Chi ha dipinto i primi quadri? Chi ha dipinto i primissimi dipinti Se un dipinto contiene composizioni a più figure e soggetti complessi, ma sembrano più realistici dei dipinti di Bosch, assicurati: questo è Bruegel

I primi artisti sulla terra furono uomini delle caverne. Sulle pareti delle grotte nel sud della Francia e in Spagna sono stati scoperti disegni colorati di animali, realizzati tra il 30.000 e il 20.000 aC. Molti di questi disegni sono straordinariamente ben conservati perché le grotte erano sconosciute per secoli. Gli antichi dipingevano animali selvatici che vedevano intorno a loro. Figure umane, molto immature nella loro tecnica di esecuzione, ma disegnate come se fossero in pose viventi, furono trovate in Africa e nella Spagna orientale.

Gli artisti delle caverne hanno dipinto le pareti delle grotte con una varietà di colori vivaci. Come coloranti venivano usati l'ocra di terra (ossidi di ferro di vari colori - dal giallo brillante all'arancione scuro) e il manganese (un elemento metallico). Venivano frantumati in polvere, mescolati a grasso, strutto animale e applicati con una specie di pennello. A volte i coloranti, macinati in polvere e mescolati con lo strutto, venivano riempiti in bastoncini di legno che sembravano "matite colorate".

I cavernicoli dovevano fare nappe da peli di animali o fibre vegetali e incisivi affilati e affilati di selce per scarabocchiare le linee. Una delle prime civiltà è apparsa in Egitto, e poi c'erano artisti che dipingevano quadri. Molte opere d'arte sono state create per decorare le piramidi e le tombe dei faraoni e di altre persone importanti. Sui dipinti murali delle tombe, gli artisti hanno immortalato scene di vita umana. Hanno usato acquerelli e calce.

Un'altra civiltà antica - l'Egeo - raggiunse anche un significativo livello di sviluppo dell'arte della pittura. I loro artisti hanno lavorato in uno stile libero e aggraziato, hanno rappresentato la vita del mare, animali, fiori, giochi sportivi. I loro disegni sono stati fatti su intonaco bagnato. Ora chiamiamo questo tipo speciale di pittura murale. Quindi puoi vedere che il disegno ha le sue radici nei primissimi anni della civiltà umana.

Per molti sembra un compito travolgente ricordare gli artisti e i loro dipinti. Per centinaia di anni, la storia ha inciso i nomi di molti artisti, i cui nomi sono ben noti, in contrasto con i dipinti. Come ricordare la particolarità dell'artista e il suo stile? Abbiamo preparato una breve descrizione per coloro che vogliono comprendere le belle arti:

Se i dipinti raffigurano persone con grandi culi, stai tranquillo: questo è Rubbens

Se le persone in bei vestiti riposano nella natura - Watteau

Se gli uomini sono come le donne dai capelli ricci, con gli occhi pelosi - Questo è Caravaggio

Se un dipinto con uno sfondo scuro raffigura una persona con un'espressione beata sul viso o un martire - Tiziano

Se l'immagine contiene composizioni a più figure, molte persone, oggetti, motivi cristiani e surreali, questo è Bosch

Se un'immagine contiene composizioni a più figure e soggetti complessi, ma sembrano più realistici dei dipinti di Bosch, assicurati: questo è Bruegel.

Se vedi un ritratto di una persona su uno sfondo scuro in una fioca luce gialla - Rembrandt

Trame bibliche e mitologiche raffiguranti diversi amorini grassocci di Francois Boucher

Corpi nudi, gonfi, forme perfette - Michelangelo

Le ballerine sono disegnate, questo è Degas

Immagini nitide e contrastate con volti emaciati e barbuti - El Greco

Se l'immagine mostra una ragazza con un monociglio, questa è Frida

Tratti veloci e leggeri, colori accesi e immagini della natura - Monet

Colori chiari e persone gioiose - Renoir

Luminoso, colorato e saturo - Van Gogh

Colori spenti, contorni neri e persone tristi - Manet

Lo sfondo è come quello del film Il Signore degli Anelli, con una nebbia azzurra. I capelli mossi e il naso aristocratico di Madonna - Da Vinci

Se il corpo raffigurato nel dipinto ha una forma insolita - Picasso

Quadrati colorati come documento exel - Mondrian

Il 3 dicembre 1961 ebbe luogo un evento significativo al Museum of Modern Art di New York: il dipinto di Matisse "The Boat", che rimase appeso a testa in giù per 46 giorni, fu adeguatamente pesato. Vale la pena dire che questo non è un incidente isolato e divertente associato ai dipinti di grandi artisti.

Pablo Picasso ha dipinto uno dei suoi famosi ritratti in meno di 5 minuti

Una volta, uno dei conoscenti di Pablo Picasso, guardando le sue nuove opere, disse sinceramente all'artista: “Scusa, ma non riesco a capirlo. Queste cose semplicemente non esistono". Al che Picasso ribatté: “Neanche tu capisci il cinese. Ma esiste ancora». Tuttavia, molti non hanno capito Picasso. Una volta invitò lo scrittore russo Ehrenburg, suo buon amico, a dipingere il suo ritratto. Ha accettato felicemente, ma non ha avuto il tempo di sedersi su una sedia per posare, poiché l'artista ha detto che tutto era pronto.

