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LETTERATURA LATINOAMERICANA
La letteratura dei paesi dell'America Latina, esistente principalmente in spagnolo e portoghese, si è formata nel processo di interazione di due diverse ricche tradizioni culturali: europea e indiana. La letteratura dei nativi americani in alcuni casi ha continuato a svilupparsi dopo la conquista spagnola. La maggior parte delle opere sopravvissute della letteratura precolombiana sono state registrate da monaci missionari. Quindi, fino ad ora, la principale fonte per lo studio della letteratura azteca rimane l'opera di Fry B. de Sahagun (1550-1590) Storia delle cose della Nuova Spagna, creata tra il 1570 e il 1580. Capolavori della letteratura Maya, registrati poco dopo la conquista: una raccolta di leggende storiche e miti cosmogonici Popol-Vuh e libri profetici Chilam-Balam. Grazie all'attività collezionistica dei monaci sono giunti fino a noi campioni di poesia peruviana precolombiana, prevalente nella tradizione orale. Il loro lavoro è stato integrato da due famosi cronisti di origine indiana: Inca Garcilaso de la Vega (1539-1516) e F.G. Poma de Ayala (1532 / 1533-1615). Lo strato principale della letteratura latinoamericana in spagnolo è costituito dai diari, dalle cronache e dai resoconti dei pionieri e dei conquistatori stessi. Cristoforo Colombo (1451-1506) descrisse le sue impressioni sulle terre appena scoperte nel Diario del primo viaggio (1492-1493) e in tre lettere-relè indirizzate alla coppia reale spagnola. Colombo interpreta spesso le realtà americane in modo fantastico, facendo rivivere numerosi miti e leggende geografiche che hanno riempito la letteratura dell'Europa occidentale dall'antichità a Marco Polo (c. 1254-1324). La scoperta e la conquista dell'impero azteco in Messico si riflette in cinque lettere-relè di E. Cortes (1485-1547), inviate all'imperatore Carlo V tra il 1519 e il 1526. Un soldato del distaccamento di Cortez, B. Díaz del Castillo (tra 1492 e 1496-1584), descrisse questi eventi in La vera storia della conquista della Nuova Spagna (1563), uno dei libri più notevoli dell'era della conquista. Nel processo di scoperta delle terre del Nuovo Mondo nelle menti dei conquistatori, antichi miti e leggende europei, fusi con leggende indiane ("La fonte dell'eterna giovinezza", "Sette città di Sivola", "Eldorado", ecc. ) sono stati ripresi e modificati. La continua ricerca di questi luoghi mitici determinò l'intero corso della conquista e, in una certa misura, la prima colonizzazione dei territori. Un certo numero di monumenti letterari dell'era della conquista sono presentati da testimonianze dettagliate dei partecipanti a tali spedizioni. Tra le opere di questo genere, la più interessante è il famoso libro Shipwreck (1537) di A. Cabeza de Vaca (1490? -1559?), chi, in otto anni di peregrinazioni, fu il primo degli europei ad attraversare il continente nordamericano in direzione ovest, e il racconto della riscoperta del glorioso grande Rio delle Amazzoni (russo traduzione 1963) di Fry G. de Carvajal (1504-1584) ... Un altro corpus di testi spagnoli di questo periodo è costituito da cronache create da storiografi spagnoli, a volte indiani. L'umanista B. de Las Casas (1474-1566) nella Storia delle Indie fu il primo a criticare severamente la Conquista. Nel 1590 il gesuita H. de Acosta (1540-1600) pubblicò la Storia naturale e morale delle Indie. In Brasile, G. Soares de Sousa (1540-1591) scrisse una delle cronache più informative di questo periodo - Descrizione del Brasile nel 1587, o Notizie del Brasile. Alle origini della letteratura brasiliana è anche il gesuita J. de Anchieta (1534-1597), autore di testi di cronaca, sermoni, poesie liriche e drammi religiosi (auto). I drammaturghi più significativi del periodo in esame furono E. Fernandez de Eslaya (1534-1601), autore di commedie religiose e profane, e J. Ruiz de Alarcón (1581-1639). I più alti successi nel genere della poesia epica furono il poema La grandezza del Messico (1604) di B. de Balbuena, Elegia sugli uomini gloriosi delle Indie (1589) di J. de Castellanos (1522-1607) e Araucan (1569). -1589) di A. de Ercilla-i-Sunigi (1533-1594), che descrive la conquista del Cile. Durante il periodo coloniale, la letteratura dell'America Latina era orientata verso la moda letteraria dei paesi metropolitani. L'estetica dell'età dell'oro spagnola, in particolare il barocco, penetrò rapidamente nei circoli intellettuali del Messico e del Perù. Una delle migliori opere di prosa latinoamericana del XVII secolo. - la cronaca del colombiano J. Rodriguez Freile (1556-1638) El Carnero (1635) ha uno stile più artistico che storiografico. L'attitudine artistica si manifesta ancor più chiaramente nella cronaca del messicano C. Sigüenza y Gongora (1645-1700) Le disavventure di Alonso Ramirez, presunta storia vera di un naufrago. Se gli scrittori di prosa del 17 ° secolo. Poiché non potevano raggiungere il livello della scrittura artistica a tutti gli effetti, fermandosi a metà tra la cronaca e il romanzo, la poesia di questo periodo raggiunse un alto grado di sviluppo. La monaca messicana Juana Ines de la Cruz (1648-1695), figura di spicco della letteratura dell'era coloniale, creò esempi insuperabili di poesia barocca latinoamericana. Nella poesia peruviana del XVII secolo. l'orientamento filosofico e satirico ha dominato l'estetica, che si è manifestata nelle opere di P. de Peralta Barnuevo (1663-1743) e J. del Valle y Caviedes (1652 / 1654-1692 / 1694). In Brasile, gli scrittori più importanti di questo periodo furono A. Vieira (1608-1697), autore di sermoni e trattati, e A. Fernández Brandon, autore del Dialogo sulla magnificenza del Brasile (1618). Il processo di formazione dell'identità creola alla fine del XVII secolo. acquisito un carattere distinto. Un atteggiamento critico nei confronti della società coloniale e la necessità della sua riorganizzazione sono espressi nel libro satirico del peruviano A. Carrio de la Vandera (1716-1778) Guide of the Blind Wanderers (1776). Lo stesso illuminante pathos fu affermato dall'Ecuadoriano F.H.E. de Santa Cruz y Espejo (1747-1795) nel libro New Lucian of Quito, or the Mind Awakener, scritto nel genere del dialogo. Il messicano J.H. Fernandez de Lisardi (1776-1827) iniziò la sua carriera letteraria come poeta-satirico. Nel 1816 pubblicò il primo romanzo latinoamericano, Periquillo Sargnento, in cui esprimeva idee sociali critiche all'interno del genere picaresco. Tra il 1810 e il 1825 scoppiò la Guerra d'Indipendenza in America Latina. In questa epoca, la poesia ha raggiunto la massima risonanza pubblica. Un esempio notevole dell'uso della tradizione classicista è l'ode eroica alla Canzone di Bolivar, o la Vittoria a Junin dell'ecuadoriano JH Olmedo (1780-1847). Il leader spirituale e letterario del movimento per l'indipendenza fu A. Bello (1781-1865), che cercò di riflettere le questioni latinoamericane nelle tradizioni del neoclassicismo nella sua poesia. Il terzo dei poeti più significativi di quel periodo fu H.M. Heredia (1803-1839), la cui poesia divenne una fase di transizione dal neoclassicismo al romanticismo. Nella poesia brasiliana del XVIII secolo. la filosofia dell'illuminismo si coniugava con le innovazioni stilistiche. I suoi maggiori rappresentanti furono T.A. Gonzaga (1744-1810), M.I.da Silva Alvarenga (1749-1814) e I.J.da Alvarenga Peixoto (1744-1792). Nella prima metà del XIX sec. nella letteratura latinoamericana prevalse l'influenza del romanticismo europeo. Il culto della libertà individuale, l'abbandono della tradizione spagnola e un rinnovato interesse per i temi americani erano strettamente associati alla crescente consapevolezza di sé delle nazioni in via di sviluppo. Il conflitto tra i valori della civiltà europea e la realtà del recente giogo coloniale dei paesi americani si è radicato nell'opposizione "barbarismo - civiltà". Questo conflitto si rifletteva in modo più acuto e profondo nella prosa storica argentina nel famoso libro di D.F. Sarmiento (1811-1888) Civiltà e barbarie. Biografia di Juan Facundo Quiroga (1845), nel romanzo di J. Marmola (1817-1871) Amalia (1851-1855) e nella storia di E. Echeverria (1805-1851) Il mattatoio (c. 1839). Nel 19 ° secolo. nella letteratura latinoamericana sono state scritte molte opere romantiche. I migliori esempi di questo genere sono Maria (1867) del colombiano J. Isaacs (1837-1895), il romanzo del cubano S. Villaverde (1812-1894) di Cecilia Valdez (1839), dedicato al problema della schiavitù, e il romanzo dell'ecuadoriano JL Mera (1832-1894) Kumanda, or Drama Among the Savages (1879), che riflette l'interesse degli scrittori latinoamericani per i temi indiani. Un fascino romantico dal sapore locale ha dato origine a una tendenza originale in Argentina e Uruguay: la letteratura gauchista. Un esempio insuperabile di poesia gauchista fu il poema epico-lirico dell'argentino J. Hernandez (1834-1886) Gaucho Martin Fierro (1872). Il fondatore e il più grande rappresentante del realismo nella letteratura latinoamericana fu il cileno A. Blest Ghana (1830-1920), e il naturalismo trovò la sua migliore incarnazione nei romanzi dell'argentino E. Cambaceres (1843-1888) Il fischio del matto (1881-1884) e Senza scopo (1885) ... La più grande figura della letteratura latinoamericana del XIX secolo. era il cubano J. Marty (1853-1895), poeta, pensatore e politico eccezionale. Trascorse la maggior parte della sua vita in esilio e morì nella guerra d'indipendenza cubana. Nelle sue opere afferma il concetto di arte come atto sociale e nega ogni forma di estetica ed elitarismo. Marty pubblicò tre raccolte di poesie: Free Poems (1891), Ismaelillo (1882) e Simple Poems (1882). La sua poesia è caratterizzata dall'intensità del sentimento lirico e dalla profondità del pensiero con la semplicità esteriore e la chiarezza della forma. Negli ultimi decenni del XIX sec. in America Latina si è affermato un movimento letterario innovativo, il modernismo. Formatosi sotto l'influenza dei parnassiani e dei simbolisti francesi, il modernismo ispano-americano gravitava verso immagini esotiche e proclamava un culto della bellezza. L'inizio di questo movimento è associato alla pubblicazione della raccolta di poesie Lazur (1888) del poeta nicaraguense R. Dario (1867-1916). Tra la galassia dei suoi numerosi seguaci, l'argentino L. Lugones (1874-1938), l'autore della raccolta Golden Mountains (1897), il colombiano JA Silva (1865-1896), il boliviano R. Jaimes Freire (1868-1933) ), che ha creato un punto di riferimento per l'intero movimento del libro Barbarian Castalia (1897), gli uruguaiani Delmira Agustini (1886-1914) e J. Errera y Reissig (1875-1910), i messicani M. Gutierrez Najera (1859-1895 ), A. Nervo (1870-1919) e S. Dias Miron (1853-1934), i peruviani M. Gonzalez Prada (1848-1919) e J. Santos Ciocano (1875-1934), il cubano J. del Casal (1863- 1893). Il miglior esempio di prosa modernista è il romanzo La gloria di Don Ramiro (1908) dell'argentino E. Larette (1875-1961). Nella