Principali generi musicali. Argomento: Stili e generi musicali. Generi musicali vocali

GENERE MUSICA

Gli studenti dovrebbero

Conoscere: classificazioni di genere, generi vocali, generi strumentali. Grandi forme di musica vocale, strumentale, strumentale e corale. Musica sinfonica. Opera, balletto. Tendenze moderne nella musica.

Conferenza

Musica da camera

Ai vecchi tempi, quando non c'erano sale da concerto, società filarmoniche, musica strumentale e piccolo opere vocali eseguita B nelle case degli amanti della musica. Suonavano sonate, trii, quartetti, qualcuno cantava con l'accompagnamento di un clavicembalo o di altri strumenti. Tra gli ascoltatori di solito c'erano solo poche persone, parenti e conoscenti.

Così, suonavano musica sia nelle modeste case degli artigiani che nei salotti aristocratici. Da qui l'espressione - musica da camera, cioè, la musica è fatta per essere suonata nella stanza, la musica è a casa.

musica vocale

La musica per la voce, per il canto è la forma più antica di arte musicale, coetanea del linguaggio umano. Il fatto che un suono allungato e lungo sia più bello ed espressivo di uno corto e brusco, una persona che ha capito da molto tempo. Ovviamente, pregando, evocando spiriti invisibili su qualcosa, ha cercato di tirare il suono, ha cercato di rendere il suo suono melodioso. Così era, o altrimenti - non è noto, ma le canzoni più antiche che conosciamo sono proprio tali incantesimi di spiriti. È persino difficile chiamarle canzoni, le loro melodie sono molto semplici e primitive, ma comunque queste erano già le prime canzoni. ovviamente c'erano altre canzoni legate alla vita di tutti i giorni. Molte canzoni sono dedicate alla cosa più importante nella vita umana: lavoro, lavoro. Molti di loro sono progettati per essere cantati mentre lavori. Le loro melodie, i ritmi sono adattati ai movimenti di una persona durante questo o quel travaglio.

Un uomo attraversa il campo, lentamente, senza fretta, raccoglie il grano dal cesto e lo sparge con un ampio gesto morbido sulla terra arata - canta una canzone al ritmo di un passo.

Erba versata nei prati, è ora di falciare. I falciatori camminano uno dopo l'altro: insieme fanno dondolare le trecce contemporaneamente e ovviamente il canto dovrebbe essere più energico, più chiaro.

La segale è matura. Le donne con le falci sono entrate nei campi - una nuova canzone; trebbiando la segale sulla corrente - cantano anche.

L'inverno è arrivato - e qui non puoi fare a meno di una canzone nelle lunghe sere d'inverno dietro un fuso o un filatoio.

Il canto senza accompagnamento strumentale si chiama - a cappella.

(apprendimento e analisi di canti popolari a scelta del docente)

musica vocale, eseguita da voci umane, è una combinazione di due tipi di arte: musica e poesia

Quasi tutti i brani vocali hanno parole. Ecco perché le loro melodie in un modo o nell'altro sono associate non solo al linguaggio delle parole, ma anche alle intonazioni espressive del linguaggio umano. In qualsiasi opera vocale, il ruolo principale appartiene alla melodia, in cui di solito si concentra l'idea principale dell'opera, si esprime l'essenza dell'immagine musicale.

Conoscendo la musica popolare di diversi paesi, si può essere convinti della straordinaria ricchezza dei generi di canzoni: lavoro, gioco rituale, ballo tondo, danza, magnificenza, lirica, eroico-epica, comica, satirica. Le canzoni di famiglia includono ninne nanne, canzoni nuziali, canzoni funebri e lamentazioni. E tutti questi tipi di canzoni si sono formate in stretta connessione con la vita sociale di questa o quella nazione, che le ha generate, la sua attività lavorativa e la vita familiare e quotidiana.

Prova di controllo

1.Cos'è la vocalizzazione?

A) canto con accompagnamento;

B) cantare con il nome delle note;

V) un gioco senza parole.

2. Cos'è una ballata?

A) canzone senza parole;

B) canzone narrativa;

C) una canzone dal carattere sensuale e lirico.

3. Cosa hanno in comune le canzoni popolari ei romanzi? (dov'è la risposta sbagliata?)

C) sono stati creati da dilettanti - cantanti;

G) creato da compositori.

4. Cos'è una cappella?

A) canto con accompagnamento strumentale;

B) cantare in coro;

V) canto senza accompagnamento strumentale.

Generi strumentali

Gli studenti dovrebbero

Conoscere :

varietà del genere strumentale;

i tratti caratteristici di queste opere;

i nomi di diverse opere e i compositori che le hanno create.

il metodo di percepire un brano musicale.

Essere in grado di:

identificare a orecchio opere strumentali di diverso genere;

elaborare un piano per l'analisi di un brano musicale;

condurre un'analisi di un brano musicale con gli studenti su un determinato argomento;

raccogliere compiti per gli studenti per la percezione attiva di un brano musicale;

elaborare compiti per la percezione associativa della musica;

comporre movimenti ritmici per intonazione plastica;

pensare e scrivere una partitura ritmica per suonare su DMI (strumenti musicali per bambini);

condurre vari tipi di attività musicali con gli studenti che attivano la percezione della musica strumentale di diversi generi e stili.

Conferenza

Quale musica si è sviluppata in precedenza vocale o strumentale?

La musica strumentale europea si è sviluppata più tardi della musica vocale, conservando per lungo tempo un carattere applicato, accompagnando processioni solenni e funebri, balli cittadini e di corte, battute di caccia.

A casa, suonavano canzoni e balli su strumenti a corde pizzicate - il LUTNE a più corde - il predecessore della chitarra e del mondolin. Nel XVI secolo gli strumenti a tastiera si diffusero nella vita domestica: clavicembalo, clavicordo, clavichembalo, in Inghilterra virginale.

Le danze urbane domestiche dei secoli XVI - XVIII erano varie nella natura del movimento e del ritmo. Tra questi c'erano danze fluenti: processioni (pavana italiana, alemanda tedesca, sarabanda spagnola), vivace, scorrevole (carillon e minuetto francesi), salti veloci e salti (bore, gavotte giga).

Dall'alternanza e giustapposizione di vari balli nacque l'antico suite.

Suite(dalla Suite francese - "serie", "sequenza") - un'opera musicale di più brani di carattere diverso, uniti da un unico concetto. Ad esempio, "Carnevale" di R. Schumann, un ciclo di varie miniature per pianoforte. Oppure "Quadri di una mostra" di M.P. Mussorsky - una raccolta di opere teatrali che trasmettono l'impressione del compositore dalla mostra dell'artista V.A. Hartmann. Spesso le suite sono composte da musica per spettacoli teatrali, film, balletti e brani d'opera. Tali sono, ad esempio, le suite "Peer Gynt" di E. Grieg, "Carmen" di R. Shchedrin.

La suite è caratterizzata dalla rappresentazione pittorica, stretto legame con il canto e la danza. La suite si distingue dalla sonata e dalla sinfonia per la maggiore indipendenza delle parti, il minor rigore e regolarità del loro rapporto.

In Germania, alla fine del XVII secolo, si formò un'esatta sequenza di parti:. ad esempio da G. F. Handel, J. B. Luli, J. S. Bach.

Le suite dei secoli XVII-XVIII erano ballabili; le suite orchestrali non da ballo sono apparse nel XIX secolo; il più famoso - "Scheherazade" di N. A. Rimsky-Korsakov, "Pictures at an Exhibition" di M. P. Mussorgsky

Oltre alle suite per clavicembalo e per organo, sono caratteristici i cicli in due parti, costituiti da preludi e fughe o toccate e fughe.

Toccata(italiano - tocco, tocco) - il titolo di un pezzo di carattere virtuosistico, basato su un movimento veloce e ritmicamente uniforme senza episodi lirici melodiosi.

Preludio(lat. prae ... - prima e lat. ludus - play) - un breve brano musicale che non ha una forma rigida. Durante il suo inizio, il preludio precedeva sempre un'opera più lunga, più complessa e strettamente progettata (da cui il nome), ma in seguito i compositori iniziarono a scrivere preludi come opere indipendenti.

JS Bach ha scritto "Il clavicembalo ben temperato"

composto da preludi e fughe e ha influenzato quasi tutti i compositori significativi di epoche successive. Molti di loro scrissero i loro cicli di 12 o 24 preludi, che erano arrangiati, come in Bach, in chiave. Frederic Chopin ha scritto un ciclo di 24 preludi senza fughe, liberando così il preludio dal suo scopo originale: un pezzo introduttivo. Da allora, molti compositori hanno scritto preludi come opere indipendenti. Due volumi di preludi impressionisti di Claude Debussy hanno avuto un'influenza particolarmente grande sui compositori successivi.

Cicli preliminari notevoli

JS Bach - due volumi di "Clavicembalo ben temperato", ogni volume contiene 24 preludi e fughe in 12 tonalità maggiori e 12 minori, un preludio e fuga per ogni tasto di pianoforte.

F. Chopin - 24 preludi,

K. Debussy - due volumi di 12 preludi. Ogni preludio termina con il suo titolo, mentre davanti ad esso c'è solo un numero romano che ne indica il numero.

S. V. Rachmaninov -24 preludi, tra cui il famoso preludio in do diesis minore.

A. N. Scriabin - 24 preludi

P. Hindemith - Ludus Tonalis, Preludio, 11 Interludi

D. D. Shostakovich - un ciclo di 24 preludi e fughe e un precedente ciclo di 24 preludi per pianoforte.

Test.

B) Esercizi musicali con passaggi virtuosistici;

C) un breve saluto musicale.

2. La marcia è:

UN) un brano dal ritmo misurato e chiaro;

B) un brano musicale in cui la parte principale è ripetuta più volte;

C) un pezzo virtuosistico.