Ehrenburg ha espresso sorpresa per la velocità di esecuzione dell'opera, dopotutto non erano trascorsi nemmeno 5 minuti, a cui Picasso ha risposto: “Ti conosco da 40 anni. E in tutti questi 40 anni ho imparato a dipingere ritratti in 5 minuti".

Ilya Repin ha aiutato a vendere un dipinto che non ha dipinto

Una signora ha acquistato un dipinto completamente mediocre sul mercato per soli 10 rubli, su cui era orgogliosamente adornata la firma "I. Repin". Quando un intenditore di pittura mostrò questo lavoro a Ilya Efimovich, rise e finì di scrivere "Questo non è Repin" e firmò il suo autografo. Dopo un po ', una donna intraprendente ha venduto un dipinto di un artista sconosciuto firmato dal grande maestro per 100 rubli.

Gli orsi nel famoso dipinto di Shishkin sono stati dipinti da un altro artista

C'è una legge non detta tra gli artisti: l'assistenza reciproca professionale. Dopotutto, ognuno di loro non ha solo trame e punti di forza preferiti, ma anche punti deboli, quindi perché non aiutarsi a vicenda. Quindi, è noto per certo che per il dipinto "Pushkin in riva al mare" di Aivazovsky, la figura del grande poeta è stata dipinta da Repin, e per il dipinto di Levitan, "Autumn Day. Sokolniki "la signora in nero è stata dipinta da Nikolai Cechov. Il pittore paesaggista Shishkin, che poteva disegnare ogni filo d'erba e aghi nei suoi dipinti, non ha avuto orsi durante la creazione del dipinto "Morning in a Pine Forest". Pertanto, gli orsi per il famoso dipinto Shishkin sono stati dipinti da Savitsky.

Un pezzo di fibra di legno, su cui è stata semplicemente versata la vernice, è diventato uno dei dipinti più costosi

Il dipinto più costoso del mondo nel 2006 è stato "Numero 5, 1948" di Jackson Polock. In una delle aste, il dipinto è andato a $ 140 milioni. Può sembrare divertente, ma l'artista non si è "preoccupato" particolarmente della creazione di questo quadro: ha semplicemente versato della vernice su un pezzo di fibra di legno steso sul pavimento.

Rubens ha criptato la data di creazione del suo dipinto da parte delle stelle

Per molto tempo, critici d'arte e scienziati non sono stati in grado di stabilire la data di creazione di uno dei dipinti più famosi di Rubens: il dipinto "La festa degli dei sull'Olimpo". Il mistero è stato risolto solo dopo che gli astronomi hanno dato un'occhiata più da vicino all'immagine. Si è scoperto che i personaggi nell'immagine erano disposti esattamente nello stesso ordine in cui si trovavano i pianeti nel cielo nel 1602.

Il logo Chupa-Chups è stato dipinto dal famoso surrealista

Nel 1961, Enrique Bernata, proprietario dell'azienda Chupa-Chups, chiese all'artista Salvador Dalì di disegnare un'immagine per un involucro di caramelle. Dalì ha soddisfatto la richiesta. Oggi questa immagine, seppur in forma leggermente modificata, è riconoscibile sulle caramelle di questa azienda.

Da segnalare che nel 1967 in Italia, con la benedizione del Papa, uscì con le illustrazioni di Salvador Dalì.

Il dipinto più costoso Il tormento porta sfortuna

Il dipinto di Munch "The Scream" è stato venduto all'asta per $ 120 milioni ed è oggi il dipinto più costoso di questo artista. Dicono che Munch, il cui percorso di vita è una serie di tragedie, le abbia messo così tanto dolore che l'immagine ha assorbito energia negativa e si è vendicata dei colpevoli.

Uno dei dipendenti del Museo Munch in qualche modo lasciò cadere accidentalmente il dipinto, dopo di che iniziò a soffrire di terribili mal di testa, che portarono quest'uomo a suicidarsi. Un altro impiegato del museo, che non poteva reggere il dipinto, pochi anni dopo ebbe un terribile incidente d'auto. E un visitatore del museo, che si è permesso di toccare il quadro, dopo qualche tempo è stato bruciato vivo nel fuoco. Tuttavia, è possibile che queste siano solo coincidenze.

Il "Quadrato nero" di Malevich ha un "fratello maggiore"

Il quadrato nero, che è forse il dipinto più famoso di Kazimir Malevich, è una tela di 79,5 * 79,5 centimetri con un quadrato nero raffigurato su uno sfondo bianco. Malevich dipinse il suo dipinto nel 1915. E nel 1893, 20 anni prima di Malevich, Alphonse Allay, uno scrittore umorista francese, dipinse il suo "quadrato nero". È vero, il dipinto di Alla si chiamava "La battaglia dei negri in una grotta profonda in una notte oscura".

