Син людський (малюнок). Син людський або історія про пальто та котелки Рене магритт дитя людське

Сюжет

Чоловік невизначеного віку в добре скроєному, але нічим не примітному костюмі і казанку стоїть біля низької огорожі. За його спиною – водна гладь. Замість обличчя – яблуко. У цьому сюрреалістичному ребусі зашифрував кілька тем, які проходять через усю його творчість.

"Син людський", 1964. (wikipedia.org)

Інкогніто в казанку - образ, створений на суперечливому поєднанні магрітовських пристрастей. З одного боку, він дотримувався правил класичного буржуа, вважав за краще виглядати непомітним, як усі. З іншого, - любив детективні історії, пригодницькі фільми, особливо про Фантомаса. Історія про злочинця, який приймав образ жертв, влаштовував містифікації, обманював поліцію і завжди ховався від переслідування, хвилювала фантазію Магрітта.

На стику потягу до порядку і безладу і народився цей чоловік, який здається добропорядним, але за чиєю масою таїться секрети, невідомі навіть йому. Той самий тихий вир із його чортами.

У тому контексті можна розглядати і алюзію на історію гріхопадіння. Адам не за те був вигнаний з раю, що погодився з'їсти плід із забороненого дерева, але за те, що не виніс відповідальності за досконалу провину, а отже, не виправдав ім'я людини як божественного творіння.

Ще один мотив, який так чи інакше звучить у багатьох роботах, — спогади про матір, яка наклала на себе руки, коли Рені було 14 років. Вона потонула в річці, і коли згодом тіло її дістали з води, то голова була обплутана нічною сорочкою. І хоча Магритт говорив пізніше, що ця подія аж ніяк не вплинула на неї, віриться цьому важко. По-перше, щоб у 14 років залишитися байдужим до суїциду матері, потрібно бути з атрофованою душею (чого точно не скажеш про Магрітта). По-друге, образи або води, або драпірування, що задушує, або жінки, сполученої з водною стихією, з'являються на картинах дуже часто. Ось і в «Сині людському» за спиною героя — вода, а бар'єр, який відокремлює від неї, вкрай низький. Кінець неминучий, а прихід його непередбачуваний.

Контекст

За визначенням Магрітта, він творив магічний реалізм: використовуючи знайомі предмети, створював незнайомі комбінації, які змушували глядача турбуватися. Назви для більшості — всі ці загадкові формулювання, що огортають, — придумані не самим художником, а його друзями. Закінчивши чергову роботу, Магрітт запрошував їх і пропонував влаштувати мозковий штурм. Сам художник залишив досить докладний опис філософії свого мистецтва і сприйняття світу, його розуміння взаємовідносин між об'єктом, його зображенням і словом.

"Репродукування заборонено", 1937. (wikipedia.org)

Один із хрестоматійних прикладів — картина 1948 року «Віроломство образів». На ній зображена знайома всім курильна трубка, що сама по собі не викликає жодних хвилювань у тонко організованій душі артистичної натури. Якби не підпис: Це не трубка. "Як це не трубка, - виникало питання у глядачів, - коли чудово видно, що нічим, крім трубкою, це бути не може". Магритт парирував: «Ви можете набити її тютюном? Ні, це всього лише зображення, чи не так? Тож якби я написав під картиною «Це трубка», я б збрехав!»

"Віроломство образів", 1928-1929 гг. (wikipedia.org)

У кожному творі Магрітта є своя логіка. Це не низка нічних кошмарів і снів, а система зв'язків. Художник взагалі скептично ставився до того, з яким прагненням сюрреалісти студіювали Фрейда і, ледве прокинувшись, намагалися якомога докладніше сфотографувати побачене уві сні.

Художник має цикл робіт — «перспектив», на яких герої картин іменитих майстрів помирають. Тобто Магріт осмислює зображених на полотнах як живих людей, на яких чекає смерть рано чи пізно. Наприклад, Магрітт взяв портрети мадам Рекам'є пензля Давида та Франсуа Жерара та на їх основі написав дві перспективи. І не посперечаєшся: як би не була прекрасна світська левиця, але й на неї чекала та ж доля, що й останню замухришку.