UN) un pezzo virtuosistico dal carattere stravagante;

B) una commedia di carattere triste;

C) pezzo jazz.

4. Una fuga è:

A) un gioco di forma libera;

B) un brano in movimento veloce con un ritmo chiaro;

5. Un concerto è:

A) parlare in pubblico;

B) opera per orchestra sinfonica, composta da quattro parti;

C) brano per strumento solista e orchestra.

Sonata

Se confrontiamo la sonata con il genere letterario, allora il confronto con romanzo o storia... Come l'imsonata, è diviso in più parti. Di solito ce ne sono tre o quattro. Come il romanzo, la sonata è popolata da vari temi musicali di "eroi".

I temi non si limitano a susseguirsi, ma interagiscono, si influenzano a vicenda e talvolta entrano in conflitto.

Il primo movimento della sonata si distingue per la massima tensione e acutezza. Pertanto, ha sviluppato una propria forma sonata speciale.

Innanzitutto, il compositore introduce i personaggi principali: i temi musicali. È come l'inizio di un dramma. Quindi l'azione si sviluppa, si acuisce, raggiunge l'apice, dopo di che arriva l'epilogo. Pertanto, la forma sonata è composta da 3 sezioni.

1°. Esposizione, in cui i temi principali appaiono in chiavi diverse, l'azione stessa è 2 - sviluppo e risultato di 3 -reprise. Nella ripresa, c'è una ripetizione di ciò che era in mostra, ma con cambiamenti causati da eventi di sviluppo. Tutti i temi musicali nella ripresa appaiono in un'unica chiave di base, a volte completando il primo movimento della sonata del movimento. Contiene estratti dagli argomenti più importanti della parte, si afferma la tonalità principale,

II parte composto, di regola, al rallentatore. La musica trasmette il flusso tranquillo del pensiero, glorifica la bellezza dei sentimenti, dipinge paesaggi sublimi.

Parte III (finale) di solito è sostenuto ad un ritmo veloce, a volte anche in un movimento rapido. Questo è il risultato, le conclusioni delle parti precedenti: può essere ottimista, affermativo, ma a volte è anche drammatico e persino tragico.

Le sonate classiche sono emerse contemporaneamente alle sinfonie, nella seconda metà del XVIII secolo. Il termine "sonata" ha avuto origine all'inizio del XVI secolo dalla parola italiana suonare. Inizialmente, questo era il nome di qualsiasi brano musicale strumentale.

Suoni della parte III

Quali associazioni sono sorte?

Sembra una tempesta che spazza via tutto sul suo cammino. Quattro onde sonore, che arrivano con una pressione tremenda. Ogni ondata termina con due colpi acuti: gli elementi infuriano. Ma ecco che arriva il secondo tema. La sua voce alta è ampia, melodiosa: si lamenta, protesta. Lo stato di estrema eccitazione viene mantenuto grazie all'accompagnamento - nello stesso movimento dell'inizio tempestoso della parte 3. A volte sembra che sopraggiunga lo sfinimento completo, ma la persona si rialza per superare la sofferenza.

Questa è la parte dominante della sonata e la naturale conclusione dei suoi drammatici eventi. Tutto qui è come nella vita di tante persone, per le quali vivere significa combattere, vincere la sofferenza.

"Patetica Sonata " № 8

La sonata fu scritta da L. Beethoven nel 1798. Il titolo appartiene al compositore stesso. Dalla parola greca "pathos" - con uno stato d'animo elevato ed edificante. Questo nome si riferisce a tutte e tre le parti della sonata, sebbene questo "elevamento" sia espresso in ciascuna parte in modi diversi.

parte prima scritto a ritmo serrato sotto forma di sonata allegro. L'inizio della sonata è insolito "L'introduzione lenta suona cupa e allo stesso tempo solenne. Accordi pesanti, il suono a valanga si sposta gradualmente dal registro inferiore. Domande minacciose suonano sempre più insistenti. A queste risposte viene risposto da un dolce, melodioso melodia con un tocco di supplica sullo sfondo di accordi calmi.

Dopo l'introduzione, inizia una rapida sonata allegro.

festa principale somiglia alle onde che si sollevano violentemente. Sullo sfondo del basso irrequieto, la melodia della voce superiore sale e scende ansiosamente.

Partito vincolante calma gradualmente l'eccitazione del tema principale e porta a un melodico e melodioso partito laterale.

Contrariamente alle regole stabilite nelle sonate dei classici viennesi, la parte laterale della Sonata Pathetique non suona nel maggiore parallelo, ma nell'omonimo minore.

Controllo

1.In che anno è nato L, Beethoven?

A) .1670,

B). 1870,

V). 1770 anno.

2. Dove è nato Beethoven?

UN). A Bonn,

B). A Parigi,

V). A Bergen.

3. Chi era l'insegnante di Beethoven?

UN). Handel G.F.

B). Nefe K.G.

V). Mozart W.

4. A che età Beethoven scrisse la Sonata al chiaro di luna?

UN). A 50 anni.

B). A 41.

V). All'età di 21 anni.

5 . Giusto per amare ciò che Beethoven scrisse “Moonlight Sonata?

UN). Giulietta Guichardi.

B) Giulietta Capuleti.
V). Giuseppina Deim.

6. Quale poeta ha dato il nome alla Sonata n. 14 "Moonlight"?

A), e Schiller.

B). L. Relshtab.

V). I. Shenkom.

7. Quale opera non appartiene all'opera di Beethoven?

UN). "Patetica Sonata".

B). "Sinfonia eroica".

V),."Studio rivoluzionario".

8. Quante sinfonie scrisse Beethoven?

Esercizio 1.

Ascolta due opere, determina quale di esse di L. Beethoven per stile, spiega la tua opinione.

Suoni: "Preludio n. 7" di F. Chopin e "Sonata" n. 14, parte 3 di L. Beethoven.

Sinfonia

Sinfonia(dal greco συμφωνία - "consonanza") è un genere di musica strumentale sinfonica di una forma multiparte di contenuto ideologico fondamentale.

A causa della somiglianza nella struttura con sonata, la sonata e la sinfonia sono unite sotto il nome generale “ ciclo sonata-sinfonico ". Una sinfonia classica (nella forma in cui è presentata nelle opere dei classici viennesi - Haydn, Mozart e Beethoven) di solito ha quattro parti.

Il 1° movimento, a ritmo serrato, è scritto in forma sonata;

2°, al rallentatore, scritto in forma di variazioni, rondò, rondò sonata, complesso in tre parti

3° - scherzo o minuetto - in forma in tre parti

4° movimento, a un ritmo veloce - in forma sonata, sotto forma di rondò o rondò.

Una sinfonia a programma è una sinfonia associata al contenuto ben noto esposto nel programma ed espresso, ad esempio, nel titolo o nell'epigrafe, - "Sinfonia pastorale" di Beethoven, "Sinfonia fantastica" di Berlioz, Sinfonia n. 1 "Sogni d'inverno" di Tchaikovsky, ecc.

Compiti degli studenti

Ascoltare e analizzare brani delle sinfonie di il programma del cretese E. D. "Musica".

Sinfonia n. 40 di Mozart, esposizione.

1. Canta il solfeggio della melodia principale, vocalizza, sul testo inventato da te.

2. Ascolta e disegna la linea melodica del tema principale.

3. Nel processo di ascolto, disegna l'immagine artistica sorta.

4. Comporre una partitura ritmica per il WMI.

5. Imparare i movimenti ritmici proposti e comporre improvvisazioni ritmiche.

A.P. Borodin Sinfonia n. 2 "Eroica"

1. Il tema principale: cantare, suonare metallofoni, suonare il pianoforte.

2. Confronta l'immagine musicale con quella artistica - A. Vasnetsov "Bogatyrs".

P. Tchaikovsky Sinfonia n. 4 finale

1. Canta il tema principale con pause sulle parole della canzone "C'era una betulla nel campo".

2. Eseguire l'accompagnamento ritmico su strumenti musicali rumorosi.

Teatro.

Musica lirica.

Gli studenti devono:

sapere:

Cos'è l'opera;

Tipi di opera: (eroica, lirica, fiabesca, comica, popolare).

Cosa costituisce la base dell'opera; (aria, cavatina, arioso, ensemble - duetti, trii, quartetti, quintetti; recitativi, ouverture, cori)

Le opere più famose di compositori russi e stranieri;

frammenti musicali di varie opere.

Essere in grado di:

Prepara una storia per gli studenti più giovani sull'opera, sui compositori, su tutto ciò che costituisce un'opera.

Conduci una conversazione con gli studenti su questo genere.

Preparare una storia su un'opera con l'ascolto e l'analisi di frammenti.

Suona e canta alcuni temi popolari di opere liriche;

Imparare con gli studenti frammenti di arie d'opera; cori.

Conferenza

musica lirica- questa è una muse grande e complessa uno spettacolo di balletto in cui canto, musica sinfonica, azione drammatica, balletto, pittura si intrecciano organicamente. L'opera, come ogni rappresentazione teatrale, si svolge sul palcoscenico. Gli spettatori vedono gli eroi del lavoro, le loro azioni, seguono lo svolgersi degli eventi. scene e costumi danno un'idea dell'epoca, determinano la scena e l'aspetto di ogni personaggio. Tuttavia, il posto di primo piano nell'opera appartiene alla musica. È il principale mezzo di espressione: rivela i caratteri dei personaggi, le loro relazioni, trasmette la tensione dell'azione. L'opera ha un ricco passato storico. È nata circa 400 anni fa in italiano la città Firenze. E per tutto questo tempo, il dibattito su quale sia la cosa principale in esso è la musica o il testo. C'è stato un periodo nella storia dell'opera in cui un poeta, librettista era considerato il suo autore, e il compositore - persona minorenne - doveva obbedire agli autori del testo e ai cantanti.

