Chủ nghĩa lãng mạn là một hướng nghệ thuật. Chủ nghĩa lãng mạn trong nghệ thuật (thế kỷ XVIII - XIX). Chủ nghĩa lãng mạn trong âm nhạc

Bài luận thi

Chủ đề: "Chủ nghĩa lãng mạn như một xu hướng trong nghệ thuật".

Thực hiện học sinh 11 trường lớp "B" №3

Boyprav Anna

Giảng viên nghệ thuật thế giới

văn hóa Butsu T.N.

Brest 2002

1. Giới thiệu

2. Những lý do cho sự xuất hiện của chủ nghĩa lãng mạn

3. Các đặc điểm chính của chủ nghĩa lãng mạn

4. Anh hùng lãng mạn

5. Chủ nghĩa lãng mạn ở Nga

a) Văn học

b) Vẽ tranh

c) Âm nhạc

6. Chủ nghĩa lãng mạn Tây Âu

một bức vẽ

b) Âm nhạc

7. Kết luận

8. Tài liệu tham khảo

1. GIỚI THIỆU

Nếu bạn nhìn vào từ điển giải thích tiếng Nga, bạn có thể tìm thấy một số nghĩa của từ "chủ nghĩa lãng mạn": 1. Xu hướng trong văn học và nghệ thuật của quý đầu tiên của thế kỷ 19, được đặc trưng bởi sự lý tưởng hóa quá khứ, cách ly với thực tế, sùng bái nhân cách và con người. 2. Khuynh hướng văn học, nghệ thuật, thấm nhuần tinh thần lạc quan, khát vọng thể hiện bằng những hình ảnh sinh động, mục đích sống cao đẹp của con người. 3. Tâm trạng, thấm nhuần lí tưởng hiện thực, mơ mộng chiêm nghiệm.

Có thể thấy qua định nghĩa, chủ nghĩa lãng mạn là một hiện tượng không chỉ thể hiện trong nghệ thuật, mà còn thể hiện ở hành vi, trang phục, lối sống, tâm lý của con người và nảy sinh ở những bước ngoặt của cuộc đời, do đó chủ đề lãng mạn là phù hợp ngày nay. Chúng ta đang sống ở thời điểm chuyển giao thế kỷ, chúng ta đang ở trong một giai đoạn chuyển giao. Về vấn đề này, trong xã hội, người ta thiếu niềm tin vào tương lai, thiếu niềm tin vào lý tưởng, có mong muốn thoát khỏi thực tế xung quanh vào thế giới trải nghiệm của bản thân và đồng thời lĩnh hội nó. Chính những nét đó là đặc trưng của nghệ thuật lãng mạn. Đó là lý do tôi chọn đề tài “Chủ nghĩa lãng mạn như một hướng đi trong nghệ thuật” để nghiên cứu.

Chủ nghĩa lãng mạn là một lớp rất lớn các loại hình nghệ thuật khác nhau. Mục đích của công việc của tôi là theo dõi các điều kiện xuất xứ và lý do cho sự xuất hiện của chủ nghĩa lãng mạn ở các quốc gia khác nhau, để điều tra sự phát triển của chủ nghĩa lãng mạn trong các loại hình nghệ thuật như văn học, hội họa và âm nhạc, và so sánh chúng. Nhiệm vụ chính của tôi là nêu lên những nét chính của chủ nghĩa lãng mạn, đặc trưng của tất cả các loại hình nghệ thuật, để xác định xem chủ nghĩa lãng mạn có ảnh hưởng gì đến sự phát triển của các khuynh hướng nghệ thuật khác.

Khi xây dựng đề tài, tôi đã sử dụng sách giáo khoa về mỹ thuật của các tác giả như Filimonova, Vorotnikov, v.v., bách khoa toàn thư, chuyên khảo dành cho nhiều tác giả khác nhau của thời đại chủ nghĩa lãng mạn, tài liệu tiểu sử của các tác giả như Aminskaya, Atsarkina, Nekrasov, v.v.

2. LÝ DO ĐỂ LÃNG MẠN

Càng tiến gần đến hiện đại, khoảng thời gian thống trị của phong cách này hay phong cách khác càng trở nên ngắn hơn. Khoảng thời gian cuối thế kỷ 18 - 1/3 thế kỷ 19. được coi là kỷ nguyên của chủ nghĩa lãng mạn (từ Romantique của Pháp; một cái gì đó bí ẩn, kỳ lạ, không có thật)

Điều gì đã ảnh hưởng đến sự xuất hiện của một phong cách mới?

Đó là ba sự kiện chính: Đại cách mạng Pháp, Chiến tranh Napoléon, sự trỗi dậy của phong trào giải phóng dân tộc ở Châu Âu.

Tiếng sấm của Paris vang vọng khắp châu Âu. Khẩu hiệu “Tự do, bình đẳng, tình anh em!” Sở hữu một sức hấp dẫn to lớn đối với tất cả các dân tộc châu Âu. Với sự hình thành của xã hội tư sản, giai cấp công nhân bắt đầu hoạt động chống lại trật tự phong kiến ​​với tư cách là một lực lượng độc lập. Cuộc đấu tranh đối lập của ba giai cấp - quý tộc, giai cấp tư sản và giai cấp vô sản - đã hình thành cơ sở cho sự phát triển lịch sử của thế kỷ 19.

Số phận của Napoléon và vai trò của ông trong lịch sử châu Âu trong 2 thập kỷ, 1796-1815, đã chiếm trọn tâm trí của những người đương thời với ông. “Kẻ thống trị của những suy nghĩ” - A.S. Pushkin.

Đối với nước Pháp, đây là những năm vĩ đại và vinh quang, mặc dù phải trả giá bằng mạng sống của hàng nghìn người Pháp. Ý coi Napoléon là người giải phóng cho mình. Người Ba Lan đặt hy vọng lớn vào anh ta.

Napoléon đóng vai trò là một kẻ đi chinh phục hành động vì quyền lợi của giai cấp tư sản Pháp. Đối với các quân vương châu Âu, ông không chỉ là kẻ thù quân sự, mà còn là đại diện cho thế giới xa lạ của giai cấp tư sản. Họ ghét anh ta. Vào đầu các cuộc chiến tranh thời Napoléon trong “Đội quân vĩ đại” của ông có rất nhiều người trực tiếp tham gia cách mạng.

Tính cách của bản thân Napoléon đã là một hiện tượng. Chàng trai trẻ Lermontov đáp lễ kỷ niệm 10 năm ngày mất của Napoléon:

Anh ấy xa lạ với thế giới. Mọi thứ về anh ấy là một bí mật

Một ngày đi lên - và một giờ sụp đổ!

Bí mật này đặc biệt thu hút sự chú ý của những người yêu thích truyện lãng mạn.

Liên quan đến các cuộc chiến tranh Napoléon và sự chín muồi của ý thức dân tộc, thời kỳ này được đặc trưng bởi sự trỗi dậy của phong trào giải phóng dân tộc. Đức, Áo, Tây Ban Nha chiến đấu chống lại sự chiếm đóng của Napoléon, Ý - chống lại ách thống trị của Áo, Hy Lạp - chống lại Thổ Nhĩ Kỳ, ở Ba Lan, họ chiến đấu chống lại chủ nghĩa cuồng tín của Nga, Ireland - chống lại người Anh.

Một thế hệ đã chứng kiến ​​một sự thay đổi đáng kinh ngạc.

Nước Pháp sôi sục hầu hết tất cả: năm năm bão táp của Cách mạng Pháp, sự nổi lên và sụp đổ của Robespierre, các chiến dịch của Napoléon, sự thoái vị đầu tiên của Napoléon, sự trở về của ông từ đảo Elba ("một trăm ngày") và trận chung kết

thất bại tại Waterloo, lễ kỷ niệm 15 năm ảm đạm của chế độ phục hồi, Cách mạng tháng Bảy năm 1860, Cách mạng tháng Hai năm 1848 ở Paris, đã gây ra một làn sóng cách mạng ở các nước khác.

Ở Anh, do kết quả của cuộc cách mạng công nghiệp vào nửa cuối thế kỷ 19. sản xuất máy móc và quan hệ tư bản chủ nghĩa trở nên vững chắc. Cải cách nghị viện năm 1832 đã khai thông con đường của giai cấp tư sản lên quyền lực nhà nước.

Các nhà cai trị phong kiến ​​giữ quyền lực trên các vùng đất của Đức và Áo. Sau khi Napoléon sụp đổ, họ đã đối phó gay gắt với phe đối lập. Nhưng ngay trên đất Đức, một đầu máy hơi nước được đưa từ Anh vào năm 1831 đã trở thành một nhân tố dẫn đến sự tiến bộ tư sản.

Các cuộc cách mạng công nghiệp, các cuộc cách mạng chính trị đã làm thay đổi bộ mặt của Châu Âu. Các nhà khoa học người Đức Marx và Engels viết năm 1848: “Giai cấp tư sản, trong vòng chưa đầy một trăm năm bị giai cấp thống trị, đã tạo ra lực lượng sản xuất nhiều hơn và vĩ đại hơn tất cả các thế hệ trước cộng lại”.

Vì vậy, cuộc Đại cách mạng Pháp (1789-1794) đã đánh dấu một cột mốc đặc biệt tách biệt kỷ nguyên mới với kỷ nguyên Khai sáng. Không chỉ các hình thức nhà nước đã thay đổi, cấu trúc xã hội của xã hội, sự sắp xếp các giai cấp. Toàn bộ hệ thống đại diện, được chiếu sáng trong nhiều thế kỷ, đã bị lung lay. Các nhà giáo dục đã chuẩn bị về mặt tư tưởng cho cuộc cách mạng. Nhưng họ không thể lường trước được hết hậu quả của nó. "Vương quốc của lý trí" đã không diễn ra. Cuộc cách mạng, nơi tuyên bố quyền tự do của cá nhân, đã làm nảy sinh trật tự tư sản, tinh thần lãnh cảm và ích kỷ. Đây là cơ sở lịch sử cho sự phát triển của văn hóa nghệ thuật, làm nảy sinh một hướng đi mới - chủ nghĩa lãng mạn.

3. CÁC TÍNH NĂNG CHÍNH CỦA LÃNG MẠN

Chủ nghĩa lãng mạn với tư cách là một phương pháp và phương hướng trong văn hóa nghệ thuật là một hiện tượng phức tạp và mâu thuẫn. Ở mỗi quốc gia, ông đều có một biểu hiện dân tộc sống động. Trong văn học, âm nhạc, hội họa và sân khấu, không dễ tìm thấy những đặc điểm gắn kết Chateaubriand và Delacroix, Mickiewicz và Chopin, Lermontov và Kiprensky.

Lãng mạn chiếm các vị trí xã hội và chính trị khác nhau trong xã hội. Tất cả đều nổi dậy chống lại kết quả của cuộc cách mạng tư sản, nhưng họ nổi dậy theo những cách khác nhau, vì mỗi người đều có lý tưởng riêng. Nhưng đối với tất cả sự đa dạng và nhiều mặt, chủ nghĩa lãng mạn có những đặc điểm ổn định.

Sự thất vọng trong thời hiện đại đã phát sinh ra một sự đặc biệt quan tâm trong quá khứ: hình thành xã hội tiền tư sản, đến cổ đại phụ hệ. Nhiều tác phẩm lãng mạn được đặc trưng bởi ý tưởng rằng chủ nghĩa kỳ lạ đẹp như tranh vẽ của các quốc gia phía nam và phía đông - Ý, Tây Ban Nha, Hy Lạp, Thổ Nhĩ Kỳ - là một sự tương phản thơ mộng với cuộc sống hàng ngày của tư sản tẻ nhạt. Ở những quốc gia này, khi đó vẫn còn ít bị ảnh hưởng bởi nền văn minh, những người theo chủ nghĩa lãng mạn đang tìm kiếm những nhân vật tươi sáng, mạnh mẽ, một lối sống nguyên bản, đầy màu sắc. Mối quan tâm đến quá khứ quốc gia đã làm nảy sinh rất nhiều tác phẩm lịch sử.

Cố gắng vượt lên trên sự hiện hữu của văn xuôi, giải phóng những khả năng đa dạng của cá nhân, tối đa hóa bản thân trong sáng tạo, chủ nghĩa lãng mạn phản đối việc hình thức hóa nghệ thuật và cách tiếp cận thẳng thắn với nó, vốn có trong chủ nghĩa cổ điển. Tất cả đều đến từ phủ nhận sự Khai sáng và các quy tắc duy lý của chủ nghĩa cổ điển, Và nếu chủ nghĩa cổ điển phân chia mọi thứ theo đường thẳng, thành xấu và tốt, thành đen và trắng, thì chủ nghĩa lãng mạn không phân chia mọi thứ theo đường thẳng. Chủ nghĩa cổ điển là một hệ thống, nhưng chủ nghĩa lãng mạn thì không. Chủ nghĩa lãng mạn đã thúc đẩy sự phát triển của thời hiện đại từ chủ nghĩa cổ điển sang chủ nghĩa tình cảm, chủ nghĩa này thể hiện cuộc sống nội tâm của một con người hòa hợp với thế giới rộng lớn. Và chủ nghĩa lãng mạn phản đối sự hài hòa với thế giới nội tâm. Chính với chủ nghĩa lãng mạn, chủ nghĩa tâm lý hiện thực bắt đầu xuất hiện.

Nhiệm vụ chính của chủ nghĩa lãng mạn là hình ảnh của thế giới bên trong, đời sống tinh thần, và điều này có thể được thực hiện trên cơ sở các câu chuyện, thuyết thần bí, v.v. Cần phải chỉ ra cái nghịch lý của đời sống nội tâm này, cái phi lý của nó.

Trong trí tưởng tượng của họ, những câu chuyện lãng mạn đã biến đổi thực tế khó coi hoặc đi vào thế giới trải nghiệm của họ. Khoảng cách giữa mơ và thực, sự đối lập của hư cấu đẹp đẽ với hiện thực khách quan là trọng tâm của toàn bộ trào lưu lãng mạn.

Lần đầu tiên, chủ nghĩa lãng mạn đặt ra vấn đề về ngôn ngữ của nghệ thuật. “Nghệ thuật là một loại ngôn ngữ hoàn toàn khác với tự nhiên; nhưng nó cũng chứa đựng một sức mạnh kỳ diệu không kém tác động đến tâm hồn con người một cách bí mật và khó hiểu ”(Wackenroder và Thicke). Nghệ sĩ là người thông dịch ngôn ngữ của tự nhiên, là người trung gian giữa thế giới tinh thần và con người. “Nhờ các nghệ sĩ, nhân loại nổi lên như một cá thể không thể tách rời. Thông qua hiện tại, các nghệ sĩ hợp nhất thế giới quá khứ với thế giới tương lai. Chúng là cơ quan tinh thần cao nhất mà ở đó các lực lượng quan trọng của con người bên ngoài của chúng gặp nhau, và là nơi con người bên trong thể hiện trước hết ”(F. Schlegel).

Tuy nhiên, chủ nghĩa lãng mạn không phải là một xu hướng thuần nhất: sự phát triển hệ tư tưởng của nó đi theo những hướng khác nhau. Trong số những tác giả lãng mạn có những nhà văn phản động, những người theo chế độ cũ, những người tôn vinh chế độ quân chủ phong kiến ​​và Thiên chúa giáo. Mặt khác, chủ nghĩa lãng mạn với một triển vọng tiến bộ thể hiện một cuộc phản kháng dân chủ chống lại phong kiến ​​và mọi loại áp bức, thể hiện xung lực cách mạng của nhân dân vì một tương lai tốt đẹp hơn.

Chủ nghĩa lãng mạn đã để lại cả một kỷ nguyên trong nền văn hóa nghệ thuật thế giới, những đại diện của nó là: V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mitskevich, và những người khác; trong nghệ thuật của E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky và những người khác; trong âm nhạc F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin và những người khác. thiện và ác, những đam mê của con người được tiết lộ một cách thành thục, v.v.

Các loại hình nghệ thuật về tầm quan trọng của chúng ít nhiều đã cân bằng và tạo ra các tác phẩm nghệ thuật tuyệt đẹp, mặc dù các tác phẩm lãng mạn trong bậc thang nghệ thuật đã ưu tiên cho âm nhạc.

4. ANH HÙNG LÃNG MẠN

Anh hùng lãng mạn là ai và anh ấy là người như thế nào?

Anh ấy là người theo chủ nghĩa cá nhân. Một siêu nhân đã sống trong hai giai đoạn: trước khi va chạm với thực tại, anh ta sống trong trạng thái ‘màu hồng’, anh ta bị ám bởi khát vọng thành tựu, vì thay đổi thế giới; Sau khi đối mặt với thực tế, anh ta tiếp tục coi thế giới này vừa thô tục vừa nhàm chán, nhưng anh ta không trở thành một người hoài nghi, một người bi quan. Với sự hiểu biết rõ ràng rằng không gì có thể thay đổi được, mong muốn về những việc làm anh hùng được tái sinh thành mong muốn về những nguy hiểm.

