Gruppi che suonano il blues. I più famosi artisti blues. I migliori album rock blues

Gli artisti blues non hanno quasi mai goduto della stessa popolarità dei re del pop, e non solo nel nostro paese, ma anche nella patria di questo stile - negli Stati Uniti. Suoni complicati, melodie minori e voci particolari spesso respingono l'ascoltatore di massa, abituato a ritmi più semplici.

Grande fama guadagnarono i musicisti, che adattarono questa musica del sud nero e ne crearono i derivati ​​più accessibili (rhythm and blues, boogie-woogie e rock and roll). Molte superstar (Little Richard, Ray Charles e altri) hanno iniziato la loro carriera come interpreti blues e sono tornate alle loro radici molte volte.

Il blues non è solo uno stile e uno stile di vita. Qualsiasi narcisismo e ottimismo sconsiderato gli sono estranei - tratti inerenti alla musica pop. Il nome dello stile deriva dalla frase blue devils, che letteralmente significa "diavoli blu". Sono questi cattivi abitanti degli inferi che tormentano l'anima di una persona il cui tutto è sbagliato in questa vita. Ma l'energia della musica dimostra una riluttanza a sottomettersi a circostanze difficili ed esprime piena determinazione a combatterle.

La musica popolare, formata stilisticamente nel corso del XIX secolo, divenne nota al pubblico di massa negli anni venti del secolo successivo. Huddy Ledbetter e Lemon Jefferson, i primi famosi artisti blues, in un certo senso ruppero l'immagine culturale monolitica dell'"era jazz" e diluirono il dominio delle big band con un nuovo suono. Mamie Smith ha registrato Crazy Blues, che è diventato improvvisamente molto popolare tra i bianchi e i meticci.

Gli anni Trenta e Quaranta del XX secolo divennero l'era del boogie-woogie. Questa nuova direzione è stata caratterizzata da un aumento del ruolo dell'uso degli organi, un'accelerazione del tempo e un aumento dell'espressività delle voci. L'armonia generale è rimasta la stessa, ma il suono è il più vicino possibile ai gusti e alle preferenze del pubblico di massa. blues della metà e della fine degli anni Quaranta - Joe Turner, Jimmy Rushing, - creò le basi per quello che tra qualche anno verrà chiamato rock and roll, con tutte le caratteristiche di questo stile (suono potente e ricco, solitamente creato da quattro musicisti, ritmo di danza e modo di scena estremamente esaltato).

Artisti blues dei primi anni Quaranta e Sessanta, come BB King, Sony Boy Williamson, Ruth Brown, Bessy Smith e molti altri, hanno creato capolavori che hanno arricchito il tesoro della world music, oltre a opere praticamente sconosciute all'ascoltatore moderno. Solo pochi dilettanti apprezzano questa musica, che conoscono, apprezzano e collezionano dischi dei loro artisti preferiti.

Il genere è reso popolare da molti artisti blues contemporanei. Musicisti stranieri come Eric Clapton e Chris Rea eseguono composizioni e talvolta registrano album congiunti con classici più vecchi che hanno dato un enorme contributo alla formazione dello stile.

I musicisti blues russi (Chizh and Co, The Road to Mississippi, Blues League, ecc.) hanno seguito la loro strada. Creano le proprie composizioni, in cui, oltre alla caratteristica melodia minore, i testi ironici giocano un ruolo importante, esprimendo la stessa disobbedienza e dignità di una persona buona che si sente male...

Gli artisti blues possono essere definiti i cantanti della libertà. Nelle loro canzoni e nella loro musica, cantano la vita stessa, senza abbellimenti, ma allo stesso tempo con la speranza di tempi luminosi. Ecco i migliori interpreti blues di tutti i tempi, secondo il portale JazzPeople.

Migliori artisti blues

Dicono che il blues è quando una brava persona si sente male. Abbiamo raccolto i cantanti blues più famosi, il cui lavoro riflette la struttura di questo mondo difficile.

re sib

King ha chiamato tutte le sue chitarre "Lucille". A questo nome è collegata una storia dell'attività concertistica. Una volta durante uno spettacolo, due uomini hanno litigato e hanno rovesciato una stufa a kerosene. Ciò provocò un incendio, tutti i musicisti lasciarono frettolosamente l'istituto, ma BB King, rischiando se stesso, tornò per la chitarra.

