Caratteristiche generali della cultura musicale del revival. Musica dell'Alto Rinascimento Caratteristiche della Cultura Musicale del Rinascimento

astratto sulla disciplina accademica "Culturologia"

sul tema: "Musica del Rinascimento".

Piano

1. Introduzione.

2. Strumenti rinascimentali.

3. Scuole e compositori del Rinascimento.

5. conclusione.

6. Riferimenti.

1. Introduzione.

L'arte musicale del Rinascimento è soprattutto un'arte innovativa. Innanzitutto, questo carattere innovativo è determinato dalla svolta della cultura secolare del canto e della danza. In ogni paese, i generi di canto e danza erano basati su origini popolari. Che si tratti della Villancica spagnola, della ballata inglese, della frottola italiana, della chanson francese o della protagonista tedesca, tutte miravano a trasmettere il complesso mondo interiore della persona umana, a raccontare le gioie della vita. In queste canzoni puoi sentire tutti i dettagli del sentimento dell'uomo rinascimentale.

Il madrigale, una canzone cantata in italiano, divenne un trionfo della cultura musicale secolare. Era la lingua che sottolineava l'allontanamento di questo genere dalla musica sacra, che veniva eseguita in latino. L'evoluzione del madrigale è un processo interessante, che dalla parvenza di un semplice canto di pastore si è trasformato in un vero e proprio brano musicale, in esso erano presenti sia linee vocali che strumentali. Particolare attenzione merita il testo sui madrigali, i cui autori furono insigni poeti del Rinascimento, tra cui F. Petrarca. Non esisteva un paese musicalmente sviluppato in Europa in cui non fossero scritti madrigali.

La seconda caratteristica della specificità della cultura musicale di questo periodo può essere definita la fioritura della polifonia. I compositori che hanno scritto opere polifoniche hanno contribuito all'evoluzione del più grande genere rinascimentale: la Messa. Il risultato di questo progresso è stata la Messa, che ha una forma ciclica rigorosamente pensata. Il cambiamento delle parti nella messa era influenzato dal calendario della chiesa: la messa aveva un significato spirituale obbligatorio associato a questo o quell'evento. Ma qualunque fosse il calendario della chiesa, la Messa consisteva delle parti obbligatorie.

La terza caratteristica è l'importanza sensibilmente accresciuta della musica strumentale, nonostante il ruolo dominante appartenesse ai generi vocali. Ora la musica strumentale è diventata professionale e si è concentrata su uno strumento particolare (gruppo di strumenti). I compositori hanno scritto composizioni per liuto, tastiere, viola e le sue varietà.

La quarta caratteristica è l'emergere e l'istituzione di scuole nazionali di composizione. Ognuno di loro aveva le sue specifiche, nominava un numero di rappresentanti eccezionali, aveva caratteristiche uniche associate all'arte musicale popolare del paese.

La quinta caratteristica è la rapida evoluzione della teoria musicale. Gli scienziati si sono sforzati di sviluppare concetti e leggi degli elementi musicali più importanti: melodia, armonia, polifonia. Quindi, il Rinascimento, essendo un punto di svolta nello sviluppo della cultura europea, si rivelò un momento di cambiamenti radicali anche per la musica.

2. Strumenti rinascimentali.

Lo sviluppo dei generi durante il Rinascimento ha anche contribuito all'espansione del toolkit. Nei grandi paesi europei - Italia, Olanda, Inghilterra, Spagna, Francia, furono aperti frettolosamente laboratori per la produzione di strumenti musicali e le cose stavano andando molto bene per loro.

L'organo è stato a lungo il re degli strumenti musicali e ha dominato sia il concerto che il regno spirituale. Ma nel tempo la situazione iniziò a cambiare e vennero alla ribalta strumenti a corda e a pizzico. Sono la viola (il capostipite del violino e della viola moderni) e il liuto, strumento mutuato dalla cultura musulmana. Per questi strumenti è stato scritto un numero record di composizioni. Il liuto era un eccellente strumento di accompagnamento per l'esecuzione vocale.

Anche altri strumenti erano popolari. Tra gli strumenti a fiato c'erano la bombarda e lo shalme. La Bombarda è uno strumento basso che ha anticipato il moderno fagotto. È caratterizzato da un timbro ruvido che non favorisce l'espressione artistica (a differenza del fagotto).

Shalmey si distingueva per un suono estremamente forte e una gamma molto ampia, di cui la bombarda non poteva vantarsi. Era impossibile immaginare eventi cerimoniali o balli senza uno shalme. Nella successiva epoca barocca lo shalme fu dimenticato per lungo tempo.

Il gruppo degli strumenti ad arco, oltre alla già citata viola, comprendeva: viola da gamba, viola da braccio e altre varietà di questo strumento.

Suonare la viola da gamba significava appoggio con i piedi, da qui il suo nome (it. Gamba - gamba). Molti compositori del Rinascimento hanno scritto le loro opere con l'aspettativa di farlo come strumento solista. Di conseguenza, la viola da braccio è uno strumento che si tiene nelle mani. Entrambe le viole erano ampiamente utilizzate sia come strumenti solisti che come strumenti che partecipano a ensemble e orchestre.

Le tastiere erano molto diffuse: il clavicembalo (si applica anche agli archi), il clavicordo, la spinetta (anch'essa appartiene al gruppo degli archi da tastiera), e il virginello.

Il clavicembalo ha un timbro molto piacevole e specifico, ma il suo notevole svantaggio è l'impossibilità di cambiare dinamicamente il suono. Questo strumento si rivelò più realizzato in epoca barocca che in epoca rinascimentale.

La spinetta è un tipo di clavicembalo. La sua patria, come molti altri strumenti musicali, è l'Italia. Questo strumento era più uno strumento domestico che uno da concerto. Molte signore ricche avevano in casa una spinetta e cantavano con essa, o ci suonavano sopra.

Appartiene a una varietà di clavicembalo e virginel. Il nome di questo strumento contiene la chiave delle sue caratteristiche sonore. Derivato dal lat. Virginia (Vergine), il nome allude al suo suono puro e angelico.

Il clavicordo, essendo uno degli strumenti musicali più antichi della storia della musica, funzionò anche durante il Rinascimento. La caratteristica principale del clavicordo è la capacità di estrarre il vibrato su di esso. Il clavicordo era tenuto in grande considerazione sia da musicisti professionisti che da dilettanti. La musica suonata su strumenti a tastiera era chiamata clavicembalo e gli inglesi diedero un grande contributo al suo sviluppo.

Pertanto, la gamma di strumenti era piuttosto ricca e diversificata, il che indicava uno sviluppo di genere a tutti gli effetti della musica e dell'arte del compositore. Va anche notato che ogni strumento aveva i suoi virtuosi esecutori.

3. Scuole e compositori del Rinascimento.

C'erano diverse grandi scuole di composizione del Rinascimento, che si formarono nei paesi più sviluppati. Ci sono sei scuole principali: italiana, olandese, inglese, francese, tedesca e spagnola. La scuola dei Paesi Bassi era in testa tra di loro. È notevole per il fatto che ha sviluppato un sistema di educazione musicale professionale. I futuri compositori sono stati insegnati in metrizas - scuole nelle chiese cattoliche. La musica olandese deve molto alle metriche, come i laureati di queste istituzioni sono diventati compositori eccezionali.

I compositori di questa scuola gravitavano verso un certo numero di generi. Prima di tutto, questa è una messa (multiparte polifonica), canzoni e mottetti. Sono stati preferiti i canti polifonici. I mottetti sono stati composti per ensemble. Si sono anche rivolti a generi come la chanson e il madrigale, una sorta di simbolo della vittoria della musica profana sullo spirituale.

Il merito della Scuola dei Paesi Bassi è la generalizzazione del patrimonio musicale relativo al canto corale polifonico. Inoltre, i generi classici sopra menzionati sono stati sviluppati e stabiliti qui, sono state stabilite le leggi della polifonia.

La scuola olandese può essere orgogliosa di molti compositori. Tra questi J. Okegem, G. Dufay, J. Despres, J. Obrecht, J.P. Gonfiore e altri. Ognuno di loro non solo ha scritto grande musica, ma ha anche contribuito allo sviluppo della teoria dell'arte musicale. G. Dufay ha posto le basi per la polifonia nazionale; J. Obrecht ha arricchito la musica con melodie popolari; NS. Il gonfiore ha creato una scuola di suonare l'organo.

Anche la scuola italiana era giustamente considerata molto forte e allo stesso tempo poliedrica, perché consisteva in una serie di scuole nazionali, tra le quali spiccano due: romana e veneziana.

