Franz chansonnier. Erinevate perioodide šansoonilauljate nimekiri. Prantsuse lauljad, kes on kuulsad üle kogu maailma

Teema 5. Autorilaul Autorilaul ehk bardimuusika on laulužanr, mis tekkis 20. sajandi keskel aastal erinevad riigid. Tema eristavad tunnused on muusika autori, teksti ja esitaja kombinatsioon ühes isikus, kitarrisaade, teksti olulisuse prioriteet muusika ees. Venemaal võib alglaulu eelkäijaks pidada Aleksander Vertinski linnaromantikat ja lauluminiatuure. Algselt moodustasid žanri aluse tudengi- ja turistilaulud, mis erinesid “ametlikest” (riigikanalite kaudu levitatavatest) oma domineeriva isikliku intonatsiooni ja elava, mitteformaalse teemakäsitluse poolest. Valitud teosedžanr ilmus juba 1930. aastatel (P. Kogani ja G. Lepsky loodud romantilised laulud, millest tuntuim oli “Brigantine”, samuti varased laulud M. Ancharova). Sõjaeelses Moskvas said populaarseks geoloog Nikolai Vlasovi (1914-1957) laulud - "Õpilaste hüvastijätt" ("Sina lähed põhjapõtrade juurde, ma lähen kaugele Turkestani ...") jne. Tegelikult Vlasov pani aluse turistilaulule. 1938. aastal laule koostama hakanud Jevgeni Agranovitši lauludel on eriline saatus. Selle põlvkonna laulud on eristamatud ametlike kanalite kaudu kuuldutest ja on sageli kirjutatud juba retekstidena kuulus meloodia: näiteks “Baksanskajat” peetakse turisti- ja kunstilaulude klassikaks – mägironimissõdalaste poolt 1943. aasta talvel kirjutatud laul B. Terentjevi kuulsa tango “Las päevad mööduvad” meloodiale. Aga need on kirjutatud täpselt samamoodi ja avalikult kuulus laul“Sinine taskurätik” (teksti esimene versioon, mille kirjutas professionaalne helilooja, asendati peagi “rahvapärase” versiooniga, mida levitati üle kogu riigi) ja ümberpiiratud Leningradi sümboli “Volhovi laud” laulu “Meie toost”) meloodia). Enamasti (kuigi mitte alati) on selle žanri laulude esitajad samaaegselt nii luule kui ka muusika autorid – sellest ka nimi. 1950. aastate alguses tekkis üliõpilaste seas võimas originaallaulude kiht, eriti Moskva Riikliku Ülikooli bioloogiateaduskonnas (selle galaktika kuulsaimad autorid olid G. Shangin-Berezovski, D. Suhharev, L. Rozanova) ja Pedagoogilises Instituudis. Lenin (Yu. Vizbor, Y. Kim, A. Yakusheva). Kunstlaul saavutas laialdase populaarsuse 1950. aastate keskel koos magnetofoni tulekuga. Sel ajal hakkasid süstemaatiliselt laule koostama Juri Vizbor, B. Okudzhava, N. Matvejeva ja A. Dulov. Meile teadaolevalt tekkisid amatöörlauluklubid toonase KGB õhutusel - nii informeerimiseks kui ka ikka pärislaulude kuulamiseks... Hiljem, 1960-80ndatel aastatel Vladimir Võssotski, Aleksandr Galitš, Vladimir Turijanski, Viktor Berkovski, Sergei Nikitin, Aleksandr Gorodnitski, Vadim Jegorov, Aleksandr Lobanovski, Aron Krupp, Jevgeni Kljatškin, Juri Kukin, Aleksandr Mirzayan, Vladimir Berežkov, Vera Matvejeva, Viktor Luferov, Aleksandr Tkatšov, Pjotr ​​Startšik, Aleksandr Suhhanov, Veron Vladimir Lanzberg, Aleksandr Dolski, Leonid Semakov, 80ndatel ja 90ndatel lisandusid neile Mihhail Štšerbakov, Ljubov Zahhartšenko ning Aleksei Ivaštšenko ja Georgi Vassiljevi (“Ivasi”) loominguline duo. Vähem teatakse, et laulud enda kompositsioon, sealhulgas riiklikult kuulsad, kirjutasid ka "puhtaid" luuletajaid - näiteks Valentin Berestov, Gleb Gorbovsky ("Kui öölaternad kõiguvad ...", "Õlle- ja veepaviljoni juures ..."), Victor Sosnora (" Liteiny lendas jaama poole ..."). Autorilaul oli üks “kuuekümnendate” eneseväljendusvorme. Autorilaulu arengus võib eristada mitmeid etappe. Esimene etapp – romantiline, mille juht oli B. Okudzhava, kestis umbes 1960. aastate keskpaigani. Romantilise printsiibi realiseerimise peamiseks sfääriks oli “rännaku laul” oma kesksete sõpruse (sõbra) kujunditega ja tee kui “eluliin” - tee tundmatusse ja tee enesetundmiseni. Selles etapis originaallaul praktiliselt ei väljunud selle sünnitanud keskkonna piiridest, levides „seltskonnast seltskonda“ suuliselt või lindistustena. Seda esitati avalikult üliharva ja jällegi peaaegu eranditult "oma ringis" - amatöörüliõpilaste "arvustustes", loomingulise intelligentsi "kabettides" jne, aga ka turistide kokkutulekutel, mis järk-järgult muutusid kunstilauluks. festivalid. Selles etapis ei pööranud võimud autorilaulule peaaegu üldse tähelepanu, pidades seda amatöörliku loovuse kahjutuks ilminguks, intellektuaalse elu elemendiks. Eraldi jäid aga A. Galichi kibedad ja satiirilised laulud, kes juba 60ndate alguses. (“Uurijate valss”, “Küsi, poisid”, “Seitsme aia taga”, “Punane kolmnurk” jne) käsitlesid olemasoleva süsteemi teravat kriitikat tollal ennekuulmatu julguse ja avameelsusega. Alates 60ndate keskpaigast. iroonilisele, hiljem aga avalikult satiirilisele tõlgendusele ümbritsev elu Yu. Kim kõneles ka (“Vestlus kahe informaatori vahel”, “Kaks Galitši imitatsiooni”, “Minu ema Venemaa” jne). Mitmed A. Galichi ("Me pole halvemad