Più tardi, dopo aver appreso che una donna di nome Lucille era la causa della rissa, chiamò la sua chitarra in quel modo come segno che nessuna donna vale una tale assurdità.

Per più di 20 anni, King ha lottato con il diabete, che ha causato la sua morte all'età di 89 anni il 14 maggio 2015.

Robert Leroy Johnson

- una stella brillante, ma rapidamente volante nel mondo della musica blues - è nata l'8 maggio 1911. In gioventù, ha incontrato i famosi musicisti blues Sun House e Willie Brown e ha deciso di iniziare a suonare il blues professionalmente.

Diversi mesi di allenamento nella squadra hanno portato solo al fatto che il ragazzo è rimasto un buon dilettante. Poi Robert giurò che avrebbe suonato alla grande e scomparve per diversi mesi. Quando è riapparso, il suo livello di gioco è diventato notevolmente più alto. Lo stesso Johnson ha detto di aver contattato il diavolo. La leggenda del musicista che ha venduto la sua anima per la capacità di suonare il blues si è diffusa in tutto il mondo.

Robert Leroy Johnson morì all'età di 28 anni - 16 agosto 1938. Presumibilmente è stato avvelenato dal marito della sua amante. La sua famiglia non aveva soldi, quindi fu sepolto nel cimitero comunale. L'eredità di Johnson è difficile da contare - sebbene lui stesso abbia registrato molto poco, le sue canzoni sono state spesso eseguite da molte star mondiali (Eric Clapton, Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Doors, Bob Dylan).

Acque fangose

- il fondatore della scuola di Chicago - è nato il 4 aprile 1913 nella piccola città di Rolling Fork. Da bambino ha imparato a suonare l'armonica e da adolescente ha imparato a suonare la chitarra.

Una semplice chitarra acustica non andava molto bene a Muddy. Ha iniziato davvero a suonare solo nel momento in cui è passato alla chitarra elettrica. Il potente rombo e la voce brusca hanno glorificato l'aspirante cantante e interprete. In effetti, il lavoro di Muddy Waters si colloca al confine tra blues e rock and roll. Il musicista è morto il 30 aprile 1983.

Gary Moore

- famoso chitarrista, cantante e cantautore irlandese - nato il 4 aprile 1952. Nella sua carriera, ha sperimentato molto con varie direzioni musicali, ma ha comunque preferito il blues.

In una delle sue interviste, Moore ha ammesso che gli piace il dialogo che nasce tra voce e chitarra nel blues. Questo apre un ampio campo di sperimentazione.

È interessante notare che, sebbene Gary Moore fosse mancino, fin dall'infanzia ha imparato a suonare la chitarra come destrimano e così si è esibito per tutta la vita fino alla sua morte, avvenuta il 6 febbraio 2011.

Eric Clapton

- una delle figure più influenti del rock britannico - è nato il 30 marzo 1945. L'unico musicista che è stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame tre volte - due volte come membro di band e una volta come artista solista. Clapton ha suonato in vari generi, ma sempre gravitato verso il blues, che ha reso il suo modo di suonare riconoscibile e caratteristico.

Sonny Boy Williamson I & II

Sonny Boy Williamson è un fisarmonicista e cantante blues americano nato il 5 dicembre 1912.

Ci sono due famosi Sonny Boy Williamson nel mondo. Il fatto è che Sonny Boy Williamson II ha preso lo pseudonimo con lo stesso nome in onore del suo idolo - Sonny Boy Williamson I. La gloria della seconda Sonya ha oscurato notevolmente l'eredità della prima, sebbene sia stato un innovatore nel suo attività commerciale.

Sonny Boy è stato uno dei suonatori di armonica più famosi e originali. Si distingue per uno stile speciale di esecuzione: semplice, melodico, liscio. Testi delle sue canzoni: sottili, lirici.

Williamson II non dava più valore alla fama, ma al comfort personale, quindi a volte si lasciava scomparire per un paio di mesi per riposare, e poi riappariva sul palco. Sonny Boy Williamson II morì il 25 maggio 1965.

