione nazionale. Germania, Austria, Spagna hanno combattuto contro l'occupazione napoleonica, Italia - contro il giogo austriaco, Grecia - contro la Turchia, in Polonia hanno combattuto contro lo zarismo russo, Irlanda - contro gli inglesi.

Una generazione ha assistito a un cambiamento sorprendente.

La Francia ribolliva più di tutte: i burrascosi cinque anni della Rivoluzione francese, l'ascesa e la caduta di Robespierre, le campagne napoleoniche, la prima abdicazione di Napoleone, il suo ritorno dall'isola d'Elba ("cento giorni") e l'ultima

la sconfitta di Waterloo, il cupo 15° anniversario del regime di restaurazione, la Rivoluzione di luglio del 1860, la Rivoluzione di febbraio del 1848 a Parigi, che scatenò un'ondata rivoluzionaria in altri paesi.

In Inghilterra, a seguito di una rivoluzione industriale nella seconda metà del XIX secolo. la produzione meccanica e le relazioni capitalistiche si stabilirono saldamente. La riforma parlamentare del 1832 aprì la strada alla borghesia verso il potere statale.

I governanti feudali mantennero il potere sulle terre di Germania e Austria. Dopo la caduta di Napoleone, affrontarono duramente l'opposizione. Ma anche sul suolo tedesco una locomotiva a vapore portata dall'Inghilterra nel 1831 divenne un fattore di progresso borghese.

Le rivoluzioni industriali, le rivoluzioni politiche hanno cambiato il volto dell'Europa. "La borghesia, in meno di cento anni del suo dominio di classe, ha creato forze produttive più numerose e più grandi di tutte le generazioni precedenti messe insieme", scrissero gli scienziati tedeschi Marx ed Engels nel 1848.

Così, la Grande Rivoluzione Francese (1789-1794) segnò una pietra miliare speciale che separava la nuova era dall'età dell'Illuminismo. Non sono cambiate solo le forme dello Stato, la struttura sociale della società, l'ordinamento delle classi. L'intero sistema di rappresentazioni, illuminato per secoli, fu scosso. Gli educatori hanno preparato ideologicamente la rivoluzione. Ma non potevano prevederne tutte le conseguenze. Il "regno della ragione" non ha avuto luogo. La rivoluzione, che ha proclamato la libertà dell'individuo, ha dato origine all'ordine borghese, allo spirito di avidità e di egoismo. Questa è stata la base storica per lo sviluppo della cultura artistica, che ha proposto una nuova direzione: il romanticismo.

3. CARATTERISTICHE PRINCIPALI DEL ROMANZO

Il romanticismo come metodo e direzione nella cultura artistica era un fenomeno complesso e contraddittorio. In ogni paese aveva una vivida espressione nazionale. Nella letteratura, nella musica, nella pittura e nel teatro non è facile trovare tratti che accomunano Chateaubriand e Delacroix, Mickiewicz e Chopin, Lermontov e Kiprensky.

I romantici occupavano diverse posizioni sociali e politiche nella società. Tutti si ribellarono ai risultati della rivoluzione borghese, ma si ribellarono in modi diversi, poiché ognuno aveva il proprio ideale. Ma nonostante tutta la molteplicità e la diversità, il romanticismo ha caratteristiche stabili.

La delusione nella modernità ha dato origine a uno speciale interesse per il passato: alle formazioni sociali pre-borghesi, all'antichità patriarcale. Molti romantici erano caratterizzati dall'idea che il pittoresco esotismo dei paesi del sud e dell'est - Italia, Spagna, Grecia, Turchia - fosse un contrasto poetico con la noiosa vita quotidiana borghese. In questi paesi, allora ancora poco colpiti dalla civiltà, i romantici cercavano personaggi brillanti, forti, uno stile di vita originale, colorato. L'interesse per il passato nazionale ha dato origine a molte opere storiche.

Sforzandosi, per così dire, di elevarsi al di sopra della prosa dell'essere, di liberare le diverse capacità dell'individuo, di autorealizzarsi al massimo nella creatività, i romantici si opponevano alla formalizzazione dell'arte e all'approccio schiettamente giudizioso, inerente al classicismo. Sono venuti tutti da negazione dei canoni illuministici e razionalistici del classicismo, che inceppava l'iniziativa creativa dell'artista.E se il classicismo divide tutto in linea retta, in buono e cattivo, in bianco e nero, allora il romanticismo non divide nulla in linea retta. Il classicismo è un sistema, ma il romanticismo no. Il romanticismo ha spinto l'avanzamento dei tempi moderni dal classicismo al sentimentalismo, che mostra la vita interiore di una persona in armonia con il vasto mondo. E il romanticismo oppone l'armonia al mondo interiore. È con il romanticismo che comincia ad apparire il vero psicologismo.

Il compito principale del romanticismo era immagine del mondo interiore, vita mentale, e questo potrebbe essere fatto sulla base di storie, misticismo, ecc. Era necessario mostrare il paradosso di questa vita interiore, la sua irrazionalità.

Nella loro immaginazione, i romantici hanno trasformato la realtà sgradevole o sono entrati nel mondo delle loro esperienze. Il divario tra sogno e realtà, l'opposizione della bella finzione alla realtà oggettiva era al centro dell'intero movimento romantico.

Per la prima volta il romanticismo pone il problema del linguaggio dell'arte. “L'arte è un linguaggio di un tipo completamente diverso dalla natura; ma contiene anche la stessa forza miracolosa che altrettanto segretamente e incomprensibilmente colpisce l'anima umana ”(Wackenroder e Thicke). Un artista è un interprete del linguaggio della natura, un mediatore tra il mondo dello spirito e le persone. “Grazie agli artisti, l'umanità emerge come individualità integrale. Attraverso il presente, gli artisti uniscono il mondo passato con il mondo futuro. Sono il più alto organo spirituale in cui le forze vitali della loro umanità esteriore si incontrano e dove l'umanità interiore si manifesta prima di tutto ”(F. Schlegel).

Tuttavia, il romanticismo non fu una tendenza omogenea: il suo sviluppo ideologico andò in direzioni diverse. Tra i romantici c'erano scrittori reazionari, aderenti al vecchio regime, che glorificavano la monarchia feudale e il cristianesimo. D'altra parte, i romantici con una visione progressista hanno espresso una protesta democratica contro la feudalità e ogni tipo di oppressione, incarnando l'impulso rivoluzionario del popolo per un futuro migliore.

Il romanticismo ha lasciato un'intera epoca nella cultura artistica mondiale, i suoi rappresentanti erano: V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mitskevich e altri; nelle belle arti di E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky e altri; nella musica F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin e altri, scoprirono e svilupparono nuovi generi, prestarono molta attenzione al destino della persona umana, rivelarono la dialettica di bene e male, passioni umane magistralmente rivelate, ecc.

Le forme d'arte nella loro importanza più o meno eguagliarono e produssero magnifiche opere d'arte, sebbene i romantici nella scala delle arti diedero priorità alla musica.

4. EROE ROMANTICO

Chi è l'eroe romantico e com'è?

È un individualista. Un superuomo che ha vissuto in due fasi: prima di scontrarsi con la realtà, vive in uno stato “rosa”, è posseduto dal desiderio di conquista, di cambiare il mondo; dopo aver affrontato la realtà, continua a considerare questo mondo sia volgare che noioso, ma non diventa uno scettico, un pessimista. Con la chiara comprensione che nulla può essere cambiato, il desiderio di azioni eroiche rinasce nel desiderio di pericoli.

I romantici potrebbero dare valore eterno duraturo a ogni piccola cosa, a ogni fatto concreto, a tutto ciò che è singolare. Joseph de Maistre lo chiama "le vie della Provvidenza", Germain de Stael - "il grembo fecondo dell'universo immortale". Chateaubriand ne Il genio del cristianesimo, in un libro dedicato alla storia, indica direttamente Dio come l'inizio del tempo storico. La società appare come un legame incrollabile, "un filo di vita che ci collega ai nostri antenati e che dobbiamo estendere ai nostri discendenti". Solo il cuore di una persona, e non la sua mente, può comprendere e ascoltare la voce del Creatore, attraverso la bellezza della natura, attraverso sentimenti profondi. La natura è divina, è fonte di armonia e potere creativo, le sue metafore sono spesso trasferite dai romantici nel lessico politico. Per i romantici, l'albero diventa un simbolo del clan, dello sviluppo spontaneo, della percezione dei succhi della terra natale, un simbolo di unità nazionale. Più la natura di una persona è innocente e sensibile, più facilmente sente la voce di Dio. Un bambino, una donna, un nobile giovane più spesso di altri percepiscono l'immortalità dell'anima e il valore della vita eterna. La sete di felicità dei romantici non si limita alla ricerca idealistica del Regno di Dio dopo la morte.

Oltre all'amore mistico per Dio, una persona ha bisogno di un vero amore terreno. Incapace di possedere l'oggetto della sua passione, l'eroe romantico divenne un eterno martire, condannato ad aspettare un incontro con la sua amata nell'aldilà, "poiché il grande amore è degno dell'immortalità quando è costato la vita a un uomo".

Un posto speciale nel lavoro dei romantici è occupato dal problema dello sviluppo e dell'educazione dell'individuo. L'infanzia è priva di leggi, i suoi impulsi istantanei violano la morale pubblica, obbedendo alle sue stesse regole di gioco da ragazzi. In un adulto reazioni simili portano alla morte, alla condanna dell'anima. Alla ricerca del regno celeste, una persona deve comprendere le leggi del dovere e della moralità, solo allora può sperare nella vita eterna. Poiché il dovere è dettato ai romantici dal loro desiderio di ottenere la vita eterna, l'adempimento del dovere dà la felicità personale nella sua manifestazione più profonda e più forte. Al dovere morale si aggiunge il dovere dei sentimenti profondi e degli interessi elevati. Senza mescolare i meriti dei diversi sessi, i romantici sostengono l'uguaglianza dello sviluppo spirituale di uomini e donne. Allo stesso modo, il dovere civico è dettato dall'amore per Dio e per le sue istituzioni. L'impegno personale trova il suo completamento in una causa comune, nell'impegno di tutta la nazione, di tutta l'umanità, del mondo intero.

Ogni cultura ha il suo eroe romantico, ma Charles Harold di Byron ha dato una rappresentazione tipica dell'eroe romantico. Ha indossato la maschera del suo eroe (dice che non c'è distanza tra l'eroe e l'autore) ed è riuscito a rispettare il canone romantico.

Tutte le opere romantiche si distinguono per le caratteristiche:

Primo, in ogni opera romantica non c'è distanza tra l'eroe e l'autore.

In secondo luogo, l'autore dell'eroe non giudica, ma anche se si dice qualcosa di negativo su di lui, la trama è così costruita che l'eroe non è da biasimare. La trama in un'opera romantica è solitamente romantica. I romantici costruiscono anche un rapporto speciale con la natura, amano le tempeste, i temporali, i cataclismi.

5. ROMANZO IN RUSSIA.

Il romanticismo in Russia differiva dall'Europa occidentale per una diversa impostazione storica e una diversa tradizione culturale. La Rivoluzione francese non può essere annoverata tra le ragioni del suo verificarsi, poiché una cerchia molto ristretta di persone riponeva ogni speranza nelle trasformazioni nel suo corso. E i risultati della rivoluzione ne hanno completamente deluso. La questione del capitalismo in Russia all'inizio del XIX secolo. non reggeva. Pertanto, non c'era nemmeno una tale ragione. Il vero motivo fu la Guerra Patriottica del 1812, in cui si manifestò tutta la forza dell'iniziativa popolare. Ma dopo la guerra il popolo non ricevette il testamento. Il meglio della nobiltà, insoddisfatto della realtà, arrivò in Piazza del Senato nel dicembre 1825. Anche questo atto non passò senza lasciare traccia per l'intellighenzia creativa. I turbolenti anni del dopoguerra divennero l'ambiente in cui si formò il romanticismo russo.

Il romanticismo, e, inoltre, il nostro, russo, sviluppato e modellato nelle nostre forme originali, il romanticismo non era un semplice fenomeno letterario, ma un fenomeno della vita, un'intera era di sviluppo morale, un'era che aveva il suo colore speciale, ha svolto uno speciale vista nella vita ... Lascia che la tendenza romantica provenga dall'esterno, dalla vita occidentale e dalle letterature occidentali, ha trovato nella natura russa un terreno pronto per la sua percezione, e quindi si è riflesso in fenomeni completamente originali, come il poeta e critico Apollo Grigoriev ha valutato - questo è un fenomeno culturale unico, e le sue caratteristiche mostrano la complessità essenziale del romanticismo, dal cui profondo è emerso il giovane Gogol e con il quale è stato associato non solo all'inizio della sua carriera di scrittore, ma durante tutta la sua vita.

Apollon Grigoriev ha determinato con precisione la natura dell'influenza della scuola romantica sulla letteratura e sulla vita, compresa la prosa di quel tempo: non una semplice influenza o prestito, ma una vita caratteristica e potente e una tendenza letteraria, che ha dato fenomeni completamente originali nel giovane russo letteratura.

a) Letteratura

È consuetudine dividere il romanticismo russo in diversi periodi: iniziale (1801-1815), maturo (1815-1825) e il periodo di sviluppo post-kabrista. Tuttavia, rispetto al periodo iniziale, colpisce la convenzionalità di questo schema. Poiché l'alba del romanticismo russo è associato ai nomi di Zhukovsky e Batyushkov, poeti la cui creatività e attitudine sono difficili da mettere fianco a fianco e confrontare nello stesso periodo, i loro obiettivi, aspirazioni, temperamenti sono così diversi. Nei versi di entrambi i poeti, si può ancora sentire l'influenza imperiosa del passato - l'era del sentimentalismo, ma se Zhukovsky è ancora profondamente radicato in esso, allora Batyushkov è molto più vicino alle nuove tendenze.

Belinsky ha giustamente notato che il lavoro di Zhukovsky è caratterizzato da "lamentele su speranze imperfette che non avevano un nome, tristezza per la felicità perduta, che Dio sa cosa fosse". Infatti, nella persona di Zhukovsky, il romanticismo stava ancora muovendo i primi timidi passi, rendendo omaggio alla malinconia sentimentale e malinconica, al vago, appena percettibile anelito cordiale, in una parola, a quel complesso complesso di sentimenti che nella critica russa fu chiamato "romanticismo". del medioevo».

Nella poesia di Batyushkov regna un'atmosfera completamente diversa: la gioia di essere, la sensualità schietta, un inno al piacere.

Zhukovsky è giustamente considerato un rappresentante di spicco dell'umanesimo estetico russo. Alieno alle forti passioni, il compiacente e mite Zhukovsky era sotto l'influenza notevole delle idee di Rousseau e dei romantici tedeschi. Seguendoli, ha attribuito grande importanza al lato estetico della religione, della morale e delle relazioni sociali. L'arte acquisì un significato religioso da Zhukovsky, si sforzò di vedere nell'arte una "rivelazione" di verità superiori, era "sacro" per lui. I romantici tedeschi sono caratterizzati dall'identificazione tra poesia e religione. Troviamo lo stesso in Zhukovsky, che scrisse: "La poesia è Dio nei santi sogni della terra". Nel romanticismo tedesco, era particolarmente vicino alla gravitazione verso tutto ciò che è al di là, verso il "lato notturno dell'anima", verso l'"inesprimibile" nella natura e nell'uomo. La natura nella poesia di Zhukovsky è circondata dal mistero, i suoi paesaggi sono spettrali e quasi irreali, come riflessi nell'acqua:

Come si fonde l'incenso con la freschezza delle piante!

Com'è dolce nel silenzio sulla riva dei getti gli spruzzi!

Come soffia silenziosamente il marshmallow nelle acque

E il flessibile svolazzante del salice!

L'anima sensibile, gentile e sognatrice di Zhukovsky sembra congelarsi dolcemente sulla soglia di "questa luce misteriosa". Il poeta, come giustamente disse Belinsky, "ama e colomba la sua sofferenza", ma questa sofferenza non morde il suo cuore con ferite crudeli, perché anche nella malinconia e nella tristezza la sua vita interiore è tranquilla e serena. Pertanto, quando, nella sua lettera a Batyushkov, "il figlio della beatitudine e della gioia", chiama il poeta epicureo "parenti della Musa", è difficile credere in questa relazione. Piuttosto, crederemo al virtuoso Zhukovsky, che consiglia amichevolmente il cantante dei piaceri terreni: "Rifiuta la voluttà, i sogni sono fatali!"

Batyushkov è l'opposto di Zhukovsky in tutto. Era un uomo di forti passioni, e la sua vita creativa fu interrotta 35 anni prima della sua esistenza fisica: giovanissimo, precipitò nell'abisso della follia. Si è consegnato a gioie e dolori con uguale forza e passione: nella vita, così come nella sua interpretazione poetica, lui - a differenza di Zhukovsky - era estraneo alla "media aurea". Sebbene la sua poesia sia caratterizzata anche dall'elogio della pura amicizia, la gioia di un "angolo umile", il suo idillio non è affatto modesto e tranquillo, poiché Batiushkov non può immaginarlo senza la languida beatitudine dei piaceri appassionati e dell'ebbrezza della vita. A volte, il poeta è così trascinato dalle gioie sensuali che è pronto a rifiutare incautamente l'opprimente saggezza della scienza:

Può essere vero nelle tristi verità?

Stoici cupi e saggi noiosi

Seduto in abiti funebri,

Tra le macerie e le bare

Troveremo la dolcezza della nostra vita?

Da loro, vedo, gioia

Vola come una farfalla dai cespugli spinosi.

Per loro non c'è fascino nel fascino della natura,

Le vergini non cantano per loro, intrecciandosi in danze rotonde;

Per loro, come per i ciechi,

Primavera senza gioia ed estate senza fiori.

La vera tragedia è raramente ascoltata nelle sue poesie. Solo alla fine della sua vita creativa, quando iniziò a rivelare segni di malattia mentale, fu scritta sotto dettatura una delle sue ultime poesie, in cui sono chiaramente espressi i motivi della vanità della vita terrena:

Ricordi cosa hai detto?

Dire addio alla vita, Melchizedek dai capelli grigi?

Un uomo è nato schiavo

Uno schiavo giacerà nella tomba,

E la morte difficilmente glielo dirà

Perché ha camminato lungo una valle di lacrime meravigliose,

ho sofferto, singhiozzato, sopportato,

In Russia, il romanticismo come tendenza letteraria ha preso forma negli anni Venti del XIX secolo. Le sue origini furono poeti, scrittori di prosa, scrittori e crearono il romanticismo russo, che differiva da quello "occidentale" per il suo carattere nazionale e distintivo. Il romanticismo russo si sviluppò dai poeti della prima metà del diciannovesimo secolo e ogni poeta introdusse qualcosa di nuovo. Il romanticismo russo fu ampiamente sviluppato, acquisì tratti caratteristici e divenne una tendenza indipendente nella letteratura. In "Ruslan e Lyudmila" A.S. Pushkin ha delle battute: "C'è uno spirito russo, c'è un odore di Russia". Lo stesso si può dire del romanticismo russo. Gli eroi delle opere romantiche sono anime poetiche che lottano per l'"alto" e il bello. Ma c'è un mondo ostile che non permette di sentire la libertà, che lascia queste anime incomprensibili. Questo mondo è ruvido, quindi l'anima poetica corre verso un altro, dove c'è un ideale, si sforza per "l'eterno". Il romanticismo si basa su questo conflitto. Ma i poeti trattarono questa situazione in modo diverso. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, partendo da una cosa, costruiscono relazioni tra i loro eroi e il mondo che li circonda in modi diversi, quindi i loro eroi avevano percorsi diversi verso l'ideale.

La realtà è terribile, rude, impudente ed egoista, non c'è posto per i sentimenti, i sogni e i desideri del poeta e dei suoi eroi. "Vero" ed eterno - nell'altro mondo. Da qui il concetto di doppio mondo, il poeta aspira a uno di questi mondi alla ricerca di un ideale.

La posizione di Zhukovsky non era la posizione di una persona che è entrata in una lotta con il mondo esterno, che lo ha sfidato. Era un percorso attraverso l'unità con la natura, un percorso di armonia con la natura, in un mondo eterno e bellissimo. Secondo molti ricercatori (incluso Yu.V. Mann), Zhukovsky esprime la sua comprensione di questo processo di unità in The Inexpressible. L'unità è il volo dell'anima. La bellezza che ti circonda ti riempie l'anima, è in te, e tu sei in essa, l'anima vola, né il tempo né lo spazio esiste, ma tu esisti nella natura, e in questo momento vivi, vuoi cantare di questa bellezza , ma non ci sono parole per esprimere il tuo stato, c'è solo un senso di armonia. Non sei disturbato dalle persone intorno a te, anime prosaiche, più è aperto a te, sei libero.

Pushkin e Lermontov hanno affrontato questo problema del romanticismo in modo diverso. Indubbiamente, l'influenza esercitata da Zhukovsky su Pushkin non poteva che riflettersi nel lavoro di quest'ultimo. Le prime opere di Pushkin erano caratterizzate dal romanticismo "civico". Sotto l'influenza di "Un cantante nel campo dei guerrieri russi" di Zhukovsky e delle opere di Griboedov, Pushkin scrisse l'ode "Libertà", "A Chaadaev". In quest'ultimo, esorta:

"Amico mio! Dedicheremo le nostre anime alla nostra patria con meravigliosi impulsi...". Questo è lo stesso sforzo per l'ideale che aveva Zhukovsky, solo Pushkin capisce l'ideale a modo suo, quindi il percorso del poeta verso l'ideale è diverso. Non vuole e non può aspirare solo all'ideale, il poeta lo chiama. Pushkin guardava la realtà e l'ideale in modo diverso. Questa non può essere definita una rivolta, questa è una riflessione sugli elementi ribelli. Ciò si riflette nell'ode "Il mare". Questa è la forza e la potenza del mare, il mare è libero, ha raggiunto il suo ideale. Anche una persona deve diventare libera, il suo spirito deve essere libero.

La ricerca dell'ideale è la caratteristica principale del romanticismo. Si è manifestato nelle opere di Zhukovsky, in Pushkin e in Lermontov. Tutti e tre i poeti cercavano la libertà, ma la cercavano in modi diversi, la capivano in modo diverso. Zhukovsky cercava la libertà inviata dal "creatore". Dopo aver trovato l'armonia, una persona diventa libera. Per Pushkin, era importante la libertà dello spirito, che dovrebbe manifestarsi in una persona. Per Lermontov, solo l'eroe ribelle è libero. Ribellione per la libertà, cosa c'è di più bello? Questo atteggiamento verso l'ideale è stato preservato nei testi d'amore dei poeti. Secondo me, questo atteggiamento è dovuto al tempo. Sebbene abbiano lavorato tutti quasi nello stesso periodo, il tempo della loro creazione è stato diverso, gli eventi si sono sviluppati con straordinaria rapidità. Anche i personaggi dei poeti hanno fortemente influenzato la loro relazione. Il calmo Zhukovsky e il ribelle Lermontov sono completamente opposti. Ma il romanticismo russo si è sviluppato proprio perché la natura di questi poeti era diversa. Hanno introdotto nuovi concetti, nuovi personaggi, nuovi ideali, hanno dato un'idea completa di cosa sia la libertà, cosa sia la vita reale. Ognuno di loro rappresenta il proprio percorso verso l'ideale, questo è il diritto di scelta per ogni persona.

L'emergere stesso del romanticismo è stato molto inquietante. L'individualità umana si trovava ora al centro del mondo intero. L'io umano cominciò ad essere interpretato come la base e il significato di tutto l'essere. La vita umana cominciò a essere vista come un'opera d'arte, arte. Nel 19° secolo, il romanticismo era molto comune. Ma non tutti i poeti che si definivano romantici trasmettevano l'essenza di questo movimento.