Lãng mạn có thể mang lại giá trị lâu dài vĩnh cửu cho mọi điều nhỏ nhặt, cho mọi sự thật cụ thể, cho mọi thứ đơn lẻ. Joseph de Maistre gọi nó là "những cách của Chúa Quan Phòng", Germain de Stael - "tử cung hoa trái của vũ trụ bất tử." Chateaubriand trong The Genius of Christian, trong một cuốn sách dành cho lịch sử, trực tiếp chỉ ra Chúa là sự khởi đầu của thời gian lịch sử. Xã hội xuất hiện như một sợi dây liên kết không thể lay chuyển, "một sợi dây sự sống kết nối chúng ta với tổ tiên và chúng ta phải mở rộng cho con cháu của mình." Chỉ có trái tim của một người, chứ không phải lý trí, mới có thể hiểu và nghe được tiếng nói của Đấng Tạo Hóa, qua vẻ đẹp của thiên nhiên, qua những cảm nhận sâu sắc. Thiên nhiên là thần thánh, nó là cội nguồn của sự hài hòa và sức mạnh sáng tạo, những ẩn dụ của nó thường được các nhà lãng mạn chuyển tải vào từ điển chính trị. Đối với những người lãng mạn, cây nêu trở thành biểu tượng của dòng tộc, sự phát triển tự phát, cảm nhận về thủy chung của quê hương, là biểu tượng của sự đoàn kết dân tộc. Bản chất của một người càng ngây thơ và nhạy cảm, người đó càng dễ dàng nghe thấy tiếng nói của Đức Chúa Trời. Một đứa trẻ, một phụ nữ, một thanh niên cao quý hơn những người khác thường cảm nhận được sự bất tử của linh hồn và giá trị của cuộc sống vĩnh hằng. Khát khao hạnh phúc của người lãng mạn không chỉ giới hạn ở việc theo đuổi lý tưởng Nước Thiên Chúa sau khi chết.

Ngoài tình yêu thần bí dành cho Đức Chúa Trời, một người cần có tình yêu thực sự trần thế. Không thể chiếm hữu được đối tượng mà mình đam mê, người anh hùng lãng mạn đã trở thành một kẻ tử vì đạo vĩnh cửu, cam chịu chờ đợi cuộc gặp gỡ với người mình yêu ở thế giới bên kia, "vì tình yêu vĩ đại xứng đáng là sự bất tử khi người đàn ông phải trả giá bằng mạng sống của mình."

Một vị trí đặc biệt trong tác phẩm lãng mạn bị chiếm bởi vấn đề phát triển và giáo dục của cá nhân. Tuổi thơ không tuân theo luật lệ, sự bốc đồng tức thời của nó vi phạm đạo đức công cộng, tuân theo luật chơi của chính nó. Ở một người trưởng thành, những phản ứng tương tự dẫn đến cái chết, dẫn đến sự kết án của linh hồn. Để tìm kiếm vương quốc trên trời, một người phải thấu hiểu các quy luật của bổn phận và đạo đức, chỉ khi đó anh ta mới có thể hy vọng vào cuộc sống vĩnh cửu. Vì nghĩa vụ được quy cho những người lãng mạn bởi mong muốn có được cuộc sống vĩnh cửu, nên việc hoàn thành nghĩa vụ mang lại hạnh phúc cá nhân ở biểu hiện sâu sắc nhất và mạnh mẽ nhất của nó. Bổn phận đạo đức là thêm bổn phận của tình cảm sâu sắc và lợi ích cao cả. Không pha trộn giá trị của các giới tính khác nhau, chủ nghĩa lãng mạn ủng hộ sự bình đẳng về sự phát triển tinh thần của nam giới và phụ nữ. Tương tự như vậy, nghĩa vụ công dân được quy định bởi tình yêu đối với Đức Chúa Trời và các thể chế của Ngài. Sự phấn đấu của cá nhân là sự hoàn thành của nó trong sự nghiệp chung, trong sự phấn đấu của cả dân tộc, của toàn nhân loại, của toàn thế giới.

Mỗi nền văn hóa đều có anh hùng lãng mạn của riêng mình, nhưng Charles Harold của Byron đã đưa ra một hình ảnh tiêu biểu về anh hùng lãng mạn. Anh ta đeo mặt nạ của người anh hùng của mình (nói rằng không có khoảng cách giữa anh hùng và tác giả) và cố gắng tuân thủ quy tắc lãng mạn.

Tất cả các tác phẩm lãng mạn được phân biệt bởi các tính năng đặc trưng:

Thứ nhất, trong mọi tác phẩm lãng mạn không có khoảng cách giữa anh hùng và tác giả.

Thứ hai, tác giả anh hùng không chê, dù có nói xấu gì về mình nhưng cốt truyện được xây dựng nên anh hùng cũng không đáng trách. Cốt truyện trong một tác phẩm tình cảm thường lãng mạn. Những người theo chủ nghĩa lãng mạn cũng xây dựng mối quan hệ đặc biệt với thiên nhiên, họ thích bão tố, giông tố, đại hồng thủy.

5. LÃNG MẠN Ở NGA.

Chủ nghĩa lãng mạn ở Nga khác với Tây Âu vì bối cảnh lịch sử khác và truyền thống văn hóa khác. Cách mạng Pháp không thể được tính trong số các lý do cho sự xuất hiện của nó, vì một nhóm người rất hẹp đã đặt bất kỳ hy vọng nào vào những chuyển biến trong tiến trình của nó. Và kết quả của cuộc cách mạng hoàn toàn thất vọng về nó. Câu hỏi về chủ nghĩa tư bản ở Nga đầu TK XIX. đã không đứng. Vì vậy, không có lý do nào như vậy cả. Lý do thực sự là cuộc Chiến tranh Vệ quốc năm 1812, trong đó tất cả sức mạnh của quyền chủ động của nhân dân đã được thể hiện. Nhưng sau chiến tranh người dân không nhận được di chúc. Những người tốt nhất trong giới quý tộc, không hài lòng với thực tế, đã đến Quảng trường Thượng viện vào tháng 12 năm 1825. Hành động này cũng không trôi qua mà không có dấu vết đối với giới trí thức sáng tạo. Những năm hỗn loạn sau chiến tranh đã trở thành bối cảnh mà chủ nghĩa lãng mạn Nga được hình thành.

Chủ nghĩa lãng mạn, và hơn nữa, của chúng ta, của Nga, đã phát triển và hun đúc thành những hình thức nguyên thủy của chúng ta, chủ nghĩa lãng mạn không phải là một thứ văn học đơn thuần, mà là một hiện tượng đời sống, một thời đại phát triển của đạo đức, một thời đại mang màu sắc đặc biệt của riêng nó, được thực hiện một cách đặc biệt. cái nhìn trong cuộc sống ... Để xu hướng lãng mạn đến từ bên ngoài, từ cuộc sống phương Tây và văn học phương Tây, nó tìm thấy trong thiên nhiên Nga một mảnh đất sẵn sàng cho nhận thức của nó, và do đó được phản ánh trong những hiện tượng hoàn toàn nguyên bản, như nhà thơ và nhà phê bình Apollo Grigoriev đã đánh giá nó - đây là một hiện tượng văn hóa độc đáo, và những đặc điểm của nó cho thấy sự phức tạp thiết yếu của chủ nghĩa lãng mạn, từ sâu thẳm mà Gogol trẻ tuổi xuất hiện và gắn bó với người không chỉ khi bắt đầu sự nghiệp cầm bút, mà trong suốt quá trình của mình. đời sống.

Apollon Grigoriev đã xác định chính xác bản chất ảnh hưởng của trường phái lãng mạn đối với văn học và đời sống, kể cả văn xuôi thời đó: không phải là sự ảnh hưởng hay vay mượn đơn thuần, mà là một xu hướng văn học và đời sống đặc trưng và mạnh mẽ, đã tạo ra những hiện tượng hoàn toàn nguyên bản trong giới trẻ Nga. văn học.

a) Văn học

Người ta thường chia chủ nghĩa lãng mạn Nga thành nhiều thời kỳ: ban đầu (1801-1815), trưởng thành (1815-1825) và thời kỳ phát triển hậu Kabrist. Tuy nhiên, liên quan đến giai đoạn đầu, tính thông thường của sơ đồ này là rất nổi bật. Vì buổi bình minh của chủ nghĩa lãng mạn Nga gắn liền với tên tuổi của Zhukovsky và Batyushkov, những nhà thơ mà sự sáng tạo và thái độ của họ khó có thể đặt cạnh nhau và so sánh trong cùng một thời kỳ, mục tiêu, khát vọng và tính khí của họ rất khác nhau. Trong những câu thơ của cả hai nhà thơ, người ta vẫn có thể cảm nhận được ảnh hưởng của quá khứ - thời đại của chủ nghĩa tình cảm, nhưng nếu Zhukovsky vẫn ăn sâu vào nó, thì Batyushkov đã tiến gần hơn đến những xu hướng mới.

Belinsky lưu ý một cách đúng đắn rằng tác phẩm của Zhukovsky được đặc trưng bởi "những lời phàn nàn về những hy vọng không hoàn hảo không có tên, nỗi buồn vì hạnh phúc đã mất, mà Chúa biết đó là gì." Thật vậy, trong con người của Zhukovsky, chủ nghĩa lãng mạn vẫn đang bước những bước đầu tiên rụt rè, biểu lộ sự đa cảm và u uất, khao khát nhiệt thành mơ hồ, khó có thể cảm nhận được, nói cách khác, đối với phức hợp cảm xúc mà trong phê bình Nga gọi là "chủ nghĩa lãng mạn của thời Trung cổ. "

Một bầu không khí hoàn toàn khác lại ngự trị trong thơ Batyushkov: niềm vui được tồn tại, sự nhục cảm thẳng thắn, một bài thánh ca về khoái lạc.

Zhukovsky đúng ra được coi là đại diện tiêu biểu của chủ nghĩa nhân văn thẩm mỹ Nga. Xa lạ với những đam mê mãnh liệt, Zhukovsky tự mãn và nhu mì chịu ảnh hưởng đáng chú ý của những ý tưởng của Rousseau và các tác phẩm lãng mạn của Đức. Theo họ, ông rất coi trọng khía cạnh thẩm mỹ của tôn giáo, đạo đức và các mối quan hệ xã hội. Nghệ thuật có được một ý nghĩa tôn giáo từ Zhukovsky, ông cố gắng nhìn thấy trong nghệ thuật một "mặc khải" của những chân lý cao hơn, nó là "thiêng liêng" đối với ông. Các tác phẩm lãng mạn của Đức được đặc trưng bởi sự đồng nhất của thơ ca và tôn giáo. Chúng ta cũng tìm thấy điều tương tự ở Zhukovsky, người đã viết: "Thơ là Chúa trong những giấc mơ thiêng liêng của trái đất." Trong chủ nghĩa lãng mạn Đức, ông đặc biệt gần gũi với lực hấp dẫn đối với mọi thứ bên ngoài, hướng tới "mặt đêm của linh hồn", hướng tới cái "không thể diễn tả được" trong tự nhiên và con người. Thiên nhiên trong thơ của Zhukovsky được bao quanh bởi sự bí ẩn, phong cảnh của ông rất ma quái và gần như không có thực, giống như phản chiếu trong nước:

Hương hòa quyện với cái mát của cây cỏ làm sao!

Thật ngọt ngào làm sao trong sự yên lặng bên bờ của những tia nước bắn tung tóe!

Kẹo marshmallow thổi qua mặt nước lặng lẽ làm sao

Và rặng liễu uyển chuyển rung rinh!

Tâm hồn nhạy cảm, dịu dàng và mơ mộng của Zhukovsky dường như đóng băng ngọt ngào trước ngưỡng cửa của “ánh sáng huyền bí” này. Nhà thơ, như Belinsky đã nói một cách khéo léo, “yêu và khỏa lấp nỗi đau khổ của mình,” nhưng nỗi đau khổ này không cắn xé trái tim anh ta bằng những vết thương tàn nhẫn, vì ngay cả trong u sầu và buồn bã, cuộc sống nội tâm của anh ta vẫn yên tĩnh và thanh thản. Vì vậy, khi, trong bức thư gửi Batyushkov, “đứa con của hạnh phúc và niềm vui,” ông gọi nhà thơ Epicurean là “họ hàng của Nàng thơ”, thì thật khó tin vào mối quan hệ này. Đúng hơn, chúng ta sẽ tin Zhukovsky nhân đức, người đã khuyên cô ca sĩ của thú vui trần gian một cách thân thiện: "Hãy từ chối sự khiêu gợi, những giấc mơ là điều chết người!"

Batyushkov đối lập với Zhukovsky trong mọi thứ. Ông là một người có niềm đam mê mãnh liệt, và cuộc đời sáng tạo của ông đã bị cắt ngắn 35 năm trước khi tồn tại thể xác: khi còn rất trẻ, ông đã lao vào vực thẳm của sự điên loạn. Ông đã xả thân cho cả niềm vui và nỗi buồn với sức mạnh và niềm đam mê ngang nhau: trong cuộc sống, cũng như trong cách giải thích thơ ca, ông - không giống như Zhukovsky - xa lạ với "ý nghĩa vàng". Mặc dù thơ của ông cũng được đặc trưng bởi sự ca ngợi tình bạn trong sáng, niềm vui của một "góc khiêm tốn", sự bình dị của ông không có nghĩa là khiêm tốn và yên tĩnh, đối với Batiushkov, không thể tưởng tượng nó không có niềm hạnh phúc uể oải của những thú vui say mê và say sưa với cuộc sống. Đôi khi, nhà thơ bị cuốn theo những niềm vui nhục dục đến mức sẵn sàng từ chối một cách liều lĩnh sự khôn ngoan áp bức của khoa học:

Liệu nó có thể thành sự thật trong những sự thật đáng buồn

Chủ nghĩa khắc kỷ u ám và nhà hiền triết nhàm chán

Ngồi trong trang phục tang lễ,

Giữa đống đổ nát và những chiếc quan tài

Liệu chúng ta có tìm thấy quả ngọt của cuộc đời mình?

Từ họ, tôi thấy, niềm vui

Ruồi như bướm bay khỏi bụi gai.

Đối với họ không có sức hấp dẫn nào bằng sức hấp dẫn của thiên nhiên,

Trinh nữ không hát quan họ, quyện vào nhau trong những vũ điệu tròn trịa;

Đối với họ, đối với người mù,

Mùa xuân không có niềm vui và mùa hè không có hoa.

Bi kịch thực sự hiếm khi được nghe thấy trong các bài thơ của ông. Chỉ vào cuối cuộc đời sáng tạo của mình, khi ông bắt đầu bộc lộ những dấu hiệu của bệnh tâm thần, một trong những bài thơ cuối cùng của ông đã được viết ra dưới sự sai khiến, trong đó động cơ của sự phù phiếm của cuộc sống trần thế được thể hiện rõ ràng:

Bạn có nhớ bạn đã nói gì không

Nói lời tạm biệt với cuộc sống, Melchizedek tóc bạc?

Một người đàn ông sinh ra là một nô lệ

Một nô lệ sẽ nằm trong mồ,

Và cái chết sẽ khó nói với anh ta

Tại sao anh ấy lại đi dọc theo một thung lũng nước mắt tuyệt vời,

Tôi đau khổ, thổn thức, chịu đựng,

Ở Nga, chủ nghĩa lãng mạn như một trào lưu văn học đã hình thành vào những năm 20 của thế kỷ XIX. Nguồn gốc của nó là các nhà thơ, nhà văn văn xuôi, nhà văn, và họ đã tạo ra chủ nghĩa lãng mạn Nga, khác với chủ nghĩa "Tây Âu" ở tính cách dân tộc, đặc biệt của nó. Chủ nghĩa lãng mạn Nga được phát triển bởi các nhà thơ nửa đầu thế kỷ XIX, và mỗi nhà thơ đã giới thiệu một điều gì đó mới mẻ. Chủ nghĩa lãng mạn Nga được phát triển rộng rãi, tiếp thu những nét đặc trưng, ​​trở thành một trào lưu độc lập trong văn học. Trong "Ruslan và Lyudmila" A.S. Pushkin có những dòng: “Có tinh thần Nga, có mùi nước Nga”. Cũng có thể nói về chủ nghĩa lãng mạn Nga. Những anh hùng của các tác phẩm lãng mạn là những hồn thơ phấn đấu vì cái “cao” và cái đẹp. Nhưng có một thế giới thù địch không cho phép người ta cảm thấy tự do, khiến những linh hồn này không thể hiểu nổi. Thế giới này gồ ghề, vì thế hồn thơ chạy đến nơi khác, nơi có lý tưởng, nó phấn đấu cho cái “vĩnh hằng”. Chủ nghĩa lãng mạn dựa trên xung đột này. Nhưng các nhà thơ đã xử lý tình huống này theo cách khác. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, tiến hành từ một việc, xây dựng mối quan hệ giữa các anh hùng của họ và thế giới xung quanh họ theo những cách khác nhau, do đó các anh hùng của họ có những con đường khác nhau đến lý tưởng.

Hiện thực thật khủng khiếp, thô lỗ, trơ tráo và ích kỷ, không có chỗ cho tình cảm, ước mơ và khát khao của nhà thơ và những người anh hùng của họ. "Đúng" và vĩnh cửu - ở thế giới bên kia. Do đó khái niệm về một thế giới kép, nhà thơ khao khát một trong những thế giới này để tìm kiếm một lý tưởng.

