Impressionistlikud heliloojad. Impressionism muusikas Prantsuse muusikaline impressionism

Nüüd tahaks impresionismi uurida vene keeles, sest just selles põimusid hilisromantismi ja impressionismi jooned. Kirjandus- ja kunstisuundade ning eelkõige sümboolika mõju oli suur. Samas suur

22. N. Aleksandrova, O. Atroštšenko "Vene impressionismi teed" Toim. ScanRus., 2003.

käsitöölised töötasid välja oma stiilid. Nende loomingut saab vaevalt seostada ühegi konkreetse suundumusega ja see on tõend vene muusikakultuuri küpsusest.

Ja nii võib impressionismi jooni kuulda A. N. Skrjabini, N. A. Rimski-Korsakovi, I. Stravinski teostes.

I. Stravinski muusikas kajastusid impressionistlikud jooned peamiselt tema loomingu algperioodil, nn "vene perioodil", kuni 1920. aastani.

Aastal 1907 või 1908 juhtis lootustandvale noorele heliloojale tähelepanu silmapaistev Venemaa impressaario, "Vene aastaaegade" korraldaja välismaal, SP Djagilev. Tema tellimusel lõi Stravinski vene rahvajuttude põhjal muusika balletile Firebird, mis esietendus 1910. aastal Pariisis ja tõi heliloojale Euroopa kuulsuse. [22 lk 34] Stravinski koostöö Djagileviga jätkus (katkestustega) peaaegu kaks aastakümmet. Terve ajastu 20. sajandi kunstis. moodustas Stravinski loodud meistriteoste triaadi, lootes geniaalse Djagilevi balleti- ja ooperikompanii võimetele; lavastas Pariisis balletid Petruška (1911), Kevadriitus (1913) ning koreograafilised stseenid laulu ja muusikaga Les Noces (1923). Rahvaetenduste ("Petruška") ja arhailiste rituaalide, paganliku viljakuse müsteeriumi ("Kevadriitus"), vene talupoegade pulmade ("Les Noces") stiliseeritud reprodutseerimine toimub ülimalt omapärase muusikakeele abil, mis ühendab väline "karedus", "elementaarsed" rütmid ja meloodiad detailide pedantse viimistlusega, muusikaliste fraaside peenelt arvutatud asümmeetria, meetriliste aktsentide ootamatud nihked. Kui Petruškas ja Pühas Kevades (nagu varem ka "Tulilinnus") kasutab Stravinski kõiki kaasaegse orkestri värve, arendades algselt välja prantsuse impressionistide (vähemal määral Rimski-Korsakovi ja teiste vene heliloojate) leide, siis To Lesis. Noces piirdub ta lauluhäälte kombinatsiooniga (lauldes helilooja kavatsuse kohaselt iseloomulikult vene rahvapärases maneeris) ja nelja klaveriga löökpillide ansambliga, mis annab teosele ainulaadse "barbaarse" maitse.

23. N. Aleksandrova, O. Atroštšenko "Vene impressionismi teed" Toim. ScanRus., 2003.

A.N. Skrjabin.

Skrjabin on üheksateistkümne klaveriluuletuse autor. Need on väga lühikesed kompositsioonid (tavaliselt pealkirjaga). Lühidus on kohati lihtsalt hämmastav (näiteks "Igatsuse poeem" kõlab vaid nelikümmend seitse sekundit), aga jätavad mulje suurtest teostest. Valgustusseisundid, jõuline mentaalne liikumine või, vastupidi, rahulikkus on edasi antud täpselt ja konkreetselt ning klaveri kõla ei jää tämbririkkuselt alla sümfooniaorkestrile. Teoste pealkiri - "luuletused" - lähendab neid sümbolismi kirjandusele. Sümbolistlikke luuletajaid huvitasid eeskätt peened hingeliigutused, mida täpsemalt kirjeldada ei saa – võib vaid vihjata.Sümfoonilise muusika vallas pöördus Skrjabin samuti peamiselt luuležanri poole. Esimene, ekstaasi luuletus (1907), on mahukas üheosaline sonaadivormis teos. Seda tüüpi traditsioonilistest kompositsioonidest erineb see aga teemade rohkuse poolest, millest igaüks annab edasi inimese konkreetset seisundit ja millel on nimi ("languse teema", "tahteteema", "unenägude teema". ," jne.). Helilooja lõi poeetilise kava, kuid ei avaldanud seda partituuris, tahtmata kuulaja tajule "survet avaldada". Luuletuse mõte on aga sõnadetagi selge: see on teos sellest, kuidas inimhing jõuab ähmastest aimdustest ja unistustest kõrgeima vaimse rõõmuni, saades juurde tohutult energiat ja jõudu.

Autori jaoks oli oluliseks sümboliks iidse mütoloogilise kangelase Prometheuse kujutis, kes tõi inimestele Olümposest (jumalate eluasem) tuld. Skrjabini käsitluses ei ole Prometheuse tuli mitte niivõrd füüsiline nähtus, kuivõrd see on vaimsest korrast: jutt käib "jumalikust loovuse tulest", mis kunstniku hinges süttides teeb ta sarnaseks Loojaga.

Helilooja loomingulises pärandis on sümfooniline poeem "Prometheus" (alapealkiri - "Tulepoeem", 1910) üks julgemaid teoseid. See on kirjutatud väga suurele orkestrile, klaverile ja koorile. Skrjabinil oli ainulaadne võime - nn värvikuulmine (kui iga tonaalsus on teadvuses seotud teatud värviga) ja ta soovis luua mitte ainult heli, vaid ka visuaalset kujutist vaimsest tulest, mis muudab inimest. Helilooja oletas, et kui iga klahv on ühendatud valgusallikaga, siis saab teose käigus saali saata mitmevärvilisi kiiri. [23 lk 59]

Siiski tuleb märkida, et Skrjabin ei olnud värvimuusika avastaja ja looja. PEAL. Rimski-Korsakovil oli nn "värvikuulmine", ta lõi värvitaolise tonaalsuste süsteemi

Huvitavad olid analüüsi tulemused, mis viidi läbi Kaasani lavastuses ooperi "Lumetüdruk" (1987). Ja siin on kogu partituuri vältel selgelt jälgitav otsene seos kindla emotsionaalse ja semantilise tähendusega tonaalsuse valiku ja tegelaste meeleolu vahel.

Järeldus: iga helilooja andis oma panuse, näiteks ei avaldanud Rimski-Korsokovi muusika suurt mõju mitte ainult vene heliloojatele, vaid, nagu juba mainitud, ka prantsuse impressionismi klassikutele, kes mitte ainult ei omaks võtnud mõningaid muusikalise ekspressiivsuse tunnuseid, vaid ka nende põhjal uudsete tehnikate põhjal loodud.

Järeldus

Tahaksin natuke rääkida kurbast, sest selle muusikastiili eluiga oli üsna lühike, kuid arvan siiski, et just impressionism oli see, mis ajendas ja andis aluse abstraktse kunsti tekkele. Impressionism ei muutnud mitte ainult maali ja muusikat, vaid ka skulptuuri, kirjandust ja isegi kriitikat. Huvi impressionistide loomingu vastu meie ajal ei kao. Paljud mu sõbrad, mitte ainult muusikakoolis õppijad, õpivad seda suunda, tutvuvad lähemalt muusikute ja heliloojate loominguga. Ja tänapäeval hämmastab meile tuntud heliloojate nägemused oma uudsuse, neile omaste tunnete värskuse, väljendusvahendite tugevuse, julguse ja kordumatusega: harmoonia, tekstuur, vorm, meloodia.

Kirjandus

1. Rewald J. Impressionismi ajalugu. M., 1994; koos. 11-16, lk. 53-87

2. Jarocinsky S. Debussy, impressionism ja sümbolism. M., 1992, lk. 57-63

3. Smirnov V.V. Maurice Ravel. L., 1989, 18-57

4. A.I. Tsvetajeva. Maagilise helina meister. M., 1986, lk 109

5. Alshwang A., K. Debussy ja M. Raveli teosed, M., 1963

6. Kremli YA "Claude Dubussy", M., 1965.

7. N. Aleksandrova, O. Atroštšenko "Vene impressionismi teed" Kirjastus. ScanRus., 2003.

Impressionism on endiselt vähe uuritud nähtus Venemaa kunstielu ajaloos. Samal ajal oli ta 19. sajandi lõpu - 20. sajandi alguse vene kunsti üks omapärasemaid suundi ning oli tihedalt seotud mitmete tolleaegsete kultuuri- ja ajalooliste protsessidega. Kuigi enamikus vene muusikateaduslikes teostes ei käsitleta impressionismi kui suundumust, mis oleks vene muusika arengut oluliselt mõjutanud, on 19. sajandi lõpu ja 20. sajandi alguse vene heliloojate teostes siiski "impressionistlike värvide" kehastus. märkis. Neid võib näha N. Rimski-Korsakovi ja A. Ljadovi hilistes teostes, I. Stravinski, Nikolai Tšerepnini, S. Vasilenko loomingus, mõnes S. Prokofjevi, S. Rahmaninovi, A. Skrjabini, N. Myaskovski jne.

XIX – XX sajandi vahetuse Venemaa kultuur on ajalukku kantud kui üks vastuolulisemaid ja samal ajal kauneimaid lehekülgi. Sündmuste rikkus, kunstisuundade mitmekesisus määras selle perioodi kunsti paljude nähtuste ebaselguse. Vaatamata sügavatele sotsiaalmajanduslikele ja poliitilistele kriisinähtustele (1905. aasta revolutsioon, Vene-Jaapani ja Esimesed maailmasõjad) koges kunst uut õitseaega. Erinevate kunstisuundade hulgas oli impressionism. Selle Venemaale ilmumise võimsaks tõukejõuks oli Vene-Prantsuse kultuurisidemete arendamine: 1891. aastal sõlmiti Vene-Prantsuse sõjalis-poliitiline liit, millele järgnes vene kunsti populariseerimine Prantsusmaal (vene muusika kontserdid, SP Djagilevi ettevõtmine). jm) ja prantsuse keeles - Venemaal (prantsuse impressionistide kunstnike näitused, S. A. Koussevitsky ja A. I. Ziloti ettevõtted, kus esitati K. Debussy, M. Raveli jt teoseid). Impressionismi kujunemist Venemaal seostatakse protsessidega, mille eesmärk on traditsioonide uuendamine. Kui Prantsusmaal väljendusid need progressiivsete kunstnike vastuseisus salongikunstile, siis Venemaal soovis rändurite ideid läbi vaadata märkimisväärse arvu nende epigoonide ilmumise tõttu (Lyadov, SKMakovsky, DS Merežkovski jne kirjutasid sellest) ... Teaduslik ja tehnoloogiline progress aitasid kaasa ka kunsti uute võimaluste avastamisele (L. Daguerre fotograafia leiutamine, M. Chevreuli värvide segamise teooria ja värvitaju inimsilma poolt, uurimused O. Rud ja H. von Helmholtz optika alal jne). Samas oli teaduse ja tehnika progressil ka varjukülg, mis väljendus positivistlike ideaalide kriisis: ilmunud avastustega kaasnes meid ümbritseva maailma kohta väljakujunenud ideede revideerimine. Avalikkuse teadvusel ei olnud aega nii võimsat läbimurret hoomata: kahtluse alla seati teaduse roll. Nende aastate kunstikeskkonnas (mitte ainult Venemaal) valitses pettumus inimese võimes loodust mõjutada. On ilmunud üleskutse inimese harmoonilisele looduses eksisteerimisele. Need ideed olid lähedased ka impressionismile.