letteratura brasiliana, una nuova identità romantica ha trovato la sua massima espressione nella poesia di A. Gonsalvis Diaz (1823-1864). Il più grande rappresentante del romanzo realistico della seconda metà del XIX secolo. divenne J. Mashadou de Assis (1839-1908). La profonda influenza della scuola parnassiana in Brasile si riflette nelle opere dei poeti A. di Oliveira (1859-1927) e R. Correia (1859-1911) e nella poesia di J. de Cruz y Sousa (1861-1898). ) è stato caratterizzato dall'influenza del simbolismo francese. Allo stesso tempo, la versione brasiliana del modernismo è radicalmente diversa da quella ispano-americana. Il modernismo brasiliano è emerso nei primi anni '20 incrociando concetti socioculturali nazionali con teorie d'avanguardia. I fondatori e capi spirituali di questo movimento furono M. di Andradi (1893-1945) e O. di Andrady (1890-1954). La profonda crisi spirituale della cultura europea a cavallo del secolo ha costretto molti artisti a rivolgersi ai paesi del terzo mondo alla ricerca di nuovi valori. Gli scrittori latinoamericani che vivevano in Europa assorbirono e diffusero ampiamente queste tendenze, che determinarono in gran parte la natura del loro lavoro dopo il ritorno in patria e lo sviluppo di nuove tendenze letterarie in America Latina. La poetessa cilena Gabriela Mistral (1889-1957) è stata la prima scrittrice latinoamericana a ricevere il Premio Nobel (1945). Tuttavia, sullo sfondo della poesia latinoamericana della prima metà del XX secolo. i suoi testi, semplici tematicamente e nella forma, sono percepiti piuttosto come un'eccezione. Dal 1909, quando L. Lugones pubblicò la raccolta Sentimental Lunar, lo sviluppo della poesia latinoamericana prese una strada completamente diversa. In accordo con il principio fondamentale dell'arte d'avanguardia, l'arte era vista come creazione di una nuova realtà e si opponeva a un riflesso mimetico (cioè imitativo) della realtà. Questa idea ha costituito il nucleo del creazionismo, una tendenza creata dal cileno V. Uidobro (1893-1948) dopo il suo ritorno da Parigi. Il poeta cileno più famoso fu P. Neruda (1904-1973), vincitore del Premio Nobel (1971). In Messico, i poeti vicini all'avanguardia - H. Torres Bodet (n. 1902), H. Gorostis (1901-1973), S. Novo (n. 1904) e altri - sono stati raggruppati attorno alla rivista Contemporaneos (1928 - 1931). A metà degli anni '30, il più grande poeta messicano del XX secolo si dichiarò. O. Pas (n. 1914), premio Nobel (1990). Nei testi filosofici, costruiti su libere associazioni, sono sintetizzate la poetica di T.S. Eliot e il surrealismo, la mitologia indiana e le religioni orientali. In Argentina, le teorie d'avanguardia furono incorporate nel movimento ultraista, che vedeva la poesia come una raccolta di metafore accattivanti. Uno dei fondatori e il più grande rappresentante di questa tendenza fu J.L. Borges (1899-1986). Nelle Antille, il portoricano L. Pales Matos (1899-1959) e il cubano N. Guillen (1902-1989) erano alla testa del negrismo - un movimento letterario continentale progettato per identificare e approvare lo strato afroamericano dei latinoamericani cultura. L'opera di uno dei poeti latinoamericani più caratteristici del XX secolo si è formata su una base d'avanguardia. - S. Vallejo peruviano (1892-1938). Dai primi libri - Black Heralds (1918) e Trilse (1922) - alla raccolta di Human Poems (1938), pubblicata postuma, i suoi testi, caratterizzati dalla purezza della forma e dalla profondità dei contenuti, esprimevano un doloroso senso di smarrimento nel mondo moderno, un triste sentimento di solitudine, consolazione solo nell'amore fraterno, concentrazione sui temi del tempo e della morte. I rappresentanti più significativi del postmodernismo brasiliano sono i poeti C.D. di Andradi, M. Mendes, Cecilia Meireles, J. de Lima, A. Fr. Schmidt e V. di Moraes. Nella seconda metà del XX sec. in America Latina, la poesia socialmente impegnata sta guadagnando slancio. Il suo capo può essere considerato il nicaraguense E. Kardenal. Altri famosi poeti moderni hanno lavorato nel mainstream della poesia di protesta: i cileni N. Parra ed E. Lin, i messicani J.E. Pacheco e M.A. Montes de Oca, il cubano R. Retamar, R. Dalton di El Salvador e O. Rene Castillo del Guatemala , il peruviano J. Ero e l'argentino P. Urondo. Con la diffusione dell'avanguardia negli anni '20, il dramma latinoamericano si è concentrato sulle principali tendenze teatrali europee. L'argentino R. Arlt (1900-1942) e il messicano R. Usigli hanno scritto una serie di commedie in cui era chiaramente visibile l'influenza dei drammaturghi europei, in particolare L. Pirandelo e J.B. Shaw. Successivamente, l'influenza di B. Brecht prevalse nel teatro latinoamericano. Tra i drammaturghi latinoamericani contemporanei ci sono E. Carbalido dal Messico, l'argentina Griselda Gambaro, il cileno E. Wolff, il colombiano E. Buenaventura e il cubano J. Triana. Il romanzo regionale, sviluppato nel primo terzo del XX secolo, si è concentrato sulla rappresentazione delle specificità locali: natura, gauchos, latifondisti, politica provinciale, ecc .; oppure ha ricreato eventi della storia nazionale (ad esempio, gli eventi della rivoluzione messicana). I maggiori rappresentanti di questa tendenza furono l'uruguaiano O. Kiroga (1878-1937) e il colombiano S.E. Rivera (1889-1928), che descrissero il crudele mondo della selva; l'argentino R. Guiraldes (1886-1927), continuatore delle tradizioni della letteratura gauchista; il famoso prosatore venezuelano R. Gallegos (1884-1969) e il fondatore del romanzo messicano della rivoluzione M. Azuela (1873-1952). Insieme al regionalismo nella prima metà del XIX secolo. Si sviluppò l'indianismo: un movimento letterario progettato per riflettere lo stato attuale delle culture indiane e le peculiarità della loro interazione con il mondo dei bianchi. Le figure più rappresentative dell'indianismo ispano-americano furono l'ecuadoriano J. Icaza (1906-1978), autore del celebre romanzo Wasipungo (1934), i peruviani S. Alegria (1909-1967), ideatore del romanzo In a Big and Alien World (1941), e JM Arguedas (1911-1969), che riflette la mentalità del moderno Quechua nel romanzo Deep Rivers (1958), il messicano Rosario Castellanos (1925-1973) e il premio Nobel (1967) scrittore di prosa guatemalteco e poeta MA Asturie (1899-1974). A partire dagli anni '40, F. Kafka, J. Joyce, A. Gide e W. Faulkner iniziarono a esercitare un'influenza significativa sugli scrittori latinoamericani. Tuttavia, nella letteratura latinoamericana, la sperimentazione formale è stata combinata con questioni sociali e talvolta con un impegno politico aperto. Se i regionalisti e gli indiani preferivano ritrarre l'ambiente rurale, allora nei romanzi della nuova ondata prevale uno sfondo urbano e cosmopolita. L'argentino R. Arlt ha mostrato nelle sue opere la bancarotta interiore, la depressione e l'alienazione dell'abitante della città. La stessa atmosfera cupa regna nella prosa dei suoi compatrioti - E. Mallea (n. 1903) ed E. Sabato (n. 1911), l'autore del romanzo On Heroes and Graves (1961). Un quadro desolante della vita urbana è tracciato dall'uruguaiano H.C. Onetti (1909-1994) nei romanzi The Well (1939), A Brief Life (1950), The Junta of Skeletons (1965). J.L. Borges, uno degli scrittori più famosi del nostro tempo, è immerso in un mondo metafisico autosufficiente creato dal gioco della logica, dall'intreccio di analogie, dal confronto tra le idee di ordine e caos. Nella seconda metà del XX sec. La letteratura latinoamericana presentava un'incredibile ricchezza e varietà di narrativa. Nei suoi racconti e romanzi, l'argentino J. Cortazar (1924-1984) ha esplorato i confini della realtà e della fantasia. Il peruviano M. Vargas Llosa (nato nel 1936) ha rivelato la connessione interna della corruzione e della violenza latinoamericana con il complesso del "macho" (macho spagnolo - maschio, "vero uomo"). Il messicano J. Rulfo (1918-1986), uno dei più grandi scrittori di questa generazione, nella raccolta di racconti Plains on Fire (1953) e nel romanzo di Pedro Paramo (1955) ha rivelato un profondo substrato mitologico che definisce la realtà moderna. Il famoso romanziere messicano K. Fuentes (n. 1929). A Cuba, J. Lesama Lima (1910-1978) ha ricreato il processo di creazione artistica nel romanzo Paradise (1966), mentre A. Carpentier (1904-1980), uno dei fondatori del "realismo magico", nel romanzo Age of Enlightenment (1962) combinava il razionalismo francese con una sensibilità tropicale. Ma il più "magico" degli scrittori latinoamericani è giustamente considerato l'autore del famoso romanzo Cent'anni di solitudine (1967) il colombiano G. Garcia Marquez (n. 1928), premio Nobel 1982. Romanzi latinoamericani come The Il tradimento di Rita Hayworth (1968) L'argentino M. Puig (n. 1932), Tre tigri tristi (1967) Il cubano G. Cabrera Infante, L'uccello osceno della notte (1970) Il cileno J. Donoso (n. 1925) e altri. opera più interessante della letteratura brasiliana nel genere della saggistica - il libro di Sertana (1902), scritto dal giornalista E. da Cunha (1866-1909). La narrativa brasiliana contemporanea è rappresentata da J. Amada (n. 1912), autore di molti romanzi regionali caratterizzati da un profondo senso di coinvolgimento nei problemi sociali; E. Verisim (1905-1975), che riflette la vita cittadina nei romanzi Crossroads (1935) e Only Silence Remains (1943); e il più grande scrittore brasiliano del XX secolo. J. Rosa (1908-1968), che, nel suo famoso romanzo I Sentieri della Grande Sertana (1956), sviluppò un linguaggio artistico speciale per trasmettere la psicologia degli abitanti dei vasti semideserti brasiliani. Altri romanzieri brasiliani degni di nota sono Raquel de Queiroz (Le tre Marie, 1939), Clarice Lispector (L'ora della stella, 1977), M. Souza (Galves, L'imperatore dell'Amazzonia, 1977) e Nelida Pignon (Il calore delle cose, 1980 ).
LETTERATURA
Leggende e racconti degli indiani dell'America Latina. M., 1962 Poesia del gaucho. M., 1964 Storia delle letterature dell'America Latina, voll. 1-3. M., 1985-1994
Kuteishchikova V.N. Un romanzo latinoamericano del Novecento. M., 1964 Formazione delle letterature nazionali in America Latina. M., 1970 Mamontov S. Letteratura in lingua spagnola dell'America Latina nel XX secolo. M., 1972 Torres-Rioseko A. Grande letteratura latinoamericana. M., 1972 Poesia dell'America Latina. M., 1975 L'originalità artistica delle letterature dell'America Latina. M., 1976 Flauto nella selva. M., 1977 Costellazione della Lira: pagine selezionate di testi latinoamericani. M., 1981 America Latina: Almanacco letterario, vol. 1-6; Panorama letterario, vol. 7.M., Storia latinoamericana 1983-1990, voll. 1-2. M., 1989 Il libro dei grani di sabbia: prosa fantastica dell'America Latina. L., 1990 Meccanismi di formazione culturale in America Latina. M., 1994 Iberica americani. Il tipo di personalità creativa nella cultura latinoamericana. M., 1997 Kofman A.F. Immagine artistica latinoamericana del mondo. M., 1997