Il capo della scuola romana fu J.P. Palestrina, che prestò servizio nella Cappella Sistina. Il suo lavoro ha determinato la direzione spirituale della musica che ha scritto. La messa risulta essere il genere principale a cui si rivolge. Tuttavia, ha composto opere in altri generi comuni di quel tempo. J.P. Palestrina seppe difendere la polifonia nella musica sacra, che vollero abbandonare, volendo sostituirla con il canto all'unisono (canto gregoriano). Altri notevoli compositori di questa scuola furono F. Anerio, G. Jannacconi e altri. La scuola romana era incentrata sulla musica sacra strumentale.

La scuola veneziana si è formata grazie all'opera di A. Villart, compositore olandese. Comprendeva anche compositori come C. Monteverdi, C. Merulo, G. Bassano. Questi e altri rappresentanti erano entusiasti non solo nella musica strumentale, ma anche nella musica vocale. Incline alla sperimentazione, hanno creato un nuovo stile musicale - concertato. La scuola di composizione a Venezia ha aperto la strada al palcoscenico più importante della musica: il barocco.

La scuola dei compositori inglese era basata sulla polifonia vocale, alla quale disponevano le tradizioni musicali del paese. L'Inghilterra è diventata il primo paese ad avere Bachelor of Arts. Durante il Rinascimento, un certo numero di compositori iniziò ad opporre l'arte musicale secolare all'arte vocale della chiesa. Uno dei generi compositivi più amati era il madrigale. Si noti che l'arte della musica sviluppata nell'Inghilterra rinascimentale non è così varia e brillante come in altri paesi europei.

La scuola francese è una delle più particolari. Qui l'arte del canto si sviluppò secondo leggi proprie e ricevette il nome di "chanson". Ovviamente non può essere interpretato in senso moderno. Quindi era un'opera polifonica, non legata alla chiesa e ai temi biblici. Ma anche allora, nella chanson, era palpabile una connessione con la musica folk e i ritmi della danza.

Il compositore K. Janeken si è mostrato particolarmente brillantemente in questo genere, avendo scritto un gran numero di opere in questo genere. Si è rivolto anche ad altri generi: messe, mottetti, ecc.

I quadri professionali nella Germania rinascimentale furono forgiati in cappelle che di solito esistevano nelle cattedrali e nei cortili; così come dalle associazioni creative che si svilupparono tra i borghesi. I compositori tedeschi si mostrarono polifonisti di talento e c'erano molti grandi maestri tra loro, tuttavia, non riuscirono a raggiungere né i Paesi Bassi né l'Italia in questo senso. La gloria della scuola tedesca doveva ancora venire.

Il meistersang, che sostituì il minnesang, divenne un fenomeno notevole dell'arte musicale tedesca. Questo era il nome dell'attività di poeti-cantanti professionisti cresciuti nell'ambiente borghese. Tuttavia, nonostante fossero professionisti, la creatività dei loro predecessori, i minnesinger, è stata per loro una linea guida estetica.

In Spagna, l'arte della musica, anche durante il Rinascimento, non riuscì a liberarsi dalla dittatura della Chiesa cattolica. Tutti i principali compositori della Spagna erano al servizio della chiesa e le loro opere, anche quelle polifoniche, erano incatenate da tradizioni consolidate. Allo stesso tempo, non potevano fare a meno di accettare le innovazioni introdotte dai Paesi Bassi e dall'Italia, quindi si sentono ancora i tentativi di andare oltre i limiti nel lavoro dei maggiori compositori.

Nella Spagna rinascimentale, furono sviluppati generi come la polifonia spirituale, il genere della canzone (villancios), i mottetti. La musica spagnola si distingueva per la sua melodia peculiare, e Villancicos ne è un ottimo esempio. In generale, ciascuna delle scuole, nonostante tendenze di sviluppo approssimativamente generali, aveva la propria colorazione nazionale.

4. I musicisti e le loro opere nel Rinascimento.

Mottetto, madrigale e messa erano i tre generi più importanti durante il Rinascimento. Pertanto, i nomi dei più grandi musicisti sono associati a loro. Nella musica italiana suona forte il nome di Giovanni Pierluigi da Palestrina. Avendo lavorato tutta la sua vita nel campo della musica sacra, con la sua opera ha contribuito all'affermazione di uno stile come la cappella, che è ancora oggi molto diffuso. Tra le opere più famose di G. Palestrino c'è la Messa di Papa Marcello. Nonostante la sua complessità, questo lavoro è pieno di chiarezza, purezza, armonia, che, in effetti, sono le caratteristiche principali dello stile del compositore.

Un altro italiano, Gesualdo di Venosa, è anche un compositore estremamente prolifico. Il numero di madrigali che scrisse era di sei libri. L'autore si è sforzato con l'aiuto della musica di esplorare il difficile mondo interiore di una persona, per riflettere i suoi sentimenti. Molti madrigali di G. di Venosa sono di natura tragica. Espressività e raffinatezza sono le caratteristiche principali della musica di questo compositore.

Orlando di Lasso (Olanda) è un altro grande rappresentante del Rinascimento. Ha scritto molte opere, ma uno dei suoi successi più eclatanti è il madrigale "Echo", che simula effetti acustici. Nella sua musica, O. di Lasso è riuscito a trasmettere la danza, il canto e persino le caratteristiche quotidiane della sua epoca.

Il rappresentante più brillante della musica inglese fu John Dunstable, che diede un enorme contributo allo sviluppo della polifonia nazionale. È autore di numerose messe, mottetti e canzoni che sono diventate popolari. Non tutte le opere scritte da lui sono sopravvissute, ma quelle che rimangono lo testimoniano come compositore inventivo e prolifico.

La musica vocale inglese può essere orgogliosa dei nomi di Thomas Morley e John Dowland. La creatività di quest'ultimo ha deliziato lo stesso W. Shakespeare. Si presume che sia J. Dowland l'autore della musica per le commedie del grande drammaturgo. Il compositore compose musica per liuto e voce; preferiva la tragica direzione della creatività, ma, tuttavia, una delle sue canzoni umoristiche "Beautiful tricks of the lady" divenne molto popolare.

T. Morley (suo allievo fu il famoso William Bird) con tutta la sua opera contribuì alla promozione e alla divulgazione dei madrigali dei compositori italiani. Era abbastanza naturale che lui stesso componesse musica in questo genere. Una delle canzoni più famose - "L'amato e la sua ragazza - affascina lo spettatore con la sua semplicità e sincerità.

Cristobal de Morales ha portato la fama alla musica spagnola. Il suo lavoro combina pienamente le tradizioni nazionali spagnole e le realizzazioni dei migliori compositori d'Italia e dei Paesi Bassi. Sulla base di questa sintesi, ha creato molte messe e mottetti.

Uno dei più importanti compositori spagnoli è Thomas Luis de Victoria, che non solo ha composto musica, ma ha anche imparato l'arte del canto e del suono dell'organo. Ha scritto opere polifoniche di orientamento spirituale.

Tra i tanti maestri francesi spicca il nome di Clement Janequin, che elevò la chanson al giusto livello. Le sue canzoni sono un'ampia varietà di temi, melodie, pensieri musicali e imitazioni sonore. Ha cercato di trasmettere il nome di ogni canzone attraverso la musica.

Quando si tratta di musica tedesca, l'organista e compositore Heinrich Schütz si distingue in primo luogo. Fu il primo compositore tedesco a scrivere un'opera. Era un saggio su un soggetto mitologico; l'opera si chiamava Daphne. G. Schutz scrisse anche un'opera-balletto, anch'essa basata sull'antica trama greca - "Orfeo ed Euridice". Ha scritto molte altre opere in generi più piccoli.

Il teologo cristiano Martin Lutero ha svolto un ruolo importante nello sviluppo della musica tedesca, contribuendo alla riforma in questo settore. In connessione con il suo desiderio di attirare il maggior numero possibile di parrocchiani al servizio, formò nuovi requisiti per la musica sacra vocale. Così nacque il canto protestante, che divenne il genere principale nell'arte musicale della Germania durante il Rinascimento (qui, ovviamente, non si intendono i generi secolari).

Così, il patrimonio musicale del Rinascimento è ricchissimo di eventi, generi, strumenti, opere e nomi.

5. conclusione.

Quindi, tutto quanto sopra ci consente di trarre una serie di conclusioni. I paesi più potenti in termini di musica sono stati i Paesi Bassi (all'inizio) e l'Italia (alla fine). Fu lì che nacquero le tradizioni che influenzarono il processo musicale in altri paesi.

I confini musicali si sono ampliati. Ciò riguardava sia i musicisti stessi, che si spostavano in giro per l'Europa e potevano vivere e lavorare in paesi diversi, in generi diversi, a volte contrastanti, sia la musica stessa. Ha cessato di essere esclusivamente ecclesiastico (stiamo parlando di arte professionale), poiché l'arte popolare è sempre viva.

Dopo aver superato i confini della sfera spirituale, la musica è penetrata nella vita di tutti i giorni, è diventata disponibile per ampi strati della società. La sua lingua è diventata disponibile per le persone. Allo stesso tempo, la musica divenne un'arte in cui si sentiva l'individualità dei suoi creatori.

