Quali sono le responsabilità di un direttore artistico? Descrizione del lavoro del direttore artistico. Descrizioni del lavoro del direttore artistico del teatro

Che cos'è un direttore artistico? Quali sono le sue responsabilità lavorative? Per cosa è responsabile e quali sono i requisiti per la posizione di direttore artistico, li scoprirai in questo articolo. Immediatamente scriveremo l'opinione dell'amministratore del sito Donkovier - direttore artistico per un'istituzione culturale, questo è un padre, una madre, un proprietario e un tiranno per il team creativo, una persona da cui tutto dipende.

Chi è xdirettore artistico

Il direttore artistico è responsabile delle idee creative, dello sviluppo di un piano d'azione, dell'attuazione della visione artistica e della direzione dell'istituzione artistica e creativa. Tale posizione come direttore artistico, o in forma abbreviata - direttore artistico, esiste nello staff di tutti i teatri, con varie direzioni: teatro musicale, teatro comico, teatro drammatico e tutto il resto, hanno il loro direttore artistico. In altre istituzioni culturali si trova spesso anche un direttore artistico, si tratta di case e palazzi della cultura, locali, centri culturali, società filarmoniche, circhi, ovunque c'è un direttore artistico nello staff.

Lavoro di direttore artistico

Il direttore artistico è di solito subordinato al direttore amministrativo, anche se in alcuni casi le due posizioni sono combinate in una, soprattutto se si tratta di un'istituzione teatrale.

In un'istituzione culturale, direttore artisticoè responsabile del processo creativo e prende anche decisioni sullo sviluppo dei valori estetici e delle attività spirituali e morali del team creativo. Si consulta con il direttore amministrativo sulla strategia e lo sviluppo dell'istituzione culturale Khudruk scrive sceneggiature e compone programmi di concerti, se si tratta di una Casa della Cultura o di una Filarmonica.

Direttore artistico: responsabilità del lavoro

• Il direttore artistico recluta, supervisiona e valuta i quadri artistici, inclusi artisti, artisti e registi.
• Assume, supervisiona e valuta il personale tecnico chiave, compreso il capo della produzione ausiliaria.
• Sviluppa, implementa e valuta programmi annuali e mensili.
• Con il direttore amministrativo, sviluppa il budget annuale dell'ente.
• Svolge il ruolo di addetto stampa per la valutazione artistica del team creativo nei media.
• Negozia con gli sponsor per raccogliere fondi per la realizzazione di progetti creativi.
• Costruisce relazioni con altre organizzazioni culturali e partner.
• Il direttore artistico è responsabile del lavoro del team creativo, crea relazioni per conferenze e relazioni a organizzazioni superiori.

Il direttore artistico controlla il contenuto delle procedure scritte dell'istituzione, verifica e controlla il lavoro dei propri media: sito web, giornale, rivista, canale video e altre opzioni per il posizionamento di un'istituzione culturale.

Direttore artistico

Da vent'anni dirigo il Teatro Vachtangov, ma è difficile parlare di me come direttore artistico. Pertanto, voglio soffermarmi solo su alcuni aspetti generali della mia attività.

Quando mi è stato proposto di assumere questa posizione, ci ho pensato a lungo, non è stato facile per me, perché immaginavo la responsabilità che questo post impone, e provavo un sentimento di paura del tutto comprensibile: posso farcela? Ma tuttavia accettò, perché sapeva che i Vakhtangoviti non avrebbero accettato il "Varangiano". Inoltre, e questo è stato dimostrato dall'allora esperienza del Moscow Art Theatre, non è possibile gestire il teatro collettivamente. Solo una persona può guidarlo. Solo una persona può sollevarlo. E, dopo aver soppesato tutti i pro ei contro, speravo di riuscire ancora a mantenere il prestigio e il livello del nostro teatro. Pertanto, sono entrato nel posto con il compito principale di fronte a me: preservare il Teatro Vakhtangov, per evitare che il suo collettivo si disperdesse in piccoli gruppi.

Per questo, ha formulato tre punti del suo programma. Innanzitutto, l'attrazione di noti registi verso il teatro per mettere in scena spettacoli individuali. In secondo luogo, affidarsi a drammi di talento. E in terzo luogo, avendo già esperienza di teatro e regia cinematografica, ho dato la mia parola di non mettere in scena personalmente gli spettacoli, perché lo sapevo: non appena il direttore artistico inizia a mettere in scena gli spettacoli, questi diventano subito la caratteristica dominante del repertorio. E non ho un vero dono da regista. Se capisco dove, è solo recitando.