kui Horatius", "Ma valin vabaduse") ja Yu. Kimi ("Võssotski imitatsioon", "Advokaadi valss") laulud olid otseselt pühendatud nõukogude dissidentidele. “Protestilaulu” esteetikat jätkas V. Võssotski. Ta laiendas intonatsioonitehnikaid (näiteks tema intonatsiooniavastus on kaashäälikute laulmine) ja laulu sõnavara, sealhulgas tohutult vähendatud sõnavara. Paljude bardide loomingus oli olulisel kohal Suure teema Isamaasõda. Samal ajal, erinevalt laulude kangelaslikust paatosest " ametlik kultuur”, autorilaulus sõja “inimlik aspekt”, selle põhjustatud kannatused, ebainimlikkus (B. Okudzhava “Hüvasti, poisid!”, “Ballaad igavene tuli"A. Galitš, V. Võssotski "Juhtus, mehed lahkusid" ja paljud teised laulud). Mõjujõu nägemine selline autorilaulu, asusid võimud teda taga kiusama. Kontsertorganisatsioonide uksed olid luuletajate-lauljate ees tihedalt suletud (1981. aastal, pärast liidu Kommunistliku Partei XXV Moskva koosolekut, saadeti üleliidulise ametiühingute kesknõukogu kaudu piirkondadesse kiri, millega keelati. mis tahes platvormide pakkumine Juli Kimile, Aleksander Mirzayanile ja Aleksandr Tkatšovile lavaesinemiseks, kirjastustele, raadio- ja telestuudiotele, nad heideti välja loomeliitudest, suruti emigratsiooni (A. Galich), sõimati ajakirjanduses igal võimalikul viisil jm. Samas tänu “magnitizdatile” nad teadsid seda, laulsid, kuulasid, kopeerisid üksteiselt. Moskva amatöörlauluklubi regulaarne samizdati ajaleht “Minstrel” kirjutas autorilaulu elust aastatel 1979–1990 (aastast 1979 - peatoimetaja A. E. Krylov, aastast 1986 - B. B. Žukov), mida levitati fotode ja koopiatena üle kogu riigi. . Riigi suhtumine autoritesse polnud aga kaugeltki ühtlane. Nii asus Kirjanike Liit äärmiselt vaenulikule seisukohale - “mis laulvad luuletajad need on”; samas tegi Heliloojate Liit palju amatöörlaulude autorite heaks, uskudes, et nende looming kompenseerib kogu nende meloodiate omatehtud olemusega massilaulu mõningase tähelepanuta jätmise, mis ilmnes 60ndatel professionaalsete heliloojate seas võrreldes 2010. aastaga. sõjaeelsel ajal (eelkõige kõlas see arvamus tuntud dokumentaalfilm 1967 “Laulu on hädasti vaja”). Vaatamata kõikidele meetmetele, mida võeti muul viisil laulude keelustamiseks, lisati Ühendkuningriigis välja antud massilaulude muusika- ja tekstikogudesse regulaarselt S. Nikitini, V. Berkovski, A. Gorodnitski, A. Dulovi ja teiste laule. Ja sellise kuulsa 70ndate ja 80ndate autori jaoks nagu Jevgeni Bachurin sai Heliloojate Liidust tegelikult produtsent – ​​andis välja tema esimese vinüülalbumi ja peagi ka teise. Samuti ei mõjutanud Sergei Nikitini raadios esinemise sagedust autorilaulu tagakiusamine. Professionaalsete heliloojate teostest kõlab Mikael Tariverdievil, Alexandra Pahmutoval ja Andrei Petrovil äratuntavalt originaallaulu intonatsioon. Võimud püüdsid originaallaulu kontrolli alla võtta seestpoolt, võttes komsomoli “katuse” alla kõikjal spontaanselt tekkinud “amatöör- (esialgu tudengi-)lauluklubid”. Kuid see neil väga ei õnnestunud. Küpsenud “bardid”, žanri rajajad, arendasid edasi lüürilist liini, kuid sellest kõlas üha selgemalt minevikunostalgia, kaotuste ja reetmiste kibedus, soov säilitada iseennast, oma ideaale, hõrenevat ringi. sõpradest, ärevus tuleviku ees - meeleolud on kokku võetud B. Okudzhava vermitud reas: "Ühendagem käed, sõbrad, et mitte üksi hukkuda." Seda lüürilis-romantilist joont jätkasid S. Nikitini, A. Dolski, V. Dolina, aga ka bard-rokkarite (A. Makarevitš, B. Grebenštšikov) loomingus. Alates 1990ndate algusest. autorilaulu areng liikus rahulikus suunas. “Laulvate poeetide” arv ja nende etenduskunstid, nende number kutseorganisatsioonid, kontserdid, festivalid, müüdud kassetid ja plaadid; Isegi autorilaulu originaalsed “klassikud” vormistatakse (populaarsed albumid “Meie sajandi laulud”). Originaallaulule pühendatud saated ilmuvad raadios ja televisioonis: näiteks Mihhail Kochetkov korraldas ja juhtis telesaadet originaallaulust “Kodukontsert” telekanalil REN ning alates 1995. aasta detsembrist kommertstelevisiooni kanalil Teleexpo. elada laulusaade bardide osavõtul “The Wood Grouse’s Nest” - projekt, mis hiljem kasvas välja kuulsaks samanimeliseks Moskva bardikohvikuks; telekanal Kultura edastab perioodiliselt originaallaulude kontserte ja intervjuusid lauljate-laulukirjutajatega; Raadios Ehho Moskvy on soovi korral iganädalane originaallaulude kontsert, mida juhib Natella Boltjanskaja. 