Cristo e Giuda hanno un volto nel dipinto di da Vinci

Dicono che la creazione del dipinto "L'Ultima Cena" abbia richiesto uno sforzo titanico da parte di Leonardo da Vinci. L'artista ha trovato abbastanza rapidamente la persona da cui è stata dipinta l'immagine di Cristo. Uno dei coristi del coro della chiesa si avvicinò a questo ruolo. Ma Da Vinci stava cercando "Giuda" da tre anni.

Una volta per strada, l'artista ha visto un ubriacone, che ha cercato senza successo di uscire dal pozzo nero. Da Vinci lo portò in uno degli stabilimenti per bere, lo fece sedere e iniziò a dipingere. Che sorpresa è stata l'artista quando, dopo essersi aperto, l'ubriacone ha ammesso che diversi anni fa aveva già posato per lui. Si è scoperto che questo è lo stesso corista.

In quasi ogni opera d'arte significativa, c'è un mistero, un "doppio fondo" o una storia segreta che vuoi svelare.

Musica sui glutei

Hieronymus Bosch, Il giardino delle delizie, 1500-1510.

Frammento di una parte di un trittico

Il dibattito sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa dell'artista olandese non si è placato sin dal suo inizio. Sull'ala destra del trittico intitolato "Inferno musicale" sono raffigurati peccatori che vengono torturati negli inferi con l'ausilio di strumenti musicali. Uno di loro ha delle note impresse sui glutei. Amelia Hamrick, studentessa della Christian University of Oklahoma, che ha studiato pittura, ha messo la notazione del XVI secolo in chiave moderna e ha registrato "una canzone del culo dell'inferno, che ha compiuto 500 anni".

Monna Lisa nuda

La famosa "La Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", fu dipinta dal poco noto artista Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono sicuri che sia stato il modello per i dipinti di Leonardo "Giovanni Battista" e "Bacco". Ci sono anche versioni che vestivano con un abito da donna, Salai fungeva da immagine della stessa Monna Lisa.

Vecchio pescatore

Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostka Chontvari dipinse il dipinto "Il vecchio pescatore". Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nell'immagine, ma Tivadar vi ha inserito un sottotesto che non è mai stato rivelato durante la vita dell'artista.

Pochi hanno avuto l'idea di mettere uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona possono esserci sia Dio (duplicato la spalla destra del Vecchio) che il Diavolo (duplicato la spalla sinistra del vecchio).

C'era una balena?

Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".

Sembrerebbe un paesaggio ordinario. Barche, gente sulla riva e il mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si sono radunate sulla riva per un motivo: nell'originale, hanno esaminato la carcassa di una balena lavata a terra.

Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare la balena morta e ha riscritto l'immagine.

Due "Colazioni sull'erba"

Edouard Manet, Colazione sull'erba, 1863.

Claude Monet, Colazione sull'erba, 1865.

Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet sono a volte confusi - dopotutto, erano entrambi francesi, vivevano allo stesso tempo e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Manet "Colazione sull'erba" Monet prese in prestito e scrisse la sua "Colazione sull'erba".

Raddoppia su "L'Ultima Cena"

Leonardo da Vinci, L'Ultima Cena, 1495-1498.

Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, mise in risalto due figure: Cristo e Giuda. Era alla ricerca di modelli per loro da molto tempo. Alla fine riuscì a trovare tra i giovani cantori un modello per l'immagine di Cristo. Per tre anni non è stato possibile trovare un modello per Giuda Leonardo. Ma un giorno incontrò per strada un ubriacone che giaceva in una grondaia. Era un giovane che era invecchiato dall'ubriachezza sfrenata. Leonardo lo invitò in una taverna, dove iniziò subito a scrivere da lui Giuda. Quando l'ubriacone riprese conoscenza, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Sono stati diversi anni fa, quando ha cantato nel coro della chiesa, Leonardo ha scritto Cristo da lui.

"Vigilanza notturna" o "Vigilanza diurna"?

Rembrandt, La ronda di notte, 1642.

Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt "Performance della compagnia di fucili del capitano Frans Banning Kok e del tenente Willem van Ruutenbürg" è stato appeso in stanze diverse per circa duecento anni ed è stato scoperto dai critici d'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano apparire su uno sfondo scuro, fu chiamato "Night Watch", e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.

E solo durante il restauro, effettuato nel 1947, si scoprì che nella sala il dipinto era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne snaturava il colore. Dopo aver ripulito il dipinto originale, è stato finalmente rivelato che la scena presentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra della mano sinistra del Capitano Kok indica che l'azione non dura più di 14 ore.

Barca invertita

Henri Matisse, La barca, 1937.

Il Museum of Modern Art di New York nel 1961 espose un dipinto di Henri Matisse "The Boat". Solo dopo 47 giorni qualcuno si è accorto che il quadro era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo, la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non essere confusi su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe essere nella parte superiore del dipinto e il picco del dipinto dovrebbe essere verso l'angolo in alto a destra.

L'inganno nell'autoritratto

Vincent van Gogh, Autoritratto con pipa, 1889.