Come nei tempi antichi, la musica è diventata parte integrante di feste e celebrazioni, che hanno nuovamente conquistato il loro posto nel tempo libero degli europei dopo i tempi bui del Medioevo.

La società rinascimentale riempiva la sua vita con una serie di vari festival, durante i quali celebravano, cantavano, ballavano e suonavano spettacoli teatrali. E ovunque la musica era un attributo indispensabile e insostituibile.

Certo, non si può sostenere che la musica sia diventata esclusivamente laica. Questo sarebbe fondamentalmente sbagliato. Come prima, la massima attenzione è stata prestata alla musica sacra. I compositori scrissero grandiose opere vocali e strumentali polifoniche in cui le voci umane erano supportate da parti di strumenti a fiato. E sebbene in alcuni paesi (ad esempio in Germania) ci fosse una tendenza a semplificare la musica da chiesa, per la maggior parte, la musica sacra è rimasta maestosa e complessa.

Durante il Rinascimento la cultura musicale subì un significativo rinnovamento. Ciò si applicava agli strumenti, ai nuovi risultati nelle discipline teoriche e allo sviluppo della stampa musicale.

Ma il risultato più importante del Rinascimento in tutte le sfere di attività è l'affermazione della personalità umana, l'interesse per lui, la divulgazione del suo ricco mondo interiore con tutti i mezzi artistici disponibili.

6. Riferimenti.

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4. Rosenschild K.K. Storia della musica straniera / K.K. Rosenschild. - M.: Muzyka, 1978 .-- 445 p.

La questione del lato musicale del Rinascimento è complessa. Nella musica di quel tempo, è più difficile identificare elementi e tendenze nuovi, fondamentalmente diversi rispetto al Medioevo, che in altri settori dell'arte: nella pittura, nella scultura, nell'architettura, nell'artigianato artistico e così via. Il fatto è che la musica, sia nel Medioevo che durante tutto il Rinascimento, ha mantenuto il suo carattere diverso. C'era una chiara divisione in musica sacra-spirituale e composizioni profane, canti e danze. Tuttavia, la musica rinascimentale ha un suo carattere originale, sebbene sia strettamente legato a precedenti realizzazioni.

Cultura musicale del Rinascimento

La particolarità della musica rinascimentale, a cui è attribuita l'era musicale dei secoli XV-XVI, è la combinazione di varie scuole nazionali, che allo stesso tempo avevano una tendenza generale di sviluppo. Gli esperti individuano i primi elementi caratteristici dell'era del mood nella direzione della musica italiana. Inoltre, nella patria del Rinascimento, la "nuova musica" iniziò ad apparire alla fine del XIV secolo. Le caratteristiche dello stile rinascimentale si manifestarono più chiaramente nella scuola musicale olandese, a partire dalla metà del XV secolo. Una caratteristica speciale della musica olandese era la maggiore attenzione alle composizioni vocali con l'accompagnamento strumentale appropriato. Inoltre, le composizioni vocali polifoniche erano caratteristiche sia della musica sacra della scuola olandese che della sua direzione secolare.

È caratteristico che la scuola olandese abbia avuto una seria influenza sul resto delle tradizioni musicali europee del Rinascimento.

Così, già nel XVI secolo, si diffuse in Francia, Germania, Inghilterra. Inoltre, le composizioni vocali profane in stile olandese sono state eseguite in diverse lingue: ad esempio, gli storici della musica vedono in queste canzoni le origini della chanson tradizionale francese. Tutta la musica europea del Rinascimento è caratterizzata da due tendenze apparentemente multidirezionali. Uno di questi ha portato a una chiara individualizzazione delle composizioni: nelle opere profane, il principio dell'autore è sempre più tracciato, compaiono testi, esperienze ed emozioni più personali di un particolare compositore.

Un'altra tendenza si rifletteva nella crescente sistematizzazione della teoria musicale. Le opere, sia ecclesiastiche che profane, divennero sempre più complesse, il polifonismo musicale migliorò e si sviluppò. Prima di tutto, nella musica da chiesa, sono state compilate regole chiare per la forma, le sequenze armoniche, la voce principale e simili.

Teorici o compositori del Rinascimento?

Una natura così complessa dello sviluppo della musica nel Rinascimento è associata al fatto che attualmente ci sono controversie sul fatto che le principali figure musicali di quel tempo debbano essere considerate compositori, teorici o scienziati. Allora non c'era una chiara "divisione del lavoro", quindi i musicisti combinavano varie funzioni. Quindi, in misura maggiore il teorico fu lo svizzero Glareano, che visse e operò nella prima metà del XVI secolo. Ha dato contributi significativi alla teoria musicale, creando le basi per l'introduzione di concetti come maggiore e minore. Allo stesso tempo, considerava la musica come una fonte di piacere, cioè ne sosteneva la natura secolare, rifiutando di fatto lo sviluppo della musica nell'aspetto religioso del Medioevo. Inoltre, Glarean vedeva la musica solo in una connessione inestricabile con la poesia, quindi prestava grande attenzione ai generi musicali.

L'italiano Josepho Tsarlino, la cui attività creativa si è svolta nel secondo quarto - la fine del XVI secolo, in molti modi ha sviluppato e integrato gli sviluppi teorici presentati sopra. In particolare, propose dapprima di associare i concetti già formulati di maggiore e minore allo stato d'animo emotivo di una persona, associando il minore alla malinconia e alla tristezza, e il maggiore alla gioia e ai sentimenti elevati. Inoltre, Tsarlino continuava l'antica tradizione di interpretare la musica: per lui la musica era un'espressione tangibile dell'armonia in cui doveva esistere l'universo. Di conseguenza, la musica, secondo lui, era la più alta manifestazione del genio creativo e la più importante delle arti.

Da dove viene la musica rinascimentale?

La teoria è teoria, ma in pratica la musica è inconcepibile senza strumenti musicali - ovviamente, con il loro aiuto l'arte musicale del Rinascimento è stata incarnata nella vita. Lo strumento principale che è "migrato" nel Rinascimento dal precedente periodo musicale medievale era l'organo. Questo strumento a fiato a tastiera è stato utilizzato attivamente nella musica da chiesa e, dato il posto più importante delle composizioni sacre nella musica del Rinascimento, è stata preservata l'importanza dell'organo. Sebbene, in generale, il "peso specifico" di questo strumento, forse, sia diminuito, gli strumenti ad arco e a pizzico sono venuti alla ribalta. Tuttavia, l'organo gettò le basi per una direzione separata degli strumenti a tastiera, che avevano un suono più alto e più secolare. Il più comune di questi era il clavicembalo.

Gli strumenti ad arco ad arco hanno formato un'intera famiglia separata: la viola. Le viole erano strumenti che ricordavano per forma e funzione i violini moderni (violino, viola, violoncello). Molto probabilmente, ci sono legami familiari tra le viole e la famiglia dei violini, ma le viole hanno tratti caratteristici. Hanno una "voce" individuale molto più pronunciata con una tonalità vellutata. Le viole hanno un numero uguale di corde principali e risonanti, motivo per cui sono molto stravaganti e difficili da accordare. Pertanto, le viole sono quasi sempre uno strumento solista; raramente è possibile ottenere il loro uso armonioso in un'orchestra.

Per quanto riguarda gli strumenti a pizzico, tra questi il ​​liuto, apparso in Europa intorno al XV secolo, occupò il posto principale durante il Rinascimento. Il liuto era di origine orientale e aveva un dispositivo specifico. Lo strumento, i cui suoni potevano essere estratti sia con le dita che con l'aiuto di una piastra speciale (analoga a un plettro moderno), guadagnò molto rapidamente popolarità nel Vecchio Mondo.

Alexander Babitsky

Nella cultura musicale del Rinascimento si possono distinguere diversi tratti distintivi innovativi.

In primo luogo, il rapido sviluppo dell'arte secolare, espresso nell'ubiquità di molti generi di canti e danze secolari. Questi sono italianifrottoli ("Canzoni popolari, da frottole parole - folla), villanelle ("Canzoni del villaggio"),kachchii , canzone (letteralmente - canzoni) e madrigali, spagnoloVillancico (da villa - villaggio), chanson francesi, tedescomentito , inglese ballate Altro. Tutti questi generi, glorificando la gioia di essere, interessati al mondo interiore di una persona, cercando la verità della vita, riflettevano direttamente un atteggiamento puramente rinascimentale. Tipico per i loro mezzi espressivi è l'uso diffuso di intonazioni e ritmi della musica popolare.