Ora, alla fine del XX secolo, possiamo già classificare i romantici del secolo scorso su questa base in due gruppi. Uno e forse il più vasto gruppo è quello che ha riunito i romantici "formali". È difficile sospettarli di insincerità, al contrario, trasmettono molto accuratamente i loro sentimenti. Tra questi ci sono Dmitry Venevitinov (1805-1827) e Alexander Polezhaev (1804-1838). Questi poeti usarono la forma romantica, ritenendola la più adatta per raggiungere il loro scopo artistico. Quindi, D. Venevitinov scrive:

Sento che brucia in me

Santa fiamma di ispirazione

Ma lo spirito si libra verso la meta oscura...

Troverò una scogliera affidabile?

Dove posso appoggiare saldamente il piede?

Questa è una tipica poesia romantica. Usa il vocabolario romantico tradizionale - sia "fiamma di ispirazione" che "spirito impennato". Così, il poeta descrive i suoi sentimenti. Ma niente di più. Il poeta è vincolato dalla cornice del romanticismo, dalla sua "immagine verbale". Tutto è stato semplificato in una sorta di cliché.

I rappresentanti di un altro gruppo di romantici del XIX secolo, ovviamente, erano A.S. Pushkin e M.Lermontov. Questi poeti, al contrario, riempirono la forma romantica del loro contenuto. Il periodo romantico nella vita di A. Pushkin è stato breve, quindi ha poche opere romantiche. Il prigioniero del Caucaso (1820-1821) è uno dei primi poemi romantici di A.S. Puskin. Davanti a noi c'è una versione classica di un'opera romantica. L'autore non ci dà un ritratto del suo eroe, non sappiamo nemmeno il suo nome. E questo non è sorprendente: tutti gli eroi romantici sono simili tra loro. Sono giovani, belli... e infelici. Anche la trama dell'opera è classicamente romantica. Prigioniero russo dei circassi, una giovane donna circassa si innamora di lui e lo aiuta a fuggire. Ma ama irrimediabilmente un altro ... La poesia finisce tragicamente: la donna circassa si getta nell'acqua e muore, e il russo, liberato dalla prigionia "fisica", cade in un'altra prigionia più dolorosa: la prigionia dell'anima. Cosa sappiamo del passato dell'eroe?

Un lungo viaggio porta in Russia...

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dove abbracciò atroci sofferenze,

Dove la vita tempestosa è rovinata

Speranza, gioia e desiderio.

È venuto nella steppa in cerca di libertà, ha cercato di fuggire dalla sua vita passata. E ora, quando la felicità sembrava così vicina, deve correre di nuovo. Ma dove? Ritorno al mondo dove ha “abbracciato terribili sofferenze”.

Apostata della luce, amica della natura,

Ha lasciato il suo limite nativo

E volò in una terra lontana

Con un allegro fantasma di libertà.

Ma il "fantasma della libertà" è rimasto un fantasma. Perseguiterà per sempre l'eroe romantico. Un'altra poesia romantica è "Gli zingari". In esso, l'autore di nuovo non dà al lettore un ritratto dell'eroe, conosciamo solo il suo nome: Aleko. È venuto al campo per provare il vero piacere, la vera libertà. Per il suo bene, ha abbandonato tutto ciò che in precedenza lo circondava. È diventato libero e felice? Sembrerebbe che Aleko ami, ma con questo sentimento gli arrivano solo sfortuna e disprezzo. Aleko, che tanto desiderava la libertà, non poteva riconoscere la volontà in un'altra persona. In questa poesia si manifestava un'altra delle caratteristiche estremamente caratteristiche della visione del mondo dell'eroe romantico: l'egoismo e la completa incompatibilità con il mondo che lo circonda. Aleko non è punito con la morte, ma peggio: solitudine e dibattito. Era solo nel mondo da cui era fuggito, ma in un altro, tanto desiderato, era rimasto di nuovo solo.

Prima di scrivere Il prigioniero del Caucaso, Pushkin una volta disse: "Non sono adatto a essere l'eroe di una poesia romantica"; tuttavia, allo stesso tempo, nel 1820, Pushkin scrisse la sua poesia "La luce del giorno si spense ...". In esso puoi trovare tutto il vocabolario inerente al romanticismo. Questa è la "costa lontana", e "l'oceano cupo", e "l'eccitazione e il desiderio" che tormentano l'autore. Il ritornello percorre tutta la poesia:

Preoccupati sotto di me, cupo oceano.

È presente non solo nella descrizione della natura, ma anche nella descrizione dei sentimenti dell'eroe.

... Ma i vecchi cuori di ferite,

Ferite profonde d'amore, nulla di guarito...

Rumore, rumore, vela obbediente,

Eccita sotto di me, cupo oceano...

Cioè, la natura diventa un altro personaggio, un altro eroe lirico del poema. Più tardi, nel 1824, Pushkin scrisse la poesia "Al mare". L'autore stesso divenne di nuovo l'eroe romantico, come in "La luce del giorno si spense ...". Qui Pushkin si riferisce al mare come simbolo tradizionale di libertà. Il mare è un elemento, che significa libertà e felicità. Tuttavia, Pushkin costruisce questa poesia inaspettatamente:

Hai aspettato, hai chiamato... ero legato;

La mia anima fu lacerata invano:

Affascinato da una possente passione,

sono rimasto sulla costa...

Possiamo dire che questa poesia completa il periodo romantico della vita di Pushkin. È scritto da un uomo che sa che dopo aver raggiunto la cosiddetta libertà "fisica", l'eroe romantico non diventa felice.

Nei boschi, nei deserti tacciono

mi trasferirò, sono pieno di te,

Le tue rocce, le tue baie...

In questo momento, Pushkin arriva alla conclusione che la vera libertà può esistere solo all'interno di una persona e solo lei può renderla veramente felice.

Una variante del romanticismo di Byron vissuta e sentita nella sua opera prima nella cultura russa Pushkin, poi Lermontov. Pushkin aveva il dono dell'attenzione per le persone, eppure la più romantica delle poesie romantiche nell'opera del grande poeta e scrittore di prosa, senza dubbio, è la Fontana di Bakhchisarai.

La poesia "La fontana di Bakhchisarai" continua ancora solo la ricerca di Pushkin nel genere di una poesia romantica. E non c'è dubbio che ciò è stato impedito dalla morte del grande scrittore russo.

Il tema romantico nell'opera di Pushkin ha ricevuto due versioni diverse: c'è un eroico eroe romantico ("prigioniero", "ladro", "fuggitivo"), caratterizzato da una forte volontà, passato attraverso una prova crudele di passioni violente, e c'è un eroe sofferente in cui le sottili esperienze emotive sono incompatibili con la crudeltà del mondo esterno ("esilio", "prigioniero"). L'inizio passivo nel personaggio romantico ha ora assunto una veste femminile da Pushkin. La Fontana di Bakhchisarai sviluppa proprio questo aspetto dell'eroe romantico.

In "Prigioniero del Caucaso" tutta l'attenzione era rivolta al "prigioniero" e pochissima alla "donna circassa", ora invece - Khan Girey non è altro che una piccola figura drammatica, ma in realtà il personaggio principale è una donna , anche due - Zarema e Maria. La soluzione alla dualità dell'eroe trovata nei poemi precedenti (attraverso l'immagine dei fratelli incatenati) usa anche qui Pushkin: il principio passivo è raffigurato nella persona di due personaggi - il geloso, appassionatamente innamorato Zarema e la triste Maria , che ha perso la speranza e l'amore. Entrambe sono due passioni contrastanti di natura romantica: delusione, sconforto, disperazione e, allo stesso tempo, ardore spirituale, intensità dei sentimenti; la contraddizione è risolta tragicamente nel poema: la morte di Maria non ha portato felicità nemmeno a Zarema, poiché sono collegati da legami misteriosi. Allo stesso modo, in Brothers-Robbers, la morte di uno dei fratelli ha oscurato per sempre la vita dell'altro.

Tuttavia, BV Tomashevsky ha giustamente notato, "l'isolamento lirico del poema ha determinato anche una certa scarsità di contenuto ... La vittoria morale su Zarema non porta a ulteriori conclusioni e riflessioni ... ... le domande poste nel primo sud poesia. La "Fontana Bakhchisarai" non ha una tale continuazione ... "

Pushkin ha tentato e delineato il punto più vulnerabile della posizione romantica di una persona: vuole tutto solo per se stesso.

Anche il poema di Lermontov "Mtsyri" non riflette pienamente le caratteristiche del romanticismo.

Ci sono due eroi romantici in questa poesia, quindi, se è anche una poesia romantica, allora è molto particolare: primo, il secondo eroe è trasmesso dall'autore attraverso l'epigrafe; in secondo luogo, l'autore non si collega a Mtsyri, l'eroe risolve il problema della caparbietà a modo suo e Lermontov, in tutto il poema, pensa solo a risolvere questo problema. Non giudica il suo eroe, ma non giustifica nemmeno, ma prende una certa posizione: la comprensione. Si scopre che il romanticismo nella cultura russa si sta trasformando in pensiero. Si scopre il romanticismo dal punto di vista del realismo.

Possiamo dire che Pushkin e Lermontov non sono riusciti a diventare romantici (tuttavia, Lermontov una volta è riuscito a rispettare le leggi romantiche - nel dramma Masquerade). Attraverso i loro esperimenti, i poeti hanno dimostrato che in Inghilterra la posizione di un individualista potrebbe essere fruttuosa, ma in Russia no. Sebbene Pushkin e Lermontov non riuscissero a diventare romantici, aprirono la strada allo sviluppo del realismo. Nel 1825 fu pubblicata la prima opera realistica: "Boris Godunov", poi "La figlia del capitano", "Eugene Onegin", "Un eroe del nostro tempo" e molti altri.

b) Pittura

Nelle arti visive, il romanticismo si è manifestato più chiaramente nella pittura e nella grafica, meno espressivo nella scultura e nell'architettura. I rappresentanti di spicco del romanticismo nelle arti visive erano i pittori romantici russi. Nelle loro tele, hanno espresso lo spirito dell'amore per la libertà, l'azione attiva, si sono appellati appassionatamente e appassionatamente alla manifestazione dell'umanesimo. Le tele quotidiane dei pittori russi si distinguono per la loro rilevanza e psicologismo, un'espressione senza precedenti. I paesaggi spirituali e malinconici sono di nuovo lo stesso tentativo dei romantici di penetrare nel mondo umano, di mostrare come una persona vive e sogna nel mondo sublunare. La pittura romantica russa era diversa dalla pittura straniera. Ciò è stato determinato sia dall'impostazione storica che dalla tradizione.

Caratteristiche della pittura romantica russa:

L'ideologia educativa si è indebolita ma non è fallita, come in Europa. Pertanto, il romanticismo non è stato pronunciato.

Il romanticismo si sviluppò parallelamente al classicismo, spesso intrecciandosi con esso.

La pittura accademica in Russia non si è ancora esaurita.

Il romanticismo in Russia non era un fenomeno stabile; i romantici erano attratti dall'accademismo. Entro la metà del XIX secolo. la tradizione romantica è quasi estinta.

Opere legate al romanticismo iniziarono ad apparire in Russia già nel 1790 (opere di Feodosiy Yanenko "Viaggiatori catturati dalla tempesta" (1796), "Autoritratto con elmo" (1792). A cavallo tra il XVIII e il XIX secolo . Più tardi, l'influenza di questo artista proto-romantico sarà evidente nell'opera di Alexander Orlovsky. Ladri, scene del fuoco, battaglie hanno accompagnato la sua intera carriera. Come in altri paesi, artisti appartenenti al romanticismo russo hanno introdotto la ritrattistica nei generi classici , paesaggi e scene di genere hanno uno stato d'animo emotivo completamente nuovo.

In Russia, il romanticismo iniziò a manifestarsi dapprima in ritratto dipinto... Nel primo terzo del XIX secolo perse in gran parte il legame con l'aristocrazia nobile. Ritratti di poeti, artisti, mecenati d'arte, rappresentazioni di contadini ordinari iniziarono ad occupare un posto significativo. Questa tendenza si è manifestata particolarmente chiaramente nel lavoro di O.A. Kiprensky (1782 - 1836) e V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Vasily Andreevich Tropinin si è sforzato per una caratterizzazione vivace e libera di una persona, espressa attraverso il suo ritratto. Il ritratto di un figlio (1818), "Ritratto di AS Pushkin" (1827), "Autoritratto" (1846) colpiscono non per la somiglianza del ritratto con gli originali, ma per la loro penetrazione insolitamente sottile nel mondo interiore di un persona.

Ritratto di figlio- Arseny Tropinina è uno dei migliori nell'opera del maestro. Il raffinato, opaco schema di colori dorati ricorda il dipinto di valera del XVIII secolo. Tuttavia, rispetto a un tipico ritratto d'infanzia nel romanticismo del XVIII secolo. qui colpisce l'imparzialità del piano: questo bambino posa in misura molto ridotta. Lo sguardo di Arseny scivola oltre lo spettatore, è vestito casualmente, il colletto è come se fosse stato accidentalmente aperto. La mancanza di rappresentatività risiede nella straordinaria frammentazione della composizione: la testa riempie quasi l'intera superficie della tela, l'immagine è tagliata fino alle clavicole, e quindi il viso del ragazzo è meccanicamente spostato verso lo spettatore.

La storia della creazione è insolitamente interessante "Ritratto di Puskin". Come al solito, per la prima conoscenza di Pushkin, Tropinin venne a casa di Sobolevsky nel parco giochi del cane, dove viveva il poeta in quel momento. L'artista lo ha trovato nel suo ufficio a giocherellare con i cuccioli. Allo stesso tempo, a quanto pare, è stato scritto secondo la prima impressione, che Tropinin ha così apprezzato, un piccolo schizzo. Per molto tempo rimase nascosto ai suoi inseguitori. Solo quasi cento anni dopo, nel 1914, fu pubblicato da P.M. Shchekotov, che ha scritto che di tutti i ritratti di Alexander Sergeevich, "il più trasmette i suoi lineamenti ... gli occhi azzurri del poeta sono pieni di una brillantezza speciale qui, la rotazione della testa è rapida e i tratti del viso sono espressivi e mobili . Indubbiamente, qui vengono catturati i veri tratti del volto di Pushkin, che incontriamo individualmente in uno o nell'altro dei ritratti che ci sono pervenuti. Resta perplesso, - aggiunge Schekotov, - perché questo adorabile schizzo non abbia ricevuto la dovuta attenzione dagli editori e dagli intenditori del poeta. Ciò è spiegato dalle qualità stesse del piccolo studio: non c'era né la brillantezza dei colori, né la bellezza della pennellata, né "rotonde" magistralmente scritte. E Pushkin qui non è un "pentecoste" popolare, non un "genio", ma soprattutto un uomo. Ed è appena possibile analizzare perché la monocromia grigio-verde, scala olivastra, frettolosa, come se i tratti accidentali del pennello di uno schizzo dall'aspetto quasi anonimo contenesse un così grande contenuto umano. Ripercorrendo nella memoria tutta la vita e i successivi ritratti di Pushkin, questo studio sul potere dell'umanità può essere posizionato solo accanto alla figura di Pushkin, scolpita dallo scultore sovietico A. Matveev. Ma questo non era il compito che Tropinin si era prefissato, non il tipo di Pushkin che il suo amico voleva vedere, sebbene avesse ordinato di ritrarre il poeta in una forma semplice e familiare.

Nella valutazione dell'artista, Pushkin era un "poeta zar". Ma era anche un poeta popolare, era suo e caro a tutti. "La somiglianza tra il ritratto e l'originale è sorprendente", scrisse Polevoy alla fine di esso, sebbene notasse l'insufficiente "velocità dello sguardo" e "vivacità dell'espressione sul viso", che cambia e ravviva in Pushkin ad ogni nuova impressione.

Nel ritratto tutto è pensato e verificato nei minimi dettagli, e allo stesso tempo non c'è nulla di deliberato, nulla di introdotto dall'artista. Anche gli anelli che adornano le dita del poeta sono evidenziati tanto quanto lo stesso Pushkin attribuiva loro importanza nella vita. Tra le pittoresche rivelazioni di Tropinin, il ritratto di Pushkin stupisce per la sonorità della sua scala.

Il romanticismo di Tropinin ha origini sentimentali distinte. Fu Tropinin il fondatore del genere, ritratto un po' idealizzato di un uomo del popolo (La merlettaia (1823)). “Sia intenditori che non intenditori, - scrive Svinin a proposito "Pizzo", - rimarrai ammirato guardando questo quadro, che racchiude veramente tutte le bellezze dell'arte pittorica: la piacevolezza del pennello, l'illuminazione corretta e felice, il colore chiaro e naturale, inoltre, questo ritratto rivela l'anima di una bellezza e quello sguardo sornione di curiosità che ha lanciato a qualcuno quello che è entrato in quel momento. Le sue mani, nude per il gomito, si fermarono con lo sguardo, il lavoro si fermò, un sospiro sfuggì da un seno vergine, coperto da un fazzoletto di mussola - e tutto questo è raffigurato con tale verità e semplicità che questo quadro può essere facilmente preso per l'opera di maggior successo del glorioso Sogno. Gli elementi accessori, come un cuscino in pizzo e un asciugamano, sono disposti con grande arte e rifiniti con finalità ... "

All'inizio del XIX secolo, Tver era un importante centro culturale della Russia. Tutte le persone eccezionali di Mosca sono state qui per serate letterarie. Qui il giovane Orest Kiprensky incontrò A.S. Pushkin, il cui ritratto, dipinto in seguito, divenne la perla dell'arte del ritratto mondiale, e A.S. Pushkin gli dedicherà poesie, dove lo chiamerà "il tesoro della moda dalle ali leggere". Ritratto di Pushkin Il pennello di O. Kiprensky è una personificazione vivente del genio poetico. Nel giro deciso del capo, nelle braccia incrociate vigorosamente sul petto, un sentimento di indipendenza e libertà si riflette nell'intero aspetto del poeta. Fu su di lui che Pushkin disse: "Mi vedo come in uno specchio, ma questo specchio mi lusinga". Nel lavoro sul ritratto di Pushkin, Tropinin e Kiprensky si incontrano per l'ultima volta, sebbene questo incontro non avvenga con i propri occhi, ma molti anni dopo nella storia dell'arte, dove, di regola, due ritratti del più grande poeta russo sono confrontati, creati contemporaneamente, ma in luoghi diversi - uno a Mosca. Un altro a San Pietroburgo. Ora questo è un incontro di maestri altrettanto grandi nella loro importanza per l'arte russa. Sebbene gli ammiratori di Kiprensky sostengano che i vantaggi artistici siano dalla parte del suo ritratto romantico, in cui il poeta è raffigurato immerso nei propri pensieri, solo con la musa, la nazionalità e il democratismo dell'immagine sono certamente dalla parte del "Pushkin" di Tropininsky .

Così, due ritratti riflettevano due tendenze dell'arte russa, concentrate in due capitali. E i critici scriveranno in seguito che Tropinin era per Mosca ciò che Kiprensky era per Pietroburgo.

Una caratteristica distintiva dei ritratti di Kiprensky è che mostrano il fascino spirituale e la nobiltà interiore di una persona. Il ritratto di un eroe, coraggioso e forte nei sentimenti, doveva incarnare il pathos degli stati d'animo amanti della libertà e patriottici di una persona russa avanzata.

Nella porta d'ingresso "Ritratto di E.V. Davydov"(1809) mostra la figura di un ufficiale che esprimeva direttamente l'espressione di quel culto di una personalità forte e coraggiosa, tipica del romanticismo di quegli anni. Il paesaggio mostrato in modo frammentario, dove un raggio di luce combatte contro l'oscurità, allude alle ansie mentali dell'eroe, ma sul suo volto c'è un riflesso di una sensibilità sognante. Kiprensky cercava "umano" in una persona e l'ideale non gli sottraeva i tratti personali del modello.

I ritratti di Kiprensky, se li guardi con gli occhi della mente, mostrano la ricchezza spirituale e naturale di una persona, la sua forza intellettuale. Sì, aveva l'ideale di una personalità armoniosa, che è stato discusso anche dai suoi contemporanei, ma Kiprensky non ha cercato di proiettare letteralmente questo ideale su un'immagine artistica. Nel creare un'immagine artistica, ha proceduto dalla natura, come se misurasse quanto sia lontana o vicina a un tale ideale. In effetti, molti di quelli da lui raffigurati sono sulla soglia dell'ideale, sono spinti verso di esso, ma l'ideale stesso, secondo le idee dell'estetica romantica, è difficilmente realizzabile e tutta l'arte romantica è solo un percorso verso di esso.

Rilevando le contraddizioni nelle anime dei suoi eroi, mostrandole nei momenti ansiosi della vita, quando il destino cambia, le idee precedenti si rompono, la giovinezza se ne va, ecc., Kiprensky sembra vivere insieme ai suoi modelli. Quindi - un coinvolgimento speciale del ritrattista nell'interpretazione delle immagini artistiche, che conferisce al ritratto un'ombra piena di sentimento.

Nel primo periodo del lavoro di Kiprensky, non vedrai persone infettate dallo scetticismo, dall'analisi che corrode l'anima. Questo verrà più tardi, quando il tempo romantico sopravvive al suo autunno, lasciando il posto ad altri stati d'animo e sentimenti, quando crolleranno le speranze per il trionfo dell'ideale di una personalità armoniosa. In tutti i ritratti del 1800 e nei ritratti realizzati a Tver, Kiprensky ha un pennello audace che costruisce facilmente e liberamente una forma. La complessità delle tecniche, il carattere della figura cambiava di pezzo in pezzo.

È interessante notare che sui volti dei suoi eroi non vedrai l'euforia eroica, al contrario, la maggior parte dei volti sono piuttosto tristi, si abbandonano alle riflessioni. Sembra che queste persone siano preoccupate per le sorti di Rossi, pensano al futuro più che al presente. Nei personaggi femminili che rappresentano le mogli e le sorelle dei partecipanti a eventi significativi, anche Kiprensky non si sforzò di una deliberata euforia eroica. Prevale la sensazione di facilità, naturalezza. Del resto in tutti i ritratti c'è tanta vera nobiltà dell'anima. Le immagini delle donne attraggono con la loro modesta dignità, l'integrità della natura; nei volti degli uomini si intuisce un pensiero curioso, una disponibilità all'ascesi. Queste immagini coincidevano con la maturazione delle idee etiche ed estetiche dei Decembristi. I loro pensieri e aspirazioni furono poi condivisi da molti (la creazione di società segrete con determinati programmi sociali e politici cade nel periodo 1816-1821), l'artista ne era a conoscenza, e quindi si può dire che i suoi ritratti di partecipanti alle vicende di 1812-1814, immagini di contadini, create negli stessi anni - una sorta di parallelo artistico ai concetti emergenti del decabrismo.

Contrassegnato con il timbro luminoso dell'ideale romantico "Ritratto di V.A. Zhukovsky"(1816). L'artista, realizzando un ritratto commissionato da S.S. Uvarov, concepì per mostrare ai contemporanei non solo l'immagine del poeta, che era ben noto nei circoli letterari, ma anche per dimostrare una certa comprensione della personalità del poeta romantico. Davanti a noi c'è il tipo di poeta che ha espresso la direzione filosofica e sognante del romanticismo russo. Kiprensky ha introdotto Zhukovsky in un momento di ispirazione creativa. Il vento scompigliava i capelli del poeta, gli alberi schizzavano in modo allarmante con i loro rami nella notte, le rovine di antichi edifici sono appena visibili. Ecco come sembrava il creatore di ballate romantiche. I colori scuri accentuano l'atmosfera del misterioso. Su consiglio di Uvarov, Kiprensky non finisce di dipingere singoli frammenti del ritratto, in modo che "l'eccessiva completezza" non estingue lo spirito, il temperamento e l'emotività.

Molti ritratti sono stati dipinti da Kiprensky a Tver. Inoltre, quando dipinse Ivan Petrovich Wulf, proprietario terriero di Tver, guardava con commozione la ragazza che gli stava di fronte, sua nipote, la futura Anna Petrovna Kern, alla quale era dedicata una delle opere liriche più accattivanti - la poesia di AS Pushkin “Ricordo un momento meraviglioso .. ". Tali associazioni di poeti, artisti, musicisti sono diventate la manifestazione di una nuova direzione nell'arte: il romanticismo.