In questi vent'anni il nostro teatro è stato giudicato in modi diversi. Nel difficile decennio successivo alla perestrojka, alcuni dicevano che il teatro era rovinato, altri si lamentavano solo che il suo antico splendore si era appannato. Tuttavia, in un primo momento siamo sopravvissuti quando, insieme al crollo

L'URSS ha perso gran parte del Soviet, e poi il teatro ha preso vita e ora si sta sviluppando attivamente, e in questo vedo in parte il mio merito.

C'è stato un tempo in cui, in qualche modo, abbiamo condiviso le sorti di tutti i teatri: con un brusco calo della stampa ideologica, era come se fossimo colpiti da una malattia come un cassone. In effetti, per decenni tutto è stato rigorosamente regolato, a volte hanno solo leggermente allentato la valvola e improvvisamente hanno dichiarato la completa libertà! Non è un brusco cambiamento di pressione? .. E ho dovuto vivere in un modo nuovo nelle condizioni per noi non familiari di un'economia di mercato.

La distruzione dell'estetica dell'arte associativa si è rivelata un grande disastro per il teatro. La lingua esopica divenne improvvisamente inutile nel nostro paese. E "Brest Peace" di Shatrov, che è stato esaurito anche all'estero, ha iniziato a girare in sale semivuote con noi e ha dovuto essere rimosso dal repertorio. Lo spettatore ha anche percepito con freddezza la performance di grande attualità "The Ides of March" basata su Wilder.

Che dire, se anche in "Taganka", dove sono state messe in scena esibizioni feroci e civili, tutto è diventato anche "normal-cool" dall'attenzione improvvisamente diminuita del pubblico. E il lottatore di teatro Yuri Lyubimov sembrava fermarsi perplesso: con chi combattere? Per qualche tempo ha anche perso la voce. Questo strano momento di cambiamento ha richiesto nuovi colori e parole dai teatri. E trovarli diventava sempre più difficile.

Le persone erano molto meno propense a visitare i teatri, non da ultimo a causa dei prezzi dei biglietti inaccessibili a una società impoverita. Certo, la gente ha perso molto, ma il teatro non ha sofferto di meno, non avendo in comune con il pubblico riflessioni, esperienze, sentimenti. Semplicemente non riusciva a stare al passo con la vita quando gli eventi cadevano come una frana sui cittadini confusi della Russia. Era possibile scuoterli con una rappresentazione teatrale, quando la vita stessa sorprendeva e sconvolgeva ogni ora? Pertanto, nessuno dei nostri teatri si è attardato a un bivio: quale direzione scegliere ora nel proprio lavoro, dove cercare punti di contatto con il pubblico? Ma non volevo andare in nessun modo per inseguirlo, perdere la faccia, sprofondare al livello del settore dei servizi, o anche una completa connivenza per mancanza di cultura. Ma c'era un grande desiderio di preservare i valori eterni dell'arte nel teatro nelle nuove condizioni!

E intorno sono stati creati molti teatri commerciali che vivevano e vivono, infatti, per amore del rublo. In generale, non è stata messa in scena una singola performance significativa, non è stato formato un solo attore. Perché è redditizio portare lì professionisti già riconosciuti, e ci vanno perché lì pagano bene! Umanamente si possono capire: chi non vuole guadagnare più soldi e più velocemente. E gli attori famosi non possono stare in un posto per molto tempo, sono attesi ovunque. Da qui l'hack, la diminuzione del livello del gioco, la sorpresa dello spettatore periferico: dove è andato a finire il talentuoso attore imerek? E ascese in qualche ninnolo francese. Alla fine lo era, lo è e lo sarà. E lascia che sia, almeno per mantenere lo sfondo grigio per un disegno nitido in primo piano di vere scoperte teatrali!

Nonostante tutte le difficoltà che abbiamo dovuto sopportare in passato, non sentivamo ancora appieno cosa fosse una crisi spirituale. Puoi deriderlo quanto vuoi, ma abbiamo ancora molte persone istruite, anche se c'è stato un momento in cui l'istruzione non era in voga. Quanto valeva questa piccola frase: "Perché sei così povero, visto che sei così intelligente?" Ma il nostro pubblico - e questo è notato da tutti - è rimasto il più sofisticato quando si tratta di arte, sia essa teatro, musica o pittura. E non voglio che questo livello scenda affatto. E ci sono motivi di preoccupazione.