Alates 1870. aastatest on kunstnikud (I. N. Kramskoy, I. E. Repin jt) arutanud võimalusi prantsuse impressionismi tõlkimiseks vene koolkonda. Vene impressionismi traditsioonid kujutavas kunstis pandi paika Moskva maali-, skulptuuri- ja arhitektuurikoolis (peamiselt tänu sealsele õppetööle K. A. Korovin, I. I. Levitan, V. D. Polenov, V. A.). Selle õppeasutuse õpetajad, lõpetajad ja üliõpilased moodustasid aluse "Vene kunstnike liidule" (1903-1923) - maastikumaalijate ühendusele, mille looming avas "vene impressionismi etapi". Esmased dokumentaalsed allikad, sealhulgas memuaarid, kirjad tollastelt kunstnikelt ja heliloojatelt, võimaldavad meil esteetiliseks kontseptsiooniks nimetada "impressionismi vene versiooni". Vene kunsti töötajate "kirjapeeglis" need ajaloolised ja kultuurilised protsessid, mis sai aluseks esilekerkivale impressionismi esteetikale. Märgistagem neid: see on soov "sulgeda" loovuses ümbritsevast maailmast, asendades tegeliku tegelikkuse teose idealiseeritud või sürrealistliku maailmaga; soov uuendada traditsioone, "hingata uut elu" kunstielu masendavatesse külgedesse; tähtsusest mõtlemise mõju; kunsti teaduse ja tehnoloogia areng. Samuti on ilmne, et Venemaal oli impressionismi tugevnemise olulisim põhjus 19. ja 20. sajandi vahetusel õitsenud vastastikune kultuurivahetus Prantsusmaaga.

Olid kahemõttelised Vene heliloojate vaated impressionismile- entusiastlikust kuni ettevaatliku ja mõnikord teravalt kriitilise suhtumiseni temasse. Vanema põlvkonna esindajad, tunnistades impressionismis kultiveeritud väljendusvahendite olulisust, rõhutasid selle esteetika “vaeseid mõtteid” ( S. Tanejev). Negatiivne arusaam kaasaegsetest suundumustest, sealhulgas impressionismist, oli omane C. A. Cui(Paroodia Debussy teosest Fauni pärastlõuna nimega Reverie d "un Faune, apres la előadás de son journal", olles muusik, saanud hiilgavaks kaasaegseks heliloojaks. ") Erinevalt vanemast põlvkonnast on noored autorid ( Tšerepnin, Stravinski, Vasilenko, Prokofjev jt) pidas impressionistlike kalduvuste avaldumist muusikakunsti arengu loomulikuks etapiks. Niisiis pidas Vasilenko oma sümfoonilisi poeeme "Surma aed" ja "Nõidade lend", süite "Päikesekiirtes" ja "Öised kaebused" impressionistlikeks. Ainus helilooja, kes mitte ainult ei varjanud oma huvi impressionismi vastu, vaid tunnistas end ka impressionistiks V. I. Rebikov... Novembri lõpus 1901 kirjutas ta kirjas V. Ya. Brjusovile: "Millegipärast kutsuvad nad mind" dekadendiks ". Ma olen impressionist." Vanem põlvkond püüdis säilitada kehtestatud kaanonite puutumatust ("kunsti sotsiaalne eesmärk"), samas kui noored seadsid kahtluse alla idee kunsti mõjust sotsiaalsetele protsessidele nagu "moraaliseadus" ("kunst kunsti jaoks"). "). Nagu paljud vene kunstiintelligentsi esindajad, aktsepteerisid ka heliloojad üldiselt keelelisi (tehnilisi) avastusi. Mõistes vene kunsti arengut üldiselt nii 19. sajandil kui ka 20. sajandi alguses, nägid vene kultuuritegelased selles ühtset, jagamatut protsessi, milles 20. sajandi uuendused olid 19. sajandi jätkuks.

Vooluna kujunes impressionism Venemaal Peterburis. Ta samastub sellega "Eksootilis-romantiline" traditsioon, hääldatakse keeles Peterburi heliloojakool ning keskendus esteetikale, keerukusele ja värvikusele. Seetõttu "kumavad läbi" impressionistliku alguse alged juba ammu enne selle ilmumist ja on märgatavad juba sellistes teostes nagu M. Glinka "Öö Madridis", A. Borodini "Kesk-Aasias", "Pildid näitusel" ja M. Mussorgski "Öö kiilasmäel", N. Rimski-Korsakovi "Hispaania capriccio" ja "Šeherazade" ja paljud teised. Neil on omadused, mis on lähedased hetke absolutiseerimise ja värvimise meetoditele. Pole juhus, et maaliline, suurepärane, luksuslik instrumentaarium, ebatavaliselt “maitsev” harmooniline keel - need on vene muusika omadused, mis võitsid prantsuse impressionistide südamed. See rida näitab "stiililist seost" impressionismiga, mis eeldas impressionismi vene versiooni eripärad: esteetiliselt keerukas; “magusa” ja samas peaaegu eepilise mõtiskleva vürtsikusele ja isegi magususele. Võib öelda, et impressionism sai sellistes tingimustes eeldused selle tõlgendamiseks mitte millegi tabamatu ja salapärasena (nagu prantsuskeelses versioonis), vaid väga lähedase ja kalli "olendina", justkui õnnestuks heliloojatel tänu impressionismile "püüdke Firebird" ja kandke kogu selle ilu oma muusikasse.

Erilist tähelepanu väärib N. Rimski-Korsakovi teos "Muusikakunsti esteetika". Selles välja toodud ideed ja sätted ei ole ainult autori nägemus heliloojast kunsti olemusest. Need võivad Venemaal muutuda impressionismi programmiks. Helilooja mõtlemine on otseses kokkupuutes impressionistlikku tüüpi kunstinägemusega. Omamoodi ristuvate "punktidena" toimivad tema loomingu võtmeideed: ilutunne on määrav nii elus kui kunstis; Ilumaailma tajutakse vaid subjektiivselt, kujutlusvõime ja mõtiskluse kaudu; Inimene ja Maailm on üks, see tähendab Inimene, tema mõtted on lahutamatud "loodusest ja elust". Helilooja analüüsib vene muusikas Glinka ajast peale juurdunud muusikakeele eripära. Samas on tema nimetatavad muusikalised ja ekspressiivsed vahendid lähedased impressionismile (sealhulgas seoses koloristliku, häälikuomaduste avardumisega, mis võivad tekitada pildilise, värvilise helimaali efekti).

Rimski-Korsakov Vaatamata sellele, et heliloojal on sügav side traditsiooniga, kuulub vene muusikas juhtiv roll hetke ja värvi absolutiseerimise impressionistlike meetodite kujunemisel. Nende kristalliseerumist võib näha üksikutes stseenides ooperitest "Lumetüdruk", "Sadko", "Kaštšei Surematu" ja "Legend nähtamatust linnast Kitežist ja "Maiden Fevronia". Niisiis, kui Lumetüdruku sulamise ja Mereprintsessi jõeks muutmise stseenid lahendas helilooja "eksootilis-romantilises" traditsioonis - eelneb neile kangelannade lugu toimuvast ja nendega kaasneb heli-visuaalne tehnika (harf valgub üle redutseeritud triaadi helide), siis võib Kaštšeevna muutumist nutvaks pajuks nimetada impressionistlikuks ... Selles stseenis on sõna osatähtsus vähenenud: kangelanna ainult vihjab oma muutumisele. Kuid samal ajal suureneb koloristiliste omadustega orkestrivahendite roll (keelte laskuv värisev liikumine vastavalt "Rimski-Korsakovi skaala" kõladele, mida rõhutavad bassi tritoonilised liigutused, mille vastu tõusev kahanenud septakordi helid harfis inglissarvega ja seejärel oboega). Impressionismi tunnused Rimski-Korsakovil on sügava pinnasepõhjaga, mis saavutatakse kontsentreeritud muusikalise temaatismi kasutamisega, mis on loodud "rahvavaimus". Eelkõige on lumetormi ("Kaštšei surematu") stseenis "folkloortemaatika" laulva iseloomuga. Helilooja kasutab laialdaselt jäljendustehnikaid. Stseenis kõlavad märgid sellistest žanritest nagu maagilised ja loitsvad rituaalsed ümartantsulaulud, osaliselt trepak. Samal ajal seostub stseeni harmooniline lahendus toetumisega tritooni pööretele, aga ka sümmeetrilisele "Rimski-Korsakovi režiimile", mis aitab kaasa fantastilise talvemaastiku impressionistliku kõlalisuse loomisele. "Kaštšei" eelkäijaks helilooja loomingus on "Mlada" kolmas vaatus - "Öö Triglavi mäel" - fantastiline stseen Tšernobogi kuningriigis (muide, on näha ka "Kuldse kuke" mõningaid ettekujutusi seal). Rimski-Korsakov laiendab sageli värvipaletti, meelitades ligi idamaiseid helisid. Hetke absolutiseerimise ja värvimise meetodid ilmnevad näiteks "ida" kangelaste - Shemakhani kuninganna ja astroloogi muusikaliste omaduste paljastamisel ooperi "Kuldne kukk" sissejuhatuses IV stseenis "Kuldne kukk". Kuninganna Cleopatra” ooper-balleti “Mlada” III vaatusest. Viimases näites on kangelanna esimene teema eriti paljastav. See on improvisatsiooniline instrumentaalviis, mis kõlab nii väikesel klarnetil, pikoloflöödil kui ka vahel glissando tilisel keelpillide mõõdetud "vikerdamise" taustal. Helilooja kasutab erinevaid harmoonilisi värve (duur-moll varieeruvus, lüüdi režiimi helide käigud, peen kromaatilisus, vähenenud harmooniad). See loob loid, kummitusliku fantaasiaga impressionistliku atmosfääri.
N. Rimski-Korsakov ei suutnud Peterburis õpetades aidata oma võitluskaaslasi ja õpilasi mõjutada. Viimase loomingus aga "murdati" impressionism läbi autori stiilide prisma, tuues näiteid tema individuaalsetest otsustest.

Haldja pilt "Võlujärv" (1909) A. K. Ljadov kujunes looduskeskse maailmavaatega kooskõlas loodud vene muusikalise impressionismi eripära ilmekamaks kehastuseks. Eelkõige annavad tunnistust nii Ljadovi väited „Võlujärve“ loomise ajaloost kui ka muusika ise helilooja soovist mitte ainult maastikku kujutada, vaid ka sellest muljeid edasi anda. Kõik "Võlujärve" muusikalis-temaatilised elemendid kasvavad vibreerivast taustast. Olulisemad intonatsiooniterad on sissejuhatuses deklareeritud viies, kolmas ja teine. Nendest sünnivad mikromotiivid ("loodus", "tähed", "veepritsmed" jne) ja motiivid ("surnud loodus", "koit" jne). Nende variantide muutumine ja seosed moodustavad justkui laiendatud reljeefi, mis kaob taustahelilisusesse. Miniatuuri intonatsiooniline ühtsus koos temaatiliste elementide pideva muutmisega aitab kaasa pildi loomisele lavastuses staatilisest maastikust, mis pidevalt transformeerub. "Võlujärve" temaatilistel elementidel on oma värv. Mõnikord omandavad need aga vastavalt helilooja loomingulisele kavatsusele erinevaid varjundeid (näiteks variandimuutuse või tämbrimuutuse tõttu). Seega kannavad "tähtede" mikromotiivi tšelesta ja flööt, seejärel tšelesta ja harf; teema "okstel" - kõlab oboe juures ja hiljem kantakse edasi flöödile. Koos puupuhkpillide rühmaga aitavad keelpillid kaasa erinevate värvikate maalide loomisele miniatuuri sees: maagilise järve muutumine, selle salapärane elu. Celesta ja harf täiustavad muinasjutulist kujutluspilti. Samuti peab helilooja suurt tähtsust pedaalile, mis annab muusikamaastikule erilise sügavuse. "Võlujärves" tuvastatakse kolm maastiku muutumise etappi: hilisõhtust õhtuni ja enne koitu. Iga tema järgmine värv ilmub helilooja poolt vaadeldud uue mulje mõjul. Ljadovi looming sarnaneb Debussy "Merega", kus maastikku näidatakse samuti teises olekus. Prantsuse helilooja kehastab merepildis aga loodust kõrvalt vaatleva inimese muljeid. Loodus omakorda äratab tema hinges sellele maastikule lähedased meeleolud. Siin tekib ühtsus ainult Inimese ja tema Maailmanägemuse vahel. "Võlujärve" olemust tajutakse kui oma hingega elavat organismi, mida Ljadov püüab publikule avada, "lahutades" Inimese (ja tema enda ja iga kuulaja) mõtisklevas Maailmas. Just selles on juurdunud oluline erinevus looduskeskse ja inimesekeskse maailmapildi vahel. Absolutiseerides kõigi transformatsioonide hetked, kehastab helilooja eepiliselt impressionistlikku loodusteemat, rääkides oma elu saladustest. Muinasjutulist pilti võrreldakse teatrimaastiku visandiga: salapärase järve maastiku ilu, mis on metsa kõrbe eksinud, "püütud" ja kantud muusikalisele "lõuendile", mille taustal toimub tegevus. võib alata. Helilooja edastab kuulajale visandi omaenda fantaasiatest, sundides kuulajat fantaseerima, mis realiseerib unenäo teema. Samal ajal on Ljadov sellest maailmast lapselikult üllatunud, ei väsi teda rõõmustamast ja imetlemast. Temast saab nagu filmioperaator, kes püüab tabada maastiku muutumise iga kaadrit, või mustkunstnik, kes soovib sellele maastikule elu sisse puhuda ja selles "lahustuda".