Enciclopedia di Collier. - Società Aperta. 2000 .

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Lezione numero 26

Letteratura dell'America Latina

Piano

1. Segni distintivi della letteratura latinoamericana.

2. Realismo magico nell'opera di G. G. Marquez:

a) realismo magico in letteratura;

b) una breve panoramica della vita e del percorso creativo dello scrittore;

c) l'originalità ideologica e artistica del romanzo "Cent'anni di solitudine".

1. Segni distintivi della letteratura latinoamericana

A metà del Novecento, il romanzo latinoamericano sta vivendo un vero e proprio boom. Le opere degli scrittori argentini Jorge Luis Borges e Julio Cortazar, del cubano Alejo Carpentier, del colombiano Gabriel García Márquez, del romanziere messicano Carlos Fuentes, del prosatore peruviano Mario Vargas Luewe sono ampiamente conosciute non solo al di fuori dei loro paesi, ma anche al di fuori del continente. In precedenza, lo scrittore di prosa brasiliano Jorge Amado e il poeta cileno Pablo Neruda hanno vinto il riconoscimento mondiale. L'interesse per la letteratura latinoamericana non è stato casuale: è stata scoperta la cultura di un continente lontano con i suoi costumi e tradizioni, la natura, la storia e la cultura. Ma non si tratta solo del valore conoscitivo delle opere degli scrittori latinoamericani. La prosa del Sud America ha arricchito la letteratura mondiale di capolavori, il cui aspetto è naturale. La prosa latinoamericana degli anni '60 e '70 compensava la mancanza di un'epopea. Gli autori sopra elencati hanno parlato a nome delle persone, raccontando al mondo la formazione di nuove nazioni a seguito dell'invasione europea del continente abitato da tribù indiane, riflettendo la presenza nel subconscio delle persone di idee sull'Universo che esistito in epoca precolombiana, ha rivelato la formazione di una visione mitopoietica dei cataclismi naturali e sociali in condizioni di sintesi differenti culture internazionali. Inoltre, l'appello al genere del romanzo ha richiesto agli scrittori latinoamericani di assimilare e adattare i modelli di genere alla letteratura specifica.

Il successo degli scrittori latinoamericani è il risultato della fusione di storia e mito, tradizioni epiche e ricerche d'avanguardia, raffinato psicologismo dei realisti e varietà di forme pittoriche del barocco spagnolo. Nella varietà dei talenti degli scrittori latinoamericani c'è qualcosa che li accomuna, che il più delle volte è espresso dalla formula "realismo magico", in cui è fissata l'unità organica di fatto e mito.

2. Realismo magico nell'opera di G. G. Marquez

A. Realismo magico in letteratura

Il termine realismo magico è stato introdotto dal critico tedesco F. Roch nella sua monografia Post-Espressionismo (1925), dove ha affermato la formazione del realismo magico come un nuovo metodo nell'arte. Il termine realismo magico è stato originariamente utilizzato da Franz Roch per descrivere un dipinto che rappresentava una realtà alterata.

Il realismo magico è uno dei metodi più radicali del modernismo artistico, basato sul rifiuto dell'ontologia dell'esperienza visiva caratteristica del realismo classico. Elementi di questa direzione sono oggettivamente riscontrabili nella maggioranza dei rappresentanti del modernismo (sebbene non tutti dichiarino di aderire a questo metodo).

Il termine realismo magico applicato alla letteratura fu coniato per la prima volta dal critico francese Edmond Jalo nel 1931. Ha scritto: "Il ruolo del realismo magico è trovare nella realtà ciò che è strano, lirico e persino fantastico nella realtà - quegli elementi grazie ai quali la vita quotidiana diventa accessibile a trasformazioni poetiche, surreali e persino simboliche".

In seguito, lo stesso termine fu usato dal venezuelano Arturo Uslar-Petri per descrivere le opere di alcuni scrittori latinoamericani. Lo scrittore cubano Alejo Carpentier (amico di Uslar-Petri) ha usato il termine lo real maravilloso (traduzione approssimativa - realtà miracolosa) nella prefazione al suo racconto "Il regno della terra" (1949). L'idea di Carpentier era quella di descrivere una sorta di realtà intensificata in cui possono apparire elementi dall'aspetto strano del miracoloso. Le opere di Carpentier hanno avuto una forte influenza sul boom europeo del genere, iniziato negli anni '60 del XX secolo.