Il "Giovane giardiniere" di Kiprensky (1817), "Mezzogiorno italiano" di Bryullov (1827), "I mietitori" o "Il mietitore" (1820) di Venetsianov sono opere della stessa serie tipologica. Sono orientati verso la natura e sono stati scritti esplicitamente con il suo uso. ciascuno degli artisti - per incarnare la perfezione estetica di una natura semplice - ha portato a una certa idealizzazione di immagini, vestiti, situazioni per creare un'immagine-metafora. Osservando la vita, la natura, l'artista la ripensava, poeticizzando i maestri visibili, dando vita a immagini che prima non erano note all'arte, ed è una delle caratteristiche del romanticismo della prima metà del XIX secolo. ... "Ritratto di padre (A. K. Schwalbe)"(1804) è stato dipinto da Orest Kiprensky di genere artistico e ritratto in particolare.

I risultati più significativi del romanticismo russo sono le opere nel genere del ritratto. Gli esempi più brillanti e migliori di romanticismo risalgono al primo periodo. Molto prima del suo viaggio in Italia, nel 1816, Kiprensky, interiormente pronto per un'incarnazione del mondo romantico, vide i dipinti dei vecchi maestri con occhi nuovi. Colori scuri, figure evidenziate dalla luce, colori accesi, dramma intenso hanno avuto una forte influenza su di lui. "Ritratto di padre" è stato senza dubbio ispirato da Rembrandt. Ma l'artista russo ha preso solo tecniche esterne dal grande olandese. "Ritratto di padre" è un'opera assolutamente indipendente, dotata di una propria energia interiore e forza espressiva artistica. Una caratteristica distintiva dei ritratti di album è la vivacità della loro esecuzione. Non c'è immagine: il trasferimento istantaneo di ciò che ha visto su carta crea una freschezza unica di espressione grafica. Pertanto, le persone raffigurate nelle immagini ci sembrano vicine e comprensibili.

Gli stranieri chiamavano Kiprensky il russo Van Dyck, i suoi ritratti sono in molti musei in tutto il mondo. Il successore del lavoro di Levitsky e Borovikovsky, il predecessore di L. Ivanov e K. Bryullov, Kiprensky ha dato fama europea alla scuola d'arte russa con il suo lavoro. Nelle parole di Alexander Ivanov, "fu il primo a portare il nome russo in Europa ...".

Il crescente interesse per la personalità di una persona, caratteristico del romanticismo, ha predeterminato la fioritura del genere del ritratto nella prima metà del XIX secolo, dove l'autoritratto è diventato la caratteristica dominante. Di norma, la creazione di un autoritratto non è stata un episodio casuale. Gli artisti si scrivevano e si dipingevano ripetutamente e queste opere diventavano una sorta di diario che rifletteva vari stati dell'anima e fasi della vita e, allo stesso tempo, erano un manifesto rivolto ai loro contemporanei. Auto ritratto non era un genere di costume, l'artista scriveva per sé e qui, come mai prima, si liberava nell'espressione di sé. Nel XVIII secolo, gli artisti russi raramente dipingevano immagini d'autore, solo il romanticismo con il suo culto dell'individuo, l'esclusivo, ha contribuito all'ascesa di questo genere. La varietà dei tipi di autoritratti riflette la percezione degli artisti stessi come una personalità ricca e sfaccettata. A volte appaiono nel ruolo consueto e naturale del creatore ("Autoritratto con berretto di velluto" di AG Varnek, 1810), quindi si tuffano nel passato, come se lo provassero su se stessi ("Autoritratto con elmo" e corazza" di FI Yanenko , 1792), o, più spesso, appare senza alcun attributo professionale, affermando il significato e il valore intrinseco di ogni persona, liberata e aperta al mondo, che cerca e si precipita, come, ad esempio, FA Bruni e OA Orlovsky negli autoritratti del 1810. La disponibilità al dialogo e all'apertura, caratteristica della soluzione figurativa delle opere degli anni 1810-1820, sono gradualmente sostituite da stanchezza e delusione, immersione, ritiro in se stessi ("Autoritratto" di M. I. Terebenev). Questa tendenza si è riflessa nello sviluppo del genere del ritratto in generale.

Sono comparsi autoritratti di Kiprensky, che vale la pena notare, nei momenti critici della vita, hanno testimoniato l'aumento o la caduta della forza mentale. Attraverso la sua arte, l'artista guardava a se stesso. Allo stesso tempo, non usava uno specchio, come la maggior parte dei pittori; scriveva principalmente di sé sulla base della rappresentazione, voleva esprimere il suo spirito, ma non il suo aspetto.

“Autoritratto con pennelli dietro l'orecchio” costruito sul rifiuto, e chiaramente dimostrativo, nella glorificazione esteriore dell'immagine, della sua normatività classica e costruzione ideale. I tratti del viso sono approssimativamente delineati, in generale. La luce laterale cade sul viso, evidenziando solo le caratteristiche laterali. Singoli riflessi di luce cadono sulla figura dell'artista, spenti sul panneggio appena distinguibile che rappresenta lo sfondo del ritratto. Tutto qui è subordinato all'espressione della vita, dei sentimenti, degli stati d'animo. È uno sguardo all'arte romantica attraverso l'arte dell'autoritratto. Il coinvolgimento dell'artista nei segreti della creatività si esprime nel misterioso romantico "sfumato del XIX secolo". Un particolare tono verdastro crea un'atmosfera speciale del mondo artistico, al centro del quale c'è l'artista stesso.

Quasi contemporaneamente a questo autoritratto è stato scritto e "Autoritratto con fazzoletto rosa" dove si incarna un'altra immagine. Senza riferimento diretto alla professione di pittore. L'immagine di un giovane che si sente a suo agio, naturalmente, libero è stata ricreata. La pittoresca superficie della tela è costruita in modo sottile. Il pennello dell'artista applica le vernici con sicurezza. Lasciando piccoli e grandi tratti. Il colore è superbamente sviluppato, i colori sono spenti, armoniosamente combinati tra loro, l'illuminazione è pacata: la luce si riversa dolcemente sul viso del giovane, delineandone i lineamenti, senza inutili espressioni e deformazioni.

Un altro pittore eccezionale fu Venetsianov. Nel 1811 ricevette il titolo di Accademico dall'Accademia, nominato per "Autoritratto" e "Ritratto di K. Golovachevsky con tre studenti dell'Accademia delle Arti". Questi sono lavori eccezionali.

La vera bravura di Venetsianov si è dichiarata in "Auto ritratto" 1811 anno. È stato dipinto in modo diverso rispetto agli altri artisti che si dipingevano in quel momento: A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek e persino il servo V. Tropinin. Era comune per tutti immaginarsi in un'aureola romantica, i loro autoritratti erano una sorta di opposizione poetica all'ambiente. L'unicità della natura artistica si manifestava nella postura, nei gesti e nell'insolito di un costume appositamente concepito. Nell'"Autoritratto" di Venetsianov, i ricercatori notano, prima di tutto, l'espressione rigorosa e tesa di una persona impegnata ... La corretta efficienza, che differisce dall'ostentata "negligenza artistica" indicata dalle vestaglie o dai berretti civettuolamente spostati di altri artisti. Venizianov si guarda sobrio. L'arte per lui non è un impulso ispirato, ma soprattutto una materia che richiede concentrazione e attenzione. Di piccole dimensioni, quasi monocromo nei toni olivastri, scritto con estrema precisione, è semplice e complesso allo stesso tempo. Non attraendo con il lato esterno della pittura, si ferma con lo sguardo. I bordi idealmente sottili della sottile montatura in oro degli occhiali non nascondono, ma piuttosto enfatizzano la nitidezza degli occhi, non tanto diretti alla natura (l'artista si è ritratto con una tavolozza e un pennello tra le mani), ma nella profondità dei propri pensieri. Un'ampia fronte ampia, il lato destro del viso, illuminato da luce diretta, e il davanti di una camicia bianca formano un triangolo luminoso, attirando principalmente l'occhio dello spettatore, che nell'istante successivo, seguendo il movimento della mano destra che regge un sottile pennello, scorre verso il basso fino alla tavolozza. Ciocche di capelli ondulate, fiocchi di una cornice lucida, una cravatta allentata attorno al colletto, una linea morbida delle spalle e, infine, un ampio semicerchio della tavolozza formano un sistema mobile di linee lisce e fluide, all'interno del quale ci sono tre punti principali: minuscolo bagliore delle pupille, e l'estremità appuntita del davanti della camicia, quasi chiusa con tavolozza e pennello. Un tale calcolo quasi matematico nel costruire la composizione di un ritratto conferisce all'immagine una parziale compostezza interiore e fa supporre che l'autore abbia una mente analitica, incline al pensiero scientifico. In "Autoritratto" non c'è traccia di alcun romanticismo, che era allora così frequente quando gli artisti si rappresentavano. Questo è un autoritratto di un artista-ricercatore, artista-pensatore e gran lavoratore.

Un altro pezzo - ritratto di Golovachevsky- concepito come una sorta di composizione della trama: la vecchia generazione di maestri dell'Accademia, rappresentata dal vecchio ispettore, dà istruzioni ai talenti in crescita: un pittore (con una cartella di disegni. Un architetto e uno scultore. interpreta agli adolescenti alcuni pagina letta nel libro. La sincerità dell'espressione trova sostegno nella struttura pittoresca dell'immagine: i suoi toni colorati tenui, sottilmente e splendidamente armonizzati creano un'impressione di serenità e serietà. Volti splendidamente dipinti pieni di significato interiore. Il ritratto era uno dei le più alte conquiste della ritrattistica russa.

E nell'opera di Orlovsky nel 1800 compaiono i ritratti, per lo più sotto forma di disegni. Nel 1809 esiste un foglio di ritratto così ricco di emozioni come "Auto ritratto"... Riempito con un delizioso tocco libero di sanguigna e carboncino (illuminato con gesso), l'Autoritratto di Orlovsky attrae con la sua integrità artistica, l'immagine caratteristica, l'abilità artistica dell'esecuzione. Allo stesso tempo, ci permette di discernere alcuni degli aspetti peculiari dell'arte di Orlovsky. L'“Autoritratto” di Orlovsky non ha certo l'obiettivo di riprodurre fedelmente l'aspetto tipico dell'artista di quegli anni. Davanti a noi - in molti modi deliberato. L'aspetto esagerato di un “artista” che oppone il proprio “io” alla realtà circostante, non gli interessa la “decenza” del suo aspetto: un pettine e una spazzola non hanno toccato i suoi capelli rigogliosi, sulla sua spalla c'è il bordo di un mantello a scacchi proprio sopra una maglia da casa con un colletto aperto. Una brusca svolta della testa con uno sguardo "cupo" da sotto le sopracciglia spostate, un primo piano di un ritratto in cui il viso è raffigurato in primo piano, contrasti di luce - tutto ciò è finalizzato a ottenere l'effetto principale dell'opposizione la persona raffigurata all'ambiente (e quindi allo spettatore).

Il pathos dell'affermazione dell'individualità - una delle caratteristiche più progressiste nell'arte di quel tempo - costituisce il principale tono ideologico ed emotivo del ritratto, ma appare in un aspetto peculiare che quasi non si trova nell'arte russa di quel periodo. L'affermazione della personalità passa non tanto attraverso la rivelazione della ricchezza del suo mondo interiore, quanto piuttosto attraverso un modo più esterno di rifiutare tutto ciò che la circonda. Allo stesso tempo, l'immagine appare indubbiamente impoverita, limitata.

Tali soluzioni sono difficili da trovare nell'arte ritrattistica russa di quel tempo, dove già a metà del XVIII secolo i motivi civili e umanistici suonavano rumorosamente e la personalità di una persona non ha mai rotto i forti legami con l'ambiente. Sognando un ordine sociale migliore e democratico, i migliori popoli della Russia di quell'epoca non si staccarono affatto dalla realtà, rifiutarono deliberatamente il culto individualistico della "libertà personale" che fiorì sul suolo dell'Europa occidentale, strappato dai borghesi rivoluzione. Ciò si è manifestato chiaramente come un riflesso dei fattori reali nella ritrattistica russa. Basta confrontare l'Autoritratto di Orlovsky con il simultaneo "Auto ritratto" Kiprensky (ad esempio, 1809), così che fu subito evidente una seria differenza interna tra i due ritrattisti.

Kiprensky anche "eroi" la personalità di una persona, ma mostra i suoi veri valori interiori. Nel volto dell'artista, lo spettatore distingue le caratteristiche di una mente forte, carattere, purezza morale.

L'intero aspetto di Kiprensky è ricoperto da una straordinaria nobiltà e umanità. È in grado di distinguere tra "bene" e "male" nel mondo che lo circonda e, rifiutando il secondo, ama e apprezza il primo, ama e apprezza le persone che la pensano allo stesso modo. Allo stesso tempo, abbiamo, indubbiamente, una forte individualità, orgogliosi della consapevolezza del valore delle proprie qualità personali. Esattamente lo stesso concetto dell'immagine del ritratto è alla base del famoso ritratto eroico di D. Davydov di Kiprensky.

Orlovsky, rispetto a Kiprensky, così come ad alcuni altri ritrattisti russi dell'epoca, risolve in modo più limitato, più diretto ed esteriore l'immagine di una "personalità forte", concentrandosi chiaramente sull'arte della Francia borghese. Quando guardi il suo "Autoritratto", vengono in mente involontariamente i ritratti di A. Gro e Gericault. Il profilo di Orlovsky "Autoritratto" del 1810, con il suo culto della "forza interiore" individualista, tuttavia, privo della già dura forma "abbozzata" di "Autoritratto" del 1809 o "Ritratto di Duport". In quest'ultimo, Orlovsky, proprio come in Autoritratto, usa una posa spettacolare, "eroica" con un movimento netto, quasi incrociato della testa e delle spalle. Sottolinea la struttura irregolare del viso di Duport, i suoi capelli arruffati, con l'obiettivo di creare un'immagine del ritratto che sia autosufficiente nel suo carattere unico e casuale.

"Il paesaggio dovrebbe essere un ritratto", - ha scritto K. N. Batyushkov. Questo atteggiamento è stato seguito nel loro lavoro dalla maggior parte degli artisti che si sono rivolti al genere. paesaggio. Tra le ovvie eccezioni che gravitavano verso il fantastico paesaggio c'erano A.O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("Veduta nei dintorni di Roma", 1809); P. V. Basin ("Il cielo al tramonto nelle vicinanze di Roma", "Paesaggio serale", entrambi - 1820). Creando tipi specifici, hanno mantenuto l'immediatezza della sensazione, la saturazione emotiva, raggiungendo il suono monumentale con tecniche compositive.

Il giovane Orlrvsky vedeva nella natura solo forze titaniche, non soggette alla volontà dell'uomo, capaci di causare catastrofi, disastri. La lotta dell'uomo con l'elemento marino impetuoso è uno dei temi preferiti dell'artista del suo periodo romantico "ribelle". Divenne il contenuto dei suoi disegni, acquerelli e dipinti ad olio dal 1809 al 1810. la scena tragica è mostrata nella foto "Naufragio"(1809 (?)). Nel buio pesto che cadeva a terra, tra le onde impetuose, i pescatori annegati si arrampicano freneticamente sulle scogliere costiere su cui si è schiantata la loro nave. Il colore, sostenuto in forti toni rossastri, esalta la sensazione di ansia. Terribili incursioni di potenti onde, che prefigurano una tempesta, e in un'altra immagine - "In riva al mare"(1809). Svolge anche un enorme ruolo emotivo nel cielo tempestoso, che occupa la maggior parte della composizione. Sebbene Orlovsky non conoscesse l'arte della prospettiva aerea, la graduale transizione dei piani è stata risolta qui in modo più armonioso e morbido. Il colore è diventato più chiaro. Le macchie rosse dei vestiti dei pescatori giocano magnificamente su uno sfondo bruno-rossastro. Elemento marino irrequieto e inquietante ad acquerello "Barca a vela"(circa 1812). E anche quando il vento non fa svolazzare la vela e non increspa la superficie dell'acqua, come nell'acquerello "Panorama con navi"(1810 circa), lo spettatore non lascia premonizione che una tempesta seguirà la calma.

Nonostante tutto il dramma e l'eccitazione emotiva, i paesaggi marini di Orlovsky non sono tanto il frutto delle sue osservazioni dei fenomeni atmosferici quanto il risultato dell'imitazione diretta dei classici dell'arte. In particolare, J. Vernet.

I paesaggi di S.F.Shchedrin avevano un carattere diverso. Sono pieni dell'armonia della convivenza tra uomo e natura ("Terrazza sul mare. Cappuccini presso Sorrento", 1827). Le numerose vedute di Napoli e dei dintorni del suo pennello godettero di straordinario successo e popolarità.

La creazione di un'immagine romantica di San Pietroburgo nella pittura russa è associata al lavoro di M. N. Vorobiev. Sulle sue tele, la città appariva avvolta da misteriose nebbie di Pietroburgo, una morbida foschia di notti bianche e un'atmosfera satura di umidità marina, dove i contorni degli edifici vengono cancellati e la luce della luna completa il sacramento. Lo stesso inizio lirico contraddistingue le vedute dei dintorni di San Pietroburgo da lui eseguite ("Tramonto nei dintorni di San Pietroburgo", 1832). Ma la capitale settentrionale è stata vista dagli artisti in modo diverso, drammatico, come un'arena di collisione e lotta di elementi naturali (V. Ye. Raev "Colonna di Alessandro durante un temporale", 1834).

Nei brillanti dipinti di I.K. Tuttavia, un grande posto nell'eredità del maestro è occupato da paesaggi marini notturni dedicati a luoghi specifici in cui la tempesta lascia il posto alla magia della notte, un tempo che, secondo le opinioni dei romantici, è pieno di una misteriosa vita interiore, e dove la ricerca pittorica dell'artista è finalizzata all'estrazione di straordinari effetti di luce ("Veduta di Odessa in una notte di luna", "Veduta di Costantinopoli al chiaro di luna", entrambi - 1846).

Il tema degli elementi naturali e della persona colta di sorpresa, tema prediletto dell'arte romantica, è stato interpretato in modi diversi dagli artisti dell'Ottocento-1850. Le opere erano basate su eventi reali, ma il significato delle immagini non è nella loro rilettura oggettiva. Un tipico esempio è il dipinto di Pyotr Basin "Il terremoto di Rocca di Papa vicino a Roma"(1830). È dedicato non tanto alla descrizione di un evento specifico quanto all'immagine di paura e orrore di una persona che si trova di fronte alla manifestazione degli elementi.

Le figure di spicco della pittura russa di quest'epoca furono K.P. Bryullov (1799-1852) e A.A. Ivanov (1806 - 1858). Il pittore e disegnatore russo K.P. Bryullov, mentre era ancora uno studente dell'Accademia delle Arti, padroneggiava l'incomparabile abilità del disegno. La creatività Bryullov è solitamente divisa in prima "L'ultimo giorno di Pompei" e dopo. Cosa è stato creato prima….?!

“Mattina italiana” (1823), “Ermilia dai pastori” (1824) tratto dal poema “Liberazione di Gerusalemme” di Torquatto Tasso, “Mezzogiorno italiano” (“Donna italiana che toglie l'uva”, 1827), “Amazzone” (1830 ), "Bathsheba" (1832) - tutti questi dipinti sono intrisi di una gioia di vivere luminosa e non mascherata. Tali opere erano in sintonia con i primi versi epicurei di Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. Il vecchio stile, basato sull'imitazione di grandi maestri, non soddisfaceva Bryullov e dipinse "Mattina italiana", "Mezzogiorno italiano", "Bathsheba" all'aperto.

Lavorando sul ritratto, Bryullov dipinse solo la testa dal vero. Tutto il resto gli era spesso dettato dalla sua immaginazione. Il frutto di tale libera improvvisazione creativa è "Cavaliere". La cosa principale nel ritratto è il contrasto di un animale arrossato e fluttuante con narici dilatate e occhi scintillanti e un cavaliere aggraziato che trattiene con calma l'energia stupefatta del cavallo (addomesticare gli animali è un tema preferito degli scultori classici, lo decise Bryullov nella pittura).

V "Basabea" l'artista usa il racconto biblico come pretesto per mostrare il corpo nudo all'aria aperta e per trasmettere giochi di luce e riflessi sulla pelle chiara. A Betsabea creò l'immagine di una giovane donna piena di gioia e felicità. Il corpo nudo risplende e risplende circondato da verdi olivastri, vestiti di ciliegia, un serbatoio trasparente. Le morbide forme elastiche del corpo si combinano magnificamente con il tessuto sbiancante e il colore cioccolato della donna araba che serve Bathsheba. Le linee fluide di corpi, laghetti, tessuti danno alla composizione dell'immagine un ritmo regolare.

La pittura è diventata una nuova parola nella pittura "L'ultimo giorno di Pompei"(1827-1833). Ha reso il nome dell'artista immortale e molto famoso durante la sua vita.

La sua trama, a quanto pare, fu scelta sotto l'influenza del fratello Alessandro, che studiò intensamente le rovine pompeiane. Ma le ragioni della pittura sono più profonde. Gogol se ne accorse e Herzen disse senza mezzi termini che in L'ultimo giorno di Pompei, forse, un riflesso inconscio dei pensieri e dei sentimenti dell'artista, causato dalla sconfitta della rivolta decabrista in Russia, trovava il loro posto. Non senza ragione, tra le vittime degli elementi infuriati nel morente Pompeo, Bryullov ha collocato il suo autoritratto e ha dato le caratteristiche dei suoi conoscenti russi ad altri personaggi nella foto.

Anche l'entourage italiano di Bryullov ha avuto un ruolo, che potrebbe raccontargli le tempeste rivoluzionarie che hanno investito l'Italia negli anni precedenti, il triste destino dei Carbonari negli anni della reazione.

Il grandioso quadro della morte di Pompei è intriso dello spirito dello storicismo, mostra il passaggio da un'epoca storica all'altra, la soppressione dell'antico paganesimo e l'inizio di una nuova fede cristiana.

L'artista percepisce il corso della storia in modo drammatico, il cambiamento delle epoche come uno shock per l'umanità. Al centro della composizione, una donna caduta da un carro e caduta a morte apparentemente personificava la fine del mondo antico. Ma l'artista ha messo un bambino vivo vicino al corpo della madre. Raffigurando bambini e genitori, un giovane e un'anziana, una madre, figli e un padre decrepito, l'artista ha mostrato vecchie generazioni che stanno entrando nella storia e nuove che verranno a sostituirle. La nascita di una nuova era sulle macerie di un vecchio mondo che si sgretola nella polvere è il vero tema della pittura di Bryullov. Nonostante le svolte che la storia porta, l'esistenza dell'uomo non si ferma e la sua sete di vita rimane immutabile. Questa è l'idea alla base di The Last Day of Pompeii. Questa immagine è un inno alla bellezza dell'umanità, che rimane immortale in tutti i cicli della storia.

La tela fu esposta nel 1833 all'Esposizione d'Arte di Milano, suscitò un turbinio di reazioni entusiastiche. L'Italia logora è stata conquistata. L'allievo di Bryullov G. G. Gagarin testimonia: “Questa grande opera ha suscitato in Italia un entusiasmo sconfinato. Le città in cui il dipinto era esposto organizzavano ricevimenti cerimoniali per l'artista, gli venivano dedicate poesie, veniva portato per le strade con musica, fiori e fiaccole ... Ovunque veniva accolto con onore come un noto genio trionfante, compreso e apprezzato da tutti».

Lo scrittore inglese Walter Scott (un rappresentante della letteratura romantica, famoso per i suoi romanzi storici) trascorse un'ora nello studio di Bryullov, di cui disse che questa non era un'immagine, ma un'intera poesia. Le Accademie d'Arte di Milano, Firenze, Bologna e Parma hanno eletto il pittore russo membro onorario.

La tela di Bryullov ha suscitato reazioni entusiaste da Pushkin e Gogol.