Vị trí của Zhukovsky không phải là vị trí của một người bước vào cuộc đấu tranh với thế giới bên ngoài, người đã thách thức ông. Đó là một con đường thông qua sự hợp nhất với tự nhiên, một con đường hòa hợp với thiên nhiên, trong một thế giới vĩnh cửu và tươi đẹp. Theo nhiều nhà nghiên cứu (bao gồm cả Yu.V. Mann), Zhukovsky thể hiện sự hiểu biết của mình về quá trình thống nhất này trong The Inexpressible. Sự hiệp nhất là chuyến bay của tâm hồn. Vẻ đẹp bao quanh bạn lấp đầy tâm hồn bạn, nó ở trong bạn, và bạn ở trong đó, tâm hồn bay bổng, không thời gian và không gian tồn tại, nhưng bạn tồn tại trong tự nhiên, và tại thời điểm này bạn đang sống, bạn muốn hát về vẻ đẹp này , nhưng không có từ ngữ để diễn tả trạng thái của bạn, chỉ có một cảm giác đồng điệu. Bạn không bị quấy rầy bởi những người xung quanh bạn, tâm hồn thuần khiết, hơn nữa là mở rộng với bạn, bạn tự do.

Pushkin và Lermontov đã tiếp cận vấn đề này của chủ nghĩa lãng mạn theo cách khác. Không nghi ngờ gì nữa, ảnh hưởng của Zhukovsky đối với Pushkin không thể không được phản ánh trong tác phẩm của người sau này. Các tác phẩm đầu tiên của Pushkin được đặc trưng bởi chủ nghĩa lãng mạn "công dân". Dưới ảnh hưởng của tác phẩm "Một ca sĩ trong trại lính Nga" của Zhukovsky và các tác phẩm của Griboyedov, Pushkin đã viết bài ca "Tự do", "Gửi cho Chaadaev." Trong phần sau, anh ấy thúc giục:

"Bạn ơi! Chúng ta sẽ cống hiến tâm hồn cho quê hương bằng những thôi thúc tuyệt vời ...". Đây cũng chính là sự phấn đấu cho lý tưởng mà Zhukovsky đã có, chỉ có Pushkin mới hiểu lý tưởng theo cách của mình, do đó con đường đến với lý tưởng của nhà thơ cũng khác. Anh ta không muốn và không thể phấn đấu cho lý tưởng một mình, nhà thơ kêu gọi anh ta. Pushkin đã nhìn thực tế và lý tưởng theo cách khác nhau. Đây không thể gọi là bạo loạn, đây là phản ánh về các phần tử nổi loạn. Điều này được phản ánh trong bài hát ode "The Sea". Đây là sức mạnh và sức mạnh của biển cả, biển cả là tự do, đã vươn tới lý tưởng. Một người cũng phải trở nên tự do, tinh thần của anh ta phải tự do.

Tìm kiếm lý tưởng là đặc điểm chính của chủ nghĩa lãng mạn. Nó tự thể hiện trong các tác phẩm của Zhukovsky, Pushkin, và Lermontov. Cả ba nhà thơ đều đi tìm tự do, nhưng họ tìm kiếm nó theo những cách khác nhau, họ hiểu nó khác nhau. Zhukovsky đang tìm kiếm sự tự do do "đấng tạo hóa" gửi đến. Sau khi tìm thấy sự đồng điệu, một người trở nên tự do. Đối với Pushkin, tinh thần tự do là rất quan trọng, điều đó nên thể hiện ở con người. Đối với Lermontov, chỉ có anh hùng nổi loạn mới được tự do. Nổi dậy vì tự do, còn gì có thể đẹp hơn? Thái độ đối với lý tưởng này đã được lưu giữ trong lời ca tình yêu của các nhà thơ. Theo tôi, thái độ này là do thời gian. Mặc dù tất cả đều hoạt động trong cùng một thời kỳ, nhưng thời điểm tạo ra chúng khác nhau, các sự kiện phát triển với tốc độ nhanh chóng. Nhân vật của các nhà thơ cũng ảnh hưởng rất nhiều đến mối quan hệ của họ. Zhukovsky điềm tĩnh và Lermontov nổi loạn hoàn toàn trái ngược nhau. Nhưng chủ nghĩa lãng mạn Nga phát triển chính vì bản chất của các nhà thơ này khác nhau. Họ đưa ra những khái niệm mới, những nhân vật mới, những lý tưởng mới, đưa ra một ý tưởng hoàn chỉnh về tự do là gì, cuộc sống thực là gì. Mỗi người trong số họ đại diện cho con đường đi đến lý tưởng của riêng mình, đây là quyền lựa chọn của mỗi người.

Sự xuất hiện của chủ nghĩa lãng mạn rất đáng lo ngại. Tính cá nhân của con người bây giờ đứng ở trung tâm của toàn thế giới. “Tôi” của con người bắt đầu được hiểu là cơ sở và ý nghĩa của tất cả mọi người. Cuộc sống của con người bắt đầu được xem như một tác phẩm nghệ thuật, nghệ thuật. Vào thế kỷ 19, chủ nghĩa lãng mạn rất phổ biến. Nhưng không phải tất cả các nhà thơ tự gọi mình là lãng mạn đều truyền tải được bản chất của phong trào này.

Bây giờ, vào cuối thế kỷ 20, chúng ta đã có thể phân loại các tác phẩm lãng mạn của thế kỷ trước trên cơ sở này thành hai nhóm. Một và có lẽ là nhóm rộng rãi nhất là nhóm đã tập hợp những câu chuyện lãng mạn "trang trọng" lại với nhau. Rất khó để nghi ngờ họ không thành thật, ngược lại, họ truyền đạt rất chính xác cảm xúc của mình. Trong số đó có Dmitry Venevitinov (1805-1827) và Alexander Polezhaev (1804-1838). Những nhà thơ này đã sử dụng hình thức lãng mạn, coi đó là hình thức thích hợp nhất để đạt được mục tiêu nghệ thuật của họ. Vì vậy, D. Venevitinov viết:

Tôi cảm thấy nó bùng cháy trong tôi

Ngọn lửa truyền cảm hứng

Nhưng tinh thần bay bổng hướng tới mục tiêu đen tối ...

Tôi sẽ tìm thấy một vách đá đáng tin cậy

Tôi có thể đặt chân vững chắc ở đâu?

Đây là một bài thơ lãng mạn tiêu biểu. Nó sử dụng từ vựng lãng mạn truyền thống - cả “ngọn lửa truyền cảm hứng” và “tinh thần bay bổng”. Như vậy, nhà thơ miêu tả cảm xúc của mình. Nhưng không có gì hơn. Nhà thơ bị ràng buộc bởi khuôn khổ của chủ nghĩa lãng mạn, bởi “hình ảnh ngôn từ” của nó. Mọi thứ đã được đơn giản hóa thành một số kiểu sáo ngữ.

Tất nhiên, đại diện của một nhóm lãng mạn khác của thế kỷ 19 là A.S. Pushkin và M.Lermontov. Trái lại, những nhà thơ này đã lấp đầy hình thức lãng mạn bằng chính nội dung của họ. Thời kỳ lãng mạn trong cuộc đời A. Pushkin ngắn ngủi, do đó ông có ít tác phẩm lãng mạn. Chữ người tử tù (1820-1821) là một trong những bài thơ lãng mạn sớm nhất của A.S. Pushkin. Before us là một phiên bản kinh điển của một tác phẩm lãng mạn. Tác giả không cung cấp cho chúng ta một bức chân dung của anh hùng của mình, chúng tôi thậm chí không biết tên của anh ta. Và điều này không có gì đáng ngạc nhiên - tất cả các anh hùng lãng mạn đều giống nhau. Họ trẻ, đẹp ... và bất hạnh. Cốt truyện của tác phẩm cũng thuộc thể loại lãng mạn kinh điển. Một tù nhân người Nga của Circassians, một phụ nữ trẻ Circassian yêu anh ta và giúp anh ta trốn thoát. Nhưng anh lại yêu một người khác trong vô vọng ... Bài thơ kết thúc một cách bi thảm - người phụ nữ Circassian ném mình xuống nước và chết, còn người Nga, được giải thoát khỏi sự giam cầm "thể xác", lại rơi vào một nơi giam cầm khác, đau đớn hơn - sự giam cầm của linh hồn. Chúng ta biết gì về quá khứ của anh hùng?

Một cuộc hành trình dài dẫn đến nước Nga ...

.....................................

Nơi anh ta ôm lấy đau khổ khủng khiếp,

Nơi bão táp cuộc đời tàn tạ

Hy vọng, niềm vui và ước muốn.

Anh đến thảo nguyên để tìm kiếm tự do, cố gắng thoát khỏi kiếp trước. Và bây giờ, khi hạnh phúc tưởng chừng như quá gần, anh lại phải chạy. Nhưng ở đâu? Trở lại thế giới nơi anh đã “ôm lấy đau khổ khủng khiếp”.

Sứ đồ của ánh sáng, bạn của thiên nhiên,

Anh ấy đã rời bỏ giới hạn bản địa của mình

Và bay đến một vùng đất xa xôi

Với một bóng ma vui vẻ của tự do.

Nhưng "bóng ma của tự do" vẫn là một bóng ma. Anh ấy sẽ mãi mãi ám ảnh người hùng lãng mạn. Một bài thơ lãng mạn khác là "The Gypsies". Trong đó, tác giả lại không cho người đọc biết chân dung của người anh hùng, chúng ta chỉ biết tên của anh - Aleko. Anh đến trại để trải nghiệm thú vui thực sự, tự do thực sự. Vì lợi ích của cô, anh đã từ bỏ tất cả những gì trước đây bao quanh anh. Anh ấy có trở nên tự do và hạnh phúc không? Có vẻ như Aleko yêu, nhưng với cảm giác này chỉ có bất hạnh và sự khinh bỉ đến với anh ta. Aleko, người luôn khao khát tự do, không thể nhận ra ý chí ở một người khác. Trong bài thơ này, một trong những đặc điểm vô cùng đặc trưng trong thế giới quan của người anh hùng lãng mạn đã được thể hiện - tính ích kỉ và hoàn toàn không tương đồng với thế giới xung quanh. Aleko không bị trừng phạt bằng cái chết, nhưng tệ hơn - cô đơn và tranh luận. Anh ấy cô đơn trong thế giới mà từ đó anh ấy đã chạy trốn, nhưng ở một thế giới khác, rất mong muốn, anh ấy lại bị bỏ lại một mình.

Trước khi viết Người tù ở Kavkaz, Pushkin đã từng nói: “Tôi không thích hợp để trở thành anh hùng của một bài thơ lãng mạn”; tuy nhiên cùng lúc đó, vào năm 1820, Pushkin đã viết bài thơ "Ánh ban ngày vụt tắt ...". Trong đó bạn có thể tìm thấy tất cả các từ vựng vốn có về chủ nghĩa lãng mạn. Đây là "bờ biển xa", và "đại dương u ám", và "sự phấn khích và khao khát" làm khổ tác giả. Điệp khúc xuyên suốt toàn bộ bài thơ:

Bên dưới tôi lo lắng, đại dương u ám.

Nó không chỉ hiện diện trong việc miêu tả thiên nhiên, mà còn hiện diện trong việc miêu tả tình cảm của người anh hùng.

... Nhưng trái tim cũ đầy vết thương,

Vết thương lòng sâu nặng, không gì hàn gắn được ...

Tiếng ồn, tiếng ồn, cánh buồm ngoan ngoãn,

Hứng thú bên dưới tôi, đại dương u ám ...

Tức là thiên nhiên trở thành một nhân vật khác, một anh hùng trữ tình khác của bài thơ. Sau đó, vào năm 1824, Pushkin viết bài thơ "To the Sea". Chính tác giả lại trở thành anh hùng lãng mạn trong đó, như trong “Ban ngày vụt tắt…”. Ở đây Pushkin đề cập đến biển như một biểu tượng truyền thống của tự do. Biển là một nguyên tố, có nghĩa là tự do và hạnh phúc. Tuy nhiên, Pushkin xây dựng bài thơ này một cách bất ngờ:

Bạn đã đợi, bạn đã gọi ... Tôi đã bị ràng buộc;

Tâm hồn tôi bị giằng xé trong vô vọng:

Bị cuốn hút bởi một niềm đam mê mãnh liệt,

Tôi đã ở trên bờ biển ...

Có thể nói bài thơ này đã hoàn thành giai đoạn lãng mạn của cuộc đời Pushkin. Nó được viết bởi một người đàn ông biết rằng sau khi đạt được cái gọi là tự do về thể chất, người anh hùng lãng mạn không trở nên hạnh phúc.

Trong rừng, trong sa mạc im lặng

Tôi sẽ chuyển nhượng, tôi có đầy đủ bạn,

Đá của bạn, vịnh của bạn ...

Lúc này, Pushkin đi đến kết luận rằng sự tự do thực sự chỉ có thể tồn tại bên trong một người và chỉ có cô mới có thể làm cho anh ta thực sự hạnh phúc.

Một biến thể của chủ nghĩa lãng mạn của Byron đã sống và cảm nhận trong tác phẩm của ông đầu tiên là Pushkin văn hóa Nga, sau đó là Lermontov. Không nghi ngờ gì nữa, Pushkin là người có năng khiếu về sự chú ý đối với mọi người, và vẫn là tác phẩm lãng mạn nhất trong số những bài thơ lãng mạn trong tác phẩm của nhà thơ và nhà văn văn xuôi vĩ đại, là Đài phun nước Bakhchisarai.

Bài thơ "Đài phun nước của Bakhchisarai" vẫn chỉ tiếp tục cuộc tìm kiếm của Pushkin trong thể loại thơ lãng mạn. Và chắc chắn rằng điều này đã bị ngăn cản bởi cái chết của nhà văn Nga vĩ đại.

Chủ đề lãng mạn trong tác phẩm của Pushkin nhận được hai phiên bản khác nhau: có một anh hùng lãng mạn anh hùng ("tù nhân", "tên cướp", "kẻ chạy trốn"), nổi bật bởi một ý chí mạnh mẽ, vượt qua thử thách tàn khốc của đam mê bạo lực, và có một anh hùng đau khổ mà ở đó những trải nghiệm cảm xúc tinh tế không phù hợp với sự tàn ác của thế giới bên ngoài ("đày ải", "tù nhân"). Khởi đầu thụ động trong nhân vật lãng mạn giờ đã được Pushkin khoác lên vai một phụ nữ. Đài phun nước Bakhchisarai phát triển chính xác khía cạnh này của người anh hùng lãng mạn.

Trong "Prisoner of Caucasus", mọi sự chú ý đều đổ dồn vào "người tù" và rất ít đến "người phụ nữ Circassian", giờ thì ngược lại - Khan Girey không hơn không kém một nhân vật kịch tính, nhưng thực sự nhân vật chính lại là một phụ nữ. , thậm chí là hai - Zarema và Maria. Giải pháp cho tính hai mặt của người anh hùng được tìm thấy trong các bài thơ trước (qua hình ảnh anh em bị cùm) Pushkin cũng sử dụng ở đây: nguyên tắc thụ động được miêu tả trong con người của hai nhân vật - người ghen tuông, yêu say đắm Zarema và Mary buồn. , người đã mất hy vọng và tình yêu. Cả hai đều là hai đam mê trái ngược nhau của một bản chất lãng mạn: thất vọng, tuyệt vọng, tuyệt vọng và đồng thời là sự cuồng nhiệt tinh thần, mãnh liệt của tình cảm; mâu thuẫn được giải quyết một cách bi thảm trong bài thơ - cái chết của Mary cũng không mang lại hạnh phúc cho Zarema, vì họ được kết nối bởi những mối quan hệ bí ẩn. Tương tự như vậy, trong Brothers-Robbers, cái chết của một trong những người anh em vĩnh viễn che khuất cuộc sống của người kia.

Tuy nhiên, BV Tomashevsky chỉ lưu ý rằng, “sự tách biệt trữ tình của bài thơ cũng xác định một phần nội dung nhất định ... Chiến thắng về mặt đạo đức trước Zarema không dẫn đến những kết luận và suy ngẫm sâu xa hơn ... ... những câu hỏi được đặt ra ở miền Nam đầu tiên bài thơ. "Đài phun nước Bakhchisarai" không có sự tiếp tục như vậy ... "

Pushkin đã mò mẫm và vạch ra điểm dễ bị tổn thương nhất của vị trí lãng mạn của một người: anh ta chỉ muốn mọi thứ cho riêng mình.

Bài thơ "Mtsyri" của Lermontov cũng không phản ánh đầy đủ những nét đặc trưng của chủ nghĩa lãng mạn.

Trong bài thơ này có hai anh hùng lãng mạn, vì vậy, nếu cũng là thơ lãng mạn thì nó rất đặc thù: thứ nhất, anh hùng thứ hai được tác giả truyền tải qua lời kể; thứ hai, tác giả không thống nhất với Mtsyri, người anh hùng giải quyết vấn đề ý chí theo cách riêng của mình, và Lermontov, trong toàn bộ bài thơ, chỉ nghĩ đến việc giải quyết vấn đề này. Anh ta không đánh giá anh hùng của mình, nhưng anh ta cũng không biện minh, nhưng anh ta có một vị trí nhất định - sự hiểu biết. Nó chỉ ra rằng chủ nghĩa lãng mạn trong văn hóa Nga đang được chuyển thành tư duy. Nó chỉ ra chủ nghĩa lãng mạn theo quan điểm của chủ nghĩa hiện thực.