Elementi di realismo magico:

• gli elementi fantastici possono essere internamente coerenti, ma non vengono mai spiegati;
• i personaggi accettano e non sfidano la logica degli elementi magici;
• numerosi dettagli della percezione sensoriale;
• si usano spesso simboli e immagini;
• le emozioni e la sessualità di una persona come essere sociale sono spesso descritte in modo molto dettagliato;
• il trascorrere del tempo è distorto in modo da essere ciclico o apparire assente. Un'altra tecnica è il collasso del tempo, quando il presente si ripete o assomiglia al passato;
• causa ed effetto sono invertiti - ad esempio, un personaggio può soffrire prima di eventi tragici;
• contiene elementi di folklore e/o leggende;
• gli eventi sono presentati da punti di vista alternativi, cioè la voce del narratore passa dalla terza alla prima persona, sono frequenti i passaggi tra i punti di vista dei diversi personaggi e un monologo interno sulle relazioni e sui ricordi generali;
• il passato contrasta con il presente, l'astrale con il fisico, i caratteri tra loro;
• il finale aperto dell'opera consente al lettore di determinare da solo ciò che era più veritiero e corrispondente alla struttura del mondo - fantastico o quotidiano.

B. Una breve panoramica della vita e del percorso creativo dello scrittore

Gabriel Garcia Marquez(n. 1928) è centrale nel processo letterario dei paesi dell'America Latina. Premio Nobel (1982). Lo scrittore colombiano è stato in grado di mostrare le leggi generali della formazione della civiltà in Sud America utilizzando materiale storico specifico. Combinando le antiche credenze precolombiane dei popoli che abitano un continente lontano con le tradizioni della cultura europea, rivelando l'originalità del carattere nazionale di creoli e indiani, ha creato un'epopea eroica del suo popolo utilizzando il materiale della lotta per l'indipendenza sotto la guida di Simon Bolivar, che divenne presidente della Colombia. Insieme a questo, basato sulla realtà, Márquez ha rivelato in modo impressionante le tragiche conseguenze delle guerre civili che hanno scosso l'America Latina negli ultimi due secoli.

Il futuro scrittore è nato nella piccola città di Aracataka sulla costa atlantica in una famiglia di militari ereditari. Ha studiato presso la Facoltà di Giurisprudenza di Bogotà, ha collaborato con la stampa. Come corrispondente di un quotidiano della capitale, visitò Roma e Parigi.

Nel 1957, durante il festival mondiale della gioventù e degli studenti, venne a Mosca. Dall'inizio degli anni '60, Marquez ha vissuto principalmente in Messico.

Nel lavoro, l'azione si svolge in un villaggio colombiano di provincia. Da qualche parte nelle vicinanze si trova la cittadina di Macondo citata nel racconto, in cui si concentreranno tutte le vicende del romanzo Cent'anni di solitudine (1967). Ma se nella storia "Nessuno scrive al colonnello" è evidente l'influenza di E. Hemingway, che ha interpretato personaggi simili, allora nel romanzo puoi sentire la tradizione di W. Faulkner, che ha ricreato a fondo il piccolo mondo in cui il si riflettono le leggi dell'universo.

Nelle opere create dopo i "Cent'anni di solitudine", lo scrittore continua a sviluppare motivi simili. È ancora occupato dal problema urgente per i paesi latinoamericani: "il tiranno e il popolo". Nel romanzo L'autunno del patriarca (1975), Marquez crea l'immagine più generalizzata del sovrano di un paese senza nome. Ricorrendo a immagini grottesche, l'autore rende visibile il rapporto tra il sovrano totalitario e il popolo, basato sulla soppressione e sulla sottomissione volontaria, caratteristico della storia politica dell'America Latina nel XX secolo.

V. Originalità ideologica e artistica del romanzo "Cent'anni di solitudine"

Il romanzo Cent'anni di solitudine è uscito nel 1967 a Buenos Aires. Lo scrittore è andato a questo lavoro per 20 anni. Il successo è stato travolgente. La tiratura è stata di oltre mezzo milione di copie in 3,5 anni, il che è sensazionale per l'America Latina. Il mondo ha iniziato a parlare di una nuova era nella storia del romanzo e del realismo. Sulle pagine di numerose opere è balenato il termine "realismo magico". Così è stato definito lo stile narrativo insito nel romanzo di Marquez e nelle opere di molti scrittori latinoamericani.

Il "realismo magico" è caratterizzato da una libertà illimitata, con la quale gli scrittori dell'America Latina confrontano la sfera della fondatezza della vita quotidiana e la sfera delle profondità più intime della coscienza.

La città di Macondo, fondata dall'antenato del clan della famiglia Buenia, il curioso e ingenuo Jose Arcadio, è rimasta al centro dell'azione per cento anni. Si tratta di un'immagine simbolica in cui il sapore locale di un villaggio semirurale e le caratteristiche della città, caratteristiche della civiltà moderna, si sono fuse insieme.

Usando motivi folkloristici e mitologici e parodiando varie tradizioni artistiche, Marquez ha creato un mondo fantasmagorico, la cui storia, riflettendo le reali caratteristiche storiche della Colombia e di tutta l'America Latina, è interpretata anche come una metafora dello sviluppo dell'umanità nel suo insieme.

L'eccentrico José Arcadio Buendía, capostipite del ramoso clan Buendía, nel villaggio di Macondo da lui fondato, cedette alla tentazione dello zingaro Melquíades e credette nel potere miracoloso dell'alchimia.

L'autore introduce l'alchimia nel romanzo non solo per mostrare le eccentricità di José Arcadio Buendía, che si lasciava trasportare alternativamente dalla magia del magnetismo, delle lenti di ingrandimento e dei telescopi. Infatti, José Arcadio Buendía, «l'uomo più intelligente del villaggio, ordinò che le case fossero costruite in modo tale che nessuno dovesse fare più fatica degli altri per andare al fiume a prendere l'acqua; tracciava le strade in modo così intelligente che nelle ore calde del giorno una pari quantità di luce solare cadeva su ogni abitazione. L'alchimia nel romanzo è una specie di ritornello della solitudine, non dell'eccentricità. L'alchimista è tanto eccentrico quanto solo. Eppure la solitudine è primaria. Si può dire che l'alchimia è il destino degli eccentrici solitari. Inoltre, l'alchimia è una sorta di avventurismo e nel romanzo quasi tutti gli uomini e le donne appartenenti al clan Buendía sono avventurieri.

La ricercatrice spagnola Sally Ortiz Aponte ritiene che "la letteratura latinoamericana porta l'impronta dell'esoterismo". La credenza nei miracoli e nella stregoneria, caratteristica particolarmente del Medioevo europeo, essendo caduta sul suolo latinoamericano, fu arricchita dai miti indiani. La magia come parte integrante dell'essere è presente non solo nelle opere di Marquez, ma anche in altri grandi scrittori latinoamericani: gli argentini Jorge Luis Borges e Julio Cortazar, il guatemalteco Miguel Angel Asturias e il cubano Alejo Carpentier. La finzione come dispositivo letterario è generalmente caratteristica della letteratura ispanica.

Gli alchimisti inseguono la Pietra Filosofale da oltre un millennio. Dopotutto, si credeva che il fortunato che lo possedesse non solo sarebbe diventato favolosamente ricco, ma avrebbe anche ricevuto una panacea per tutte le malattie e i disturbi senili.

L'eroe del romanzo aveva bisogno di una pietra filosofale, poiché sognava l'oro: “Sedotto dalla semplicità delle formule per raddoppiare l'oro, José Arcadio Buendía corteggiò Ursula per diverse settimane, chiedendole il permesso di estrarre dallo scrigno delle monete antiche e aumentali quante più volte possibile per separare il mercurio... José Arcadio Buendía gettò trenta dobloni in una casseruola e li fece sciogliere insieme a orpimento, trucioli di rame, mercurio e piombo. Quindi versò il tutto in una pentola di olio di ricino e fece bollire a fuoco vivo fino a ottenere uno sciroppo denso e fetido, simile non all'oro raddoppiato, ma alla normale melassa. Dopo disperati e rischiosi tentativi di distillazione, fusione con sette metalli planetari, trattamento con mercurio ermetico e vetriolo, ripetute bolliture nello strutto - per mancanza di olio raro - la preziosa eredità di Ursula si trasformò in ciccioli bruciati che non si poterono strappare dal fondo della pentola . "

Non pensiamo che García Márquez si sia opposto specificamente alla chimica all'alchimia, ma si è scoperto che avventurieri e perdenti erano associati all'alchimia e le persone abbastanza perbene avevano a che fare con la chimica. La ricercatrice latinoamericana Maria Eulalia Montener Ferrer rivela l'etimologia del cognome Buendia, che suona come un comune saluto buen dia - buon pomeriggio. Si scopre che questa parola ha avuto un significato diverso per molto tempo: era il nome del popolo ispanico del Vecchio Mondo - "perdenti e persone mediocri".

Il romanzo continua per tutto il XIX secolo. Tuttavia, questa volta è condizionale, poiché l'autore presenta gli eventi come accaduti in un dato periodo di tempo specifico e sempre. I contorni delle date sono vaghi, questo dà l'impressione che la famiglia Buendía sia nata in epoca arcaica.

Uno degli strani sconvolgimenti del romanzo è associato alla perdita di memoria del vecchio e del giovane Buendía, e poi di tutti gli abitanti di Macondo. La perdita del passato minaccia le persone con la privazione dell'autostima e dell'integrità. La funzione di memoria storica è svolta dall'epopea. In Colombia, come in altri paesi di questo continente, non c'è stata epopea eroica. Marquez intraprende una missione eccezionale: compensare l'assenza dell'epopea con la sua creatività. L'autore satura la narrazione con miti, leggende, credenze prevalenti nella società latinoamericana. Tutto ciò conferisce al romanzo un sapore popolare comune.