Lance è uno dei pochi chitarristi che può vantarsi di aver iniziato la propria carriera professionale a 13 anni (a 18 anni condivideva già il palco con Johnny Taylor, Lucky Peterson e Buddy Miles). Anche nella prima infanzia, Lance si innamorò delle chitarre: ogni volta che passava davanti a un negozio di dischi, il suo cuore perdeva un battito. Tutta la casa di zio Lance era piena di chitarre e quando è venuto da lui non riusciva a staccarsi da questo strumento. Le sue principali influenze sono sempre state Stevie Rae Vaughn ed Elvis Presley (il padre di Lance, tra l'altro, ha servito con lui nell'esercito, e sono rimasti amici intimi fino alla morte del re). Ora la sua musica è una miscela combustibile del blues-rock di Stevie Rae Vaughan, della psichedelia di Jimi Hendrix e della melodia di Carlos Santana.

Come tutti i veri bluesmen, la sua vita amorosa è un buco nero e senza speranza, per non parlare dei problemi di droga. Tuttavia, questo stimola solo la sua creatività: tra lunghe baldorie, registra album senza precedenti, affermando di essere il più trainante. Lance ha scritto la maggior parte delle sue canzoni on the road, poiché ha suonato a lungo in gruppi di famosi bluesmen. La sua educazione musicale gli permette di passare da un genere all'altro senza perdere il suo suono unico. Se il suo album di debutto Wall of Soul è blues-rock, il suo album del 2011 Salvation From Sundown va in profondità nel blues tradizionale e nel rhythm 'n' blues.

Se credi che il vero blues possa essere scritto solo se il suo autore è costantemente perseguitato dalla sfortuna, allora ti dimostreremo il contrario. Così, nel 2015, Lance si è sbarazzato della sua dipendenza da droga e alcol, poi si è sposato e ha messo insieme uno dei supergruppi più cool dell'ultimo decennio: i Supersonic Blues Machine. L'album include il batterista Kenny Aaronoff (Chickenfoot, Bon Jovi, Alice Cooper, Santana), Billy Gibbons (ZZ Top), Walter Trout, Robben Ford, Eric Gales e Chris Duarte. Molti musicisti unici si sono riuniti qui, ma la loro filosofia è semplice: la band, come una macchina, è composta da molte parti e il blues è la forza trainante per tutti loro.

Robin Trower

Robin è considerato uno dei musicisti chiave che hanno plasmato la visione del blues britannico negli anni '70. Ha iniziato la sua carriera professionale all'età di 17 anni, quando ha formato la band preferita dei Rolling Stones dell'epoca - The Paramounts. Tuttavia, il vero successo lo raggiunse quando si unì ai Procol Harum nel 1966. Il gruppo ha fortemente influenzato il suo lavoro e lo ha messo sulla strada giusta.

Ma lei suonava rock classico, quindi torniamo subito al 1973, quando Robin prese la decisione di iniziare una carriera da solista. A quel tempo stava scrivendo molta musica per chitarra, quindi fu costretto a lasciare il gruppo. L'album di debutto Twice Removed From Yesterday ha raggiunto a malapena le classifiche, ma nonostante questo, il suo album successivo, Bridge Of Sights, è immediatamente salito alle stelle e fino ad oggi vende 15.000 copie all'anno in tutto il mondo.

I primi tre album del power trio sono famosi per il loro sound di Hendrix. Per lo stesso motivo - per la sapiente combinazione di blues e psichedelia - Robin viene chiamato "bianco" Hendrix. La band aveva due membri forti: Robin Trower e il bassista James Dewar, che si completavano perfettamente a vicenda. L'apice della loro creatività arrivò nel 1976-1978, negli album Long Misty Days e In City Dreams. Già nel quarto album, Robin iniziò a riorientarsi verso l'hard rock e il rock classico, spingendo il suono blues in sottofondo. Tuttavia, non lo ha completamente eliminato.

Robin era famoso anche per il suo progetto con il bassista dei Cream Jack Bruce. Hanno pubblicato due album, ma tutte le canzoni sono state scritte dallo stesso Thrower. Negli album, puoi sentire la chitarra gracchiante di Robin e il suono acuto e funky del basso di Jack, ma al musicista non piaceva una tale collaborazione e il loro progetto presto cessò di esistere.