Chúng ta có thể nói rằng Pushkin và Lermontov đã không thành công trong việc trở thành những người lãng mạn (tuy nhiên, Lermontov đã từng tuân thủ luật lãng mạn - trong bộ phim Masquerade). Qua các thí nghiệm của mình, các nhà thơ cho thấy rằng ở Anh vị thế của một chủ nghĩa cá nhân có thể có kết quả, nhưng ở Nga thì không. Mặc dù Pushkin và Lermontov không thành công trong việc trở thành chủ nghĩa lãng mạn, nhưng họ đã mở đường cho sự phát triển của chủ nghĩa hiện thực. Năm 1825, tác phẩm hiện thực đầu tiên được xuất bản: "Boris Godunov", sau đó là "The Captain's Daughter", "Eugene Onegin", "A Hero of Our Time" và nhiều tác phẩm khác.

b) Vẽ tranh

Trong nghệ thuật tạo hình, chủ nghĩa lãng mạn thể hiện rõ nhất trong hội họa và đồ họa, ít biểu hiện hơn trong điêu khắc và kiến ​​trúc. Các đại diện nổi bật của chủ nghĩa lãng mạn trong nghệ thuật tạo hình là các họa sĩ lãng mạn Nga. Trong những bức tranh sơn dầu của mình, họ đã thể hiện tinh thần yêu tự do, tích cực hành động, say mê và say mê biểu hiện chủ nghĩa nhân văn. Những bức tranh sơn dầu thường ngày của các họa sĩ Nga được phân biệt bởi sự phù hợp và tâm lý học, một cách thể hiện chưa từng có. Phong cảnh tâm linh, u sầu một lần nữa cũng là nỗ lực tương tự của các tác phẩm lãng mạn để thâm nhập vào thế giới con người, để cho thấy cách một người sống và ước mơ trong thế giới hạ lưu. Hội họa lãng mạn của Nga khác với hội họa nước ngoài. Điều này được xác định bởi cả bối cảnh lịch sử và truyền thống.

Đặc điểm của bức tranh lãng mạn Nga:

Hệ tư tưởng giáo dục suy yếu nhưng không thất bại, như ở châu Âu. Do đó, chủ nghĩa lãng mạn đã không được phát biểu.

Chủ nghĩa lãng mạn phát triển song song với chủ nghĩa cổ điển, thường đan xen với nó.

Hội họa hàn lâm ở Nga vẫn chưa hết mình.

Chủ nghĩa lãng mạn ở Nga không phải là một hiện tượng ổn định; chủ nghĩa lãng mạn bị thu hút bởi học thuật. Đến giữa TK XIX. truyền thống lãng mạn gần như đã chết.

Các tác phẩm liên quan đến chủ nghĩa lãng mạn bắt đầu xuất hiện ở Nga từ những năm 1790 (các tác phẩm của Feodosiy Yanenko "Du khách bị bão bắt" (1796), "Chân dung tự chụp trong chiếc mũ bảo hiểm" (1792). Vào đầu thế kỷ 18 và 19 Sau đó, ảnh hưởng của nghệ sĩ theo chủ nghĩa lãng mạn ủng hộ này sẽ được chú ý trong tác phẩm của Alexander Orlovsky. Những tên cướp, những cảnh bên ngọn lửa, những trận chiến đã đi cùng toàn bộ sự nghiệp của ông. Cũng như ở các nước khác, các nghệ sĩ thuộc Chủ nghĩa lãng mạn Nga đã đưa vẽ chân dung vào thể loại cổ điển , phong cảnh và thể loại cảnh mang một tâm trạng cảm xúc hoàn toàn mới.

Ở Nga, lúc đầu chủ nghĩa lãng mạn bắt đầu bộc lộ ở bức tranh chân dung... Trong một phần ba đầu thế kỷ 19, nó phần lớn đã mất liên kết với tầng lớp quý tộc cao quý. Chân dung của các nhà thơ, nghệ sĩ, người bảo trợ nghệ thuật, mô tả của những người nông dân bình thường bắt đầu chiếm một vị trí đáng kể. Khuynh hướng này được thể hiện đặc biệt rõ ràng trong tác phẩm của O.A. Kiprensky (1782 - 1836) và V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Vasily Andreevich Tropinin đã nỗ lực để tạo ra một nhân vật sống động, không bị gò bó, thể hiện qua bức chân dung của anh ta. Bức chân dung của một người con trai (1818), "Chân dung của AS Pushkin" (1827), "Bức chân dung" (1846) gây ấn tượng không phải bởi bức chân dung của chúng giống với bản gốc, mà bởi sự thâm nhập tinh tế bất thường vào thế giới bên trong của một người.

Chân dung con trai- Arseny Tropinina là một trong những người giỏi nhất trong tác phẩm của bậc thầy. Cách phối màu vàng nhạt, tinh tế giống như bức tranh valera của thế kỷ 18. Tuy nhiên, so với một bức chân dung thời thơ ấu điển hình trong chủ nghĩa lãng mạn thế kỷ 18. ở đây, tính vô tư của kế hoạch là rất nổi bật - đứa trẻ này đặt ra ở một mức độ rất nhỏ. Ánh mắt của Arseny lướt qua người xem, anh ta ăn mặc xuề xòa, cổ áo như vô tình bị bung ra. Sự thiếu tính đại diện nằm ở sự phân mảnh bất thường của bố cục: phần đầu chiếm gần như toàn bộ bề mặt của bức tranh, hình ảnh bị cắt đến tận xương đòn, và do đó khuôn mặt của cậu bé được chuyển động một cách máy móc cho người xem.

Lịch sử của sự sáng tạo thật thú vị "Chân dung Pushkin". Như thường lệ, trong lần đầu tiên làm quen với Pushkin, Tropinin đến nhà Sobolevsky trên sân chơi dành cho chó, nơi nhà thơ sống lúc bấy giờ. Người nghệ sĩ thấy anh ta đang loay hoay với những chú chó con trong văn phòng của mình. Đồng thời, rõ ràng, được viết theo ấn tượng đầu tiên, điều mà Tropinin đánh giá rất cao, một bản phác thảo nhỏ. Trong một thời gian dài, anh vẫn không nhìn thấy những kẻ theo đuổi mình. Chỉ gần một trăm năm sau, vào năm 1914, nó được xuất bản bởi P.M. Shchekotov, người đã viết về tất cả các bức chân dung của Alexander Sergeevich, anh ấy “truyền tải hầu hết các nét của anh ấy… đôi mắt xanh của nhà thơ chứa đựng sự sáng chói đặc biệt ở đây, quay đầu nhanh chóng, và các nét mặt biểu cảm và di động. . Không còn nghi ngờ gì nữa, đây là những đặc điểm thực sự trên khuôn mặt của Pushkin, mà chúng ta từng gặp trong bức chân dung này hay bức chân dung khác của chúng ta. Vẫn còn là điều khó hiểu, - Schekotov nói thêm, - tại sao bức ký họa đáng yêu này lại không nhận được sự quan tâm thích đáng từ các nhà xuất bản và những người sành sỏi về nhà thơ. " Điều này được giải thích bởi chính những phẩm chất của etude nhỏ: không có sự rực rỡ của màu sắc, cũng không phải vẻ đẹp của nét vẽ, cũng không phải "bùng binh" được viết thành thạo. Và Pushkin ở đây dân gian không phải là một “thằng nhãi ranh” không phải là một “thiên tài”, mà hơn hết là một con người. Và khó có thể phân tích được tại sao những nét vẽ đơn sắc xanh xám, ô liu, vội vã, như thể những nét vẽ vô tình của một bức ký họa trông gần như không có gì nổi bật lại chứa đựng một nội dung nhân văn lớn lao đến vậy. Lướt qua trong ký ức suốt cuộc đời và những bức chân dung sau này của Pushkin, công trình nghiên cứu này bằng sức mạnh của con người chỉ có thể được đặt bên cạnh bức tượng Pushkin do nhà điêu khắc Liên Xô A. Matveev điêu khắc. Nhưng đây không phải là nhiệm vụ mà Tropinin tự đặt ra, không phải kiểu Pushkin mà bạn ông muốn gặp, mặc dù ông đã ra lệnh vẽ chân dung nhà thơ trong một bộ dạng giản dị, giản dị.

Theo đánh giá của nghệ sĩ, Pushkin là một “nhà thơ sa hoàng”. Nhưng ông cũng là một nhà thơ dân gian, ông là của riêng ông và là của tất cả mọi người. “Sự giống nhau giữa bức chân dung và bản gốc là rất nổi bật,” Polevoy viết ở cuối bức ảnh, mặc dù ông lưu ý rằng không đủ “sự nhanh nhạy” và “sự sống động của biểu cảm trên khuôn mặt”, điều này sẽ thay đổi và hồi sinh trong Pushkin với mỗi bức ấn tượng mới.

Trong bức chân dung, mọi thứ đều được suy nghĩ và kiểm chứng đến từng chi tiết nhỏ nhất, đồng thời không có gì cố tình, không có gì do họa sĩ giới thiệu. Ngay cả những chiếc nhẫn tô điểm cho ngón tay của nhà thơ cũng được tô đậm như chính Pushkin đã coi trọng chúng trong cuộc sống. Trong số những tiết lộ đẹp như tranh vẽ của Tropinin, bức chân dung của Pushkin gây kinh ngạc về quy mô của nó.

Chủ nghĩa lãng mạn của Tropinin có nguồn gốc tình cảm riêng biệt. Chính Tropinin là người đã sáng lập ra thể loại này, phần nào đó là chân dung lý tưởng hóa về con người của nhân dân (The Lacemaker (1823)). “Cả những người sành sỏi và không sành sỏi, - Svinin viết về "Ren", - trầm trồ khi nhìn vào bức tranh này, bức tranh thực sự kết hợp tất cả những nét đẹp của nghệ thuật tượng hình: nét vẽ dễ chịu, ánh sáng chính xác, hài hòa, màu sắc rõ ràng, tự nhiên, hơn nữa, bức chân dung này bộc lộ tâm hồn của một vẻ đẹp và cái nhìn ma mị của sự tò mò mà cô ấy ném vào người đã bước vào phút đó. Tay cô để trần bằng khuỷu tay, dừng lại nhìn, công việc ngừng lại, một tiếng thở dài thoát ra từ một bộ ngực trinh nguyên, được phủ một chiếc khăn tay bằng vải dạ - và tất cả những điều này được miêu tả chân thực và đơn giản đến mức có thể dễ dàng chụp được bức ảnh này. tác phẩm thành công nhất của Giấc mơ huy hoàng. Các vật dụng phụ như một chiếc gối ren và một chiếc khăn tắm, được sắp xếp rất nghệ thuật và hoàn thiện ... "

Vào đầu thế kỷ 19, Tver là một trung tâm văn hóa quan trọng của Nga. Tất cả những người xuất sắc của Moscow đã ở đây cho buổi tối văn học. Tại đây, chàng trai trẻ Orest Kiprensky đã gặp A.S. Pushkin, người mà bức chân dung được vẽ sau này đã trở thành viên ngọc quý của nghệ thuật chân dung thế giới, và A.S. Pushkin sẽ cống hiến thơ ca cho anh, nơi anh sẽ gọi anh là "người yêu của thời trang cánh ánh sáng." Chân dung của Pushkin Nét vẽ của O. Kiprensky là một nhân cách sống của thiên tài thơ ca. Trong cái ngoảnh đầu dứt khoát, trong tư thế khoanh tay trước ngực, một cảm giác độc lập, tự do thể hiện trong toàn bộ diện mạo của nhà thơ. Đó là về anh ấy, Pushkin nói: "Tôi nhìn thấy mình như trong một chiếc gương, nhưng chiếc gương này làm tôi thấy khó chịu." Trong tác phẩm về chân dung của Pushkin, Tropinin và Kiprensky gặp nhau lần cuối, mặc dù cuộc gặp gỡ này không diễn ra tận mắt, nhưng nhiều năm sau trong lịch sử nghệ thuật, ở đó, như một quy luật, hai bức chân dung của nhà thơ vĩ đại nhất của Nga được so sánh, tạo ra đồng thời, nhưng ở những nơi khác nhau - một ở Moscow. Một cái khác ở St.Petersburg. Bây giờ đây là một cuộc họp của các bậc thầy lớn không kém về tầm quan trọng của họ đối với nghệ thuật Nga. Mặc dù những người ngưỡng mộ Kiprensky cho rằng những lợi thế nghệ thuật nằm ở phía bức chân dung lãng mạn của ông, nơi mà nhà thơ được miêu tả đắm chìm trong suy nghĩ của riêng mình, một mình với nàng thơ, nhưng tính dân tộc và chủ nghĩa dân chủ của hình ảnh chắc chắn nằm ở khía cạnh “Pushkin” của Tropininsky .

Như vậy, hai bức chân dung đã phản ánh hai khuynh hướng nghệ thuật Nga, tập trung ở hai thủ đô. Và các nhà phê bình sau này sẽ viết rằng Tropinin đã dành cho Moscow những gì Kiprensky đã dành cho Petersburg.

Một đặc điểm nổi bật của các bức chân dung của Kiprensky là chúng thể hiện sự quyến rũ tinh thần và sự cao quý bên trong của một con người. Chân dung của một người anh hùng, dũng cảm và có cảm giác mạnh mẽ, được cho là hiện thân của tâm trạng yêu tự do và yêu nước của một con người Nga tiên tiến.

Ở cửa trước "Chân dung E.V. Davydov"(1809) thể hiện hình tượng người sĩ quan trực tiếp thể hiện sự sùng bái nhân cách kiên cường, dũng cảm, rất tiêu biểu cho chủ nghĩa lãng mạn những năm đó. Phong cảnh được thể hiện rời rạc, nơi một tia sáng chiến đấu chống lại bóng tối, gợi ý về những lo lắng về tinh thần của người anh hùng, nhưng trên khuôn mặt của anh ta lại có sự phản chiếu của sự nhạy cảm mơ mộng. Kiprensky đang tìm kiếm "con người" trong một con người, và lý tưởng không thu hẹp lại ở anh những đặc điểm cá nhân của hình mẫu.

Các bức chân dung của Kiprensky, nếu bạn nhìn chúng trong con mắt của tâm trí, cho thấy sự giàu có về tinh thần và tự nhiên của một người, sức mạnh trí tuệ của anh ta. Đúng vậy, ông có lý tưởng về một nhân cách hài hòa, điều này cũng đã được thảo luận bởi những người cùng thời với ông, nhưng Kiprensky không tìm cách phóng chiếu lý tưởng này lên một hình tượng nghệ thuật theo đúng nghĩa đen. Trong việc tạo ra một hình tượng nghệ thuật, anh ấy đã tiến hành từ thiên nhiên, như thể đo lường xem nó xa hay gần với một lý tưởng như vậy. Trên thực tế, nhiều người trong số những người được ông miêu tả đang ở ngưỡng cửa của lý tưởng, được hướng tới nó, nhưng bản thân lý tưởng, theo những ý tưởng của mỹ học lãng mạn, khó có thể đạt được, và tất cả nghệ thuật lãng mạn chỉ là một con đường dẫn đến nó.

Ghi nhận những mâu thuẫn trong tâm hồn của các anh hùng của mình, thể hiện chúng trong những khoảnh khắc lo lắng của cuộc sống, khi số phận thay đổi, những ý tưởng trước đây tan vỡ, tuổi trẻ rời bỏ, v.v., Kiprensky dường như đang trải nghiệm cùng với những người mẫu của mình. Do đó - sự tham gia đặc biệt của người vẽ chân dung vào việc giải thích các hình tượng nghệ thuật, tạo cho bức chân dung một bóng râm có hồn.

Trong thời kỳ đầu làm việc của Kiprensky, bạn sẽ không thấy những người bị nhiễm sự hoài nghi, phân tích ăn mòn tâm hồn. Điều này sẽ đến muộn hơn, khi thời gian lãng mạn kéo dài hơn mùa thu, nhường chỗ cho những tâm trạng và cảm xúc khác, khi hy vọng về sự chiến thắng của lý tưởng về một nhân cách hòa hợp sụp đổ. Trong tất cả các bức chân dung của những năm 1800 và các bức chân dung được thực hiện bằng Tver, Kiprensky có bút vẽ đậm có thể dễ dàng và tự do xây dựng hình thức. Sự phức tạp của các kỹ thuật, các nhân vật của hình ảnh thay đổi từ mảnh này sang mảnh khác.

Đáng chú ý là trên gương mặt của các anh hùng bạn sẽ không thấy sự phấn chấn anh hùng, ngược lại, hầu hết các gương mặt đều khá buồn, họ trầm ngâm suy tư. Có vẻ như những người này quan tâm đến số phận của Rossi, họ nghĩ về tương lai nhiều hơn là về hiện tại. Trong các nhân vật nữ đại diện cho vợ và em gái của những người tham gia vào các sự kiện quan trọng, Kiprensky cũng không cố gắng phấn đấu cho sự phấn khích anh hùng có chủ ý. Cảm giác thoải mái, tự nhiên chiếm ưu thế. Hơn nữa, trong tất cả các bức chân dung có rất nhiều sự cao quý thực sự của tâm hồn. Hình ảnh phụ nữ thu hút với phẩm giá khiêm tốn, sự chính trực của họ; trong khuôn mặt của những người đàn ông, một suy nghĩ tò mò, một sự sẵn sàng cho sự khổ hạnh được đoán biết. Những hình ảnh này trùng khớp với những ý tưởng đạo đức và thẩm mỹ đang trưởng thành của Kẻ lừa dối. Tâm tư và nguyện vọng của họ sau đó đã được nhiều người chia sẻ (việc thành lập các hội kín với một số chương trình chính trị và xã hội nhất định rơi vào giai đoạn 1816-1821), nghệ sĩ biết về họ, và do đó chúng ta có thể nói rằng chân dung của ông về những người tham gia các sự kiện của 1812-1814, hình ảnh của những người nông dân, được tạo ra trong cùng những năm - một loại hình nghệ thuật song song với các khái niệm mới nổi của Chủ nghĩa lừa dối.