L'epopea eroica di diversi popoli è dedicata alla formazione del clan, e quindi della famiglia. Il raduno dei singoli clan in un unico clan è avvenuto a seguito di guerre che hanno diviso le persone in amici e nemici. Ma Marquez è uno scrittore del Novecento, quindi, pur mantenendo un modo eticamente neutrale di ricreare gli eventi di battaglia, convince tuttavia che la guerra, e soprattutto la guerra civile, sia la più grande calamità della civiltà moderna.

Il romanzo ripercorre la storia della famiglia di sei generazioni di Buendía. Alcuni parenti si rivelano ospiti temporanei in famiglia ea terra, muoiono giovani o lasciano la casa paterna. Altri, come Big Mama, restano i guardiani del focolare familiare per un secolo. La famiglia Buendía ha forze di attrazione e repulsione. I legami di sangue sono indissolubili, ma l'odio latente di Amaranta per la moglie di suo fratello la spinge al crimine. E l'attrazione sovrapersonale per la famiglia lega José Arcadio e Rebeca non solo per parentela, ma anche per matrimonio. Entrambi vengono adottati dalla famiglia Buendía e, sposandosi, consolidano la loro fedeltà alla famiglia. Tutto ciò accade non come risultato del calcolo, ma a livello intuitivo inconscio.

Il ruolo dell'eroe epico è interpretato nel romanzo di Aureliano Buendía. Cosa spinge un poeta dilettante e un umile gioielliere ad abbandonare il proprio mestiere, a lasciare la bottega nel vasto mondo per combattere, non avendo, infatti, ideali politici? Nel romanzo c'è una sola spiegazione: è così che è stato scritto per lui. L'eroe epico indovina la sua missione e la compie.

Aureliano Buendía si autoproclamò sovrano civile e militare, oltre che colonnello. Non è un vero colonnello, all'inizio ha solo venti teppisti coraggiosi sotto le braccia. Entrando nella sfera della politica e della guerra, Marquez non abbandona tecniche di scrittura grottesche e fantastiche, ma si batte per l'autenticità nel rappresentare i cataclismi politici.

La biografia dell'eroe inizia con la famosa frase: “Il colonnello Aureliano Buendía ha sollevato trentadue insurrezioni armate e ne ha perse tutte e trentadue. Ebbe diciassette figli maschi di diciassette donne, e tutti i suoi figli furono uccisi in una sola notte prima che il maggiore di loro avesse compiuto trentacinque anni".

Il colonnello Aureliano Buendía appare nella narrazione in varie forme. I subordinati e coloro che lo circondano lo vedono nell'area dell'eroe, sua madre lo considera il carnefice della sua stessa gente e della sua famiglia. Mostrando miracoli di coraggio, è invulnerabile a un proiettile, veleno e un pugnale, ma a causa della sua stessa parola lanciata con noncuranza, tutti i suoi figli muoiono.

Un idealista, guida l'esercito dei liberali, ma presto si rende conto che i suoi associati non sono diversi dai loro nemici, poiché entrambi combattono per il potere e la proprietà della terra. Avendo guadagnato il potere, il colonnello Buendia è condannato alla completa solitudine e al degrado della personalità. Ripetendo nei sogni le gesta di Bolivar e anticipando gli slogan politici di Che Guevara, il colonnello sogna una rivoluzione in tutta l'America Latina. Lo scrittore limita gli eventi rivoluzionari alla cornice di una città, dove, in nome delle proprie idee, un vicino spara a un vicino, un fratello - un fratello. La guerra civile nell'interpretazione di Marquez è una guerra fratricida in senso letterale e figurato.

La famiglia Buendía è destinata a sopravvivere per cento anni. I nomi dei genitori e dei nonni si ripeteranno nei discendenti, i loro destini varieranno, ma tutti coloro che alla nascita riceveranno i nomi di Aureliano o José Arcadio erediterà stranezze ed eccentricità familiari, passioni eccessive e solitudine.

La solitudine insita in tutti i personaggi di Marquez è una passione per l'autoaffermazione attraverso il calpestamento dei propri cari. La solitudine diventa particolarmente evidente quando il colonnello Aureliano, all'apice della fama, ordina di disegnare un cerchio del diametro di tre metri intorno, in modo che nessuno, nemmeno sua madre, osi avvicinarsi.

Solo la progenitrice Ursula è priva di sentimenti egoistici. Con la sua estinzione si estingue anche la famiglia. Buendía toccherà i benefici della civiltà, saranno colpiti dalla febbre bancaria, alcuni di loro diventeranno ricchi, altri falliranno. Ma il tempo per l'adozione delle leggi borghesi non è il loro tempo. Appartengono al passato storico e lasciano impercettibilmente Macondo uno per uno. La città irriconoscibilmente cambiata, fondata dal primo Buendía, sarà spazzata via da un uragano.

La diversità stilistica del romanzo “Cent'anni di solitudine”, il complesso rapporto tra fantasia (l'elemento costruttivo più importante del mondo artistico dello scrittore) e realtà, la commistione di tono prosaico, poesia, fantasia, grottesco, riflettono, nella l'opinione dell'autore, la “fantastica realtà latinoamericana” stessa, incredibile e quotidiana allo stesso tempo, che illustra nel modo più vivido il metodo del “realismo magico” dichiarato dai prosatori latinoamericani della seconda metà del Novecento.

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Dittature, colpi di stato, rivoluzioni, la terribile povertà di alcuni e la fantastica ricchezza di altri e, allo stesso tempo, l'esuberante divertimento e l'ottimismo della gente comune. Così si possono riassumere la maggior parte dei paesi dell'America Latina del XX secolo. E non dimenticare la straordinaria sintesi di culture, popoli e credenze diverse.

I paradossi della storia e il colore esuberante hanno ispirato molti scrittori di questa regione a creare autentici capolavori letterari che hanno arricchito la cultura mondiale. Parleremo delle opere più sorprendenti nel nostro materiale.

Capitani di sabbia. Jorge Amado (Brasile)

Uno dei principali romanzi di Jorge Amado, il più famoso scrittore brasiliano del XX secolo. Captains of the Sand è la storia di una banda di bambini di strada che commerciava in furti e rapine nello stato di Bahia negli anni '30. È stato questo libro a costituire la base per il film "Generals of the Sand Quarries", molto popolare in URSS.

Adolfo Boi Casares (Argentina)

Il libro più famoso dello scrittore argentino Adolfo Bioi Casares. Un romanzo abilmente in bilico tra misticismo e fantascienza. Il protagonista, in fuga dall'inseguimento, finisce su un'isola lontana. Lì incontra strane persone che non gli prestano alcuna attenzione. Guardandoli giorno dopo giorno, apprende che tutto ciò che accade su questo pezzo di terra è cinema olografico registrato molto tempo fa, realtà virtuale. Ed è impossibile lasciare questo posto... mentre l'invenzione di un certo Morel è all'opera.

Signor Presidente. Miguel Angel Asturie (Guatemala)

Miguel Angel Asturias è un vincitore del Premio Nobel 1967 per la letteratura. Nel suo romanzo, l'autore ritrae un tipico dittatore latinoamericano - Senor President, in cui riflette l'intera essenza di un governo autoritario crudele e insensato volto al proprio arricchimento opprimendo e intimidendo la gente comune. Questo libro parla di un uomo per il quale governare un paese significa derubare e uccidere i suoi abitanti. Ricordando la dittatura dello stesso Pinochet (e di altri non meno sanguinari dittatori), si comprende quanto si sia rivelata accurata questa profezia artistica delle Asturie.

Regno della Terra. Alejo Carpentier (Cuba)

Nel suo romanzo storico Kingdom of the Earth, lo scrittore cubano Alejo Carpentier racconta il misterioso mondo degli haitiani, le cui vite sono indissolubilmente legate alla mitologia e alla magia del Voodoo. L'autore, infatti, ha disegnato questa povera e misteriosa isola sulla mappa letteraria del mondo, in cui magia e morte si intrecciano con il divertimento e la danza.

Specchi. Jorge Luis Borges (Argentina)

Una raccolta di racconti selezionati dell'eccezionale scrittore argentino Jorge Luis Borges. Nei suoi racconti fa riferimento ai motivi della ricerca del senso della vita, della verità, dell'amore, dell'immortalità e dell'ispirazione creativa. Utilizzando abilmente i simboli dell'infinito (specchi, biblioteche e labirinti), l'autore non dà tanto risposte alle domande quanto fa riflettere il lettore sulla realtà che lo circonda. Dopotutto, il punto non è tanto nei risultati della ricerca quanto nel processo stesso.

Morte di Artemio Cruz. Carlos Fuentes (Messico)

Nel suo romanzo, Carlos Fuentes racconta la storia della vita di Artemio Cruz, un ex rivoluzionario e socio di Pancho Villa, e ora uno dei magnati più ricchi del Messico. Giunto al potere a seguito di una rivolta armata, Cruz inizia ad arricchirsi freneticamente. Per soddisfare la sua avidità, non esita a ricorrere al ricatto, alla violenza e al terrore contro chiunque si metta sulla sua strada. Questo libro parla di come, sotto l'influenza del potere, anche le idee migliori e più alte muoiono e le persone cambiano oltre il riconoscimento. In realtà, questa è una sorta di risposta al “Senor President” delle Asturie.