Guarda cosa sta succedendo sul nostro palco. Chi è l'idolo della giovinezza, l'eroe, per così dire, del nostro tempo? Filippo Kirkorov. Ha molti fan e ammiratori. Viene esaltato in ogni modo possibile. Lo imitano, lo invidiano. Sì, non è privo di talento e bellezza. Ma invidiano non tanto questo quanto la sua ricchezza. Infatti: vola quasi sul suo aereo, la sua Lincoln è caricata lì, perché solo a Lincoln un idolo può entrare a Krasnoyarsk o in qualche altra città. Ma anche questo non è così male, perché Kirkorov è almeno riconoscibile, ha un'individualità. Tuttavia, le nuove mode della cultura di massa ci hanno gonfiato una sorta di "fabbriche di stelle" che sfornano artisti senza volto e cambiano a intervalli nella composizione dei primi gruppi vocali senza danneggiare il loro programma commerciale. Tuttavia, soprattutto non c'è nulla da nuocere, se consideriamo la questione dal punto di vista della cultura.

Capisco, tutto questo è pubblicità, scioccante. Tuttavia, se il nostro teatro Vachtangov avesse voluto pubblicizzare uno dei suoi spettacoli, non avrebbe trovato nemmeno un centesimo dei fondi spesi dallo spettacolo per promuovere i suoi preferiti. Inoltre, mi sembra che il teatro non imparerà affatto a farsi pubblicità. È all'antica, come se indossasse abiti vecchi che ostacolano il movimento. Si vergogna a parlare di sé e conserva la sua dignità.

Sembra che attraverso gli sforzi congiunti di strutture statali e private, il Paese possa uscire dalla crisi economica generale. Ma ogni teatro sta cercando una via d'uscita dai suoi problemi quasi da solo. Questo è un percorso difficile, ma la strada sarà dominata da chi cammina.

Quando Evgeny Rubenovich Simonov ci ha lasciato, non ha interrotto i legami con il Teatro Vakhtangov. Il nome di questo regista è entrato nella storia del teatro, che io, come tutti i Vakhtangoviti, onoro sacramente - con tutte le nostre vittorie, sconfitte, guadagni e perdite. E non lo riscriveremo, "aggiustando" il passato al vantaggioso allineamento del presente. Evgeny Simonov dedicò i suoi ultimi anni alla creazione del Teatro intitolato a suo padre, considerando suo dovere filiale quello di perpetuarne la memoria. E il teatro esiste da molti anni. Si trova nelle corsie Arbat molto vicino a noi, e oggi è diretto da uno degli attori principali del Teatro Vakhtangov Vyacheslav Shalevich. E risolviamo insieme molti problemi della vita di oggi: il Teatro Vakhtangov, la Scuola di teatro Shchukin, il Teatro Ruben Simonov, attori e registi di tutte le generazioni di Vachtangov.

Stiamo ancora cercando. Cerchiamo nei preziosi magazzini dei classici russi, nel dramma moderno. Il nostro obiettivo è difendere il teatro come tempio della cultura. Catturare la gravità dello spettatore è la chiave del successo. E tutti i teatri oggi sono alla ricerca di quella che, forse, un'azione scenica molto semplice che condurrà le persone in auditorium desiderosi di capire chi siamo oggi, di cosa abbiamo bisogno per sentire la nostra altezza umana, il nostro bisogno di vita. Penso che la letteratura, il teatro e l'arte in generale siano necessari da soli per aumentare, aggiungere la gentilezza nel mondo. In modo che le persone possano attingere da questa fonte di verità e giustizia, fede e amore quanto più possono.

Quando pensi a ciò che è più importante nell'arte del teatro, capisci che è abilità, professionalità, un orecchio che ascolta il tempo di oggi, una voce che può raccontare il tempo.

Questa abilità deve essere posseduta in primo luogo dal regista. Creando uno spettacolo, diventa tutto: un attore, artista, music designer, mago, creatore, bugiardo, sognatore - tutto! Alla fine pubblica un'opera teatrale e vive già da solo, indipendentemente dal suo creatore.