Fantaasia "Ilutulestik" (1908) I.F. Stravinski - Vene impressionismi üks tähelepanuväärseid maamärke. Selle teose assotsiatiivsus on nii suur, et mitte ainult ekstaatilise seisundi tunne ei kandu kuulajani. Temast saab justkui kogu "aktsiooni" osaline, ehitades oma mõtetesse terve rea "pilte", mis on seotud erinevat tüüpi ilutulestikuga. Kõikvõimalikud ilutulestikud, plaadimängijad, purskkaevud, kaskaadid, raketid, pallid, plahvatuste efektid, plaksud on "kuuldavad" erinevates esitustehnikates, tämbrivärvides, heli tekitamise meetodites. Nende hulgas - värvilised roll callid, pizzicato, jete, divisi tehnikad keelpillidele, suletud helid sarvedele, mängimine taldrikutel timpanikangidega. Suur tähtsus on sädelevate tämbrite kasutamisel: kellad, kolmnurk, harf, taldrikud, tselesta kõrges registris (selline helikvaliteet on lähedane O. Respighi sümfoonilise poeemi "Rooma purskkaevud" värvidele). Stravinski fantaasia särav assotsiatiivsus saavutatakse dünaamiliste, tempoliste, harmooniliste vahenditega. Vähenenud harmooniatega ("Ilutulestiku" põhiline konstruktiivne element), kapriissete teemade "käänakutega" laiendatud tonaalsuses, kromaatiliste lõikude "keerdumisega" lummav helilooja loob hämmastava koloristliku tegevuse. Oma hapruse tõttu tunduvad näidendi kolm lõiku hägused. Isegi kontrastsed tempod, tekstureeritud muutused ei suuda neid kuulaja tajus eristada. “Ilutulestiku” värvikad “täpid-löögid”, voolavus, kapriissus, tekkivate kujundite-assotsiatsioonide ettearvamatus loovad ilutulestikufestivalist impressionistliku pildi. Samas ei püüa Stravinski erinevalt Ljadovist värvilistes tulekaskaadides "lahustuda". Pigem iseloomustab seda ühtsus Maailma ja Maailmanägemuse vahel. Helilooja tähelepanu keskmes on rõõmustav Inimene – tema ise ehk rahvahulga kangelane, kes on vaikides oma näidendis kohal, või kuulaja, kes imetleb, imetleb ja naudib esitust. Impressionismi I. Stravinskit iseloomustab suuremal määral läänelik mõtlemine. Tema ooper "Ööbik" ja ballett "Tulelind" on selle ilmekaks kinnituseks. Tulilinnu balleti värvikates kujundites ei kombineerita vastandlikke jooni inimestest (folkloorne) ja muinasjutulistest olenditest (impressionistlikud). Ja kuigi teise rea lahendas helilooja Rimski-Korsakovi traditsioonide vaimus ja esimene pole värviküllane, ei sulandu need omavahel ja inimene ei "lahustu" lummatud maastikes. Kaštšejevi kuningriigist. Võib-olla on see Igor Fedorovitši nii iseloomuliku avatuse põhjus tolle aja kõige erinevamatele tendentsidele: kogu oma elu jooksul esineb ta oma loomingus vene mehena, kes jagab meiega oma muljeid, sealhulgas viimase helilooja muljeid. tehnikaid.

Paljudes töödes Nikolai Tšerepnin Vene perioodist on harmooniline kombinatsioon "eksootilis-romantilisest" traditsioonist prantsuse impressionistide mõjuga (sketš orkestrile muinasjutule tulelinnust "Nõiutud kuningriik", "Muinasjutud", kuus muusikalist illustratsiooni A. Puškini muinasjutu "Kalamehest ja kalast" jaoks, ballett "Nartsiss ja kaja", näidendid "14 sketši venelasele" ABC piltides "Aleksander Benois". Tulelinnu muinasjutu "Nõiutud kuningriik" (1910) sketš orkestrile on paljuski kooskõlas "Võlujärvega". Nagu Ljadov, keskendub Tšerepnin oma tähelepanu õhtu- ja öiste maastike hetkedele, nende teisenemisele ja lummuse seisundile, mida keegi ega miski ei saa katkestada. Neid absolutiseerides saab heliloojast kas kunstnik-dekoraator või üldpilti lähemale või kaugemale toov operaator, muul juhul aga maastikku erinevates välgudes näitav valgustuskunstnik. Kõigi temaatiliste elementide "idandamine" ühest "terast", mis on sukeldatud eredatesse tämbritesse ja harmoonilistesse värvidesse, loob staatilise liikumise efekti. Tausta vahelduv segamine ja esiletõstmine reljeefiga demonstreerib hämmastavaid muljeid impressionistlikust, lapselikult naiivsest muinasjutulise mõtisklusest. Mõtisklemise (unisuse) õhkkond saavutab helilooja värvimismeetodi abil. Staatiline muusikapilt "maalitakse" pika imetlusega ühe värvi vastu (enamasti seostatakse selliseid värve täistooni skaala kasutamise ja suurenenud triaadiga). Tämber tähendab nagu ükski teine, et aidata tugevdada kompositsiooni helilist külge. Arvukad keelpillide (muffide, divisi, soolo, col legno jne), puhkpillide ja selliste värvikate instrumentide nagu kellad, tšelesta, ksülofon, harf, klaver kõlamise meetodid annavad sonorandile lähedase impressionistliku "tunde". Just neile on määratud oluline funktsioon: näidata helki, valgust-varju, värvide mängu jne. Tšerepnini impressionistlike meetodite kehastuses, mis on suunatud muinasjutulisuse, looduse ja unistuste teemade elluviimisele, saab jälgida mitte ainult looduskeskset, vaid ka isikukeskset maailmapilti. Eelkõige ei säili alati assotsiatiivsus miniatuuris, mis on allutatud Inimese "lahustumisele" maailmas (nagu Ljadovi puhul). Näitena võib tuua teema "Tulilinnu laulud", kus saab rääkida subjektiivse mina domineerimisest maailma üle (nagu Debussyl). Djagilevi "Vene aastaaegadele" kirjutatud balleti "Nartsissus ja kaja" partituur kuulub Tšerepnini kui sümfonisti kõrgeimate saavutuste hulka ning uut tüüpi balletipartituuri hulka, mille muusikalise stiili määras pildiline ja pildiline printsiip. Enam ei ole ümardatud klassikalise balleti numbreid. Esile tuli impressionistlik plastik, visuaalne mulje, maalilisus, omamoodi dekoratiivpaneelide staatika. Ljadovi lastelaulude traditsiooni jätkates toob Tšerepnin "Muinasjuttudes" sellesse omaenda uusi, vabalt kombineerivaid folkloori elemente ja kaasaegseid muusikalisi ja visuaalseid võtteid: kapriisne harmoonia, kapriissed rütmid, sketšimeloodiad jne. assotsiatsioonid Debussy teostega on vaimukalt ja peenelt kasutatud. ABC muusikalistes illustratsioonides lõi Benoit Cherepnin galerii lapse kujutlusvõimet lõbusatest piltidest ja kujunditest, mille hulgas on kõige eredamad pildid loodusest ("Mets"), kaugetest riikidest ("Egiptus") ja muinasjutud. ("Arap", "Baba Yaga"). Lavastus "Arap" taasloob ilmekalt vene laadaetenduste karakterit – võltsitud tünnioreli saatel tantsivat arapi, kelle välimuses aimatakse Stravinski "Petruška" stiili teatud elemente. Lavastus "Baba Yaga" on samuti suurejooneline. Kujutiste fantastilist olemust - Baba Yaga lendu harjavarrel ja tema hoogsat vilet - rõhutavad kolmerealise, justkui "orkestri" esituse tehnika.

Huvitavad impressionistlikud tendentsid, mis avaldusid loovuses Sergei Prokofjev... Nii et juba "Sügis" äratab ellu tuntud kujundid, mis tekkisid varem Rimski-Korsakovi "Kaštši surematus", kuid näidendi sünge impressionism (pärineb Rahmaninovi "Surnute saarest") kõigi oma atraktiivsete joontega, on Prokofjevile tegelikult vähe iseloomulik. "Inetu pardipoja" ja "Viis luuletust Anna Ahmatova luuletustel" muusikas on mingis "põgususes" midagi akvarelli, mis tuleneb pehmest, impressionistlikust särast, milles avaldus helilooja kasvav iha laulutekstide järele. "Sküütide süidi" partituuri pani Prokofjev kogu selleks ajaks kogunenud orkestrikirjutamise oskuse, mis kujunes välja vene klassikaliste traditsioonide alusel, kuid oli mingil määral rikastatud impressionismi mõjudest (tajutud peamiselt Stravinski kaudu). , eriti " , asetades pildi taustale ilma neid üksteise külge spetsiaalselt kinnitamata "(V. Karatõgin).

Erinevalt Peterburi koolkonna heliloojate teostest esinevad Moskva autorite loomingus impressionistlikud meetodid koos teiste, mitteimpressionistlikega ning alluvad üksikute autoristiilide esteetilistele kontseptsioonidele (ja palju suuremal määral). kui Peterburi kolleegide töödes). Mingil määral võib neid siiski näha ka impressionismi mõjusfääris. Mõned neist näidetest sisaldavad mõnda loomingulist lehekülge S. Rahmaninova("Särav puhkus" I süidist 2 klaverile, vokaal-sümfooniline poeem "Kellad", palju romansse (Sirel, Ostrovok jne), Etüüdid-maalid), A. Skrjabin(Prelüüdid op. 11, "Poeem-Nokturn" op. 61, 4., 5. ja 10. sonaat, Prometheus), A. Stanchinsky(mõned numbrid Twelve Sketchesist, Nocturne), mõned teosed M. Gnessin, G. Catoire.