Il culmine della linea secolare nell'arte del Rinascimento -madrigale ... Il nome del genere significa "canzone in lingua materna (cioè italiana)". Sottolinea la differenza tra madrigale e musica sacra eseguita in latino. Lo sviluppo del genere è passato da un canto pastorello a una voce senza pretese a un brano vocale-strumentale a 5-6 voci con un testo lirico raffinato e raffinato. Tra i poeti che si sono rivolti al genere madrigale ci sono Petrarca, Boccaccio, Tasso. I compositori A. Villart, J. Arcadelt, Palestrina, O. Lasso, L. Marenzio, C. Gesualdo, K. Monteverdi furono notevoli maestri del madrigale. Originario dell'Italia, il madrigale si è rapidamente diffuso in altri paesi dell'Europa occidentale.

La versione francese del canto polifonico si chiamachanson ... Si differenzia dal madrigale per una maggiore vicinanza alla vita reale, quotidiana, cioè al genere. Tra i creatori di chanson -Clemente Jeannequin , uno dei più famosi compositori francesi del Rinascimento.

In secondo luogo, la più alta fioritura della polifonia corale, che divenne lo stile musicale principale dell'epoca. Dignitoso e di buon auspicio, corrispondeva perfettamente alla solennità del servizio religioso. Allo stesso tempo, la polifonia polifonica era la forma di espressione dominante non solo nei generi spirituali, ma anche in quelli profani.

Lo sviluppo della polifonia corale è stato associato, prima di tutto, all'opera di compositori della scuola olandese (franco-fiamminga): Guillaume Dufay, Johannes Okegem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando Lasso.

Orlando Lazo (circa 1532-1594) ha lavorato in molti paesi europei. Il suo talento, davvero fenomenale, ha conquistato e deliziato tutti. Nell'immensa opera di Orlando Lasso sono rappresentati tutti i generi musicali del Rinascimento (con la predominanza della musica profana su quella spirituale). Le sue opere più famose includono "Echo", scritta nel genere della canzone quotidiana italiana. La composizione si basa su una giustapposizione colorata di due cori, creando un effetto eco. Il suo testo appartiene al compositore stesso.

Insieme a Orlando Lasso, l'italiano era il più grande rappresentante dell'Alto Rinascimento in musica.Palestrina (nome completo Giovanni Pierlui-gi da Palestrina, 1525-1594 circa). La maggior parte della vita di Palestrina trascorse a Roma, dove fu costantemente associato al lavoro nella chiesa, in particolare, diresse la cappella della Cattedrale di S. Peter. La parte principale della sua musica è costituita da opere spirituali, prima fra tutte le messe (ce ne sono più di un centinaio, tra cui spicca la famosa "Messa di Papa Marcello") e i mottetti. Tuttavia, Palestrina compose volentieri anche musica profana - madrigali, canzonetta. Opere di Palestrina per coro a Sarrelladivenne un classico esempio di polifonia rinascimentale.

Il lavoro dei compositori polifonisti ha svolto un ruolo di primo piano nello sviluppo del genere principale della musica rinascimentale -masse ... Originario del Medioevo, il genere della messa inXIV- Xvisecoli, si sta rapidamente trasformando, passando da campioni rappresentati da parti separate e sparse, a composizioni di una forma ciclica armoniosa.

A seconda del calendario della chiesa, alcune parti sono state omesse nella musica della Messa e altre sono state inserite. Ci sono cinque parti obbligatorie che sono costantemente presenti nel servizio in chiesa. Vio e V - « Kyrieeleison» ("Signore abbi pietà") e« AgnusDei» (« Agnello di Dio") - è stata espressa una preghiera per il perdono e la misericordia. InII e IV - « Gloria"(" Gloria ") e" Sanctus» (« Santo") - lode e gratitudine. Nella parte centrale,"Credo» (« Credo”), sono stati enunciati i principali dogmi della dottrina cristiana.

Terzo, il ruolo crescente della musica strumentale (con una netta predominanza dei generi vocali). Se il Medioevo europeo quasi non conosceva lo strumentalismo professionale, nel Rinascimento furono create molte opere per liuto (lo strumento musicale più comune di quel tempo), organo, viola, vihuela, flauti verginali e longitudinali. Seguono ancora schemi vocali, ma l'interesse per l'esecuzione strumentale è già stato determinato.

In quarto luogo, durante il Rinascimento, ci fu una formazione attiva di scuole musicali nazionali (polifonisti olandesi, virginalisti inglesi, vihuelist spagnoli e altri), il cui lavoro era basato sul folklore del loro paese.

Infine, la teoria della musica ha fatto un passo avanti, presentando un numero di teorici notevoli. Questo è francesePhilippe de Vitry , l'autore del trattato " Arsnova» (« New Art", dove viene data la fondatezza teorica del nuovo stile polifonico); italianoJoseffo Zarlino , uno dei fondatori della scienza dell'armonia; svizzeroGlareano , il fondatore della dottrina della melodia.

Nel XIX secolo, lo storico Jules Michelet utilizzò per la prima volta il concetto di Rinascimento. I musicisti e compositori discussi nell'articolo appartenevano al periodo iniziato nel XIV secolo, quando il dominio medievale della chiesa fu sostituito dalla cultura secolare con il suo interesse per la persona umana.

musica rinascimentale

I paesi europei sono entrati in una nuova era in tempi diversi. Poco prima sorsero in Italia, ma la scuola olandese dominò la cultura musicale, dove per la prima volta nelle cattedrali furono create speciali metriza (rifugi) per formare i futuri compositori. I principali generi di quel tempo sono presentati nella tabella:

La maggior parte del Rinascimento nei Paesi Bassi è Guillaume Dufay, Jacob Obrecht, Josquin Despres.

Grandi olandesi

Johannes Okegem fu educato alla Metrisse di Notre Dame (Anversa), e negli anni '40 del XV secolo divenne corista alla corte del duca Carlo I (Francia). Successivamente diresse la cappella della corte reale. Avendo vissuto fino a tarda età, ha lasciato una grande eredità in tutti i generi, affermandosi come un eccezionale polifonista. Ci sono pervenuti manoscritti delle sue 13 messe sotto il nome di codice Chigi, una delle quali è dipinta per 8 voti. Ha usato non solo le melodie di altre persone, ma anche le sue.

Orlando Lazo nacque nel territorio dell'odierno Belgio (Mons) nel 1532. Il suo talento musicale si è manifestato nella prima infanzia. Il ragazzo è stato rapito da casa tre volte per renderlo un grande musicista. Trascorse tutta la sua vita adulta in Baviera, dove si esibì come tenore alla corte del duca Alberto V, e poi diresse la cappella. Il suo team altamente professionale ha contribuito a trasformare Monaco di Baviera nel centro musicale d'Europa, che è stato visitato da molti famosi compositori del Rinascimento.

Talenti come Johann Eckard, Leonard Lechner e l'italiano D. Gabrieli vennero a studiare con lui. . Trovò il suo ultimo rifugio nel 1594 sul territorio di una chiesa di Monaco, lasciando una grande eredità: più di 750 mottetti, 60 messe e centinaia di canti, tra i quali il più popolare fu Susanne un jour. I suoi mottetti ("Le profezie delle Sibille") si distinguevano per le loro innovazioni, ma era anche noto per la sua musica profana, in cui c'era molto umorismo (Vilanella O bella fusa).

scuola italiana

Eccezionali compositori del Rinascimento dall'Italia, oltre alle direzioni tradizionali, svilupparono attivamente musica strumentale (organo, strumenti ad arco, clavicembalo). Il liuto divenne lo strumento più diffuso e alla fine del XV secolo apparve il clavicembalo, il precursore del pianoforte. Sulla base di elementi di musica popolare si svilupparono due influenti scuole di composizione: quella romana (Giovanni Palestrina) e quella veneziana (Andrea Gabrieli).

Giovanni Pierluigi ha preso il nome Palestrina dal nome del paese vicino a Roma, dove nacque e prestò servizio nella chiesa principale come maestro di cappella e organista. La data della sua nascita è molto approssimativa, ma morì nel 1594. Durante la sua lunga vita scrisse circa 100 messe e 200 mottetti. La sua "Messa di Papa Marcello" suscitò l'ammirazione di Papa Pio IV e divenne un esempio di musica sacra cattolica. Giovanni è il rappresentante più importante del canto vocale senza accompagnamento musicale.

Andrea Gabrieli insieme al suo allievo e nipote Giovanni lavorò nella cappella di San Marco (XVI secolo), “dipingendo” il canto del coro con il suono dell'organo e di altri strumenti. La scuola veneziana gravitava più verso la musica profana, e quando l'Edipo di Sofocle fu messo in scena sul palcoscenico teatrale da Andrea Gabrieli, venne scritta la musica per coro, esempio di polifonia corale e foriero del futuro dell'opera.

Caratteristiche della scuola tedesca

suolo tedesco avanzato Ludwig Zenfl, il miglior polifonista del XVI secolo, che tuttavia non raggiunse il livello dei maestri olandesi. Anche le canzoni dei poeti-cantanti tra gli artigiani (meistersingers) sono musica speciale del Rinascimento. I compositori tedeschi rappresentavano le corporazioni canore: lattonieri, calzolai, tessitori. Si unirono in tutto il territorio. Un rappresentante eccezionale della Scuola di canto di Norimberga era Hans Sachs(anni di vita: 1494-1576).

