Lezioni sul corso "World Art Culture". I. A. Leskova

Volvograd: VSPU; 2009 - 147 pag.

Viene presentato un corso di conferenze, in cui, attraverso l'arte mondiale, vengono rivelati i principi fondamentali dello sviluppo della cultura artistica dell'Europa, della Russia e dei paesi dell'Est. Per studenti, laureandi, dottorandi di specialità artistiche.

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CONTENUTO
Lezione 1. La cultura artistica mondiale come materia di studio 3
Lezione 2. Concetti di base della cultura artistica mondiale 7
Lezione 3. Le basi archetipiche della cultura artistica d'Occidente 18
Lezione 4. Le basi archetipiche della cultura artistica d'Oriente 30
Lezione 5. Categorie di spazio e tempo nella cultura artistica 42
Lezione 6 Categorie di spazio e tempo nella cultura artistica dell'antichità e del Medioevo 47
Lezione 7. Categorie di spazio e tempo nella cultura artistica del Rinascimento 54
Lezione 8. Categorie di spazio e tempo nella cultura artistica dei tempi moderni 64
Lezione 9. Categorie di spazio e tempo nella cultura artistica dei tempi moderni 88
Lezione 10. Cultura artistica della Russia 108

La storia della cultura artistica mondiale ha migliaia di anni, ma diventa oggetto di analisi scientifica indipendente solo nel XVIII secolo. Il processo di studio si è basato sull'idea che quest'area dell'attività spirituale della società sia un semplice insieme di forme d'arte. La filosofia, l'estetica, le scienze storiche, la storia dell'arte, la critica letteraria hanno indagato la cultura artistica principalmente da una prospettiva intra-artistica: sono stati analizzati gli aspetti della visione del mondo dell'arte, sono stati rivelati i meriti artistici delle opere, la professionalità dei loro autori, è stata prestata attenzione psicologia della creatività e della percezione. In questa prospettiva, la cultura artistica mondiale è stata definita come l'insieme delle culture artistiche dei popoli del mondo, che si sono sviluppate in diverse regioni durante lo sviluppo storico della civiltà umana.
Molte scoperte fatte lungo il percorso hanno portato alla formazione di un'idea della cultura artistica mondiale come processo integrale con dinamiche e leggi proprie. Questa idea iniziò a prendere forma già all'inizio del XX secolo. e si manifestò pienamente già nella prima metà del secolo scorso negli studi di O. Benesh, A. Hildebrand, G. Wölflin, K. Voll, M. Dvořák, e altri linguaggi di vari tipi di arte, e la cultura artistica mondiale iniziò a essere considerata come un modo di esposizione intellettuale e sensoriale della vita nelle immagini artistiche.

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Cultura (dal lat. Cultura - coltivazione, educazione, educazione, sviluppo, venerazione) Cultura - un insieme di valori materiali e spirituali, idee di vita, modelli di comportamento, norme, metodi e tecniche dell'attività umana: - che riflette un certo livello di sviluppo storico della società e dell'uomo; - incarnato in vettori oggettivi e materiali; e - trasmesso alle generazioni successive.

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La cultura artistica (arte) è un tipo specifico di riflessione e formazione della realtà da parte di una persona nel processo di creazione artistica secondo determinati ideali estetici. CULTURA MONDIALE - CREATA IN DIVERSI PAESI DEL MONDO.

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Funzioni dell'arte Narrativa e cognitiva - conoscenza e illuminismo. Informazione e comunicazione - comunicazione tra lo spettatore e l'artista, comunicazione tra persone con opere d'arte, comunicazione tra loro sulle opere d'arte. Predittivo: anticipazione e previsione. Social-trasformativo e intellettuale-morale: le persone e la società stanno migliorando, sono imbevute degli ideali che l'arte propone, rifiutano ciò a cui è rivolta la critica dell'arte.

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Estetico: lo sviluppo delle capacità di percezione artistica e creatività. Usando gli esempi di opere d'arte, le persone sviluppano il loro gusto artistico, imparano a vedere la bellezza nella vita. Edonistico - piacere. L'impatto psicologico su una persona è quando, ascoltando musica, piangiamo, guardando un quadro, proviamo gioia e un'ondata di forza. L'arte come custode della memoria delle generazioni.