Те саме Магрітт зробив з «Балконом» Едуарда Мане, на якому замінив людей трунами. Хтось сприймає цикл «перспектив» як арт-богохульство, хтось як жарт, але якщо задуматись, то це лише тверезий погляд на речі.

Доля художника

Рене Магрітт народився в бельгійській глушині. У сім'ї було троє дітей, доводилося нелегко. Наступного року після смерті матері Рене познайомився з Жоржеттою Бергер. Через 9 років вони зустрінуться знову і вже не розлучаться ніколи.

Після школи та курсу в Королівській академії мистецтв Магріт відправився малювати троянди на шпалерах — влаштувався художником на фабрику. Потім зайнявся рекламними плакатами. Після одруження з Жоржетт Магрітт все більше часу приділяв мистецтву. (Хоча періодично йому доводилося повертатися до комерційних замовлень - грошей не вистачало, Жоржетт доводилося час від часу працювати, що вкрай пригнічувало Рене - він, як правильний буржуа, вважав, що жінка не повинна працювати зовсім.) Разом вони вирушили до Парижа, де познайомилися з дадаїстами та сюрреалістами, зокрема, Андре Бретоном та Сальвадором Далі.

Повернувшись на батьківщину в 1930-х, Магрітт залишився вірним своєму аскетичному за мірками художників способу життя. У його будинку не було майстерні — він писав просто у своїй кімнаті. Жодних розбещених п'янок, сексуальних скандалів, богемної розбещеності. Рене Магрітт вів життя непримітного клерка. Дітей у них не було — лише собачка.

Поступово він стає все відомішим у Європі та США, його запрошують до Британії та Штатів із виставками та лекціями. Непримітний буржуа змушений залишити свій тихий куточок.

У роки війни, бажаючи підбадьорити співгромадян окупованої вітчизни, Магрітт звертається до імпресіонізму. Використовуючи зразок Ренуара, він вибирає фарби яскравіше. Після війни він повернеться до звичної собі манері. Крім того, він почне експерименти в кіно: купивши в 1950-х камеру, Магрітт захоплено знімає короткометражні фільми за участю дружини та друзів.

В 1967 Магритт помер від раку підшлункової залози. Залишилось кілька незавершених проектів, над якими митець працював до останніх днів.

Джерела

1. musee-magritte-museum.be
2. Лекція Ірини Кулик «Рене Магрітт – Крісто»
3. Олександр Таїров – про художників. Рене Магрітт
4. Фото анонсу та ліда: wikipedia.org

Бельгійська художник-сюрреаліст Рене Магрітт– один із найзагадковіших і неоднозначних художників, чия творчість завжди викликала безліч питань. Однією з найвідоміших його робіт є «Син людський». На сьогоднішній момент існує безліч спроб інтерпретувати символічний підтекст картини, яку мистецтвознавці часто називають інтелектуальною провокацією.