Được đánh dấu bằng dấu ấn tươi sáng của lý tưởng lãng mạn "Chân dung V.A. Zhukovsky"(1816). Người nghệ sĩ, thực hiện một bức chân dung do S.S. Uvarov ủy quyền, đã quan niệm không chỉ cho người đương thời thấy hình ảnh của nhà thơ, người nổi tiếng trong giới văn học, mà còn thể hiện sự hiểu biết nhất định về nhân cách của nhà thơ lãng mạn. Trước chúng ta là kiểu nhà thơ thể hiện hơi hướng triết học và mơ mộng của chủ nghĩa lãng mạn Nga. Kiprensky đã giới thiệu Zhukovsky tại một thời điểm đầy cảm hứng sáng tạo. Gió thổi tung mái tóc nhà thơ, cây cối đập cành báo động trong đêm, tàn tích của những tòa nhà cổ kính gần như không thấy rõ. Đây là cách mà người tạo ra những bản ballad lãng mạn trông có vẻ như vậy. Màu tối làm nổi bật bầu không khí huyền bí. Theo lời khuyên của Uvarov, Kiprensky không vẽ xong từng mảng riêng lẻ của bức chân dung, để "sự hoàn chỉnh quá mức" không dập tắt được tinh thần, khí chất và cảm xúc.

Nhiều bức chân dung đã được Kiprensky vẽ ở Tver. Hơn nữa, khi ông vẽ Ivan Petrovich Wulf, một chủ đất ở Tver, ông đã nhìn với sự xúc động khi nhìn cô gái đứng trước mặt mình, cháu gái của ông, tương lai Anna Petrovna Kern, người đã dành tặng một trong những tác phẩm trữ tình quyến rũ nhất - bài thơ của NHƯ Pushkin “Tôi nhớ khoảnh khắc tuyệt vời ..”. Những liên tưởng như vậy của các nhà thơ, nghệ sĩ, nhạc sĩ đã trở thành biểu hiện của một hướng mới trong nghệ thuật - chủ nghĩa lãng mạn.

“Người làm vườn trẻ tuổi” của Kiprensky (1817), “Buổi trưa ở Ý” của Bryullov (1827), “Người thợ gặt” hay “Người thợ gặt” (những năm 1820) của Venetsianov là những tác phẩm thuộc cùng một bộ truyện kiểu chữ. Chúng hướng về thiên nhiên và được viết rõ ràng với mỗi nghệ sĩ - để thể hiện sự hoàn thiện thẩm mỹ của một bản chất đơn giản - đã dẫn đến một sự lý tưởng hóa nhất định về hình ảnh, trang phục, tình huống để tạo ra một hình ảnh ẩn dụ. Quan sát cuộc sống, thiên nhiên, nghệ sĩ đã suy nghĩ lại nó, thơ những bậc thầy có thể nhìn thấy được, khai sinh ra những hình ảnh chưa được biết đến trong nghệ thuật trước đây và là một trong những nét đặc trưng của chủ nghĩa lãng mạn nửa đầu thế kỷ XIX. ... "Chân dung của một người cha (A. K. Schwalbe)"(1804) được vẽ bởi Orest Kiprensky thuộc thể loại nghệ thuật và chân dung nói riêng.

Những thành tựu đáng kể nhất của chủ nghĩa lãng mạn Nga là các tác phẩm thuộc thể loại chân dung. Những ví dụ sáng giá nhất và tốt nhất về chủ nghĩa lãng mạn đã có từ thời kỳ đầu. Rất lâu trước chuyến đi đến Ý, vào năm 1816, Kiprensky, trong lòng đã sẵn sàng cho một hiện thân của thế giới lãng mạn, đã nhìn thấy những bức tranh của các bậc thầy cũ với con mắt mới. Màu tối, những hình vẽ nổi bật bằng ánh sáng, màu cháy, kịch tính dữ dội đã ảnh hưởng mạnh mẽ đến anh. "Chân dung của một người cha" chắc chắn được lấy cảm hứng từ Rembrandt. Nhưng nghệ sĩ người Nga chỉ lấy kỹ thuật bên ngoài từ người Hà Lan vĩ đại. “Portrait of a Father” là một tác phẩm độc lập tuyệt đối, sở hữu nội lực và sức mạnh nghệ thuật thể hiện riêng. Một đặc điểm nổi bật của album chân dung là sự sống động trong quá trình thực hiện của chúng. Không có hình ảnh nào - sự chuyển tải tức thì những gì anh ta nhìn thấy trên giấy tạo ra sự tươi mới độc đáo của cách diễn đạt đồ họa. Vì vậy, những người được miêu tả trong tranh dường như gần gũi và dễ hiểu đối với chúng ta.

Người nước ngoài gọi Kiprensky là Van Dyck của Nga, những bức chân dung của ông hiện có ở nhiều viện bảo tàng trên thế giới. Người kế thừa tác phẩm của Levitsky và Borovikovsky, người tiền nhiệm của L. Ivanov và K. Bryullov, Kiprensky đã mang lại danh tiếng châu Âu cho trường phái nghệ thuật Nga với tác phẩm của mình. Nói theo cách của Alexander Ivanov thì "ông ấy là người đầu tiên đưa tên nước Nga đến với châu Âu ...".

Sự quan tâm ngày càng tăng đối với tính cách của một người, đặc trưng của chủ nghĩa lãng mạn, đã xác định trước sự hưng thịnh của thể loại chân dung vào nửa đầu thế kỷ 19, nơi mà chân dung tự họa đã trở thành đặc điểm nổi bật. Theo quy luật, việc tạo ra một bức chân dung tự họa không phải là một tình tiết ngẫu nhiên. Các nghệ sĩ đã nhiều lần tự viết và vẽ, và những tác phẩm này đã trở thành một loại nhật ký phản ánh nhiều trạng thái tâm hồn và các giai đoạn của cuộc đời, đồng thời, chúng là một bản tuyên ngôn gửi đến những người cùng thời. Chân dung không phải là một thể loại tùy chỉnh, nghệ sĩ viết cho chính mình và ở đây, như chưa từng có trước đây, trở nên tự do trong việc tự thể hiện. Vào thế kỷ 18, các họa sĩ Nga hiếm khi vẽ hình ảnh tác giả, chỉ có chủ nghĩa lãng mạn với sự sùng bái cá nhân, cái độc quyền góp phần vào sự trỗi dậy của thể loại này. Sự đa dạng của các thể loại chân dung tự họa phản ánh nhận thức của các nghệ sĩ về tính cách phong phú và đa diện. Đôi khi họ xuất hiện trong vai trò bình thường và tự nhiên của người sáng tạo ("Tự chụp chân dung trong chiếc mũ nồi nhung" của A.G. Varnek, những năm 1810), rồi họ lao vào quá khứ, như thể đang tự thử sức mình ("Tự chụp chân dung trong chiếc mũ bảo hiểm và áo giáp "của FI Yanenko, 1792), hoặc thường xuyên hơn, xuất hiện mà không có bất kỳ thuộc tính nghề nghiệp nào, khẳng định tầm quan trọng và giá trị nội tại của mỗi người, được giải phóng và cởi mở với thế giới, tìm kiếm và lao tới, chẳng hạn như FA Bruni và OA Orlovsky trong bức chân dung tự họa những năm 1810. Sự sẵn sàng đối thoại và cởi mở, đặc trưng của giải pháp tượng hình của các tác phẩm thập niên 1810-1820, dần được thay thế bằng sự mệt mỏi và thất vọng, đắm chìm, thu mình vào chính mình (“Chân dung tự họa” của M. I. Terebenev). Xu hướng này được phản ánh trong sự phát triển của thể loại chân dung nói chung.

Những bức chân dung tự họa của Kiprensky đã xuất hiện, điều đáng chú ý là ở những thời điểm quan trọng của cuộc đời, chúng là minh chứng cho sự lên hay xuống của sức mạnh tinh thần. Thông qua nghệ thuật của mình, người nghệ sĩ đã nhìn lại chính mình. Đồng thời, ông không sử dụng gương, giống như hầu hết các họa sĩ; anh ấy chủ yếu viết về bản thân trên cơ sở đại diện, anh ấy muốn thể hiện tinh thần của mình, nhưng không phải vẻ ngoài của anh ấy.

“Tự chụp chân dung bằng bút vẽ sau tai”được xây dựng dựa trên sự từ chối và minh chứng rõ ràng, trong sự tôn vinh bên ngoài của hình ảnh, tính quy chuẩn cổ điển và cấu trúc lý tưởng của nó. Các đặc điểm trên khuôn mặt được phác thảo một cách đại khái, nói chung. Ánh sáng bên rơi vào khuôn mặt, chỉ làm nổi bật các đặc điểm bên cạnh. Các phản xạ ánh sáng riêng lẻ rơi vào hình người nghệ sĩ, bị dập tắt trên tấm xếp nếp khó phân biệt đại diện cho nền của bức chân dung. Mọi thứ ở đây đều phụ thuộc vào sự thể hiện của cuộc sống, cảm xúc, tâm trạng. Đó là cái nhìn về nghệ thuật lãng mạn qua nghệ thuật tự họa. Sự tham gia của nghệ sĩ vào bí mật của sự sáng tạo được thể hiện trong tác phẩm lãng mạn bí ẩn "sfumato của thế kỷ 19". Một tông màu xanh lục đặc biệt tạo ra một bầu không khí đặc biệt của thế giới nghệ thuật, mà trung tâm là chính người nghệ sĩ.

Gần như đồng thời với bức chân dung tự họa này đã được viết và "Chân dung tự họa trong chiếc khăn quàng cổ màu hồng" nơi hình ảnh khác được thể hiện. Mà không cần tham khảo trực tiếp về nghề của một họa sĩ. Hình ảnh một chàng trai luôn cảm thấy thoải mái, tự nhiên, tự do đã được tái hiện. Bề mặt canvas đẹp như tranh vẽ được thi công một cách tinh tế. Bàn chải của nghệ sĩ áp dụng sơn một cách tự tin. Để lại các nét nhỏ và lớn. Màu sắc được phát triển tuyệt vời, các màu mờ ảo, kết hợp hài hòa với nhau, ánh sáng dịu nhẹ: ánh sáng nhẹ nhàng chiếu vào khuôn mặt của người thanh niên, làm nổi bật các đường nét của anh ta, không có biểu hiện và biến dạng không cần thiết.

Một họa sĩ xuất sắc khác là Venetsianov. Năm 1811, ông nhận được danh hiệu Viện sĩ từ Viện Hàn lâm, được bổ nhiệm cho "Chân dung tự họa" và "Chân dung K. Golovachevsky với ba sinh viên của Học viện Nghệ thuật". Đây là những tác phẩm xuất sắc.

Kỹ năng thực sự của Venetsianov đã tự khẳng định mình trong "Chân dung" 1811 năm. Nó được vẽ khác với những họa sĩ khác tự vẽ vào thời điểm đó - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek và thậm chí cả nông nô V. Tropinin. Thông thường tất cả họ đều tưởng tượng mình trong một vầng hào quang lãng mạn, những bức chân dung tự họa của họ là một kiểu thơ đối lập với môi trường. Tính độc đáo của bản chất nghệ thuật được thể hiện trong tư thế, cử chỉ và sự khác thường của trang phục được hình thành đặc biệt. Trong tác phẩm "Chân dung tự họa" của Venetsianov, trước hết, các nhà nghiên cứu lưu ý đến biểu hiện nghiêm khắc và căng thẳng của một người bận rộn ... Hiệu quả đúng đắn, khác với "sự cẩu thả nghệ thuật" phô trương được chỉ ra bởi những chiếc áo choàng hoặc những chiếc mũ lưỡi trai được thay đổi một cách khéo léo của người khác. các nghệ sĩ. Venizianov nhìn lại bản thân một cách tỉnh táo. Nghệ thuật đối với anh không phải là cảm hứng thôi thúc mà hơn hết là vấn đề cần sự tập trung và chú ý. Kích thước nhỏ, gần như đơn sắc với tông màu ô liu, được viết cực kỳ chính xác, đồng thời nó đơn giản và phức tạp. Không thu hút bằng bức tranh bên ngoài, anh dừng lại bằng cái nhìn của mình. Các đường viền mỏng lý tưởng của gọng kính vàng mỏng không che giấu, mà là nhấn mạnh sự sắc nét của đôi mắt, không hướng nhiều vào thiên nhiên (người nghệ sĩ vẽ chân dung bằng bảng màu và bút vẽ trên tay), nhưng vào sâu trong suy nghĩ của chính mình. Vầng trán rộng lớn, phía bên phải của khuôn mặt, được chiếu sáng bởi ánh sáng trực tiếp và áo sơ mi trắng phía trước tạo thành một hình tam giác ánh sáng, chủ yếu thu hút ánh nhìn của người xem, ngay sau đó, theo chuyển động của bàn tay phải cầm một chiếc mỏng. cọ, trượt xuống bảng màu. Những sợi tóc gợn sóng, những chiếc nơ của khung sáng bóng, một chiếc cà vạt lỏng lẻo vòng quanh cổ áo, một đường vai mềm mại và cuối cùng, một hình bán nguyệt rộng của bảng màu tạo thành một hệ thống có thể chuyển động của những đường thẳng mượt mà, bên trong có ba điểm chính: ánh sáng chói của con ngươi, và phần cuối sắc nét của mặt trước áo sơ mi, gần như đóng lại bằng bảng màu và bút vẽ. Một phép tính gần như toán học như vậy trong việc xây dựng bố cục của một bức chân dung mang lại cho bức ảnh một phần nào đó sự điềm tĩnh bên trong và tạo ra lý do để cho rằng tác giả có óc phân tích, thiên về tư duy khoa học. Trong "Chân dung tự họa" không có dấu vết của bất kỳ chủ nghĩa lãng mạn nào, điều mà sau đó các nghệ sĩ thường xuyên khắc họa bản thân họ là rất thường xuyên. Đây là bức chân dung tự họa của một nghệ sĩ-nhà nghiên cứu, nghệ sĩ-nhà tư tưởng và người làm việc chăm chỉ.

Mảnh khác - chân dung của Golovachevsky- được hình thành như một loại bố cục cốt truyện: thế hệ thạc sĩ cũ của Học viện, đại diện là viên thanh tra già, đưa ra chỉ dẫn cho những tài năng đang phát triển: một họa sĩ (với một thư mục bản vẽ. Một kiến ​​trúc sư và một nhà điêu khắc. Phiên dịch cho một số thanh thiếu niên trang đọc trong cuốn sách. Sự chân thành trong cách diễn đạt được hỗ trợ trong cấu trúc đẹp như tranh của bức tranh: các tông màu hài hòa nhẹ nhàng, tinh tế và đẹp mắt tạo ấn tượng về sự thanh thản và nghiêm túc. Những khuôn mặt được vẽ đẹp đầy ý nghĩa nội tâm. Bức chân dung là một trong những những thành tựu cao nhất của bức tranh chân dung Nga.

Và trong tác phẩm của Orlovsky vào những năm 1800, các bức chân dung xuất hiện, hầu hết ở dạng bản vẽ. Đến năm 1809, có một tấm chân dung giàu cảm xúc như "Chân dung"... Chứa đầy hương thơm tự do quyến rũ của lạc tiên và than củi (được chiếu sáng bằng phấn), Chân dung tự họa của Orlovsky thu hút với tính toàn vẹn nghệ thuật, hình ảnh đặc trưng, ​​nghệ thuật thực hiện. Đồng thời, nó cho phép chúng ta nhận ra một số khía cạnh đặc biệt trong nghệ thuật của Orlovsky. Bức “Chân dung tự họa” của Orlovsky chắc chắn không có mục tiêu tái tạo chính xác diện mạo điển hình của người nghệ sĩ những năm đó. Trước chúng tôi - theo nhiều cách có chủ ý. Vẻ ngoài phóng đại của một “nghệ sĩ” đối lập với “cái tôi” của chính anh ta với thực tế xung quanh, anh ta không quan tâm đến “sự chỉn chu” của vẻ bề ngoài: một chiếc lược và một chiếc lược không chạm vào mái tóc tươi tốt của anh ta, trên vai anh ta có mép áo choàng ca rô ngay trên áo sơ mi sân nhà hở cổ. Một cái quay đầu rõ nét với ánh mắt "u ám" từ dưới lông mày đã dịch chuyển, một bức ảnh chụp cận cảnh một bức chân dung trong đó khuôn mặt được miêu tả cận cảnh, tương phản ánh sáng - tất cả những điều này nhằm đạt được hiệu quả chính là đối lập người được mô tả đối với môi trường (và do đó đối với người xem).