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TIPI DI ARTI SPAZIALI - tipi di arte, le cui opere - esistono nello spazio, senza mutare o svilupparsi nel tempo; - avere un carattere sostanziale; - eseguito mediante lavorazione materiale materiale; - sono percepiti dal pubblico direttamente e visivamente. Le arti spaziali si suddividono: - in belle arti (pittura, scultura, grafica, fotografia); - arti non visive (architettura, arti e mestieri e design artistico (design)).

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Belle arti L'arte è una forma d'arte, la cui caratteristica principale è il riflesso della realtà nelle immagini visive e percepite visivamente. Le belle arti includono: pittura grafica scultura fotografia stampa

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LA PITTURA è un tipo di arte, le cui opere sono create su un piano utilizzando materiali colorati. La pittura si suddivide in: cavalletto monumentale decorativo

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Tipi speciali di pittura sono: pittura di icone, miniatura, affresco, pittura teatrale e decorativa, diorama e panorama.

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La SCULTURA è un tipo di arte, le cui opere hanno un materiale, un volume dell'oggetto e una forma tridimensionale, situati nello spazio reale. Gli oggetti principali della scultura sono gli esseri umani e le immagini del mondo animale. I principali tipi di scultura sono la scultura rotonda e il rilievo. la scultura si suddivide: - in monumentale; - per monumentale e decorativo; - cavalletto; e - piccole sculture.

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PHOTOART - arte plastica, le cui opere sono create per mezzo della fotografia.

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Design delle arti non visive (design artistico). architettura applicata decorativa,

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ARCHITETTURA - l'arte di progettare e costruire edifici e creare insiemi artisticamente espressivi. L'obiettivo principale dell'architettura è creare un ambiente per il lavoro, la vita e lo svago della popolazione.

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ARTI DECORATIVE è il campo delle arti plastiche, le cui opere, insieme all'architettura, formano artisticamente l'ambiente materiale che circonda una persona. L'arte decorativa si divide in: - arte monumentale e arte decorativa; - arti e mestieri; e - decorazione artistica.

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DESIGN - costruzione artistica del mondo oggettivo; sviluppo di modelli per la costruzione razionale dell'ambiente soggetto.

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ARTI TEMPORANEE Le arti temporanee includono: musica; 2) finzione.

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La musica è una forma d'arte che riflette la realtà in immagini artistiche sonore. La musica può trasmettere emozioni, sentimenti delle persone, che si esprime in ritmo, intonazione, melodia. Secondo il metodo di esecuzione, è diviso in strumentale e vocale.

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La finzione è una forma d'arte in cui la parola è il vettore materiale delle immagini. A volte è chiamato "letteratura raffinata" o "l'arte delle parole". Distinguere tra narrativa, scientifica, giornalistica, di riferimento, critica, aulica, epistolare e altra letteratura.

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TIPI DI ARTE SPAZIALI-TEMPORALI (spettacolari) Questi tipi di arte includono: 1) danza; 2) teatro; 3) cinematografia; 4) varietà e arte circense.

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FILM ART - un tipo di arte, le cui opere sono create mediante riprese reali, o appositamente allestite, o con il coinvolgimento di mezzi di animazione di eventi, fatti, fenomeni della realtà. È una forma d'arte sintetica che unisce letteratura, teatro, arti visive e musica.

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La DANZA è una forma d'arte in cui le immagini artistiche vengono create attraverso movimenti plastici e cambiamenti ritmicamente chiari e continui delle posizioni espressive del corpo umano. La danza è indissolubilmente legata alla musica, il cui contenuto emotivo-figurativo è incarnato nella sua composizione coreografica, nei movimenti, nelle figure. ...

La cultura artistica mondiale rivela la specificità e l'originalità dell'esperienza spirituale ed estetica dell'umanità, generalizza le idee dell'arte che una persona ha. Questa materia è inclusa nel curriculum di base ed è necessaria per lo studio.

Concetto di cultura. Principi di studio della cultura artistica.

Arte del mondo - un intero elenco di discipline scientifiche:

Storia dell'arte (così come la sua filosofia e psicologia)

Estetica (studio delle forme della bellezza nella creazione artistica)

Culturologia (un complesso di studi culturali in generale)

Etnografia culturale (scienza che studia i popoli materiali e spirituali-gruppi etnici)

Semantica della cultura (studio degli oggetti culturali dal punto di vista del significato che esprimono)

Semiotica della cultura (considerazione della cultura come sistema di segni)

Ermeneutica (studio dei principi di interpretazione e interpretazione dei beni culturali)

Ontologia della cultura (rapporto tra cultura e leggi universali dell'essere)

Epistemologia della cultura (studio delle forme di cognizione basate sul patrimonio culturale)

Assiologia (considerazione dei valori culturalmente riconosciuti)

Che cos'è la cultura? L'origine latina della parola ci rimanda al sostantivo colere"Coltivazione", "coltivazione". Ma non esiste una definizione univoca.