Il Vesuvio aprì la bocca - il fumo si riversò in una fiamma di mazza

Si è sviluppato ampiamente come uno stendardo di battaglia.

La terra è agitata - dalle colonne traballanti

Gli idoli stanno cadendo! ..

Pushkin ha scritto sotto l'impressione dell'immagine.

A partire da Bryullov, i punti di svolta nella storia sono diventati il ​​soggetto principale della pittura storica russa, dove sono state raffigurate grandiose scene popolari, in cui ogni persona è partecipante a un dramma storico, dove non c'è principale o secondario.

"Pompeia" appartiene, in generale, al classicismo. L'artista ha rivelato magistralmente la plasticità del corpo umano sulla tela. Tutti i movimenti mentali delle persone sono stati trasmessi da Bryullov principalmente nel linguaggio della plastica. Le figure individuali, date in un movimento tempestoso, sono raccolte in gruppi equilibrati e congelati. Lampi di luce accentuano le forme dei corpi e non creano forti effetti pittorici. Tuttavia, la composizione del quadro, che ha un forte sfondamento al centro, raffigurante un evento straordinario nella vita di Pompei, è stata ispirata dal romanticismo.

Il romanticismo in Russia come percezione del mondo è esistito nella sua prima ondata dalla fine del XVIII secolo al 1850. La linea del romantico nell'arte russa non si è conclusa nel 1850. Aperto dai romantici per l'arte, il tema dello stato di avanzamento si sviluppò più tardi tra gli artisti della "Rosa Azzurra". Gli eredi diretti dei romantici furono senza dubbio i simbolisti. Temi romantici, motivi, tecniche espressive sono entrati nell'arte di diversi stili, tendenze, associazioni creative. La prospettiva romantica o visione del mondo si è rivelata una delle più vivaci, tenaci e fruttuose.

Il romanticismo come atteggiamento generale, caratteristico principalmente dei giovani, come ricerca dell'ideale e della libertà creativa, vive ancora costantemente nell'arte mondiale.

c) Musica

Il romanticismo nella sua forma più pura è un fenomeno dell'arte dell'Europa occidentale. Nella musica russa del XIX secolo. da Glinka a Tchaikovsky, le caratteristiche del classicismo erano combinate con le caratteristiche del romanticismo, l'elemento principale era un principio nazionale brillante e distintivo. Il romanticismo in Russia ha dato un'inaspettata crescita quando questa tendenza sembrava essere un ricordo del passato. Due compositori del XX secolo, Skrjabin e Rachmaninov, hanno nuovamente fatto rivivere caratteristiche del romanticismo come il volo sfrenato della fantasia e la sincerità dei testi. Pertanto, il XIX secolo. chiamato il secolo dei classici della musica.

Il tempo (1812, l'insurrezione decabrista, la reazione che ne seguì) lasciò un'impronta sulla musica. Qualunque sia il genere che scegliamo - romance, opera, balletto, musica da camera - ovunque i compositori russi hanno pronunciato la loro nuova parola.

La musica della Russia, con tutta la sua eleganza da salotto e la stretta aderenza alle tradizioni dello strumentale professionale, inclusa la scrittura sinfonica-sonata, si basa sul colore modale unico e sulla struttura ritmica del folklore russo. Alcuni - ampiamente basati sulla canzone di tutti i giorni, altri - su forme originali di suonare la musica, e altri ancora - sull'antica modalità degli antichi modi contadini russi.

L'inizio del XIX secolo - sono gli anni del primo e luminoso fiorire del genere romance. Fino ad ora, i testi umili e sinceri suonano e soddisfano gli ascoltatori Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Ha scritto romanzi sui versi di molti poeti, ma sono immortali "Usignolo" ai versi di Delvig, "Strada invernale", "Ti amo" ai versi di Puskin.

Aleksandr Egorovich Varlamov (1801-1848) ha scritto musica per spettacoli drammatici, ma lo conosciamo meglio dai romanzi famosi “Prendisole rosso”, “All'alba non mi svegli”, “La vela solitaria è bianca”.

Aleksandr Lvovich Gurilev (1803-1858)- compositore, pianista, violinista e insegnante, possiede romanzi come "La campana suona monotona", "All'alba della giovinezza nebbiosa" e così via.

Il posto più importante qui è occupato dai romanzi di Glinka. Nessun altro aveva ancora raggiunto una fusione così naturale della musica con la poesia di Pushkin e Zhukovsky.

Michail Ivanovich Glinka (1804-1857)- un contemporaneo di Pushkin (5 anni più giovane di Alexander Sergeevich), un classico della letteratura russa, divenne il fondatore dei classici musicali. Il suo lavoro è uno dei vertici della cultura musicale russa e mondiale. Combina armoniosamente la ricchezza della musica popolare e le più alte conquiste della composizione. La creatività realistica profondamente popolare di Glinka rifletteva la potente fioritura della cultura russa nella prima metà del XIX secolo, associata alla guerra patriottica del 1812 e al movimento decabrista. Luce, carattere che afferma la vita, armonia delle forme, bellezza delle melodie espressive, varietà, brillantezza e sottigliezza delle armonie sono le qualità più preziose della musica di Glinka. Alla famosa opera "Ivan Susanin"(1836) l'idea del patriottismo popolare fu brillantemente espressa; la grandezza morale del popolo russo è glorificata nell'opera fiabesca " Ruslan e Ludmila"... Opere orchestrali di Glinka: "Valzer-Fantasy", "Notte a Madrid" e specialmente "Kamarinskaja", costituiscono la base della sinfonia classica russa. Notevole per la potenza espressiva drammatica e la brillantezza delle caratteristiche della musica alla tragedia "Principe Kholmsky". I testi vocali di Glinka (romanze "Ricordo un momento meraviglioso", "Dubbio") è un'incarnazione insuperabile della poesia russa nella musica.

6. ROMANZO DELL'EUROPA OCCIDENTALE

un dipinto

Se l'antenato del classicismo era la Francia, allora "per trovare le radici ... della scuola romantica", scrisse uno dei suoi contemporanei, "dovremmo andare in Germania. È nata lì, e lì hanno sviluppato i loro gusti moderni romantici italiani e francesi”.

In frantumi Germania non conosceva l'ondata rivoluzionaria. Molti dei romantici tedeschi erano estranei al pathos delle idee sociali avanzate. Hanno idealizzato il Medioevo. Si arresero a impulsi emotivi inspiegabili, parlarono dell'abbandono della vita umana. L'arte di molti di loro era passiva e contemplativa. Hanno creato le loro migliori opere nel campo del ritratto e della pittura di paesaggio.

Un eccezionale ritrattista fu Otto Runge (1777-1810). I ritratti di questo maestro, con calma esteriore, stupiscono per la loro intensa e tesa vita interiore.

L'immagine del poeta romantico è vista da Runge in "Auto ritratto". Si esamina attentamente e vede un giovane dai capelli scuri, dagli occhi scuri, serio, pieno di energia, premuroso, egocentrico e volitivo. L'artista romantico vuole conoscere se stesso. Il modo in cui il ritratto è eseguito è veloce e travolgente, come se l'energia spirituale del creatore dovesse essere convogliata nella trama dell'opera; nella scala dei colori scuri compaiono i contrasti di chiaro e scuro. Il contrasto è una tecnica pittorica caratteristica dei maestri romantici.

Un artista romantico cercherà sempre di catturare il gioco mutevole degli stati d'animo di una persona, di guardare nella sua anima. E a questo proposito, i ritratti dei bambini serviranno come materiale fertile per lui. V ritratto dei bambini di Hulsenbeck(1805) Runge non solo trasmette la vivacità e la spontaneità del carattere di un bambino, ma trova anche un metodo speciale per un'atmosfera leggera, che delizia le scoperte all'aperto del 2 ° piano. XIX secolo. Lo sfondo dell'immagine è un paesaggio, che testimonia non solo il dono coloristico dell'artista, un ammirevole atteggiamento nei confronti della natura, ma anche l'emergere di nuovi problemi nella riproduzione magistrale delle relazioni spaziali, le sfumature chiare degli oggetti all'aperto. Il maestro romantico, desiderando fondere il suo "io" con la vastità dell'Universo, si sforza di catturare l'aspetto sensualmente tangibile della natura. Ma con questa sensualità dell'immagine preferisce vedere il simbolo del grande mondo, l'“idea d'artista”.

Runge, uno dei primi artisti romantici, si è posto il compito di sintetizzare le arti: pittura, scultura, architettura, musica. Si supponeva che il suono d'insieme delle arti esprimesse l'unità delle forze divine del mondo, ogni particella delle quali simboleggiava il cosmo nel suo insieme. L'artista fantastica, rafforzando il suo concetto filosofico con le idee del famoso pensatore tedesco 1° piano. XVII secolo Jacob Boehme. Il mondo è una specie di tutto mistico, ogni cui parte esprime il tutto. Questa idea è legata ai romantici dell'intero continente europeo. In forma di versi, il poeta e artista inglese William Blake si esprime così:

Guarda l'eternità in un momento

Un mondo enorme in uno specchio di sabbia

In una sola manciata - infinito

E il cielo è nella coppa di un fiore.

Il ciclo di Runge, o, come lo chiamava lui, "fantastico poema musicale" "Le stagioni del giorno"- mattina, mezzogiorno, notte, è un'espressione di questo concetto. Ha lasciato in poesia e in prosa una spiegazione del suo modello concettuale del mondo. L'immagine di una persona, il paesaggio, la luce e il colore sono simboli del ciclo sempre mutevole della vita naturale e umana.

Un altro eccezionale pittore romantico tedesco, Caspar David Friedrich (1774-1840), preferiva il paesaggio a tutti gli altri generi e durante i suoi settant'anni di vita dipinse solo immagini della natura. Il motivo principale del lavoro di Friedrich è l'idea dell'unità dell'uomo e della natura.

“Ascolta la voce della natura che parla dentro di noi”, istruisce l'artista ai suoi studenti. Il mondo interiore di una persona personifica l'infinito dell'Universo, quindi, dopo aver ascoltato se stesso, una persona è in grado di comprendere le profondità spirituali del mondo.

La posizione di ascolto determina la forma fondamentale della “comunicazione” umana con la natura e la sua immagine. Questa è la grandezza, il mistero o l'illuminazione della natura e lo stato cosciente dell'osservatore. È vero, molto spesso Friedrich non consente a una figura di "entrare" nello spazio paesaggistico dei suoi dipinti, ma nella sottile penetrazione della struttura immaginativa delle distese che si diffondono, si avverte la presenza di un sentimento, l'esperienza di una persona. Il soggettivismo nella rappresentazione di un paesaggio entra nell'arte solo con la creatività dei romantici, prefigurando la rivelazione lirica della natura da parte dei maestri del 2 ° sesso. XIX secolo. I ricercatori notano nelle opere di Friedrich "espansione del repertorio" di motivi paesaggistici. L'autore è interessato al mare, alle montagne, ai boschi e alle varie sfumature dello stato di natura nei diversi periodi dell'anno e della giornata.

1811-1812 segnato dalla creazione di una serie di paesaggi montani come risultato del viaggio dell'artista in montagna. "Mattina in montagna" rappresenta pittorescamente una nuova realtà naturale che nasce sotto i raggi del sole nascente. I toni malva li avvolgono e li privano di volume e peso materico. Gli anni della battaglia con Napoleone (1812-1813) orientarono Federico verso temi patriottici. Illustrando, traendo ispirazione dal dramma di Kleist, scrive "Tomba di Arminio"- un paesaggio con le tombe di antichi eroi germanici.

Federico era un ottimo maestro di paesaggi marini: "Età", "Il sorgere della luna sul mare", "La morte di" Speranza "nel ghiaccio".

Le ultime opere dell'artista - "Rest in the Field", "Big Swamp" e "Remembrance of the Giant Mountains", "Giant Mountains" - una serie di creste montuose e pietre nel piano oscurato in primo piano. Questo, a quanto pare, è un ritorno al sentimento sperimentato della vittoria di una persona su se stesso, la gioia dell'ascensione alla "cima del mondo", una ricerca di vette luminose e invitte. I sentimenti dell'artista compongono questi massicci montuosi in modo speciale, e di nuovo si legge il movimento dal buio dei primi passi alla luce futura. La vetta della montagna sullo sfondo è evidenziata come il centro delle aspirazioni spirituali del maestro. Il dipinto è molto associativo, come ogni creazione di romantici, e suggerisce diversi livelli di lettura e interpretazione.

Friedrich è precisissimo nel disegno, musicalmente armonioso nella costruzione ritmica dei suoi quadri, in cui cerca di parlare con emozioni di colore ed effetti di luce. “A molti viene dato poco, a pochi viene dato molto. L'anima della natura si apre a tutti in modo diverso. Pertanto, nessuno osa trasferire la sua esperienza e le sue regole a un altro come legge vincolante e incondizionata. Nessuno è il metro di giudizio per tutti. Ognuno porta in sé una misura solo per se stesso e per le nature più o meno affini a se stesso "- questa riflessione del maestro dimostra la straordinaria integrità della sua vita interiore e della sua creatività. L'unicità dell'artista è palpabile solo nella libertà del suo lavoro: questo è ciò che rappresenta il romantico Friedrich.

Sembra più formale differenziare con artisti - "classici" - rappresentanti del classicismo di un altro ramo della pittura romantica in Germania - i Nazareni. Fondata a Vienna e stabilita a Roma (1809-1810), l'Unione di San Luca unì i maestri con l'idea di far rivivere l'arte monumentale di questioni religiose. Il Medioevo è stato un periodo storico preferito dai romantici. Ma nella loro ricerca artistica, i Nazareni si sono rivolti alle tradizioni pittoriche del primo Rinascimento in Italia e in Germania. Overbeck e Geforr avviarono una nuova alleanza, alla quale si unirono in seguito Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld e Faith Fürich.

Questo movimento dei Nazareni corrispondeva alle loro forme di confronto con i classicisti accademici in Francia, Italia, Inghilterra. Ad esempio, in Francia, i cosiddetti artisti primitivisti sono emersi dalla bottega di David, in Inghilterra, i preraffaelliti. Nello spirito della tradizione romantica, consideravano l'arte come "espressione del tempo", "lo spirito del popolo", ma le loro preferenze tematiche o formali, che all'inizio suonavano come uno slogan per l'unificazione, dopo qualche tempo si trasformarono negli stessi principi dottrinari di quelli dell'Accademia, che hanno respinto.

L'arte del romanticismo in Francia sviluppato in modi speciali. La prima cosa che lo distingueva da movimenti simili in altri paesi era il suo carattere offensivo attivo ("rivoluzionario"). Poeti, scrittori, musicisti, artisti hanno difeso le loro posizioni non solo creando nuove opere, ma anche partecipando a polemiche su riviste e giornali, che i ricercatori descrivono come una “battaglia romantica”. Nella polemica romantica, i famosi V. Hugo, Stendhal, Georges Sand, Berlioz e molti altri scrittori, compositori e giornalisti francesi "affilavano le loro penne".

La pittura romantica in Francia si pone come opposizione alla scuola classicista di David, l'arte accademica, chiamata in generale "scuola". Ma questo va inteso in modo più ampio: era l'opposizione all'ideologia ufficiale dell'epoca della reazione, una protesta contro la sua ristrettezza borghese. Da qui la natura patetica delle opere romantiche, la loro nervosa eccitazione, la gravitazione verso motivi esotici, verso trame storiche e letterarie, verso tutto ciò che può allontanare dalla "noiosa quotidianità", da qui questo gioco di immaginazione, e talvolta, al contrario, di fantasticare e completa mancanza di attività.

Rappresentanti della “scuola”, accademici, si ribellarono soprattutto al linguaggio dei romantici: il loro colore caldo concitato, il loro modellamento della forma, non quello usuale per i “classici”, statuario-plastico, ma costruito su forti contrasti di colore macchie; il loro design espressivo, abbandonando deliberatamente la precisione e lo smalto classico; la loro composizione audace, a volte caotica, priva di maestà e di incrollabile tranquillità. Ingres, l'implacabile nemico dei romantici, fino alla fine della sua vita disse che Delacroix "scriveva con una scopa pazza", e Delacroix accusò Ingres e tutti gli artisti della "scuola" di freddezza, razionalità, mancanza di movimento, che non scrivere, ma "dipingi" i tuoi quadri. Ma non è stato un semplice scontro tra due individui brillanti e completamente diversi, è stata una lotta tra due diverse visioni del mondo artistico.

Questa lotta durò per quasi mezzo secolo, il romanticismo nell'arte vinse vittorie non facilmente e non immediatamente, e il primo artista di questa tendenza fu Theodore Gericault (1791-1824) - un maestro di forme monumentali eroiche, che combinò nel suo lavoro sia il classicismo caratteristiche e caratteristiche del romanticismo stesso e, infine, un potente inizio realistico, che ha avuto un enorme impatto sull'arte del realismo a metà del XIX secolo. Ma durante la sua vita, è stato apprezzato solo da pochi amici intimi.

I primi brillanti successi del romanticismo sono associati al nome di Theodore Zhariko. Già nei suoi primi dipinti (ritratti di militari, immagini di cavalli), gli antichi ideali si ritiravano davanti alla percezione diretta della vita.

Nel salone nel 1812 Gericault mostra un dipinto "Ufficiale dei ranger dei cavalli imperiali durante l'attacco." Fu l'anno dell'apogeo della gloria napoleonica e della potenza militare della Francia.

La composizione dell'immagine presenta il cavaliere in una prospettiva insolita di un momento "improvviso", quando il cavallo si è impennato e il cavaliere, mantenendo la posizione quasi verticale del cavallo, si è girato verso lo spettatore. L'immagine di un tale momento di instabilità, impossibilità di postura aumenta l'effetto del movimento. Il cavallo ha un punto di appoggio, deve cadere a terra, avvitarsi nella lotta che lo ha portato a tale stato. Molto convergeva in questo lavoro: la fede incondizionata di Gericault nella possibilità di possedere una persona da sola, l'amore appassionato per l'immagine dei cavalli e il coraggio di un maestro alle prime armi nel mostrare ciò che prima poteva essere trasmesso solo dalla musica o dal linguaggio della poesia - il brivido della battaglia, l'inizio di un attacco, la tensione estrema delle forze di un essere vivente... Il giovane autore ha costruito la sua immagine sulla trasmissione della dinamica del movimento, ed era importante per lui sintonizzare lo spettatore sulla "congettura", per finire di dipingere con "visione interiore" e un senso di ciò che voleva rappresentare.

La tradizione di tali dinamiche di narrazione pittorica del romanzo in Francia praticamente non esisteva, tranne nei rilievi dei templi gotici, perché quando Gericault arrivò per la prima volta in Italia, rimase sbalordito dal potere nascosto delle composizioni di Michelangelo. "Stavo tremando", scrive, "ho dubitato di me stesso e per molto tempo non sono riuscito a riprendermi da questa esperienza". Ma già prima nei suoi articoli polemici Stendhal aveva indicato Michelangelo come il precursore di una nuova tendenza stilistica nell'arte.

La pittura di Gericault ha annunciato non solo la nascita di un nuovo talento artistico, ma ha anche reso omaggio all'entusiasmo e alla delusione dell'autore per le idee di Napoleone. Diverse altre opere sono legate a questo argomento: “ Ufficiale dei Carabinieri ”,“Ufficiale del Corazziere prima dell'Attacco ”,“Ritratto dell'Arma dei Carabinieri ”,“Il Corazziere Ferito”.

Nel trattato "Riflessione sullo stato della pittura in Francia" scrive che "il lusso e le arti sono diventati ... una necessità e, per così dire, cibo per l'immaginazione, che è la seconda vita di una persona civile ... i bisogni sono soddisfatti quando arriva l'abbondanza. Un uomo, liberato dalle preoccupazioni quotidiane, iniziò a cercare il piacere per liberarsi dalla noia, che inevitabilmente lo avrebbe raggiunto nel mezzo della contentezza.

Questa comprensione del ruolo educativo e umanistico dell'arte fu dimostrata da Gericault dopo il ritorno dall'Italia nel 1818 - iniziò a dedicarsi alla litografia, replicando una varietà di argomenti, tra cui la sconfitta di Napoleone ( "Ritorno dalla Russia").

Allo stesso tempo, l'artista si rivolge alla rappresentazione della morte della fregata "Medusa" al largo delle coste dell'Africa, che ha entusiasmato l'allora società. Il disastro fu dovuto alla colpa di un capitano inesperto, che fu nominato al posto sotto il patronato. I passeggeri sopravvissuti della nave, il chirurgo Savigny e l'ingegnere Correar, hanno parlato in dettaglio dell'incidente.

La nave morente è riuscita a gettare la zattera, sulla quale è arrivata una manciata di persone salvate. Per dodici giorni furono trasportati sul mare in tempesta, finché non furono salvati dalla nave "Argus".

Gericault era interessato alla situazione di estrema tensione delle forze umane spirituali e fisiche. Il dipinto raffigurava i 15 passeggeri sopravvissuti sulla zattera quando videro l'Argus all'orizzonte. Medusa "zattera" fu il risultato di un lungo lavoro preparatorio da parte dell'artista. Ha realizzato molti schizzi del mare in tempesta, ritratti di persone salvate in ospedale. All'inizio, Gericault voleva mostrare la lotta delle persone su una zattera tra loro, ma poi si stabilì sul comportamento eroico dei vincitori dell'elemento marino e sulla negligenza dello stato. Le persone hanno sopportato coraggiosamente la sfortuna e la speranza di salvezza non le ha abbandonate: ogni gruppo sulla zattera ha le sue caratteristiche. Nel costruire la composizione, Gericault sceglie un punto di vista dall'alto, che gli ha permesso di combinare la copertura panoramica dello spazio (sono visibili le distanze del mare) e di raffigurare, molto vicini al primo piano, tutti gli abitanti della zattera. Il movimento si basa sul contrasto delle figure che giacciono impotenti in primo piano e quelle impetuose del gruppo che danno segnali alla nave che passa. La chiarezza del ritmo della crescita delle dinamiche da gruppo a gruppo, la bellezza dei corpi nudi, la colorazione scura dell'immagine danno una certa nota alla convenzionalità dell'immagine. Ma questa non è l'essenza della questione per lo spettatore che percepisce, per il quale la convenzionalità del linguaggio aiuta persino a capire e sentire la cosa principale: la capacità di una persona di combattere e vincere. L'oceano ruggisce. La vela geme. Le corde stanno suonando. La zattera si sta rompendo. Il vento spinge le onde e fa a brandelli le nuvole nere.

Non è questa stessa Francia, sospinta dalla tempesta della storia? - pensò Eugene Delacroix, in piedi davanti al quadro. "La zattera di" Medusa "ha scosso Delacroix, ha pianto e, come un pazzo, si è precipitato fuori dal laboratorio di Gericault, che ha spesso visitato.

L'arte di David non conosceva tali passioni.

Ma la vita di Gericault finì tragicamente presto (era malato terminale dopo essere caduto da cavallo) e molti dei suoi piani rimasero incompiuti.

L'innovazione di Gericault ha aperto nuove possibilità per trasmettere il movimento che eccitava i romantici, i sentimenti latenti di una persona e l'espressività testurizzata coloristica dell'immagine.

Il successore di Gericault nella sua ricerca fu Eugene Delacroix. È vero, Delacroix è stato rilasciato il doppio della durata della sua vita, ed è riuscito non solo a dimostrare la correttezza del romanticismo, ma anche a benedire una nuova direzione nella pittura, il 2 ° piano. XIX secolo. - impressionismo.

Prima di iniziare a scrivere da solo, Eugene studiò alla scuola di Lerain: dipinse dal vero, copiò al Louvre i grandi Rubens, Rembrandt, Veronese, Tiziano ... Il giovane artista lavorava 10-12 ore al giorno. Ricordava le parole del grande Michelangelo: "La pittura è un'amante gelosa, richiede tutta la persona..."