Lối mòn của việc khẳng định tính cá nhân - một trong những đặc điểm tiến bộ nhất của nghệ thuật thời bấy giờ - tạo thành giọng điệu tư tưởng và tình cảm chính của bức chân dung, nhưng lại xuất hiện ở một khía cạnh đặc biệt mà hầu như không có trong nghệ thuật Nga thời kỳ đó. Sự khẳng định nhân cách không quá bộc lộ sự giàu có trong thế giới nội tâm của cô ấy, mà là bằng cách từ chối mọi thứ xung quanh cô ấy một cách bên ngoài hơn. Đồng thời, hình ảnh chắc chắn trông tiều tụy, hạn chế.

Khó có thể tìm thấy những giải pháp như vậy trong nghệ thuật vẽ chân dung của Nga thời bấy giờ, nơi mà những động cơ nhân văn và dân sự đã ở giữa thế kỷ 18 đã vang lên rầm rộ và cá tính của một người không bao giờ phá vỡ mối quan hệ chặt chẽ với môi trường. Mơ ước về một trật tự xã hội dân chủ, tốt đẹp hơn, những con người ưu tú nhất của nước Nga thời đó không hề xa rời thực tế, cố tình bác bỏ chủ nghĩa cá nhân sùng bái “tự do cá nhân” vốn phát triển mạnh mẽ trên đất Tây Âu, bị tư sản xé nát. Cuộc cách mạng. Điều này thể hiện rõ ràng là sự phản ánh các yếu tố thực tế trong bức chân dung của Nga. Người ta chỉ có thể so sánh Chân dung tự họa của Orlovsky với bức "Chân dung" Kiprensky (ví dụ, năm 1809), do đó sự khác biệt nội bộ nghiêm trọng giữa hai họa sĩ vẽ chân dung đã rõ ràng ngay lập tức.

Kiprensky cũng là “anh hùng” tính cách của một con người, nhưng anh ta thể hiện những giá trị thực sự bên trong của nó. Ở gương mặt nghệ sĩ, người xem phân biệt được những nét đặc trưng của tâm hồn, tư cách, đạo đức trong sáng.

Toàn bộ diện mạo của Kiprensky được bao phủ bởi sự cao quý và nhân văn đáng kinh ngạc. Anh ta có thể phân biệt giữa "tốt" và "xấu" trong thế giới xung quanh mình và từ chối điều thứ hai, yêu và đánh giá cao người thứ nhất, yêu và coi trọng những người cùng chí hướng. Đồng thời, chúng ta chắc chắn có một cá tính mạnh mẽ, tự hào về ý thức về giá trị của những phẩm chất cá nhân của họ. Chính xác là cùng một khái niệm về ảnh chân dung làm cơ sở cho bức chân dung anh hùng nổi tiếng D. Davydov của Kiprensky.

Orlovsky, so với Kiprensky, cũng như một số họa sĩ vẽ chân dung Nga khác thời bấy giờ, hạn chế hơn, thẳng thắn hơn và phiến diện hơn khi giải quyết hình ảnh một “cá tính mạnh”, tập trung rõ nét vào nghệ thuật tư sản Pháp. Khi bạn nhìn vào bức "Chân dung tự họa" của anh ấy, chân dung của A. Gro và Gericault bất giác xuất hiện trong tâm trí bạn. Tiểu sử của Orlovsky “Chân dung tự họa” năm 1810, với sự sùng bái “sức mạnh bên trong” của chủ nghĩa cá nhân, tuy nhiên, không có hình thức “sơ sài” vốn đã khắc nghiệt của “Chân dung tự họa” năm 1809 hoặc "Chân dung của Duport".Ở phần sau, Orlovsky, cũng như trong Tự ảnh chân dung, sử dụng một tư thế ngoạn mục, “anh hùng” với chuyển động sắc nét, gần như chéo của đầu và vai. Ông nhấn mạnh cấu trúc không đều trên khuôn mặt, mái tóc bù xù của Duport, với mục tiêu tạo ra một bức ảnh chân dung tự túc với nét độc đáo, ngẫu nhiên của nó.

"Phong cảnh nên là một bức chân dung", - K. N. Batyushkov viết. Thái độ này được tuân thủ trong tác phẩm của họ bởi hầu hết các nghệ sĩ chuyển sang thể loại này. phong cảnh. Trong số những trường hợp ngoại lệ rõ ràng bị thu hút bởi cảnh quan tuyệt vời là A.O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("Quang cảnh trong các Environ của Rome", 1809); P. V. Basin ("Bầu trời lúc hoàng hôn ở thành Rome", "Phong cảnh buổi tối", cả hai - những năm 1820). Tạo ra các loại hình cụ thể, họ giữ được cảm giác tức thì, độ bão hòa cảm xúc, đạt đến âm thanh hoành tráng bằng các kỹ thuật phối ghép.

Chàng trai Orlrvsky nhìn thấy trong tự nhiên chỉ có những lực khổng lồ, không chịu sự chi phối của con người, có khả năng gây ra thảm họa, thảm họa. Cuộc đấu tranh của con người với nguyên tố biển cuồng nộ là một trong những chủ đề yêu thích của họa sĩ thời kỳ lãng mạn “nổi loạn” của mình. Nó trở thành nội dung trong các bức vẽ, tranh màu nước và sơn dầu của ông từ năm 1809 đến năm 1810. khung cảnh bi thảm được thể hiện trong bức tranh "Sự chìm tàu"(1809 (?)). Trong bóng tối mịt mù phủ xuống mặt đất, giữa những con sóng dữ dội, những ngư dân đang chết đuối điên cuồng trèo lên vách đá ven biển nơi con tàu của họ gặp nạn. Màu sắc duy trì ở tông đỏ nặng, làm tăng cảm giác lo lắng. Những đợt tấn công khủng khiếp của những con sóng hùng mạnh, báo trước một cơn bão, và trong một bức tranh khác - "Trên bờ biển"(1809). Nó cũng đóng một vai trò cảm xúc rất lớn trong bầu trời bão tố, chiếm phần lớn bố cục. Mặc dù Orlovsky không biết nghệ thuật phối cảnh từ trên không, nhưng quá trình chuyển đổi dần dần của các kế hoạch đã được giải quyết ở đây một cách hài hòa và nhẹ nhàng hơn. Màu đã trở nên nhạt hơn. Những đốm màu đỏ của quần áo ngư dân chơi đẹp trên nền nâu đỏ. Yếu tố biển bồn chồn và đáng lo ngại trong màu nước "Thuyền buồm"(khoảng năm 1812). Và ngay cả khi gió không rung cánh buồm và không gợn sóng trên mặt nước, như trong màu nước "Cảnh biển với những con tàu"(khoảng năm 1810), người xem không để lại điềm báo rằng một cơn bão sẽ kéo theo bình lặng.

Đối với tất cả sự kịch tính và phấn khích về cảm xúc, cảnh biển của Orlovsky không phải là kết quả của những quan sát của ông về các hiện tượng khí quyển mà là kết quả của sự bắt chước trực tiếp các tác phẩm nghệ thuật kinh điển. Đặc biệt, J. Vernet.

Cảnh quan của S.F.Shchedrin có một đặc điểm khác. Chúng chứa đầy sự hài hòa của sự chung sống giữa con người và thiên nhiên ("Terrace by the sea. Capuccini near Sorrento", 1827). Nhiều quang cảnh của Naples và các vùng xung quanh bàn chải của ông đã đạt được thành công và sự nổi tiếng phi thường.

Việc tạo ra hình ảnh lãng mạn của thành phố St.Petersburg trong hội họa Nga gắn liền với tác phẩm của M. N. Vorobiev. Trên những bức tranh sơn dầu của anh ấy, thành phố hiện ra trong những màn sương mù bí ẩn ở Petersburg, một màn sương mù nhẹ của đêm trắng và bầu không khí thấm đẫm hơi nước biển, nơi những đường viền của các tòa nhà bị xóa đi, và ánh trăng hoàn thành buổi lễ. Sự khởi đầu trữ tình tương tự phân biệt quan điểm của các khu vực St.Petersburg do ông thực hiện ("Hoàng hôn trong các Environs of St.Petersburg", 1832). Nhưng thủ đô phía Bắc được các nghệ sĩ nhìn theo một cách khác, đầy kịch tính, như một đấu trường của sự va chạm và đấu tranh của các yếu tố tự nhiên (V. Ye. Raev "Cột của Alexander trong cơn giông", 1834).

Trong những bức tranh rực rỡ của I.K. Tuy nhiên, một nơi rộng lớn trong di sản của chủ nhân bị chiếm đóng bởi cảnh biển ban đêm dành riêng cho những nơi cụ thể nơi cơn bão nhường chỗ cho sự kỳ diệu của bóng đêm, thời điểm mà theo quan điểm của những người lãng mạn, chứa đầy một đời sống nội tâm bí ẩn, và nơi mà nhiệm vụ chụp ảnh của nghệ sĩ là nhằm khai thác các hiệu ứng ánh sáng đặc biệt ("Quang cảnh Odessa vào một đêm trăng", "Quang cảnh Constantinople dưới ánh trăng", cả hai - 1846).

Chủ đề về các yếu tố tự nhiên và con người bị bất ngờ - một chủ đề yêu thích của nghệ thuật lãng mạn, đã được các nghệ sĩ của những năm 1800-1850 diễn giải theo những cách khác nhau. Các tác phẩm dựa trên các sự kiện có thật, nhưng ý nghĩa của các hình ảnh không nằm trong cách kể lại khách quan của chúng. Ví dụ điển hình là bức tranh của Pyotr Basin "Trận động đất Rocca di Papa gần Rome"(1830). Nó không được dành quá nhiều cho việc mô tả một sự kiện cụ thể như hình ảnh sợ hãi và kinh hoàng của một người khi đối mặt với sự biểu hiện của các yếu tố.

Những nhân vật hàng đầu của hội họa Nga thời kỳ này là K.P. Bryullov (1799-1852) và A.A. Ivanov (1806 - 1858). Họa sĩ và nhà soạn thảo người Nga K.P. Bryullov, khi vẫn còn là sinh viên của Học viện Nghệ thuật, đã thành thạo kỹ năng vẽ có một không hai. Sự sáng tạo Bryullov thường được chia thành trước "Ngày cuối cùng của Pompeii" và sau đó. Những gì đã được tạo ra trước….?!

“Buổi sáng Ý” (1823), “Hermilia at the Shepherds” (1824) dựa trên bài thơ “Giải phóng Jerusalem” của Torquatto Tasso, “Buổi trưa Ý” (“Người phụ nữ Ý bỏ nho”, 1827), “Horsewoman” (1830 ), “Bathsheba” (1832) - tất cả những bức tranh này đều thấm đẫm một niềm vui tươi sáng, không che đậy của cuộc sống. Những tác phẩm như vậy đồng âm với những câu thơ sử thi đầu tiên của Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. Phong cách cũ, dựa trên việc bắt chước các bậc thầy vĩ đại, đã không làm Bryullov hài lòng, và anh đã vẽ “Buổi sáng kiểu Ý”, “Buổi trưa kiểu Ý”, “Bathsheba” ngoài trời.

Làm việc trên bức chân dung, Bryullov chỉ vẽ phần đầu từ cuộc sống. Mọi thứ khác thường do trí tưởng tượng của anh ta ra lệnh cho anh ta. Thành quả của sự ngẫu hứng sáng tạo tự do đó là "Người lái".Điểm chính trong bức chân dung là sự tương phản của một con vật đỏ bừng, bay lượn với lỗ mũi loe ra và đôi mắt lấp lánh và một người cưỡi ngựa duyên dáng đang bình tĩnh kiềm chế năng lượng kinh ngạc của con ngựa (thuần hóa động vật là chủ đề yêu thích của các nhà điêu khắc cổ điển, Bryullov đã quyết định điều đó trong hội họa).

V "Bathsheba" nghệ sĩ sử dụng câu chuyện trong kinh thánh như một cái cớ để phô bày cơ thể trần trụi ngoài trời và để truyền tải ánh sáng và phản xạ trên làn da trắng. Trong Bathsheba, anh đã tạo ra hình ảnh một thiếu nữ tràn đầy niềm vui và hạnh phúc. Cơ thể trần trụi phát sáng và tỏa sáng được bao quanh bởi màu xanh ô liu, quần áo anh đào, một hồ chứa nước trong suốt. Những hình dáng cơ thể co giãn mềm mại được kết hợp tuyệt đẹp với chất liệu vải trắng và màu sô cô la của người phụ nữ Ả Rập phục vụ Bathsheba. Những đường nét uyển chuyển trên cơ thể, ao, vải tạo cho bố cục bức tranh một nhịp điệu uyển chuyển.

Vẽ tranh trở thành một từ mới trong hội họa "Ngày cuối cùng của Pompeii"(1827-1833). Bà đã làm cho tên tuổi của nghệ sĩ trở nên bất tử và rất nổi tiếng trong suốt cuộc đời của ông.

Cốt truyện của nó, rõ ràng, được chọn dưới ảnh hưởng của anh trai Alexander, người đã nghiên cứu kỹ lưỡng về tàn tích Pompeian. Nhưng những lý do của bức tranh sâu sắc hơn. Gogol nhận thấy điều này, và Herzen nói thẳng rằng trong Ngày cuối cùng của Pompeii, có lẽ, sự phản ánh vô thức những suy nghĩ và cảm xúc của người nghệ sĩ, gây ra bởi thất bại của cuộc nổi dậy Kẻ lừa dối ở Nga, đã tìm thấy vị trí của họ. Không phải không có lý do, trong số những nạn nhân của các yếu tố hoành hành trong cảnh Pompey hấp hối, Bryullov đã đặt bức chân dung tự họa của mình và đưa những nét của những người quen Nga của mình cho các nhân vật khác trong bức ảnh.

Đoàn tùy tùng người Ý của Bryullov cũng đóng một vai trò nào đó, có thể kể cho ông nghe về những cơn bão táp cách mạng tràn qua nước Ý những năm trước, về số phận đáng buồn của Carbonari trong những năm tháng phản động.

Bức tranh hùng vĩ về cái chết của Pompeii thấm đẫm tinh thần của chủ nghĩa lịch sử, nó cho thấy sự thay đổi từ thời đại lịch sử này sang thời đại lịch sử khác, sự đàn áp của ngoại giáo cổ đại và sự khởi đầu của một đức tin Cơ đốc mới.

Người nghệ sĩ cảm nhận quá trình lịch sử một cách ngoạn mục, sự thay đổi của thời đại như một cú sốc đối với nhân loại. Ở trung tâm của bố cục, một người phụ nữ rơi khỏi xe ngựa và rơi xuống đất chết dường như đã nhân cách hóa sự sụp đổ của thế giới cổ đại. Nhưng người nghệ sĩ đã đặt một em bé còn sống gần xác mẹ. Mô tả những đứa trẻ và cha mẹ, một người đàn ông trẻ và một bà già, một người mẹ, những người con trai và một người cha đã tàn tạ, nghệ sĩ đã cho thấy những thế hệ cũ đang đi vào lịch sử và những thế hệ mới sắp thay thế họ. Sự ra đời của một kỷ nguyên mới trên đống đổ nát của một thế giới cũ nát thành cát bụi là chủ đề thực sự trong bức tranh của Bryullov. Bất kể những bước ngoặt mà lịch sử mang lại, sự tồn tại của loài người vẫn không dừng lại, và khát vọng sống vẫn không ngừng nguôi ngoai. Đây là ý tưởng cơ bản đằng sau Ngày cuối cùng của Pompeii. Bức tranh này là một bài thánh ca về vẻ đẹp của con người, vẫn bất tử trong mọi chu kỳ của lịch sử.

Bức tranh được trưng bày vào năm 1833 tại Triển lãm Nghệ thuật Milan, nó đã gây ra một làn sóng hưởng ứng nhiệt tình. Nước Ý lâu đời đã bị chinh phục. Học trò của Bryullov, G. G. Gagarin làm chứng: “Công trình vĩ đại này đã khơi dậy lòng nhiệt tình vô bờ bến ở Ý. Các thành phố nơi bức tranh được triển lãm đều tổ chức các buổi lễ chiêu đãi danh họa, thơ tặng ông, người ta mang đi khắp phố phường với nhạc, hoa và đuốc ... Đi đến đâu ông cũng được tôn vinh như một thiên tài đắc thắng, được nhiều người biết đến, được mọi người hiểu và đánh giá cao. "

Nhà văn người Anh Walter Scott (một đại diện của văn học lãng mạn, nổi tiếng với tiểu thuyết lịch sử) đã dành một giờ trong xưởng vẽ của Bryullov, ông nói rằng đây không phải là một bức tranh, mà là cả một bài thơ. Các Học viện Nghệ thuật của Milan, Florence, Bologna và Parma đã bầu họa sĩ Nga làm thành viên danh dự của họ.

Bức tranh vẽ của Bryullov đã thu hút sự hưởng ứng nhiệt tình từ Pushkin và Gogol.

Vesuvius mở miệng - khói tỏa ra trong ngọn lửa câu lạc bộ

Nó đã phát triển rộng rãi như một biểu ngữ chiến đấu.

Trái đất bị kích động - từ các cột quay cuồng

Thần tượng đang gục ngã! ..