Jay Jay Cale

John è letteralmente il musicista più umile ed esemplare al mondo. È un ragazzo semplice con un'anima da villaggio, e le sue canzoni, calme e sincere, cadono come un balsamo sull'anima tra continue preoccupazioni. Era adorato dalle icone del rock - Eric Clapton, Mark Knopfler e Neil Young, e il primo glorificava il suo lavoro in tutto il mondo (le canzoni Cocaine e After Midnight sono state scritte da Cale, non da Clapton). Ha condotto una vita calma e misurata, a differenza della vita della rockstar che è considerato.

Cale ha iniziato la sua carriera negli anni '50 a Tulsa, dove ha condiviso il palco con il suo amico Leon Russell. Per i primi dieci anni ha vagato dalla costa sud all'ovest, fino a quando si è stabilito nel 1966 al Whisky A Go Go, dove ha suonato come opening act per Love, The Doors e Tim Buckley. Si diceva che fosse stato Elmer Valentine, il proprietario del leggendario club, a battezzarlo JJ per distinguerlo da John Cale, membro dei Velvet Underground. Tuttavia, lo stesso Cale lo definì un'anatra, dal momento che i Velvet Underground erano poco conosciuti sulla costa occidentale. Nel 1967, insieme alla band Leathercoated Minds, John registrò l'album A Trip Down the Sunset Strip. Sebbene Cale odiasse il disco e "se avessi potuto distruggere tutti questi dischi, l'avrei fatto", l'album è diventato un classico psichedelico.

Quando la sua carriera iniziò a declinare, John tornò a Tulsa, ma come volle il destino, tornò a Los Angeles nel 1968, trasferendosi in un garage vicino alla casa di Leon Russell, dove fu lasciato a se stesso e ai suoi cani. Cale ha sempre preferito la compagnia degli animali all'uomo, e la sua filosofia era semplice: "vita tra uccelli e alberi".

Nonostante la sua carriera che stava lentamente andando in pezzi, John pubblicò il suo primo album da solista, Naturally, sull'etichetta Shelter di Leon Russell. L'album è stato facile da registrare quanto il temperamento di Cale: era pronto in due settimane. Quasi tutti i suoi album sono stati registrati a questo ritmo, e alcune delle canzoni più famose erano persino dei demo (ad esempio, Crazy Mama e Call Me the Breeze, su cui i Lynyrd Skynyrd hanno poi registrato la loro famosa cover). Poi vennero gli album Really, Oakie e Troubadour, dipendenti dalla loro "cocaina" Eric Clapton e Karl Radle.

Dopo il famoso concerto del 1994 all'Hammersmith Odeon, lui ed Eric divennero buoni amici (Eric era noto anche per la sua modestia all'inizio della sua carriera) e mantennero un rapporto costante. Il frutto della loro amicizia è stato l'album del 2006 Road to Escondido. Questo album vincitore di un Grammy è una rappresentazione idealistica del blues. I due chitarristi si bilanciano a tal punto da creare una sensazione di completa pace.

JJ Cale è morto nel 2013, lasciando al mondo il suo lavoro, che è ancora ispirato ai musicisti. Eric Clapton ha pubblicato un album tributo a John, dove ha invitato i suoi fan: John Mayer, Mark Knopfler, Derek Trucks, Willie Nelson e Tom Petty.

Gary Clark Jr.

Musicista preferito di Barack Obama, Gary è l'artista più innovativo dell'ultimo decennio. Mentre tutte le ragazze negli USA sono pazze di lui (beh, e John Mayer, senza di lui in alcun modo), Gary, con il suo fuzz, trasforma la musica in una miscela psichedelica di blues, soul e hip-hop. Il musicista è cresciuto sotto la rigorosa guida di Jimmy Vaughn, fratello di Stevie Ray, e ha ascoltato tutto ciò che gli capitava sotto mano, dal country al blues. Tutto questo può essere ascoltato nel suo primo album nel 2004, 110, dove puoi ascoltare blues classico, soul e country, e nulla si distingue dallo stile dell'album, musica folk nera del Mississippi degli anni '50.

Dopo l'uscita dell'album, Gary è andato sottoterra e ha suonato con numerosi musicisti. È tornato nel 2012 con un album melodico ed elettrico che ha colpito tutti, da Kirk Hammett e Dave Grohl a Eric Clapton. Quest'ultimo gli scrisse una lettera di ringraziamento e gli disse che dopo il suo concerto voleva riprendere in mano la chitarra.