Delacroix, dopo i discorsi dimostrativi di Gericault, era ben consapevole che nell'arte erano giunti tempi di forte sconvolgimento emotivo. In primo luogo, cerca di comprendere una nuova era per lui attraverso note trame letterarie. La sua foto Dante e Virgilio presentato nel salone nel 1822 è un tentativo attraverso le immagini storico associative di due poeti: l'antichità - Virgilio e il Rinascimento - Dante - di guardare al calderone bollente, "l'inferno" dell'era moderna. Una volta nella sua "Divina Commedia" Dante prese Virgilio come sua guida in tutte le sfere (cielo, inferno, purgatorio). Nell'opera di Dante, un nuovo mondo rinascimentale è sorto attraverso l'esperienza del Medioevo nella memoria dell'antichità. Il simbolo del romantico come sintesi di antichità, rinascimento e medioevo nasce nell'“orrore” delle visioni di Dante e Virgilio. Ma una complessa allegoria filosofica si è rivelata una buona illustrazione emotiva dell'era prerinascimentale e un capolavoro letterario immortale.

Delacroix cercherà di trovare una risposta diretta nei cuori dei suoi contemporanei attraverso il proprio dolore. Ardenti di libertà e di odio per gli oppressori, i giovani di quel tempo simpatizzano con la guerra di liberazione della Grecia. Il romantico bardo d'Inghilterra, Byron, sta andando a combattere. Delacroix vede il significato della nuova era nella rappresentazione di un evento storico più concreto: la lotta e la sofferenza della Grecia amante della libertà. Si sofferma sulla trama della morte della popolazione dell'isola greca di Chios, catturata dai turchi. Al Salon del 1824, Delacroix espone un quadro “Massacro nell'isola di Chios”. sullo sfondo della distesa infinita di terreno collinare. Sempre urlando per il fumo delle conflagrazioni e della battaglia senza sosta, l'artista mostra diversi gruppi di donne e bambini feriti ed esausti. Rimasero con gli ultimi minuti di libertà prima dell'avvicinarsi dei nemici. Un turco su un cavallo impennato sulla destra sembra incombere su tutto il primo piano e sui tanti sofferenti che ci sono. Bellissimi corpi, volti di persone piene. A proposito, Delacroix scriverà in seguito che la scultura greca è stata trasformata dagli artisti in geroglifici, nascondendo la vera bellezza greca del viso e della figura. Ma, rivelando la “bellezza dell'anima” nei volti dei greci sconfitti, il pittore drammatizza gli eventi che stanno avvenendo, che per mantenere un unico ritmo dinamico di tensione, va alla deformazione degli angoli del fico . Questi "errori" erano già stati "risolti" dall'opera di Gericault, ma Delacroix dimostra ancora una volta il credo romantico che la pittura "non è la verità della situazione, ma la verità del sentimento".

Nel 1824 Delacroix perse il suo amico e maestro - Gericault. E divenne il leader del nuovo dipinto.

Gli anni passarono. Una per una sono apparse le immagini: "La Grecia sulle rovine di Missalunga", "Morte di Sardanapalo" e altri L'artista è diventato un emarginato nei circoli ufficiali dell'artista. Ma la rivoluzione di luglio del 1830 cambiò la situazione. Accende l'artista con il romanticismo delle vittorie e dei successi. Dipinge un quadro “Libertà sulle barricate”.

Nel 1831, al Salon di Parigi, i francesi videro per la prima volta il dipinto di Eugene Delacroix "Libertà sulle barricate", dedicato ai "tre giorni gloriosi" della Rivoluzione di luglio del 1830. Con la sua potenza, democrazia e audacia della soluzione artistica, la tela ha fatto una straordinaria impressione sui contemporanei. Secondo la leggenda, un rispettabile borghese esclamò: “Dici: il capo della scuola? Meglio dire: il capo della ribellione! " Chiuso il Salon, il governo, spaventato dal formidabile e stimolante appello che emanava il dipinto, si affrettò a restituirlo all'autore. Durante la rivoluzione del 1848, fu nuovamente esposta al pubblico al Palazzo del Lussemburgo. E lo hanno restituito di nuovo all'artista. Solo dopo che la tela fu esposta all'Esposizione Mondiale di Parigi nel 1855, finì al Louvre. Ospita ancora questa una delle migliori creazioni del romanticismo francese - un testimone oculare ispirato e un monumento eterno alla lotta del popolo per la propria libertà.

Quale linguaggio artistico ha trovato il giovane romantico francese per fondere insieme questi due principi apparentemente opposti: una generalizzazione ampia e totalizzante e una realtà concreta, crudele nella sua nudità?

Parigi delle famose giornate di luglio del 1830. L'aria è satura di fumo grigio e polvere. Una città bella e maestosa che scompare in una foschia di polvere. In lontananza, appena percettibili, ma orgogliose, si ergono le torri della Cattedrale di Notre Dame - un simbolo di storia, cultura e spirito del popolo francese. Da lì, dalla città fumosa, sulle rovine delle barricate, sui cadaveri dei loro compagni morti, i ribelli si fanno avanti ostinati e risoluti. Ognuno di loro può morire, ma il passo dei ribelli è incrollabile: sono ispirati dalla volontà di vittoria, di libertà.

Questo potere ispiratore è incarnato nell'immagine di una bella giovane donna, in un impulso appassionato che la chiama. Con energia inesauribile, rapidità di movimento libera e giovanile, è come la dea greca

La vittoria di Nike. La sua figura forte è vestita con un abito di chitone, il suo viso dai lineamenti perfetti, con gli occhi luminosi, è rivolto ai ribelli. In una mano tiene la bandiera tricolore della Francia, nell'altra una pistola. Sulla testa c'è un berretto frigio - un antico simbolo di liberazione dalla schiavitù. Il suo passo è rapido e leggero: è così che camminano le dee. Allo stesso tempo, l'immagine di una donna è reale: è la figlia del popolo francese. Lei è la forza guida del movimento del gruppo sulle barricate. Da esso, come da una fonte di luce al centro dell'energia, si irradiano raggi che si caricano di sete e di volontà di vittoria. Coloro che vi sono vicini, ciascuno a modo suo, esprimono il loro coinvolgimento in questa chiamata ispiratrice e ispiratrice.

Sulla destra c'è un ragazzo, un gameman parigino che brandisce pistole. È il più vicino a Freedom ed è in qualche modo acceso dal suo entusiasmo e dalla gioia di un impulso libero. Con un movimento rapido e fanciullesco impaziente, è persino leggermente più avanti del suo ispiratore. Questo è il predecessore del mitico Gavroche, ritratto vent'anni dopo da Victor Hugo in I miserabili: “Gavroche, pieno di ispirazione, raggiante, si è assunto il compito di mettere in moto tutto. Correva avanti e indietro, saliva, scendeva

giù, risorgeva, faceva rumore, scintillava di gioia. Sembrerebbe che sia venuto qui per rallegrare tutti. Aveva qualche incentivo per questo? Sì, certo, la sua povertà. Aveva le ali? Sì, certo, la sua allegria. Era una specie di vortice. Sembrava riempire l'aria, essendo presente ovunque allo stesso tempo ... Enormi barricate lo sentivano sul loro crinale. "

Gavroche nella pittura di Delacroix è la personificazione della giovinezza, "un meraviglioso impulso", una gioiosa accettazione dell'idea luminosa di Libertà. Due immagini - Gavroche e Svoboda - sembrano completarsi a vicenda: una è un fuoco, l'altra è una torcia accesa da esso. Heinrich Heine ha parlato della vivace risposta che la figura di Gavroche ha suscitato dai parigini. "Accidenti! gridò un droghiere "Questi ragazzi hanno combattuto come giganti!"

Sulla sinistra c'è uno studente con una pistola. In precedenza, era visto come un autoritratto dell'artista. Questo ribelle non è veloce come Gavroche. Il suo movimento è più contenuto, più concentrato, significativo. Le mani afferrano con sicurezza la canna della pistola, il viso esprime coraggio, ferma determinazione a resistere fino alla fine. Questa è un'immagine profondamente tragica. Lo studente si rende conto dell'inevitabilità delle perdite che subiranno i ribelli, ma le vittime non lo spaventano: la volontà di libertà è più forte. Un lavoratore altrettanto coraggioso e determinato con una sciabola sta dietro di lui. C'è un uomo ferito ai piedi della Libertà. Si rialza a fatica per guardare ancora una volta in alto, alla Libertà, per vedere e sentire con tutto il cuore la bellezza per cui perisce. Questa figura porta un inizio drammatico al suono della tela di Delacroix. Se le immagini di Gavroche, Svoboda, uno studente, un lavoratore sono quasi simboli, l'incarnazione della volontà inflessibile dei combattenti per la libertà - ispirano e chiamano lo spettatore, allora il ferito fa appello alla compassione. L'uomo dice addio alla Libertà, dice addio alla vita. È ancora un impulso, un movimento, ma già un impulso sbiadito.

La sua figura è di transizione. Lo sguardo dello spettatore, ancora stregato e rapito dalla determinazione rivoluzionaria dei ribelli, scende ai piedi della barricata, ricoperto dai corpi dei gloriosi caduti. La morte è presentata dall'artista in tutta la nudità e l'evidenza del fatto. Vediamo i volti azzurri dei morti, i loro corpi nudi: la lotta è spietata, e la morte è la stessa inevitabile compagna dei ribelli, come la bella ispiratrice Freedom.

Ma non proprio lo stesso! Dalla terribile vista sul bordo inferiore dell'immagine, alziamo di nuovo lo sguardo e vediamo una giovane bella figura - no! la vita vince! L'idea di libertà, incarnata in modo così visibile e tangibile, è così diretta nel futuro che la morte in suo nome non è terribile.

L'artista raffigura solo un piccolo gruppo di ribelli, vivi e morti. Ma i difensori della barricata sembrano insolitamente numerosi. La composizione è costruita in modo tale che il gruppo dei combattenti non sia limitato, non chiuso in sé. Lei è solo una parte di una valanga infinita di persone. L'artista dà, per così dire, un frammento di un gruppo: la cornice taglia le figure da sinistra, destra, in basso.

Di solito, il colore nelle opere di Delacroix acquisisce un suono acutamente emotivo, gioca un ruolo dominante nella creazione di un effetto drammatico. I colori, ora impetuosi, ora sbiaditi, ovattati, creano un'atmosfera tesa. In Libertà sulle barricate, Delacroix si discosta da questo principio. In modo molto accurato, scegliendo inconfondibilmente la vernice, applicandola con ampi tratti, l'artista trasmette l'atmosfera della battaglia.

Ma la combinazione di colori è contenuta. Delacroix si concentra sulla modellazione in rilievo della forma. Ciò era richiesto dalla soluzione figurativa del quadro. Dopotutto, raffigurando uno specifico evento di ieri, l'artista ha anche creato un monumento a questo evento. Pertanto, le figure sono quasi scultoree. Pertanto, ogni personaggio, essendo parte di un'unica immagine intera, è anche qualcosa di chiuso in sé, è un simbolo che è stato gettato in una forma completa. Pertanto, il colore non solo influenza emotivamente i sentimenti dello spettatore, ma ha anche un carico simbolico. In uno spazio grigio-brunastro, qua e là, una solenne triade di lampi rossi, blu, bianchi - i colori della bandiera della Rivoluzione francese del 1789. La ripetizione ripetuta di questi colori sostiene il potente accordo della bandiera tricolore che sventola sulle barricate.

Il dipinto di Delacroix "Libertà sulle barricate" è un'opera complessa e grandiosa nella sua portata. Combina l'affidabilità di un fatto visto direttamente e il simbolismo delle immagini; realismo, raggiungendo il naturalismo brutale e la bellezza perfetta; grossolano, terribile e sublime, puro.

Il dipinto "Libertà sulle barricate" consolidò la vittoria del romanticismo nella pittura francese. Negli anni '30, altri due dipinti storici: "Battaglia di Poitiers" e “L'assassinio del Vescovo di Liegi”.

Nel 1822 l'artista visitò il Nord Africa, il Marocco, l'Algeria. Il viaggio gli fece un'impressione indelebile. Negli anni '50, nelle sue opere apparvero dei dipinti, ispirati ai ricordi di questo viaggio: "Caccia al leone", "Il marocchino che sella un cavallo" ecc. Un colore brillante e contrastante crea un suono romantico per queste immagini. In essi appare la tecnica di un'ampia pennellata.

Delacroix, come un romantico, ha registrato lo stato della sua anima non solo con il linguaggio di immagini pittoresche, ma ha anche letteralmente incorniciato i suoi pensieri. Ha descritto bene il processo creativo dell'artista romantico, le sue sperimentazioni sul colore, le riflessioni sul rapporto tra la musica e le altre forme d'arte. I suoi diari sono diventati una lettura preferita per gli artisti delle generazioni successive.

La scuola romantica francese ha apportato cambiamenti significativi nel campo della scultura (Rud e il suo rilievo "Marsigliese"), della pittura di paesaggio (Camille Corot con le sue immagini luminose della natura della Francia).

Grazie al romanticismo, la personale visione soggettiva dell'artista assume la forma di una legge. L'impressionismo distruggerà completamente la barriera tra artista e natura, dichiarando l'arte un'impressione. I romantici parlano della fantasia dell'artista, "la voce dei suoi sentimenti", che consente di interrompere il lavoro quando il maestro lo ritiene necessario e non come richiedono gli standard accademici di completezza.

Se le fantasie di Gericault si concentravano sul trasferimento del movimento, Delacroix - sul potere magico del colore, e i tedeschi aggiungevano a questo un certo "spirito della pittura", allora spagnolo i romantici rappresentati da Francisco Goya (1746-1828) hanno mostrato le origini folcloristiche dello stile, il suo carattere fantasmagorico e grottesco. Lo stesso Goya e la sua opera sembrano lontani da qualsiasi quadro stilistico, tanto più che l'artista molto spesso doveva seguire le leggi del materiale di esecuzione (quando, ad esempio, realizzava quadri per tappeti ad arazzo) o le esigenze del committente.

Le sue fantasmagorie sono venute alla luce in serie di acqueforti "Capricos" (1797-1799),"Disastri di guerra" (1810-1820),"Disparanti (" Follia ")(1815-1820), murales nella Casa dei Sordi e nella Chiesa di San Antonio de la Florida a Madrid (1798). Grave malattia nel 1792. comportava la completa sordità dell'artista. L'arte del maestro dopo il trauma fisico e spirituale subito diventa più focalizzata, riflessiva, dinamica internamente. Il mondo esterno, chiuso a causa della sordità, ha attivato la vita spirituale interiore di Goya.

In incisioni "Capricos" Goya raggiunge una forza eccezionale nella trasmissione di reazioni istantanee, sentimenti impetuosi. La resa in bianco e nero, grazie all'audace combinazione di grandi macchie, all'assenza della linearità caratteristica della grafica, acquisisce tutte le proprietà di un dipinto.

Il dipinto della Chiesa di Sant'Antonio a Madrid Goya crea, a quanto pare, d'un fiato. Il temperamento del tratto, il laconicismo della composizione, l'espressività delle caratteristiche dei personaggi, il cui tipo è stato preso da Goya direttamente dalla folla, stupiscono. L'artista raffigura il miracolo di Anthony Florida, che fece alzare e parlare l'uomo assassinato, che nominò l'assassino e quindi salvò il condannato innocente dall'esecuzione. Il dinamismo della folla che reagisce vivacemente è trasmesso da Goya sia nei gesti che nella mimica dei volti raffigurati. Nello schema compositivo della distribuzione dei murales nello spazio della chiesa, il pittore segue Tiepolo, ma la reazione che evoca nello spettatore non è barocca, ma prettamente romantica, colpendo il sentimento di ogni spettatore, spingendolo a rivolgersi a lui stesso.

Soprattutto, questo obiettivo è raggiunto nel dipinto del Conto del Sordo ("Casa dei sordi"), in cui Goya ha vissuto dal 1819. Le pareti delle stanze sono ricoperte da quindici composizioni di natura fantastica e allegorica. Percepirli richiede una profonda empatia. Le immagini appaiono come una sorta di visioni di città, donne, uomini, ecc. Colore, lampeggiante, tira fuori una figura, poi un'altra. Il dipinto nel suo insieme è scuro, prevalgono macchie bianche, gialle, rosso-rosate, che disturbano i sentimenti nei lampi. Incisioni della serie "Disparanti" .

Goya ha trascorso gli ultimi 4 anni in Francia. È improbabile che sapesse che Delacroix non si è mai separato dai suoi Caprichos. E non poteva prevedere come Hugo e Baudelaire sarebbero stati travolti da queste incisioni, quale enorme influenza avrebbe avuto la sua pittura su Manet, e come negli anni '80 del XIX secolo. V. Stasov inviterà artisti russi a studiare i suoi "Disastri della guerra"

Ma noi, tenendo conto di ciò, sappiamo quale enorme impatto abbia avuto quest'arte "senza stile" dell'audace realista e del romantico ispirato sulla cultura artistica del XIX e XX secolo.

Il fantastico mondo dei sogni si concretizza anche nelle sue opere dell'artista romantico inglese William Blake (1757-1827). Inghilterra era la terra classica della letteratura romantica. Byron. Shelley divenne la bandiera di questo movimento ben oltre i confini della "nebbiosa Albion". In Francia, nella rivista le critiche alle "battaglie romantiche" i romantici erano chiamati "Shakespeare". La caratteristica principale della pittura inglese è sempre stata l'interesse per la persona umana, che ha permesso al genere del ritratto di svilupparsi fruttuosamente. Il romanticismo in pittura è strettamente legato al sentimentalismo. L'interesse dei romantici per il Medioevo ha dato origine a una vasta letteratura storica. Il cui maestro riconosciuto è W. Scott. In pittura, il tema del Medioevo determinò la comparsa dei cosiddetti Perafaeliti.

Ulyam Blake è un tipo straordinario di romantico nella scena culturale inglese. Scrive poesie, illustra libri suoi e di altri. Il suo talento ha cercato di abbracciare ed esprimere il mondo in un'unità olistica. Le sue opere più famose sono considerate illustrazioni per il biblico Libro di Giobbe, la Divina Commedia di Dante, il Paradiso perduto di Milton. Abita le sue composizioni con figure titaniche di eroi, che corrispondono a ciò che li circonda di un mondo irreale illuminato o fantasmagorico. Un senso di orgoglio ribelle o di armonia difficile da creare dalle dissonanze travolge le sue illustrazioni.

Le incisioni paesaggistiche per i Pastorali del poeta romano Virgilio sembrano in qualche modo diverse: sono più idilliache e romantiche delle loro opere precedenti.

Il romanticismo di Blake cerca di trovare la propria formula artistica e la forma dell'esistenza del mondo.

William Blake, avendo vissuto una vita in estrema povertà e oscurità, dopo la sua morte fu classificato tra la schiera dei classici dell'arte inglese.

Nell'opera dei paesaggisti inglesi dell'inizio del XIX secolo. gli hobby romantici sono combinati con una visione più obiettiva e sobria della natura.

I paesaggi romanticamente elevati sono creati da William Turner (1775-1851). Amava ritrarre temporali, acquazzoni, tempeste in mare, tramonti luminosi e infuocati. Turner ha spesso esagerato gli effetti della luce e intensificato il suono dei colori, anche mentre dipinge lo stato tranquillo della natura. Per un effetto maggiore, ha usato la tecnica degli acquerelli e ha applicato la pittura ad olio in uno strato molto sottile e ha dipinto direttamente sul terreno, ottenendo sfumature iridescenti. Un esempio potrebbe essere l'immagine "Pioggia, vapore e velocità"(1844). Ma anche il noto critico dell'epoca Thackeray non riusciva a comprendere correttamente, forse, l'immagine più innovativa sia nella progettazione che nella realizzazione. "La pioggia è indicata da macchie di stucco sporco", ha scritto, "cosparso sulla tela con una spatola, la luce del sole brilla fiocamente da sotto grumi molto spessi di cromo giallo sporco. Le ombre sono trasmesse da fredde sfumature di scarlatto cremisi e tenui macchie di cinabro. E sebbene il fuoco nella fornace della locomotiva sembri rosso, non presumo di dire che non sia stato dipinto in cabalt o in color pisello”. Un altro critico ha trovato la combinazione di colori di Turner "uova strapazzate e spinaci". I colori del compianto Turner sembravano generalmente completamente impensabili e fantastici ai contemporanei. Ci è voluto più di un secolo per vedere il grano delle osservazioni reali in loro. Ma come in altri casi, era anche qui. È stata conservata un'interessante storia di un testimone oculare, o meglio un testimone della nascita di "Rain, Steam and Speed". Una certa signora Simone viaggiava in uno scompartimento del Western Express con un signore anziano di fronte a lei. Chiese il permesso di aprire la finestra, sporse la testa sotto la pioggia battente e rimase a lungo in questa posizione. Quando finalmente chiuse la finestra. L'acqua scorreva da lui a torrenti, ma lui chiuse beatamente gli occhi e si appoggiò all'indietro, godendosi chiaramente ciò che aveva appena visto. Una giovane donna curiosa ha deciso di provare i suoi sentimenti su se stessa - ha anche messo la testa fuori dalla finestra. Anche lei si è bagnata. Ma ho avuto un'impressione indimenticabile. Immagina la sua sorpresa quando un anno dopo, in una mostra a Londra, ha visto "Rain, Steam and Speed". Qualcuno dietro di lei ha osservato criticamente: “Estremamente tipico di Turner, giusto. Nessuno ha mai visto una tale miscela di assurdità". E lei, incapace di resistere, ha detto: "Ho visto".

Forse questa è la prima rappresentazione di un treno in pittura. il punto di vista è ripreso da qualche parte dall'alto, il che ha consentito un'ampia copertura panoramica. Il Western Express percorre il ponte ad una velocità assolutamente eccezionale per l'epoca (superando i 150 km orari). Inoltre, questo è probabilmente il primo tentativo di rappresentare la luce attraverso la pioggia.

Arte inglese della metà del XIX secolo. sviluppato in una direzione completamente diversa rispetto alla pittura di Turner. Sebbene la sua abilità fosse generalmente riconosciuta, nessuno dei giovani lo seguì.

Turner è stato a lungo considerato il precursore dell'impressionismo. Sembrerebbe che la sua ricerca del colore dalla luce avrebbe dovuto essere ulteriormente sviluppata dagli artisti francesi. Ma non è affatto così. Infatti, l'opinione sull'influenza di Turner sugli impressionisti risale al libro di Paul Signac From Delacroix to Neo-Impressionism, pubblicato nel 1899, dove descrive come “nel 1871, durante il loro lungo soggiorno a Londra, Claude Manet e Camille Pissaro scoprirono Turner. Si meravigliavano della qualità sicura e magica dei suoi colori, studiavano il suo lavoro, analizzavano la sua tecnica. All'inizio rimasero stupiti dalla sua resa della neve e del ghiaccio, scioccati dal modo in cui riusciva a trasmettere la sensazione del candore della neve, cosa che loro stessi non riuscivano, con l'aiuto di grandi macchie di colore bianco argenteo, piatte posato con pennellate larghe. Hanno visto che questa impressione non è stata ottenuta solo con la calce. E una massa di tratti multicolori. Inflitti uno accanto all'altro, che ha fatto questa impressione, se li guardi da lontano. "

In questi anni Signac cercò ovunque conferme alla sua teoria del puntinismo. Ma nessuno dei dipinti di Turner che gli artisti francesi potevano vedere alla National Gallery nel 1871 contiene la tecnica del puntinismo descritta da Signac, così come non ci sono "ampie macchie bianche". e, e nel 1890.

Paul Signac ha studiato Turner con la massima attenzione, non solo come precursore dell'impressionismo, di cui ha scritto nel suo libro, ma anche come grande artista innovativo. Signac ha scritto al suo amico Angran degli ultimi dipinti di Turner Rain, Steam and Speed, The Exile, Morning and Evening of the Flood: meraviglioso senso della parola”.

L'entusiastica valutazione di Signac ha posto le basi per la moderna comprensione della ricerca pittorica di Turner. Ma negli ultimi anni capita a volte che non tengano conto del sottotesto e della complessità delle direzioni della sua ricerca, selezionando unilateralmente esempi dai "sottodipinti" di Turner davvero incompiuti, cercano di scoprire in lui il predecessore dell'impressionismo .