2000. aastate kuulsaimateks autoriteks peetakse tavaliselt G. Danskoyd, O. Medvedevit, T. Šaovit ja O. Tšikinat. Sest lai valik Bardilaulude austajad lõpetasid ja avasid 2001. aastal Irkutski oblastis Listvjanka külas näitleja Jevgeni Kravkli koos sõpradega “Kunstlauluteatri Baikalil”. Ajalugu teistes riikides Autorilaul ei ole ainult vene kultuuri fenomen. See nähtus ilmnes 1960. aastatel erinevates riikides samaaegselt. Lauljad-laulukirjutajad kõikjal ( Liedermacher- SDV-s ja Saksamaal, cantautor- Itaalias ja Ladina-Ameerika, autor-komposiitleja-tõlgendus- Prantsusmaal, laulja-laulukirjutaja- USA-s) laulsid kitarriga omaloomingulisi laule. Kõikjal olid sellised kitarriga poeedid sügavalt seotud kohalik traditsioon, kuid samal ajal sisaldasid nende laulud kõikjal ühiskonna ja riigi kriitikat – olenemata sellest, kas sotsialistlik või kapitalistlik, kujutasid nad eksperimenti erinevad žanrid ja tal oli kolossaalne võime luua alternatiivset publikut (peamiselt noori). Originaallaulu populaarsust seostati 1960. aastate ja 1970. aastate alguse üleilmse noorte ühiskondlik-poliitiliste liikumiste hoogustumisega (vt eelkõige artiklit 1968. aasta protestid), samuti uue vasakpoolsete esilekerkimisega läänes. dissidentliku antikommunistliku liikumisena Kesk-Euroopas. Selle suuna rajajateks peetakse 1930. aastatel ilmunud Bertolt Brechti ja Hans Eisleri zonge. Edward Stahura ja Jacek Kaczmarski tööd Poolas, Karel Kryl ja Jaromir Nogavica Tšehhoslovakkias, Wolf Biermann SDV-s ja Franz-Josef Degenhardt Saksamaal, Georges Brassens Prantsusmaal, Luigi Tenko ja Fabrizio De Andre Itaalias, Victor Jara Tšiilis , Phil Oakes, Pete Seeger, Tom Paxton ja Bob Dylan USA-s aitasid kaasa kriitiliselt mõtleva ja demokraatlikult organiseeritud avalikkuse kujunemisele neis riikides, kes aktsepteerisid autoriesinemise rituaale, kollektiivset lindistuste kuulamist ja iseseisvat amatöörlaulmist ettevõtetes. . Samuti olid lihtsad, kuid emotsionaalsed meloodiad ja refräänid ajendiks kontsertidel koos laulma, seda nõudsid esinejad ise. Kuubal olid Carlos Puebla ja Compay Segnundo laulud žanri poolest sarnased teiste maade kunstlauludega, kuid oluline erinevus seisnes selles, et neid esitajaid tunnustas ametlikult Fidel Castro režiim, mis kasutas neid oma populaarsuse suurendamiseks nii Kuubal kui ka Kuubal. välismaal. "Sotsialistliku leeri" riikides toimus võimude tsensuuripoliitika tulemusena kunstilaulude levitamine poolametlike festivalide ja koosolekute, kontsertidena erakorterites, koduste lindistustena, mida levitati tasuta. sõprade ja tuttavate vahel või ostetud "mustalt turult". Väljaspool "sotsialistliku leeri" olid originaallaulu kontserdid ja salvestused täiesti legaalsed, kuid siiski seos originaallaulu ja muusikatööstus ei olnud kunagi kuidagi tugev ning USA, Saksamaa, Itaalia ja Prantsusmaa televisiooni- ja raadiofirmade “barjääripoliitika”, mis pikka aega ei tahtnud oma kohati terava ja ettearvamatu ühiskonnakriitikaga originaallaulu eetrisse anda. riskantne karnevalihuumor, andis sellele ka teatud "illegaalsuse" aura. Tšiilis pärast 1973. aasta sõjaväelist riigipööret kõik avalikud esinemised nueva cancion Alguses olid nad rangeima keelu all ja peaaegu kõik kuulsad "kitarriga luuletajad" olid sunnitud riigist lahkuma, kuulsaim neist, Victor Jara, tapeti peaaegu kohe pärast sõjaväe võimuhaaramist. Alles pärast 1975. aastat kerkis sügavast maa-alusest välja nueva cancion, kuid juba siis olid nende autorid sunnitud kasutama Esoopia keelt. Ei "kitarriga luuletajate" publik ega kolleegid tervitanud nende professionaalsust ja lähenemist popmuusika maailmale. Esiteks avalik esinemine Bob Dylan elektrikitarriga festivalil (inglise)vene keel. 1965. aastal Newportis murdis see tabu ja teda tervitas publik nüristava kiitusega. Žanrid ja terminid Laulužanritega seotud selget ja ühtset terminoloogilist süsteemi siiani ei ole. Mõnikord kasutatakse mõisteid "kunstlaul" ja "bardilaul" vaheldumisi. Kuid näiteks Vladimir Võssotskile ei meeldinud kategooriliselt, et teda kutsutakse “bardiks” või “minstreliks”. Kroonikad näitavad, et 1950. aastatel ja 1960. aastate alguses oli žanri kohta kõige sagedamini kasutatav termin “amatöörlaul” – eelkõige kasutasid seda autorid ise. Laulužanri nime küsimus ei huvitanud kunstilaulude fänne kohe. Nagu kirjutab Igor Karimov oma raamatus “Moskva KSP ajalugu”, kasutati lühendit KSP veel 1950. aastate lõpus, kuid tol ajal tähistas see “õpilaslaulude võistlust”. KSP ajaloo verstapostiks saanud amatöörlauluküsimuste konverentsil Petuškis (mai 1967) arutati teemat keskendunult. Kaaluti variante “kitarrilaul”, “amatöörilaul”, “turistilaul” ja mitmed teised. Koosoleku tulemusel valiti nimeks “harrastuslaul” ning KSP kombinatsioonile omistati tähendus “Amatöörlauluklubi”. Samal ajal, 1967. aasta mais, toimus PCB esimene üle-Moskvat hõlmav koosolek. Kunstlaulu ja rahvamuusika ristumiskohas 90ndatel tekkis fännidega seotud liikumine "minstrel". rollimängud Ja ajalooline rekonstrueerimine. Selle esindajad - Tam ja Eowyn, kantsler Guy, Aire ja Saruman, Elhe Niennach jt esitavad omaloomingulisi akustilisi laule, sageli keskaja või fantaasia teemal (peamiselt J. R. R. Tolkieni teosed). Teema 6. Panoraam maailma meelelahutuse valdkonna peamistest trendidest