Julio Cortazar (Argentina)

Una delle opere più famose della letteratura postmoderna. In questo romanzo, il famoso scrittore argentino Julio Cortazar racconta la storia di Horacio Oliveira - un uomo che ha un rapporto difficile con il mondo che lo circonda e riflette sul significato della propria esistenza. In The Game of Classics, il lettore sceglie da solo la trama del romanzo (nella prefazione, l'autore offre due opzioni per la lettura - secondo un piano appositamente sviluppato o nell'ordine dei capitoli) e il contenuto del libro sarà dipendono direttamente dalla sua scelta.

Città e cani. Mario Vargas Llosa (Perù)

"La città ei cani" è un romanzo autobiografico del famoso scrittore peruviano, vincitore del Premio Nobel 2010 per la letteratura, Mario Vargas Llosa. Il libro è ambientato tra le mura di una scuola militare, dove cercano di fare dei ragazzi adolescenti dei "veri uomini". I metodi di educazione sono semplici: prima rompere e umiliare una persona, quindi trasformarla in un soldato sconsiderato che vive secondo la carta.

Dopo la pubblicazione di questo romanzo contro la guerra, Vargas Llosa fu accusato di tradire e aiutare gli emigrati ecuadoriani. E diverse copie del suo libro furono solennemente bruciate sulla piazza d'armi della Scuola Cadetti Leoncio Prado. Tuttavia, questo scandalo non fece che aumentare la popolarità del romanzo, che divenne una delle migliori opere letterarie dell'America Latina del XX secolo. È stato anche filmato molte volte.

Gabriel Garcia Márquez (Colombia)

Il leggendario romanzo di Gabriel García Márquez, maestro colombiano del realismo magico, vincitore del Premio Nobel per la Letteratura 1982. In esso, l'autore racconta la storia centenaria della città di provincia di Macondo, situata nel mezzo della giungla del Sud America. Questo libro è riconosciuto come un capolavoro della prosa latinoamericana del XX secolo. Infatti, in un'opera, Marquez è riuscito a descrivere un intero continente con tutte le sue contraddizioni ed estremi.

Quando ho voglia di piangere, non piango. Miguel Otero Silva (Venezuela)

Miguel Otero Silva è uno dei più grandi scrittori venezuelani. Il suo romanzo "Quando ho voglia di piangere, non piango" è dedicato alla vita di tre giovani: un aristocratico, un terrorista e un bandito. Nonostante abbiano origini sociali diverse, sono tutti uniti da un unico destino. Tutti sono alla ricerca del proprio posto nella vita e tutti sono destinati a morire per le proprie convinzioni. In questo libro, l'autore dipinge magistralmente un quadro del Venezuela durante la dittatura militare, e mostra anche la povertà e la disuguaglianza di quell'epoca.

La vittoria sul fascismo ha comportato interruzioni e collasso del sistema coloniale in un certo numero di paesi precedentemente dipendenti del continente africano e dell'America Latina. Liberazione dal dominio militare ed economico, la migrazione di massa durante la seconda guerra mondiale ha portato alla crescita dell'autocoscienza nazionale. La liberazione dalla dipendenza coloniale nella seconda metà del XX secolo ha portato all'emergere di nuovi continenti letterari. Come risultato di questi processi, concetti come un nuovo romanzo latinoamericano, la prosa africana moderna e la letteratura etnica negli Stati Uniti e in Canada sono entrati nella lettura e nella vita quotidiana letteraria. Un altro fattore importante è stata la crescita del pensiero planetario, che non ha permesso il "silenzio" di interi continenti e l'esclusione dell'esperienza culturale.

È interessante notare che negli anni '60. in Russia sta prendendo forma la cosiddetta "prosa multinazionale": scrittori tra i popoli indigeni dell'Asia centrale, del Caucaso e della Siberia.

L'interazione delle letterature tradizionali con le nuove realtà ha arricchito la letteratura mondiale, ha dato impulso allo sviluppo di nuove immagini mitopoietiche. Verso la metà degli anni '60. è apparso chiaro che le letterature etniche, prima condannate all'estinzione o all'assimilazione, possono sopravvivere e svilupparsi a loro modo all'interno delle civiltà dominanti. Il fenomeno più eclatante del rapporto tra il fattore etnoculturale e la letteratura fu l'ascesa della prosa latinoamericana.

Già nella prima metà del XX secolo, le letterature dei paesi latinoamericani non potevano competere con i paesi dell'Europa (e anche dell'Oriente), perché erano per lo più epigoni estetici. Tuttavia, a partire dalla seconda metà del XX secolo, molti giovani scrittori hanno iniziato a costruire i propri percorsi creativi, puntando sulle tradizioni locali. Dopo aver assorbito l'esperienza della scuola sperimentale europea, sono stati in grado di sviluppare uno stile letterario nazionale originale.

Negli anni Sessanta e Settanta. c'è un periodo del cosiddetto "boom" del romanzo latinoamericano. In questi anni il termine "realismo magico" si diffuse nella critica europea e latinoamericana. In senso stretto, denota una certa tendenza nella letteratura latinoamericana della seconda metà del XX secolo. In senso lato, è inteso come una costante del pensiero artistico latinoamericano e un bene comune della cultura del continente.

Il concetto di realismo magico latinoamericano ha lo scopo di distinguerlo e distinguerlo dalla mitologia e dalla fantasia europee. Queste caratteristiche erano chiaramente incarnate nelle prime opere del realismo magico latinoamericano: la storia di A. Carpentier "The Dark Kingdom" (1949) e il romanzo di M.A. Asturie "Maize People" (1949).

Nei loro eroi, il principio della personalità è in sordina e non interessa lo scrittore. Gli eroi agiscono come portatori di una coscienza mitologica collettiva. È questo che diventa l'oggetto principale dell'immagine. Allo stesso tempo, gli scrittori spostano la loro visione di una persona civilizzata in quella di una persona primitiva. I realisti latinoamericani illuminano la realtà attraverso il prisma della coscienza mitologica. Di conseguenza, la realtà rappresentata subisce trasformazioni fantastiche. Le opere di realismo magico sono costruite sull'interazione di risorse artistiche. La coscienza "civile" è compresa e confrontata con quella mitologica.

Per tutto il XX secolo, l'America Latina si avviava alla fioritura della creatività artistica. Un'ampia varietà di direzioni si è sviluppata nel continente. Il realismo si stava sviluppando attivamente, un modernista d'élite (con echi dell'esistenzialismo europeo), e quindi sorse una direzione postmoderna. Jorge Luis Borges, Julio Kartazar Octavio Paz ha sviluppato le tecniche e i metodi del "flusso di coscienza" presi in prestito dall'Europa, l'idea dell'assurdità del mondo, "alienazione", discorso di gioco.

Scrittori d'élite latinoamericani - Octavio Paz, Juan Carlos Onetti, Mario Vergas Llos - hanno parlato con se stessi, hanno cercato di rivelare la loro unicità personale. Cercavano l'identità nazionale nel quadro di metodi europei consolidati di narrazione. Ciò ha fornito loro una pubblicità molto limitata.

Il compito dei "realisti magici" era diverso: indirizzavano direttamente il loro messaggio all'umanità, unendo il nazionale e l'universale in una sintesi unica. Questo spiega il loro fenomenale successo in tutto il mondo.

La poetica e i principi artistici del realismo magico latinoamericano sono stati influenzati dall'arte europea d'avanguardia. L'interesse generale per il pensiero primitivo, la magia, l'arte primitiva, che ha travolto gli europei nel primo terzo del XX secolo, ha stimolato l'interesse degli scrittori latinoamericani per gli indiani e gli afroamericani. Nel seno della cultura europea si è creato il concetto della differenza fondamentale tra pensiero prerazionalista e pensiero civilizzato. Questo concetto sarà sviluppato attivamente dagli scrittori latinoamericani.

Dalle avanguardie, principalmente surrealiste, gli scrittori latinoamericani hanno preso in prestito alcuni dei principi della trasformazione fantastica della realtà. Il “selvaggio” astratto europeo trovava concretezza e chiarezza etnoculturale nelle opere del realismo magico.

Il concetto di diversi tipi di pensiero è stato proiettato nell'area del confronto culturale e di civiltà tra l'America Latina e l'Europa. Il sogno surreale europeo è stato sostituito da un vero mito. Allo stesso tempo, gli scrittori latinoamericani si affidavano non solo alla mitologia indiana e sudamericana, ma anche alle tradizioni delle cronache americane dei secoli 16-17. e la loro abbondanza di elementi del miracoloso.

La base ideologica del realismo magico era il desiderio dello scrittore di identificare e affermare l'originalità della realtà e della cultura latinoamericana, che si combinava con la coscienza mitologica di un indiano o afroamericano.

Il realismo magico latinoamericano ha avuto un impatto significativo sulla letteratura europea e nordamericana, e in particolare sulla letteratura dei paesi del "terzo mondo".

Nel 1964, lo scrittore costaricano Joaquin Gutierrez nell'articolo “Alla vigilia della Grande Prosperità” ha riflettuto sul destino del romanzo in America Latina: “Parlando dei tratti caratteristici del romanzo latinoamericano, bisogna innanzitutto sottolineare che è relativamente giovane. Sono passati poco più di cento anni dalla sua nascita e in America Latina ci sono paesi in cui il primo romanzo è apparso solo nel nostro secolo. Durante i trecento anni del periodo coloniale, la storia latinoamericana non è stata pubblicata - e, per quanto ne sappiamo, non è stata scritta - nemmeno un romanzo!.. Negli ultimi vent'anni, il romanzo latinoamericano si è mosso avanti con grande vigore... universale. E penso che possiamo tranquillamente prevedere che è alla vigilia di una grande prosperità ... Il romanziere-colosso non è ancora apparso nella nostra letteratura, ma non siamo in ritardo. Ricordiamo quanto detto all'inizio - che il nostro romanzo ha poco più di cento anni - e aspetteremo ancora un po' di tempo"..