C'è stato un tempo in cui le persone hanno smesso di prestare attenzione al contenuto. L'opera si trasformò in un "concerto" in costume. Nei secoli XVIII-XIX, il genere dell'opera si è finalmente formato nella forma che conosciamo e amiamo oggi.

La cosa principale nell'opera- lo stesso musica

Nata in Italia nel XVI secolo, l'opera ha conosciuto un'ampia e complessa diffusione in altri paesi d'Europa e del mondo. Essendo emerso come un'opera mitologica - basata sulla trama dell'antico mito greco sulla lotta del dio Apollo con il serpente Pitone - ora è sorprendentemente ricco di trame.

Nel XIX secolo, sono emerse scuole nazionali d'opera in diversi paesi. I loro rappresentanti più brillanti in Italia sono "Le nozze di Figaro" di Rossini, "Il barbiere di Siviglia", "Rigaletto" "Traviata" di Verdi, "Cio-Cio-San" di Puccini.

In Russia, l'arte operistica ha raggiunto le vette più alte nelle opere di Glinka "Ivan Susanin", "Ruslan e Lyudmila", Dargomyzhsky "Rusalka", Borodin "Prince Igor", Musorsky "Boris Godunov", Rimsky-Kopsky "Snow Maiden", Ciajkovskij "Eugene Onegin", La dama di picche.

Il compositore scrive un'opera su una trama, contenuto, ad es. libretto.

Libretto- questo è il testo integrale di una composizione musicale e teatrale, quelli. opera, operetta, balletto. Di norma, il libretto è composto da autori specializzati in questo - librettisti. Spesso un'opera letteraria o drammatica funge da fonte primaria di un libretto. Ad esempio, le opere popolari "Eugene Onegin", "The Queen of Spades", "Traviata", "Rigaletto", "Carmen", "Snow Maiden", "Boris Godunov", "War and Peace" ... queste sono Opere russe, straniere e sovietiche, basate sulle famose opere di Pushkin, Tolstoj, Ostrovsky, Merimee, Hugo, Dumas-son. Tuttavia, queste opere sono notevolmente cambiate, perché il genere dell'opera ha le sue specificità. Il testo dell'opera dovrebbe essere molto laconico: dopotutto, la parola cantata suona molto più a lungo di quella pronunciata. Inoltre, la base di un gioco drammatico è dialogo. Nell'opera, tuttavia, dovrebbero esserci arie, ensemble, cori. Tutto questo richiede anche l'elaborazione. Il libretto può essere indipendente, non basato su un'opera letteraria. A volte il compositore stesso diventa l'autore del libretto. A.P. Borodin - "Principe Igor", M.P. Musorsky - "Boris Godunov", "Khovanshchina"

A. Dargomyzhsky sceglie un'opera drammatica di A.S. Pushkin, senza cambiare una sola parola. L'opera ha arie.

1.Aria - questa è la caratteristica principale del personaggio, il ritratto musicale dell'eroe. L'aria contiene il materiale tematico musicale principale che caratterizza l'eroe. Dal punto di vista dello sviluppo della trama e dell'azione scenica, l'aria coincide molto spesso con un momento importante nella vita dell'eroe. La struttura dell'aria è diversa: in due parti, in tre parti, rondò e altri. Nella maggior parte dei casi, l'aria contiene due diversi materiali musicali (per una caratterizzazione completa dell'eroe). L'aria è d'obbligo nelle parti dei protagonisti.

2. arioso - differisce dall'aria per contenuto e dimensioni. Questa è una caratterizzazione parziale del personaggio in relazione a un evento. Qui viene trasmesso l'atteggiamento dell'eroe nei confronti di un altro personaggio o la sua reazione all'evento. La forma è più spesso in tre parti.

3. Arietta - Aria piccola italiana, di piccole dimensioni, che ricorda un arioso, ma differisce in una melodia più semplice, simile a una canzone Forma: una parte, semplice a due e tre parti.

4. Ballata associati alla natura narrativa della presentazione (distico o forma trasversale).

5. Romanticismo, serenata il più delle volte trasmettono le esperienze liriche dell'eroe (la forma è un semplice in tre parti, rondò, distico, variazione di distico).

6. Cavatina - una piccola aria lirica. Dalla fine del XVIII secolo, un'aria all'opera. Ad esempio, la scintillante cavatina di Figaro dall'opera di Rossini Il barbiere di Siviglia, Lyudmila dall'opera Ruslan e Lyudmila di Glinka, Antonida in Ivan Susanin.

7. Ensemble- duetti, trii, quartetti quintetti e così via sono di grande importanza nell'opera. Tra questi, i più comuni sono i duetti di "consenso" e "disaccordo". Nel primo caso, entrambi gli eroi reagiscono allo stesso modo agli eventi e questo si riflette nella melodia delle loro dichiarazioni, che è di natura simile. Nel secondo, i personaggi si relazionano in modo diverso allo stesso fenomeno, per cui il loro materiale melodico è contrastante e indipendente.

Coro nell'opera è più spesso associato a scene di folla e caratterizza un gruppo di persone. La forma dei cori è varia e dipende dal contenuto e dal significato della trama.

A orchestrale La musica lirica comprende i seguenti generi: ouverture, introduzione, introduzione, preludio - sono brani introduttivi all'opera; intervallo - ingresso nelle seguenti azioni o immagini; intermezo - all'interno dell'azione.

Inoltre, in un certo numero di casi, l'opera contiene numeri di balletto

A volte nell'opera vengono suonate brevi frasi separate da stop. Questo canto, ma molto simile alla recitazione, si chiama recitativo- dalla parola latina: leggi ad alta voce, pronuncia ad alta voce. Il recitativo è la base per lo sviluppo dell'azione nell'opera. Dopotutto, quando suonano numeri musicali completi - arie, ensemble - l'azione di solito si ferma.

Nella prima metà del XIX secolo, un'aria del fine settimana, ad es. fu chiamata la prima aria nel corso dell'azione, quella con cui l'eroe entrò in scena

Coro- (Greco - folla, raduno) - un'opera per un gruppo di cantanti sufficientemente grande, nonché il nome del gruppo di canto, scene di massa nell'opera.

I cori sono omogenei (per bambini, donne, uomini) e misti monofonici e polifonici. Un collettivo di canto senza accompagnamento strumentale non si chiama coro, ma a cappella. Tutti i membri del coro sono divisi in diversi gruppi, il più delle volte quattro.

Il coro misto contiene tutte le voci principali: soprano alto, tenore, basso.

La particolarità della musica corale è che consente di incarnare vividamente le idee e le esperienze di grandi masse di persone.

ouverture -(Ouyerture francese - inizio, apertura) introduzione strumentale a un'opera importante - opera, balletto, oratorio, rappresentazione teatrale, dà un'idea della natura dell'azione imminente e del suo contenuto. È costruito su temi musicali che si trovano in seguito nell'opera e svolgono un ruolo importante lì. Molte ouverture del nuovo tipo divennero, infatti, pezzi da concerto, ad esempio Jota aragonese di Glinka, Romeo e Giulietta di Tchaikovsky.

Teatri musicali famosi:

Mosca - Teatro Bolshoi

San Pietroburgo - Teatro Mariinsky

Parigi - Opera Grant

Teatro dell'Opera e del Balletto di Odessa

Milano (Italia) - La Scala

Interpreti d'opera notevoli:

F. Chaliapin, I. Kozlovsky L. Lemeshev, B. Shtokolov E. Obraztsova, G. Vishnevskaya, Borisenko, Firsova, L. Kazarnovskaya.

Domande e compiti per gli studenti

Prova di controllo

1. Opera è:

A) azione scenica, dove musica, danza, pittura si intrecciano organicamente;

B) azione scenica, dove musica, canto, coreografia, pittura si intrecciano organicamente;

C) un brano importante per orchestra sinfonica e coro e solisti

2. Il libretto è:

UN) testo integrale di un'opera musicale e teatrale;

B) un'introduzione all'opera;

C) un'opera letteraria che è servita come base per la creazione dell'opera.

3. L'ouverture è:

A) intermezzo strumentale tra le azioni;

B) una performance solista in un'opera;

V) un'introduzione all'opera.

4. Aria è:

A) un brano per un gran numero di cantanti;

B) canto declamatorio;

V) una performance solista nell'opera che caratterizza l'eroe.

UN) tenore;

B) baritono;

B) mezzo soprano;

D) soprano;

.SUL. Rimsky-Korsakov

(1844-1908)

Tikhvin, dove N.A. è nato e ha trascorso la sua infanzia. Rimsky-Korsakov è una città del libero nord russo. Qui lo zar Ivan il Terribile stabilì il monastero di Bogoroditsky, dove i governatori sovrani non avevano accesso - ce n'erano pochi in Russia. Qui i Vecchi Credenti, riti colorati, costumi poetici si diffondono in un'ampia ondata, e le persone erano lingua indipendente, vivace e pronta alla rappresaglia.

Il padre di Nikolai Andreevich - un uomo di rara decenza e gentilezza, persona modesta, senza argentieri, incline alla lettura di libri e riflessioni filosofiche. Ha aiutato i Decembristi con denaro durante il loro viaggio in esilio siberiano.

La casa di Rimsky-Korsakov si trovava sull'alta riva del fiume Tikhvinka di fronte al monastero. I campi cominciavano oltre il grande giardino. Non dovevi andare lontano per sentire il canto di un'allodola durante il giorno, l'usignolo trilla di notte. Tutto attirò l'attenzione del ragazzo. Le mura del monastero di Vvedensky, dove una volta per 52 anni la quarta moglie di Ivan il Terribile, tonsurata con la forza in una suora, languiva.

Il fratello maggiore di Nika, Voin Andreevich, sta già navigando nei mari dell'Estremo Oriente. Le sue lettere attraenti sulla Cina, il Giappone, Sakhalin accendono l'immaginazione dei bambini. Prende lezioni di musica. All'età di 9 anni cerca di comporre, all'età di 12 anni il ragazzo rompe con Tikhvin.