Sõna “šansoon” kuuldes meenuvad mõnele 90ndate kriminaalsed laulud meie kaasmaalaste esituses. Siiski, mida uus Maailm tekib prantsuse šansooni meenutades! Nostalgia, rõõm, kerge kurbus – just seda tunneme, kui sukeldume sellesse liigutavasse muusikasse, mida liialdamata võib nimetada surematuks. Mis on selliste loomingute võlu? Vaatame konkreetsete esinejate näitel.

Aristide Bruant- peetakse üheks esimeseks šansonimängijaks. Põhimõtteliselt võib öelda, et eeldused kirjeldatud žanri kujunemiseks tekkisid keskajal. Sel ajal olid populaarsed laulvad poeedid, kes reageerisid aktuaalsetele sündmustele üsna peenelt. Kuid šansooni tavapärases tähenduses andis maailmale Montmartre'i laisklane - nii kutsuti Aristide Bruanti. Raske oli sellele mehele mitte tähelepanu pöörata – ta paistis liialt silma, tuli välja suurejoonelistes riietes ja laulis kodanlusevastaseid laule. Ta oli sama suurejooneline Théophile Steinleni plakatitel, kes, muide, oli väga kuulus kunstnik. Heledusest hoolimata laulis ta tänavavaestest, andes edasi kõige täielikuma pildi öisest Pariisi elust.

Eksita- esimene naisšansonimängija. Tema loominguline tee oli väga mitmekesine ja sisaldas algul humoorikate laulude esitamist, siis oli kino. Tal oli võimalus esineda selliste legendidega nagu Jean Gabin ja Maurice Chevalier. Naist seostati viimasega ja armastussuhe, mille järel ta andis maailmale kompositsiooni " Mon homme" See laul oli määratud ajalukku jääma. Ja tema kuulsad sulgedest peakatted on jäädvustatud Moulin Rouge'is. Jah, jah, prantsuse šansoonil on kabareega midagi ühist peale keskaegsete motiivide! See on nii hämmastav nähtus – poeetiline meistriteos, milles rõhk on sisul, mitte välisel vormil.

Charles Trenet– ja see esineja tõi šansooni veidi jazzi. Sõjaeelsel ajal oli sellisele sammule raske vastu seista. Näiteks Trenet esines duetis kuulsa jazzpianisti Johnny Hessiga. Lisaks tõi Trenet šansooni sisse gagi ja heade Ameerika komöödiate elemente – selline maneeri oli kindlasti ebatavaline, aga kas prantsuse šansoon on iseenesest tavaline? Veelgi enam, kui vaataja tajub seda rõõmuga - näiteks nii on lugu " Je chante" See osutus äärmiselt põnevaks ja “ La Mer”, mida hiljem kajastati rohkem kui üks kord.