Di tutti gli artisti più recenti, un confronto si suggerisce naturalmente con Monet, che ha riconosciuto lui stesso l'influenza di Turner su di lui. C'è anche una trama che è assolutamente simile per entrambi, vale a dire il portale occidentale della cattedrale di Rouen. Ma se Monet ci dà uno schizzo della luce del sole di un edificio, non ci dà il gotico, ma una sorta di modello nudo, in Turner capisci perché l'artista, completamente assorbito dalla natura, è stato portato via da questo argomento - nel suo immagine è proprio quella combinazione tra la grandiosità travolgente del tutto e l'infinito che colpisce una varietà di dettagli, che avvicina la creazione dell'arte gotica alle opere della natura.

Il carattere speciale della cultura inglese e dell'arte romantica ha aperto la possibilità della comparsa del primo artista del plein air, che ha posto le basi per la rappresentazione luminosa e aerea della natura nel XIX secolo, John Constable (1776-1837). L'inglese Constable sceglie il paesaggio come genere principale della sua pittura: “Il mondo è grande; non ci sono due giorni simili e nemmeno due ore simili; dalla creazione del mondo su un albero non c'erano due foglie identiche e tutte le opere d'arte vere, come le creazioni della natura, differiscono l'una dall'altra ", ha detto.

Il conestabile dipinge grandi schizzi ad olio sulla pianura con una sottile osservazione dei diversi stati di natura, in cui è stato in grado di trasmettere la complessità della vita interiore della natura e della sua quotidianità ("Vista di Highgate da Hempstead Hills", OK. 1834; "Carro di fieno", 1821; "Dethem Valley", circa 1828. Compiuto questo con l'aiuto di tecniche di scrittura. Dipinge con pennellate commoventi, a volte spesse e ruvide, a volte più lisce e trasparenti. Gli impressionisti arriveranno a questo solo alla fine del secolo. La pittura innovativa di Constable ha influenzato le opere di Delacroix, così come l'intero sviluppo del paesaggio francese.

L'arte del Conestabile, così come molti aspetti dell'opera di Géricault, segnarono l'emergere di una tendenza realistica nell'arte europea del XIX secolo, che inizialmente si sviluppò in parallelo con il romanticismo. Più tardi, si separarono.

I romantici aprono il mondo dell'anima umana, individuale, diversa da chiunque altro, ma sincera e quindi vicina a ogni visione sensuale del mondo. L'istantaneità dell'immagine in pittura, come diceva Jelacroix, e non la sua consistenza nella performance letteraria, ha determinato l'attenzione degli artisti sul trasferimento di movimento più complesso, per il quale sono state trovate nuove soluzioni formali e coloristiche. Il romanticismo ha lasciato un'eredità alla seconda metà del XIX secolo. tutti questi problemi e individualità artistica, liberati dalle regole dell'accademismo. Il simbolo che i romantici avevano per esprimere l'essenziale connubio tra idea e vita, nell'arte della seconda metà dell'Ottocento. si dissolve nella polifonia dell'immagine artistica, catturando la diversità delle idee e del mondo circostante.

b) Musica

L'idea di una sintesi delle arti ha trovato espressione nell'ideologia e nella pratica del romanticismo. Il romanticismo in musica ha preso forma negli anni '20 del XIX secolo sotto l'influenza della letteratura del romanticismo e si è sviluppato in stretta connessione con esso, con la letteratura in generale (un appello a generi sintetici, principalmente all'opera, alla canzone, alla miniatura strumentale e alla programmaticità musicale ). L'appello al mondo interiore di una persona, caratteristico del romanticismo, si esprimeva nel culto del desiderio soggettivo, emotivamente intenso, che determinava il primato della musica e dei testi nel romanticismo.

Musica della prima metà del XIX secolo evoluto rapidamente. È apparso un nuovo linguaggio musicale; nella musica strumentale e vocale da camera, le miniature hanno un posto speciale; l'orchestra suonava con un variegato spettro di colori; le possibilità del pianoforte e del violino si rivelarono in un modo nuovo; la musica dei romantici era molto virtuosa.

Il romanticismo musicale si è manifestato in molti rami diversi associati a diverse culture nazionali ea diversi movimenti sociali. Quindi, ad esempio, lo stile intimo e lirico dei romantici tedeschi e il pathos civico "oratorio" caratteristico del lavoro dei compositori francesi differiscono in modo significativo. A loro volta, rappresentanti delle nuove scuole nazionali sorte sulla base di un ampio movimento di liberazione nazionale (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), nonché rappresentanti della scuola lirica italiana, strettamente legata al movimento risorgimentale (Verdi, Bellini), in molti modi differiscono dai contemporanei in Germania, Austria o Francia, in particolare, la tendenza a preservare le tradizioni classiche.

E tuttavia, sono tutti segnati da alcuni principi artistici comuni che ci permettono di parlare di un'unica struttura romantica del pensiero.

A causa della speciale capacità della musica di rivelare in modo profondo e penetrante il ricco mondo dell'esperienza umana, l'estetica romantica la pone al primo posto tra le altre arti. Molti romantici hanno sottolineato un inizio intuitivo alla musica, ascrivendole la capacità di esprimere "l'inconoscibile". Le opere degli eccezionali compositori romantici avevano una solida base realistica. L'interesse per la vita della gente comune, la pienezza della vita e la verità dei sentimenti, la dipendenza dalla musica della vita quotidiana hanno determinato il realismo della creatività dei migliori rappresentanti del romanticismo musicale. Le tendenze reazionarie (misticismo, fuga dalla realtà) sono inerenti solo a un numero relativamente piccolo di opere di romantici. Si manifestarono in parte nell'opera di Weber "Euryant" (1823), in alcuni dei drammi musicali di Wagner, nell'oratorio "Cristo" di Liszt (1862) e in altri.

All'inizio del 19° secolo, apparvero studi fondamentali sul folklore, la storia, la letteratura antica, le leggende medievali, l'arte gotica e la cultura del Rinascimento. Fu in questo momento che si formarono molte scuole nazionali di tipo speciale nell'opera compositiva dell'Europa, che erano destinate ad ampliare significativamente i confini della comune cultura europea. russo, che presto prese, se non il primo, uno dei primi posti nella creatività culturale mondiale (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), polacco (Chopin, Moniuszko), ceco (Smetana, Dvorak), ungherese (Liszt ), poi norvegese (Grieg), spagnolo (Pedrell), finlandese (Sibelius), inglese (Elgar) - tutti, fondendosi nel canale generale della creatività del compositore europeo, non si sono in alcun modo opposti alle antiche tradizioni consolidate. È emerso un nuovo cerchio di immagini, che esprime le caratteristiche nazionali uniche della cultura nazionale a cui apparteneva il compositore. La struttura dell'intonazione dell'opera consente di riconoscere istantaneamente a orecchio l'appartenenza a una determinata scuola nazionale.

I compositori coinvolgono le trasformazioni di intonazione del vecchio folklore prevalentemente contadino dei loro paesi nel comune linguaggio musicale europeo. Loro, per così dire, ripulirono la canzone popolare russa dall'opera laccata, introdussero giri di canzoni di generi popolari nel sistema di intonazione cosmopolita del XVIII secolo. Il fenomeno più sorprendente nella musica del romanticismo, che si percepisce particolarmente chiaramente se confrontato con la sfera figurativa del classicismo, è il predominio del principio lirico e psicologico. Naturalmente, una caratteristica distintiva dell'arte musicale in generale è la rifrazione di qualsiasi fenomeno attraverso la sfera dei sentimenti. La musica di tutte le epoche è soggetta a questo schema. Ma i romantici hanno superato tutti i loro predecessori nel significato del principio lirico nella loro musica, nella forza e nella perfezione nel trasmettere le profondità del mondo interiore di una persona, le più sottili sfumature dell'umore.

Il tema dell'amore occupa in esso un posto dominante, poiché è questo stato d'animo che riflette in modo più completo e completo tutte le profondità e le sfumature della psiche umana. Ma è altamente caratteristico che questo argomento non si limiti ai motivi dell'amore nel senso letterale della parola, ma si identifichi con la più ampia gamma di fenomeni. Le esperienze puramente liriche degli eroi si rivelano sullo sfondo di un ampio panorama storico. L'amore di una persona per la sua casa, per la sua patria, per il suo popolo - un filo continuo attraversa l'opera di tutti i compositori - romantici.

Un posto enorme è dato nelle opere musicali di piccole e grandi forme all'immagine della natura, strettamente e indissolubilmente intrecciata con il tema della confessione lirica. Come le immagini dell'amore, l'immagine della natura personifica lo stato d'animo dell'eroe, così spesso colorato da un sentimento di disarmonia con la realtà.

Il tema della fantasia spesso compete con le immagini della natura, che è probabilmente generato dal desiderio di fuggire dalla prigionia della vita reale. Tipico dei romantici è la ricerca di un mondo meraviglioso, scintillante per la ricchezza dei colori, che si oppone alla grigia quotidianità. Fu durante questi anni che la letteratura si arricchì di fiabe, ballate di scrittori russi. Per i compositori della scuola romantica, le immagini favolose e fantastiche acquisiscono un colore nazionale unico. Le ballate sono ispirate agli scrittori russi e, grazie a questo, vengono create opere di un fantastico piano grottesco, che simboleggiano, per così dire, il lato squallido della fede, cercando di rompere le idee della paura delle forze del male.

Molti compositori romantici sono apparsi anche come scrittori e critici musicali (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, ecc.). Il lavoro teorico dei rappresentanti del romanticismo progressista ha dato un contributo molto significativo allo sviluppo delle questioni più importanti dell'arte musicale. Il romanticismo ha trovato espressione nelle arti dello spettacolo (violinista Paganini, cantante A. Nurri, ecc.).

Il significato progressivo del Romanticismo durante questo periodo risiede principalmente nelle attività Franz Liszt... La creatività di Liszt, nonostante la contraddittoria visione del mondo, era fondamentalmente progressista, realistica. Uno dei fondatori e classici della musica ungherese, un eccezionale artista nazionale.

In molte delle opere di Liszt, i temi nazionali ungheresi si riflettono ampiamente. Le composizioni romantiche e virtuose di Liszt hanno ampliato le possibilità tecniche ed espressive dell'esecuzione pianistica (concerti, sonate). Le connessioni di Liszt con i rappresentanti della musica russa erano significative, le cui opere promuoveva attivamente.

Allo stesso tempo, Liszt ha svolto un ruolo importante nello sviluppo dell'arte musicale mondiale. Dopo Liszt “tutto è diventato possibile per il pianoforte”. Le caratteristiche della sua musica sono l'improvvisazione, l'elevazione romantica dei sentimenti, la melodia espressiva. Liszt è apprezzato come compositore, interprete, figura musicale. Grandi opere del compositore: opera “ Don Sancho o il castello dell'amore"(1825), 13 poemi sinfonici" Tasso ”, ” Prometeo ”, “Frazione”E altri, opere per orchestra, 2 concerti per pianoforte e orchestra, 75 romanze, cori e altre opere non meno famose.

Una delle prime manifestazioni del romanticismo in musica è stata la creatività Franz Schubert(1797-1828). Schubert è passato alla storia della musica come il più grande dei fondatori del romanticismo musicale e il creatore di una serie di nuovi generi: sinfonia romantica, miniatura per pianoforte, canzone lirico-romantica (romanticismo). Di grande importanza nel suo lavoro è canzone, in cui ha mostrato soprattutto molte tendenze innovative. Nelle canzoni di Schubert, il mondo interiore di una persona si rivela più profondo di tutti, la connessione con la musica popolare di tutti i giorni è più evidente per lui, una delle caratteristiche più significative del suo talento è più chiaramente manifestata: la straordinaria varietà, bellezza , fascino di melodie. Le migliori canzoni del primo periodo includono " Margherita al filatoio ”(1814) , “Re della foresta”. Entrambe le canzoni sono scritte con parole di Goethe. Nel primo di essi, la ragazza abbandonata ricorda la sua amata. È sola e profondamente addolorata, la sua canzone è triste. La melodia semplice e piena di sentimento è echeggiata solo dal monotono mormorio della brezza. “The Forest King” è un pezzo complesso. Questa non è una canzone, ma piuttosto una scena drammatica, in cui ci appaiono davanti tre personaggi: un padre che galoppa a cavallo attraverso la foresta, un bambino malato che porta con sé e un formidabile re della foresta che appare a un ragazzo in una delirio febbrile. Ognuno di loro è dotato di un proprio linguaggio melodico. Non meno famose e amate sono le canzoni di Schubert "Trout", "Barcarolla", "Morning Serenade". Scritte negli anni successivi, queste canzoni si distinguono per una melodia sorprendentemente semplice ed espressiva, colori freschi.

Schubert scrisse anche due cicli di canzoni - “ Adorabile mugnaio"(1823), e" Sentiero invernale”(1872) - alle parole del poeta tedesco Wilhelm Müller. In ciascuno di essi, le canzoni sono unite da una trama. Le canzoni del ciclo "The Beautiful Miller" raccontano di un ragazzo. Seguendo la corrente del torrente, si mette in viaggio alla ricerca della sua felicità. La maggior parte delle canzoni di questo ciclo ha un carattere leggero. Il mood del ciclo "Winter Path" è completamente diverso. Il giovane povero viene rifiutato dalla sposa ricca. Disperato, lascia la sua città natale e va a vagare per il mondo. I suoi compagni sono il vento, una bufera di neve, corvi minacciosamente gracchianti.

I pochi esempi qui riportati ci permettono di parlare delle peculiarità del cantautorato di Schubert.

Schubert amava molto scrivere musica per pianoforte... Per questo strumento ha scritto un numero enorme di opere. Come le canzoni, i suoi lavori per pianoforte erano vicini alla musica di tutti i giorni e altrettanto semplici e comprensibili. I generi preferiti delle sue composizioni erano le danze, le marce e negli ultimi anni della sua vita - estemporanee.

Valzer e altri balli di solito apparivano con Schubert ai balli, nelle passeggiate in campagna. Lì li ha improvvisati e li ha registrati a casa.

Se confronti i pezzi per pianoforte di Schubert con le sue canzoni, puoi trovare molte somiglianze. Prima di tutto, è una grande espressività melodica, grazia, giustapposizione colorata di maggiore e minore.

Uno dei più grandi francese compositori della seconda metà del XIX secolo era Georges Bizet, creatore di una creazione immortale per il teatro musicale - musica lirica “carmen"E musica meravigliosa per il dramma di Alphonse Daudet" arlesiano ”.

Il lavoro di Bizet è caratterizzato da precisione e chiarezza di pensiero, novità e freschezza dei mezzi espressivi, completezza e grazia delle forme. Bizet è caratterizzato dalla nitidezza dell'analisi psicologica nella comprensione dei sentimenti e delle azioni umane, caratteristica del lavoro dei grandi compatrioti del compositore: gli scrittori Balzac, Flaubert, Maupassant. Il posto centrale nell'opera di Bizet, diversificata nei generi, appartiene all'opera. L'arte operistica del compositore è nata sul suolo nazionale ed è stata nutrita dalle tradizioni del teatro dell'opera francese. Bizet credeva che il primo compito del suo lavoro fosse superare i limiti di genere esistenti nell'opera francese che ne ostacolano lo sviluppo. L'opera "Bolshoi" gli sembra un genere morto, la lirica - irrita con le sue lacrime e la ristrettezza mentale filistea, il comico merita attenzione più di altri. Per la prima volta nell'opera di Bizet, la vita quotidiana succosa e vivace e le scene di folla appaiono nell'opera, anticipando la vita e le scene vivide.

Musica di Bizet al dramma di Alphonse Daudet “Arlesiano”“È conosciuta principalmente per due suite da concerto, composte dai suoi migliori numeri. Bizet ha usato delle autentiche melodie provenzali : "Marcia dei Re Magi" e "Danza dei cavalli frisky".

Opera Bizet" carmen”È un dramma musicale che dispiega davanti allo spettatore con convincente veridicità e con una forza artistica mozzafiato la storia dell'amore e della morte dei suoi eroi: il soldato Jose e la zingara Carmen. L'Opera Carmen è stata creata sulla base delle tradizioni del teatro musicale francese, ma allo stesso tempo ha portato molte cose nuove. Basandosi sui migliori risultati dell'opera nazionale e riformando i suoi elementi più importanti, Bizet ha creato un nuovo genere: il dramma musicale realistico.

Nella storia del teatro dell'opera del XIX secolo, l'opera "Carmen" occupa uno dei primi posti. Dal 1876, la sua processione trionfale inizia sui palchi dei teatri d'opera di Vienna, Bruxelles, Londra.

La manifestazione di un rapporto personale con l'ambiente si esprimeva in poeti e musicisti principalmente nella spontaneità, nell'"apertura" emotiva e nella passione dell'affermazione, nel desiderio di convincere l'ascoltatore con l'aiuto dell'incessante intensità del tono della confessione o confessione.

Queste nuove tendenze nell'arte hanno avuto un'influenza decisiva sull'aspetto opera lirica... Sorse come l'antitesi dell'opera "grande" e comica, ma non poteva ignorare le loro conquiste e realizzazioni nel campo del dramma operistico e dei mezzi di espressione musicale.

Una caratteristica distintiva del nuovo genere operistico è l'interpretazione lirica di qualsiasi trama letteraria - su un tema storico, filosofico o contemporaneo. Gli eroi dell'opera lirica sono dotati delle fattezze della gente comune, privi dell'esclusività e di qualche esagerazione caratteristica di un'opera romantica. L'artista più significativo nel campo dell'opera lirica fu Carlo Gounod.

Tra il patrimonio operistico piuttosto numeroso di Gounod, l'opera “ Fausto" occupa un posto speciale e, si potrebbe dire, eccezionale. La sua fama e popolarità in tutto il mondo non ha eguali in nessuna delle altre opere di Gounod. Il significato storico dell'opera Faust è particolarmente grande perché non è stato solo il migliore, ma essenzialmente il primo tra le opere della nuova direzione, di cui Tchaikovsky ha scritto: "È impossibile negare che Faust sia stato scritto, se non brillantemente, poi con straordinaria abilità e senza significativa identità». L'immagine di Faust appiana l'acuta contraddizione e “dualità” della sua coscienza, l'eterna insoddisfazione causata dal desiderio di conoscere il mondo. Gounod non è stato in grado di trasmettere tutta la versatilità e la complessità dell'immagine del Mefistofele di Goethe, che incarnava lo spirito della critica militante di quell'epoca.

Uno dei motivi principali della popolarità di "Faust" era che concentrava le migliori e fondamentalmente nuove caratteristiche del giovane genere dell'opera lirica: una trasmissione emotivamente diretta e vividamente individuale del mondo interiore degli eroi dell'opera. Il profondo significato filosofico di "Faust" di Goethe, che ha cercato di rivelare i destini storici e sociali di tutta l'umanità sull'esempio del conflitto dei personaggi principali, è stato incarnato da Gounod sotto forma di un dramma lirico umano di Marguerite e Faust .

Compositore, direttore d'orchestra, critico musicale francese Hector Berliozè entrato nella storia della musica come un grande compositore romantico, creatore di un programma sinfonico, un innovatore nel campo della forma musicale, dell'armonia e soprattutto della strumentazione. Nel suo lavoro, hanno trovato una vivida incarnazione delle caratteristiche del pathos rivoluzionario e dell'eroismo. Berlioz conosceva M. Glinka, la cui musica apprezzava molto. Era in rapporti amichevoli con i leader del "Mighty Handful", che accettavano con entusiasmo le sue opere e i suoi principi creativi.

Ha creato 5 opere teatrali musicali, tra cui l'opera “ Benvenuto Cillini ”(1838), “ trojan ”,”Beatrice e Benedetto"(Basato sulla commedia di Shakespeare" Molto rumore per nulla ", 1862); 23 opere vocali e sinfoniche, 31 romanze, cori, ha scritto i libri “The Big Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration” (1844), “Evenings in the Orchestra” (1853), “Through Songs” (1862), “Curiosità Musicali” ” (1859), “Memorie” (1870), articoli, recensioni.

Tedesco compositore, direttore d'orchestra, drammaturgo, pubblicista Richard Wagnerè entrato nella storia della cultura musicale mondiale come uno dei più grandi creatori musicali e grandi riformatori dell'arte operistica. L'obiettivo delle sue riforme era quello di creare un'opera vocale e sinfonica programmatica monumentale in forma drammatica, progettata per sostituire tutti i tipi di opera e musica sinfonica. Tale opera era un dramma musicale, in cui la musica scorre in un flusso continuo, fondendo insieme tutti i collegamenti drammatici. Avendo abbandonato il canto finito, Wagner li sostituì con una sorta di recitativo emotivamente ricco. Un posto importante nelle opere di Wagner è occupato da episodi orchestrali indipendenti, che costituiscono un prezioso contributo alla musica sinfonica mondiale.

La mano di Wagner possiede 13 opere: “ L'olandese volante "(1843)"," Tannhäuser "(1845)", "Tristano e Isotta" (1865), "Oro del Reno" (1869) e così via.; cori, brani per pianoforte, romanze.

Un altro eccezionale compositore, direttore d'orchestra, pianista, insegnante, figura musicale tedesco era Felix Mendelssohn-Bartholdy... All'età di 9 anni ha iniziato a esibirsi come pianista, all'età di 17 ha creato uno dei capolavori - l'ouverture alla commedia " C è in una notte d'estate" Shakespeare. Nel 1843 fondò il primo conservatorio in Germania a Lipsia. Nell'opera di Mendelssohn, "un classico tra i romantici", le caratteristiche romantiche sono combinate con la struttura classica del pensiero. La sua musica è caratterizzata da melodia brillante, democratismo di espressione, moderazione dei sentimenti, calma di pensiero, predominanza di emozioni luminose, stati d'animo lirici, non senza un leggero tocco di sentimentalismo, impeccabilità delle forme e abilità brillante. R. Schumann lo definì "Mozart del XIX secolo", G. Heine - "un miracolo musicale".

Autore di sinfonie romantiche paesaggistiche ("scozzesi", "italiane"), ouverture da concerto in programma, il popolare concerto per violino, cicli di brani per pianoforte "Canzone senza parole"; opera "Il matrimonio di Camacho." Ha scritto la musica per lo spettacolo drammatico "Antigone" (1841), "Edipo a Colon" (1845) di Sofocle, "Atalia" di Racine (1845), "Sogno di una notte di mezza estate" di Shakespeare (1843 ) e altri; oratori "Paolo" (1836), "Elia" (1846); 2 concerti per pianoforte e 2 per violino.

V italiano cultura musicale un posto speciale appartiene a Giuseppe Verdi - un eccezionale compositore, direttore d'orchestra, organista. L'area principale del lavoro di Verdi è l'opera. Agì principalmente come esponente dei sentimenti eroico-patriottici e delle idee di liberazione nazionale del popolo italiano. Negli anni successivi, ha prestato attenzione ai drammatici conflitti generati dalla disuguaglianza sociale, dalla violenza, dall'oppressione, ha denunciato il male nelle sue opere. Caratteristiche caratteristiche dell'opera di Verdi: nazionalità della musica, temperamento drammatico, luminosità melodica, comprensione delle leggi del palcoscenico.

Ha scritto 26 opere: “ Nabucco "," Macbeth "," Trovatore "," La Traviata "," Otello "," Aida" e così via . , 20 romanzi, ensemble vocali .

Giovane norvegese compositore Edvard Grieg (1843-1907) ha cercato di sviluppare la musica nazionale. Ciò è stato espresso non solo nel suo lavoro, ma anche nella promozione della musica norvegese.

Durante i suoi anni a Copenaghen, Grieg ha scritto molta musica: “ Quadri poetici" e "Umorismo" sonata per pianoforte e prima sonata per violino, canzoni. Con ogni nuovo lavoro, l'immagine di Grieg come compositore norvegese diventa più chiara. Nella delicata lirica "Quadri poetici" (1863), i tratti nazionali stanno ancora timidamente irrompendo. La figura ritmica si trova spesso nella musica popolare norvegese; divenne caratteristica di molte delle melodie di Grieg.