Pushkin đã viết theo ấn tượng của bức tranh.

Bắt đầu với Bryullov, những bước ngoặt trong lịch sử đã trở thành chủ đề chính của bức tranh lịch sử Nga, nơi những cảnh dân gian hoành tráng được miêu tả, nơi mỗi người là một người tham gia vào một bộ phim lịch sử, nơi không có chính hay phụ.

Nhìn chung, "Pompeia" thuộc về chủ nghĩa cổ điển. Người nghệ sĩ đã thể hiện một cách thuần thục sự dẻo dai của cơ thể người trên bức tranh. Tất cả những chuyển động tinh thần của con người đều được Bryullov truyền tải chủ yếu bằng ngôn ngữ của chất dẻo. Các số liệu riêng lẻ, được đưa ra trong một phong trào bão táp, được thu thập theo các nhóm cân bằng, đóng băng. Các tia sáng nhấp nháy làm nổi bật hình dạng của các cơ thể và không tạo ra hiệu ứng họa tiết mạnh mẽ. Tuy nhiên, bố cục của bức tranh, có sự đột phá mạnh mẽ ở trung tâm, mô tả một sự kiện phi thường trong cuộc đời của Pompeii, được lấy cảm hứng từ chủ nghĩa lãng mạn.

Chủ nghĩa lãng mạn ở Nga với tư cách là một nhận thức về thế giới tồn tại trong làn sóng đầu tiên của nó từ cuối thế kỷ 18 đến những năm 1850. Dòng lãng mạn trong nghệ thuật Nga không kết thúc vào những năm 1850. Được mở ra bởi chất lãng mạn cho nghệ thuật, chủ đề về trạng thái được phát triển sau đó giữa các nghệ sĩ của "Bông hồng xanh". Những người thừa kế trực tiếp của thời kỳ Lãng mạn chắc chắn là những người theo chủ nghĩa Tượng trưng. Các chủ đề lãng mạn, động cơ, kỹ thuật biểu đạt đã đi vào nghệ thuật với nhiều phong cách, xu hướng, liên tưởng sáng tạo khác nhau. Quan điểm lãng mạn hay thế giới quan hóa ra lại là một trong những quan điểm sống động, bền bỉ và hiệu quả nhất.

Chủ nghĩa lãng mạn với tư cách là một thái độ chung, đặc trưng chủ yếu của giới trẻ, như một sự phấn đấu cho lý tưởng và tự do sáng tạo, vẫn không ngừng sống trong nghệ thuật thế giới.

c) Âm nhạc

Chủ nghĩa lãng mạn ở dạng thuần túy nhất của nó là một hiện tượng của nghệ thuật Tây Âu. Trong âm nhạc Nga thế kỷ XIX. từ Glinka đến Tchaikovsky, những nét đặc trưng của chủ nghĩa cổ điển đã được kết hợp với những nét đặc trưng của chủ nghĩa lãng mạn, yếu tố hàng đầu là một nguyên tắc dân tộc đặc sắc, tươi sáng. Chủ nghĩa lãng mạn ở Nga trỗi dậy bất ngờ khi xu hướng này dường như đã trở thành dĩ vãng. Hai nhà soạn nhạc của thế kỷ 20, Scriabin và Rachmaninov, một lần nữa làm sống lại những nét đặc trưng của chủ nghĩa lãng mạn như sự bay bổng không kiềm chế của những tưởng tượng và sự chân thành trong lời bài hát. Do đó, thế kỷ XIX. được gọi là thế kỷ của kinh điển âm nhạc.

Thời gian (1812, cuộc nổi dậy của Kẻ lừa đảo, phản ứng sau đó) đã để lại dấu ấn trong âm nhạc. Bất cứ thể loại nào chúng tôi chọn - lãng mạn, opera, ba lê, nhạc thính phòng - ở khắp mọi nơi các nhà soạn nhạc Nga đã nói từ mới của họ.

Âm nhạc của Nga, với tất cả sự sang trọng và tuân thủ nghiêm ngặt các truyền thống của nhạc cụ chuyên nghiệp, bao gồm cả sáng tác sonata-giao hưởng, dựa trên màu sắc phương thức độc đáo và cấu trúc nhịp điệu của văn hóa dân gian Nga. Một số - dựa trên bài hát hàng ngày, một số khác - dựa trên các hình thức chơi nhạc nguyên bản, và vẫn còn những bài khác - dựa trên phương thức cổ xưa của các chế độ nông dân Nga cổ đại.

Đầu thế kỷ 19 - đây là những năm đầu nở rộ và tươi sáng của thể loại ngôn tình. Cho đến bây giờ, ca từ chân thành khiêm tốn vang lên và làm hài lòng người nghe Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851).Ông đã viết những câu thơ lãng mạn cho những câu thơ của nhiều nhà thơ, nhưng chúng là bất hủ "Chim sơn ca" với những câu thơ của Delvig, "Con đường mùa đông", "Tôi yêu em"đến những câu thơ của Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848)đã viết nhạc cho các buổi biểu diễn kịch, nhưng chúng tôi biết anh ấy nhiều hơn từ những mối tình lãng mạn nổi tiếng “Cô gái mặc áo tắm màu đỏ”, “Vào lúc bình minh, bạn không đánh thức tôi”, “Cánh buồm cô đơn màu trắng”.

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- nhà soạn nhạc, nghệ sĩ piano, nghệ sĩ vĩ cầm và giáo viên, anh ấy sở hữu những mối tình lãng mạn như "Chuông reo đơn điệu", "Bình minh tuổi trẻ sương mù" và vân vân.

Nơi nổi bật nhất ở đây là những cuộc tình lãng mạn của Glinka. Không ai khác đã đạt được sự kết hợp tự nhiên giữa âm nhạc với thơ của Pushkin và Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- một người cùng thời với Pushkin (nhỏ hơn Alexander Sergeevich 5 tuổi), một tác phẩm kinh điển của văn học Nga, đã trở thành người sáng lập ra tác phẩm âm nhạc kinh điển. Tác phẩm của ông là một trong những đỉnh cao của văn hóa âm nhạc Nga và thế giới. Nó kết hợp hài hòa giữa sự phong phú của âm nhạc dân gian và những thành tựu cao nhất của sáng tác. Sự sáng tạo hiện thực phổ biến sâu sắc của Glinka đã phản ánh sự phát triển mạnh mẽ của văn hóa Nga trong nửa đầu thế kỷ 19, gắn liền với Chiến tranh Vệ quốc năm 1812 và phong trào Kẻ lừa đảo. Ánh sáng, tính cách khẳng định cuộc sống, sự hài hòa của hình thức, vẻ đẹp của giai điệu biểu cảm, sự đa dạng, rực rỡ và tinh tế của cách hòa âm là những phẩm chất quý giá nhất trong âm nhạc của Glinka. Tại nhà hát opera nổi tiếng "Ivan Susanin"(1836) ý tưởng về lòng yêu nước bình dân được thể hiện một cách xuất sắc; sự vĩ đại về đạo đức của nhân dân Nga được tôn vinh trong vở opera cổ tích " Ruslan và Ludmila "... Tác phẩm của dàn nhạc của Glinka: "Waltz-Fantasy", "Đêm ở Madrid" và đặc biệt "Kamarinskaya", hình thành cơ sở của giao hưởng cổ điển Nga. Đáng chú ý về sức mạnh của biểu hiện kịch tính và độ sáng của các đặc điểm của âm nhạc đối với bi kịch "Hoàng tử Kholmsky". Lời bài hát của Glinka (lãng mạn "Tôi nhớ một khoảnh khắc tuyệt vời", "Hoài nghi") là một hiện thân tuyệt vời của thơ ca Nga trong âm nhạc.

6. LÃNG MẠN PHƯƠNG TÂY CHÂU ÂU

một bức vẽ

Nếu tổ tiên của chủ nghĩa cổ điển là Pháp, thì “để tìm ra cội nguồn… của trường phái lãng mạn,” một trong những người cùng thời với ông viết, “chúng ta nên đến Đức. Cô ấy được sinh ra ở đó, và ở đó những câu chuyện lãng mạn hiện đại của Ý và Pháp đã phát triển thị hiếu của họ ”.

Tan nát nước Đức không biết cách mạng nổi dậy. Nhiều tác phẩm lãng mạn của Đức xa lạ với những tư tưởng xã hội tiên tiến. Họ lý ​​tưởng hóa thời Trung cổ. Họ đã xả thân trước những xúc động không thể giải tỏa được, nói về sự từ bỏ mạng sống của con người. Nghệ thuật của nhiều người trong số họ là thụ động và suy ngẫm. Họ đã tạo ra những tác phẩm tốt nhất của mình trong lĩnh vực vẽ chân dung và phong cảnh.

Một họa sĩ chân dung xuất sắc là Otto Runge (1777-1810). Những bức chân dung của bậc thầy này, với vẻ bình tĩnh bên ngoài, gây ngạc nhiên với đời sống nội tâm căng thẳng và mãnh liệt của họ.

Hình ảnh của nhà thơ lãng mạn được Runge nhìn thấy trong "Chân dung". Anh cẩn thận kiểm tra bản thân và thấy một chàng trai tóc đen, mắt đen, nghiêm nghị, tràn đầy năng lượng, chu đáo, tự chủ và có ý chí mạnh mẽ. Người nghệ sĩ lãng mạn muốn biết chính mình. Cách thực hiện bức chân dung nhanh và sâu, như thể năng lượng tinh thần của người sáng tạo cần được truyền tải vào kết cấu của tác phẩm; trong thang màu tối xuất hiện sự tương phản của ánh sáng và bóng tối. Tương phản là một kỹ thuật hình ảnh đặc trưng của các bậc thầy lãng mạn.

Một nghệ sĩ lãng mạn sẽ luôn cố gắng nắm bắt sự thay đổi tâm trạng của một người, để nhìn vào tâm hồn của họ. Và ở khía cạnh này, chân dung thiếu nhi sẽ là chất liệu màu mỡ cho anh. V chân dung những đứa trẻ của Hulsenbeck(1805) Runge không chỉ truyền tải sự sống động và tự nhiên trong tính cách của một đứa trẻ, mà còn tìm ra một phương pháp đặc biệt cho tâm trạng nhẹ nhàng, giúp thích thú với những khám phá ngoài trời của tầng 2. Thế kỷ XIX. Nền trong bức tranh là phong cảnh, không chỉ minh chứng cho tài năng tạo màu của người nghệ sĩ, một thái độ đáng ngưỡng mộ đối với thiên nhiên, mà còn cho thấy những vấn đề mới trong việc tái tạo một cách thuần thục các mối quan hệ không gian, sắc thái ánh sáng của các vật thể trong không gian thoáng đãng. Bậc thầy lãng mạn, mong muốn hợp nhất cái “tôi” của mình với sự rộng lớn của Vũ trụ, cố gắng nắm bắt hình dáng hữu hình hữu hình của thiên nhiên. Nhưng với sự gợi cảm này của hình ảnh, anh ấy thích xem biểu tượng của thế giới rộng lớn, “ý tưởng của nghệ sĩ”.

Runge, một trong những nghệ sĩ lãng mạn đầu tiên, tự đặt cho mình nhiệm vụ tổng hợp các nghệ thuật: hội họa, điêu khắc, kiến ​​trúc, âm nhạc. Âm thanh hòa tấu của nghệ thuật được cho là thể hiện sự thống nhất của các lực lượng thần thánh của thế giới, mỗi hạt trong số đó tượng trưng cho vũ trụ nói chung. Người nghệ sĩ tưởng tượng, củng cố khái niệm triết học của mình bằng những ý tưởng của nhà tư tưởng nổi tiếng người Đức ở tầng 1. Thế kỷ XVII Jacob Boehme. Thế giới là một loại tổng thể thần bí, mỗi bộ phận trong đó thể hiện toàn bộ. Ý tưởng này có liên quan đến sự lãng mạn của toàn bộ lục địa Châu Âu. Ở dạng câu thơ, nhà thơ và nghệ sĩ người Anh William Blake đã đặt nó theo cách này:

Nhìn thấy sự vĩnh cửu trong một khoảnh khắc

Một thế giới rộng lớn trong gương cát

Trong một số ít - vô hạn

Và bầu trời trong hoa cốc.

Chu kỳ của Runge, hay, như anh ấy gọi nó, "bài thơ âm nhạc tuyệt vời" "Các mùa trong ngày"- Sáng, trưa, tối, là một biểu hiện của khái niệm này. Ông đã để lại bằng thơ và văn xuôi một lời giải thích về mô hình khái niệm của ông về thế giới. Hình ảnh con người, cảnh vật, ánh sáng và màu sắc là biểu tượng của vòng quay luôn biến đổi của cuộc sống tự nhiên và con người.

Một họa sĩ lãng mạn xuất sắc khác của Đức, Caspar David Friedrich (1774-1840), thích phong cảnh hơn tất cả các thể loại khác và trong suốt cuộc đời 70 năm của mình, ông chỉ vẽ những bức tranh về thiên nhiên. Động cơ chính trong công việc của Friedrich là ý tưởng về sự thống nhất giữa con người và thiên nhiên.

“Hãy lắng nghe tiếng nói của thiên nhiên nói trong chúng ta,” nghệ sĩ hướng dẫn các học trò của mình. Thế giới bên trong của một người nhân cách hóa sự vô tận của Vũ trụ, do đó, khi nghe thấy chính mình, một người có thể hiểu được chiều sâu tâm linh của thế giới.

Vị trí lắng nghe quyết định hình thức “giao tiếp” cơ bản của con người với thiên nhiên và hình ảnh của nó. Đây là sự vĩ đại, bí ẩn hay giác ngộ của tự nhiên và trạng thái ý thức của người quan sát. Đúng là, Friedrich thường không cho phép một nhân vật “đi vào” không gian phong cảnh của các bức tranh của mình, nhưng trong sự thâm nhập tinh tế của cấu trúc tưởng tượng của các dải trải rộng, người ta cảm nhận được sự hiện diện của một cảm giác, trải nghiệm của một người. Chủ nghĩa chủ quan trong việc miêu tả phong cảnh chỉ đi vào nghệ thuật với sự sáng tạo của các tác phẩm lãng mạn, báo trước sự bộc lộ trữ tình về thiên nhiên của các bậc thầy của giới tính thứ hai. Thế kỷ XIX. Các nhà nghiên cứu lưu ý trong các tác phẩm của Friedrich "sự mở rộng của các tiết mục" của các mô típ phong cảnh. Tác giả quan tâm đến biển, núi, rừng và các sắc thái khác nhau của trạng thái thiên nhiên vào các thời điểm khác nhau trong năm và trong ngày.

1811-1812 được đánh dấu bằng việc tạo ra một loạt các cảnh quan núi là kết quả của cuộc hành trình vào núi của người nghệ sĩ. "Buổi sáng trên núi" những bức tranh thể hiện một cách độc đáo một thực tế tự nhiên mới được sinh ra dưới những tia nắng của mặt trời mọc. Tông màu Mauve bao bọc và tước bỏ khối lượng và trọng lượng vật liệu. Những năm diễn ra trận chiến với Napoléon (1812-1813) đã khiến Frederick hướng tới các chủ đề yêu nước. Minh họa, lấy cảm hứng từ bộ phim truyền hình của Kleist, anh ấy viết "Lăng mộ của Arminius"- một cảnh quan với những ngôi mộ của các anh hùng Đức cổ đại.

Frederick là một bậc thầy giỏi về cảnh biển: "Ages", "Moonrise over the sea", "Cái chết của" Hope "trong băng".

Các tác phẩm mới nhất của nghệ sĩ - "Yên nghỉ trên cánh đồng", "Đầm lầy lớn" và "Hoài niệm về những ngọn núi khổng lồ", "Những ngọn núi khổng lồ" - một loạt các rặng núi và đá ở phía trước đã tối tăm. Dường như, đây là sự trở lại với cảm giác từng trải về chiến thắng của một người đối với chính mình, niềm vui sướng khi được bước lên "đỉnh của thế giới", một sự phấn đấu cho những đỉnh cao sáng chói không ai sánh kịp. Cảm xúc của người nghệ sĩ tạo nên những khối núi này theo một cách đặc biệt, và một lần nữa người ta đọc thấy sự chuyển động từ bóng tối của những bước đầu tiên đến ánh sáng tương lai. Đỉnh núi trong nền nổi bật là trung tâm của khát vọng tâm linh của chủ nhân. Bức tranh rất liên tưởng, giống như bất kỳ tác phẩm lãng mạn nào, và gợi ý các cấp độ đọc và giải thích khác nhau.

Friedrich rất chính xác trong cách vẽ, hài hòa âm nhạc trong cách xây dựng nhịp nhàng các bức tranh của mình, trong đó ông cố gắng nói lên cảm xúc của màu sắc và hiệu ứng ánh sáng. “Nhiều được cho ít, ít được cho nhiều. Tâm hồn của thiên nhiên mở ra với mọi người theo một cách khác. Vì vậy, không ai dám chuyển kinh nghiệm của mình và các quy tắc của mình cho người khác như một luật vô điều kiện ràng buộc. Không ai là thước đo cho tất cả mọi người. Mỗi người đều mang trong mình một thước đo chỉ dành riêng cho bản thân và những bản chất ít nhiều giống với chính mình, ”- lời phản ánh này của bậc thầy chứng tỏ sự toàn vẹn đáng kinh ngạc của đời sống nội tâm và sự sáng tạo của ông. Tính độc đáo của người nghệ sĩ chỉ có thể cảm nhận được trong sự tự do trong công việc của anh ta - đây là điều mà Friedrich lãng mạn đại diện cho.