Boriss Vian- sümboliseerib sõjajärgset šansooni. Nüüd keeldub šanson ülemeelikest ja humoorikatest nootidest, ta eelistab kuulajaga suhelda ausalt ja ausalt tõsine vestlus. Paradoks: arvestades šansooni ja vaataja suhet, kirjutas Vian ise oma esimese loo oma lõbuks. Ja alguses ei tahtnud keegi tema “Deserterit” väga esitada. Välja arvatud ehk Muludži. Ta suutis märgata loomingus vastuolu, mille parandamise järel sai kompositsioon populaarseks. Peamine sõjavastane laul – kuidas teile see pealkiri meeldib? See on tõlgitud paljudesse keeltesse ja seda on esitanud paljud esinejad.

Charles Aznavour- pigem on see seotud lavaga, kuid šansoonis on see siiski "üks meie omadest". Iroonia, melanhoolia, nostalgia - kõiki neid teemasid jälgiti tema loomingus algusest peale ja esialgu peeti neid tabude kategooriasse kuuluvaks. Tee tema tunnustamiseni oli pikk ja järjekindel, alustades laulust "Apres l" amour", kuid lõpuks õnnestus tal saavutada edu. Pealegi selline, millest paljud ei osanud unistadagi. Inimeste probleemid, nende tragöödiad - just see tegi esinejale praegu muret ja peegeldus loomingulisuses.

Edith Piaf- tõusis populaarsuse kõrgustesse tänu sihikindlusele, raskele tööle, hämmastavale dramaatilisele andele ja ebatavaline hääl. Tõeline kuulsus saavutas ta lauluga " La vie en rose" Kõik võisid Edithit kuulata võrdse heameelega - nii kogenud intelligents kui ka lihttöölised, esinejast rõõmustas isegi Suurbritannia kuninganna. Miljonite inimeste jaoks sai Piafi hääl Prantsusmaa sümboliks. Tema loomingus on tunda ka pidevat võlu, mis eristab “prantsuse varblast” šansoonitalentide galaktikast.

Serge Gainsbourg– nii selle inimese elu kui ka töö on värvidega täidetud. Ta muutis sõna otseses mõttes prantsuse šansooni! Uued pildid, seninägematud piirjooned – just seda on žanr selle hämmastava mehe välimusega rikastatud. Ainulaadne hääl ja stiilikatsetused aitasid sellele suurepäraselt kaasa. Paradoks on selles, et olles andekas eksperimenteerija, eitas Gainsbourg ägedalt oma seotust luulega. Kuidas aga muidu seletada sagedast sõnamängu ja ebatavaliste riimide esinemist tema loomingus, kui mitte tema andekusega poeetilises oskuses? Vanamoodsus, kokkulepped – šansonimängija võitles kõige selle vastu nii hästi kui suutis. Kuid prantsuse keeleks muudetud ingliskeelsete kõnemustrite kasutamine - seda harjutati.

Prantsuse šansoon on Kogu maailm mida ei saa lühidalt kirjeldada ja mille esindajaid ei saa ühes artiklis loetleda. See žanr on tõeliselt mitmetahuline. Peate lihtsalt temalt midagi kuulama ja näete ise. Ja selleks, et õppida ka laulusõnu mõistma, kutsume teid üles.

Chanson tõlgitud keelest prantsuse keel tähendab laulu. Esmapilgul kergemeelsest muusikaližanrist piisab suur lugu. 10. sajandil ilmusid luuletused ja eepilised laulud (chanson de geste), mis ülistasid vapraid ja vapraid rüütleid - Prantsusmaa kaitsjaid. Ja selle muusikaližanri rajajateks peetakse Hollandi koolkonna prantsuse-flaami heliloojaid.

Juba 16. sajandil loodi muusikat stiilis, mida võib pidada klassikalise šansooni prototüübiks. Prantsuse heliloojad Renessansiajastul nagu Janequin, Sermizi, Moulou, Serton, Cautlet, Lejeune, Gudimel ja 17. sajandi alguses pressiti need kompositsioonid järk-järgult välja laulu-romantika žanritesse. 19. sajandi lõpus ja 20. sajandi alguses ilmusid Prantsusmaal estraadilaulud, mille autoriteks olid šansonimängijad - prantsuse poplauljad, värsside esitajad ja žanri laulud stiilis "a la Montmartre".

Pärast Esimest maailmasõda tulid moodi ülemere fokstroti ja tango rütmid. Nende tuliste meloodiate noote on kuulda ka prantsuse esinejate lauludes. Kuid prantslased jäid alati originaalseks ja tolleaegsed lauljad - Mistenget, Maurice Chevalier, Josephine Becker - töötasid revüü stiilis - väikese teatri- ja tsirkuseetendusena, mis on lähedal kabareele, Briti muusikasaalile või Ameerika vodevillile. 20. sajandi 30-40ndaid iseloomustas Edith Piafi ilmumine, keda Prantsusmaal peetakse õigustatult kaasaegse poplaulu rajajaks. Piafi laulud kajastasid tema enda ja iga prantslase elu, mistõttu on laulud ise Prantsusmaal ja kaugel väljaspool selle piire nii armastatud. Piafi laule eristas siirus, rõhutamine heledal häälel ja esituse sensuaalsus. Rohkem kui üks põlvkond prantsuse esinejaid kasvas üles selliste laulude peal nagu " Non, Je ne regrette rien », « Padam, padam », « Milord », « La Vie En Rose"(saate kompositsioone veebis kuulata, järgides linki).