Da allora, è diventato una sensazione blues, "il prescelto" e il "futuro della chitarra blues", partecipa al concerto di beneficenza Crossroads di Eric Clapton e riceve un Grammy per la canzone Please Come Home. Dopo un esordio del genere, è difficile tenere alto il livello, ma a Gary non è mai importato delle opinioni degli altri. Ha pubblicato il suo prossimo album "per amore della musica" e nel suo caso questa filosofia ha funzionato bene. The Story of Sonny Boy Slim si è rivelato meno pesante, ma il suo soul blues elettrico si sposa perfettamente con lo stile dell'intero album. Anche se alcune delle sue canzoni suonano pop, hanno qualcosa che manca così tanto nella musica moderna: l'individualità.

Questo album può sembrare più morbido, poiché si è rivelato molto personale (durante la registrazione, la moglie di Gary ha dato alla luce il loro primo figlio, il che gli ha fatto ripensare alla sua vita), ma si è rivelato altrettanto blues e melodico, prendendo il suo lavorare a un livello completamente nuovo.

Joe Bonamassa

È opinione diffusa che Joe sia il chitarrista più noioso del mondo (e per qualche ragione nessuno chiama Gary Moore noioso), ma ogni anno diventa sempre più popolare, fa il tutto esaurito ai suoi spettacoli all'Albert Hall e va in giro per il mondo con concerti... In generale, non importa quello che dicono, Joe è un chitarrista talentuoso e melodico che ha fatto grandi progressi nel suo lavoro dall'inizio della sua carriera.

Lui, si potrebbe dire, è nato con una chitarra in mano: a 8 anni stava già aprendo uno spettacolo per BB King, ea 12 suonava regolarmente nei club di New York. Ha pubblicato il suo album di debutto abbastanza tardi - all'età di 22 anni (prima suonava nella band Bloodline con i figli di Miles Davis). A New Day Yesterday è uscito nel 2000, ma ha raggiunto le classifiche solo nel 2002 (9° posto tra gli album blues), il che non sorprende: consisteva principalmente di cover. Tuttavia, due anni dopo, Joe ha pubblicato il suo album più iconico, So, It's Like That, che è stato scelto da tutti quelli che potevano.

Da allora, Joe ha pubblicato regolarmente ogni anno o due album che sono stati pesantemente criticati, ma hanno raggiunto almeno la top 5 di Billboard. I suoi album (soprattutto Blues Deluxe, Sloe Gin e Dust Bowl) suonano viscosi, pesanti e blues, senza lasciare andare l'ascoltatore fino alla fine. In effetti, Joe è uno dei pochi musicisti la cui visione del mondo si evolve di album in album. Le sue canzoni stanno diventando più brevi e più vivaci, ei suoi album sono concettuali. La sua ultima uscita è stata letteralmente registrata la prima volta. Secondo Joe, il blues moderno è troppo elegante, i musicisti non si sforzano troppo, poiché tutto può essere formattato o riprodotto di nuovo, hanno perso tutta l'energia e la spinta. Quindi questo album è stato registrato nel corso di una jam di cinque giorni, e puoi ascoltare tutto quello che è successo lì (senza second take e con una post-elaborazione minima per preservare l'atmosfera).

Pertanto, la chiave della sua creatività non è ascoltare le canzoni sugli album (soprattutto i primi lavori: il tuo cervello sarà violentato da infiniti assoli e tensione, che si intensifica solo verso la fine dell'album). Se sei un fan della musica tecnica e degli assoli contorti, Joe sarà sicuramente di tuo gradimento.

Philip Sayes

Philip Sayes è un chitarrista con sede a Toronto la cui performance è così impressionante che è stato invitato a prendere parte al Crossroads Guitar Festival di Eric Clapton. È cresciuto ascoltando la musica di Paradise Cooder e Mark Knopfler, ei suoi genitori avevano una vasta collezione di album blues, che non potevano che influenzare il suo lavoro. Ma Philip deve la sua svolta alla scena professionale al leggendario chitarrista Jeff Healy, che lo prese sotto la sua ala protettrice e gli diede un'ottima educazione musicale.