Per tutta la vita ricorderà il canto degli uccelli, le campane, le foreste e i laghi del nord, le usanze e le leggende di Tikhvin.

Nel frattempo, il militare-burocratico Pietroburgo, il corpo dei cadetti navali, dove hanno assegnato Nika. Ma c'era ancora qualcosa che aiutava l'adolescente a non perdersi e a non spersonalizzarsi in condizioni di esercitazione, crudeltà, umiliazione. Quel qualcosa era musica. Ignorando la teoria della musica, cerca di comporre, non conoscendo la tecnica degli archi e degli strumenti a fiato, cerca di "orchestrare". Questo caos musicale inizia a chiarirsi dal momento in cui Nika incontra la comprensione del vero musicista, il pianista-insegnante F.A. Canille. Lo sviluppo musicale complessivo di Nicky ha fatto un enorme passo avanti. Riconobbe Schumann. Bach, Beethoven, nuove composizioni di Glinka.

Quando Rimsky-Korsakov aveva 17 anni, Canilla lo portò da un musicista che avrebbe avuto un ruolo eccezionale nella vita di N.A. - era Mily Alekseevich Balakirev.

Domande e compiti per gli studenti

Prova di controllo

1. Dove è nato Rimsky Korsakov e ha trascorso la sua infanzia?

A) nel villaggio di Novospasskoye;

B) a Votkinsk;

V) a Tichvin.

2. Dove va a studiare il futuro compositore all'età di 12 anni?

A) nella scuola di giurisprudenza;

B) al corpo militare navale;

C) alla scuola dei guardiani.

3. Chi ha influenzato la formazione di Rimsky-Korsakov come compositore professionista?

A) Borodino;

B) Balakirev ;.

C) Musorgskij.

Ascoltare e analizzare un brano musicale

Opera "La fanciulla di neve"

La creazione di "The Snow Maiden" colpisce per la sua estrema rapidità. Un enorme lavoro di rara bellezza e originalità è stato scritto in due mesi e mezzo. Anche l'entusiasmo per il contenuto, le immagini della "fiaba primaverile" e il fatto che creativamente, tecnicamente, emotivamente, il compositore fosse completamente preparato per questo lavoro. Dopo aver creato solo i primi schizzi, Rimsky-Korsakov rimandò la composizione all'estate: insieme alla sua famiglia, la trascorse in condizioni estremamente favorevoli nella tenuta di Stelevo vicino a Luga. È così che il compositore ha descritto questo momento felice per lui: il suo lavoro su The Snow Maiden.

"Per la prima volta nella mia vita ho avuto la possibilità di trascorrere l'estate in un vero villaggio russo. Tutto qui mi è piaciuto, tutto è stato ammirato. Una splendida posizione, incantevoli boschetti, un'enorme foresta, campi di segale, grano saraceno, avena, lino , tanti paesini sparsi, un piccolo fiume dove abbiamo nuotato, la vicinanza di un grande lago.

Fuoristrada, desolazione: tutto mi ha deliziato. Qualche grosso e nodoso ramo o ceppo ricoperto di muschio mi sembrava un folletto o la sua dimora. Una triplice eco, udita dal nostro balcone, come dalle voci del folletto e di altri mostri."

Iniziando i lavori il 30 maggio, il compositore aveva completato il bozzetto dell'intera opera entro la metà di agosto. “Nessuna composizione mi è stata data con tale facilità e velocità come The Snow Maiden.

Il compositore ha trascorso sei mesi sulla strumentazione dell'opera e il 29 gennaio 1882 ha debuttato a San Pietroburgo al Teatro Mariinsky. La fortunata vita teatrale di "The Snow Maiden" continua ancora oggi.

Prologo

1. Introduzione- L'introduzione orchestrale dipinge un quadro dell'ultima notte d'inverno. In una profonda foresta innevata, regna il proprietario Frost; il suo tema cupo e duro regna nell'orchestra.

(Ascoltando il frammento).

Ma stormi di uccelli stanno già volando da sud, la stessa Primavera-Rosso sta volando con gli uccelli. Il suo tema morbido e profondo sta diventando più chiaro. Il fedele servitore di Frost Leshy annuncia l'arrivo della primavera. E gli uccelli continuano a volare e l'intera orchestra è piena di cinguettii. Ma era triste nella cupa foresta". “Le foreste sono silenziose, fitte zampe di abete sono calate sotto la neve. E tutto è solo luce e splendore freddo - e non c'è calore. "

Vesna confessa la sua colpa: “Io stessa sono da biasimare per la freddezza sia mia che di te. Sedici anni fa, quando ho iniziato a flirtare con Frost per scherzo e divertire il mio carattere instabile, mutevole e capriccioso, e da allora sono stato in cattività con il vecchio! Lasciando l'uomo dai capelli grigi, ma ecco il problema: abbiamo una figlia anziana con una fanciulla di neve. Amo la fanciulla di neve, compatindola in una sorte infelice con il vecchio, ho paura di litigare. Ed è contento di questo: sta raggelando, congelando me, Vesna ei Berendeev. Il sole geloso ci guarda con rabbia e acciglia tutti, e questo è il motivo degli inverni rigidi e della fredda primavera".

Gli uccelli hanno freddo, e la Primavera consiglia loro: “Tremate, poveretti! balla, tieniti al caldo! Ho visto più di una volta che la gente si scaldava ballando!" E gli uccelli ballano sempre più allegri e spensierati.

Suoni Frammento " Canti e danze di uccelli"

2.ved- Frost è pronto per andare a nord. Ma che dire di lui con sua figlia Snegurochka?

"Miglio di tutto nel mondo per la ragazza - sarà!" - così pensa mamma Vesna, ma Frost ha paura di questa volontà: “Ascolta! So che il sole sta per distruggere la fanciulla di neve! Sta solo aspettando di piantare il fuoco dell'amore nel suo cuore con il suo raggio! Allora non c'è scampo per la fanciulla di neve! Finché la sua anima infantile è pura, non ha il potere di danneggiare la fanciulla di neve! "

A malincuore, i genitori decidono di inviare la fanciulla di neve al villaggio di Berendey.

E poi la loro figlia, una bellezza innevata, esce dalla foresta. Oh, andrà volentieri dalle persone!

L'aria suona "Walking berries with friends…»

Finora, tutto ciò che sogna metà bambina e metà ragazza.

Ma Moroz è allarmato da questa confessione:

“Come hai conosciuto Lelya? E la fanciulla di neve, preoccupata, descrive ai suoi genitori il canto del pastore:

Mamma! Ho sentito, ho sentito

E il canto delle allodole...

Ho anche sentito il forte rombo degli usignoli,

I tuoi cantanti preferiti.

Le canzoni di Lyol ​​mi sono più care!

E giorni e notti sono pronto ad ascoltare

I suoi canti da pastore

E tu ascolti e ti sciogli...

Ma la parola "sciogliere" - ha allarmato il gelo. "Un significato terribile si cela in questa parola!" Madre Vesna promette il suo aiuto alla Fanciulla di neve - anche se viene nella valle Yarilina, al lago, e chiama sua madre!

La fanciulla di neve va all'insediamento di Berendey, la portano a casa loro Bobyl e Bobylikhe

Primo atto

Il pastore Lel canta canzoni alla fanciulla di neve. Il primo triste su "Strawberry Berry" - porta la ragazza alle lacrime. Poi Lel canta un'allegra canzone dance "Come la foresta fa rumore nella foresta". La fanciulla di neve aveva appena avuto il tempo di divertirsi quando il pastore la lascia! Altre ragazze gli fanno cenno, e Lel, lanciando il fiore regalato dalla fanciulla di neve, sta già correndo verso di loro

"Com'è doloroso qui! Com'è diventato pesante per il mio cuore!

Con un grave risentimento, come una pietra,

Un fiore, schiacciato da Lel, è caduto sul mio cuore.

Un pastore corre dagli altri, sono più carini,

La loro risata è più forte, più calda delle parole.

Sto in piedi e piango di dolore,

Quel Lel mi ha lasciato...

Padre Frost, hai offeso la fanciulla di neve!

Ma prenderò da mia madre - Primavera

Un po' di calore del cuore

In modo che il cuore tremi solo un po'.

3.aggiungi.- Come per aggravare ulteriormente il dolore della Fanciulla di neve, la sua amica Kupava corre da lei e parla della sua felicità, dell'incontro con Mizgir, dell'amore per lui, del matrimonio che avrà luogo il giorno di Yarilin.

Arriva Mizgir, le ragazze iniziano la canzone del matrimonio di Kupava. Incapace di distogliere lo sguardo dalla meravigliosa ragazza, Mizgir non esita a rifiutare Kupava: non la ama più! Sta con la fanciulla di neve!

Rivolgendosi appassionatamente alla fanciulla di neve, Misgir le promette doni inestimabili e la sua vita in

Generi musicali

Blues(Blues inglese, da blue devils - malinconia, tristezza) - in origine - una canzone lirica solista di afroamericani, in seguito - una direzione nella musica. Il blues è apparso nella seconda metà del 19° secolo. negli Usa. La melodia blues è caratterizzata da una struttura di domande e risposte e dall'uso di una scala blues. I testi dei testi di una varietà di blues hanno riflesso il tema dell'oppressione sociale e razziale.

musica vocale- questa è musica in cui la voce domina o è uguale agli strumenti, con accompagnamento oa cappella. Grandi generi - dramma musicale, oratorio, generi medi - cantata, ciclo vocale, liturgia, concerto corale, piccola - miniatura vocale (canzone, romanza).

Vangelo(musica gospel inglese) è un genere di musica cristiana spirituale che si è sviluppato nel primo terzo del XX secolo. negli Usa. Di solito viene fatta una distinzione tra gospel nero e gospel bianco. Ciò che hanno in comune è che entrambi sono nati nelle chiese metodiste del sud americano.