Il problema di oggi con la regia è che è sorta una sorta di "amaca", un cedimento tra la coorte di grandi esperti di teatro degli anni '20 e '30 - Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko, Vakhtangov, Meyerhold, Tairov, i loro studenti Ruben Simonov, Zavadsky, Okhlopkov , Akimov, Lobanov, Tovstonogov - e registi contemporanei.

La generazione di "maestri" non ha alzato il turno, il che ha un effetto tangibile sul campo del regista. Sento l'illegalità di questo mio rimprovero: far crescere un regista da una persona che non ha un dono naturale per questo è come voler insegnare a qualcuno a diventare un grande scrittore. Georgy Aleksandrovich Tovstonogov ha dichiarato senza mezzi termini: "Un regista non può nominare un successore, perché è artisticamente impossibile". E come poteva non conoscere tutte le direzioni degli affari del regista.

I registi moderni per la maggior parte non sono cresciuti naturalmente per "maturazione graduale", ma hanno pompato i muscoli. Gli "atleti" mettono molto in scena, sono energici, magistrali, non possono essere accusati di non conoscere il loro lavoro, ma l'assenza di una scuola incide sul loro lavoro. La comprensione filosofica del tema, la spiritualità e l'"attrezzatura" convincente della vita, che era presente nelle esibizioni di famosi registi del recente passato, che procedevano nel loro lavoro dall'essenza profonda dell'arte teatrale, sono gravemente carenti nelle produzioni attuali.

Non posso giudicare tutti, dico, in base alle mie osservazioni del direttore artistico del teatro. Da quello che ci portano i giovani registi, posso vedere: questi sono professionisti "allenati", che calcolano a freddo. Non è colpa loro: vivono in un'epoca in cui i vecchi concetti e le categorie familiari si rompono nel teatro, e anche nella vita di tutti i giorni una persona non sempre sente un terreno solido sotto i piedi. Qui, come si dice, non c'è tempo per la comprensione spirituale e lo sguardo al cielo, qui molti pensano a come ambientarsi in questo mondo stravagante, a cosa prendere piede in questo "movimento browniano", nel caos in corso. E i registi portano questo casino a teatro. E la comprensione spirituale del bello richiede pace e svago creativo. Ma nella ricerca del materiale, oggi né l'uno né l'altro esistono per nessuno. Sfortunatamente, anche le esigenze del pubblico sono cambiate: dopo aver corso per affari, il pubblico moderno per la maggior parte desidera una cosa da qualsiasi azione in scena: l'opportunità di sfogarsi. Ecco il talk show "Verso la Barriera" in televisione. È guidato dal talentuoso giornalista Vladimir Soloviev, che manipola abilmente le azioni dei politici più influenti del paese e semplicemente delle persone famose. Sono i suoi attori. Ma cosa decide il suo trasferimento? Niente! Sono tutte chiacchiere vuote, esclamazioni di burattini che insistono sulla loro innocenza, ma nessuno di loro ascolta nessuno. In una certa misura, è vantaggioso per i partecipanti al talk show: è così che attirano l'attenzione del pubblico. E cosa ottiene lo spettatore? La fatica, una faticosa favola della buonanotte, una porzione di una specie di sonnifero e - allo stesso tempo - doping ad azione lenta, dopo l'assunzione che, dopo qualche ora di riposo, si può nuovamente precipitare a capofitto nel trambusto degli affari . Quindi ora parliamo del fatto che i registi sono sacerdoti della bellezza...

La stessa immagine nel dramma moderno: sembra che ci siano molte commedie, ma dicono tutte la stessa cosa: quanto siamo cattivi oggi e quanto sarà bello se facciamo questo e quello. Questo è ciò con cui non sorprenderai lo spettatore!

A questo proposito, per qualche motivo ho ricordato l'opera teatrale "Oginsky's Polonaise" di Roman Vikgyuk. È stato mostrato un crollo generale. E cosa mi ha rivelato questa performance? Che il mondo è impazzito? Lo so già. Che le persone si trasformano in bestie attraverso le tentazioni? Nella mia vita l'ho visto spesso. Che non sanno dove andare? A volte lo sento anch'io. Allora perché una tale esibizione se non mi viene richiesta una via d'uscita? Se non c'è nemmeno una lacuna? Ma il sale viene versato sulle mie ferite in esso e versato! Per quello?