Jeff in qualche modo è arrivato al concerto di Philip a Toronto, e gli è piaciuto così tanto il suo modo di suonare che la prossima volta che si sono incontrati, lo ha invitato sul palco per suonare. Philip era al club con il suo manager, e non appena si sono seduti, Jeff si è avvicinato a loro e ha invitato Philip a unirsi al suo gruppo, promettendogli di rimetterlo in piedi e insegnargli come esibirsi in grandi locali.

Philip trascorse i successivi tre anni e mezzo in tournée con Jeff Healy. Si è anche esibito al famoso Montreux Jazz Festival, dove ha condiviso il palco con giganti del blues come BB King, Robert Cray e Ronnie Earl. Jeff gli ha dato un'incredibile opportunità di imparare dai migliori, giocare con i migliori e migliorare da solo. Ha supportato ZZ Top e Deep Purple, e la sua musica è una spinta infinita.

Philip ha pubblicato il suo primo album da solista Peace Machine nel 2005, e questo è il suo miglior lavoro fino ad oggi. Combina l'energia grezza della chitarra rock blues e dell'anima. I suoi album successivi (Inner Revolution e Steamroller dovrebbero essere evidenziati) diventano più pesanti, ma conservano ancora quella spinta blues in stile Stevie Rae Vaughn che fa parte del suo stile - questo può essere detto solo dal suo pazzo vibrato che usa suonando dal vivo.

Molti troveranno le somiglianze tra Philip Says e Stevie Ray - la stessa Stratocaster stracciata, shuffle e spettacoli folli, e alcuni pensano che gli assomigli troppo. Tuttavia, il suono di Philip differisce dalla sua mente ideologica: suona più moderno e pesante.

Susan Tedeschi e Derek Trucks

Come ha detto l'icona della chitarra slide della Louisiana Sonny Landreth, sapeva in cinque secondi che Derek Trucks sarebbe stato il chitarrista più promettente nella scena del blues jam bianco. Nipote del batterista degli Allman Brothers Butch Trucks, si è comprato una chitarra acustica all'età di 9 anni per cinque dollari e ha iniziato a imparare a suonare la slide guitar. Ha scioccato tutti con la sua tecnica, non importa con chi ha giocato. Alla fine degli anni '90, ha vinto un Grammy per il suo progetto solista, ha suonato con la Allman Brothers Band e ha fatto tournée con Eric Clapton.

Susan, invece, è diventata famosa non solo per la sua abilità nel suonare la chitarra, ma anche per la sua voce magica, che affascina gli ascoltatori fin dal primo momento. Dal suo album di debutto Just Won't Burn, Susan è andata in tournée instancabilmente, ha registrato con Double Trouble, ha condiviso il palco con Britney Spears ai Grammy Awards, si è esibita con Buddy Guy e BB King e ha persino cantato insieme a Bob Dylan.

Dozzine di anni dopo l'inizio della loro carriera, Susan e Derek non solo si sono sposati, ma hanno anche creato la propria squadra chiamata Tedeschi Trucks Band. In realtà è dannatamente difficile trovare le parole per mostrare quanto siano bravi: Derek e Susan sono come Delaney e Bonnie del tempo presente. I fan del blues ancora non riescono a credere che due leggende del blues abbiano creato un proprio gruppo, e uno insolito: la Tedeschi Trucks Band è composta dai migliori 11 musicisti della moderna scena blues e soul. Hanno iniziato come un gruppo di cinque persone e gradualmente hanno assunto più musicisti. Il loro ultimo album contiene due batteristi e un'intera sezione di fiati.

Vendono all'istante tutti i biglietti per i concerti negli Stati Uniti e tutti sono in soggezione per i loro spettacoli. Il loro gruppo mantiene tutte le tradizioni del blues e del soul americani. La slide guitar si integra perfettamente con la voce vellutata di Tedeschi, e se in termini di tecnica Derek è in qualche modo migliore della moglie chitarrista, non la mette affatto in ombra. La loro musica è la perfetta fusione di blues, funk, soul e country.

John Mayer

Anche se senti questo nome per la prima volta, credimi, John Mayer è molto famoso. È così famoso che è al 7 ° posto per numero di abbonati su Twitter e la stampa americana discute della sua vita personale allo stesso modo in cui la stampa gialla in Russia fa Alla Pugacheva. È così famoso che tutte le ragazze, le donne e le nonne americane non solo sanno chi è, ma sognano anche che tutti i chitarristi del mondo lo ammirino, e non Jeff Hanneman.