Jazz(Jazz inglese) è una forma d'arte musicale sorta all'inizio del XX secolo. negli Stati Uniti come risultato della sintesi delle culture africane ed europee e successivamente si diffuse. Le caratteristiche del linguaggio musicale del jazz erano originariamente l'improvvisazione, il poliritmo basato su ritmi sincopati e un insieme unico di tecniche per eseguire la trama ritmica: lo swing. L'ulteriore sviluppo del jazz è avvenuto grazie allo sviluppo di nuovi modelli ritmici e armonici da parte di musicisti e compositori jazz.

Nazione(Paese inglese, il secondo nome è paese e occidentale, paese inglese e occidentale) - il tipo più comune di musica popolare americana dei residenti bianchi (cowboy) del sud e del sud-ovest degli Stati Uniti.

Musica classica- un concetto privo di rigore terminologico, utilizzato, a seconda del contesto, in tre accezioni.

1. Nel senso di una valutazione qualitativa: la musica del passato, che ha resistito alla prova del tempo e ha un pubblico nella società moderna. Già oggi, non solo le vette dell'alta arte musicale sono percepite come classici, ma anche i migliori esempi dei generi di intrattenimento del passato: ad esempio, le vette dell'operetta francese, viennese e ungherese del XIX - inizio XX secolo, valzer di Johann Strauss, ecc.

2. In senso storico stretto: musica della seconda metà del XVII - inizi del XIX secolo. (questo periodo è tradizionalmente associato al classicismo). Il concetto di classicismo in relazione alla musica non è molto ampiamente applicabile, quindi nella caratterizzazione stabile di Haydn, Mozart e Beethoven come classici viennesi c'è anche una quota considerevole di una valutazione qualitativa del loro lavoro come base per l'ulteriore sviluppo del musical composizione.

3. In senso tipologico: la cosiddetta musica accademica, che è in relazione alla continuità, prima di tutto, con quelle formatesi in Europa nei secoli XVII-XIX. generi e forme musicali (opera, sinfonia, sonata, ecc.), principi melodici e armonici e composizione strumentale.

Musicale(a volte chiamato commedia musicale) - un brano musicale in cui si intrecciano dialoghi, canzoni, musica, danze, mentre la trama è solitamente semplice. Molti generi hanno avuto una grande influenza sul musical: operetta, opera buffa, vaudeville, burlesque. Per molto tempo non è stato riconosciuto come un genere separato di arte teatrale e non è ancora riconosciuto da tutti.

canzone folk- il tipo più diffuso di musica popolare, prodotto della creatività orale collettiva. Rispecchia il carattere di ogni nazione, costumi, vicende storiche, si distingue per l'originalità del contenuto di genere, linguaggio musicale, struttura. La canzone popolare esiste in molte varietà locali, cambiando gradualmente.

musica lirica(Opera italiana, letteralmente - composizione, dal latino opera - lavoro, prodotto, lavoro) è una forma artistica e drammatica di spettacoli teatrali in cui il discorso, combinato con la musica (canto e accompagnamento), e l'azione scenica sono predominanti. Il primo teatro lirico per rappresentazioni pubbliche fu aperto nel 1637 a Venezia; in precedenza, l'opera era solo per l'intrattenimento di corte. La prima grande opera può essere considerata Daphne di Peri, rappresentata nel 1597. L'opera si diffuse presto in tutta Italia e poi nel resto d'Europa.

Punk rock(punk rock inglese) - un genere di musica rock emerso a metà degli anni '70 negli Stati Uniti e in Gran Bretagna, che combinava la protesta sociale e il rifiuto musicale delle forme allora di rock: il gioco volutamente primitivo e il fervore del primo rock e rotolo sono stati coltivati.

Musica pop(musica pop inglese, dalla musica popolare) è un tipo di musica d'intrattenimento moderna. In generale, questo termine, soprattutto nei paesi occidentali, definisce l'intero spettro della musica di intrattenimento pop, escludendo, di norma, jazz, blues e musica country. Nonostante, quindi, la musica rock risulti essere parte integrante di questo termine, spesso si contrappone alla musica pop, vedendo in quest'ultima la personificazione della musica prettamente leggera pensata per un ascoltatore di massa.

Rock n roll(Rock'n'roll inglese, da rock and roll) è uno stile di musica popolare nato negli anni '50 negli Stati Uniti ed è stato una fase iniziale nello sviluppo della musica rock. Anche una danza eseguita sulla musica del rock and roll e una composizione musicale nello stile del rock and roll. Nei paesi di lingua inglese, il termine "rock and roll" è spesso usato nella designazione generale della musica rock. Si ritiene che il termine "rock and roll" nel suo senso moderno sia stato coniato da Alan Freed, un energico disc jockey di Cleveland, Ohio. Il suono classico del rock and roll si è formato nel 1954-1955 quando Bill Haley, Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard e Fats Domino registrarono le canzoni che gettarono le basi per il rock and roll.

Romanza- una composizione vocale, scritta su una piccola poesia di contenuto lirico, principalmente d'amore.

Ska(eng. ska) è uno stile musicale apparso in Giamaica alla fine degli anni '50. L'emergere dello stile è associato all'emergere di sistemi audio (sistemi audio inglesi), che hanno permesso di ballare proprio per strada.

Spirituale(eng. spirituals, musica spirituale) - uno dei primi generi di musica afroamericana. Tradizionalmente, le canzoni spirituali sono associate a temi religiosi cristiani. Come genere di spiritual, prese forma nell'ultimo terzo del XIX secolo. negli Stati Uniti come canzoni di schiavi modificate tra i neri nel sud americano.

hip-hop(Hip-hop inglese) è una sottocultura giovanile apparsa negli Stati Uniti alla fine degli anni '70 tra gli afroamericani. Ha la sua musica (detta anche "hip-hop"), il suo gergo, la sua moda, i suoi stili di danza (break dance, ecc.), la grafica (graffiti) e il suo cinema. La musica hip-hop è composta da due elementi principali: rap (recitativo ritmico con rime chiaramente marcate) e ritmo guidato da DJ; allo stesso tempo, le composizioni senza voce non sono rare. In questa combinazione, gli artisti rap si chiamano "MC" (inglese MC - Microphone Controller o Master of Ceremony).

Chanson(Canzone francese) - Canzoni pop francesi della fine del XIX-

XX secolo, eseguita nello stile del cabaret. Dal cabaret, questa modifica della chanson è passata alla musica pop francese del XX secolo. (i chansonniers più famosi erano Maurice Chevalier, Edith Piaf e altri). Al di fuori della Francia, è consuetudine riferirsi al numero di chansonniers come quasi tutti gli interpreti pop di canzoni in lingua francese. Grazie a questa interpretazione estesa del termine, P. Dupont, Yves Montand, J. Brassens, C. Aznavour, M. Mathieu, Joe Dassin, P. Kaas rientrano in questa categoria.

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La musica (dal greco μουσική, aggettivo dal greco μούσα - musa) è l'arte, il mezzo di incarnare immagini artistiche per cui sono suono e silenzio, organizzati in modo speciale nel tempo. Le opere musicali possono essere grossolanamente suddivise in generi, direzioni e stili. I criteri per tale divisione possono essere il ritmo, gli strumenti utilizzati, le tecniche e altri parametri.

· Musica popolare (musica popolare inglese) - creatività musicale e poetica del popolo, parte integrante dell'arte popolare (folklore), esistente, di regola, in forma orale (non scritta), trasmessa di generazione in generazione.

· Musica sacra - opere musicali associate a testi di carattere religioso, destinate ad essere eseguite durante una funzione liturgica o nella vita quotidiana.

· Musica classica - così spesso chiamata musica "accademica", che è in relazione alla continuità principalmente con i generi e le forme musicali formatisi in Europa nei secoli XVII-XIX (opera, sinfonia, sonata, ecc.).

· Musica latinoamericana - un nome generico per stili e generi musicali dei paesi dell'America latina, nonché la musica delle persone di questi paesi.

· Blues - "canzone di lavoro", grida nei rituali dei culti religiosi africani (inglese (ring) shout), spirituals (canti cristiani in modo speciale), shant e ballate (brevi racconti poetici). In molti modi ha influenzato la musica popolare moderna, in particolare generi come "pop", "jazz", "rock and roll", "soul".

· Il jazz è una forma di arte musicale emersa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo negli Stati Uniti come risultato della sintesi delle culture africane ed europee e successivamente si è diffusa. Le caratteristiche del linguaggio musicale del jazz erano originariamente l'improvvisazione, il poliritmo e un insieme unico di tecniche per eseguire la trama ritmica: lo swing.

· Il country è la forma più diffusa di musica folk nordamericana, rivaleggiando in popolarità con la musica pop negli Stati Uniti.

· Chanson, romance, canzone d'autore - un genere musicale che è sorto a metà del 20 ° secolo in diversi paesi. I suoi tratti distintivi sono la combinazione in una persona dell'autore della musica, del testo e dell'esecutore, l'accompagnamento con la chitarra, la priorità dell'importanza del testo sulla musica, l'orientamento al canto collettivo da parte di non professionisti.

· Musica elettronica - un ampio genere di musica, ovvero musica creata utilizzando strumenti e tecnologie musicali elettronici (il più delle volte con l'aiuto di speciali programmi per computer).

· Rock è un nome generico per una serie di direzioni della musica popolare. La parola "rock" - (tradotto dall'inglese "to rock, rock, swing") - in questo caso indica sensazioni ritmiche caratteristiche di queste direzioni, associate a una certa forma di movimento, per analogia con "roll", "twist", "oscillare", "agitare", ecc.

Compilato da:

Solomonova N.A.

Nella letteratura musicologica, gli scienziati si rivolgono meno frequentemente allo sviluppo di concetti come stile e genere rispetto, ad esempio, alla critica letteraria, che è stata più volte sottolineata da molti ricercatori. È questa circostanza che ci ha spinto a dedicarci alla stesura di questa sinossi.