Pärast Teist maailmasõda astus lavale galaktika selliseid lauljaid: Georges Brassens, Jacques Brel, Charles Aznavour, Leo Ferret, Boris Vian, Yves Montand. Nende loomingus on ühendatud prantsuse kunstlaulu parimad traditsioonid: esituse lüürilisus, teatav intiimsus ja tabamatu musikaalsus.

Kuid üldiselt on prantsuse šansoonist raske rääkida, selle mõistmiseks tasub puudutada selle žanri silmapaistvamate esindajate loomingut.

Charles Aznavour Kohe pärast sõja lõppu põrutas ta koos sõbra ja saatja Pierre Roche’iga tööd otsides üle Pariisi ööklubide ja varietee läve. Mõnikord lubati neil minna lavale, laulda paar laulu ja teenida paar franki. Vahel õnnestus laul või paar müüa. Sõbrad komponeerisid need Rocha hiiglaslikus korteris Pariisi kesklinnas. Ühest nendest lauludest "I'm Drunk" sai Georges Ulmeri hitt.

Kord käis Piaf ise ühel nende kontserdil Pariisi restoranis. Pärast muusikutega kohtumist kutsus ta nad esinema oma turnee esimesse ossa. Tuur osutus aga väga lühikeseks, Piaf lendas Ameerikasse ning Aznavour ja Roche jäid Pariisi välismaale reisi jaoks raha koguma. USA-sse jõudmisega ja seal Piafi leidmisega raskustes mõistsid muusikud, et ühist turneed ei tule ning lauljanna nõuandel läksid nad Kanadasse, kus ootas ees ootamatu edu. Legendaarne laulja mõjutas Charlesi loomingut mitmel viisil; ta kirjutas talle mitu laulu: " Iisebel", "Compagnons de la Chanson". Pärast Piafist lahkuminekut alustas Aznavour soolokarjäär. Tema laule esitasid paljud tolleaegsed andekad šansonimängijad: Juliette Greco, Gilbert Becaud, Patasha. laul" J"ai bu", mille salvestas Georges Ulmer, pälvis Grand Prix 1947. aasta parima plaadina. Seejärel kirjutas Aznavour rohkem kui tosin laulu, millest said mitte ainult prantsuse šansooni pärlid, vaid ka maailmakuulsad hitid, nende hulgas: “Sa jeunesse”, “Parce que”, “Sur ma vie”, “Apres l” amour” , "La Boheme" , « Comme ils disent », « Ta"ja muidugi surematu" Une Vie D'Amour", kõlas Nõukogude filmis "Teheran-43" ja laulis Aznavour ise vene keeles (" Igavene armastus»).

Teine šansonnieer, mis on tuntud kaugel Prantsusmaa piiridest, on Yves Montand. Selle võib seostada ka Edith Piafi avastustega. "Kui ta laulma hakkas," meenutas Edith Piaf, "vajusin kohe tema võlu alla. Kunstniku originaalne isiksus, jõu ja mehelikkuse mulje, kaunid kunstilised käed, huvitav ilmekas nägu, hingestatud hääl...” Edith Piaf andis talle killukese oma talendist. Ta õpetas Yves Montandile laulmise ilu, mis tegi ta suurepäraseks. Rahvusvahelised hitid on seotud nimega Yves Montand " Sous Le Ciel" "De Paris", "Les feuilles mortes », « C'est si bon », « Les grands boulevards », « A Pariis"ja palju-palju teisi üllatavalt meloodilisi ja lüürilisi laule, mis on iseloomulikud eelmise sajandi 40-60ndate prantsuse šansoonile.

Teine prantsuse šansooni silmapaistev esindaja on Belgias sündinud Jacques Brel. Oma esimesed salvestused tegi ta 1953. aastal. Lindistasin selle ja läksin Pariisi vallutama. Umbes aasta veetis Jacques öö pööningutel ja koputas edutult lävedel kontserdisaalid ja Pariisi kabaree. Vaatamata oma laulude halastamatule kriitikale jätkas ta siiski laulude kirjutamist. Teda toetasid muusik Brassens, laulja Juliette Greco, kes võttis tema laulud oma repertuaari, ja loomulikult Jacques Canetti, kes ei võtnud kuulda Philipsi skeptikute häält ja nõudis siiski Jacques Breli esimese plaadi salvestamist 1954. aastal. . Selle albumi lugude seas paistab silma vaid üks - “Kasulik video

Prostobank TV räägib Ukrainas mobiilside säästmise võimalustest - kõned, SMS- ja MMS-sõnumid, mobiilne internet. Tellima meie kanal Youtube'is, et mitte ilma jääda uuest kasulikust videost isiklike ja äriliste rahaasjade kohta.