Кожна картина Магрітта - ребус, що змушує роздумувати над множинними прихованими смислами. Їхня кількість залежить виключно від фантазії та ерудованості дивлячого: комбінації образів та назви картин налаштовують глядача на пошук розгадки, якої насправді може не існувати. Як казав сам художник, головна його мета – змусити глядача замислитись. Подібний ефект справляють усі його роботи, тому Магрітт називав себе «магічним реалістом».
Магритт – майстер парадоксів, він задає завдання, що суперечать логіці, а шукати шляхи їх вирішення залишає глядачеві. Образ людини в казанку – один із центральних у його творчості, він став символом самого художника. Парадоксальний об'єкт на картині - яблуко, що повисло в повітрі прямо перед обличчям людини. «Син людський» – квінтесенція концепції «магічного реалізму» та вершина творчості Магрітта. У кожного, хто дивиться на цю картину, народжуються дуже суперечливі висновки.
Картину «Син людський» Магрітт написав у 1964 р. як автопортрет. Назва роботи відсилає до біблійних образів та символів. Як писали критики, «назвою картина завдячує образу сучасного бізнесмена, який залишився сином Адама, і яблуку, що символізує спокуси, які продовжують переслідувати людину й у світі».
Вперше образ чоловіка в пальто й у казанку з'являється у «Роздумах самотнього перехожого» 1926 р., пізніше повторюється у картині «Зміст ночі». У 1950-х роках. Магріт знову повертається до цього образу. Його знаменита «Голконда» символізує одноликий натовп і самотність у ньому кожної окремої людини. «Людина в казанку» та «Син людський» продовжують роздуми над втратою індивідуальності сучасною людиною.

Обличчя людини на картині закриває яблуко – один із найдавніших та багатозначних символів у мистецтві. У Біблії яблуко – плід дерева пізнання добра і зла, символ гріхопадіння людини. У фольклорі цей образ часто використовувався як символ родючості та здоров'я. У геральдиці яблуко символізує мир, державу та владу. Але Магрітт, судячи з усього, апелює до первісних смислів, використовуючи цей образ як символ спокус, які переслідують людину. У шаленому ритмі сучасного життя людина втрачає індивідуальність, зливається з натовпом, але не може позбутися спокус, що загороджують, подібно до яблука на картині, реальний світ.

Белла Адцеєва

Бельгійський художник Рене Магрітт, незважаючи на безперечну приналежність сюрреалізму, у русі завжди стояв особняком. По-перше, він скептично ставився до чи не головного захоплення всієї групи Андре Бретона - психоаналіз Фрейда. По-друге, самі картини Магрітта не схожі ні на шалені сюжети Сальвадора Далі, ні на химерні пейзажі Макса Ернста. Магрітт використовував, в основному, звичайні повсякденні образи - дерева, вікна, двері, фрукти, фігури людей - проте його картини не менш абсурдні та загадкові, ніж роботи його ексцентричних колег по цеху. Не створюючи фантастичних предметів і істот із глибин підсвідомості, бельгійський художник робив те, що Лотреамон називав мистецтвом - влаштовував "зустріч парасольки та машинки, що пише на операційному столі", небанально поєднуючи банальні речі. Мистецтвознавці та поціновувачі досі пропонують все нові трактування його картин та їх поетичних назв, майже ніколи не пов'язаних із зображенням, що ще раз підтверджує: простота Магритта оманлива.

© Фото: Рене МагріттРене Магрітт. "Терапевт". 1967

Сам Рене Магритт своє мистецтво називав навіть не сюрреалізмом, а магічним реалізмом, і з великою недовірою ставився до будь-яких спроб інтерпретації і тим більше пошуків символів, стверджуючи, що єдине, що потрібно робити з картинами - розглядати їх.

© Фото: Рене МагріттРене Магрітт. "Роздуми самотнього перехожого". 1926

З цієї миті Магритт періодично повертався до образу загадкового незнайомця в казанку, зображуючи його то піщаному березі моря, то міському мосту, то зеленому лісі чи обличчям до гірського пейзажу. Незнайомців могли бути двоє чи троє, вони стояли спиною до глядача чи напівбоком, інколи ж - як, наприклад, на картині High Society (1962) (може бути перекладено, як "Високе суспільство" - прим. ред.) - художник позначав лише контур чоловіки в казанку, наповнюючи його хмар і листя. Найбільш відомі картини, що зображають незнайомця - "Голконда" (1953) і, звичайно, "Син людський" (1964) - найрозтиражованіша робота Магритта, пародії та алюзії на яку зустрічаються так часто, що образ живе вже окремо від свого творця. Спочатку Рене Магрітт писав картину як автопортрет, де фігура чоловіка символізувала сучасну людину, яка втратила індивідуальність, але залишилася сином Адама, який не в силах встояти перед спокусами - звідси яблуко, що закриває обличчя.