Kirjutistes Rahmaninov impressionistlikud jooned ilmnevad ainult muusika väljendusvahendite tasandil, eriti kellamängu teema elluviimisel, mille osinaline kordus kahe septakordi taustal (moll duur ja moll vähendatud) taastoodab impressionistlikku sära, lähedane. erineva suurusega kellade helina saatel. Kellakellade välise jäljendamise taga on aga mõtleva Inimese keerulised psühholoogilised protsessid, mille eesmärk on omandada teatud tähendus ja olemus, Inimese, kes otsib vastuseid keerulistele eksistentsi küsimustele. Seda peetakse rahvasaadik Mussorgski traditsiooniks, kes suutis kroonimise stseenis Boriss Godunovist kellamängu abil kehastada troonile tõusva tsaari kahtlusi ja tundeid. Rahmaninovi tähelepanu keskmes on Mees, kes kuuldava kellahelina mõjul leiab endas sobivad emotsioonid ja see on looduskeskse maailmavaate traditsioonis kooskõlas impressionismiga. Sellistele emotsioonidele annab helilooja aga lisatähendusi, mistõttu ei teki vastupidist ühtsust Maailma ja Maailmanägemuse vahel. Maailmas "lahustuda" püüdev inimene ei sulandu sellega, vaid jääb igavesti otsivaks ränduriks, kes on pühendunud kõrge eesmärgi teenimisele. Selle tulemusena osutub Kolorismi impressionistlik meetod Rahmaninovi jaoks sümbolistliku kontseptsiooni-idee edasiandmise viisiks. See impressionismi tõlgendus (ainult muusikalise väljendusvahendite tasandil) teostes Moskva koolkonna heliloojad on domineeriv. See on suuresti tingitud P.I.Tšaikovski ja S.I. Sama on täheldatav ka nende järgijate oopustes: muusikuid köidavad subjektiivsed kujundid, mis on täidetud sisemise psühhologismiga. Pole üllatav, et "eksootilis-romantilise" traditsiooni rakendamine moskvalaste loomingus toimub vaid juhuslikult ja on allutatud teistele esteetilistele ülesannetele.
Sellegipoolest jõuavad mõned autorid, näiteks I. Golubenko artiklis “Levitan ja Rahmaninov: lüüriline “meeleolumaastik” ja vene impressionism, järeldusele, et kahe meistri teoste sisu on varustatud impressionistliku “heliga”. . Veelgi enam, just vene impressionismi "heli", mille spetsiifilisuse määrab tema arvates nende lüürilisus. "Meeleolude maastikud", mis ei muutu mitte ainult esmamulje fikseeritud hetkeks, vaid toimivad ka "ümbritseva maailma ja inimese koha selles tunnetamise vahendina, vahendina" dialoogiks "looduse ja selle" vaikse elukohaga ", kus hing leiab rahu ja puhkuse"

Eelkõige on iseloomulik selline pöördumine impressionistlike vahendite poole A. N. Skrjabin... Olles järk-järgult veendunud oma kõrgemas missioonis müsteeriumi loojana, hakkas helilooja kasutama neid üksnes kunsti maagiliste omaduste rõhutamiseks. Ekstaatilisele impulsile allutatud impressionistlik helikiri "tõlkis" tema poolt müstiliste, maaväliste, universaalsete dimensioonide perspektiivi. Impressionistliku sära kasutamine teiste esteetiliste "hoiakute" raames on iseloomulik ka G. L. Catoire'i teostele (näiteks romanss "Videvik"), mõned N. K. Medtneri "Muinasjutud"., üksikud näidendid A. V. Stanchinsky jt "Kaheteistkümnest sketšist".

Samas on mõnes Moskva kompositsioonikoolkonna esindajate töös märgata ka peterburglaste impressionismi mõju. Niisiis, lähedane "eksootilis-romantilisele" traditsioonile on V. S. Kalinnikov(Esimese sümfoonia teise osa sissejuhatus). Loomingulisus on omapärane erand. Sergei Vasilenko, mis neelas ka Peterburi heliloojate loomingu traditsioone ja põhimõtteid. Tema sümfoonilistes poeemides "Surma aed", "Nõidade lend", "Hiina süit" saab jälgida mitte ainult impressionismi tehnikate, vaid ka selle esteetika kehastust. Eriti näitlik on tema näidend "Kuldsete järvede kajad" "Hiina süidi" 6. osast. Vaatamata lähedusele "helgele pühale" puudub siinsel kellahelina tõlgendusel sümbolistlik "alltekst": näidendi kontseptsioon näib olevat analoogne Peterburi autorite impressionismiga (selle looduskeskse maailmapildiga). . Absolutiseerides kellade ja pühade kivide helide jäljendamise hetked, püüab Vasilenko anda kuulajale edasi looduse hingeõhku: kerge tuul, päikesevalgus, läbipaistev vesi, kajav meloodiline helin. Seda maastikku tajutakse visandina teatrimaastikust, mida helilooja "näeb" oma erapooletu ilmega ja demonstreerib Hiina kultuuri harmooniat, ühendades kõik oma mõtiskluse ja unenäolisusega. Sellele on sihitud ka koloristilised vahendid (helina ja pehme kõlaga tämbrite kasutamine; figuratsiooni ostinaalne kordamine harfi ja klaveri pentatoonilise skaala üksikute helide järgi). Moskva koolkonna heliloojate üksikteoste uurimine näitab, et neis on ka impressionismi jooni. Neis näidatud hetke absolutiseerimise meetodid ja kolorism toovad kaasa ruumitunde, mõtisklusseisundi, unenäolisuse. Kuid Moskva koolkonna heliloojad ei kasuta neid meetodeid alati täiel määral, sest sageli seavad nad endale ülesandeks täiesti mitteimpressionistliku esteetika.

Venemaa ajaloo üleminekuprotsessid (mitte ainult XIX - XX sajandi vahetusel, vaid ka kogu XX sajandil) määrasid impressionismi kui segase ja kiire arengu lühikese aja jooksul (ainult umbes kümne kuni viieteistkümne aasta jooksul) ja selle pika aja jooksul. -järgneva saatuse kannatamine (ülenduse imetlemisest põlgliku eitamiseni). Raske on ette kujutada, kuidas oleks kujunenud impressionismi voolu saatus, kui poleks olnud saatuslikke revolutsioonilisi sündmusi Venemaal; kui I. Stravinski (1914), S. Rahmaninov (1917), N. Tšerepnin (1921) poleks kodumaalt lahkunud; kui N. Rimski-Korsakov ja A. Ljadov, samuti G. Catuar, V. Rebikov, A. Skrjabin, A. Stantšinski oleks kauem elanud. Ja ometi jäid Venemaale nende heliloojate sõbrad, õpilased, poolehoidjad ja järgijad. Seetõttu pole üllatav, et impressionistlikke meetodeid saab jälgida Venemaa meistrite töödes ja muudes esteetilistes tingimustes. Impressionism avaldub hiljemgi mitmete heliloojate loomingus: A. Aleksandrovi, S. Vasilenko, V. Deševovi, A. Džegeljonoki, L. Knipperi, A. Kerini, N. Rakovi, A. Hatšaturjani, S. Feinbergi loomingus. , A. Shenshin, B. Shekhter. Avangardi "esimese laine" esindajad oma varases perioodis ( A. Mosolov, N. Roslavets ja jne). Nende loomingus on impressionistlik printsiip olemas ka teistes esteetilistes tingimustes: uute väljendusvahendite otsimisel. Impressionismi mõju on jälgitav küpsetes teostes S. Prokofjev a (Stseenid ooperist "Armastus kolme apelsini vastu", "Tulise ingli" mõned harmoonia- ja orkestritehnikad, Viis meloodiat viiulile ja klaverile, isegi nii hilisloomingus nagu 8. klaverisonaat). Varastes sümfooniates N. Mjaskovski(8., 12. jne), on näha Debussyle omaseid harmoonilisi tehnikaid, kuni eksplitsiitsete tsitaatideni välja, nagu näiteks 12. sümfoonia alguse teema "Pilvedest". Georgi Sviridov aastate loomingus ("Poeem Sergei Yesenini mälestuseks", "Kurski laulud" jt), jätkates Mussorgski, Borodini (osaliselt ka Debussy ja Stravinski) otsinguid loodus-modaalse harmoonia vallas, vaba Euroopa duur-molli traditsioonilisest funktsionaalsusest, kasutas erinevaid kvart- ja sekundaarakorde, bi- ja polüfunktsionaalseid komplekse, millel on puhtalt koloristlik tähendus. Neis Sviridovi teostes sulandus orgaaniliselt folgiga värvikas staatika ja tämbriline keerukus, impressionistlik algus.

Impressionistlike meetodite spetsiifilist rakendamist võib täheldada heliloojate loomingus 20. sajandi teisel poolel - R. Štšedrin, A. Ešpaja, R. Ledeneva, N. Sidelnikova, E. Denisova. Hetke absolutiseerimise meetodi ülekaal R. Štšedrini kontserdil orkestrile "Zvony" on ilmne. Andrei Eshpai mõjud ja seotus prantsuse heliloomingukooliga määrasid osaliselt tema stiili sellised jooned nagu harmoonilise keele sära, maaliline esitus, keerukus. Impressionistlikku mõju on tunda ka N. Sidelnikovi Vene muinasjuttudes. Siin on jälgitav värvitehnika ülekaal. Heliloojale on lähedasem püüdlus iseloomulike "lugude" – sketšide – värvika kõlapildi poole. Mõlema impressionistliku meetodi harmoonilise kombinatsiooni leiab R. Ledenevi loomingust. Võib-olla seetõttu nimetavad teadlased tema autori stiili "uusimpressionistlikuks". Üldiselt võib hetke absolutiseerimise meetodi kehastuse leida sellistest kompositsioonitehnikatest nagu ruumimuusika, minimalism. Sellele meetodile omane meditatiivsus aitab kaasa ka selle tungimisele kaheteistkümne tooni tehnikatesse ja aleatoorikasse. Koloristika meetod oli sonoristika arengu üks põhialuseid. Selle tulemusel pikeneb impressionismi "elu" tänapäevani, mis säilitab oma atraktiivsuse edasiste uurimistööde jaoks.

Nagu terminoloogiline aparaat iseloomustades selle stiili esteetika omadusi, võite võtta kujundlikud, kuid tabavad ja kokkuvõtlikud formulatsioonid, mille L. Leroy on kunagi "hüljanud": "mulje", "puudulikkus", "vabadus" ja "pehmus". Impressionismil on kaks meetodit – "hetke absolutiseerimine" ja "kolorism". Esimene seostub muusikateoste semantilise tasemega (teema ja kujundlikkus), selle vormide ja žanritega ning on suunatud selliste esteetiliste omaduste realiseerimisele nagu soov edastada muljeid ja mittetäielikkuse põhimõte. Teine, muusika väljendusvahenditega (temaatika, tekstuur, harmoonia jne) ning paljastab kehastuse "vabaduse" ja "pehmuse" omadused. Muusikalise impressionismi uurimine vene heliloojate loomingus, võttes arvesse maailmavaadet ja esteetilisi positsioone, võimaldab kindlaks teha selle mõningaid tunnuseid. Möödunud sajandi esimesel kahekümnel aastal loodud oopustes realiseeruvad impressionistlike teoste üldiste euroopalike omadustega sarnased hetke ja koloristika absolutiseerimise impressionistlikud meetodid. Kuulaja meelest tekib ka ümbritseva maailma muljete värvika koloriitsuse atmosfäär, aeg peatub, vaevumärgatavad õhu-, veevõnked tekivad ning iga järgnev värv on heliloojalt inspireeritud uue "muljega.

Impressionismi kui kunstilise nägemuse tüübi rekonstrueerimine ja selle võrdlemine vene mentaliteediga toob välja selle suundumuse maailmavaatelised aspektid Venemaal.