Ci sono leggende secondo cui van Gogh avrebbe tagliato il suo stesso orecchio. Ora si ritiene che la versione più affidabile sia che l'orecchio di Van Gogh sia stato danneggiato in una piccola colluttazione con la partecipazione di un altro artista: Paul Gauguin.

L'autoritratto è interessante in quanto riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro fasciato, perché ha usato uno specchio durante il suo lavoro. In effetti, l'orecchio sinistro è stato colpito.

orsi sconosciuti

Ivan Shishkin, "Il mattino nella pineta", 1889.

Il famoso dipinto non appartiene solo al pennello di Shishkin. Molti artisti, che erano amici tra loro, spesso ricorrevano all'"aiuto di un amico" e Ivan Ivanovich, che dipinse paesaggi per tutta la vita, temeva che toccare gli orsi non avrebbe funzionato come aveva bisogno. Pertanto, Shishkin si rivolse al noto pittore di animali Konstantin Savitsky.

Savitsky dipinse alcuni dei migliori orsi nella storia della pittura russa e Tretyakov ordinò di lavare il suo nome dalla tela, poiché tutto nella foto "dal disegno all'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, del metodo creativo peculiare di Shishkin."

L'innocente storia di "Gothic"

Grant Wood, gotico americano, 1930.

L'opera di Grant Wood è considerata una delle più strane e deprimenti della storia della pittura americana. Il dipinto con il padre e la figlia cupi è pieno di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e l'arretratezza delle persone raffigurate.
In effetti, l'artista non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una piccola casa in stile gotico e decise di raffigurare quelle persone che, a suo avviso, si adatterebbero idealmente come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista sono immortalati sotto forma di personaggi per i quali la gente dell'Iowa si è offesa.

La vendetta di Salvador Dali

Il dipinto "Figura alla finestra" è stato dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. Quindi Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e sua sorella Ana Maria era la sua musa ispiratrice. Il rapporto tra fratello e sorella si inasprì quando scrisse in uno dei dipinti "a volte sputo su un ritratto di mia madre, e mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare un tale shock.

Nel suo libro del 1949, Salvador Dalì attraverso gli occhi di una sorella, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare El Salvador. Per altri dieci anni dopo, la ricordava con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, appare il dipinto "Una giovane vergine, che indulge al peccato di Sodoma con l'aiuto delle corna della propria castità". La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la combinazione di colori dell'immagine riecheggiano chiaramente la "Figura alla finestra". C'è una versione in cui Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro in questo modo.

Danae . bifronte

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt sono stati svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, le riprese hanno mostrato che nella prima versione il volto della principessa, che aveva una relazione amorosa con Zeus, assomigliava al volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale dell'immagine, ha cominciato ad assomigliare al volto di Gertier Dierks, l'amante di Rembrandt, con la quale l'artista ha vissuto dopo la morte di sua moglie.

La camera gialla di Van Gogh

Vincent Van Gogh, La camera da letto ad Arles, 1888 - 1889.

Nel maggio 1888, Van Gogh acquisì un piccolo laboratorio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì da artisti e critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze Vincent sta allestendo una camera da letto. Ad ottobre è tutto pronto e decide di dipingere "La camera da letto di Van Gogh ad Arles". Per l'artista il colore e l'intimità della stanza erano molto importanti: tutto doveva suggerire l'idea del riposo. Allo stesso tempo, l'immagine è sostenuta da toni gialli allarmanti.

I ricercatori del lavoro di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta nei toni del verde-giallo.

Perfezione senza denti

Leonardo da Vinci, "Ritratto di Madame Lisa del Giocondo", 1503-1519.

L'opinione generalmente accettata è che Monna Lisa sia la perfezione e il suo sorriso sia bello nel suo mistero. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dall'espressione del suo viso, l'eroina abbia perso molti denti. Esaminando le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski trovò anche delle cicatrici intorno alla bocca. "Sorride così tanto proprio per quello che le è successo", ha detto l'esperto. "La sua espressione è tipica delle persone che hanno perso i denti davanti".

Maggiore sul controllo del viso

Pavel Fedotov, Il matchmaking del maggiore, 1848.

Il pubblico, che per primo ha visto il dipinto "The Major's Matchmaking", ha riso di cuore: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici, comprensibili per il pubblico di quel tempo. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: è apparso senza i bouquet richiesti per la sposa e sua madre. E i suoi genitori mercanti hanno scaricato la sposa stessa in un abito da ballo da sera, sebbene fuori fosse giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza ha chiaramente provato per la prima volta un vestito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare nella sua stanza.

Perché la libertà è nuda

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertà sulle barricate, 1830.

Secondo il critico d'arte Etienne Julie, Delacroix dipinse il volto di una donna del famoso rivoluzionario parigino - la lavandaia Anna-Charlotte, che arrivò alle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e uccise nove guardie. L'artista la dipinse a seno nudo. Secondo lui, questo è un simbolo di impavidità e altruismo, nonché il trionfo della democrazia: un petto nudo mostra che la libertà, come un cittadino comune, non indossa un corsetto.