Il lavoro di Grieg è vasto e sfaccettato. Grieg ha scritto opere di vari generi. Il Concerto per pianoforte e le Ballate, tre sonate per violino e pianoforte e una sonata per violoncello e pianoforte, il quartetto testimonia la costante brama di Grieg per la forma grande. Allo stesso tempo, l'interesse del compositore per le miniature strumentali è rimasto invariato. Nella stessa misura in cui il pianoforte, il compositore è stato attratto dalla miniatura vocale da camera: una storia d'amore, una canzone. Non essere il principale per Grieg, l'area della creatività sinfonica è caratterizzata da capolavori come le suite " Per Gounod ”, “Dai tempi di Holberg”. Uno dei tipi caratteristici del lavoro di Grieg è l'elaborazione di canti e danze popolari: sotto forma di semplici pezzi per pianoforte, un ciclo di suite per pianoforte a quattro mani.

Il linguaggio musicale di Grieg è caratteristico. L'individualità dello stile del compositore è determinata soprattutto dal suo profondo legame con la musica popolare norvegese. Grieg fa ampio uso di caratteristiche di genere, struttura dell'intonazione, formule ritmiche di canti popolari e melodie da ballo.

La notevole padronanza della variazione e dello sviluppo varianti della melodia, caratteristica di Grieg, è radicata nelle tradizioni popolari della ripetizione ripetuta della melodia con i suoi cambiamenti. "Ho registrato la musica folk del mio paese." Dietro queste parole c'è l'atteggiamento riverente di Grieg nei confronti dell'arte popolare e il riconoscimento del suo ruolo decisivo per la propria creatività.

7. CONCLUSIONE

Sulla base di quanto sopra, si possono trarre le seguenti conclusioni:

L'emergere del romanticismo è stato influenzato da tre eventi principali: la Grande Rivoluzione francese, le guerre napoleoniche, l'ascesa del movimento di liberazione nazionale in Europa.

Il romanticismo come metodo e direzione nella cultura artistica era un fenomeno complesso e contraddittorio. In ogni paese aveva una vivida espressione nazionale. I romantici occupavano diverse posizioni sociali e politiche nella società. Tutti si ribellarono ai risultati della rivoluzione borghese, ma si ribellarono in modi diversi, poiché ognuno aveva il proprio ideale. Ma nonostante tutta la molteplicità e la diversità, il romanticismo ha caratteristiche stabili:

Tutti provenivano dalla negazione dell'Illuminismo e dai canoni razionalistici del classicismo, che frenavano l'iniziativa creativa dell'artista.

Hanno scoperto il principio dello storicismo (gli illuministi giudicavano il passato in modo antistorico per loro c'era "ragionevole" e "irragionevole"). Abbiamo visto in passato personaggi umani plasmati dal loro tempo. L'interesse per il passato nazionale ha dato origine a molte opere storiche.

Interesse per una personalità forte che si oppone a tutto il mondo che lo circonda e fa affidamento solo su se stessa.

Attenzione al mondo interiore di una persona.

Il romanticismo è stato ampiamente sviluppato sia nell'Europa occidentale che in Russia. Tuttavia, il romanticismo in Russia differiva dall'Europa occidentale per il bene di un diverso contesto storico e di una diversa tradizione culturale. La vera ragione dell'emergere del romanticismo in Russia fu la guerra patriottica del 1812, in cui si manifestò tutta la forza dell'iniziativa popolare.

Caratteristiche del romanticismo russo:

Il Romanticismo non si oppose all'Illuminismo. L'ideologia educativa si è indebolita, ma non è crollata, come in Europa. L'ideale di un monarca illuminato non si è esaurito.

Il romanticismo si sviluppò parallelamente al classicismo, spesso intrecciandosi con esso.

Il romanticismo in Russia in diversi tipi di arte si è mostrato in modi diversi. In architettura, non è stato letto affatto. In pittura - prosciugato dalla metà del XIX secolo. Si è manifestato solo parzialmente nella musica. Forse solo nella letteratura il romanticismo si è manifestato coerentemente.

Nelle arti visive, il romanticismo si è manifestato più chiaramente nella pittura e nella grafica, meno espressivo nella scultura e nell'architettura.

I romantici aprono il mondo dell'anima umana, individuale, diversa da chiunque altro, ma sincera e quindi vicina a ogni visione sensuale del mondo. L'istantaneità dell'immagine in pittura, come diceva Delacroix, e non la sua consistenza nella performance letteraria, ha determinato l'attenzione degli artisti sul trasferimento di movimento più complesso, per il quale sono state trovate nuove soluzioni formali e coloristiche. Il romanticismo ha lasciato un'eredità alla seconda metà del XIX secolo. tutti questi problemi e individualità artistica, liberati dalle regole dell'accademismo. Il simbolo che i romantici avevano per esprimere l'essenziale connubio tra idea e vita, nell'arte della seconda metà dell'Ottocento. si dissolve nella polifonia dell'immagine artistica, catturando la diversità delle idee e del mondo circostante. Il romanticismo in pittura è strettamente legato al sentimentalismo.

Grazie al romanticismo, la personale visione soggettiva dell'artista assume la forma di una legge. L'impressionismo distruggerà completamente la barriera tra artista e natura, dichiarando l'arte un'impressione. I romantici parlano della fantasia dell'artista, "la voce dei suoi sentimenti", che consente di interrompere il lavoro quando il maestro lo ritiene necessario e non come richiedono gli standard accademici di completezza.

Il romanticismo ha lasciato un'intera era nella cultura artistica mondiale, i suoi rappresentanti erano: nella letteratura russa Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, ecc .; nelle belle arti di E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin e altri; nella musica F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin e altri, scoprirono e svilupparono nuovi generi, prestarono molta attenzione al destino della persona umana, rivelarono la dialettica di bene e male, passioni umane magistralmente rivelate, ecc.

Le forme d'arte nella loro importanza più o meno eguagliarono e produssero magnifiche opere d'arte, sebbene i romantici nella scala delle arti diedero priorità alla musica.

Il romanticismo in Russia come percezione del mondo è esistito nella sua prima ondata dalla fine del XVIII secolo al 1850. La linea del romantico nell'arte russa non si è conclusa nel 1850. Aperto dai romantici per l'arte, il tema dello stato di avanzamento si sviluppò più tardi tra gli artisti della "Rosa Azzurra". Gli eredi diretti dei romantici furono senza dubbio i simbolisti. Temi romantici, motivi, tecniche espressive sono entrati nell'arte di diversi stili, tendenze, associazioni creative. La prospettiva romantica o visione del mondo si è rivelata una delle più vivaci, tenaci e fruttuose.

Il romanticismo come atteggiamento generale, caratteristico principalmente dei giovani, come ricerca dell'ideale e della libertà creativa, vive ancora costantemente nell'arte mondiale.

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Il romanticismo nelle arti visive si basava molto sulle idee di filosofi e scrittori. In pittura, come in altre forme d'arte, i romantici erano attratti da tutto ciò che è insolito, sconosciuto, siano essi paesi lontani con i loro costumi esotici (Delacroix), il mondo delle visioni mistiche (Blake, Frederick, Preraffaelliti) e i sogni magici (Runge) o subcoscienza delle profondità oscure (Goya, Füsli). Il patrimonio artistico del passato divenne fonte di ispirazione per molti artisti: l'Antico Oriente, il Medioevo e il Proto-Rinascimento (Nazareno, Preraffaelliti).

In contrasto con il classicismo, che esaltava il chiaro potere della ragione, i romantici cantavano sentimenti appassionati e tempestosi che catturano l'intera persona. I primi a rispondere alle nuove tendenze sono il ritratto e il paesaggio, che stanno diventando i generi preferiti della pittura romantica.

Fiorente genere ritratto era associato all'interesse dei romantici per la brillante individualità umana, la bellezza e la ricchezza del suo mondo spirituale. La vita dello spirito umano prevale in un ritratto romantico sull'interesse per la bellezza fisica, per la plasticità sensuale dell'immagine.

In un ritratto romantico (Delacroix, Gericault, Runge, Goya) si rivela sempre l'unicità di ogni persona, si trasmettono dinamiche, intensi palpiti della vita interiore, passione ribelle.

I romantici sono anche interessati alla tragedia di un'anima spezzata: gli eroi delle opere sono spesso malati di mente (Gericault "Pazza, affetta da una dipendenza dal gioco d'azzardo", "Ladro di bambini", "Pazzo, immaginandosi un comandante" ).

Paesaggio pensato dai romantici come l'incarnazione dell'anima dell'universo; la natura, come l'anima umana, appare in dinamica, in costante cambiamento. I paesaggi ordinati e nobilitati caratteristici del classicismo furono sostituiti da immagini di una natura spontanea, recalcitrante, potente, in continua evoluzione, corrispondente alla confusione dei sentimenti degli eroi romantici. I romantici amavano soprattutto scrivere tempeste, temporali, eruzioni vulcaniche, terremoti, naufragi, che possono avere un forte impatto emotivo sullo spettatore (Gericault, Friedrich, Turner).

La poeticizzazione della notte caratteristica del romanticismo - un mondo strano e surreale che vive di leggi proprie - ha portato al fiorire del "genere notturno", che sta diventando uno dei preferiti nella pittura romantica, specialmente tra gli artisti tedeschi.

Uno dei primi paesi in cui si è formato il romanticismo delle arti visive è statoGermania .

La creatività ha avuto un'influenza notevole sullo sviluppo del genere del paesaggio romanticoCaspar David Friedrich (1774-1840). Il suo patrimonio artistico è dominato da paesaggi che raffigurano cime montuose, boschi, il mare, la costa marittima, così come i ruderi di antiche cattedrali, abbazie abbandonate, monasteri ("Croce in montagna", "Cattedrale", "Abbazia tra le querce "). Di solito hanno una sensazione di tristezza immutabile dalla coscienza della tragica perdita di una persona nel mondo.

L'artista amava quegli stati di natura che più corrispondono alla sua percezione romantica: mattina presto, tramonto serale, sorgere della luna ("Due contemplando la luna", "Cimitero del monastero", "Paesaggio con un arcobaleno", "Sorgere la luna sul mare", " Rocce di gesso sull'isola di Rügen "," Su una barca a vela "," Porto di notte ").

I personaggi costanti delle sue opere sono sognatori solitari immersi nella contemplazione della natura. Guardando in distanze immense e altezze infinite, si uniscono agli eterni segreti dell'universo, si lasciano trasportare nel meraviglioso mondo dei sogni. Frederick trasmette questo mondo meraviglioso con l'aiuto di una luce magicamente splendente- solare radiante o lunare misterioso.

L'opera di Federico ha suscitato l'ammirazione dei suoi contemporanei, tra cui I. W. Goethe e V.A. Zhukovsky, grazie al quale molti dei suoi dipinti furono acquisiti dalla Russia.

Pittore, grafico, poeta e teorico dell'artePhilip Otto Runge (1777-1810) si dedicò principalmente al genere del ritratto. Nelle sue opere, ha poeticizzato le immagini della gente comune, spesso - dei suoi cari ("Siamo tre" - un autoritratto con una sposa e un fratello, non è sopravvissuto; "Figli della famiglia Hulsenbek", "Ritratto di i genitori dell'artista", "Autoritratto"). La profonda religiosità di Runge è stata espressa in dipinti come "Cristo sulla riva del lago di Tiberiade" e "Riposo durante la fuga in Egitto" (non finito). L'artista ha riassunto le sue riflessioni sull'arte nel trattato teorico "The Colour Sphere".

Il desiderio di far rivivere i fondamenti religiosi e morali nell'arte tedesca è associato all'attività creativa degli artisti scuola nazarena (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Zutter,P. von Cornelius). Riuniti in una sorta di confraternita religiosa ("Unione di San Luca"), i "Nazareni" vivevano a Roma sul modello della comunità monastica e dipingevano quadri di soggetto religioso. Consideravano la pittura italiana e tedesca come modello per le loro ricerche creative.XIV - Xvsecoli (Perugino, primo Raffaello, A. Durer, H. Holbein il Giovane, L.Cranach). Nel dipinto "Il trionfo della religione nell'arte" Overbeck imita direttamente la "Scuola di Atene" di Raffaello e Cornelio in "Cavalieri dell'Apocalisse" - l'incisione con lo stesso nome di Durer.

I membri della confraternita consideravano le principali virtù dell'artista la purezza spirituale e la fede sincera, credendo che "solo la Bibbia abbia reso Raffaello un genio". Conducendo una vita appartata nelle celle di un monastero abbandonato, hanno elevato il loro servizio all'arte nella categoria del servizio spirituale.

I "Nazareni" gravitavano verso grandi forme monumentali, cercavano di incarnare alti ideali con l'aiuto della tecnica dell'affresco appena riproposta. Alcuni dei murales sono stati eseguiti da loro insieme.

Negli anni '20 e '30, i membri della confraternita partirono per la Germania, ricevendo posizioni di rilievo in varie accademie d'arte. Solo Overbeck visse in Italia fino alla morte, senza tradire i suoi principi artistici. Le migliori tradizioni dei "Nazareni" sono state conservate a lungo nella pittura storica. La loro ricerca ideologica e morale ha influenzato i preraffaelliti inglesi, così come il lavoro di maestri come Schwind e Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), austriaco di nascita, lavorò a Monaco di Baviera. Nelle opere da cavalletto, descrive principalmente l'aspetto e la vita delle antiche città di provincia tedesche con i loro abitanti. Questo viene fatto con grande poesia e lirismo, con amore per i loro eroi.

Karl Spitzweg (1808-1885) - Pittore di Monaco, grafico, brillante disegnatore, caricaturista, anche lui non privo di sentimentalismo, ma con grande umorismo racconta la vita urbana ("Povero poeta", "Caffè del mattino").

Schwind e Spitzweg sono solitamente associati a una tendenza culturale in Germania conosciuta come Biedermeier.Biedermeier - questo è uno degli stili più popolari dell'epoca (principalmente nel campo della vita quotidiana, ma anche nell'arte) ... Ha portato alla ribalta i borghesi, l'uomo medio della strada. Il tema centrale della pittura Biedermeier è la vita quotidiana di una persona, che è indissolubilmente legata alla sua casa e alla sua famiglia. L'interesse di Biedermeier non per il passato, ma per il presente, non per il grande, ma per il piccolo, contribuì alla formazione di una tendenza realistica nella pittura.

Scuola romantica francese

In Francia si è sviluppata la più consistente scuola di romanticismo in pittura. Nasce come opposizione al classicismo, degenerato in un accademismo freddo e razionale, e propone grandi maestri che determinano l'influenza dominante della scuola francese per tutto il XIX secolo.

I pittori romantici francesi gravitavano verso trame piene di dramma e pathos, tensione interiore, lontane dalla "ottusa quotidianità". Incarnandoli, riformarono i mezzi pittorici ed espressivi:

Al nome sono associati i primi brillanti successi del romanticismo nella pittura franceseTheodore Gericault (1791-1824), che, prima di altri, seppe esprimere un sentimento puramente romantico del conflitto nel mondo. Già nelle sue prime opere si intravede il desiderio di mostrare le drammatiche vicende del nostro tempo. Ad esempio, i dipinti "Ufficiale dei fucilieri a cavallo che va all'attacco" e "Corazziere ferito" riflettono il romanticismo dell'era napoleonica.

Il dipinto di Gericault "La zattera di Medusa", dedicato a un evento recente della vita moderna - l'affondamento di una nave passeggeri per colpa della compagnia di navigazione, ha avuto un'enorme risonanza ... Gericault ha creato una gigantesca tela di 7 × 5 m, sulla quale ha rappresentato il momento in cui le persone in punto di morte hanno visto una nave di salvataggio all'orizzonte. L'estrema tensione è enfatizzata da uno schema cromatico duro e cupo, una composizione diagonale. Questo dipinto è diventato un simbolo della moderna Gericault France, che, come le persone in fuga da un naufragio, ha sperimentato sia la speranza che la disperazione.

L'artista ha trovato il tema del suo ultimo grande dipinto - "Horse Racing at Epsom" in Inghilterra. Raffigura cavalli che volano come uccelli (un'immagine preferita di Gericault, che divenne un eccellente cavaliere da adolescente). L'impressione di irruenza è esaltata da una certa tecnica: i cavalli ei fantini sono scritti con molta attenzione, e lo sfondo è ampio.

Dopo la morte di Géricault (morto tragicamente, nel pieno delle sue forze e del suo talento), il suo giovane amico divenne il capo riconosciuto dei romantici francesiEugene Delacroix (1798-1863). Delacroix era molto dotato, possedeva un talento musicale e letterario. I suoi diari, articoli sugli artisti sono i documenti più interessanti dell'epoca. I suoi studi teorici sulle leggi del colore hanno avuto un'enorme influenza sui futuri impressionisti, e specialmente su V. Van Gogh.

La prima immagine di Delacroix, che gli ha portato fama, - "Dante e Virgilio" ("La barca di Dante"), scritta sulla trama della "Divina Commedia". Ha stupito i suoi contemporanei con il pathos appassionato, il potere del colore cupo.

L'apice del lavoro dell'artista era "Libertà sulle barricate" ("Libertà che guida il popolo"). L'affidabilità di un fatto reale (l'immagine è stata creata nel bel mezzo della Rivoluzione di luglio del 1830 in Francia) si fonde qui con il sogno romantico della libertà e il simbolismo delle immagini. La bella giovane donna diventa il simbolo della Francia rivoluzionaria.

Anche il precedente dipinto "Il massacro di Chios", dedicato alla lotta del popolo greco contro il dominio turco, era una risposta agli eventi moderni. .

Dopo aver visitato il Marocco, Delacroix ha scoperto il mondo esotico dell'Oriente arabo, al quale ha dedicato molti dipinti e schizzi. In "Algerian Women" il mondo dell'harem musulmano è apparso per la prima volta davanti al pubblico europeo.

L'artista ha anche creato una serie di ritratti di rappresentanti dell'intellighenzia creativa, molti dei quali erano suoi amici (ritratti di N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, ecc.)

Nel tardo periodo del suo lavoro, Delacroix gravitava verso soggetti storici, lavorò come monumentalista (dipinti alla Camera dei Deputati, al Senato) e come grafico (illustrazioni per le opere di Shakespeare, Goethe, Byron).

I nomi dei pittori inglesi dell'era romantica - R. Benington, J. Constable, W. Ternera - sono associati al genere del paesaggio. In quest'area hanno davvero aperto una nuova pagina: la loro natura nativa ha trovato nel loro lavoro una riflessione così ampia e amorevole, che nessun altro paese allora conosceva.

John Constable (1776-1837) fu uno dei primi nella storia del paesaggio europeo a dipingere schizzi completamente dalla natura, rivolgendosi all'osservazione diretta della natura. I suoi dipinti sono semplici nei motivi: villaggi, fattorie, chiese, una striscia di fiume o una spiaggia di mare: "The Hay Cart", Detham Valley "," Cattedrale di Salisbury dal Bishop's Garden. " Le opere di Constable sono servite come impulso per lo sviluppo di un paesaggio realistico in Francia.

William Turner (1775-1851) - pittore marino ... Fu attratto dal mare in tempesta, acquazzoni, temporali, alluvioni, trombe d'aria: "L'ultimo viaggio della nave" Brave", "Temporale sulla Piazzetta". Audaci ricerche coloristiche, rari effetti di luce a volte trasformano i suoi dipinti in scintillanti spettacoli fantasmagorici: "The Fire of the London Parliament", "Snowstorm. Il piroscafo lascia il porto e dà segnali di soccorso quando entra in acque poco profonde". .

Turner possiede la prima immagine in pittura di una locomotiva a vapore su rotaie - un simbolo di industrializzazione. In Rain, Steam and Speed, una locomotiva a vapore corre lungo il Tamigi attraverso la pioggia nebbiosa. Tutti gli oggetti materiali sembrano fondersi in un'immagine miraggio che trasmette perfettamente un senso di velocità.

Lo studio unico di Turner sugli effetti di luce e colore ha ampiamente anticipato le scoperte dei pittori impressionisti francesi.

Nel 1848 in Inghilterra c'eraConfraternita dei Preraffaelliti (dal lat. prae - "prima" e Raffaello), che univa artisti che non accettano la società contemporanea e l'arte della scuola accademica. Hanno visto il loro ideale nell'arte del Medioevo e del Primo Rinascimento (da cui il nome). I principali membri della confraternita sonoWilliam Holman Hunt, John Everett Milles, Dante Gabriel Rossetti. Nei loro primi lavori, questi artisti usavano l'abbreviazione PB invece delle firme. .

Con i romantici, i preraffaelliti erano legati all'amore per l'antichità. Si sono rivolti a soggetti biblici ("La luce del mondo" e "Il pastore infedele" di WH Hunt; "L'infanzia di Maria" e "Annunciazione" di DG Rossetti), scene della storia del Medioevo e opere teatrali di W. Shakespeare ("Ophelia" di Milles).

Per dipingere figure umane e oggetti a grandezza naturale, i preraffaelliti aumentarono le dimensioni delle tele e realizzarono schizzi di paesaggi dalla natura. I personaggi nei loro dipinti avevano prototipi tra persone reali. Ad esempio, DG Rossetti in quasi tutte le sue opere ritrasse la sua amata Elizabeth Siddal, continuando, come un cavaliere medievale, a rimanere fedele alla sua amata anche dopo la sua prematura scomparsa (Blue Silk Dress, 1866).

L'ideologo dei preraffaelliti eraJohn Ruskin (1819-1900) - Scrittore, critico d'arte e teorico dell'arte inglese, autore della famosa collana di libri "Artisti contemporanei".

L'opera dei preraffaelliti influenzò significativamente molti artisti e divenne un presagio del simbolismo nella letteratura (W. Pater, O. Wilde) e nelle arti visive (O. Beardsley, G. Moreau, ecc.).

il soprannome "Nazareno" potrebbe derivare dal nome della città di Nazareth in Galilea, dove nacque Gesù Cristo. Secondo un'altra versione, sarebbe sorto per analogia con il nome della comunità religiosa ebraica dei Nazareni. È anche possibile che il nome del gruppo derivi dal nome tradizionale dell'acconciatura "Alla Nazarena", diffusa nel Medioevo e nota dall'autoritratto di A. Dürer: il modo di portare i capelli lunghi, mezzo da una separazione, è stato reintrodotto da Overbeck.

Biedermeier(tedesco "coraggioso Meyer", filisteo) è il cognome di un personaggio immaginario della raccolta di poesie del poeta tedesco Ludwig Eichrodt. Eichrodt ha creato una parodia di una persona reale: Samuel Friedrich Sauter, un vecchio insegnante che scriveva poesie ingenue. Eichrodt nella sua caricatura ha sottolineato la primitività filistea del pensiero di Biedermeier, che è diventato una sorta di simbolo parodia dell'epoca. ampie pennellate di colore nero, marrone e verdastro trasmettono la furia della tempesta. Lo sguardo dello spettatore sembra essere al centro di un vortice, la nave sembra un giocattolo di onde e vento.

Il romanticismo nella pittura è una tendenza filosofica e culturale nell'arte dell'Europa e dell'America della fine del XVIII - prima metà del XIX secolo. Il sentimentalismo nella letteratura tedesca, culla del romanticismo, è servito come base per lo sviluppo dello stile. La direzione si è sviluppata in Russia, Francia, Inghilterra, Spagna e altri paesi europei.

Storia

Nonostante i primi tentativi dei pionieri El Greco, Elsheimer e Claude Lorrain, lo stile che conosciamo come Romanticismo non ha guadagnato slancio fino quasi alla fine del XVIII secolo, quando l'elemento eroico del neoclassicismo ha assunto un ruolo importante nell'arte del tempo. I dipinti iniziarono a riflettere l'ideale eroico-romantico basato sui romanzi dell'epoca. Questo elemento eroico, combinato con l'idealismo rivoluzionario, l'emotività, è emerso come risultato della Rivoluzione francese come reazione contro l'arte accademica contenuta.