Impressionismi esteetika põhineb trendil, mille eesmärk on väljendada inimese ideaalset positsiooni maailmas. Sellega kooskõlas areneb loomeprotsess: teose kallal töötades eelistab helilooja kehastada ümbritseva maailma optimistlikke muljeid. Impressionistlike teoste kontseptsioonides määravad sellised muljed mitmed esteetilised väited: Maailma ühtsus ja Maailmanägemus; Inimliku rõõmu tunnetus seoses Maailmaga; Maailma tajumise vahetus (lapselikkus); maailma ilu. Nende sätete tõlgendus erinevates rahvuskoolides on erinev, seega on lääneeurooplase, eriti prantsuse traditsiooni jaoks selle ettemääranud subjektiivse mina väljendunud domineerimine maailma üle, isikukeskne maailmavaade. Vene traditsioonis kaasneb Inimese ja Maailma interaktsiooniga kõige sagedamini subjektiivse mina "lahustumine" maailmas ja seda defineeritakse kui looduskeskne maailmavaade... See osutub kokkusobivaks selliste vene inimese mentaliteedile iseloomulike tunnustega nagu Vene maa ruumiavaruste eriline tunnetus, võime peaaegu paganlikku, kuid samal ajal idealiseerida, poeetiliselt tajuda ja vaimstada maailma. tema ümber. Samal ajal toimusid Venemaa ja Prantsusmaa vahel "kultuurivahetuse" protsessid. See võimaldas järeldada, et vene kultuur, sõltumata Prantsuse mõjust, võib iseseisvalt arendada impressionismile lähedase esteetilise kontseptsiooni.
Analüüsides vene ja prantsuse heliloojate impressionistlikke teoseid, saate neid tuvastada sarnasused... See järjekindla jutuvestmise ja tugeva kontrasti puudumine; maali eelistamine (sageli visandlike tunnustega) žanritõlgendustes; soov "varjata" vormi piire, selle personali. Koloristliku meetodi tasandil on see rakendus koos kontsentreeritud hajutatud temaatikaga; reljeefi ja tausta ühtlustamine; huvi ilming värviliste akordide (suurendatud, vähendatud), erivärviliste (terviktoonilised, sümmeetrilised, pentatoonilised), tämbrite vastu, mis toovad muinasjutulise atmosfääri (kellad, tšelesta, harf jne) ja aitavad kaasa assotsiatiivsusele. ja mõnikord ka heli visualiseerimine.

Samal ajal on rõhk sellel impressionismi rahvuslikud jooned... Eelkõige moodustatakse need vene kompositsioonikoolis selle "eksootilis-romantilise" traditsiooni raames., On küllastunud erilise maitsega: vene laulufolkloori intonatsioonikeskkond, eepose ja orientalismi tunnused... Momendi absolutiseerimise meetodi rakendamisel saab jälgida järgmiste teemade ülekaal: muinasjutulisus või mütoloogia, unenäod, pühad, loodus. Muinasjutulisuse kehastamise traditsioonid pani paika M.I. Glinka (Ruslan ja Ljudmila - Ljudmila röövimise stseen) ja leidsid oma loogilise jätku Ljadovi "Võlujärves", Tšerepnini "Nõiutud kuningriigis", Stravinski "Tulilind" jt. muinasjutu lähedus, mis väljendub selliste elementide külgetõmbamises kujundlikust transformatsioonist kui ilmumisest, muutumisest ja kadumisest (Narcissose lilleks muutumise hetk Tšerepnini "Nartsissuses ja kajas"). Lisaks seostub unenäo temaatika lastele mõeldud teostega ja lastest (Mussorgski "Lasteaed", mille traditsioone jätkas Tšerepnin vokaaltsüklis "Muinasjutud"), aga ka enamiku vene heliloojate armastusromaanidega. .
Loodusteema tõlgendamise näitel võib näha erinevust impressionistliku ja mitteimpressionistliku traditsiooni käsitlustes. Kui 19. sajandi esteetikas mängis loodus Inimese emotsionaalsete murrangute tausta rolli (tuisu stseen Glinka ooperi "Ivan Susanin" IV vaatuse finaalis), või esines see kontrastina. inimkogemustele (nokturn "Kuuvalgus" Rimski-Korsakovi ooperi "Pan Voivode" vaatuses), siis impressionistlik esteetika oma looduskeskse vaatega eeldas, et helilooja, edastades muljeid teda ümbritsevast kaunist maailmast , näis selles "lahustavat", elavdades seda ja leides selles sisemise, sageli muinasjutulise elu (Tšerepnini "Narcissus ja kaja", "Ljadovi võlujärv", Kuldsete järvede kaja VI osast" Hiina sviit "Vasilenko jne).

Nii et teeme kokkuvõtte tulemused... Impressionism Venemaal 19. ja 20. sajandi vahetusel ei olnud mitte ainult prantsuse kultuuri mõju tulemus, vaid sellel oli ka oma arengutee. Selle geneetiline alus on jälgitav 19. sajandi vene muusika "eksootilis-romantilises" traditsioonis, mis määrab rahvusliku eripära. Selle tulemusel tekkis impressionism Venemaal terviklikku kunstiliikumist, mille tunnusteks olid:
20. sajandi esimese kahekümne aasta Venemaa kohalolek, suhteliselt tihedalt seotud heliloojate seltskond, kes on oma esteetilistelt vaadetelt impressionismile lähedal, sealhulgas Stravinski, Tšerepnin, Vasilenko, Ljadov, Prokofjev jt;
mitte ainult tehniliste tehnikate, vaid ka esteetika avaldumine nende heliloojate muusikalises loomingus, mis on sarnane prantsuse muusikalise impressionismiga;
impressionismi kujunemine, selle kujunemine vene muusikas on otseselt seotud Rimski-Korsakovi loominguga (kirjanduslik, muusikaline), millel on impressionismi tunnused;
vaatamata deklareeritud manifesti puudumisele, mis võiks olla muusikute ühendamise tsementeeriv tegur selles suunas, on ilmne, et sellise liidu analoog tekkis tänu Rimski-Korsakovi pedagoogilisele ja ühiskondlikule tegevusele.
- impressionismi päritolu Venemaal on "eksootilis-romantilises" traditsioonis;
- impressionismi arenguteel vene muusikas oli kaks "tendentsi: esimene oli konkreetselt määratud vene maailmapildiga, nn looduskeskne ja seostatud" eksootilis-romantilise "traditsiooniga, mis kujunes välja peamiselt Peterburis. Peterburi kompositsioonikool; teine, läänelikule impressionistlikule maailmavaatele lähedane ja väitekirjas inimkeskseks märgitud - akumuleeris Moskva koolkonna heliloojate traditsioone;
- muusikalise impressionismi stiilitunnused on suunatud esmamulje edasiandmisele ja on seotud hetke absolutiseerimise impressionistlike meetodite rakendamisega (teemade, ideede ja kujundite, žanri ja vormi tasandil) ja kolorismiga (muusika vahendeid kasutades). väljendus);
- eelmainitud Venemaa muusikalise impressionismi stiilijooned on spetsiifilised, kuna toovad esile vene laulufolkloori ja orientalismi hõngu, eepilisi jooni ja teatraalset visandlikkust meenutavaid omadusi.
- vene inimesele omane hingestatus, mõtisklev suhtumine loodusesse, eriline ruumitunnetus - Vene maa avarus, aga ka võime peaaegu paganlikku, kuid samal ajal idealiseeritud, poeetiliselt vastu võtta ja vaimstada maailma. nende ümber on lähedased impressionistlikule kunstilisele nägemusele. Impressionismi esteetiliste sätete rakendamine vene heliloojate teostes toimub teatud teemade abil: muinasjutulisus või mütoloogia, unistused, pühad, loodus.

Impressionismi uurimine Venemaal pole kunagi olnud süsteemne. Kuigi sajandi alguses, lühikesi tähelepanekuid impressionismist kontsertide kriitiliste märkuste raames ( V. G. Karatõgin, V. I. Sokalsky, Yu. D. Engel), uued noodid ( B. V. Asafjev, V. V. Deržanovski), üksikute heliloojate loomingule pühendatud artiklid (BV Asafjev, VG Karatõgin), kõlab mõte, et vene heliloojate impressionistlike otsingute võrsed on juurdunud uue vene koolkonna esindajate loomingus, impressionismis nägid nad peamiselt märke. dekadents, 1930. aastal - formalism, sõjajärgsetel aastatel - kosmopolitism. Objektiivsetel põhjustel suhtusid teadlased nõukogude ajal umbes viiskümmend aastat äärmiselt ettevaatlikult teemadesse, mis ühel või teisel moel olid seotud impressionismi avaldumisega. Kuni 1956. aastani (NLKP XX kongress) domineeris uurimistöödes (S. P. Varšavski, D. B. Kabalevski, P. I. Lebedev, J. Reinhardt jt) negatiivne ettekujutus impressionismist kõigis kunstiliikides. Selle positiivne hinnang ( B. V. Asafjev, Yu. V. Keldõš, Kreml ja teised) on hukka mõistetud ja mõnikord mängib see teadlaste saatuses saatuslikku rolli (vallandamine D. V. Žitomirski Moskva konservatooriumist;). Pöördepunktiks Venemaa impressionismi mõtteloos oli 1957. aasta märtsis toimunud arutelu, kus revideeriti "nõukogude kunstiajaloos aset leidnud ühekülgsed, valimatult negatiivsed hinnangud impressionismile". Seda arutelu oodates, I. Nestijev avaldas konservatooriumi ajalehes "Nõukogude Muusik" 4. märtsiks oma avasõna kokkuvõtte, milles tõi välja revideerimist vajavad võtmeküsimused. Artikli üks olulisi sätteid on arusaam impressionismist kui vene muusika suundumusest. Selle tulemusena hakati 1950. aastate lõpus uurima prantsuse impressionistide heliloojate loomingut. Kuid impressionismi eripärad vene muusikas jäävad uurijate tähelepanu alt välja. Ilmselt oli nende ettevaatlikkuse põhjuseks mälestus ideoloogilise surve all olevate teadlaste tegevuse keerulistest asjaoludest: nad mainivad I. F. Stravinski "vene" teostes vaid impressionistlikke jooni. V. V. Smirnov ja B. M. Jarustovski, S. S. Prokofjeva - I. V. Nestiev; osutatakse impressionismi ilmingule A. K. Ljadovi "Võlujärves". N. V. Zaporožets ja M. K. Mihhailov; impressionismi ettenägelikkus M.I.Glinka töödes märgib O. E. Levasheva, M.P. Mussorgski - V. P. Bobrovsky, M. D. Sabinina jne. Märkimisväärne sündmus impressionismi uurimisel Venemaal oli V. A. Filippovi väitekirja kaitsmine (1974), mille teemaks oli vene impressionism maalikunstis. Kunstikriitik jälgis impressionismi kujunemislugu Venemaal, sealhulgas 19. sajandi esimese poole ja nõukogude perioodi kunstnike loomingut. Nõukogude järgset perioodi iseloomustavad mitmed kodumaiste kulturoloogide (O. Yu. Astakhov, M. G. Dyakova), kunstikriitikute (N. S. Džumanijazova, O. I. Selivestrov), filoloogide (V. E. Fedotova), filosoofide (Yu. .) uurimused. Grieber), muusikateadlased ( T. N. Levaya), milles lünki impressionismi spetsiifika uurimisel hakatakse tasapisi täitma.

Kasutati Aliya Saduova lõputöö materjale. 2002 a

http://files.mail.ru/FC51L1
Artikkel ilma lühenditeta pdf-is

Muusikaline impressionism arenes välja impressionismi maalivoolu põhjal. Traditsiooniliselt peetakse Claude Debussyt ja Maurice Ravelit impressionismi esindajateks muusikas.

Impressionistlike heliloojate muusikas oli põhiline sümbolite tähenduse omandavate meeleolude ülekandmine, välismaailma mõtisklusest tingitud peenpsühholoogiliste seisundite fikseerimine. Muusikaline impressionism oli lähedane ka sümbolistlike poeetide kunstile oma "sõnastamatu" kultusega.