Classificazione delle definizioni il concetto di "cultura" Il culturologo spagnolo Albert Kafanha.

1) definizioni basate sul concetto di patrimonio sociale (Edward Sapir: “ la cultura è qualsiasi elemento socialmente ereditato della vita umana, sia materiale che spirituale»)

2) definizioni basate sul concetto di comportamenti apprendibili (Julian Stewart: “ La cultura è comunemente intesa come comportamenti acquisiti trasmessi socialmente ...»)

3) definizioni basate sul concetto di idee (James Ford: “... la cultura può essere generalmente definita come un flusso di idee che fluisce da individuo a individuo attraverso il comportamento simbolico, l'apprendimento verbale o l'imitazione»)

4) definizioni basate sul concetto di superorganico (cioè che giace oltre i limiti della percezione sensoriale), - intellettuale, emotivo, spirituale)

La culturaÈ un insieme di elementi materiali e spirituali socialmente ereditati della vita umana: oggetti fisici creati dall'uomo, abilità lavorative, norme comportamentali, modelli estetici, idee, nonché la capacità di conservarli, usarli e trasmetterli ai discendenti.

Divisione della cultura in materiale e spirituale.È generalmente accettato cheil materiale rappresenta oggetti di lavoro, abitazioni, vestiti, veicoli, mezzi di produzione, ecc. Ma questo tipo di cultura è rappresentato non solo da determinati oggetti, include le conoscenze, le abilità e le abilità della persona coinvolta nel processo di produzione. Anche lo sviluppo fisico umano fa parte di questa cultura. La cultura spirituale è l'arte, la religione, l'educazione, la scienza e il livello di attuazione dei suoi risultati nella vita quotidiana e nella produzione, tradizioni, costumi, rituali, medicina, il grado di sviluppo dei bisogni e degli interessi delle persone nei piani materiale e spirituale. Può anche includere le relazioni tra le persone, così come la relazione di una persona con se stessa e la natura ...

Una tale divisione è legittima, ma non bisogna accettarla come una verità incondizionata. Questo è indicato, ad esempio, dal filosofo russo Nikolai Berdyaev:« Ogni Cultura (anche la Cultura materiale) è una Cultura dello spirito, ogni Cultura ha una base spirituale - è un prodotto del lavoro creativo dello spirito...". In altre parole, ogni cultura materiale ha per causa una cultura spirituale, e di conseguenza questo o quello stato spirituale. Ad esempio, il cellulare che ognuno di voi possiede è un oggetto di cultura materiale, ma la sua esistenza è possibile solo grazie alla cultura spirituale (il campo della scienza), e il suo risultato è il vostro stato spirituale (per esempio, il fenomeno della pensiero SMS).

Scienze della storia dell'arte,

Critica d'arte,

- "consumo" di opere d'arte (ascoltatori, spettatori, lettori).

Ovviamente le prime tre di queste componenti presuppongono un coinvolgimento professionale in ambito artistico (nel ruolo di artista (nel senso più ampio del termine), critico d'arte, critico). La quarta ci riguarda direttamente con te.

Per studiare questa o quella disciplina scientifica, dobbiamo scegliere una sorta di "punto di osservazione" - cioè la nostra posizione nel tempo e nello spazio rispetto ai fenomeni studiati. Il filosofo francese Henri Corbin chiama questo punto "Storico".

Quando si tratta di discipline scientifiche, c'è un'alta probabilità che lo storico coincida con il punto che denota lo stato dell'umanità moderna. Cioè, diciamo, studieremo la fisica, procedendo per lo più dalle moderne tesi avanzate da questa scienza. Cioè, lo storico scientifico è impersonale e più o meno immobile: analizziamo le ipotesi fisiche avanzate nel IV secolo. AVANTI CRISTO. (ad esempio, l'idea degli atomi per la paternità di Democrito) e la teoria molecolare del XIX secolo basata sugli stessi dati scientifici appartenenti al XXI secolo.