È anche l'unico musicista strumentale che si trova alla pari con gli idoli pop contemporanei. Come disse una volta lui stesso a una rivista britannica: “Non puoi fare musica ed essere popolare. Le celebrità fanno musica molto, molto brutta, quindi scrivo la mia come musicista. ”

John ha preso in mano una chitarra all'età di 13 anni, ispirato dal bluesman texano Stevie Rae Vaughn. Ha suonato nei bar della sua città natale di Bridgeport fino a quando non si è diplomato al liceo ed è andato a studiare al Berkeley College of Music. Lì studiò per due semestri finché non partì per Atlanta con 1.000 dollari in tasca. Ha suonato nei bar e ha scritto tranquillamente canzoni per il suo album di debutto del 2001 Room For Squares, che è diventato multi-platino.

John ha diversi Grammy al suo attivo e la sua combinazione di melodie impeccabili, testi di qualità e arrangiamenti ben congegnati lo ha reso grande quanto Stevie Wonder, Sting e Paul Simon, i musicisti che hanno trasformato la musica pop in arte.

Ma nel 2005, ha spento la traccia come artista pop, non ha avuto paura di perdere i suoi ascoltatori, ha cambiato la sua Martin acustica per una Fender Stratocaster e si è unito ai ranghi delle leggende del blues. Ha suonato con Buddy Guy e BB King, è stato persino invitato dallo stesso Eric Clapton al festival di chitarra Crossroads. I critici erano scettici su questo cambio di scenario, ma John ha sorpreso tutti molto: il suo trio elettrico (insieme a Pino Palladin e Steve Jordan) ha prodotto un rock blues senza precedenti con un groove killer. Nell'album del 2005 Try! John si è concentrato sul lato più morbido di Jimi Hendrix, Stevie Rae Vaughn e BB King, e con i suoi assoli melodici, ha interpretato brillantemente i cliché del blues.

John è sempre stato melodico, anche il suo ultimo album del 2017 si è rivelato sorprendentemente morbido: qui si sente soul e persino country. Con le sue canzoni, John non solo fa impazzire le ragazze di 16 anni negli Stati Uniti, ma rimane anche un vero musicista professionista, si evolve costantemente e ogni volta porta qualcosa di nuovo nella sua musica. Bilancia perfettamente la sua reputazione di artista pop con il suo sviluppo come musicista. Se prendi anche le sue canzoni più pop e le metti da parte, rimarrai sorpreso da quanto sta succedendo lì.

Le sue canzoni parlano di tutto: amore, vita, relazioni personali. Se eseguite da qualcun altro, molto probabilmente diventerebbero normali canzoni folk, ma grazie alla voce morbida di John combinata con blues, soul e altri generi, diventano ciò che sono. E che di certo non vuoi spegnere.

Il mondo del blues è pieno di musicisti brillanti che si sono regalati in ogni album, e alcuni di loro sono diventati leggende senza mai pubblicare un singolo disco! JazzPeople ha selezionato i 5 migliori album blues registrati da grandi musicisti che hanno influenzato non solo la loro vita e il loro lavoro, ma hanno anche influenzato l'intero sviluppo della musica di questo genere.

B. B. King - Perché canto il blues

Nel corso della sua lunga carriera creativa, "King of the Blues" ha pubblicato più di 40 album e rimarrà per sempre nei cuori di milioni di fan in tutto il mondo. Nel 1983 uscì il suo diciassettesimo disco, intitolato Why I Sing the Blues, che rispondeva letteralmente alla domanda sul perché King canta il blues.

La tracklist includeva composizioni famose del musicista come Ain't Nobody Home, Ghetto Woman, Why I Sing the Blues, To Know You is To Love You e, naturalmente, la prima di queste è stata la famosa The Thrill is Gone, che ha ricevuto un'immensa popolarità e molti premi. La musica del maestro blues ha sempre suscitato negli ascoltatori profonde emozioni e reciproci sentimenti, e in questo disco sono state raccolte, infatti, le canzoni più "aspre" di King, permettendoci di "entrare in conversazione" con il bluesman e ascoltare i suoi storia emozionante, in questo caso, più di una.