Muusikalise impressionismi eelkäija oli 19. sajandi hilisromantism. Paljud romantiliste heliloojate muusikalised avastused kajastusid impressionistide muusikas.

Romantiliste heliloojate suurenenud huvi antiikaja ja kaugete maade poetiseerimise, tämbri ja harmoonilise sära, arhailiste modaalsüsteemide elluäratamise, miniatuurižanri, E. Griegi, N. A. Mussorgski koloristiliste leidude vastu.

Üks kriitik kirjutas: "Kuulades impressionistlikke heliloojaid, tiirlete enamasti uduselt sillerdavate helide ringis, mis on õrn ja habras kuni selleni, et muusika hakkab ootamatult dematerialiseeruma ... jättes vaid pikaks ajaks hinge veetlevate eeterlike nägemuste kajad ja peegeldused. ”…

IV Nestiev kirjutab oma artiklis "Impressionism": "Muusikaline impressionism aitas kaasa paljude muusikažanrite arengule, mis asendasid romantismi. Sümfoonilises muusikas on need sümfoonilised sketšid-sketšid, klaverimuusikas - tihendatud programmi miniatuurid, vokaalmuusikas - vokaalminiatuurid. Ooperis sündis see poollegendaarse sisuga muusikaliste draamade loomiseni, mille heliatmosfääri lummav delikaatsus, ihnus ja vokaalse deklamatsiooni loomulikkus.

Muusikalised leiud ja improvisatsioon impressionistlike heliloojate muusikas avasid tee uutele muusikalistele väljendusvahenditele. Ebatavaline harmoonia, paralleelsuste kasutamine, keeruliste akordikomplekside kombineerimine nõrgendasid funktsionaalse ühenduse selgust. Kõik see võimaldas impressionistidel oma teoseid ebatavaliste värvide ja kaashäälikutega küllastada.

Esimest korda mainiti impressionismi seoses Debussy muusikaga 1887. aasta kevadel ja seda mõistet kasutati üsna negatiivses kontekstis. See rääkis süidist "Kevade" kahes osas naiskoorile ja orkestrile. Kahjuks pole selle teose partituur algsel kujul meie päevadesse jõudnud, kuid on teada, et selle esitus tekitas kultuurirahvas elevust.

Kriitik kirjutab oma aruandes Kaunite Kunstide Akadeemia kantslerile Debussyst: „Võib väita, et tal on muusikaline maitsetunnetus, kuid selle tunde liig paneb teda kergesti unustama täpsuse tähtsuse. joonisel ja kujul. Ta oleks pidanud väga vältima seda ebamäärast impressionismi – üht kõige ohtlikumat tõe vaenlast kunstiteostes.

Helilooja muusika võrdlemine kunstilise liikumisega pani kriitikud analüüsima muusikalisi uuendusi tema loomingus. Teine kriitik Camille Moclair nimetas ajalehes Revue Blue oma 1902. aasta artiklis "Musical Painting and the Fusion of Arts" Debussy muusikat "helilaikude impressionismiks".

Mõiste "impressionism", mida muusikakriitikud kasutasid 19. sajandi lõpus. hukkamõistvas või iroonilises mõttes, sai hiljem üldtunnustatud määratluseks ja hakkas XIX ja kahekümnenda sajandi vahetusel hõlmama väga erinevaid muusikalisi nähtusi. nii Prantsusmaal kui ka teistes Euroopa riikides.

Vaatame lähemalt impressionistide heliloojate Claude Debussy ja Maurice Raveli uuenduslikke muusikalisi leide.

Claude-Achille Debussy (1862-1918)

Grigory Mihhailovitš Schneerson nimetab oma raamatus "20. sajandi prantsuse muusika" Debussyt "päris prantsuse artistiks". Ta kirjutab, et Debussy rahvuslikku loomingulist kuvandit ei suutnud ükski välismõju muuta – see helilooja tõi prantsuse muusika maailma muusikakultuuri ühte juhtivale kohale.

Alates 1872. aastast Pariisi Debussy konservatooriumis õppides paistis ta oma klassi seas silma väljakujunenud kunstiisiksusena. Klaveriklassi õpetas talle kuulus pianist ja õpetaja Antoine Marmontel, solfedžot õppis ta Albert Lavignaci juures. Üle kõige ei meeldinud noorele heliloojale Emile Durandiga harmoonias ja saatel peetud tunnid. Õpetaja kasvatas noormehe klassikaliste harmooniareeglite järgi ega tulnud toime õpilase kunstiliste impulssidega. Teine õpetaja O. Basil julgustas tulevast heliloojat improvisatsioonivabadusele. Debussy kompositsiooni juhatas Ernest Guiraud alates 1880. aastast ja siis hakkasid ilmuma ka helilooja esimesed teosed.

Veidi varem kohtus Debussy Šveitsis ja Itaalias reisides jõuka vene filantroop Nadežda Filaretovna von Meckiga, kes tutvustas talle Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski loomingut.

Oma kirjades Pjotr ​​Iljitšile kirjutas proua von Meck Debussyst järgmiselt: „See on pealaest jalatallani pariislane, tüüpiline gamin (tänavapoiss), väga vaimukas, suurepärane jäljendaja, lõbusal ja täiesti iseloomulikul viisil. Gounod Ambroise Thomas ja teised, alati vaimus, alati ja ta on kõigega rahul ja muudab kogu publiku kujuteldamatuks; armastusväärne tegelane".

Tuleb märkida, et 1883. aastal sai Debussy kantaadi Gladiaator eest teise Rooma preemia. Aasta hiljem annab Prantsuse Akadeemia heliloojale kantaadi "Kadunud poeg" eest Suure Rooma preemia.

Alates 1885. aastast hakkas Debussy otsima oma originaalset muusikakeelt. Siis seisis ta opositsioonis klassikaliste harmooniatraditsioonidega. Sel ajal koges Prantsusmaa kunst koos erinevate kunstisuundadega akadeemilisuse ja auväärse konservatiivsuse stagnatsiooni. Seda tunnustasid ametlikud institutsioonid - kaunite kunstide akadeemia, iga-aastased näituse-salongid, talveaed.

19. sajandi lõpu noor kunstnike, kirjanike, muusikute põlvkond seadis väljakutse kunstis üldtunnustatud normidele ja avas oma loomingus uusi esteetilisi horisonte. Selles vallas tekkis prantsuse kirjanduses sümbolismi vool, maalikunstis impressionism.

Debussy stiil kujunes järk-järgult aastatel 1884–1889. Helilooja on loonud täiesti uue klaverikeele. Tema kaasaegsed märkisid, et pianist Debussy oli väga tähelepanelik teoste nüansside suhtes, ta pidas erilist tähtsust pedaalidele, mis lõid teostele erilise värvingu ja efektsuse. Siin on mõned muusikateadlaste väited: „Debussy tegi 20. sajandi klaverikirjanduse jaoks sama, mida Chopin 19. sajandi jaoks. Ta avastas klaveri uue kõla, tegi pianistlikus tehnikas revolutsiooni, laiendades instrumendi tehnilisi võimalusi.

Oma teoseid komponeerides võis helilooja pilli juures väga kaua improviseerida ning tema helilooja püüdlusi võib nimetada “kontrollitud improvisatsiooniks”. Selle termini võttis muusikalisse kasutusse J. Barracque.

Õpetaja R. Godet märkis: „Debussy hakkas alles siis muusikat salvestama, vähemalt kõige sagedamini siis, kui möödus pikk peiteaeg. Siis kirjutas ta justkui diktaadi all ja peaaegu ilma plekkideta.

1889. aastal alistus Debussy uutele kunstisuundadele, oli suunatud akadeemilisuse vastu ja muutis oma suhtlusringkonda. Nüüd huvitas heliloojat sümbolismi ideoloogia kirjanduses ja impressionism maalikunstis. Ta kohtus luuletajate S. Mallarmé, P. Verlaine'i, P. Rainieriga, kunstnikega: C. Monet, O. Renoir, P. Cezanne, E. Manet. Võib öelda, et Debussy suutis üldistada ja väljendada kõiki sümbolismi ja impressionismi ideid muusikas.

Samal ajal külastas helilooja Pariisi maailmanäitust, kus kuulis A. P. Borodini, N. A. Rimski-Korsakovi, M. A. Balakirevi ja M. P. Mussorgski vene muusikat.

Teine märkimisväärne sündmus helilooja elus oli tema tutvumine ida kultuuriga. Debussy oli üks esimesi, kes pöördus oma loomingus ida teema poole. Debussy, kes on temast tugevalt muljet avaldanud, kirjutab tsükli "Prints". Tsüklisse kuuluv näidend "Pagood" peegeldab ilmekalt ida kultuuri.

Kogu oma elu jooksul olid helilooja inspiratsiooniallikad kultuurisündmused mitte ainult Prantsusmaal, vaid kogu maailmas. Tuleb märkida, et prantsuse ja vene muusikakultuuride vastastikune mõju oli suuresti tingitud Sergei Djagilevi korraldatud "Vene aastaaegadest".

Debussy muusikaliste otsingute tulemused andsid tugeva tõuke uute muusikastiilide kujunemisele. Peamine põhimõtteline erinevus Debussy muusikakeele vahel oli väljendusvabadus ja sõltumatus muusikateoste klassikalistest vormidest.

Debussy klaveriloomingus on näha romantismi, aga ka prantsuse klavessini mõju. Peaaegu kõik Debussy teosed on allutatud “kontrollitud improvisatsiooni” põhimõttele.

Oma klaveriteoste salvestamisel kasutas ta esimesena heliloojatest üldise tunnustuse kolmandat rida traditsioonilise kahe asemel. See on üks viise visuaalse pildi vastavuse edastamiseks kuulmiskujutisele. Esimest korda kasutati kolmandat rida lavastuses "Õhtu Grenadas" ja näidendis "Sketchbookist".

Claude Debussy pianoforte uuendused määravad instrumendi klaverivõimaluste laienemine ja muusikalise teksti uus topograafia.

Maurice Joseph Ravel (1875-1937)

Ravel oli helilooja, kelle loomingus ühendati kaks kultuuri – Hispaania ja Prantsusmaa. Tema isa oli prantslane ja ema hispaanlane. Kogu oma täiskasvanuea elas Ravel Pariisis.

Aastal 1889 astus Ravel Pariisi konservatooriumi. Tema õpetajad olid: klaveriklassis - Pessar, kontrapunktiklassis - Zhedal, kompositsiooniklassis - Prantsusmaa silmapaistev õpetaja Gabriel Fauré. Õpingute ajal paistis noor helilooja kaaslastest silma helilooja mõtteviisi originaalsusega. Teda paelus modernism, sümbolistlike poeetide nagu S. Mallarmé, Velier de Lisle Adam jt looming.Raveli esimesed sammud helilooja alal polnud kerged.

Ta debüteeris 1898. aastal näidendiga "Habanera" kahele klaverile. Hiljem lisas Ravel Habanera oma Hispaania rapsoodia osana. Kuid kriitika tervitas uut heliloojat vaenulikult. Ebaõnnestumised Kunstiakadeemia konkursil aastatel 1901–1905 ei too kultuuriringkonnale tunnustust Raveli kui helilooja ande kohta.

Pärast konservatooriumi lõpetamist astus Ravel andekate noorte kirjanike, muusikute, kunstnike gruppi, kust leidis ustavad seltsimehed ja sõbrad. Selles rühmas oli põhiideeks võitlus rutiini vastu, uue kunsti loomise eest. Sellesse iroonilise nimega "Apache" seltskonda kuulusid suurepärane pianist Ricardo Vines, muusikakriitikud Emil Viermoz ja Mihhail Kalvokoressi, luuletaja Leon Paul Farg ja Tristan Klingsor jt. Noored ei jätnud vahele rohkem kui üks muusikaline kontsert, avaldas imetlust Debussy muusika, osales võitlustes muusikakonservatiividega.