È possibile questo approccio al campo dell'arte? Possiamo studiare, ad esempio, l'arte greca antica, rimanendo nelle posizioni della modernità (dati scientifici moderni, struttura sociale, capacità tecniche, tendenze estetiche) e della nostra identità culturale e nazionale (tradizioni, sistema di valori attuali, credenze religiose, ecc.) ? Cioè, possiamo studiare i testi di Omero, che è rimasto tutto il popolo russo del 21° secolo, che vive nell'era della società dell'informazione, dei valori democratici, cresciuto nella corrente principale della cultura cristiana e post-cristiana? No, non possiamo, perché in questo caso rimarremo semplicemente indifferenti e sordi a queste opere; tutto ciò che possiamo dire su di loro è una sciocchezza insensata e banale - dicono, questi sono "capolavori" e "tutti dovrebbero conoscerli" ... Cosa dovremmo fare? Risposta: per spostare il nostro storico a quel punto spazio-temporale in cui queste opere furono create (nel caso di Omero, questa sarà l'antica Grecia del periodo arcaico). Intellettualmente ed emotivamente, questo significherà cercare di capire e sentire i poemi omerici nel modo in cui i contemporanei dell'autore e l'autore stesso li hanno sentiti e compresi. Quindi lo storico sarà personale e mobile. Allora possiamo almeno capire qualcosa. Questo movimento della storia è forse la cosa tecnicamente più difficile che ci aspetta. Perché ci richiede di cambiare costantemente il nostro modo di pensare, di liberarci costantemente degli stereotipi del nostro tempo. Non è davvero facile e ci vuole pratica.

Perché abbiamo bisogno di tutto questo? ? Il moderno filosofo russo Heydar Jemal ha paragonato una persona a una candela. C'è una candela e c'è il suo fuoco. La fiamma di una candela non è una candela. Ma una candela senza fiamma non è nemmeno una candela: è solo un oggetto oblungo di cera. Cioè, è la fiamma della candela che fa della candela una candela. È lo stesso con una persona. C'è una persona (candela) e c'è un significato (fiamma). Senza essere coinvolto nel regno del significato, una persona non è proprio una persona, ma solo un insieme di segni esterni di una persona, un bipede senza piume. E solo cercando e acquistando significato diventiamo pienamente umani. E l'area dei significati è l'area con cui la cultura artistica "lavora".

È difficile non essere d'accordo con quanto grande ruolo svolga l'arte nella storia di qualsiasi periodo. Giudica tu stesso: nelle lezioni di storia a scuola, dopo ogni argomento dedicato allo studio della situazione politica ed economica nel mondo in un momento o nell'altro, gli studenti sono invitati a preparare relazioni sull'arte di questa epoca.

Anche nel corso della scuola, relativamente di recente, c'è una materia come MHC. Non è assolutamente una coincidenza, perché qualsiasi opera d'arte è uno dei riflessi più luminosi del tempo in cui è stata creata e consente di guardare la storia del mondo attraverso gli occhi del creatore che ha dato vita a quest'opera.

Definizione di cultura

La cultura artistica mondiale, o MHC in breve, è un tipo di cultura sociale, che si basa sulla riproduzione immaginativa e creativa della società e delle persone, nonché sulla natura vivente e inanimata attraverso i mezzi utilizzati dall'arte professionale e dalla cultura dell'arte popolare. Sono anche fenomeni e processi di attività pratica spirituale che crea, distribuisce e assimila oggetti materiali e opere d'arte che hanno valore estetico. La cultura artistica mondiale comprende il patrimonio ei monumenti pittoreschi, scultorei, architettonici, nonché tutta la diversità delle opere create dalle persone e dai loro rappresentanti individuali.

Il ruolo del MHC come materia accademica

Nel corso dello studio del corso della cultura artistica mondiale, vengono fornite sia un'ampia integrazione che la comprensione della connessione della cultura, prima di tutto, con eventi storici di qualsiasi epoca, nonché con le scienze sociali.

Come accennato in precedenza, la cultura artistica mondiale comprende tutte le attività artistiche in cui una persona è mai stata coinvolta. Queste sono letteratura, teatro, musica, belle arti. Vengono studiati tutti i processi associati alla creazione e conservazione, nonché alla diffusione, creazione e valutazione del patrimonio culturale. I problemi associati all'assicurazione dell'ulteriore vita culturale della società e alla formazione di specialisti con qualifiche adeguate nelle università non restano da parte.

In quanto materia accademica, il MHC è un appello all'intera cultura artistica, e non alle sue singole tipologie.