Il concetto di stile riflette la relazione dialettica tra il contenuto e la forma dell'opera, la comunanza delle condizioni storiche, la visione del mondo degli artisti e il loro metodo creativo.

Il concetto di "stile" nasce alla fine del Rinascimento, alla fine del Cinquecento, e comprende molti aspetti:

Caratteristiche individuali del lavoro di un particolare compositore;

caratteristiche generali di scrittura di un gruppo di compositori (stile scolastico);

caratteristiche del lavoro di compositori di un paese (stile nazionale);

caratteristiche delle opere incluse in qualsiasi gruppo di genere - stile di genere (questo concetto è stato introdotto da A.N.Sokhor nella sua opera "La natura estetica del genere nella musica").

Il concetto di "stile" è ampiamente utilizzato in relazione all'apparato esecutivo (ad esempio, lo stile vocale di Mussorgsky, lo stile pianistico di Chopin, lo stile orchestrale di Wagner, ecc.). Anche i musicisti e i direttori d'orchestra apportano la loro interpretazione unica allo stile del lavoro eseguito, e possiamo anche riconoscere artisti particolarmente dotati ed eccezionali dalla loro interpretazione unica, dalla natura del suono dell'opera. Questi sono grandi musicisti come Richter, Gilels, Sofronitsky, Oistrakh, Kogan, Kheifets, i direttori Mravinsky, Svetlanov, Klemperer, Nikish, Karoyan, ecc.

Tra gli studi più famosi dedicati ai problemi dello stile musicale, in questo filone, vanno citati i seguenti lavori: "Beethoven e i suoi tre stili" di AN Serov, "Traits of Shostakovich's Style" (raccolta di articoli), "Style of Sinfonie di Prokofiev" di M.Ye. Tarakanov, "Al problema dello stile di I. Brahms" di EM Tsareva, o "Principi artistici degli stili musicali" di S.S.Skrebkov, "Stile classico nella musica dei secoli ХУ111 - primi Х1Х; Autocoscienza dell'epoca e della pratica musicale "di LV Kirillina," Studies on Chopin "di LA Mazel, dove giustamente osserva che l'analisi di un'opera particolare è impossibile senza tenere conto dei modelli storici generali di questo stile, e la la divulgazione del contenuto dell'opera è impossibile senza una chiara comprensione del significato espressivo di alcuni dispositivi formali in questo stile. Un'analisi esauriente di un brano musicale che pretende di essere la perfezione scientifica, secondo lo scienziato, dovrebbe avere un prerequisito per una conoscenza profonda e completa di questo stile, della sua origine e significato storici, del suo contenuto e delle tecniche formali.

Gli scienziati offrono una serie di definizioni.

Uno stile musicale è un sistema di pensiero artistico, concetti ideologici e artistici, immagini e mezzi della loro incarnazione che sorge su una certa base storico-sociale. (LA Mazel)

Lo stile musicale è un termine nella critica d'arte che caratterizza il sistema di mezzi di espressione, che funge da incarnazione dell'uno o dell'altro contenuto ideologico-figurativo (E.M. Tsareva)

Lo stile è una proprietà (carattere) o caratteristiche principali con cui si possono distinguere le opere di un compositore da un altro, o un'opera di un periodo storico ... da un altro (B.V. Asafiev)

Lo stile è una proprietà speciale, o meglio, la qualità dei fenomeni musicali. È posseduto da un'opera o dalla sua esecuzione, montaggio, decisione ingegneristica del suono o persino una descrizione dell'opera, ma solo quando in una, nell'altra, nella terza, ecc. l'individualità del compositore, esecutore, interprete dietro la musica è direttamente sentita, percepita.

Uno stile musicale è una qualità distintiva delle creazioni musicali che fanno parte dell'una o dell'altra comunità genetica specifica (eredità di un compositore, scuola, direzione, epoca, persone, ecc.), Che consente di sentire, riconoscere, determinare direttamente la loro genesi e si manifesta nell'aggregato di tutte, senza eccezione, le proprietà della musica percepita, unite in un sistema olistico attorno a un complesso di tratti caratteristici distintivi. (E.V. Nazaikinsky).

Secondo lo scienziato, i mezzi e le caratteristiche stilistiche più sorprendenti della musica sono distintivi e possono essere attribuiti alle caratteristiche dello stile.

Lo stile individuale dell'opera del compositore è, di regola, il più attraente per i ricercatori. "Lo stile nella musica, come in altri tipi di arte, è una manifestazione del carattere di una persona creativa che crea musica o la interpreta" (E.V. Nazaikinsky). Gli scienziati prestano molta attenzione all'evoluzione dello stile del compositore. In particolare, sopra sono stati segnalati i tre stili di Beethoven che hanno attirato l'attenzione di Serov. I ricercatori stanno studiando attentamente lo stile Skrjabin precoce, maturo e tardo, ecc.

"L'effetto della certezza dello stile" (E. Nazaykinsky) fornisce i mezzi e le caratteristiche stilistiche più sorprendenti della musica, che sono distintivi e possono essere attribuiti alle caratteristiche dello stile. Da essi, gli ascoltatori riconosceranno lo stile di questa o quell'opera, la calligrafia del compositore, lo stile esecutivo di questo o quell'interprete. Ad esempio, la svolta armonica, caratteristica di Grieg, è il passaggio del tono introduttivo non alla tonica, ma al quinto grado della scala (Concerto per pianoforte con Oskestr - accordi di apertura, la famosa "Solveig Song" dalla suite "Peer Gynt", o anche il movimento discendente spesso usato dal compositore al quinto passo attraverso il sesto passo rialzato (pezzi lirici, "Valzer" in la minore), o la famosa "armonia di Rachmaninov" - un accordo formato in minore del quarto, sesto, settimo, alzato e terzo gradino con il permesso alla tonica nella posizione melodica del terzo (frasi di apertura della sua famosa storia d'amore "Oh, non essere triste!" - ci sono molti esempi, possono essere continuato all'infinito.

Una caratteristica molto importante dello stile è la fissazione e l'espressione di un determinato contenuto, come sottolineato da E.V. Nazaikinsky, M.K. Mikhailov, L.P. Kazantseva, A.Yu. Kudryashov.

Le specificità dello stile nazionale possono essere rintracciate, prima di tutto, nel modo in cui le origini del folklore e la creatività del compositore professionista sono correlate nell'ambito dello stile nazionale. Come giustamente nota E.V. Nazaikinsky, - sia il materiale folcloristico, sia i principi della musica popolare, sia i suoi elementi specifici possono servire come fonte di originalità dello stile nazionale generale. La misura e la natura stessa della consapevolezza di appartenere a una determinata nazione, nonché il riflesso di questa nella creatività, dipendono in gran parte dall'interazione della cultura nativa con le culture straniere e i loro elementi, da ciò che altre nazioni e culture una persona entra in contatto con. Anche lo stile individuale più forte e brillante nel processo della sua formazione e sviluppo è mediato dagli stili della scuola, dell'epoca, della cultura, delle persone. Ricordo le meravigliose parole di VG Belinsky, - "se il processo di sviluppo della cultura di un popolo passa attraverso il prestito da un altro - tuttavia, avviene n e n al, altrimenti non c'è progresso".

Un'analisi del linguaggio musicale di un'opera - le caratteristiche di melodia, armonia, ritmo, forma, consistenza - è un prerequisito per caratterizzare lo stile.

Nella letteratura musicologica si sono sviluppate molte teorie che descrivono le singole fasi storiche nella formazione di vari stili: barocco, rococò, classicismo, romanticismo, impressionismo, espressionismo, ecc. Il contenuto di questi studi rivela i principi guida e fondamentali che uniscono le opere musicali all'interno un'epoca storica, creata in diversi paesi, diverse scuole nazionali, ecc. , che dà un'idea dell'estetica di un certo palcoscenico storico, del linguaggio musicale e dell'epoca stessa nel suo insieme. Nel suo famoso libro "La cronaca della mia vita" IF Stravinsky ha scritto: "Ogni dottrina richiede un modo speciale di espressione per la sua incarnazione e, di conseguenza, una tecnica speciale; Dopotutto, non si può immaginare una tecnica nell'arte che non segua un certo sistema estetico ".

Ogni stile ha le sue caratteristiche speciali. Quindi, per barok sulla monumentalità delle forme, comprese le forme cicliche su larga scala, i contrasti sfaccettati, il confronto tra i principi polifonici e omofonici della scrittura musicale è inerente. La suite di danze barocche, come notato da A.Yu. Kudryashov, rappresentava generalmente il movimento simultaneamente in due ipostasi - come l'incarnazione dei quattro principali temperamenti umani e come fasi nel flusso del pensiero umano (allemand malinconico - "tesi", collerico carillon - "sviluppo della tesi", sarabanda flemmatica - "antitesi", giga sanguigna - "confutazione della tesi".

Come ha notato O. Zakharova, l'esecuzione pubblica dei solisti ha iniziato a svolgere un ruolo importante, la loro assegnazione ai primi posti visibili al pubblico, mentre il coro e l'ensemble strumentale, che in precedenza erano direttamente davanti agli occhi del pubblico, si spostano verso il sfondo.

Nell'era barocca, il genere operistico si sviluppa rapidamente e, come nota giustamente V. Martynov, l'opera è diventata un modo di esistenza musicale, la sua sostanza ... E quando i compositori barocchi scrivono messe e mottetti, le loro messe e mottetti sono le stesse opere , o frammenti d'opera, con l'unica differenza che si basano su testi canonici sacri, che diventano oggetto di "esecuzione musicale".

Il nucleo della musica barocca è un effetto, inteso in quell'epoca come espressione di un sentimento che contiene l'idea di eternità. "Lo scopo della musica è di darci piacere e suscitare in noi vari affetti", ha scritto R. Descartes nel suo trattato "Il compendio della musica". La classificazione degli affetti è stata fatta da A. Kircher - amore, tristezza, coraggio, gioia, moderazione, rabbia, grandezza, santità, quindi - I. Walter - amore, sofferenza, gioia, rabbia, compassione, paura, allegria, stupore.