Quadrato non quadrato

Kazimir Malevich, "Piazza suprematista nera", 1915.

Infatti il ​​"Quadrato Nero" non è affatto nero e per nulla quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno dei suoi altri lati, e nemmeno uno dei lati della cornice quadrata che incornicia il dipinto. E il colore scuro è il risultato della mescolanza di colori diversi, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non fosse la negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.

Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno scoperto l'iscrizione dell'autore sul famoso dipinto di Malevich. L'iscrizione recita: "Battaglia dei negri nella caverna oscura". Questa frase si riferisce al titolo dell'immagine giocosa del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais "Battle of the Negroes in a Dark Cave in the Deep of Night", che era un rettangolo completamente nero.

Melodramma della Gioconda austriaca

Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.

Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinad Bloch-Bauer. Tutta Vienna discuteva della tumultuosa storia d'amore tra Adele e il famoso artista. Il marito ferito voleva vendicarsi dei suoi amanti, ma ha scelto una strada molto insolita: ha deciso di ordinare a Klimt un ritratto di Adele e costringerlo a fare centinaia di schizzi fino a quando l'artista non inizia ad allontanarsi da lei.

Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse per diversi anni e il modello poteva vedere come i sentimenti di Klimt svanivano. Fece un'offerta generosa all'artista, che non poteva rifiutare, e tutto andò secondo lo scenario di un marito ingannato: il lavoro fu completato in 4 anni, gli amanti si erano da tempo raffreddati l'uno con l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai scoperto che suo marito era a conoscenza della sua relazione con Klimt.

Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin

Paul Gauguin, Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?, 1897-1898.

Il dipinto più famoso di Gauguin ha una particolarità: è "letto" non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola tra gli artigli) nell'angolo inferiore sinistro).

Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista è fuggito più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e andò in montagna a morire. Tuttavia, ha calcolato male la dose e il suicidio è fallito. La mattina dopo, dondolandosi, vagò verso la sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898 i suoi affari andarono in salita e iniziò un periodo più luminoso nel suo lavoro.

112 proverbi in una foto

Pieter Bruegel il Vecchio, Proverbi olandesi, 1559

Pieter Bruegel Sr. ha rappresentato una terra abitata da immagini letterali di proverbi olandesi di quei giorni. Ci sono circa 112 modi di dire riconoscibili nel dipinto. Alcuni di questi sono usati fino ad oggi, come: "nuota contro corrente", "sbatti la testa contro il muro", "armati fino ai denti" e "un pesce grande ne mangia uno piccolo".

Altri proverbi riflettono la stupidità umana.

Soggettività dell'arte

Paul Gauguin, Villaggio bretone nella neve, 1894

Il dipinto di Gauguin "Breton Village in the Snow" è stato venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il nome di "Niagara Falls". La persona che conduceva l'asta ha accidentalmente appeso il dipinto a testa in giù, vedendo una cascata al suo interno.

Immagine nascosta

Pablo Picasso, La stanza azzurra, 1901

Nel 2008, la luce a infrarossi ha mostrato un'altra immagine nascosta sotto la Blue Room: un ritratto di un uomo vestito con un abito con un papillon e la testa appoggiata sul braccio. “Non appena Picasso ha avuto una nuova idea, ha preso un pennello e l'ha incarnata. Ma non ha avuto l'opportunità di acquistare una nuova tela ogni volta che la sua musa lo ha visitato ", spiega la critica d'arte Patricia Favero la possibile ragione di ciò.

Marocchini inaccessibili

Zinaida Serebryakova, Nuda, 1928

Una volta Zinaida Serebryakova ricevette un'offerta allettante: intraprendere un viaggio creativo per rappresentare le figure nude delle fanciulle orientali. Ma si è scoperto che era semplicemente impossibile trovare modelli in quei luoghi. Il traduttore di Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la sposa. Nessuno prima e dopo è riuscito a catturare le donne orientali chiuse nude.

Intuizione spontanea

Valentin Serov, "Ritratto di Nicola II in giacca", 1900

Per molto tempo Serov non ha potuto dipingere un ritratto dello zar. Quando l'artista si arrese completamente, si scusò con Nikolai. Nikolai si è un po 'turbato, si è seduto al tavolo, allungando le braccia davanti a lui ... E poi l'artista è apparso: ecco un'immagine! Un semplice militare in giacca da ufficiale con occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato la più bella rappresentazione dell'ultimo imperatore.

Diavolo di nuovo

© Fedor Reshetnikov

Il famoso dipinto "Deuce Again" è solo la seconda parte della trilogia artistica.

La prima parte è "Arrivati ​​per le vacanze". Una famiglia chiaramente benestante, vacanze invernali, uno studente eccellente e gioioso.

La seconda parte è "Deuce again". Una famiglia povera di una periferia operaia, all'apice dell'anno scolastico, avvilito, stordito, ha di nuovo afferrato un due. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Arrivato per le vacanze".