Robert Johnson - Il re dei cantanti del Delta Blues

Il grande Robert Johnson, secondo la leggenda, vendette la sua anima al diavolo in cambio di imparare a suonare il blues, durante la sua breve vita (Johnson morì all'età di 27 anni) non registrò un solo album, ma nonostante ciò, la sua musica è non solo viva fino ad oggi, perseguita sia musicisti famosi che fan del blues. L'intera vita del chitarrista era avvolta da un'aura di misticismo e strane coincidenze, che si rifletteva direttamente nel suo lavoro.

Oltre a numerosi rifacimenti e riedizioni di sue composizioni, merita sicuramente attenzione l'album del 1998 (la riedizione ufficiale dell'album del 1961) Re dei cantanti delta blues... La stessa copertina del disco si sintonizza già per un ascolto solitario e una full immersion nel difficile mondo di Robert Johnson, come se fosse ancora vivo. Se vuoi provare a capire il blues, inizia con Johnson, con i suoi strazianti Cross Road Blues, Walking Blues, Me and the Devil Blues, Hellhound on My Trail, Traveling Riverside Blues.

Stevie Ray Vaughan - Texas Flood

Il tragicamente scomparso (precipitato in elicottero nel 1990 all'età di 35 anni) è riuscito a lasciare un segno enorme nella storia della musica blues. La creatività del cantante e chitarrista si è distinta per la sua originalità e il modo potente di esibirsi. Il musicista ha collaborato e si è esibito in concerti con molte famose figure blues, ad esempio Buddy Guy, Albert King e altri.

In ogni improvvisazione, Vaughn con brillantezza e genuina apertura ha trasmesso i suoi sentimenti e le sue emozioni, grazie alle quali il blues mondiale è stato riempito con nuovi successi.

Il suo colorato album Texas Flood, registrato con il team Double Trouble e pubblicato nel 1983, include le composizioni più famose e successivamente più popolari per il musicista, tra cui Pride and Joy, Texas Flood, Mary Had a Little Lamb, Lenny e, naturalmente, , languido, senza fretta Tin Pan Alley. Il bluesman condivide con i suoi ascoltatori non solo la sua musica, ma una parte della sua anima in ogni melodia che esegue, e tutte, ovviamente, meritano molta attenzione.

Buddy Guy - Accidenti a destra, ho il blues

Non sorprende che un bluesman con un tale talento musicale sia stato rapidamente notato e preso sotto il suo patrocinio. Il modo unico e virtuoso di suonare e il carisma di Buddy Guy gli hanno portato rapidamente fama e rispetto da colleghi e ascoltatori di tutto il mondo, e l'album con un titolo appariscente Accidenti a destra, ho il blues ha ricevuto il Grammy Award nel 1991.

Il disco è pieno di testi eccellenti, prestazioni uniche e trasmissione emotiva nelle composizioni e nello stile: electro-blues, Chicago, a volte anche blues arcaico. La dinamica e il carattere del disco sono immediatamente impostati dalla prima canzone - Damn Right, I've Got the Blues, continua in Five Long Years, There Is Something on Your Mind, ci porta nel mondo notturno del musicista in Black Night, dopo che risveglia il dinamico Let Me Love You Baby, e nel finale del disco, il musicista rende omaggio a Stevie Ray Vaughn, morto nel 1990, nel brano Rememberin 'Stevie.

T-Bone Walker - Buona sensazione

Puoi entrare nello spirito del vero blues texano ascoltando il temperamento album di T-Bone Walker Good Feelin ', registrato nel 1969 e che riceve un Grammy un anno dopo. Il disco contiene i grandi brani dell'artista - Good Feelin ', Every Day I Have the Blues, Sail On, Little Girl, Sail On, See You Next Time, Vacation Blues.

Il bluesman ha avuto un impatto significativo sul lavoro di molti musicisti di talento, tra cui Otis Rush, Jimi Hendrix, BB King, Freddie King e molti altri. L'album rivela il vero carattere di Walker, mettendo in mostra tutta la grandezza del suo modo di suonare, il virtuosismo e la tecnica vocale. Una caratteristica speciale del disco è che inizia e finisce con la narrazione non ufficiale di Walker, in cui si accompagna al pianoforte. Il musicista saluta il pubblico e lo invita a concentrarsi su ciò che seguirà.