Queste parole sono diventate visionarie per il romanzo latinoamericano. Nel 1963 apparve il romanzo A Game of Classics di Julio Cortazar, nel 1967 Cent'anni di solitudine di Gabriel García Márquez, che divenne un classico della letteratura latinoamericana.

Argomento: letteratura giapponese.

Nel 1868, si verificarono eventi in Giappone che ricevettero il nome di "Restauro Meiji" (tradotto come "governo illuminato"). Ci fu un ripristino del potere dell'imperatore e la caduta del sistema di governo dei samurai dello shogunato. Questi eventi hanno portato il Giappone a seguire il percorso delle potenze europee. La politica estera sta cambiando radicalmente, si annuncia "l'apertura delle porte", la fine dell'isolamento esterno, che dura da più di due secoli, e sono in corso alcune riforme. Questi drammatici cambiamenti nella vita del paese si riflettevano nella letteratura del periodo Meiji (1868-1912). Durante questo periodo, i giapponesi sono passati da un entusiasmo eccessivo per tutto ciò che è europeo alla delusione, da una gioia sconfinata alla disperazione.

Una caratteristica distintiva del metodo tradizionale dei giapponesi è l'indifferenza dell'autore. Lo scrittore descrive tutto ciò che appare nella realtà quotidiana, senza dare alcuna valutazione. Il desiderio di ritrarre le cose senza apportare nulla da sé è spiegato dall'atteggiamento buddista nei confronti del mondo come inesistente, illusorio. Le proprie esperienze sono descritte allo stesso modo. L'essenza del metodo tradizionale giapponese risiede proprio nell'innocenza dell'autore rispetto a ciò che viene discusso, l'autore "segue il pennello", il movimento della sua anima. Il testo contiene una descrizione di ciò che l'autore ha visto o sentito, vissuto, ma non c'è desiderio di capire cosa sta succedendo. Non c'è in loro l'analiticità europea tradizionale. Le parole di Daiseku Suzuki sull'arte Zen possono essere attribuite a tutta la letteratura classica giapponese: “Hanno cercato di trasmettere con un pennello ciò che li muove dall'interno. Loro stessi non si rendevano conto di come esprimere lo spirito interiore, e lo esprimevano con un grido o una pennellata. Forse questa non è affatto arte, perché non c'è arte in quello che hanno fatto. E se c'è, allora è molto primitivo. Ma lo è? Potremmo riuscire nella "civiltà", in altre parole, nell'artificialità, se ci sforziamo per l'ingenuità? Questo è proprio lo scopo e la base di tutte le ricerche artistiche”.

Nella visione del mondo buddista, che è alla base della letteratura giapponese, non potrebbe esserci alcun desiderio di indagare la vita umana, di comprenderne il significato, perché la verità sta dall'altra parte del mondo visibile ed è inaccessibile alla comprensione. Può essere sperimentato solo in uno stato mentale speciale, in uno stato di massima concentrazione, quando una persona si fonde con il mondo. In questo sistema di pensiero non c'era idea della creazione del mondo, Buddha non ha creato il mondo, ma lo ha capito. Pertanto, l'uomo non era visto come un potenziale creatore. Dal punto di vista della teoria buddhista, un essere vivente non è un essere che vive nel mondo, ma un essere che fa esperienza del mondo. In questo sistema di valori non poteva emergere un metodo di analisi che presupponesse la separazione. Di qui l'atteggiamento indifferente nei confronti del raffigurato, quando lo scrittore si sente insieme partecipe e spettatore degli eventi descritti.

Pertanto, la letteratura tradizionale giapponese non è caratterizzata da tormenti, lamenti, dubbi. Non ha lotte interne, nessuna voglia di cambiare il destino, sfidare il destino, tutto ciò che pervade la letteratura europea, a partire dalla tragedia antica.

Nel corso dei secoli, l'ideale estetico è stato incarnato nella poesia giapponese.

Yasunari Kawabata (1899-1975)È un classico della letteratura giapponese. Nel 1968 viene insignito del Premio Nobel per "uno scritto che esprime con grande forza l'essenza del pensiero giapponese".

Yasunari Kawabata è nato a Osaka nella famiglia di un medico. Ha perso presto i suoi genitori, e poi suo nonno, che è stato coinvolto nella sua educazione. Viveva con i parenti, sentendosi amaramente orfano. Durante gli anni della scuola sognava di diventare un artista, ma la sua passione per la letteratura si è rivelata più forte. La sua prima esperienza di scrittura fu Il diario di un sedicenne, che conteneva stati d'animo di tristezza e solitudine.

Gli anni da studente sono stati trascorsi all'Università di Tokyo, dove Kawabata Yasunari ha studiato filologia inglese e giapponese. In questo momento ha avuto luogo una conoscenza con il lavoro dei più grandi scrittori giapponesi ed europei, con la letteratura russa. Dopo la laurea, lavora come revisore, pubblica recensioni di libri pubblicati. In questi anni viene inserito nel gruppo degli scrittori "neosensualisti" sensibili alle nuove tendenze della letteratura del modernismo europeo. Una delle storie di Kawabata Yasunari, "Crystal Fantasy" (1930), era spesso chiamata "di Joyce"; in termini di struttura e modo di scrivere, si sentiva l'influenza dell'autore di "Ulisse". La storia è un flusso di ricordi dell'eroina, tutta la sua vita emerge in una serie di momenti "cristallini" che lampeggiano nella sua memoria. Riproducendo il flusso di coscienza, trasmettendo il lavoro della memoria, Kawabata si concentrò in gran parte su Joyce e Proust. Come altri scrittori del XX secolo, non ha ignorato gli esperimenti modernisti. Ma allo stesso tempo, rimane un esponente dell'originalità e dell'originalità del pensiero giapponese. Kawabata mantiene forti legami con la tradizione nazionale giapponese. Kawabata ha scritto: “ Trascinato dalla letteratura occidentale contemporanea, a volte ho cercato di imitarne le immagini. Ma fondamentalmente sono una persona orientale e non ho mai perso di vista il mio percorso ».

I seguenti motivi tradizionali giapponesi sono caratteristici della poetica delle opere di Kawabata Yasunari:

Immediatezza e chiarezza della trasmissione di un sentito sentimento alla natura e all'uomo;

fondersi con la natura,

Grande attenzione ai dettagli;

Capacità di rivelare la bellezza incantevole nelle piccole cose quotidiane;

Riproduzione laconica delle sfumature dell'umore;

Tristezza silenziosa, saggezza conferita alla vita.

Tutto questo permette di sentire l'armonia dell'essere con i suoi eterni segreti.

L'originalità della prosa poetica di Kawabata Yasunari si è manifestata nei romanzi "Dancer from Isis" (1926), "Snow Country" (1937), "A Thousand Cranes" (1949), "Lake" (1954), nei romanzi "Il gemito della montagna" (1954), "Old Capital" (1962). Tutte le opere sono intrise di lirismo, un alto livello di psicologismo. Descrivono le tradizioni, i costumi, le peculiarità della vita e il comportamento delle persone giapponesi. Così, ad esempio, nel racconto "A Thousand Cranes" il rito del bere il tè, la "cerimonia del tè", che sono di grande importanza nella vita dei giapponesi, è riprodotto in ogni dettaglio. L'estetica del rito del tè, come altre usanze sempre scritte nei minimi dettagli, non isola affatto Kawabata dai problemi dell'era moderna. Sopravvisse a due guerre mondiali, alla distruzione di Hiroshima e Nagasaki per le esplosioni delle bombe atomiche, in sua memoria alle guerre nippo-cinesi. Pertanto, è particolarmente caro alle tradizioni associate al concetto di pace, armonia e bellezza, e non all'esaltazione del potere militare e del valore dei samurai. Kawabata protegge le anime delle persone dalla crudeltà del confronto

L'arte di Kawabata si sviluppò sotto l'influenza dell'estetica Zen. In accordo con gli insegnamenti dello Zen, la realtà è intesa come un tutto indivisibile e la vera natura delle cose può essere compresa solo intuitivamente. Non analisi e logica, ma sentimento e intuizione avvicinano a svelare l'essenza dei fenomeni, un mistero eterno. Non tutto si può esprimere a parole e non è necessario parlare di tutto fino in fondo. Basta un accenno, un indizio. Il fascino dell'understatement ha un potere impressionante. Questi principi, sviluppati nel corso dei secoli nella poesia giapponese, trovano attuazione anche nell'opera di Kawabata.

Kawabata vede la bellezza dell'ordinario, il suo ambiente di vita. Ritrae la natura, il mondo delle piante, le scene quotidiane in modo lirico, con la sincera saggezza dell'umanità. Lo scrittore mostra la vita della natura e la vita dell'uomo nella loro comunità, in una compenetrazione senza soluzione di continuità. Questo rivela un sentimento di appartenenza all'assoluto della natura, l'universo. Kawabata ha la capacità di ricreare l'atmosfera della realtà, per questo seleziona accuratamente colori affidabili, odori della sua terra natale.