La terza parte è "Riesame". Una casa di campagna, d'estate, tutti camminano, un ignorante malizioso, che non ha superato l'esame annuale, è costretto a sedersi tra quattro mura ea stiparsi. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere il dipinto "Deuce again".

Come nascono i capolavori

Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844

Nel 1842 la signora Simon stava viaggiando in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e rimase a fissarla così per dieci minuti. Incapace di contenere la sua curiosità, la donna aprì anche la finestra e iniziò a guardare avanti. Un anno dopo, ha scoperto il dipinto "Pioggia, vapore e velocità" in una mostra alla Royal Academy of Arts ed è stato in grado di riconoscere in esso l'episodio stesso sul treno.

Lezione di anatomia da Michelangelo

Michelangelo, La creazione di Adamo, 1511

Un paio di esperti di neuroanatomia americani credono che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in una delle sue opere più famose. Credono che ci sia un cervello enorme sul lato destro dell'immagine. Sorprendentemente, si possono trovare anche componenti complessi come il cervelletto, i nervi ottici e la ghiandola pituitaria. E l'accattivante nastro verde si abbina perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.

L'Ultima Cena di Van Gogh

Vincent Van Gogh, Terrazza del caffè di notte, 1888

Il ricercatore Jared Baxter ritiene che la dedica a "L'Ultima Cena" di Leonardo da Vinci sia criptata sul dipinto di Van Gogh Terrace Café at Night. Al centro dell'immagine c'è un cameriere con i capelli lunghi e una tunica bianca che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui ci sono esattamente 12 visitatori del caffè. Inoltre, Baxter richiama l'attenzione sulla croce situata proprio dietro la schiena del cameriere in bianco.

L'immagine della memoria di Dalì

Salvador Dalì, La persistenza della memoria, 1931

Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori erano sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito sulla tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto "La persistenza della memoria" è stato dipinto a seguito di associazioni sorte alla vista del formaggio fuso.

Di cosa urla Munch?

Edvard Munch, L'urlo, 1893.

Munch ha parlato della sua idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: "Stavo camminando lungo il sentiero con due amici - il sole stava tramontando - improvvisamente il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato contro il recinto - ho guardato il sangue e le fiamme sul fiordo nero-bluastro e sulla città - i miei amici sono andati avanti e io sono rimasto tremante di eccitazione, sentendo un grido infinito che trafiggeva la natura ". Ma che tipo di tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?

Esiste una versione secondo cui l'idea di "Scream" è nata a Munch nel 1883, quando si sono verificate diverse potenti eruzioni del vulcano Krakatoa - così potenti che hanno cambiato la temperatura dell'atmosfera terrestre di un grado. Un'abbondante quantità di polvere e cenere si è diffusa in tutto il mondo, raggiungendo anche la Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano sul punto di arrivare all'apocalisse: uno di questi è diventato una fonte di ispirazione per l'artista.

Scrittore tra la gente

Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.

Decine di sitter hanno posato per Alexander Ivanov per la sua foto principale. Uno di loro è noto non meno dell'artista stesso. Sullo sfondo, tra i viandanti ei cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si vede un personaggio in tunica korchin. Ivanov l'ha scritto da Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato da vicino con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli nel processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "è morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".

La gotta di Michelangelo

Raffaello Santi, Scuola di Atene, 1511.

Creando il famoso affresco "La scuola di Atene", Raffaello ha immortalato i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di loro era Michelangelo Buonarotti "nel ruolo di" Eraclito. Per diversi secoli, l'affresco ha mantenuto i segreti della vita personale di Michelangelo e i ricercatori moderni hanno suggerito che il ginocchio stranamente angolare dell'artista indica la presenza di una malattia articolare.

Questo è probabile, dato lo stile di vita e le condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e la cronica maniaca del lavoro di Michelangelo.

Lo specchio di Arnolfini

Jan van Eyck, "Ritratto della coppia Arnolfini", 1434

Nello specchio dietro la coppia Arnolfini si vede il riflesso di altre due persone nella stanza. Molto probabilmente si tratta di testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è van Eyck, come testimonia l'iscrizione latina, posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: "Jan van Eyck era qui". Questo è il modo in cui i contratti venivano solitamente sigillati.

Come la mancanza si è trasformata in talento

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.

La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha portato al fatto che l'artista era in grado di percepire meglio la realtà in due dimensioni rispetto alle persone con una visione normale. Questo fenomeno è chiamato "stereo cecità" - l'incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma poiché il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, proprio questo difetto di Rembrandt potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.

Venere senza peccato

Sandro Botticelli, La nascita di Venere, 1482-1486.

Prima dell'apparizione di "La nascita di Venere", l'immagine di un corpo femminile nudo nella pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli è stato il primo pittore europeo a non trovare in lui nulla di peccaminoso. Inoltre, i critici d'arte sono sicuri che la dea pagana dell'amore simbolizzi un'immagine cristiana sull'affresco: il suo aspetto è un'allegoria della rinascita di un'anima che ha subito il rito del battesimo.

Suonatore di liuto o suonatore di liuto?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Il suonatore di liuto, 1596.