Nato in una famiglia di sarto, ha lavorato come calzolaio per tutta la vita, colpendo con erudizione e interessi musicali e letterari. Leggeva la Bibbia così come interpretata dal grande riformatore Lutero, conosceva poeti antichi e apprezzava Boccaccio. Come musicista folk, Sachs non possedeva le forme della polifonia, ma creava melodie del magazzino delle canzoni. Erano vicini alla danza, facili da ricordare e avevano un certo ritmo. Il pezzo più famoso è stato The Silver Tune.

Rinascimento: musicisti e compositori di Francia

La cultura musicale della Francia conobbe davvero un rinascimento solo nel XVI secolo, quando nel paese fu preparato il terreno sociale.

Uno dei migliori rappresentanti è Clement Jannequin... È noto che nacque a Chatellerault (fine del XV secolo) e passò da ragazzo-cantante a compositore personale del re. Della sua eredità creativa, sono sopravvissute solo le canzoni profane pubblicate da Attenyan. Ce ne sono 260, ma quelli che hanno superato la prova del tempo hanno guadagnato una vera fama: "Birdsong", "Hunt", "Skylark", "War", "Screams of Paris". Sono stati costantemente ristampati e utilizzati da altri autori per la revisione.

Le sue canzoni erano polifoniche e assomigliavano a scene corali, dove, oltre all'onomatopea e alla voce cantata, c'erano esclamazioni che erano responsabili della dinamica dell'opera. È stato un coraggioso tentativo di trovare nuovi modi di immaginare.

Famosi compositori francesi includono Guillaume Cotlet, Jacques Mauduy, Jean Baif, Claude Lejeune, Claude Gudimel , ha dato alla musica una struttura armoniosa che ha contribuito all'assimilazione della musica da parte del grande pubblico.

Compositori del Rinascimento: Inghilterra

Il XV secolo in Inghilterra fu influenzato dalle opere John Dubstale, e XVI - William Byrd... Entrambi i maestri gravitavano intorno alla musica sacra. Bird ha iniziato come organista alla Lincoln Cathedral e ha concluso la sua carriera alla Royal Chapel di Londra. Per la prima volta, è riuscito a collegare musica e imprenditorialità. Nel 1575, in collaborazione con Tallis, il compositore divenne monopolio nella pubblicazione di opere musicali, che non gli procurarono profitto. Ma ci è voluto molto tempo per difendere i loro diritti di proprietà nei tribunali. Dopo la sua morte (1623), nei documenti ufficiali della cappella, fu chiamato "l'antenato della musica".

Cosa ha lasciato il Rinascimento? Bird, oltre alle raccolte pubblicate (Cantiones Sacrae, Gradualia), conservava molti manoscritti, ritenendoli adatti solo al culto domestico. I madrigali (Musica Transalpina) pubblicati in seguito hanno mostrato una grande influenza di autori italiani, ma diverse messe e mottetti sono stati inclusi nel fondo aureo della musica sacra.

Spagna: Cristobal de Morales

I migliori rappresentanti della scuola musicale spagnola sono passati per il Vaticano, parlando nella cappella papale. Hanno sentito l'influenza di autori olandesi e italiani, quindi solo pochi sono riusciti a diventare famosi al di fuori del loro paese. I compositori rinascimentali spagnoli erano polifonisti che creavano opere corali. Il rappresentante più importante è Cristobal de Morales(XVI secolo), che guidò la metrisa a Toledo e preparò più di uno studente. Seguace di Josquin Despres, Cristobal introdusse una tecnica speciale in una serie di composizioni chiamate omofoniche.

I più famosi sono i due requiem dell'autore (l'ultimo a cinque voci) e la Messa dell'uomo armato. Scrisse anche opere profane (una cantata in onore della conclusione di un trattato di pace nel 1538), ma questo vale per le sue opere precedenti. A capo della cappella di Malaga alla fine della sua vita, rimase autore di musica sacra.

Invece di una conclusione

I compositori rinascimentali e le loro opere hanno preparato il periodo di massimo splendore della musica strumentale del XVII secolo e l'emergere di un nuovo genere: l'opera, in cui la complessità di molte voci è sostituita dal primato di una che guida la melodia principale. Hanno fatto un vero passo avanti nello sviluppo della cultura musicale e hanno gettato le basi per l'arte moderna.

Rinascimento, o Rinascimento(fr. rinascimento), - una svolta nella storia della cultura dei popoli europei. In Italia, nuove tendenze apparvero a cavallo dei secoli XIII-XIV, in altri paesi europei - nei secoli XV-XVI. Le figure rinascimentali riconoscevano nell'uomo - suo bene e diritto al libero sviluppo della sua personalità - il valore più alto. Questa visione del mondo è chiamata "umanesimo" (dal latino Humanus - "umano", "umano"). Gli umanisti hanno cercato l'ideale di una persona armoniosa nell'antichità e l'antica arte greca e romana li ha serviti come modello per la creatività artistica. Il desiderio di "far rivivere" l'antica cultura ha dato il nome a un'intera epoca: il Rinascimento, il periodo tra il Medioevo e il New Age (dalla metà del XVII secolo ai giorni nostri).

L'arte, inclusa la musica, riflette pienamente la visione del mondo rinascimentale. In questo periodo, così come nel Medioevo, il posto di primo piano spettava alla musica vocale sacra. Lo sviluppo della polifonia ha portato alla comparsa della polifonia (dal greco "polis" - "numeroso" e "sfondo" - "suono", "voce"). Con questo tipo di polifonia, tutte le voci di un'opera sono uguali. La polifonia non solo ha complicato il lavoro, ma ha permesso all'autore di esprimere la sua personale comprensione del testo, conferendo alla musica una grande emotività. La composizione polifonica è stata realizzata secondo regole rigide e complesse, che richiedono al compositore una profonda conoscenza e abilità virtuosistiche. Generi ecclesiastici e secolari sviluppati nell'ambito della polifonia.

Scuola polifonica olandese. I Paesi Bassi sono una regione storica nel nord-ovest dell'Europa, che comprende i territori del moderno Belgio, Olanda, Lussemburgo e Francia nord-orientale. Entro il XV secolo. I Paesi Bassi hanno raggiunto un alto livello economico e culturale ed è diventato un prospero paese europeo.

Fu qui che si formò la scuola polifonica olandese, uno dei più grandi fenomeni della musica rinascimentale. Per lo sviluppo dell'arte nel XV secolo, la comunicazione tra musicisti di diversi paesi e l'influenza reciproca delle scuole creative furono di grande importanza. La scuola olandese ha assorbito le tradizioni di Italia, Francia, Inghilterra e Paesi Bassi stessi.

I suoi rappresentanti di spicco: Guillaume Dufay (1400-1474) (Dufay) (circa 1400 - 27/11/1474, Cambrai), compositore franco-fiammingo, uno dei fondatori della scuola olandese. Le basi della tradizione polifonica nella musica olandese furono poste da Guillaume Dufay (circa 1400-1474). È nato a Cambrai nelle Fiandre (una provincia nel sud dei Paesi Bassi) e sin da piccolo ha cantato nel coro di una chiesa. Parallelamente, il futuro musicista ha preso lezioni private di composizione. In gioventù, Dufay andò in Italia, dove scrisse le sue prime composizioni: ballate e mottetti. Nel 1428-1437. prestò servizio come cantante nella cappella papale a Roma; negli stessi anni viaggia in Italia e Francia. Nel 1437 il compositore fu ordinato sacerdote. Alla corte del Duca di Savoia (1437-1439), compose musiche per cerimonie e feste. Dufay era molto rispettato dai nobili - tra i suoi ammiratori c'erano, ad esempio, la coppia dei Medici (regnanti della città italiana di Firenze). [Lavorò in Italia e Francia. Nel 1428-37 fu cantore delle cappelle papali a Roma e in altre città italiane, nel 1437-44 prestò servizio presso il Duca di Savoia. Dal 1445 canonico e direttore delle attività musicali della cattedrale di Cambrai. Maestro di generi spirituali (3, 4 voci, mottetti), così come laici (3, 4 voci francesi, canzoni italiane, ballate, rondò) associati alla polifonia popolare e alla cultura umanistica del Rinascimento. L'arte di Dante, che ha assorbito le conquiste dell'arte musicale europea, ha avuto una grande influenza sull'ulteriore sviluppo della musica polifonica europea. Fu anche un riformatore della notazione musicale (a D. è attribuita l'introduzione di note con teste bianche). La raccolta completa delle opere di D. pubblicata a Roma (6 voll., 1951-66).] Dufay fu il primo tra i compositori che iniziarono a comporre la Messa come composizione musicale integrale. Creare musica da chiesa richiede un talento straordinario: la capacità di esprimere concetti astratti e non materiali con mezzi concreti e materiali. La difficoltà sta nel fatto che una tale composizione, da un lato, non lascia indifferente l'ascoltatore e, dall'altro, non distrae dal servizio divino, aiuta a concentrarsi più a fondo sulla preghiera. Molte delle messe di Dufay sono ispirate, piene di vita interiore; sembrano aiutare ad aprire per un momento il velo della rivelazione divina.