Il vero teatro non è una droga sedativa, ma non è nemmeno una droga psicotropa per eccitare gli animi deformati. Direi che è un esempio di un mondo più normale, più intelligente e più integrale di quello che spesso resta fuori dalla soglia dell'auditorium. Un mondo ideale? È del tutto possibile, poiché l'arte è quasi sempre una ricerca dell'ideale.

Sì, il teatro dovrebbe essere moderno, ma lo spettatore, e in effetti l'attore, ha bisogno di più figure e collisioni che contengano valori senza tempo. E rimangono valori perché hanno sempre un'eco con ciò che sta accadendo oggi. Ma anche un promemoria che la vita non riguarda solo il tasso di cambio del dollaro e i rapporti operativi della polizia. Tuttavia, noi, essendo nel calderone ribollente della vita quotidiana, siamo lungi dall'essere sempre in grado di cogliere l'essenza di ciò che sta accadendo, e quindi non possiamo rispondere noi stessi alle domande che la realtà ci pone. Poi i classici vengono in soccorso. Contiene ricchezze spirituali eterne - risposte alle domande dell'esistenza umana, il che significa che è un supporto per tutti coloro che vivono oggi.

È impossibile immaginare cosa faremmo oggi senza Ostrovsky, Gogol, Dostoevskij, Cechov, Shakespeare! Ma non puoi semplicemente mettere i classici oggi. Deve essere letto di nuovo in ogni nuova era, ad ogni nuovo giro del tempo. Dopotutto, tutto è in continua evoluzione. Qualcosa muore e nasce nella società. Una persona, il suo atteggiamento ei suoi gusti stanno cambiando. L'estetica è in fase di aggiornamento. E la performance dovrebbe inserirsi organicamente nel nostro "mondo pazzo, pazzo, pazzo". Non ci si può accontentare, davanti a una tazza di tè con marmellata, sullo sfondo di un quartiere Zamoskvorechye in legno dipinto del XIX secolo, quando dietro il muro vengono costruiti grattacieli di vetro e cemento.

Ma c'è qualcosa che unisce entrambi gli insiemi: il riconoscimento delle passioni umane e l'invariabilità dei valori morali, che in tutte le epoche consente al teatro di attingere e attingere al vero magazzino senza fondo del dramma di tutti i tempi e di tutti i popoli.

Amore... Non importa quanto ne parliamo o ne scriviamo, non importa quanto profondamente lo sperimentiamo noi stessi, rimane un sentimento misterioso, intimo, incomprensibile. Non esiste una definizione di amore che si adatti a tutte le occasioni. Lei è sempre una scoperta. È difficile prevedere a quale azione ispirerà o spingerà una persona. Sì, quasi tutti i classici sono l'estremo di una storia d'amore. E nessuno di loro è come l'altro. Per parafrasare il poeta, possiamo dire: l'amore è l'unica notizia sempre nuova...

Anche i classici sono sempre nuovi. Ma non sempre accade che abbia raccolto - ed eccolo qui, il pesce rosso del successo! E stiamo discutendo raucamente a teatro su cosa prendere nel repertorio attuale. Il regista suggerisce L'ispettore generale o Il gabbiano di Cechov. Mi sembra che sia diventata una specie di moda ossessiva: interpretare sempre Cechov e Gogol a modo loro. Come se ogni teatro cercasse di trovare qualcosa a Cechov che nessuno ha mai trovato. Sì, sia Cechov che Gogol sono grandi conoscitori dell'uomo, ma temo la moda, che nel repertorio teatrale sta diventando obbligatoriamente indispensabile come i jeans.