Uno dei momenti centrali dell'estetica dell'arte giapponese è l'idea del triste fascino delle cose. La bellezza nella letteratura giapponese classica ha una colorazione elegiaca, le immagini poetiche sono intrise di uno stato d'animo di tristezza e tristezza. In poesia, come in un giardino tradizionale, non c'è nulla di superfluo, nulla di superfluo, ma c'è sempre immaginazione, un accenno, una sorta di incompletezza e imprevisto. La stessa sensazione nasce leggendo i libri di Kawabata, il lettore scopre il complesso atteggiamento dell'autore nei confronti dei suoi personaggi: simpatia e simpatia, misericordia e tenerezza, amarezza, dolore. Il lavoro di Kawabata è pieno di contemplazione tradizionale giapponese, umorismo, una sottile comprensione della natura e del suo impatto sull'anima umana. Rivela il mondo interiore di una persona che lotta per la felicità. Uno dei temi principali del suo lavoro è la tristezza, la solitudine, l'impossibilità dell'amore.

Nel più ordinario, in un piccolo dettaglio della noiosa quotidianità, si svela qualcosa di essenziale che rivela lo stato d'animo di una persona. I dettagli sono costantemente al centro della visione di Kawabata. Tuttavia, il mondo oggettivo per lui non sopprime il movimento del personaggio, la narrazione contiene analisi psicologiche e si distingue per un grande gusto artistico.

Molti capitoli delle opere di Kawabata iniziano con versi sulla natura, che, per così dire, danno il tono all'ulteriore narrazione. A volte la natura è solo uno sfondo su cui si svolge la vita degli eroi. Ma a volte assume un significato indipendente, per così dire. L'autore sembra invitarci a imparare da lei, a comprendere i suoi segreti sconosciuti, vedendo nella comunicazione con la natura i modi peculiari di miglioramento morale, estetico dell'uomo. Il senso della grandezza della natura, la raffinatezza della percezione visiva sono caratteristici del lavoro di Kawabata. Attraverso le immagini della natura, rivela i movimenti dell'anima umana, e quindi molte delle sue opere sono sfaccettate, hanno un sottotesto nascosto. La lingua Kawabata è un esempio dello stile giapponese. Breve, capiente, profondo, possiede l'immaginario e l'impeccabilità della metafora.

La poesia della rosa, l'alta abilità letteraria, l'idea umanistica di un atteggiamento attento verso la natura e l'uomo, verso le tradizioni dell'arte nazionale - tutto ciò rende l'arte di Kawabata un fenomeno eccezionale nella letteratura giapponese e nell'arte mondiale di discorso.

"Cent'anni di solitudine" di Gabriel García Márquez, "La città e i cani" di Mario Vargas Llosa, "Aleph" di Jorge Luis Borges - questi e altri capolavori della letteratura latinoamericana del secolo scorso sono in questa raccolta.

Dittature, colpi di stato, rivoluzioni, la terribile povertà di alcuni e la fantastica ricchezza di altri, e allo stesso tempo l'esuberante divertimento e l'ottimismo della gente comune: così puoi descrivere brevemente la maggior parte dei paesi dell'America Latina nel 20. secolo. E non dimenticare la straordinaria sintesi di culture, popoli e credenze diverse.

I paradossi della storia e il colore esuberante hanno ispirato molti scrittori di questa regione a creare autentici capolavori letterari che hanno arricchito la cultura mondiale. Parleremo delle opere più sorprendenti nel nostro materiale.

"Capitani della sabbia". Jorge Amado (Brasile)

Uno dei principali romanzi di Jorge Amado, il più famoso scrittore brasiliano del XX secolo. Captains of the Sand è la storia di una banda di bambini di strada che commerciava in furti e rapine nello stato di Bahia negli anni '30. È stato questo libro a costituire la base per il leggendario film "Generals of the Sand Quarries", che ha acquisito uno status di culto in URSS.

L'invenzione di Morel. Adolfo Boi Casares (Argentina)

Il libro più famoso dello scrittore argentino Adolfo Bioi Casares. Un romanzo abilmente in bilico tra misticismo e fantascienza. Il protagonista, in fuga dall'inseguimento, finisce su un'isola lontana. Lì incontra strane persone che non gli prestano alcuna attenzione. Guardandoli giorno dopo giorno, apprende che tutto ciò che accade su questo pezzo di terra è cinema olografico registrato molto tempo fa, realtà virtuale. Ed è impossibile lasciare questo posto... mentre l'invenzione di un certo Morel è all'opera.

"Presidente anziano". Miguel Angel Asturie (Guatemala)

Il romanzo più famoso di Miguel Angel Asturias, premio Nobel per la letteratura nel 1967. In esso, l'autore disegna un tipico dittatore latinoamericano - Senor President. In questo personaggio, lo scrittore riflette tutta l'essenza del governo autoritario crudele e insensato volto al proprio arricchimento attraverso l'oppressione e l'intimidazione della gente comune. Questo libro parla di un uomo per il quale governare un paese significa derubare e uccidere i suoi abitanti. Ricordando la dittatura dello stesso Pinochet (e di altri non meno sanguinari dittatori), si comprende quanto si sia rivelata accurata questa profezia artistica delle Asturie.

"Regno della Terra". Alejo Carpentier (Cuba)

Una delle opere più famose del più grande scrittore cubano Alejo Carpentier. Nel romanzo storico "Regno della Terra", racconta il misterioso mondo del popolo di Haiti, la cui vita è indissolubilmente legata alla mitologia e alla magia del Voodoo. Dipinse infatti questa povera e misteriosa isola sulla mappa letteraria del mondo, in cui magia e morte si intrecciano con il divertimento e la danza.

"Alef". Jorge Luis Borges (Argentina)

La più famosa raccolta di racconti dell'eccezionale scrittore argentino Jorge Luis Borges. In "Aleph" si è rivolto ai motivi della ricerca: la ricerca del significato della vita, della verità, dell'amore, dell'immortalità e dell'ispirazione creativa. Utilizzando abilmente i simboli dell'infinito (soprattutto specchi, biblioteche (che Borges amava tanto!) e labirinti), l'autore non dà tanto risposte alle domande quanto fa riflettere il lettore sulla realtà che lo circonda. Il punto non è tanto nei risultati della ricerca quanto nel processo stesso.

Morte di Artemio Cruz. Carlos Fuentes (Messico)

Il romanzo centrale di uno dei più famosi prosatori messicani del secolo scorso. Racconta la storia della vita di Artemio Cruz, un ex rivoluzionario e socio di Pancho Villa, e ora uno dei magnati più ricchi del Messico. Giunto al potere a seguito di una rivolta armata, Cruz inizia ad arricchirsi freneticamente. Per soddisfare la sua avidità, non esita a ricorrere al ricatto, alla violenza e al terrore contro chiunque si metta sulla sua strada. Questo libro parla di come, sotto l'influenza del potere, anche le idee migliori e più alte muoiono e le persone cambiano oltre il riconoscimento. In realtà, questa è una sorta di risposta al “Senor President” delle Asturie.

"Gioco classico". Julio Cortazar (Argentina)

Una delle opere più famose della letteratura postmoderna. In questo romanzo, il famoso scrittore argentino Julio Cortazar racconta la storia di Horacio Oliveira - un uomo che ha un rapporto difficile con il mondo che lo circonda e riflette sul significato della propria esistenza. In The Game of Classics, il lettore sceglie da solo la trama del romanzo (nella prefazione, l'autore offre due opzioni per la lettura - secondo un piano appositamente sviluppato o nell'ordine dei capitoli) e il contenuto del libro sarà dipendono direttamente dalla sua scelta.

"Città e cani". Mario Vargas Llosa (Perù)

"La città ei cani" è un romanzo autobiografico del famoso scrittore peruviano, vincitore del Premio Nobel 2010 per la letteratura, Mario Vargas Llosa. Il libro è ambientato tra le mura di una scuola militare, dove cercano di fare dei ragazzi adolescenti dei "veri uomini". I metodi di educazione sono semplici: prima rompere e umiliare una persona, quindi trasformarla in un soldato sconsiderato che vive secondo la carta. Dopo la pubblicazione di questo romanzo contro la guerra, Vargas Llosa fu accusato di tradire e aiutare gli emigrati ecuadoriani. E diverse copie del suo libro furono solennemente bruciate sulla piazza d'armi della Scuola Cadetti Leoncio Prado. Tuttavia, questo scandalo non fece che aumentare la popolarità del romanzo, che divenne una delle migliori opere letterarie dell'America Latina del XX secolo. È stato anche filmato molte volte.

"Cent'anni di solitudine." Gabriel Garcia Márquez (Colombia)

Il leggendario romanzo di Gabriel García Márquez, maestro colombiano del realismo magico, vincitore del Premio Nobel per la Letteratura 1982. In esso, l'autore racconta la storia centenaria della città di provincia di Macondo, situata nel mezzo della giungla del Sud America. Questo libro è riconosciuto come un capolavoro della prosa latinoamericana del XX secolo. In effetti, Marquez è riuscito a descrivere l'intero continente con tutte le sue contraddizioni ed estremi.

"Quando voglio piangere, non piango". Miguel Otero Silva (Venezuela)

Miguel Otero Silva è uno dei più grandi scrittori venezuelani. Il suo romanzo "Quando ho voglia di piangere, non piango" è dedicato alla vita di tre giovani: un aristocratico, un terrorista e un bandito. Nonostante abbiano origini sociali diverse, sono tutti uniti da un unico destino. Tutti sono alla ricerca del proprio posto nella vita e tutti sono destinati a morire per le proprie convinzioni. In questo libro, l'autore dipinge magistralmente un quadro del Venezuela durante la dittatura militare, e mostra anche la povertà e la disuguaglianza di quell'epoca.