© Фото: Volkswagen / Advertising Agency: DDB, Берлін, Німеччина

"Закохані"

Рене Магрітт досить часто коментував свої картини, але одну із найзагадковіших - "Закоханих" (1928) - залишив без пояснення, надавши простір для інтерпретацій мистецтвознавцям та шанувальникам. Перші знову побачили у картині відсилання до дитинства художника та переживань, пов'язаних із самогубством матері (коли її тіло дістали з річки, голова жінки була вкрита подолом нічної сорочки – прим. ред.). Найпростіша і найочевидніша з існуючих версій - "любов сліпа" - не викликає довіри у фахівців, які частіше трактують картину як спробу передати ізольованість між людьми, нездатними подолати відчуження навіть у моменти пристрасті. Інші бачать тут неможливість зрозуміти та дізнатися до кінця близьких людей, треті розуміють "Закоханих" як реалізовану метафору "втратити голову від кохання".

У тому ж році Рене Магрітт написав другу картину під назвою "Закохані" - на ній обличчя чоловіка і жінки так само закриті, але змінилися їхні пози і фон, а загальний настрій з напруженого змінилося на умиротворене.

Як би там не було, "Закохані" залишаються однією з найвідоміших картин Магрітта, загадкову атмосферу якої запозичують сучасні артисти - наприклад, до неї надсилає обкладинка дебютного альбому англійської групи Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep in Conversation (2003).

© Фото: Atlantic, Mighty Atom, FerretАльбом гурту Funeral For a Friend, "Casually Dressed & Deep in Conversation"

"Віроломство образів", або Це не …

Назви картин Рене Магрітта та їх зв'язок із зображенням – тема для окремого вивчення. "Скляний ключ", "Здійснення неможливого", "Людський наділ", "Перешкода порожнечі", "Прекрасний світ", "Імперія світла" - поетичні та таємничі, вони майже ніколи не описують те, що бачить на полотні глядач, а про те Який сенс хотів вкласти в назву художник, у кожному окремому випадку доводиться лише здогадуватися. "Назви обрані таким чином, що вони не дають помістити мої картини в звичну область, туди, де автоматизм думки неодмінно спрацює, щоб запобігти занепокоєнню", - пояснював Магритт.

У 1948 році він створив картину "Віроломство образів", яка стала однією з найвідоміших робіт Магрітта завдяки напису на ній: від невідповідності художник прийшов до заперечення, під зображенням трубки написавши "Це не трубка". "Ця знаменита трубка. Як люди дорікали мені їй! І все ж, ви можете набити її тютюном? Ні, це ж всього лише зображення, чи не так? Так що, якби я написав під картиною "Це трубка", я б збрехав !" — говорив митець.

© Фото: Рене МагріттРене Магрітт. "Дві таємниці". 1966

© Фото: Allianz Insurances / Advertising Agency: Atletico International, Berlin, Німеччина

Небо Магрітта

Небо з хмарами, що пливуть по ньому, - настільки повсякденний і вживаний образ, що зробити його "візитною карткою" якогось конкретного художника здається неможливим. Однак небо Магрітта не можна переплутати з чиїмось іншим - частіше через те, що на його картинах воно виявляється відбитим у химерних дзеркалах та величезних очах, наповнює контури птахів і разом з лінією горизонту з пейзажу непомітно переходить на мольберт (серія "Людська доля" "). Безтурботне небо служить тлом незнайомцю в казанку ("Декалькоманія", 1966), замінює сірі стіни кімнати ("Особисті цінності", 1952) і заломлюється в об'ємних дзеркалах ("Елементарна космогонія", 1949).