Per molto tempo, il dipinto è stato esposto all'Ermitage con il titolo "Il suonatore di liuto". Solo all'inizio del Novecento i critici d'arte concordano sul fatto che la tela ritrae ancora un giovane (probabilmente il suo amico artista Mario Minniti ha posato per Caravaggio): sulle note davanti al musicista si vede la registrazione della parte di basso di madrigal Jacob Arcadelt “Lo sai che ti amo” ... Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere - è solo difficile per la sua gola. Inoltre, il liuto, come il violino all'estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile nell'era di Caravaggio.

"Suora" di Ilya Repin

Ilya Repin. Suora. 1878. Galleria Statale Tretyakov / Ritratto ai raggi X

Una giovane ragazza in austero abito monacale guarda pensierosa lo spettatore dal ritratto. L'immagine è classica e familiare - probabilmente non avrebbe suscitato interesse tra i critici d'arte se non fosse stato per le memorie di Lyudmila Alekseevna Shevtsova-Spore, la nipote della moglie di Repin. In loro è stata rivelata una storia interessante.

Sophia Repina, nata Shevtsova, ha posato per "The Nun" Ilya Repina. La ragazza era la cognata dell'artista - e un tempo lo stesso Repin era seriamente affascinato da lei, ma sposò sua sorella minore Vera. Sophia divenne la moglie del fratello di Repin, Vasily, uno studente d'orchestra del Teatro Mariinsky.

Ciò non ha impedito all'artista di dipingere ripetutamente ritratti di Sophia. Per uno di loro, la ragazza ha posato in un abito da ballo formale: un vestito leggero ed elegante, maniche di pizzo, un'acconciatura alta. Mentre lavorava al dipinto, Repin ha avuto un serio litigio con il modello. Come sai, tutti possono offendere un artista, ma pochi possono vendicarsi con la stessa genialità di Repin. L'artista offeso ha "vestito" Sophia nel ritratto in abiti monastici.

La storia, simile a un aneddoto, è stata confermata da una radiografia. I ricercatori sono stati fortunati: Repin non ha ripulito lo strato di vernice originale, il che ha permesso di esaminare in dettaglio l'abito originale dell'eroina.

"Park Alley" di Isaac Brodsky

Isaac Brodsky. Vicolo del parco. 1930. Collezione privata / Isaac Brodsky. Vicolo del parco a Roma. 1911

Lo studente di Repin, Isaac Brodsky, ha lasciato un mistero altrettanto interessante per i ricercatori. La Galleria Tretyakov contiene il suo dipinto "Park Alley", che a prima vista è insignificante: Brodsky aveva molte opere sui temi del "parco". Tuttavia, più ci si addentra nel parco, più gli strati sono colorati.

Uno dei ricercatori ha attirato l'attenzione sul fatto che la composizione dell'immagine somigliava in modo sospetto a un'altra opera dell'artista: "Vicolo del Parco a Roma" (Brodsky era avaro con i nomi originali). Questa tela è stata a lungo considerata perduta e la sua riproduzione è stata pubblicata solo in un'edizione piuttosto rara del 1929. Con l'aiuto di una radiografia, è stato trovato un vicolo romano misticamente scomparso, proprio sotto quello sovietico. L'artista non ha ripulito l'immagine già finita e ha semplicemente apportato una serie di semplici modifiche: ha cambiato i vestiti dei passanti alla moda degli anni '30 del XX secolo, "ha portato via" il cerso ai bambini, rimosse le statue di marmo e modificò leggermente gli alberi. Così il soleggiato parco italiano, con un paio di leggeri movimenti della mano, si è trasformato in un esemplare parco sovietico.

Alla domanda sul perché Brodsky abbia deciso di nascondere il suo vicolo romano, non hanno trovato una risposta. Ma si può presumere che la rappresentazione del "modesto fascino della borghesia" nel 1930 da un punto di vista ideologico fosse già irrilevante. Tuttavia, di tutte le opere paesaggistiche post-rivoluzionarie di Brodsky, "Park Alley" è la più interessante: nonostante i cambiamenti, l'immagine ha mantenuto l'affascinante eleganza dell'Art Nouveau, che, purtroppo, non esisteva nel realismo sovietico.

"Mattina in una pineta" di Ivan Shishkin

Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Mattinata in una pineta. 1889. Galleria Statale Tretyakov

Un paesaggio forestale con cuccioli che giocano su un albero caduto è forse l'opera più famosa dell'artista. Ma l'idea del paesaggio a Ivan Shishkin è stata suggerita da un altro artista: Konstantin Savitsky. Fu lui a scrivere all'orso con tre cuccioli: l'esperto forestale Shishkin non riuscì negli orsi.

Shishkin era perfettamente esperto nella flora della foresta, notò i minimi errori nei disegni dei suoi studenti: o la corteccia di betulla è raffigurata in modo sbagliato, o il pino sembra falso. Tuttavia, le persone e gli animali nelle sue opere sono sempre stati una rarità. Qui Savitsky è venuto in soccorso. A proposito, ha lasciato diversi disegni preparatori e schizzi con i cuccioli: stava cercando pose adatte. "Morning in a Pine Forest" non era originariamente "Morning": il dipinto si chiamava "Bear Family in the Forest", e c'erano solo due orsi su di esso. Come coautore, Savitsky ha messo la sua firma sulla tela.