Concetto di era culturale

L'era culturale, o paradigma culturale, è un fenomeno multifattoriale complesso che contiene l'immagine sia di una persona specifica che vive in un momento specifico e che svolge le sue attività, sia di una comunità di persone con lo stesso modo di vivere, stato d'animo e pensiero, sistema di valore.

I paradigmi culturali si sostituiscono a vicenda come risultato di una sorta di selezione naturale-culturale attraverso l'interazione di componenti tradizionali e innovativi che l'arte porta con sé. MHC come corso di formazione mira a studiare anche questi processi.

Cos'è il Rinascimento?

Uno dei periodi più significativi nello sviluppo della cultura è il Rinascimento, o Rinascimento, che dominò nei secoli XIII-XVI. e segnò l'inizio dell'era dei tempi moderni. La sfera della creazione artistica ha subito la maggiore influenza.

Dopo un'era di decadenza nel Medioevo, l'arte rifiorisce e l'antica sapienza artistica rivive. È in questo momento e nel significato di "rinascita" che si usa la parola italiana rinascita, in seguito compaiono numerosi analoghi nelle lingue europee, tra cui il Rinascimento francese. Tutta la creazione artistica, in particolare le belle arti, diventa un "linguaggio" universale che consente di apprendere i segreti della natura e avvicinarsi ad essa. Il maestro riproduce la natura non in modo condizionale, ma si sforza per la massima naturalezza, cercando di superare l'Onnipotente. Inizia lo sviluppo del sentimento della bellezza a noi familiare, la scienza naturale e la conoscenza di Dio trovano continuamente punti di contatto. Nel Rinascimento l'arte diventa insieme laboratorio e tempio.

Periodizzazione

La rinascita è divisa in diversi periodi. In Italia, culla del Rinascimento, si sono distinti diversi periodi, che sono stati utilizzati in tutto il mondo per lungo tempo. Questo è il Proto-Rinascimento (1260-1320), in parte parte del periodo duchento (XIII secolo). Inoltre, vi furono periodi del Trecento (XIV secolo), Quattrocento (XV secolo), Cinquecento (XVI secolo).

Una periodizzazione più generale divide l'era nel primo Rinascimento (secoli XIV-XV). In questo momento, c'è un'interazione di nuove tendenze con il gotico, che viene trasformato in modo creativo. Ci sono poi i periodi del Medio, o Alto, e Tardo Rinascimento, in cui un posto speciale è dato al Manierismo, caratterizzato dalla crisi della cultura umanistica del Rinascimento.

Anche in paesi come la Francia e l'Olanda, i cosiddetti dove il tardo gotico gioca un ruolo enorme. Come dice la storia del MHC, il Rinascimento si è riflesso nell'Europa orientale: Repubblica Ceca, Polonia, Ungheria, così come nei paesi scandinavi. Spagna, Gran Bretagna e Portogallo sono diventati paesi con una cultura rinascimentale distintiva che si è sviluppata in loro.

Componenti filosofiche e religiose del Rinascimento

Attraverso le riflessioni di rappresentanti della filosofia di questo periodo come Giordano Bruno, Nikolai Cusansky, Giovanni e Paracelso, i temi della creatività spirituale, nonché la lotta per il diritto di chiamare l'individuo "il secondo dio" e associare una persona con lui, diventa rilevante nel MHC.

Rilevante, come sempre, è il problema della coscienza e della personalità, della fede in Dio e dei poteri superiori. Ci sono opinioni sia moderate di compromesso che eretiche su questo problema.

Una persona deve affrontare una scelta e la riforma della chiesa di questo tempo implica un Rinascimento non solo nel quadro del MHC. È anche una persona propagandata attraverso i discorsi dei leader di tutte le confessioni religiose: dai fondatori della Riforma ai gesuiti.

Il compito principale dell'epoca. Qualche parola sull'umanesimo

Durante il Rinascimento, l'educazione di una nuova persona è in prima linea. La parola latina humanitas, da cui deriva la parola umanesimo, è l'equivalente della parola greca per educazione.

Nell'ambito del Rinascimento, l'umanesimo invita una persona a padroneggiare l'antica saggezza che era importante per quel tempo e a trovare un modo per l'autoconoscenza e il miglioramento di sé. Ecco una fusione di tutto il meglio che altri periodi potevano offrire, che hanno lasciato il segno nel MHC. Il Rinascimento ha preso l'antica eredità dell'antichità, della religiosità e del codice d'onore secolare del Medioevo, dell'energia creativa e della mente umana del Nuovo Tempo, creando un tipo di visione del mondo assolutamente nuovo e apparentemente perfetto.