Spesso, durante la creazione di una messa, Dufay ha preso una melodia ben nota, alla quale ha aggiunto la sua. Tali prestiti sono caratteristici del Rinascimento. Si riteneva molto importante che la base della Messa fosse basata su una melodia familiare, che i fedeli potevano facilmente riconoscere anche in un brano polifonico. Si usava spesso un frammento di canto gregoriano; non sono state escluse neanche le opere secolari.

Oltre alla musica sacra, Dufay compose mottetti per testi profani. In essi usò anche una complessa tecnica polifonica.

Josquin Despres (1440-1521). Il rappresentante della scuola polifonica olandese della seconda metà del XV secolo. fu Josquin Despres (circa 1440-1521 o 1524), che ebbe una grande influenza sul lavoro della prossima generazione di compositori. Nella sua giovinezza ha servito come coro della chiesa a Cambrai; ha preso lezioni di musica da Okegem. All'età di vent'anni, il giovane musicista venne in Italia, cantò a Milano con i duchi di Sforza (in seguito qui prestò servizio il grande artista italiano Leonardo da Vinci) e nella cappella papale a Roma. In Italia, Despres ha probabilmente iniziato a comporre musica. All'inizio del XVI secolo. si trasferì a Parigi. A quel tempo, Despres era già noto e fu invitato alla posizione di musicista di corte dal re francese Luigi XII. Dal 1503 Despres si stabilì nuovamente in Italia, nella città di Ferrara, alla corte del Duca d'Este.Despres compose molto, e la sua musica ottenne ben presto il riconoscimento negli ambienti più ampi: sia la nobiltà che la gente comune l'amavano. compositore ha creato non solo opere ecclesiastiche, ma anche profane.In particolare, si è rivolto al genere della canzone popolare italiana - frottola (it. frottola, da frotta - "folla"), che è caratterizzato da un ritmo di danza e un tempo veloce . , l'intonazione dal vivo ha rotto il rigoroso distacco e ha causato una sensazione di gioia e pienezza dell'essere. ...

Johannes Okegem (1430-1495), Jacob Obrecht (1450-1505). I contemporanei più giovani di Guillaume Dufay furono Johannes (Jean) Okegem (1425-1497 circa) e Jacob Obrecht. Come Dufay, Okegem era originario delle Fiandre. Per tutta la vita ha lavorato sodo; oltre a comporre musica, fungeva da capo della cappella. Il compositore ha creato quindici messe, tredici mottetti, più di venti chanson. Le opere di Okegem sono caratterizzate da severità, concentrazione, sviluppo a lungo termine di linee melodiche lisce. Prestò grande attenzione alla tecnica polifonica, si sforzò di percepire tutte le parti della massa come un tutto unico. La calligrafia creativa del compositore è anche indovinata nelle sue canzoni: sono quasi prive di leggerezza secolare, nel carattere ricordano più mottetti e talvolta persino frammenti di masse. Johannes Okegem era rispettato sia in patria che all'estero (fu nominato consigliere del re di Francia). Jacob Obrecht era un corista nelle cattedrali di varie città dei Paesi Bassi, cappelle guidate; per diversi anni ha prestato servizio presso la corte del Duca d'Este a Ferrara (Italia). È autore di venticinque messe, venti mottetti, trenta chanson. Utilizzando le conquiste dei suoi predecessori, Obrecht ha portato molte cose nuove nel la tradizione polifonica La sua musica è ricca di contrasti, audace anche quando il compositore si rivolge a generi ecclesiastici tradizionali.

La versatilità e la profondità della creatività di Orlando Lasso. A completare la storia della musica rinascimentale olandese è l'opera di Orlando Lasso (vero nome e cognome Roland de Lasso, circa 1532-1594), chiamato dai suoi contemporanei "Orfeo belga" e "principe della musica". Lasso è nato a Mons (Fiandre). Fin dall'infanzia, ha cantato nel coro della chiesa, colpendo i parrocchiani con una voce meravigliosa. Gonzaga, duca della città italiana di Mantova, sentendo per caso il giovane cantante, lo invitò nella propria cappella. Dopo Mantova, Lasso lavorò per un breve periodo a Napoli, quindi si trasferì a Roma, dove ricevette la carica di capo della cappella di una delle cattedrali. All'età di venticinque anni, Lasso era già noto come compositore e le sue opere erano richieste dagli editori musicali. Nel 1555 fu pubblicata la prima raccolta di opere, contenente mottetti, madrigali e chanson. Lasso ha studiato tutto il meglio che è stato creato dai suoi predecessori (compositori olandesi, francesi, tedeschi e italiani) e ha usato la loro esperienza nel suo lavoro. Essendo una personalità straordinaria, Lasso si è sforzato di superare il carattere astratto della musica sacra, per darle individualità. A tal fine, il compositore usava talvolta motivi di genere (temi di canti popolari, danze), riunendo così la chiesa e le tradizioni secolari. Lasso ha unito la complessità della tecnica polifonica con una grande emotività. Ebbe particolare successo ai madrigali, nei cui testi veniva rivelato lo stato d'animo dei personaggi, ad esempio, Lacrime di San Pietro "(1593) sui versi del poeta italiano Luigi Tranzillo. Il compositore scrisse spesso per un gran numero di voci (da cinque a sette), quindi le sue opere sono difficili da eseguire. ...

Dal 1556 Orlando Lasso visse a Monaco di Baviera (Germania), dove diresse la cappella. Alla fine della sua vita, la sua autorità nei circoli musicali e artistici era molto alta e la sua fama si diffuse in tutta Europa. La scuola polifonica olandese ha avuto una grande influenza sullo sviluppo della cultura musicale europea. I principi della polifonia sviluppati dai compositori olandesi sono diventati universali e molte tecniche artistiche sono state utilizzate nei loro lavori dai compositori già nel XX secolo.

Francia. Per la Francia, il XV-XVI secolo divenne un'epoca di importanti cambiamenti: la Guerra dei Cent'anni (1337-1453) con l'Inghilterra si concluse, alla fine del XV secolo. l'unificazione dello stato è stata completata; nel XVI secolo il paese conobbe guerre di religione tra cattolici e protestanti. In uno stato forte con una monarchia assoluta, il ruolo delle feste di corte e delle feste popolari aumentò. Ciò ha contribuito allo sviluppo dell'arte, in particolare della musica che ha accompagnato tali azioni. Il numero di complessi vocali e strumentali (cappelle e consorti), che consisteva in un numero significativo di esecutori, è aumentato. Durante le campagne militari in Italia, i francesi conobbero le conquiste della cultura italiana. Hanno profondamente sentito e accettato le idee del Rinascimento italiano: l'umanesimo, il desiderio di armonia con il mondo che li circonda, il piacere della vita.

Se in Italia il Rinascimento musicale era associato principalmente alla Messa, allora i compositori francesi, insieme alla musica sacra, prestavano particolare attenzione alla canzone polifonica secolare - chanson. L'interesse in Francia sorse nella prima metà del XVI secolo, quando fu pubblicata una raccolta di brani musicali di Clement Janequin (circa 1485-1558). È questo compositore che è considerato uno dei creatori del genere.

Grandi opere programmatiche corali di Clement Janequin (1475-1560). Da bambino, Jeannequin cantava nel coro di una chiesa nella sua città natale di Chatellerault (Francia centrale). In seguito, come suggeriscono gli storici della musica, studiò con il maestro olandese Josquin Desprez o con un compositore del suo entourage. Dopo aver ricevuto l'ordinazione sacerdotale, Zhaneken ha lavorato come direttore di coro e organista; poi fu invitato al servizio dal duca di Guisa. Nel 1555 il musicista divenne cantante della Cappella Reale e nel 1556-1557. - il compositore della corte reale. Clement Jeannequin creò duecentottanta chanson (pubblicate tra il 1530 e il 1572); scrisse musica sacra: messe, mottetti, salmi. Le sue canzoni erano spesso pittoriche. Immagini della battaglia ("La battaglia di Marignano", "La battaglia di Renta", "La battaglia di Metz"), scene di caccia ("La caccia"), immagini della natura ("Il canto degli uccelli", "Usignolo" , "Lark" ), scene di tutti i giorni ("chiacchiere femminili"). Con sorprendente vividezza, il compositore è riuscito a trasmettere l'atmosfera della vita quotidiana a Parigi nella chanson "Screams of Paris": ha introdotto nel testo le esclamazioni dei venditori ("Latte!" - "Torte!" - "Carciofi!" - "Pesce!" - "Fiammiferi!" - "Colombe! ! "-" Scarpe vecchie! "-" Vino! "). Janequin quasi non usava temi lunghi e fluidi per singole voci e complesse tecniche polifoniche, privilegiando appelli, ripetizioni, onomatopee.