Dopo la Rivoluzione francese del 1789, nel corso di diversi anni si verificarono significativi cambiamenti sociali. L'Europa è stata scossa da crisi politiche, rivoluzioni e guerre. Quando i leader si incontrarono al Congresso di Vienna per riflettere su un piano per riorganizzare gli affari europei dopo le guerre napoleoniche, divenne chiaro che le speranze di libertà e uguaglianza dei popoli non si stavano realizzando. Tuttavia, durante questi 25 anni, si sono formate nuove idee che hanno messo radici nella mente di persone in Francia, Spagna, Russia, Germania.

Il rispetto per la persona, che era già un elemento chiave nella pittura neoclassica, si sviluppa e si radica. I dipinti degli artisti si sono distinti per la loro emotività, sensualità nel trasferimento dell'immagine della persona. All'inizio del XIX secolo, vari stili iniziarono a mostrare tratti di romanticismo.

Obiettivi

I principi e gli obiettivi del Romanticismo includevano:

• Un ritorno alla natura - un esempio del quale è l'enfasi sulla spontaneità nella pittura, che i dipinti dimostrano;
• Credenza nella gentilezza dell'umanità e nelle migliori qualità dell'individuo;
• Giustizia per tutti: l'idea era diffusa in Russia, Francia, Spagna, Inghilterra.

Una ferma convinzione nel potere dei sentimenti e delle emozioni che dominano la mente e l'intelletto.

Peculiarità

Caratteristiche caratteristiche dello stile:

1. L'idealizzazione del passato, il predominio dei temi mitologici sono diventati la linea guida della creatività del XIX secolo.
2. Rifiuto del razionalismo e dei dogmi del passato.
3. Aumento dell'espressività attraverso il gioco di luci e colori.
4. Le immagini trasmettevano una visione lirica del mondo.
5. Maggiore interesse per i temi etnici.

I pittori e gli scultori romantici tendono ad esprimere una risposta emotiva alle loro vite personali, in contrasto con la moderazione e i valori universali promossi dall'arte neoclassica. Il XIX secolo segnò l'inizio dello sviluppo del romanticismo e dell'architettura, come testimoniano gli squisiti edifici vittoriani.

Principali rappresentanti

Tra i più grandi pittori romantici del XIX secolo c'erano rappresentanti come I. Fussli, Francisco Goya, Caspar David Friedrich, John Constable, Theodore Gericault, Eugene Delacroix. L'arte romantica non soppianta lo stile neoclassico, ma fa da contrappeso alla dogmatica e all'asprezza di quest'ultimo.

Il romanticismo nella pittura russa è rappresentato dalle opere di V. Tropinin, I. Aivazovsky, K. Bryullov, O. Kiprensky. I pittori russi hanno cercato di trasmettere la natura nel modo più emotivo possibile.
Il genere preferito dai romantici era il paesaggio. La natura era vista come uno specchio dell'anima, in Germania è vista anche come simbolo di libertà e sconfinamento. Gli artisti collocano immagini di persone sullo sfondo della campagna o del paesaggio urbano, marino. Nel romanticismo in Russia, Francia, Spagna, Germania, l'immagine di una persona non domina, ma integra la trama dell'immagine.

I motivi popolari della vanitas includono alberi morti e rovine ricoperte di vegetazione, che simboleggiano la caducità e la natura finita della vita. Motivi simili avevano avuto luogo in precedenza nell'arte barocca: gli artisti hanno preso in prestito il lavoro con la luce e la prospettiva in dipinti simili da pittori barocchi.

Scopi del Romanticismo: L'artista mostra una visione soggettiva del mondo oggettivo e mostra un'immagine filtrata attraverso la sua sensualità.

In diversi paesi

Romanticismo tedesco del XIX secolo (1800 - 1850)

In Germania, le giovani generazioni di artisti hanno reagito ai tempi che cambiano con un processo di introspezione: si sono ritirati nel mondo delle emozioni, sono stati ispirati da aspirazioni sentimentali per gli ideali del passato, in primis l'epoca medievale, che ora è vista come un tempo in cui le persone vivevano in armonia con se stesse e con il mondo. In questo contesto, i dipinti di Schinkel, come la Cattedrale gotica sull'acqua, sono rappresentativi e caratteristici del periodo.

Nella loro attrazione per il passato, gli artisti romantici erano molto vicini ai neoclassici, tranne per il fatto che il loro storicismo criticava i dogmi razionalistici del neoclassicismo. Gli artisti neoclassici si sono posti tali compiti: hanno guardato al passato per giustificare la loro irrazionalità ed emotività, hanno preservato le tradizioni accademiche dell'arte nel trasmettere la realtà.

Romanticismo spagnolo del XIX secolo (1810 - 1830)

Francisco de Goya era il leader indiscusso del movimento artistico romantico in Spagna, i suoi dipinti mostrano tratti caratteristici: una tendenza all'irrazionalità, alla fantasia, all'emotività. Nel 1789 divenne il pittore ufficiale della corte reale spagnola.

Nel 1814, in onore della rivolta spagnola contro le forze francesi a Puerta del Sol, Madrid, e la fucilazione di spagnoli disarmati sospettati di complicità, Goya creò uno dei suoi più grandi capolavori, il 3 maggio. Opere notevoli: "I disastri della guerra", "Caprichos", "Maja Nude".

Romanticismo francese del XIX secolo (1815 - 1850)

Dopo le guerre napoleoniche, la Repubblica francese tornò ad essere una monarchia. Ciò ha portato a un enorme impulso del Romanticismo, che è stato finora trattenuto dal predominio dei neoclassici. I pittori francesi dell'era romantica non si sono limitati al genere del paesaggio, hanno lavorato nel genere dell'arte del ritratto. I rappresentanti più importanti dello stile sono E. Delacroix e T. Gericault.

Romanticismo in Inghilterra (1820 - 1850)

Il teorico e il rappresentante più importante dello stile era I. Fusli.
John Constable apparteneva alla tradizione del romanticismo inglese. Questa tradizione è stata alla ricerca di un equilibrio tra una profonda sensibilità per la natura e i progressi nella scienza della pittura e del disegno. Il conestabile ha abbandonato la rappresentazione dogmatica della natura, i dipinti sono riconoscibili, grazie all'uso di macchie di colore per trasmettere la realtà, che avvicina l'opera di Constable all'arte dell'impressionismo.

I dipinti di William Turner, uno dei più grandi pittori inglesi del romanticismo, riflettono il desiderio di osservare la natura come uno degli elementi della creatività. L'atmosfera dei suoi dipinti è creata non solo da ciò che ha ritratto, ma anche dal modo in cui l'artista ha trasmesso il colore e la prospettiva.

Significato nell'arte

Lo stile romantico della pittura del XIX secolo e le sue caratteristiche speciali hanno stimolato l'emergere di numerose scuole, come: la scuola di Barbizon, paesaggi plein air, la scuola di paesaggisti di Norwich. Il romanticismo nella pittura ha influenzato lo sviluppo dell'estetismo e del simbolismo. I pittori più influenti hanno creato il movimento preraffaellita. In Russia e nei paesi dell'Europa occidentale, il romanticismo ha influenzato lo sviluppo dell'avanguardia e dell'impressionismo.

A cavallo tra il XVIII e il XIX secolo, la cultura europea e, inclusa quella americana, conobbero una nascita completamente diversa dal periodo del pensiero e della filosofia dell'Illuminismo - la fase del Romanticismo. Infiltrandosi gradualmente dalla Germania nella cultura e nell'arte di Inghilterra, Francia, Russia e altri paesi europei, il Romanticismo ha arricchito il mondo artistico con nuovi colori, trame e il coraggio del nudo.

Il nome della nuova tendenza è nato dallo stretto intreccio di diversi significati di parole univoche provenienti da diversi paesi: romanticismo (Francia), romanticismo (Spagna), romantico (Inghilterra). Successivamente, il nome della tendenza ha messo radici ed è arrivato fino ai nostri giorni come romantico - qualcosa di pittorescamente strano, fantasticamente bello, esistente solo nei libri, ma non nella realtà.

caratteristiche generali

Il romanticismo sostituisce l'età dell'Illuminismo e coincide con la rivoluzione industriale, caratterizzata dall'apparizione della macchina a vapore, della locomotiva a vapore, del battello a vapore, della fotografia e della periferia della fabbrica. Se l'Illuminismo è caratterizzato dal culto della ragione e da una civiltà fondata sui suoi principi, allora il romanticismo afferma il culto della natura, dei sentimenti e del naturale nell'uomo.

È nell'era del romanticismo che prendono forma i fenomeni del turismo, dell'alpinismo e del picnic, volti a ripristinare l'unità dell'uomo e della natura. È richiesta l'immagine di un "nobile selvaggio" armato di "saggezza popolare" e non viziato dalla civiltà. Cioè, i romantici volevano mostrare una persona insolita in circostanze insolite. In breve, i romantici si opponevano alla civiltà progressista.

Romanticismo in pittura

La profondità delle proprie esperienze e pensieri personali è ciò che i pittori trasmettono attraverso la loro immagine artistica, realizzata con l'aiuto del colore, della composizione e degli accenti. Diversi paesi europei avevano le loro peculiarità nell'interpretazione dell'immagine romantica. Tutto ciò è connesso con la corrente filosofica, oltre che con la situazione socio-politica, a cui l'arte era l'unica risposta vivente. La pittura non faceva eccezione.

La Germania a quel tempo era frammentata in piccoli ducati e principati e conobbe gravi sconvolgimenti pubblici. I pittori non hanno raffigurato eroi-titani, non hanno realizzato tele monumentali; in questo caso, il profondo mondo spirituale di una persona, la ricerca morale, la sua grandezza e bellezza hanno suscitato entusiasmo. Pertanto, nella massima misura, il romanticismo nella pittura tedesca è presentato in paesaggi e ritratti.

Lo standard tradizionale di questo genere sono le opere di Otto Runge. Nei ritratti di questo pittore, attraverso il trattamento dei tratti del viso e degli occhi, attraverso il contrasto di ombre e luci, viene trasmesso lo zelo dell'artista nel dimostrare la natura contraddittoria della personalità, la sua profondità e forza del sentimento. Grazie al paesaggio, un'immagine esagerata e, in misura minore, strabiliante di alberi, uccelli e fiori. Otto Runge ha anche cercato di scoprire la versatilità della personalità umana, la sua somiglianza con la natura, non identificata e diversa.

Auto ritratto "Tre di noi", 1805, Philip Otto Runge

In Francia, il romanticismo in pittura si sviluppò secondo principi diversi. La vita sociale tempestosa, così come gli sconvolgimenti rivoluzionari si manifestano nella pittura per la gravitazione dei pittori verso soggetti storici e mozzafiato, anche con eccitazione e pathos "nervosi", che sono stati raggiunti da un contrasto cromatico abbagliante, un certo caos, espressione di movimenti, come così come la spontaneità delle composizioni.

Nelle opere di T. Gericault, le idee romantiche sono presentate in modo più vivido. Il pittore ha creato una profondità pulsante di emozione, usando professionalmente luce e colore, raffigurando un impulso sublime per la libertà e la lotta.

Derby a Epsom, 1821, Theodore Gericault

"Ufficiale dei ranger a cavallo della guardia imperiale, all'attacco", 1812

L'era del romanticismo ha anche trovato il suo riflesso nelle tele di artisti che esponevano paure interiori, impulsi, amore e odio in chiari contrasti di luce, ombra e mezzitoni. I corpi imbiancati di GI Fuesli insieme alle fantasmagorie di mostri immaginari, i corpi femminili nudi e toccanti di E. Delacroix sullo sfondo di detriti e fumo tenebrosi, quadri dipinti dal potere magico del pennello del pittore spagnolo F. Goya, il la freschezza della calma e l'oscurità della tempesta I. Aivazovsky - furono trascinati dalle profondità dei secoli gotico e rinascimentale alla superficie di ciò che in precedenza era così abilmente mascherato dai canoni generalmente accettati.

Incubo, 1781, di Johann Heinrich Füsli

Libertà che guida il popolo, 1830, Eugene Delacroix

Arcobaleno, Ivan Aivazovsky

Se la pittura dei secoli XIII e XIV fu avara di emozioni, e nei successivi trecento anni di formazione dell'arte del primo e dell'alto rinascimento, con il suo superamento della religiosità e della fede cieca in qualcos'altro o nel periodo del L'Illuminismo, che pose fine alla "caccia alle streghe", poi l'esibizione artistica sulle tele del Romanticismo consentì di affacciarsi su un mondo diverso da quello reale.

Per trasmettere le passioni, gli artisti hanno fatto ricorso all'uso di colori ricchi, tratti luminosi e saturazione di dipinti con "effetti speciali".

Biedermeier

Uno dei rami del romanticismo in pittura è lo stile biedermeier... La caratteristica principale del Biedermeier è l'idealismo. Nella pittura predominano le scene quotidiane, mentre in altri generi i dipinti sono di natura intima. La pittura si sforza di trovare tratti di fascino idilliaco nel mondo dell'omino. Questa tendenza è radicata in particolare nello stile di vita nazionale tedesco, principalmente borghese.

Topo di biblioteca, ca. 1850, K. Spitzweg

Uno dei più importanti rappresentanti della pittura Biedermeier, Karl Spitzweg, dipinse eccentrici filistei, come venivano chiamati in Germania, filistei, come lui stesso era.

Certo, i suoi eroi sono limitati, questi sono i piccoli di provincia, che innaffiano le rose sul balcone, postini, cuochi, scrivani. C'è umorismo nei dipinti di Spitzweg; ride dei suoi personaggi, ma senza malizia.

Gradualmente il concetto di "Biedermeier" si è diffuso nella moda, nell'arte applicata, nella grafica, nell'interior design, nell'arredamento. Nelle arti applicate, la pittura su porcellana e vetro è più sviluppata. Nel 1900, la parola era arrivata anche a significare "i bei vecchi tempi".

Il Biedermeier è uno stile provinciale, sebbene anche artisti metropolitani abbiano lavorato in questo stile, a Berlino e Vienna. Il Biedermeier entrò anche in Russia. La sua influenza è nelle opere dei maestri russi, A. G. Venetsianov e V. A. Tropinin. L'espressione "Biedermeier russo" esiste, anche se suona ridicola.

Pastore addormentato, 1823-24, A.G. Venetsianov

Ritratto di famiglia dei conti Morkov, 1813, V.A.Tropinin

In Russia, Biedermeier è il tempo di Pushkin. La moda Biedermeier è la moda dei tempi di Pushkin. Si tratta di una giacca, un gilet e un cilindro da uomo, un bastone, pantaloni attillati con strisce. A volte - un frac. Le donne indossavano abiti con vita stretta, ampie scollature, ampie gonne a campana e cappelli. Le cose erano semplici senza decorazioni elaborate.

Gli interni in stile Biedermeier sono caratterizzati da intimità, proporzioni equilibrate, semplicità delle forme e colori chiari. I locali erano luminosi e spaziosi, motivo per cui l'interno era percepito come moderatamente semplice, ma psicologicamente confortevole. Le pareti delle stanze con profonde nicchie delle finestre erano dipinte di bianco o di altri colori chiari e incollate con carta da parati a righe in rilievo. Il motivo delle tende delle finestre e della tappezzeria era lo stesso. Questi accessori interni di stoffa erano colorati e contenevano disegni raffiguranti fiori.

Appare il concetto di "camera pulita", cioè una stanza che non veniva utilizzata nei giorni feriali. Questa "sala della domenica" solitamente chiusa veniva utilizzata solo per ricevere gli ospiti. Mobili dipinti con colori caldi e acquerelli a parete, incisioni, nonché un gran numero di decorazioni e souvenir hanno aggiunto ulteriore intimità agli interni residenziali. Come nel caso delle preferenze di stile, il pratico Biedermeier seleziona solo quegli arredi che corrispondono alla loro idea di funzionalità e comfort. Mai prima d'ora i mobili hanno raggiunto così pienamente il loro scopo come in quest'epoca: la decorazione svanisce in secondo piano.

All'inizio del XX secolo, Biedermeier iniziò a essere valutato negativamente. Era inteso come "volgare, filisteo". Aveva davvero caratteristiche come l'intimità, l'intimità, il sentimentalismo, la poeticizzazione delle cose, che portavano a tale valutazione.

Romanticismo in letteratura

Il romanticismo si oppose all'Illuminismo anche in termini di parole: il linguaggio delle opere romantiche, sforzandosi di essere naturale, "semplice", accessibile a tutti i lettori, era qualcosa di opposto ai classici con i suoi temi nobili, "sublimi", caratteristici, ad esempio, della tragedia classica.

Eroe romantico- una personalità complessa, appassionata, il cui mondo interiore è insolitamente profondo, infinito; è un intero universo pieno di contraddizioni. I romantici erano interessati a tutte le passioni, sia alte che basse, che si opponevano l'una all'altra. La passione alta è l'amore in tutte le sue manifestazioni, la passione bassa è l'avidità, l'ambizione, l'invidia. Interesse per sentimenti forti e vividi, passioni che consumano tutto, per movimenti segreti dell'anima: questi sono i tratti caratteristici del romanticismo.

Tra i tardi romantici dell'Europa occidentale, il pessimismo in relazione alla società acquisisce proporzioni cosmiche, diventa "la malattia del secolo". Gli eroi di molte opere romantiche (F.R. Chateaubriand, A. Musset, J. Byron, A. Vigny, A. Lamartin, G. Heine, ecc.) Sono caratterizzati da stati d'animo di disperazione, disperazione, che acquisiscono un carattere umano universale. La perfezione è persa per sempre, il mondo è governato dal male, il caos antico sta risorgendo. Il tema del "mondo spaventoso" caratteristico di tutta la letteratura romantica è stato incarnato in modo più vivido nel cosiddetto "genere nero", così come nelle opere di Byron, C. Brentano, ETA Hoffmann, E. Poe e N. Hawthorne .

Allo stesso tempo, il romanticismo si basa su idee che sfidano il "mondo terribile" - soprattutto, le idee di libertà. La delusione del romanticismo è una delusione nella realtà, ma il progresso e la civiltà ne sono solo un lato. Il rifiuto di questo lato, la mancanza di fede nelle possibilità della civiltà forniscono un'altra via, una via verso l'ideale, verso l'eterno, verso l'assoluto. Questo percorso deve risolvere tutte le contraddizioni, cambiare completamente la vita. Questa è la via della perfezione, «verso la meta, la cui spiegazione va cercata dall'altra parte del visibile» (A. de Vigny).

Per alcuni romantici, il mondo è dominato da forze incomprensibili e misteriose, che devono essere obbedite e non cercare di cambiare il destino (poeti della "scuola del lago", Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Per altri, il "male del mondo" ha provocato una protesta, ha chiesto vendetta e lotta. (J. Byron, P.B. Shelley, S. Petofi, A. Mitskevich, primo A.S. Pushkin). Ciò che li accomuna tutti era che tutti vedevano nell'uomo un'unica essenza, il cui compito non si riduce affatto alla risoluzione dei problemi quotidiani. Al contrario, senza rinnegare la quotidianità, i romantici hanno cercato di svelare il mistero dell'esistenza umana, rivolgendosi alla natura, confidando nel loro sentimento religioso e poetico.

A proposito, è grazie a Zhukovsky che uno dei generi preferiti dei romantici dell'Europa occidentale entra nella letteratura russa - ballata... Grazie alle traduzioni di Zhukovsky, i lettori russi hanno conosciuto le ballate di Goethe, Schiller, Burger, Southey, W. Scott. "Un traduttore in prosa è uno schiavo, un traduttore in versi è un rivale", queste parole appartengono allo stesso Zhukovsky e riflettono il suo atteggiamento nei confronti delle sue stesse traduzioni.

Dopo Zhukovsky, molti poeti si sono rivolti al genere della ballata - A.S. Pushkin ( Canzone del profetico Oleg, Affogato), M. Yu. Lermontov ( Dirigibile, Sirena), A.K. Tolstoj ( Vasilij Shibanov) e così via.

Finì l'era del classicismo e dell'illuminismo, che dominò per due secoli la filosofia, la letteratura e l'arte, le cui idee progressiste degenerarono rapidamente in terrore sanguinario, esecuzioni e insofferenza ideologica. La risposta a contraddizioni così tangibili tra idee elevate e la realtà molto poco attraente che hanno dato origine è stata l'emergere di un fenomeno culturale molto esteso e onnicomprensivo - il romanticismo - l'ultima tendenza nella storia dell'arte nella sua portata e profondità di idee, che ha trovato vivida espressione nella letteratura, nella musica e nella pittura...

Il romanticismo nella letteratura e nell'arte divenne il punto più alto delle idee dell'umanesimo, che apparvero durante il Rinascimento. Fu allora che sorse l'attenzione per l'uomo terreno, che con le sue mancanze e debolezze divenne la misura di tutto ciò che esiste. I risultati, che diedero luogo a nette contraddizioni nelle menti dei giovani e mostrarono l'intera incoerenza delle idee dell'Illuminismo, costrinsero nuovamente a prestare attenzione al mondo interiore dell'individuo, alla sua originalità e profondità, rifiutando il razionale socio -idee politiche di armonia e prosperità universali.

Il romanticismo nella letteratura e nell'arte ha presentato il mondo intorno a una persona come un mistero e un enigma, che può essere compreso solo da sentimenti, emozioni e cuore. La realtà razionale è sostituita da mondi fantastici che non possono essere conosciuti dalla ragione. Solo i sentimenti forti sono in grado di resistere al mondo, e in forza e profondità sono potenti quanto l'Universo.

L'eroe romantico sfida sempre audacemente il mondo che lo circonda, è perfettamente consapevole della sua esclusività, è orgoglioso di lei, mentre si rende conto che la sua morte è inevitabile, perché è in conflitto non con individui o circostanze sociali, ma con l'intero Universo. Il romanticismo nella letteratura e nell'arte descrive profondamente e con grande amore l'eroe, le sue forti esperienze emotive. Inoltre, queste esperienze sono infinite, perché gli eroi romantici sono un gomitolo di contraddizioni. Ribellandosi a un mondo imperfetto, alcuni corrono verso l'alto, cercando di raggiungere la perfezione uguale a Dio, altri, al contrario, si tuffano nella spaventosa profondità del male e del vizio.

Il romanticismo in letteratura si costruisce allo stesso modo: alcuni scrittori romantici cercano di trovare un ideale nel Medioevo, dove vedono un tempo più pulito e ordinato, altri progettano utopie, creando modelli ideali del futuro. Ma tutti cercano di uscire dal presente, dove non c'è altro che una miserabile realtà borghese.

Il romanticismo in letteratura è diventato il fondatore di nuove forme e ha formulato nuovi compiti che rimangono rilevanti oggi. Gli scrittori romantici hanno creato nuovi contenuti, ne hanno proposti di nuovi, dove la cosa principale diventa una ribellione contro l'ottusità e l'ordinarietà, e l'eroe si trasforma in una persona integra e armoniosa, comprendendo e abbracciando con la sua personalità insolita e potente non solo le leggi dell'esistenza terrena , ma anche ideali celesti.

Il romanticismo nell'arte e nella letteratura formò i principi di nazionalità e storicismo, che divennero fondamentali nell'ulteriore sviluppo dell'arte. Un'altra impresa interessante in questa direzione è stata la teoria dell'ironia romantica, formulata dal teorico, filosofo tedesco F. Schlegel. Ha proclamato il grande ruolo dell'arte come strumento perfetto per la conoscenza e la trasformazione del mondo, rispettivamente, gli artisti del romanticismo sono grandi creatori, uguali a Dio. Ma era anche chiaro che qualsiasi artista, anche il più talentuoso, è solo una persona e la sua visione del mondo è soggettiva e limitata. La teoria dell'ironia romantica era la risposta a questa contraddizione tra l'ideale nell'arte romantica e la realtà. Schlegel ha sostenuto che l'ironia deve essere presente nella visione dell'artista non solo al mondo che lo circonda, ma anche a se stesso, al processo creativo e al suo risultato. Così, il creatore ammette la sua imperfezione e l'impossibilità di creare un ideale, poiché non è in grado di risolvere l'enigma del mondo e dell'universo.