Una volta, diventato il direttore artistico, mi sono posto il compito di aprire le porte del teatro Vachtangov a nuovi drammi d'attualità e classici taglienti e dal suono moderno. Ciò ha richiesto di invitare sia registi affermati e seri che registi giovani, ma già interessanti, che promettevano di rivelarsi in modo originale. Ho lavorato su questo e ci sono stati successi su questo percorso, anche se nessuno mi ha assicurato contro i fallimenti. Solo i successi e gli insuccessi sono normali per le attività creative. Non puoi nominare tutti quelli che ho invitato. Tuttavia, menzionerò che Robert Sturua, Pyotr Fomenko, Arkady Katz, Roman Viktyuk, Vladimir Mirzoev, Vyacheslav Shalevich, Sergey Yashin, Alexander Gorban hanno divulgato con noi le loro idee di regia. Sotto la loro guida, spettacoli come "The Peace of Brest", "The Master's Lessons", "March Ides", "Guilty Without Guilt", "Aliba and Forty Thieves", "Chasing Two Hares", "Dedication to Eve" ", "Cyrano de Bergerac", "Nbch iguane" e molti altri. Ma, naturalmente, non tutto ciò che è stato fatto è stato coronato dagli allori di un grande successo di pubblico. Tuttavia, queste esibizioni sono fasi della formazione del nostro teatro in anni difficili, quando in Russia tutti i nostri compatrioti cercavano il proprio, spesso un nuovo posto al sole.

Ma questa, per così dire, è la parte creativa delle preoccupazioni del direttore artistico, e si basa su un fondamento economico ed economico e dipende in parte dai rapporti interpersonali nella troupe - e anche a questo bisogna pensare. Tali problemi sono stati estremamente aggravati negli anni '90 del secolo scorso e, probabilmente, sarebbe stato più facile per me ignorarli e prendere una posizione comoda e un po' distaccata. Ma devo ammettere che fino ad oggi mi sento responsabile per la causa che ho servito per tutta la vita: per il teatro.

Un tempo, l'euforia della perestrojka finì e si scoprì che, insieme a una certa indipendenza amministrativa, i teatri avevano acquisito una serie di problemi e i meccanismi per la loro soluzione non erano stati padroneggiati. E molti hanno dovuto farlo da solo.

I nostri oggetti di scena erano logori, l'attrezzatura scenica era obsoleta e in una situazione finanziaria disastrosa (è risaputo cosa stava accadendo nell'economia in quell'epoca) il teatro non aveva i mezzi per eliminare questo buco. Quindi, dobbiamo andare dagli ufficiali, dai capi, il cui nome è sempre stato legione. Abbiamo ancora più padroni che lavoratori. Erano tanti, ora ce ne sono ancora di più. Ovunque tu vada, ci sono molti comitati, parlamenti e dipartimenti. Sarebbe comunque positivo per i funzionari introdurre le uniformi: diventeremmo quindi assolutamente simili al "bastone" di Nikolaev Russia, come veniva descritto in epoca sovietica. Solo allora non abbiamo mai sognato ciò che è adesso! Camminare per le alte cariche è come fare i giri dell'inferno dantesco: non è detto che si prenda in considerazione ciò che si richiede, ma si subirà sicuramente l'umiliazione. E devi camminare in modo che il tuo lavoro non si fermi, in modo che le migliori tradizioni dell'arte teatrale, della cultura domestica in generale, che per molti aspetti è già in uno stato di flusso, non siano ordinate a vivere a lungo.

Quindi sono andato. Ad esempio, vicino al nostro teatro sull'Arbat per lungo tempo c'era una casa diroccata, che non era soggetta a restauro e non apparteneva a nessuno. Noi, come l'aria, avevamo bisogno di un secondo palcoscenico per le attività sperimentali in teatro, per ampliare il repertorio e, infine, per dare lavoro all'intera compagnia. E non è stato possibile ottenere il terreno accanto alla frase "full housekeeping" per attirare investitori e costruttori. C'era una sola risposta alle nostre richieste e motivazioni: "niente fondi, niente opportunità". E tutto sarebbe potuto finire con il fatto che qualche furbo imprenditore o l'onnipresente mafia avrebbe messo le zampe su queste rovine e un altro casinò sarebbe apparso in mezzo all'Arbat. In effetti, nella Russia post-sovietica è successo che anche sotto un'insegna teatrale sono stati aperti negozi dubbi per motivi di profitto, e per questo gli uomini d'affari appena coniati hanno facilmente dimenticato il vero significato delle arti dello spettacolo per la società. Tuttavia, il teatro Vakhtangov è riuscito a dimostrare il suo caso e la terra ci è stata assegnata.