Vene muusika võtsid apatšid vastu entusiastlikult ja entusiastlikult. Tristan Klingsor kirjutab: „Olime kõik venelastest lummatud. Borodin, Mussorgski, Rimski rõõmustasid meid ... ".

Raveli varased teosed "Pavane for the Death of an Infanta", näidend "Veemäng", vokaaltsükkel "Scheherazade" pälvisid tema kaasaegsete tunnustuse. Näidendit "Veemäng" võeti muusikalise impressionismi eeskujuks. Prantsuse kriitikud kaldusid uskuma, et Ravel on Debussy ideede järglane. Võitledes oma muusika pideva võrdlemisega Debussy omaga, pidi Ravel oma esialgseid leide kaitsma.

Aastatel 1905–1915 kirjutas Ravel "Sonatiini" ja palade tsükli klaverile "Peegeldused", vokaalsüidi "Looduslikud lood", "Hispaania rapsoodia" orkestrile, ooperi "Hispaania tund", balleti Daphnis ja Chloe jne. 1908. aastal oli "Hispaania rapsoodia" avalikkus ja ajakirjandus soojalt vastu võtnud. Pärast seda esilinastust Pariisis saavutas Ravel tunnustuse laiades muusikaringkondades.

Ravel tegi aktiivselt koostööd Russian Seasonsiga. Sergei Djagilevi tellimusel kirjutas helilooja balleti Daphnis ja Chloe. Vastupidiselt ootustele esietendus 8. juunil 1912 ballett suure võidukäiguga ja sellega kaasnes austusavaldus heliloojale. Prantsuse ajakirjandus, imetledes balletti, kirjutas selle muusika esitamise võimatusest väljaspool lava. Üks kriitikutest kirjutas: "Ilma tantsuta, ilma näitlejateta, ilma valguseta, ilma maastikuta tundub" Daphnis "väljakannatamatult pikk ...".

Õnneks on paljud kriitikud end eksinud. Mõnda selle balleti teost esitavad sümfooniaorkestrid endiselt eraldi ja need kuuluvad nende püsirepertuaari.

1913. aastal järgib Ravel Lääne-Euroopa muusika stiilisuundi. Tema muusikas on jälgitav muusikalise faktuuri lihtsus, mis puudutab eelkõige kammermuusika valdkonda. Ravel ei lahknenud kogu oma elu jooksul muusikas klassikalistest vormidest, tema loomingut iseloomustavad viivitavad meloodiad, rütmi ja meetrumi selguse järgimine.

Raveli muusikaline keel paljastab maailmale omamoodi "neoklassitsismi". Sõja-aastatel loobub Ravel impressionismi ideedest, sotsiaalsetest probleemidest, tema loomingus puudutatakse igapäevaelu teemasid, tema muusika on täidetud filosoofiliste mõtisklustega.

Raveli tuntuim teos on "Bolero". Esialgu mõtles helilooja etenduse välja, kuid selle esiettekanne ebaõnnestus. Publik ei võtnud helilooja uut teost omaks, kuid muusikaline teema "Bolero" võeti kergesti kätte.

Ravel oli üks esimesi heliloojaid, kes võttis vastu pakkumise kirjutada muusika filmile – Don Quijote. Helilooja kirjutas kolm laulu vene bassile Fjodor Chaliapinile, need laulud moodustavad väikese tsükli, mille ta nimetas "Don Quijote Dulcineale".

A. A. Alshvang märgib, et Raveli looming aitas kaasa Lääne-Euroopa muusikakultuuri põhisuundade määratlemisele. Raveli loomingu põhijooneks oli mitmekülgsete harmooniliste muusikaliste lahenduste leidmine, keerukamate kaashäälikute kasutamine, sagedane hilinemisega akordide kasutamine, millega helilooja uuendas traditsiooniliselt väljakujunenud harmooniliste süsteemi.

Raveli kunst, mis on läbi imbunud humanismist, on läbi imbunud rahvuslikust prantsuse maitsest. Sergei Sergejevitš Prokofjev tuvastas õigesti Raveli koha maailmamuusika ajaloos. Ta kirjutas: “Omal ajal, pärast sõda, ilmus Prantsusmaale seltskond noori muusikuid: Honegger, Millau, Poulenc jt, kes noore entusiasmi kuumuses väitsid, et Raveli muusika on oma aja ära elanud – tulid uued inimesed. , tuli uus muusikakeel. Kuid aastad möödusid, mainitud seltskond asus prantsuse muusikas omale kohale ja Ravel on endiselt üks suurimaid prantsuse heliloojaid ja üks meie aja märkimisväärsemaid muusikuid.

Mõiste "" rakendamine impressionism»Muusikale paljuski tinglik - muusikaline impressionism ei kujuta endast maalikunstis otsest analoogiat impressionismiga ega kattu sellega kronoloogiliselt (tema õitseaeg - XIX sajandi 90ndad ja XX sajandi 1. kümnend).

Impressionism tekkis Prantsusmaal, kui rühm kunstnikke – C. Monet, C. Pissarro, A. Sis-ley, E. Degas, O. Renoir jt – esines oma originaalmaalidega 70. aastate Pariisi näitustel. Nende kunst erines järsult toonaste akadeemiliste maalikunstnike silutud ja näotutest töödest: impressionistid tulid töökodade seinte vahelt vabasse õhku, õppisid taasesitama looduse elavate värvide mängu, päikesekiirte sädelemist, mitmevärviline sära liikuval jõepinnal, piduliku rahva kirevus. Maalijad kasutasid spetsiaalset põgenevate laikude-pintslitõmmete tehnikat, mis tundus lähedalt korratu ja tekitas eemalt tõelise tunde elavast värvidemängust, veidratest valguse ülevooludest. Vahetu mulje värskus oli nende lõuenditel ühendatud psühholoogiliste meeleolude peenuse ja rafineeritusega.

Hiljem, 80ndatel ja 90ndatel, leidsid impressionismi ideed ja osaliselt selle loometehnikad väljenduse prantsuse muusikas. Kaks heliloojat - K. Debussy ja M. Ravel - esindavad kõige eredamalt impressionismi voolu muusikas. Nende klaveri- ja orkestrisketšides väljenduvad erilise harmoonilise ja modaalse uudsusega aistingud, mida tekitab looduse mõtisklus. Surfi heli, oja loksumine, metsakohin, hommikune lindude sirin sulavad nende teostes kokku teda ümbritseva maailma ilust armunud muusik-luuletaja sügavalt isiklike kogemustega. . Mõlemad armastasid rahvamuusikat – prantsuse, hispaania, idamaist, imetlesid selle ainulaadset ilu.

Muusikalises impressionismis on peamine sümboli tähendust omandavate meeleolude edasiandmine, peened psühholoogilised nüansid, gravitatsioon poeetilise maastiku programmilisuse poole. Teda iseloomustab ka rafineeritud ilukirjandus, antiigi poetiseerimine, eksootika, tämbrihuvi ja harmooniline sära. Impressionismi põhiliiniga maalikunstis seob teda entusiastlik ellusuhtumine; teravate konfliktide hetked, sotsiaalsed vastuolud jäävad selles mööda.

Klassikaline väljend " muusikaline impressionism" leitud C. Debussy töödest; selle tunnused ilmnesid ka M. Raveli, P. Duci, F. Schmitti, J. J. Roger-Ducase ja teiste prantsuse heliloojate muusikas.

Debussyt peetakse õigustatult muusikalise impressionismi rajajaks, kes rikastas kõiki kaasaegse heliloomingu aspekte – meloodiat, harmooniat, orkestratsiooni, vormi. Tema teedrajavad katsed on osaliselt inspireeritud vene realistlike heliloojate, eelkõige M. P. Mussorgski silmapaistvatest avastustest. Samal ajal võttis ta omaks uue prantsuse maalikunsti ja sümbolistliku luule ideed. Debussy kirjutas palju klaveri- ja vokaalminiatuure, mitu pala kammeransamblitele, kolm balletti ning lüürilise ooperi Pelléas ja Meli Zanda.

Muusikaline impressionism päris palju 19. sajandi hilisromantismi kunsti ja rahvuslike muusikakoolide jooni. ("The Mighty Handful", F. List, E. Grieg jt). Samal ajal vastandasid impressionistid vaoshoitud emotsioonide kunsti ja läbipaistvat, ahne faktuuri, kujundite ladusat muutlikkust kontuuride selgele reljeefile, hilisromantikute muusikapaleti puhtale materiaalsusele ja üleküllastatusele.

Impressionistlike heliloojate looming rikastas paljuski muusika väljendusvahendeid, eriti harmooniasfääri, mis saavutas suure ilu ja keerukuse; akordikomplekside keerukus on selles ühendatud modaalse mõtlemise lihtsustamise ja arhaiseerimisega; orkestratsioonis domineerivad puhtad värvid, kapriissed peegeldused, rütmid on ebakindlad ja tabamatud. Esile tõstetakse harmooniliste ja tämbriliste vahendite värviküllus: iga heli, akordi väljendusrikas tähendus on võimendatud ning avanevad senitundmatud võimalused modaalsfääri laiendamiseks. Erilise värskuse impressionistide muusikale andis nende sage pöördumine laulu- ja tantsužanridesse, ida-, Hispaania rahvaste muusikakeele elementidele ja neegridžässi algusvormidele.

Hämmastava, peaaegu nähtava konkreetsusega vaimulikke looduspilte on edasi antud tema orkestripalades: "Prelüüdid" Fauni pärastlõunale", tsüklis "Nokturnid" ("Pilved", "Pidud" ja "Sireenid"), kolm sketši. "Meri", tsükkel "Ibeeria" (kolm sketši Lõuna-Hispaania loodusest ja elust), aga ka klaveriminiatuurides "Rõõmusaar", "Kuuvalgus", "Aiad vihmas" jne. Hilisem ajastu kajastus Maurice Raveli (1875-1937) loomingus.Tema teoste joonistus on teravam, teravam, värvid selgemad ja kontrastsemad - traagilisest paatosest söövitava irooniani.Kuid tema helilooja maneeris on ka rafineeritud kõla kirjutis, muusikalisele impressionismile omane keerukas ja kirju värvidemäng.elusloodusest inspireeritud kõlad ("Veemäng", "Kurvad linnud", "Paat ookeanis") Heliloojal on kogu elu jooksul kujunenud motiivid tema armastatud Hispaania. Nii kõlab "Hispaania rapsoodia" orkestrile, koomiks ooper "Hispaania tund", "Bolero".

Ravel pööras palju tähelepanu tantsumuusika žanritele. Mitmete tema ballettide hulgast paistab silma S. P. Djagilevi vene trupiga koostöös valminud muinasjutuline ballett Daphnis ja Chloe. Ravel tundis hästi muusikalise huumori saladusi, kirjutas lastele muusikat armastusega. Sellised on tema balletiks muudetud palad klaverile "Mother Goose" või ooper "Laps ja maagia", kus tegelastena esitatakse lõbusalt kell ja diivan, tass ja teekann. Elu viimastel aastatel pöördus Ravel kaasaegsemate, rütmiliselt teravdatud muusikaliste vahendite poole, eelkõige džässi intonatsioonide poole (sonaat viiulile ja klaverile, kaks kontserti klaverile).

Prantsuse meistrite poolt alguse saanud impressionismi traditsioonid leidsid oma jätku erinevate rahvuskoolide heliloojate loomingus. Algselt töötasid need välja M. de Falla Hispaanias, A. Casella ja O. Respigi Itaalias, S. Scott ja F. Dilius Inglismaal, K. Szymanowski Poolas. Impressionismi mõju kogeti 20. sajandi alguses. ja mõned vene heliloojad (N. N. Tšerepnin, V. I. Rebikov, S. N. Vasilenko). A. N. Skrjabin ühendas impressionismi iseseisvalt kujunenud jooned tulise ekstaasi ja vägivaldsete tahteimpulssidega. Prantsuse impressionismi omapäraselt kehastatud saavutused on märgatavad IF Stravinski varastes teostes (balletid "Tulilind", "Petrushka", ooper "Ööbik").