© Фото: Рене МагріттРене Магрітт. "Імперія світла". 1954

Знаменита "Імперія світла" (1954), здавалося б, зовсім не схожа на роботи Магрітта - у вечірньому пейзажі, на перший погляд, не знайшлося місця незвичним предметам та загадковим поєднанням. І все ж таки таке поєднання є, і воно робить картину "магритівської" - ясне денне небо над зануреними в темряву озером і будинком.

Мій улюблений сюрреаліст може похвалитися багатьма шедевральними роботами, що скромно висять у музеї його імені в Брюсселі. Широкій ж публіці він відомий завдяки двом головам, затягнутим шматком тканини, трунам, зображенням трубки, а також жіночих статевих органів, що органічно вписалися в обличчя. Ну і, природно, завдяки ньому – синові людському.

Образ чоловіка в пальті та котелку проходить червоною ниткою через усю творчість Магрітта. Вперше він малює схожий силует у 1926 році, назвавши картину "Роздуми самотнього перехожого". Деякі дослідники його творчості вважають, що картину написано під враженням від смерті матері художника. (Покінчила життя самогубством, зістрибнувши з мосту).

Через рік мотив котелка і пальто знову спливає у творчості Магрітта. "Зміст ночі". Сенс ночі, ясна річ, уві сні.

Вкотре Магритт згадує цей образ лише 1951 року, створивши картину " Скринька Пандори " . Імовірно, біла троянда виступає символом надії, що залишилася на дні ящика.

В 1953 Магритт малює знамениту "Голконду" дощ з мужиків. Сам Рене стверджував, що ця картина уособлює одноособистість натовпу і самотність індивіда в ній, який може торкнутися справжнього життя - знову ж таки - лише уві сні.

У 1954 з'являються "Велике століття" та "Шкільний вчитель".

"Велике століття"

"Шкільний вчитель"

У 1955 році людина в пальті та казанку розкривається з різних боків. Три фігури, три місяці, три реальності. "Шедевр чи таємниця горизонту"

У 1956 альтер-его Магрітта втрачає форму і мімікрує під обрій - робота "Поет відтворений"

В 1957 Магритт надихається Боттічеллі, поміщаючи Весну на спину людини в пальто. "Готовий букет"

Зробивши перерву на три роки, у 1960 пальто повертається до вдячного глядача. Із собою воно наводить яблуко. "Поштова листівка"

А також представників фауни. Важлива деталь - людина у пальті та казанку повертається до нас обличчям. "Присутність духу"

У 1961 році Гагарін здійснив політ у космос, а Магріт намалював "Портрет Штефі Ланг", куди не проминув помістити два комплекти "пальто-котелок".

"Вищий світ".

"Дух пригод"

У 1963 Магрітт знову трохи поекспериментував із формою.

"Нескінченне визнання"

"Прихильник порядку"

У 1964 художник пише предтечу "Сина людського". "Людина в казанку"

І, нарешті, ми дісталися до, мабуть, найвідомішої картини Магрітта. "Син людський" замислювався як автопортрет художника, символізуючи сучасну людину, що втратила індивідуальність, але не позбулася спокус.

Цього ж року було написано варіацію "Сина людського" - "Велика війна"

Через два роки після "Сина Людського" Магріт знову повернувся до казанків. "Декалькоманія" та "Королівський музей" датуються 1966.

"Декалькоманія"

"Королівський музей"

На цьому Магріт закінчив свої стосунки з казанками, але було пізно - образ пішов у маси. Чималу роль в опошлении картини зіграли пустотливі рученята шанувальників продукції Apple.

Втім, не варто звинувачувати лише адептів зіпсованого яблука – як правило, адаптація ідеї суспільством найчастіше проходить болісно для автора.

Апофеоз процесу - трансформація "сину людського" у нового героя прогресивної молоді. Відчуваю, Магріт щойно напоровся на цвях у своїй труні.

Що ми маємо на виході? Один із ключових образів митця опішлений та комерціалізований. З іншого боку, хіба це не є доказом всесвітньої популярності?