Ci sono state anche difficoltà con il tour. È successo anche che a causa delle turbolenze economiche, per due o tre fuori stagione estiva, Mosca è rimasta senza gruppi teatrali invitati - semplicemente non c'era nulla a cui invitarli. Quindi anche il viaggio da San Pietroburgo a Mosca è stato irto di grossi problemi. Inoltre, il paese era davvero minacciato dalla perdita di uno spazio teatrale culturale unificato. Inoltre, anche le compagnie metropolitane erano in grave difficoltà nell'organizzare i loro viaggi creativi in ​​periferia. Siamo usciti dalla situazione come meglio potevamo. E siamo usciti! All'inizio del 2002, i Vakhtangovites in piena forza sono andati in tournée a Kiev, si sono esibiti al Teatro Lesya Ukrainka. Ciò significa che l'esibizione della troupe era piena.

Come coinvolgere tutti gli attori nelle esibizioni, offrire loro opportunità di crescita creativa e un reddito dignitoso: questa è una conversazione speciale. Il problema non è unico per i Vakhtangoviti, è universale per tutti i teatri. Mentre non c'erano soldi, fino a quando non abbiamo imparato come guadagnarli, le compagnie teatrali che erano state create nel corso degli anni hanno iniziato a somigliare a enormi e goffe dreadnought. Da un lato, arrivavano i giovani attori: non avevano ancora acquisito abbastanza esperienza per portare avanti il ​​repertorio, ma dovevano già avere una prospettiva. D'altra parte c'erano tanti pensionati che giocavano sempre meno per motivi di salute, ma non andavano comunque licenziati - le pensioni erano scarse, e togliendo a una persona meritata, la tua compagna di lunga data sul palcoscenico, un ruolo in un'altra produzione significa metterlo sull'orlo di un'esistenza mezzo affamata. Pertanto, per quanto ho potuto raccogliere, ho lottato per mantenere un equilibrio precario tra la vecchia generazione di attori e i giovani, per così dire, hanno sostenuto creativamente gli anziani, orientando ancora il teatro verso il sangue giovane e fresco. Ed ecco il risultato: negli ultimi vent'anni, sul palco di Vakhtangov sono cresciuti veri maestri: A. Dubrovskaya, M. Aronova, E. Sotnikova, N. Grishaeva, S. Makovetsky, M. Sukhanov, V. Simonov, E Knyazev, A. Zavyalov, i nomi possono ancora essere elencati. Molti di loro sono conosciuti all'estero come eccellenti professionisti, sono invitati a collaborare su vari set teatrali e cinematografici e compaiono costantemente nella nostra troupe. Ma i miei vecchi amici-attori sono ancora in onore: sull'esempio di molti, molti ruoli meravigliosamente interpretati, hanno sollevato un degno sostituto per se stessi, questo è il loro merito. E poi ragazzi molto giovani, neodiplomati della scuola di teatro, iniziano gradualmente a farsi conoscere... E tutti gli attori del nostro teatro hanno la loro voce creativa, hanno il diritto di raccontare allo spettatore qualcosa di importante dal palco.

Alcuni dei grandi hanno una meravigliosa dichiarazione sulla differenza tra l'oratorio di Cicerone e Demostene. Quando Marco Tullio Cicerone parlò, il Senato romano fu sopraffatto dalla gioia: "Dio, come parla!" E quando Demostene parlò ai Greci, gli Ateniesi gridarono: "Guerra a Filippo il Grande!"

Lo stesso si può dire della differenza tra arte, regia e recitazione. L'arte in generale ha molte facce - ed è per questo che è interessante. L'arte non ha limiti - ed è per questo che è bella. L'arte è onnisciente - ed è per questo che è meravigliosa.

Oggi, l'arte è ancora alla ricerca di vie, come in una miniera disseminata di rifiuti - alle persone, alla luce, e spesso le trova con l'aiuto dei classici. E anche un classico: un bastone nella mano di un viaggiatore stanco che vaga per la vita.

Se necessario, in anni difficili, ci siamo affidati, ma abbiamo inserito nel nostro repertorio anche opere di autori contemporanei. Sia quelli che altri giochi potrebbero andare con il tutto esaurito e senza.

Ma è importante che con il loro aiuto il Teatro Vakhtangov sia sopravvissuto. È sopravvissuto anche grazie alla sua fantastica e scintillante scuola di recitazione. Per vent'anni ho preservato al meglio le nostre tradizioni e ora, guardando indietro, posso affermare con soddisfazione: sono riuscito nel mio tratto di strada. Forse perché percepivo come mio il successo di qualunque regista, qualunque attore del nostro teatro. E non ho visto alcun beneficio per me stesso, tranne che per il successo del teatro.