Un'altra direzione della musica francese è associata al movimento paneuropeo della Riforma.

Nelle funzioni religiose, i protestanti francesi (ugonotti) abbandonarono il latino e la polifonia. La musica sacra ha acquisito un carattere più aperto e democratico. Uno dei rappresentanti più brillanti di questa tradizione musicale fu Claude Gudimel (tra il 1514 e il 1520-1572) - autore di salmi su testi biblici e canti protestanti.

Canzone. Uno dei principali generi musicali del Rinascimento francese è chanson (chanson francese - "canzone"). Le sue origini sono nell'arte popolare (versi in rima di leggende epiche sono stati trasferiti in musica), nell'arte dei trovatori medievali e dei trovatori. In termini di contenuto e umore, la chanson poteva essere molto varia: c'erano canzoni d'amore, quotidiane, umoristiche, satiriche, ecc. I compositori hanno preso poesie popolari e poesie moderne come testi.

Italia. Con l'avvento del Rinascimento, in Italia si diffuse la musica quotidiana su vari strumenti; sorsero circoli di amanti della musica. In campo professionale si formarono due delle scuole più potenti: la romana e la veneziana.

Madrigale. Durante il Rinascimento, il ruolo dei generi secolari è aumentato. Nel XIV sec. nella musica italiana apparve il madrigale (da pozlnelat. matricale - "canzone in lingua nativa"). Si è formato sulla base di canti popolari (pastori). I madrigali erano canzoni a due o tre voci, spesso senza accompagnamento strumentale. Erano scritti sui versi dei poeti italiani moderni, che parlavano d'amore; c'erano canzoni su argomenti quotidiani e mitologici.

Nel corso del XV secolo i compositori non si sono quasi mai rivolti a questo genere; l'interesse per lui fu ripreso solo nel XVI secolo. Un tratto caratteristico del madrigale del XVI secolo è lo stretto legame tra musica e poesia. La musica ha seguito in modo flessibile il testo, riflettendo gli eventi descritti nella fonte poetica. Nel tempo si svilupparono peculiari simboli melodici, che denotavano teneri sospiri, lacrime, ecc. Nelle opere di alcuni compositori, il simbolismo era filosofico, ad esempio, nel madrigale di Gesualdo di Venosa "Sto morendo, infelice" (1611).

Il periodo di massimo splendore del genere cade a cavallo dei secoli XVI-XVII. A volte, contemporaneamente all'esecuzione della canzone, veniva giocata la sua trama. Il madrigale divenne la base della commedia madrigale (composizione corale basata sul testo di una commedia), che preparò l'apparizione dell'opera.

Scuola polifonica romana. Giovanni da Palestrina (1525-1594). Il capostipite della scuola romana fu Giovanni Pierluigi da Palestrina, uno dei più grandi compositori del Rinascimento. Nacque nella città italiana di Palestrina, dal cui nome ricevette il cognome. Fin dall'infanzia, Palestrina ha cantato nel coro della chiesa e, una volta raggiunta l'età adulta, è stato invitato al posto di direttore (direttore del coro) nella Basilica di San Pietro a Roma; in seguito prestò servizio nella Cappella Sistina (cappella di corte del Papa).

Roma, il centro del cattolicesimo, ha attratto molti importanti musicisti. In tempi diversi hanno lavorato qui maestri olandesi, i polifonisti Guillaume Dufay e Josquin Despres. La loro tecnica compositiva sviluppata a volte interferiva con la percezione del testo del servizio divino: si perdeva dietro lo squisito intreccio di voci e le parole, infatti, non si sentivano. Pertanto, le autorità ecclesiastiche erano diffidenti nei confronti di tali opere e sostenevano il ritorno della monofonia basata sui canti gregoriani. La questione della liceità della polifonia nella musica sacra fu discussa anche al Concilio di Trento della Chiesa Cattolica (1545-1563). Vicino al Papa, Palestrina convinse i vertici della Chiesa della possibilità di realizzare opere dove la tecnica compositiva non interferisse con la comprensione del testo. Come prova, compose la Messa di Papa Marcello (1555), che combina una polifonia complessa con il suono chiaro ed espressivo di ogni parola. Così, il musicista ha "salvato" la musica polifonica professionale dalla persecuzione delle autorità ecclesiastiche. Nel 1577, il compositore fu invitato a discutere la graduale riforma - una raccolta di canti sacri della Chiesa cattolica. Negli anni '80. Palestrina fu ordinato sacerdote e nel 1584 divenne membro della Società dei Maestri di Musica - un'associazione di musicisti direttamente subordinati al Papa.

La creatività di Palestrina è intrisa di un atteggiamento luminoso. Le opere da lui create stupirono i suoi contemporanei con la massima abilità e quantità (più di cento messe, trecento mottetti, cento madrigali). La complessità della musica non è mai stata un ostacolo alla sua percezione. Il compositore ha saputo trovare una via di mezzo tra la raffinatezza delle composizioni e la loro accessibilità all'ascoltatore. Palestrina vedeva il compito creativo principale nello sviluppo di una grande opera integrale. Ogni voce nei suoi canti si sviluppa indipendentemente, ma allo stesso tempo forma un tutt'uno con il resto, e spesso le voci si sommano a combinazioni di accordi incredibilmente belle. Spesso la melodia della voce acuta si libra sopra le altre, delineando la "cupola" della polifonia; tutte le voci sono fluide e sviluppate.

I musicisti della generazione successiva consideravano l'arte di Giovanni da Palestrina esemplare, classica. Molti importanti compositori dei secoli XVII-XVIII hanno studiato le sue opere.

Un'altra direzione della musica rinascimentale è associata al lavoro dei compositori della scuola veneziana, il cui fondatore fu Adrian Villart (circa 1485-1562). Suoi allievi furono l'organista e compositore Andrea Gabrieli (tra il 1500 e il 1520 - dopo il 1586), il compositore Cyprian de Pope (1515 o 1516-1565) e altri musicisti. Mentre le opere di Palestrina sono caratterizzate da chiarezza e rigorosa moderazione, Willart e i suoi seguaci hanno sviluppato un magnifico stile corale. Per ottenere il suono surround, suonando i timbri, hanno usato diversi cori nelle loro composizioni, situati in diversi luoghi del tempio. L'uso degli appelli tra i cori ha permesso di riempire lo spazio della chiesa con effetti senza precedenti. Questo approccio rifletteva anche gli ideali umanistici dell'epoca nel suo insieme - con la sua allegria, libertà e la stessa tradizione artistica veneziana - con la sua ricerca di tutto ciò che è luminoso e insolito. Nelle opere dei maestri veneziani, il linguaggio musicale è diventato più complicato: è stato riempito di combinazioni audaci di accordi, armonie inaspettate.

Una figura rinascimentale impressionante fu Carlo Gesualdo di Venosa (1560-1613 circa), principe della città di Venosa, uno dei più grandi maestri del madrigale secolare. Divenne famoso come filantropo, liutaio, compositore. Il principe Gesualdo era amico del poeta italiano Torquato Tasso; ci sono ancora lettere interessanti in cui entrambi gli artisti discutono di letteratura, musica e belle arti. Molte delle poesie di Tasso Gesualdo di Venosa sono state musicate: è così che sono apparsi alcuni madrigali altamente artistici. Come rappresentante del tardo Rinascimento, il compositore sviluppò un nuovo tipo di madrigale, in cui i sentimenti erano in primo luogo: violenti e imprevedibili. Pertanto, le sue opere sono caratterizzate da cambiamenti di volume, intonazione, simili a sospiri e persino singhiozzi, accordi dal suono acuto, cambiamenti di tempo contrastanti. Queste tecniche davano alla musica di Gesualdo un carattere espressivo, un po' bizzarro, stupiva e allo stesso tempo attirava i contemporanei. Il lascito di Gesualdo di Venosa è costituito da sette raccolte di madrigali polifonici; tra le opere spirituali - "Canti sacri". La sua musica oggi non lascia indifferente l'ascoltatore.