Rinascimento in vari ambiti dell'attività artistica umana

Durante questo periodo, dipinti di natura illusoria soppiantano le icone, diventando il centro dell'innovazione. I paesaggi, la pittura di tutti i giorni e i ritratti sono dipinti attivamente. L'incisione stampata su metallo e legno si sta diffondendo. Gli schizzi di lavoro degli artisti stanno diventando un tipo indipendente di creatività. L'illusione dell'immagine è presente anche in

In architettura, sotto l'influenza dell'entusiasmo degli architetti per l'idea dei templi centrici, proporzionali, palazzi e complessi architettonici stanno diventando popolari, concentrandosi su orizzontali terreni, centricamente, organizzati in prospettiva.

La letteratura rinascimentale è caratterizzata dall'amore per il latino come lingua delle persone istruite, adiacente alle lingue nazionali e popolari. Generi come il romanzo canaglia e il racconto urbano, i poemi eroici e i romanzi di temi avventurosi medievali, la satira, i testi pastorali e d'amore stanno diventando popolari. Al culmine della popolarità del dramma, i teatri mettono in scena spettacoli con un'abbondanza di feste in città e magnifiche stravaganze di corte, che diventano il prodotto di sintesi colorate di vari tipi di arti.

Nella musica fiorisce una rigorosa polifonia musicale. Complicazione delle tecniche compositive, comparsa delle prime forme di sonate, opere, suite, oratori e ouverture. La musica profana, vicina alla musica popolare, sta diventando alla pari di quella religiosa. C'è una separazione della musica strumentale in una forma separata e il culmine dell'era: la creazione di canzoni soliste, opere e oratori a tutti gli effetti. Il tempio fu sostituito da un teatro dell'opera, che prese il posto del centro della cultura musicale.

In generale, la svolta principale è il fatto che l'anonimato un tempo medievale è sostituito dalla creatività individuale dell'autore. A questo proposito, la cultura artistica mondiale si sta spostando a un livello fondamentalmente nuovo.

Titani del Rinascimento

Non sorprende che una rinascita dell'arte così fondamentale, infatti, dalle ceneri non avrebbe potuto avvenire senza quelle persone che hanno creato una nuova cultura con le loro creazioni. In seguito iniziarono ad essere chiamati "titani" per il contributo che diedero.

Il proto-rinascimento personificava Giotto, e durante il Quattrocento il Masaccio costruttivamente rigoroso e le opere sinceramente liriche di Botticelli e Angelico si opposero l'una all'altra.

Il centro, o era rappresentato da Raffaello, Michelangelo e, naturalmente, Leonardo da Vinci - artisti che divennero iconici a cavallo della New Age.

Famosi architetti del Rinascimento furono Bramante, Brunelleschi e Palladio. Bruegel il Vecchio, Bosch e Van Eyck sono pittori olandesi del Rinascimento. Holbein il Giovane, Durer, Cranach il Vecchio divennero i fondatori del Rinascimento tedesco.

La letteratura di questo periodo ricorda i nomi di maestri "titani" come Shakespeare, Petrarca, Cervantes, Rabelais, che hanno dato al mondo poesia, romanzo e dramma, e hanno anche contribuito alla formazione delle lingue letterarie dei loro paesi.

Indubbiamente, il Rinascimento ha contribuito allo sviluppo di molte direzioni nell'arte e ha dato impulso alla creazione di nuove. Non si sa quale sarebbe stata la storia della cultura artistica mondiale se questo periodo non fosse esistito. Forse l'arte classica oggi non susciterebbe tale ammirazione, la maggior parte delle tendenze in letteratura, musica e pittura non esisterebbero affatto. O forse apparirà tutto ciò a cui siamo abituati ad associare l'arte classica, ma molti anni o addirittura secoli dopo. Qualunque sia il corso degli eventi, solo una cosa è chiara: ancora oggi ammiriamo le opere di quest'epoca, e questo dimostra ancora una volta la sua importanza nella vita culturale della società.