I compositori dell'era barocca prestarono grande attenzione alla pronuncia intonazionale della parola secondo le leggi di r e to r e to e. Secondo Yu. Lotman, “la retorica di un testo barocco è caratterizzata da una collisione all'interno di un'intera area segnata da una diversa misura di semiotica. Nello scontro delle lingue, una di esse appare invariabilmente come "naturale" (non linguaggio), e l'altra come artificiale enfatizzata".

Ecco le figure musicali e retoriche più famose dell'arte barocca:

movimento verso l'alto della melodia (come simbolo di ascensione, resurrezione);

il movimento verso il basso della melodia (come simbolo di peccaminosità o transizione al "mondo inferiore");

movimento circolare della melodia (come simbolo di "turbini infernali" (Dante), o, al contrario, illuminazione divina);

movimento verso l'alto o verso il basso simile a una scala di una melodia a un ritmo veloce (come simbolo di ispirazione, da un lato, o rabbia, dall'altro);

il movimento della melodia lungo stretti intervalli cromatici (come simbolo dell'orrore, del male);

il corso della melodia per un ampio intervallo cromatico, aumentato o diminuito, o una pausa a tutte le voci (come simbolo di morte).

Lo stile rokoko è caratterizzato da un mondo di immagini fragili, aggraziate o spaventose di un personaggio galante e da salotto, e il linguaggio musicale è pieno della frammentazione del modello melodico, del melisma e della trasparenza della trama. I compositori si sforzano di incarnare non gli stati d'animo stabilizzati, ma il loro sviluppo, non l'affetto che si riversa con calma, ma la sensazione con bruschi cambiamenti di tensione e scarica. Per loro, la chiarezza del discorso dell'espressione del pensiero musicale diventa abituale. Le immagini incrollabili e statiche lasciano il posto al cambiamento, alla pace - al movimento.

I classici, secondo l'accademico D. Likhachev, sono uno dei possibili "grandi stili dell'epoca". Nell'aspetto estetico dello stile classico, è importante sottolineare l'equilibrio attentamente calibrato del sensualmente-diretto, razionale-logico e ideologico-sublime, inerente all'opera, l'autocoscienza classica dell'artista, superando il "potere di oscure forze vitali" e rivolto alla "bellezza leggera e sensuale" (E. Kurt), e quindi in sintonia con gli esempi classici dell'arte del passato, in primis quella antica, di cui l'intensificarsi dell'interesse è uno dei segni della formazione di qualsiasi classicismo (A.Yu. Kudryashov). Di particolare importanza nell'era del classicismo è la formazione di un ciclo sonata-sinfonico a quattro parti. Secondo M.G. Aranovsky, definisce la semantica delle quattro principali ipostasi della persona umana: una persona attiva, una persona pensante, una persona che gioca, una persona sociale. La struttura in quattro parti agisce, come scrive N. Zhirmunskaya, come un modello universale del mondo - spaziale e temporale, sintetizzando il macrocosmo - l'universo - e il microcosmo - dell'uomo. “Varie rifrazioni di questo modello sono unite da legami emblematici e simbolici, talvolta tradotti nel linguaggio di immagini e trame mitologiche familiari: gli elementi riflettono simbolicamente le stagioni, i giorni, i periodi della vita umana, i paesi del mondo (ad esempio: inverno - notte - vecchiaia - nord - terra, ecc.). P.)"

Appare un intero gruppo di figure semantiche con significato massonico, che E. Chigareva ha rivelato nell'opera di Mozart "Gioventù: ascesa al grande sesto - speranza, amore, gioia; detenzioni, un paio di banconote in affitto - vincoli di fratellanza; gruppeto - Gioia massonica; ritmo: ritmo puntato, ... accordi staccati accentuati, seguiti da una pausa - coraggio e determinazione; armonia: accordi di terze, seste e seste parallele - unità, amore e armonia; Accordi "modali" (livelli secondari - VI, ecc.) - sentimenti solenni e religiosi; cromatismi, accordi di settima diminuita, dissonanze - oscurità, superstizione, clou e discordia."

Il complesso contenuto centrale del mondo artistico di Beethoven è la bellezza e l'equilibrio della forma, un flusso rigorosamente organizzato di eloquenza retorica musicale, un'alta idea etica, un grande ruolo degli opposti - sia a livello di sintassi musicale che a livello di forma.

Il romanticismo è lo stile che domina nel diciannovesimo secolo. Uno dei ricercatori del romanticismo musicale, Y. Gabay rivela tre modi di interpretare il romanticismo del XIX secolo: in contrasto con il classico, denota l'arte cristiana; in secondo luogo è associato alla tradizione linguistica romanica, cioè all'antico romanzo poetico francese; in terzo luogo, definisce un'animazione veramente poetica, ciò che rende sempre viva la grande poesia (in quest'ultimo caso i romantici, che guardano la storia come in uno specchio di i loro ideali, li trovarono e in Shakespeare, e in Cervantes, e in Dante, e in Omero, e in Calderon).

Nel linguaggio musicale, i ricercatori notano un aumento del ruolo espressivo e colorato dell'armonia, un tipo sintetico di melodia, l'uso di forme libere, uno sforzo per lo sviluppo end-to-end, nuovi tipi di pianoforte e tessitura orchestrale. Il pensiero di Novalis sulla prosa romantica, altamente mutevole, meravigliosa, con svolte speciali, salti rapidi - può essere estrapolato alla musica. Il modo più importante di espressione musicale dell'idea del divenire e del cambiamento, universale per il romanticismo, è l'aumento del canto, della scrittura di canzoni, del cantilenamento, che è presente in Schubert, Chopin, Brahms, Wagner e altri.

La programmazione come fenomeno del pensiero musicale

epoca romantica, comporta e mezzi speciali di espressione musicale. Va tenuto presente il complesso rapporto tra musica programmata e musica non programmata, poiché, secondo Chopin, “non esiste vera musica senza un significato nascosto”. E i Preludi di Chopin, secondo le dichiarazioni dei suoi studenti, sono le confessioni del loro creatore. Sonata in si bemolle minore con la famosa "marcia funebre" nelle parole di Schumann, "non musica, ma qualcosa con la presenza di uno spirito terrificante", nelle parole di A. Rubinstein - "il vento notturno che soffia sulle bare al cimitero”...

Nella musica del Novecento osserviamo una particolare varietà di tecniche di composizione musicale: atonalità libera, sonoristica indifferenziata di altezza, effetti timbrico-rumore, aleatoria, nonché dodecafonia, neomodalità, serialità, serialità . L'apertura delle singole componenti della musica del XX secolo è un tratto distintivo della cultura moderna nel suo insieme, come ha giustamente affermato il culturologo francese A. Mole: "la cultura moderna è mosaico ... un concetto davvero generale, ma ce ne sono molti concetti con grande peso."

Nella musica, il tematismo cantato viene distrutto, la liberazione di altri mezzi di espressione musicale (Stravinsky, Bartok, Debussy, Schoenberg, Messiaen, Webern, ecc.) Appare anche caratteristiche esecutive insolite che scioccano i contemporanei, come, ad esempio, in G. La commedia di Cowell " Harmonious Adventures "- l'uso di cluster (accordi composti da secondi), tecniche di estrazione al pianoforte con un pugno, un palmo o l'intero avambraccio ...

Nella musica sono emerse nuove tendenze moderniste, originate dalla pittura e da altre arti. Quindi, all'origine di un fenomeno come bryu e tism, o l'arte del rumore (dal francese brutit - rumore) c'era il pittore italiano Luigi Russolo, che nel suo manifesto "L'arte dei rumori" scrisse che "l'arte musicale cerca un amalgama dei suoni più discordanti, più strani e più aspri...ci divertiremo ad orchestrare porte di negozi che scricchiolano perfettamente sui blocchi, il ronzio della folla, rumori vari di stazioni ferroviarie, fucine, filande, tipografie, officine e metropolitane...non bisogna dimenticare rumori completamente nuovi della guerra moderna..., trasformarli in musica e regolarli armoniosamente e ritmicamente"

Un'altra tendenza modernista: dada e zm L'essenza modernista del dadaismo può essere rintracciata nelle dichiarazioni dell'artista G. Gross: “Il dadaismo è stato un passo avanti che abbiamo fatto, urlando, schernindo e ridendo per uscire da quel chiuso, arrogante e da noi troppo apprezzato un circolo che aleggiava sopra le aule ed era estraneo al senso di responsabilità e di partecipazione alla quotidianità. Il compositore e artista, originario della Russia Efim Golyshev, uno dei campioni del metodo di composizione dodecafonico del XX secolo, ha preso parte attiva ai lavori del club berlinese "Dada". Tra i suoi lavori musicali e teatrali ci sono "Danza dadaista con maschere", "Manovra ansimante", "Gomma" per due timpani, dieci sonagli, dieci dame e un postino. Composizioni urbanistiche di Honegger (Pacific-231), Prokofev (il balletto Steel Skok), Mosolov (l'episodio sinfonico Factory. Music of Machines dal balletto Steel), Varese (Ionizzazione per quarantuno strumenti a percussione e due sirene) - poi questi le tendenze si sono rifratte nelle direzioni dell'avanguardia musicale del dopoguerra. Si tratta di musica concreta ed elettronica, happening d'insieme e teatro strumentale, sonoristica, processi multimediali (opere di P. Scheffer, K. Stockhausen, M. Kagel, S. Slonimsky, A. Schnittke, S. Gubaidullina, J. Cage, ecc. )

Alla fine del XIX secolo emersero le premesse per l'emergere del neoclassicismo, che, secondo L. Raben, era il più universale dei nuovi sistemi musicali del XX secolo.