Sviluppo di generi e forme di musica strumentale. La musica strumentale è stata anche caratterizzata dall'emergere di nuovi generi, in particolare il concerto strumentale. Violino, clavicembalo, organo si trasformarono gradualmente in strumenti solisti. La musica scritta per loro ha permesso di mostrare talento non solo per il compositore, ma anche per l'esecutore. Prevalentemente apprezzato è stato il virtuosismo (la capacità di far fronte alle difficoltà tecniche), divenuto via via fine a se stesso per molti musicisti e valore artistico. I compositori dei secoli XVII-XVIII di solito non solo componevano musica, ma suonavano anche magistralmente gli strumenti ed erano impegnati in attività pedagogiche. Il benessere dell'artista dipendeva in gran parte dal cliente specifico. Di norma, ogni musicista serio cercava di ottenere un posto alla corte di un monarca o di un ricco aristocratico (molti membri della nobiltà avevano le proprie orchestre o teatri d'opera) o in un tempio. Inoltre, la maggior parte dei compositori combinava facilmente la musica sacra con il servizio con un mecenate secolare.

Inghilterra. La vita culturale dell'Inghilterra durante il Rinascimento fu strettamente associata alla Riforma. Nel XVI secolo il protestantesimo si diffuse in tutto il paese. La Chiesa cattolica perse la sua posizione dominante, la Chiesa anglicana divenne quella statale, che rifiutò di riconoscere alcuni dogmi (disposizioni fondamentali) del cattolicesimo; la maggior parte dei monasteri cessò di esistere. Questi eventi hanno influenzato la cultura inglese, inclusa la musica. Dipartimenti di musica sono stati aperti presso le università di Oxford e Cambridge. Nei salotti della nobiltà suonavano gli strumenti a tastiera: il virginel (un tipo di clavicembalo), un (piccolo) organo portatile, ecc. Erano popolari piccole composizioni destinate alla riproduzione di musica domestica. Il rappresentante più importante della cultura musicale di quel tempo fu William Bird (1543 o 1544-1623) - editore musicale, organista e compositore. Bird divenne l'antenato del madrigale inglese. Le sue opere si distinguono per la loro semplicità (evitava le complesse tecniche polifoniche), l'originalità della forma che segue il testo e la libertà armonica. Tutti i mezzi musicali hanno lo scopo di affermare la bellezza e la gioia della vita, in contrasto con la severità e la moderazione medievali. Il compositore ebbe molti seguaci nel genere madrigale.

Bird ha anche creato opere spirituali (messe, salmi) e musica strumentale. Nelle sue composizioni per il virginel, ha usato motivi di canti e danze popolari.

Il compositore voleva davvero che la musica che aveva scritto "portasse felicemente almeno un po' di tenerezza, relax e divertimento" - questo è ciò che William Bird ha scritto nella prefazione di una delle sue raccolte musicali.

Germania. Il legame della cultura musicale tedesca con il movimento della Riforma. Nel XVI secolo iniziò in Germania la Riforma, che cambiò significativamente la vita religiosa e culturale del paese. I capi della Riforma erano convinti della necessità di cambiamenti nel contenuto musicale del culto. Ciò era dovuto a due ragioni. Entro la metà del XV secolo. l'abilità polifonica dei compositori che lavorano nei generi della musica sacra ha raggiunto una complessità e una raffinatezza straordinarie. A volte venivano create opere che, a causa della ricchezza melodica delle voci e dei lunghi canti, non potevano essere percepite e vissute spiritualmente dalla maggioranza dei parrocchiani. Inoltre, il servizio veniva svolto in latino, comprensibile agli italiani, ma estraneo ai tedeschi.

Il fondatore del movimento della Riforma Martin Lutero (1483-1546) credeva che fosse necessaria una riforma della musica sacra. La musica, in primo luogo, dovrebbe promuovere una partecipazione più attiva dei parrocchiani al culto (era impossibile quando si eseguono composizioni polifoniche), e in secondo luogo, dovrebbe generare empatia per gli eventi biblici (che è stata ostacolata dallo svolgimento del servizio in latino). Pertanto, sono stati imposti i seguenti requisiti al canto in chiesa: semplicità e chiarezza della melodia, ritmo uniforme, forma chiara del canto. Su questa base sorse il canto protestante, il genere principale della musica sacra del Rinascimento tedesco. Nel 1522, Lutero tradusse il Nuovo Testamento in tedesco - d'ora in poi divenne possibile svolgere servizi divini nella loro lingua madre.

Lo stesso Lutero, così come il suo amico, il teorico musicale tedesco Johann Walter (1490-1570), partecipò attivamente alla selezione delle melodie per i corali. Le principali fonti di tali melodie erano le canzoni popolari spirituali e profane - ampiamente conosciute e facili da capire. Lutero stesso compose le melodie per alcuni corali. Uno di questi, "Il Signore è il nostro sostegno", divenne un simbolo della Riforma durante le guerre di religione del XVI secolo.

I maestri cantori e la loro arte. Un'altra pagina brillante della musica rinascimentale tedesca è associata al lavoro dei Meistersinger (tedeschi Meistersinger - "maestro cantante") - cantanti poeti tra gli artigiani. Non erano musicisti professionisti, ma soprattutto artigiani: armaioli, sarti, vetrai, calzolai, fornai, ecc. L'unione cittadina di tali musicisti includeva rappresentanti di vari mestieri. Nel XVI secolo in molte città della Germania esistevano associazioni di Meistersinger.

I Meistersinger hanno composto le loro canzoni secondo regole rigide, l'iniziativa creativa è stata messa in imbarazzo da molte restrizioni. Un principiante doveva prima padroneggiare queste regole, quindi imparare a eseguire canzoni, quindi comporre testi per le melodie di altre persone e solo allora poteva creare la propria canzone. Le melodie dei famosi meistersinger e minnesinger erano considerate dei campioni di melodie.

Eccezionale maestro cantore del XVI secolo Hans Sachs (1494-1576) proveniva da una famiglia di sarto, ma in gioventù lasciò la casa dei genitori e andò a viaggiare in Germania. Durante le sue peregrinazioni, il giovane imparò il mestiere di calzolaio, ma soprattutto conobbe l'arte popolare. Sachs era ben istruita, conosceva perfettamente la letteratura antica e medievale, leggeva la Bibbia in traduzione tedesca. Era profondamente imbevuto delle idee della Riforma, quindi scrisse non solo canti profani, ma anche spirituali (circa seimila canti in totale). Hans Sachs divenne famoso come drammaturgo (vedi l'articolo "L'arte teatrale del Rinascimento").

Strumenti musicali del Rinascimento. Durante il Rinascimento, la composizione degli strumenti musicali si espanse notevolmente, nuove varietà furono aggiunte agli archi e ai fiati già esistenti. Tra questi, un posto speciale è occupato dalle viole: una famiglia di archi ad arco, che colpisce per la loro bellezza e nobiltà di suono. Nella forma, assomigliano agli strumenti della moderna famiglia dei violini (violino, viola, violoncello) e sono persino considerati i loro immediati predecessori (convivono nella pratica musicale fino alla metà del XVIII secolo). Tuttavia, la differenza, e significativa, è ancora lì. Le viole hanno un sistema di corde risonanti; di norma, ce ne sono tanti quanti i principali (da sei a sette). Le vibrazioni delle corde risonanti rendono il suono della viola morbido, vellutato, ma lo strumento è difficile da usare in un'orchestra, poiché diventa rapidamente stonato a causa del gran numero di archi.

Per molto tempo, il suono della viola è stato considerato un modello di raffinatezza nella musica. Ci sono tre tipi principali nella famiglia delle viole. La viola da gamba è un grande strumento che l'esecutore posizionava verticalmente e serrava dai lati con i piedi (la parola italiana gamba significa "ginocchio"). Altre due varietà - viola da braccio (dall'italiano braccio - "avambraccio") e viol d "cupid (fr. Viole d" amour - "viola d'amore") erano orientate orizzontalmente e, quando suonate, venivano premute contro la spalla. La viola da gamba è vicina al violoncello in termini di estensione del suono, la viola da braccio è vicina al violino e la viola d "cupido è vicina alla viola.

Tra gli strumenti a pizzico del Rinascimento, il posto principale è occupato dal liuto (polacco lutnia, dall'arabo "alud" - "albero"). È arrivato in Europa dal Medio Oriente alla fine del XIV secolo e all'inizio del XVI secolo esisteva un vasto repertorio per questo strumento; prima di tutto, i canti venivano eseguiti con l'accompagnamento del liuto. Il liuto ha un corpo corto; la parte superiore è piatta e quella inferiore ricorda un emisfero. Una tastiera è attaccata all'ampio collo e la testa dello strumento è piegata all'indietro quasi ad angolo retto. Se lo desideri, puoi vedere la somiglianza con una ciotola a forma di liuto. Dodici corde sono raggruppate in coppia e il suono viene prodotto sia con le dita che con una piastra speciale: un plettro.

Nei secoli XV-XVI sorsero vari tipi di tastiere. I principali tipi di tali strumenti - il clavicembalo, il clavicordo, il clavicembalo, il clavicembalo, il virginel - furono utilizzati attivamente nella musica del Rinascimento, ma il loro vero periodo di massimo splendore arrivò dopo.