За своє життя Магрітт намалював близько 2000 картин, у 50 з яких з'являється капелюх. Художник малював її у проміжку між 1926 та 1966 роками, і вона стала відмінною рисою творчості Рене.

Раніше капелюх-котелок носили звичайні представники буржуазії, які не хотіли виділятися з натовпу. «Котелок... не дивує», – сказав Магрітт у 1966 році. «Це – головний убір, який не є оригінальним. Людина з котелком – це просто людина середнього класу, [захована] у своїй анонімності. Я теж його ношу. Я не прагну до того, щоб виділятися».

Рене Магрітт. 1938 рік

Капелюхи-котелки були введені в моду спеціально для британського середнього класу у другій половині 19 століття. На початку 20 століття казанок став одним з найпопулярніших капелюхів. Головний убір вважався неформальним та практичним одночасно, що робило його обов'язковою частиною чоловічого гардеробу.

Щоправда, у 1920-ті роки теж були епізоди, коли аксесуар фігурував у кар'єрі Магрітта. У ті часи художник залишив свою роботу як ілюстратор для модного каталогу. Ранні картини містять у собі посилання на поп-культуру, яка тоді асоціювалася з капелюхом-котелком. Магритт, який був пристрасним любителем кримінальної літератури, працював над картиною «Вбивця в небезпеці», де два детективи в казанках готуються увійти до кімнати, де було скоєно вбивство.

Вбивця у небезпеці. 1927 рік

Потім митець відмовився від «капелюшного» мотиву, не використовуючи його кілька десятиліть. Капелюхи знову зобразилися на полотні в п'ятдесяті-шістдесяті роки, ставши важливою частиною пізньої кар'єри Рене. На той час асоціації з людиною в капелюсі кардинально змінилися: від чіткого посилання до професії (до детективів, в основному), до символу середнього класу.

Але, як і належить у творчості Магрітта – все не так, як нам здається. «Він грає з цим почуттям: “Ми думаємо, що ми знаємо, хто ця людина, але чи знаємо ми?” – каже Кайтлін Хаскелл, організатор виставки Рене Магрітта у Сан-Франциско. – Тут є почуття інтриги, не дивлячись на те, що сама фігура – ​​стереотипно-буржуазна і не має особливого інтересу»

Шедевр, чи таємниці горизонту. 1955 рік

«Якщо ви візьмете геніальність Магрітт і повинні будете розповісти про неї в одному реченні: “Чому Магритт такий важливий? Чому його образи є невід'ємною частиною суспільної уяви та свідомості? Все тому, що він створює неймовірно зрозумілі та чіткі картини, в яких немає чіткого сенсу», – каже Енн Умланд, куратор картин та скульптур Нью-Йоркського музею сучасного мистецтва. «Капелюх-котелок працює саме таким чином».

Існує теорія, що капелюх функціонував як «анонімайзер» для самого Рене. Приблизно в ті часи, коли на картинах знову з'явилися головні убори, Магрітт почав одягати капелюх для фотосесій. Цілком можливо, що галантні панове із картин – це автопортрети самого Рене.

Це проілюстровано у картині під назвою «Син Людський», яка виступає автопортретом художника. Рене малює собі капелюх-котелок і велике яблуко, що плаває перед його обличчям, затьмарює справжню особистість.

Син людський. 1964 рік

Тим не менш, у 50-ті роки вулиці міста перестали рясніти капелюхами-котелками. Аксесуар став старомодним, і городянам, які стежили за трендами, довелося від нього відмовитися. Тоді капелюхи Магрітта, намальовані в реалістичному стилі (у розпал абстрактного експресіонізму), стали символом анонімності. У картинах Рене вони виступили на перший план, замість зникнути в безликому натовпі.

По суті, капелюхи-котелки стали іконографічним підписом Магрітта. Виходить кумедна іронія: митець вибрав деталь, яка забезпечить невпізнанність, але все спрацювало навпаки. Тепер капелюх-котелок – один із головних об'єктів творчості легендарного Рене Магрітта.