Tutvustame teile prantsuse šansooni populaarsemaid laule. Selle kogumiku kallal töötades sain lõpuks enda jaoks aru selle muusika peamisest erinevusest traditsioonilisest prantsuse popist (seda segatakse sageli šansooniga) - minimaalsete muusikaliste ja vokaalsete vahenditega liigutavad need lood sind luudeni, värisemiseni, pisarateni. . Ja esiteks saavutatakse see tänu sellistele suurepärastele esinejatele nagu Salvatore Adamo, Edith Piaf, Charles Aznavour, Yves Montand, Serge Ginzbourg ja Jacques Brel.

Salvatore Adamo, Tombe la neige

See on veidi paradoksaalne, kuid minu arvates on õige, et alustame oma prantsuse šansoonide valikut Belgia šansonnieer Itaalia päritolu Salvatore Adamo. Tema laul Tombe la neige on üks populaarsemaid teoseid mitte ainult oma žanris, vaid ka maailmas. Pealegi kajastab seda endiselt tohutu hulk esinejaid, olenemata stiilist, rokkaritest poplauljateni. See pole üllatav, tema plaatide müük kogu maailmas ulatub üle saja miljoni.

Alates 1993. aastast on Salvatore Adamo olnud UNICEFi hea tahte suursaadik Belgias. 4. juulil 2001 andis belglaste kuningas Albert II Salvatore Adamole Belgia kuninga rüütli aunimetuse. Adamo oli esimene populaarse muusika tegelane, kes selle sai. 2002. aastal pälvis ordeni Auleegion. Alates 2002. aastast on Adamo Monsi linna aukodanik.

Ja siin on kinnitus minu sõnadele, et Adamo laulu kajastavad kõikjal ja kõik.

Garik Sukachev

Oleg Skrypka

Muidugi ei saa see kollektsioon hakkama ilma “väikese varblaseta” Edith Piaf. Ta on võib-olla üks kunstilisemaid lauljaid üldse. Ilma silmapaistvate väliste omadusteta suutis ta panna endasse armuma paljud mehed ja palju nooremad. Ta andis sada punkti ette igale seksikale kaunitarile ja seda kõike tänu oma sisemisele närvile ja artistlikkusele. Seetõttu pole sugugi üllatav, et temast tehakse filme ja lavastatakse näidendeid tema elust. Muide, soovitan vaadata muusikali “Elu krediidil”, näidatud aastal Kiievi teater nime saanud Ivan Franko järgi. Imeline lavastus Piafi eluloo ja laulude põhjal. Pealegi esitatakse siin prantsuse šansooni diiva laule mitte originaalkeeles, vaid ukraina keeles. Kuid ärge laske sellel end heidutada. Väga head tööd tegi nende peal Juri Rybchinsky, kes suutis hoida nii rütmi kui taktimõõtur, ja mis kõige tähtsam – lauludesse pandud tähendus.

"Padam Padam"

"Milord"

Non, je ne regrette rien

Serge Ginsbourg, Je T "aime

Kõige šokeerivam Prantsuse esineja, kes enda ümber pidevalt skandaale tekitas. Skandaali seostati lauluga Je T "aime, mille pakkusin välja. Kui ta selle tema plaate välja andnud salvestusfirmasse tõi, öeldi talle kohe, et lugu on liiga avameelne ja neil tekiks selle tõttu probleeme. Selles on Jane Birkin ohkab niimoodi, et on tunne, nagu oleks laul voodis salvestatud.

Ginzbourg kirjutas selle 1967. aastal ja esitas koos Brigitte Bardot'ga. Bardot' nõudmisel seda laulu siiski ei avaldatud, vaid sai publikule tuntuks juba koos Jane Birkiniga. Sellest laulust sai ka Ginzbourgi samanimelise filmi “Je t’aime... moi non plus” peateema, mille nimiosas oli Jane Birkin.
Jane Birkin ja Serge Gainsbourg "Je T"aime,...Moi Non Plus"

Charles Aznavour

Kui kuninganna on Edith Piaf, siis prantsuse šansooni kuningas Charles Aznavour. Muide, üks väheseid lääne esinejaid, kes esines NSV Liidus. Tema populaarsus oli kogu maailmas nii suur, et Nõukogude ametnikud otsustasid: parem on kutsuda ta ringreisile, kui püüda teda vaikida. Pärast neid ringreise ilmus tema repertuaari vene keeles laul “Igavene armastus”. Charles de Gaulle ütles talle: "Sa vallutad maailma, sest tead, kuidas erutada."
LA BOHEMIA

"IGAVENE ARMASTUS"

Yves Montand, "Pariisi taeva all" (A.N.F.)
Üks stiilsemaid šansonimängijaid. Huvitav on see, et enne, kui temast sai romantiline laulja, laulis ta laule poksijate, veokijuhtide ja teiste kõvade töötegijate saatusest ja elust. Alles pärast seda, kui ta kohtus luuletaja Jacques Prévertiga, ilmusid tema lauludesse tõelised valusad sõnad. Lisaks tuli just Yves Montandilt sel ajal moekas riietumisstiil - musta kaelusega ja mustade pükste kombinatsioon. Tema järel hakkasid niimoodi riietuma boheemlaste esindajad nii NSV Liidus kui ka Euroopas.