Temi di saggi sulla cultura artistica mondiale. 1. Il ruolo del mito nella cultura (il mito è la base delle prime idee sul mondo, la religione, l'arte. 2. Immagini e simboli antichi (Albero del mondo, Dea - madre, Strada, ecc.) 3. Il rituale è la base della sintesi di parole, musica, danza, immagini, pantomima, costume (tatuaggi), ambiente architettonico e ambiente oggettuale 4. Complessi artistici di Altamira e Stonehenge 5. Fondamenti arcaici del folklore Mito e modernità (il ruolo del mito nella cultura di massa) 6. Caratteristiche della cultura artistica della Mesopotamia: monumentalità e colorito degli insiemi di Babilonia 7. Antico Egitto - una cultura incentrata sull'idea della vita eterna dopo la morte 8. Insiemi di piramidi a Giza e templi a Karnak e Luxor (immagini mitologiche della piramide, del tempio e del loro arredamento) 9. Modello dell'universo dell'antica India - stupa a Sanchi e tempio Kandarya Mahadev a Khajuraho come sintesi dei sistemi religiosi e artistici vedici, buddisti e indù 10. "Scultoreo" pensando agli antichi indiani 11. Riflessione di idee mitologiche Architettura e rilievo Maya e Aztechi. 12. Complesso di Palenque (palazzo, osservatorio, "Tempio delle Iscrizioni" come insieme unico della piramide e del mausoleo). 13. Tenochtitlan (ricostruzione della capitale dell'impero azteco secondo descrizioni e reperti archeologici). 14. Gli ideali di bellezza dell'antica Grecia nell'insieme dell'Acropoli ateniese: una sintesi di architettura, scultura, colore, rituale e performance teatrale. 15. Le feste panatenaiche sono un'incarnazione dinamica nel tempo e nello spazio del programma mitologico, ideologico ed estetico del complesso. 16. Fusione di tradizioni orientali e antiche nell'ellenismo (gigantismo, espressione, naturalismo): Altare di Pergamo. 17. La gloria e la grandezza di Roma - l'idea principale del foro romano come centro della vita pubblica. 18. Sofia di Costantinopoli è l'incarnazione dell'ideale dell'universo divino nel cristianesimo orientale (l'incarnazione dei dogmi nell'architettura, nella composizione del colore e della luce, nella gerarchia delle immagini, nell'azione liturgica). 19. Antico tempio russo con cupola a croce (simboli architettonici, spaziali, topografici e temporanei). 20. Diversità stilistica dell'incarnazione di un singolo campione: Kiev (Santa Sofia di Kiev), Vladimir-Suzdal (Chiesa dell'Intercessione sul Nerl), Novgorod (Chiesa del Salvatore su Ilyin) e scuole di Mosca (dal Salvatore Cattedrale del Salvatore del Monastero Andronnikovsky alla Chiesa dell'Ascensione a Kolomenskoye). 21. Icona (specificità del linguaggio simbolico e dell'immaginario) e iconostasi. 22. Il lavoro di F. Grek (dipinti della Chiesa della Trasfigurazione del Salvatore a Ilyin a Novgorod, l'iconostasi della Cattedrale dell'Annunciazione al Cremlino) e A. Rublev ("Trinità"). 23. L'ensemble del Cremlino di Mosca è un simbolo di unità nazionale, un esempio dell'armonia tra forme tradizionali e nuove tecniche di costruzione. 24. La basilica monastica come fulcro della vita culturale dell'epoca romanica (gli ideali dell'ascesi, l'antagonismo tra spirituale e fisico, sintesi della cultura religiosa e popolare). 25. Cattedrale gotica come immagine del mondo. 26. L'idea della bellezza divina dell'universo come base per la sintesi di costruzione del telaio, scultura, luce e colore (vetro colorato), dramma liturgico. 27. L'immagine musulmana del paradiso nel complesso del Registan (Antica Samarcanda) è una sintesi di una forma architettonica monumentale e di una policromia mutevole. 28. L'incarnazione delle rappresentazioni mitologiche (cosmismo) e religioso - morale (confucianesimo, taoismo) della Cina nell'insieme del Tempio del Cielo a Pechino. 29. Una fusione di filosofia (Zen - Buddismo) e mitologia (Shinto) nell'arte dei giardini del Giappone (giardino roccioso Reanji a Kyoto). 30. Deposito monodico della cultura musicale medievale (canto gregoriano, canto znamenny). 31. Rinascita in Italia. 32. Firenze - l'incarnazione dell'idea rinascimentale di creare l'"ideale". 