Quando la tela fu consegnata al mercante Pavel Tretyakov, si indignò: pagò Shishkin (ordinò il lavoro dell'autore) e ricevette Shishkin e Savitsky. Shishkin, da uomo onesto, non si attribuiva la paternità. Ma Tretyakov seguì il principio e cancellò blasfemamente la firma di Savitsky dal dipinto con la trementina. Savitsky in seguito rifiutò nobilmente il copyright e per molto tempo gli orsi furono attribuiti a Shishkin.

"Ritratto di ragazza del coro" di Konstantin Korovin

Costantino Korovin. Ritratto di una ragazza del coro. 1887. Galleria Statale Tretyakov / Lato posteriore del ritratto

Sul retro della tela, i ricercatori hanno trovato un messaggio di Konstantin Korovin su cartone, che si è rivelato quasi più interessante dell'immagine stessa:

“Nel 1883 a Kharkov, un ritratto di una corista. Scritta su un balcone di un giardino commerciale pubblico. Repin ha detto quando Mamontov S.I. gli ha mostrato questo schizzo che lui, Korovin, stava dipingendo e stava cercando qualcos'altro, ma a cosa serviva - questo è dipingere solo per dipingere. Serov non aveva ancora dipinto ritratti in quel momento. E il dipinto di questo schizzo è stato trovato incomprensibile ?? !! Quindi Polenov mi ha chiesto di rimuovere questo schizzo dalla mostra, poiché né gli artisti né i membri - il signor Mosolov e altri lo apprezzano. La modella era una donna brutta, anche un po' brutta».

Konstantin Korovin

La "lettera" disarmava con la sua immediatezza e sfida audace all'intera comunità artistica: "Serov non aveva ancora dipinto ritratti in quel momento" - ma lui, Konstantin Korovin, li scrisse. E sarebbe stato il primo a utilizzare le tecniche caratteristiche dello stile che in seguito sarebbe stato chiamato impressionismo russo. Ma tutto questo si è rivelato un mito che l'artista ha creato apposta.

La sottile teoria "Korovin - il precursore dell'impressionismo russo" è stata spietatamente distrutta da una ricerca tecnica e tecnologica obiettiva. Sulla faccia del ritratto hanno trovato la firma dell'artista a vernice, un po' più in basso - a inchiostro: "1883, Kharkov". A Kharkov, l'artista lavorò nel maggio - giugno 1887: scrisse lo scenario per le rappresentazioni dell'opera privata russa di Mamontov. Inoltre, i critici d'arte hanno scoperto che il "Ritratto di una ragazza del coro" è stato realizzato in un certo modo artistico - a la prima. Questa tecnica di pittura ad olio ha permesso di dipingere un quadro in una sessione. Korovin ha iniziato a usare questa tecnica solo alla fine del 1880.

Dopo aver analizzato queste due incongruenze, il personale della Galleria Tretyakov è giunto alla conclusione che il ritratto è stato dipinto solo nel 1887 e Korovin ha aggiunto una data precedente per sottolineare la propria innovazione.

"L'uomo e la culla" di Ivan Yakimov

Ivan Yakimov. L'uomo e la culla 1770. Galleria Statale Tretyakov / Versione completa dell'opera

Per molto tempo, il dipinto di Ivan Yakimov "L'uomo e la culla" ha suscitato sconcerto tra i critici d'arte. E il punto non era nemmeno che questo tipo di schizzi quotidiani non fossero assolutamente tipici della pittura del XVIII secolo: il cavallo a dondolo nell'angolo in basso a destra dell'immagine ha una corda troppo tesa in modo innaturale, che logicamente avrebbe dovuto giacere sul pavimento . Ed era troppo presto perché un bambino giocasse con tali giocattoli dalla culla. Inoltre, il camino non si adattava per metà alla tela, il che sembrava molto strano.

"Illuminato" la situazione - in senso letterale - un roentgenogramma. Ha mostrato che la tela è stata tagliata da destra e dall'alto.

Il dipinto è entrato nella Galleria Tretyakov dopo la vendita della collezione di Pavel Petrovich Tugogo-Svinin. Possedeva il cosiddetto "Museo russo" - una collezione di dipinti, sculture e oggetti d'antiquariato. Ma nel 1834, a causa di problemi finanziari, la collezione dovette essere venduta - e il dipinto "L'uomo e la culla" finì nella Galleria Tretyakov: non tutto, ma solo la sua metà sinistra. Quella di destra, purtroppo, è andata persa, ma è ancora possibile vedere l'intera opera, grazie a un'altra mostra unica della Galleria Tretyakov. La versione completa dell'opera di Yakimov è stata trovata nell'album "Collezione di eccellenti opere di artisti russi e curiose antichità domestiche", che contiene disegni della maggior parte dei dipinti che facevano parte della collezione di Svinin.