Appaiono anche tendenze polistilistiche nella musica. P o l e s t e -

l e s t e k e - una combinazione consapevole in un'opera di varie caratteristiche stilistiche. "La definizione di polistilistica significa una combinazione intenzionale di vari fenomeni stilistici in un'opera, eterogeneità stilistica derivante dall'uso di una serie di tecniche (uno dei casi speciali è il collage)" - (Enciclopedia musicale, vol. 3, p. 338 ). Uno dei casi interessanti di utilizzo della polistilistica verticale si trova nella Serenata per cinque strumenti di A. Schnittke: nel numero 17 della partitura, il motivo del Concerto per violino di Tajkovskij suona contemporaneamente e l'inizio della parte principale del suo Primo Concerto per pianoforte , e il numero 19 combina il leitmotiv della regina Shemakhan da The Golden Cockerel »Di Rimsky-Korsakov, accordi di apertura della Pathetique Sonata di Beethoven e passaggi della Ciaccona di Bach per violino solo.

I generi musicali sono generi e tipi di opere musicali che si sono storicamente sviluppate in relazione a determinate funzioni della musica, al suo scopo di vita, alle condizioni per la sua esecuzione e percezione. Una definizione molto voluminosa è data da E. Nazaykinsky: “le donne sono tipi, classi, generi e tipi di opere musicali storicamente stabiliti relativamente stabili, differenziati secondo una serie di criteri, i principali dei quali sono: a) uno scopo di vita specifico ( funzione sociale, familiare, artistica), b) le condizioni ei mezzi di esecuzione, c) la natura del contenuto e la forma della sua realizzazione. Un genere è una struttura genetica multicomponente, cumulativa (si potrebbe anche dire gene), una sorta di matrice, in base alla quale viene creato questo o quell'insieme artistico. Se la parola stile ci rimanda alla fonte, a colui che ha dato vita alla creazione, allora la parola genere si riferisce allo schema genetico secondo il quale l'opera si è formata, nata e creata. Un genere è un tipico progetto integrale, modello, matrice, canone, con il quale una particolare musica è in relazione".

Nelle opere di T.V. Popova, la classificazione dei generi si basa su due criteri: le condizioni per l'esistenza della musica e le peculiarità della performance. V.A. Tsukkerman identifica tre principali gruppi di generi: generi lirici, generi narrativi ed epici e generi motori associati al movimento. A.N.Sokhor prende come criterio principale le condizioni dell'essere, l'impostazione della performance. Lo scienziato identifica quattro gruppi principali di generi: generi cult o rituali, generi di massa, generi da concerto e generi teatrali. La sistematizzazione dei generi, realizzata da OV Sokolov, si basa sulla connessione della musica con altre arti o componenti non musicali, nonché sulla sua funzione. Questa è musica pura, musica interattiva, musica applicata, musica interattiva applicata.

T.V. Popova sistematizza i principali generi di musica classica come segue:

Generi vocali (canzone, inno, coro, recitativo, romance, ballata, aria, arietta, arioso, cavatina, vocalise, ensemble);

Musica dance. Antica suite da ballo;

generi musicali strumentali (preludio, invenzione, studio, toccata, estemporanea, momento musicale, notturno, barcarola, serenata, scherzo, yumoresque, capriccio, rapsodia, ballata, noveletta);

Musica sinfonica e da camera;

Cicli Sonate e Sinfoniche, Concerto, Suite Sinfonica dei secoli XIX-XX;

Generi a una parte (non ciclici) dei secoli XIX-XX (ouverture, fantasy, poema sinfonico, quadro sinfonico, sonata a una parte;

Opere musicali e drammatiche. Opera e balletto

Cantata, oratorio, requiem.

Letteratura

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Nella letteratura, nella musica e in altre arti durante la loro esistenza, si sono sviluppati vari tipi di opere. In letteratura questo è, per esempio, un romanzo, un racconto, un racconto; in poesia - una poesia, una ballata; nelle arti visive - paesaggio, ritratto, natura morta; nella musica, nell'opera, nella sinfonia e così via.

Il genere di opere entro i limiti di alcune opere d'arte è chiamato la parola francese genere (genere) - genere, specie.
Non tutti i generi musicali sono nati contemporaneamente. L'opera, ad esempio, è nata in Italia alla fine del XIX secolo e il poema sinfonico è stato creato a metà del XIX secolo da Franz Liszt.
Durante la sua esistenza, vari generi sono cambiati molto, ma tutti hanno mantenuto le loro caratteristiche principali. Quindi, un'opera è un'opera per un teatro musicale che ha una trama, è messa in scena nella scena ed è eseguita da artisti, cantanti e un'orchestra. Non può essere confuso con il balletto e la sinfonia. Ma anche le opere sono diverse: storiche, eroiche, comiche, liriche. Hanno tutti i loro tratti caratteristici, sebbene appartengano allo stesso genere operistico. E poi, quando dobbiamo chiarire di che tipo di opera stiamo parlando, di nuovo, ma in un senso più stretto della parola, usiamo il termine "genere".
Diciamo: genere dell'opera lirica, genere del dramma musicale, genere dell'opera epica ... All'interno del concetto generale (genere) di musica vocale, distinguiamo generi di romanticismo, canzoni, ecc.
Questo termine ha un significato in più. Forse hai sentito come si dice di un artista: è un pittore di genere. Ciò significa che l'artista crea dipinti basati su soggetti quotidiani. Tali immagini sono state dipinte, ad esempio, da V. Petrov. Dalla pittura, la parola genere in questo senso è passata ad altre arti, compresa la musica. Se stiamo parlando di qualsiasi opera: contiene episodi di genere, ciò significa che il compositore ha introdotto una canzone, una danza o una marcia in essa. Sinfonia

Sinfonia in greco significa consonanza. È usato non solo in relazione all'orchestra, alla musica. Ad esempio, il poeta russo Balmont vide nella bellezza autunnale della natura "una sinfonia di colori e fruscii". Symphony in Music è un grande pezzo scritto per un'orchestra sinfonica. Ascoltando una sinfonia, non sappiamo di cosa sia triste il compositore, siamo tristi della nostra. Non sappiamo esattamente quali immagini della natura si trovassero davanti ai suoi occhi. Con il suono della musica, ciò che noi stessi vediamo prende vita.
La sinfonia ha diverse parti (Ascoltando la Sinfonia n. 6 di Tchaikovsky). I compositori hanno scritto concerti per un'orchestra sinfonica e alcuni strumenti. musica lirica

L'opera è uno spettacolo in cui i personaggi non parlano ma cantano. L'opera, come un'opera teatrale, è uno dei tipi di arte teatrale.
La musica è la cosa principale nell'opera.
Affinché la fiaba possa andare in scena, viene convertita in un "pezzo d'opera" - scrivono un libretto.
I personaggi trasmettono tutti i loro pensieri cantando. Quando uno dei personaggi canta in scena, lo chiamiamo aria o arioso. Se due cantano è un duetto, tre sono un trio, quattro sono un quartetto.
A volte gli episodi di danza aiutano a svelare più a fondo il contenuto dell'opera. Quindi nell'opera compaiono scene di balletto.
Con l'aiuto della musica, il compositore crea nell'opera non solo ritratti dei personaggi, ma intere immagini.
La maggior parte delle opere inizia con un'ouverture. La parola "ouverture" è francese e significa scoperta. Viene eseguito dall'orchestra prima che si apra il sipario. L'ouverture contiene le melodie principali dell'opera. Prima degli atti 1 e 2, suonano gli "intermezzi" (introduzioni musicali).
Quindi, la cosa principale nell'opera è la musica, il suono dell'orchestra e le voci. Ma l'opera è insieme dramma, danza e pittura, fusi in uno. Ecco perché l'opera fa un'impressione particolarmente forte sul pubblico, è la forma più comprensibile di musica seria. Balletto

Il balletto è una forma di arti dello spettacolo; una performance il cui contenuto è incarnato in immagini musicali e coreografiche. Sulla base di un piano drammatico generale (sceneggiatura), il balletto combina musica, coreografia (danza e pantomima) e arti visive (decorazione, costume, illuminazione, ecc.) Diverse epoche hanno dato origine a diverse collaborazioni creative tra il compositore e il coreografo , i propri tipi di interazione tra musica e coreografia. A volte la musica nel balletto è solo un accompagnamento, in altri casi la coreografia cerca di rivelare il contenuto profondo della musica.
Il balletto europeo contemporaneo è emerso durante il Rinascimento. Apparve la parola "Ballet", che quindi denotava una composizione che trasmetteva nella danza non una trama, ma una proprietà o uno stato di carattere. Arte maturata all'interno di altre forme: processioni, mascherate, tornei equestri, pranzi solenni. Alla fine del XV secolo, il balletto faceva parte degli spettacoli creati da famosi poeti e artisti.
Nel XVI secolo, il genere delle maschere si sviluppò in Inghilterra.
Nel XVIII secolo, il balletto come spettacolo iniziò ad affermarsi nei teatri di Vienna, dove l'azione puramente coreografica si sviluppava sulla base di una sceneggiatura e di una musica.
Il balletto esisteva in Germania, Svezia, Olanda. Le forme di balletto prese in prestito dagli italiani e dai francesi si arricchirono di colori nazionali.
Entro la metà del XIX secolo, la forma dello spettacolo in più atti e la forma della musica per balletto si stabilizzarono (danze generali che completano un atto o una performance, processioni, fiere, valzer, polke, galoppe), così come la struttura delle danze di solisti.
All'inizio del ventesimo secolo, l'estetica dell'accademia di balletto raggiunse il suo apice nelle opere dei grandi maestri russi (AA Gorsky, MM Fokin), il cui lavoro fu influenzato dall'arte di A. Duncan, un ballerino americano, un sostenitore di danza libera.
Alla fine del 1950, il balletto si diffuse in tutti i paesi del mondo.