33. Titani del Rinascimento (Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Tiziano). 34. Rinascimento settentrionale. 35. Panteismo - le basi religiose e filosofiche della Pala di Gand di J. Van Eyck. 36. Idee della Riforma e laboratori di incisione di A. Durer. 37. La cultura di corte del Rinascimento francese - il complesso di Fontainebleau. 38. Il ruolo della polifonia nello sviluppo dei generi musicali profani e cult. 39. Teatro W. Shakespeare - un'enciclopedia delle passioni umane. 40. Il significato storico e il valore artistico senza tempo delle idee del Rinascimento. 41. Stili e tendenze nell'arte moderna: il problema della diversità e dell'influenza reciproca. 42. Cambiamento della percezione del mondo in epoca barocca. 43. Complessi architettonici di Roma (Piazza San Pietro L. Bernini), San Pietroburgo e dintorni (Palazzo d'Inverno, Peterhof, F.-B. Rastrelli) - versioni nazionali del Barocco. 44. Il pathos della grandezza in P.-P. Rubens. 45. L'opera di Rembrandt H. van Rijn come esempio di realismo psicologico del XVII secolo. nella pittura. 46. ​​​​La fioritura dello stile omofonico-armonico nell'opera barocca (Orfeo di C. Monteverdi). La più alta fioritura della polifonia libera (J.-S. Bach). 47. Classicismo - un mondo armonioso dei palazzi e dei parchi di Versailles. 48. L'immagine di una città ideale nei complessi classicisti e imperiali di Parigi e San Pietroburgo. 49. Dal classicismo all'accademia in pittura sull'esempio delle opere di N. Poussin, J.-L. David, K.P. Bryullova, A.A. Ivanova. 50. Formazione dei generi classici e principi della sinfonia nelle opere dei maestri della scuola classica viennese: V.-A. Mozart (Don Juan), L. van Beethoven (Heroic Symphony, Moonlight Sonata). 51. L'ideale romantico e la sua riflessione nella musica da camera ("The Forest Tsar" di F. Schubert), e nell'opera ("The Flying Dutchman" di R. Wagner). 52. Romanticismo in pittura: un tema religioso e letterario tra i preraffaelliti, il pathos rivoluzionario di F. Goya e E. Delacroix. 53. L'immagine di un eroe romantico nell'opera di O. Kiprensky. 54. L'origine della scuola di musica classica russa (MI Glinka). 55. Temi sociali nella pittura realista: le specificità delle scuole francesi (G. Courbet, O. Daumier) e russe (artisti - gli Itineranti, I. E. Repin, V. I. Surikov). 56. Lo sviluppo della musica russa nella seconda metà del XIX secolo. (P. I. Ciajkovskij). 57. Le principali direzioni della pittura alla fine del XIX secolo. 58. L'assolutizzazione delle impressioni nell'impressionismo (C. Monet). 59. Post-impressionismo: pensiero simbolico ed espressione delle opere di V. van Gogh e P. Gauguin. 60. Sintesi delle arti moderne: la Cattedrale della Sagrada Familia di A. Gaudí e le dimore di V. Orta e F. O. Shekhtel. 61. Simbolo e mito nella pittura (ciclo "Demone" di M. A. Vrubel) e nella musica ("Prometeo" di A. N. Scriabin). 62. Tendenze artistiche del modernismo nella pittura del XX secolo. 63. Deformazione e ricerca di forme geometriche stabili nel cubismo (P. Picasso) 64. Rifiuto delle arti visive nell'arte astratta (V. Kandinsky). 65. L'irrazionalismo del subconscio nel surrealismo (S. Dalì). 66. Architettura del XX secolo: torre della III Internazionale V.E. Tatlina, Villa "Savoia" a Poissy Ch.-E. Le Corbusier, Museo F.-L. Guggenheim Wright, Brasilia Ensemble O. Niemeyer. 67. Cultura teatrale del XX secolo: il teatro del regista di KS Stanislavsky e VI Nemirovich-Danchenko e il teatro epico di B. Brecht. 68. Eterogeneità stilistica nella musica del XX secolo: dal tradizionalismo all'avanguardia e al postmodernismo (SS Prokofiev, DD Shostakovich, AG Schnittke). 69. La sintesi delle arti è una caratteristica peculiare della cultura del XX secolo: cinema ("Battleship Potemkin" di S.M. Eisenstein, "Amarcord" di F. Fellini), tipi e generi di televisione, design, computer grafica e animazione. 70. Musica rock (The Beatles - "Yellow Submarine, Pink Floyd -" The Wall "); musica elettroacustica (spettacolo laser di J.-M. Jarre). 71. Messa art.