Impressionism maalis ja muusikas

Impressionistid uskusid, et kunsti ülesanne on õigesti peegeldada muljeid ümbritsevast maailmast - elavast ja igavesti muutuvast. Elu on kordumatute hetkede jada. Seetõttu on kunstniku ülesanne peegeldada tegelikkust selle lakkamatus muutumises. Objekte ja olendeid tuleb kujutada mitte sellistena, nagu nad on, vaid nii, nagu nad hetkel välja näevad. Need võivad kauguse või vaatenurga, õhukeskkonna, kellaaja, valgustuse muutuste tõttu välja näha erinevad. Oma muljete korrektseks kajastamiseks peab kunstnik töötama mitte ateljees, vaid looduses ehk vabas õhus. Ja selleks, et ümbritseval maastikul paastu õigesti edasi anda, tuleb kiiresti maalida ja pilt valmis saada mõne tunni või isegi minutiga, mitte nagu vanasti - mõne nädala või kuuga. Kuna ümbritsev reaalsus ilmub kunstniku ette uues valgustuses, siis niivõrd, kuivõrd tema tabatud hetk on minuti dokument.

Uus suund, mis maalikunstis nii eredalt väljendus, avaldas mõju teistele kunstiliikidele: luulele ja muusikale. Muusikaline impressionism kehastus kõige täielikumalt kahe prantsuse helilooja: Claude Debussy ja Maurice Raveli loomingus.

Muusikaline impressionism kasvas välja prantsuse kunsti rahvuslikest traditsioonidest. Värvilisus, dekoratiivsus, huvi rahvakunsti, antiikkultuuri vastu, programmeerimise suur roll on olnud prantsuse muusikale alati omane. Kõik see avaldus selgelt Debussy ja Raveli loomingus. Kuid kõige otsesemalt ja viljakamalt mõjutas muusika uut suunda muidugi pildiline impressionism.

Impressionistide kunstnike ja heliloojate loomingus on palju sarnasusi. Esiteks on see seotud teema. Juhtteema on "maastik».

Maalikunstnike fookus on linnamaastikul, kuhu linn tõmbab kunstnikke koostoimes üldiste loodusprotsesside, atmosfääri nüanssidega. C. Monet maalil Boulevard des Capuchins in Paris on kompositsioon üles ehitatud jalakäijate pideva liikumise ning majade ja puutüvede staatiliste vormide kontrastile; soojade ja külmade värvide kontrasti kohta; ekspressiivses ajalises kontrastis - kaks tardunud figuuri on justkui välistatud kiirelt voolavast ajast. Pilt on antud udune ja tabamatu, tekib tunne, et ühel kaadris kattuvad mitu ühest punktist tehtud pilti. Kunstnikud pöörasid suurt tähelepanu looduspiltidele. Kuid neil on maastik, kus objekt ise taandub taustale ning muutlik ja muutlik valgus saab pildi peategelaseks. Claude Monet rakendas töö lõuendiseeria kallal, mis kujutasid sama motiivi erinevates valgustingimustes. Iga seeria pilt on ainulaadne, kuna seda muudab valguse muutumine. Impressionistlikud heliloojad suhtuvad maastikusse ebatavaliselt.

Ükski minevikuhelilooja pole kehastanud loodusmaalidega seotud teemade mitmekesisust ja rikkust. Pealegi köidab Debussyt ja Ravelit looduspiltidel ennekõike see, mis liigub: vihm, vesi, pilved, tuul, udu jms. Näiteks sellised Debussy näidendid: "Tuul tasandikul", "Aiad vihmas", "Udud", "Purjed", "Mida nägi läänetuul", "Kanarbik", Raveli "Veemäng" . Sellistes teostes ilmnesid selgelt mõned just impressionistide muusikale iseloomulikud heliesitamise võtted. Neid võib nimetada "lainete jooksuks" (Raveli "Veemäng", Debussy "Purjed"), "langevateks lehtedeks" (Debussy "Surnud lehed"), "valguse virvendamiseks" ("Kuuvalgus"). Debussy poolt), "öö hingus" (" Öö eelmäng "Ravel", Öö lõhnad "Debussy"), lehtede kohin "ja" tuule hingus "(" Tuul tasandikul "autor Debussy).

Impressionistide kunstnike ja heliloojate loomingus ei leia ühiseid jooni mitte ainult sisu, temaatika, vaid ka kunstilise meetodi vallas.

Ebatavaline pilk meid ümbritsevale maailmale määras impressionistide maalitehnika. Plein air on nende meetodi peamine võti. Nad ei jätnud mööda optika peamistest teaduslikest avastustest värvide lagunemise kohta. Objekti värvus on mulje inimesest, mis valgusest pidevalt muutub. Impressionistid kandsid lõuendile ainult värve, mis esinevad päikesespektris, ilma chiaroscuro neutraalsete toonideta ja neid värve esmalt paletil segamata. Nad kandsid värvi väikeste eraldi tõmmetega, mis eemalt jätavad mulje vibratsioonist, samas kui objektide kontuurid kaotavad oma teravuse.

Impressionistid ei uuendanud mitte ainult maali heledate värvide süsteemi, vaid ka kompositsioonitehnikaid. Impressionistide seas näeme kõige erinevamaid mõtiskluspunkte - ülalt, kaugelt, seestpoolt ja teisi. Vastupidiselt akadeemilise kunsti kaanonitele, mis hõlmasid peategelaste kohustuslikku paigutamist pildi keskmesse, ruumi kolmetasandilist olemust, ajalooliste ainete kasutamist, esitasid impressionistid uued tajumise ja peegeldamise põhimõtted. neid ümbritsev maailm. Nad lõpetasid ainete jagamise pea- ja kõrvalaineks. Impressionistid keskendusid valguse olemuse uurimisele, jälgides tähelepanelikult teatud värvilist valgust. Esimest korda sisenesid impressionistid tavasilmale vaevumärgatavate reaalsuse teisenemiste valdkonda, mis kulgevad nii kiiresti, et neid saab märgata vaid treenitud silm ja mis toimuvad maalimise tempost võrreldamatult kõrgemas tempos.

Maaliline impressionism on muusikat väljendusvahendite vallas suuresti mõjutanud. Otsing puudutas režiimi, harmooniat, meloodiat, metroorütmi, faktuuri, instrumentatsiooni. Debussy ja Ravel loovad uue, impressionistliku muusikakeele.

Meloodia kui muusika peamise väljenduselemendi väärtus nõrgeneb, see lahustub harmooniliseks taustaks. Heledaid laiu meloodiaid pole, värelevad vaid lühikesed meloodilised fraasid. Kuid harmoonia roll kasvab erakordselt.

Debussy ja Raveli kunst, nagu impressionistide kunstnike lõuendid, ülistab loomulike inimkogemuste maailma, annab edasi rõõmsat elutunnet, avab publiku ees imelise poeetilise loodusmaailma, mis on maalitud peente originaalsete kõlavärvidega.

Alates antiikajast on maailma esteetikas domineerinud jäljendamise teooria kunstis, impressionistid on heaks kiitnud uue kontseptsiooni, mille kohaselt kunstnik peaks oma lõuenditel kehastama mitte teda ümbritsevat objektiivset maailma, vaid tema subjektiivset muljet sellest maailmast. Paljud järgneva, XX sajandi kunstisuunad ilmusid tänu impressionismi uutele meetoditele.

Mõelge miniviktoriinile.

Esimeses etapis tehakse ettepanek valida: kolme klaveripala ja seejärel kolme sümfoonilise muusikafragmendi hulgast impressionistlikele heliloojatele kuuluvad teosed. Teises - maalide kunstilise analüüsi fragmentidega pakutud kaartide hulgast peate valima need, mis kuuluvad impressionistlikele kunstnikele.

1. Noore modelli ilu tundub kõige ilmekam selge roheka kauge maastiku ja õrna sinise taeva taustal. See lõputu maastik tundub vapustav, tekitades tunde maailma mõõtmatust.

2. Mastaabitunne, toimuva ulatuse ja ulatuse tunnetamine. Allegooriline kujund on pildi semantiline keskpunkt: klassikaline antiikprofiil, võimas skulptuurne torso. Vabaduse idee kehastub nähtavalt ilusas naises.

3. Väikeste värvitõmmetega taasloob kunstnik lõuendil keskpäevase päikese mängu, mis genereerib palju värvivarjundeid. Heledad õied värisevad valguses, pikad varjud kõiguvad. Daami valge kleit on maalitud sinisega – kollase vihmavarjult talle langenud varju värviga. Sellel lõuendil elab lühike hetk õitsva aia elust.

4. Pilvest väljub ilma kiirteta roosa pall, mis värvib taevast ja lahte, peegeldudes veepinnal lehvival rajal. Niiske udu pehmendab esemete siluette. Ümberringi on kõik raputav, piirid taeva ja jõe vahel on vaevu aimatavad. Veel üks minut - hommikune udu hajub ja kõik võtab teistsuguse kuju.

5. Muusikaline variatsioon näo, soengu, kleidi ja tausta säravatest värvilaikudest, mida kunstnik mängib sellel peenel lõuendil ja mida korratakse lahtivolditud lehvikus, loob unistava ja õrna tüdruku kuvandi, nagu kaunis. Lill.

6. Maastiku ruumi, milles rõhutatakse kerget asümmeetriat, moodustavad puude jooned, kujundite piirjooned ja valgete, roheliste, siniste, värisevate varjude värvilaigud maapinnal. Pimestav päikesevalgus eemaldab figuuride mahu, mis muutuvad siluettiks. Löögivabadus, paleti silmipimestav värskus, valguse illusioon, meeleolu rahulikkus on uue maalistiili põhijooned. Atmosfääri ainulaadse võluga maal tundub ebatavaliselt dekoratiivne ja meeliülendav.

7. Raami poolt ära lõigatud, kergelt diagonaalselt nihkes, paistab see salapärase minevikufantoomina. Keskpäevane päike valgustab fassaaditasapindu kerge kuldse leegiga, kuid kuma tuleb justkui ka kivi seest.

Jean Auguste Dominique Ingres, M. Riviere portree, 1805, Pariis, Louvre.

E. Delacroix, "Vabadus juhib rahvast", 1831, Pariis, Louvre.

C. Monet, "Daam aias", 1867, Peterburi, Riiklik Ermitaaži muuseum.

C. Monet, „Mulje. Päikesetõus", 1873, Pariis, Marmotani muuseum.

O. Renoir, "Tüdruk lehvikuga", 1881, Peterburi, Riiklik Ermitaaži muuseum.

C. Monet, "Naised aias", 1886, Pariis, muuseum D ”Orsay.

K. Monet, "Roueni katedraal keskpäeval", 1892, Moskva, GII need. A.S. Puškin.

C kriuksuma kirjandust

1. John Revald. Impressionismi ajalugu 416 lk. Vabariigi Kirjastus, Moskva, 2002.

2. Andrejev L.G. Impressionism. M. MSU, 1980

3. Vlasov V.G. “Stiilid kunstis.” Peterburi, “Lita”. 1998

4. Koretskaja I.V. Impressionism poeetikas ja sümbolismi esteetika. - Raamatus: kirjanduslikud ja esteetilised kontseptsioonid Venemaal XIX lõpus - XX sajandi alguses. M., 1975

5. Claude Monet. Paten Sylvie. - M .: Kirjastus Astrel, 2002 .-- 175 lk.