Jacques Brel,Ei mind päris pas
Kui poleks olnud sellist riiki nagu Prantsusmaa ja meest nagu Elias Canetti, kes tõi laulja ja poeedi Belgiast Prantsusmaale (prantsuse produtsent, noorem vend kirjanik Elias Canetti), poleks olnud sellist šansonimängijat nagu Jacques Brel.

Oscar Benton, Bensonhurst Blues

Ameerika laulja Oscar Benton ja tema hitt Bensonhurst Blues on šansooniga lõdvalt seotud. Isegi pealkiri sisaldab sõna blues, mitte šansoon. Tegelikult on Benton ühe loo, nimelt selle bluusi laulja. Populaarsete šansoonide nimekirja pääses see tänu Alain Delonile ja tema osalusega filmile “Politseiniku nahale” (1981), mille põhikompositsioonina kõlab Bensonhurst Blues. Sellest sai hitt pärast seda filmi ja see salvestati peaaegu kümme aastat enne filmi ilmumist.

Sõna "chanson" on prantsuse keelest tõlgitud kui "laul". Tänapäeval nimetatakse seda terminit vokaalžanr. Kuid renessansiajal Prantsusmaal nimetati nii ilmalikku polüfoonilist laulu. See kestis kuni 19. sajandi lõpuni. 80ndatel hakati kabareedes esitatavaid poplaule nimetama ka šansooniks. Nad olid väikesed elulugusid, mida öeldi muusika saatel. See õitses eelmise sajandi 50ndatel. Just siis astus Prantsusmaal ja mujal muusikaareenile palju inimesi andekad lauljadšansoon. Nende esinejate nimekiri on kuldsete tähtedega kirjutatud prantsuse muusika ajalukku.

Varajane šansoon

Enne šansooni - polüfooniliste ilmalike laulude - tekkimist olid trouvères - ühehäälsed vokaalteosed. Selle žanri rajajaks oli 14. sajandi helilooja Guy de Machaut. Tema järel lõid tema kolleegid Burgundiast G. Dufay ja J. Benchois kolmehäälseid laule. Alates 16. sajandist tekkis “Pariisi šansooni koolkond”, mille eestvedajaks olid C. de Sermisy, P. Serton jt. Hiljem levis see stiil üle Euroopa.

Kaasaegne šansoon

Periood kaasaegne šansoon algab 19. sajandi lõpust. Esimesed selle žanri lauljad olid Astrid Bruant, Mistinguett ja teised, kes esinesid kabarees. Hiljem, 20. sajandi algusaastatel, tõusis professionaalsele lavale modifitseeritud šansoon - "realistlik laul" (chanson réaliste). aastal heliloomingu esitajate nimed see žanr kantud esimesse šansoonilauljate nimekirja: Edith Piaf, Ferel, Damia jt. Veidi hiljem, sama sajandi keskel, kujunesid välja 2 kaasaegse prantsuskeelse laulu põhisuunda: klassikaline šansoon ja poplaul.

Klassikalise šansooni žanr

Selle žanri laulude eelduseks on poeetiline komponent. Üldjuhul nende autor ja esitaja vokaalteosed- sama isik. Selle perioodi šansoonlauljate nimekirja juhib ka jäljendamatu Edith Piaf. Teised esinejad selles žanris olid M. Chevalier, C. Trenet, J. Brassens jt. Kuulsad prantsuse lauljad S. Adamo ja C. Aznavour, hoolimata sellest, et nende looming on lähemal popmuusika, on kantud ka šansoonilauljate nimekirja.

Selle tolleaegse poeetilise ja muusikaližanri esitajaid hakati kutsuma "šansonnierideks". Nende jaoks olid kõige olulisemad laulusõnad, nende sisu ja tähendus. Uue šansooni lauljad kasutasid oma esitustes erinevate žanrite elemente: rokist jazzini.

Prantsusmaal on alati olnud palju poplauljaid, kes esitavad omaloomingulisi laule. Sisu kerguse tõttu ei peeta nende teoseid siiski šansooniks, mistõttu ei ole 20. sajandi šansoonilauljate nimekirja kantud sellised kuulsused nagu M. Mathieu, J. Dassin, Dalida, Lara Fabian ja Patricia Kaas. Võib-olla väljaspool Prantsusmaad peetakse neid šansonimängijateks, kuid Prantsusmaa pinnal on nende kahe žanri – popi ja šansooni – vahele tõmmatud konventsionaalne piir.

Chanson 21. sajandil

Uue aastatuhande tulekuga pole avalikkuse huvi selle vastu vaibunud. Ilmus populaarsed lauljadšansoon. Peaaegu 100 aastat peetud nimekiri täienes uute nimedega: O. Ruiz, C. Clemani, C. Ann jne.

Järeldus

Prantsuse laul erineb paljuski teistest Euroopa lauludest muusikalised stiilid. Ta on meloodilisem, romantilisem, õrnem. Ta on igavene. Lugusid kuulab rohkem kui üks põlvkond muusikasõpru üle kogu maailma. Tema kompositsioonid "Belle", "Boheme", "Igavene armastus" jt said surematud meistriteosed maailma kunst. Vaatamata sellele, et kaasaegne prantsuse muusika V viimased aastad on lati alla lasknud, ei kustu lootus, et šansoonilauljate nimekiri täieneb uute nimedega, mis tõstavad selle žanri uuele tasemele.