Có vẻ chính thức hơn để phân biệt với các nghệ sĩ - "tác phẩm kinh điển" - đại diện của chủ nghĩa cổ điển của một nhánh hội họa lãng mạn khác ở Đức - những người Nazarenes. Được thành lập ở Vienna và định cư ở Rome (1809-1810), Liên hiệp Thánh Luca đã thống nhất các bậc thầy với ý tưởng phục hưng nghệ thuật tượng đài về các vấn đề tôn giáo. Thời Trung Cổ là một thời kỳ được yêu thích trong lịch sử đối với những người theo chủ nghĩa lãng mạn. Nhưng trong nhiệm vụ nghệ thuật của mình, những người Nazarenes đã chuyển sang truyền thống hội họa của thời kỳ đầu Phục hưng ở Ý và Đức. Overbeck và Geforr bắt đầu một liên minh mới, sau đó được tham gia bởi Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, và Faith Fürich.

Phong trào này của người Nazarenes tương ứng với các hình thức đối đầu của họ với các nhà kinh điển học ở Pháp, Ý, Anh. Ví dụ, ở Pháp, những nghệ sĩ được gọi là nguyên thủy nổi lên từ xưởng của David, ở Anh, Pre-Raphaelites. Theo tinh thần của truyền thống lãng mạn, họ coi nghệ thuật là “biểu hiện của thời đại”, “tinh thần của con người”, nhưng sở thích theo chủ đề hoặc hình thức của họ, thoạt đầu nghe giống như một khẩu hiệu thống nhất, sau một thời gian đã biến vào các nguyên tắc giáo lý tương tự như các nguyên tắc của Học viện, mà họ đã bác bỏ.

Nghệ thuật của chủ nghĩa lãng mạn Ở Phápđược phát triển theo những cách đặc biệt. Điều đầu tiên phân biệt nó với các phong trào tương tự ở các quốc gia khác là tính cách chủ động tấn công (“cách mạng”) của nó. Các nhà thơ, nhà văn, nhạc sĩ, nghệ sĩ bảo vệ lập trường của họ không chỉ bằng cách tạo ra các tác phẩm mới, mà còn bằng cách tham gia vào các cuộc luận chiến trên tạp chí và báo, mà các nhà nghiên cứu mô tả như một “trận chiến lãng mạn”. Trong cuộc bút chiến lãng mạn, V. Hugo, Stendhal, Georges Sand, Berlioz và nhiều nhà văn, nhà soạn nhạc và nhà báo nổi tiếng của Pháp đã “mài bút”.

Hội họa lãng mạn ở Pháp nảy sinh như một sự đối lập với trường phái cổ điển của David, nghệ thuật hàn lâm, được gọi là "trường phái" nói chung. Nhưng điều này cần được hiểu rộng hơn: đó là sự phản đối hệ tư tưởng chính thống của thời đại phản động, một sự phản kháng chống lại tư tưởng hẹp hòi tư sản của nó. Do đó, bản chất thảm hại của các tác phẩm lãng mạn, sự phấn khích căng thẳng của chúng, sự hấp dẫn đối với những động cơ kỳ lạ, những âm mưu lịch sử và văn học, đến mọi thứ có thể dẫn đến "cuộc sống hàng ngày buồn tẻ", do đó, trò chơi của trí tưởng tượng và đôi khi, ngược lại, mơ mộng và hoàn toàn thiếu hoạt động.

Các đại diện của “trường học”, các nhà hàn lâm, chủ yếu phản đối ngôn ngữ lãng mạn: màu nóng kích thích của họ, mô hình hóa hình thức của họ, không phải kiểu thông thường cho “kinh điển”, bằng nhựa tượng trưng, ​​nhưng được xây dựng dựa trên sự tương phản mạnh mẽ của màu sắc điểm; thiết kế biểu cảm của họ, cố tình từ bỏ độ chính xác và đánh bóng cổ điển; bố cục táo bạo, đôi khi hỗn loạn của chúng, không có sự uy nghiêm và yên bình không thể lay chuyển. Ingres, kẻ thù không đội trời chung của chủ nghĩa lãng mạn, cho đến cuối đời cho rằng Delacroix "viết bằng cây chổi điên", còn Delacroix thì buộc tội Ingres và tất cả các nghệ sĩ thuộc "trường phái" lạnh lùng, duy lý, thiếu vận động, rằng họ không viết, nhưng "vẽ" tranh của bạn. Nhưng đó không phải là cuộc đụng độ đơn thuần của hai cá thể trong sáng, hoàn toàn khác nhau, đó là cuộc đấu tranh giữa hai thế giới quan nghệ thuật khác nhau.

Cuộc đấu tranh này kéo dài gần nửa thế kỷ, chủ nghĩa lãng mạn trong nghệ thuật đã giành được thắng lợi không dễ dàng và không phải ngay lập tức, và nghệ sĩ đầu tiên của xu hướng này là Theodore Gericault (1791-1824) - một bậc thầy của các hình thức tượng đài anh hùng, người đã kết hợp trong tác phẩm của mình cả chủ nghĩa cổ điển. những đặc điểm và nét đặc trưng của chính chủ nghĩa lãng mạn. Và cuối cùng, một sự khởi đầu hiện thực mạnh mẽ, có tác động to lớn đến nghệ thuật chủ nghĩa hiện thực vào giữa thế kỷ 19. Nhưng trong suốt cuộc đời của mình, ông chỉ được đánh giá cao bởi một số người bạn thân.

Những thành công rực rỡ đầu tiên của chủ nghĩa lãng mạn gắn liền với tên tuổi của Theodore Zhariko. Ngay từ những bức tranh ban đầu của ông (chân dung quân đội, hình ảnh con ngựa), những lý tưởng cổ xưa đã lùi xa trước nhận thức trực tiếp của cuộc sống.

Trong thẩm mỹ viện vào năm 1812, Gericault trưng bày một bức tranh "Sĩ quan của đội kiểm lâm ngựa của triều đình trong cuộc tấn công."Đó là năm đỉnh cao vinh quang của Napoléon và sức mạnh quân sự của Pháp.

Bố cục của bức tranh trình bày người cưỡi ngựa trong một góc nhìn khác thường của một khoảnh khắc "đột ngột", khi con ngựa dựng lên và người cưỡi ngựa, giữ tư thế gần như thẳng đứng, quay sang người xem. Hình ảnh thời điểm bất ổn, bất khả tư nghị như vậy càng nâng cao tác dụng của động tác. Con ngựa có một điểm chống đỡ, nó phải ngã xuống đất, vít mình vào cuộc chiến đã đưa nó đến trạng thái như vậy. Phần lớn hội tụ trong tác phẩm này: niềm tin vô điều kiện của Gericault về khả năng sở hữu một người cho riêng mình, tình yêu nồng nàn với hình ảnh những chú ngựa và lòng dũng cảm của một bậc thầy mới vào nghề trong việc thể hiện những gì trước đây chỉ có thể truyền tải bằng âm nhạc hoặc ngôn ngữ thơ ca - sự hồi hộp của trận chiến, sự bắt đầu của một cuộc tấn công, sự căng thẳng cuối cùng của các lực lượng của một sinh vật ... Tác giả trẻ đã xây dựng hình ảnh của mình dựa trên sự truyền tải động lực của chuyển động và điều quan trọng là anh ta phải điều chỉnh người xem để “phỏng đoán”, hoàn thành bức tranh bằng “tầm nhìn bên trong” và cảm nhận về những gì anh ta muốn khắc họa.

Thực tế không tồn tại truyền thống năng động như vậy về tường thuật lãng mạn bằng hình ảnh ở Pháp, ngoại trừ trong các bức phù điêu của các ngôi đền Gothic, bởi vì khi Gericault lần đầu tiên đến Ý, ông đã bị choáng váng trước sức mạnh tiềm ẩn trong các sáng tác của Michelangelo. “Tôi đã run rẩy,” anh ấy viết, “Tôi đã nghi ngờ bản thân và trong một thời gian dài không thể phục hồi sau trải nghiệm này.” Nhưng Stendhal đã chỉ ra Michelangelo là người đi trước cho một xu hướng cách điệu mới trong nghệ thuật thậm chí còn sớm hơn trong các bài báo luận chiến của ông.

Bức tranh của Gericault không chỉ công bố sự ra đời của một tài năng nghệ thuật mới, mà còn bày tỏ sự nhiệt tình và thất vọng của tác giả đối với những ý tưởng của Napoléon. Một số tác phẩm khác có liên quan đến chủ đề này: “ Sĩ quan của Carabinieri ”,“ Sĩ quan của Cuirassier trước cuộc tấn công ”,“ Chân dung của Carabinieri ”,“ Người bị thương ở Cuirassier ”.

Trong chuyên luận "Suy ngẫm về tình trạng hội họa ở Pháp", ông viết rằng "xa xỉ và nghệ thuật đã trở thành ... một nhu cầu thiết yếu và như nó đã trở thành thức ăn cho trí tưởng tượng, là cuộc sống thứ hai của một con người văn minh ... nhu cầu được đáp ứng khi sự dồi dào đến. Một người đàn ông, thoát khỏi những lo lắng hàng ngày, bắt đầu tìm kiếm niềm vui để thoát khỏi sự buồn chán, điều chắc chắn sẽ lấn át anh ta giữa sự mãn nguyện.

Sự hiểu biết này về vai trò giáo dục và nhân văn của nghệ thuật đã được Gericault thể hiện sau khi trở về từ Ý năm 1818 - ông bắt đầu tham gia vào lĩnh vực in thạch bản, tái tạo nhiều chủ đề, bao gồm cả sự thất bại của Napoléon ( "Trở về từ Nga").

Đồng thời, nghệ sĩ chuyển sang mô tả cái chết của tàu khu trục nhỏ "Medusa" ngoài khơi bờ biển châu Phi, điều này đã gây phấn khích cho xã hội bấy giờ. Thảm họa là do lỗi của một thuyền trưởng thiếu kinh nghiệm, người được bổ nhiệm vào vị trí dưới sự bảo trợ. Những hành khách sống sót của con tàu, bác sĩ phẫu thuật Savigny và kỹ sư Correar, đã nói chi tiết về vụ tai nạn.

Con tàu đang hấp hối cố gắng ném khỏi chiếc bè, trên đó có một số người được cứu sống. Trong mười hai ngày, họ đã bị mang trên biển bão tố, cho đến khi họ được cứu bởi con tàu "Argus".

Gericault quan tâm đến tình hình căng thẳng tột độ của các lực lượng tinh thần và vật chất của con người. Bức tranh vẽ 15 hành khách sống sót trên bè khi họ nhìn thấy Argus ở đường chân trời. "Raft" Medusa " là kết quả của một quá trình chuẩn bị lâu dài của nghệ sĩ. Anh đã thực hiện nhiều bức ký họa về biển cuồng phong, chân dung những người được cứu sống trong bệnh viện. Ban đầu, Gericault muốn thể hiện cuộc đấu tranh của những người trên một chiếc bè với nhau, nhưng sau đó anh đã dựa vào hành vi anh hùng của những người chiến thắng trong nguyên tố biển và sự cẩu thả của nhà nước. Mọi người dũng cảm chịu đựng bất hạnh, và hy vọng cứu rỗi không rời bỏ họ: mỗi nhóm trên bè có đặc điểm riêng. Khi xây dựng bố cục, Gericault chọn một điểm nhìn từ trên cao, cho phép anh kết hợp phạm vi bao quát toàn cảnh của không gian (có thể nhìn thấy khoảng cách trên biển) và để khắc họa, rất gần với tiền cảnh, tất cả cư dân trên bè. Sự chuyển động này dựa trên sự tương phản của những nhân vật nằm bất lực ở phía trước và những người nóng nảy trong nhóm phát tín hiệu cho con tàu đi qua. Sự rõ ràng của nhịp điệu của sự phát triển của động lực từ nhóm này sang nhóm khác, vẻ đẹp của những cơ thể trần trụi, màu tối của bức tranh thiết lập một lưu ý nhất định về tính quy ước của bức ảnh. Nhưng đây không phải là bản chất của vấn đề đối với người xem cảm thụ, những người mà sự thông thường của ngôn ngữ thậm chí còn giúp hiểu và cảm nhận được điều chính: khả năng chiến đấu và chiến thắng của một người. Đại dương gầm thét. Cánh buồm rên rỉ. Các sợi dây đang kêu. Chiếc bè bị nứt. Gió lùa sóng, xé tan mây đen.

Chẳng phải chính nước Pháp này, đã được thúc đẩy bởi cơn bão lịch sử hay sao? - Eugene Delacroix đứng trước bức ảnh nghĩ. “Chiếc bè của“ Medusa ”làm Delacroix rung chuyển, anh ta khóc và như một kẻ điên, lao ra khỏi xưởng của Gericault, nơi anh ta thường đến thăm.

Nghệ thuật của David không biết những đam mê như vậy.

Nhưng cuộc đời của Gericault kết thúc sớm một cách bi thảm (ông bị bệnh nan y sau khi ngã ngựa), và nhiều kế hoạch của ông vẫn còn dang dở.

Sự đổi mới của Gericault đã mở ra những khả năng mới trong việc truyền tải sự chuyển động của những bức tranh lãng mạn đầy phấn khích, những cảm xúc tiềm ẩn của một con người và sự biểu cảm kết cấu màu sắc của bức tranh.

Người kế nhiệm Gericault trong cuộc tìm kiếm của ông là Eugene Delacroix. Đúng như vậy, Delacroix đã được phóng thích gấp đôi tuổi thọ của mình, và anh ta không chỉ chứng minh được tính đúng đắn của chủ nghĩa lãng mạn mà còn chúc phúc cho một hướng đi mới trong hội họa, tầng 2. Thế kỷ XIX. - trường phái ấn tượng.

Trước khi bắt đầu tự viết, Eugene đã học tại trường của Lerain: anh vẽ từ cuộc sống, sao chép ở Louvre những người vĩ đại như Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian ... Chàng họa sĩ trẻ làm việc 10-12 tiếng mỗi ngày. Anh nhớ đến câu nói của Michelangelo vĩ đại: "Tranh là một cô chủ hay ghen, nó đòi hỏi cả con người ..."

Delacroix, sau những bài phát biểu của Gericault, nhận thức rõ rằng thời kỳ biến động mạnh mẽ về cảm xúc đã đến trong nghệ thuật. Đầu tiên, anh ấy cố gắng hiểu một thời đại mới cho mình thông qua các cốt truyện văn học nổi tiếng. Ảnh của anh ấy Dante và Virgilđược trình bày trong salon vào năm 1822 là một nỗ lực thông qua hình ảnh liên tưởng lịch sử của hai nhà thơ: thời cổ đại - Virgil và thời kỳ Phục hưng - Dante - để nhìn vào vạc sôi, "địa ngục" của thời kỳ hiện đại. Khi trong "Divine Comedy", Dante đã lấy Virgil làm người dẫn đường cho mình trong tất cả các lĩnh vực (thiên đường, địa ngục, luyện ngục). Trong tác phẩm của Dante, một thế giới phục hưng mới đã xuất hiện thông qua trải nghiệm về thời Trung cổ trong ký ức của thời cổ đại. Biểu tượng của sự lãng mạn như một sự tổng hợp của thời cổ đại, thời kỳ Phục hưng và thời Trung cổ đã nảy sinh trong “nỗi kinh hoàng” về tầm nhìn của Dante và Virgil. Nhưng một câu chuyện ngụ ngôn triết học phức tạp hóa ra lại là một minh họa tình cảm tốt đẹp về thời kỳ tiền Phục hưng và là một kiệt tác văn học bất hủ.

Delacroix sẽ cố gắng tìm kiếm lời đáp trực tiếp trong trái tim của những người cùng thời với nỗi đau của chính mình. Bùng cháy với tự do và căm thù kẻ áp bức, những người trẻ thời đó đồng cảm với cuộc chiến tranh giải phóng của Hy Lạp. Anh chàng lãng tử của nước Anh, Byron, sẽ đến đó để chiến đấu. Delacroix nhìn thấy ý nghĩa của kỷ nguyên mới trong việc khắc họa một sự kiện lịch sử cụ thể hơn - cuộc đấu tranh và đau khổ của đất nước Hy Lạp yêu tự do. Anh ta nằm trong âm mưu về cái chết của người dân trên đảo Chios của Hy Lạp, bị bắt bởi người Thổ Nhĩ Kỳ. Tại Salon năm 1824, Delacroix trưng bày một bức tranh "Thảm sát trên đảo Chios". trong bối cảnh của địa hình đồi núi mở rộng vô tận. Vẫn gào thét trong khói lửa và trận chiến không suy giảm, nghệ sĩ thể hiện một số nhóm phụ nữ và trẻ em bị thương, kiệt sức. Họ đã được để lại những phút tự do cuối cùng trước sự tiếp cận của kẻ thù. Một người Thổ Nhĩ Kỳ trên con ngựa được nuôi ở bên phải dường như lơ lửng trên toàn bộ tiền cảnh và nhiều người đang đau khổ ở đó. Thân hình đẹp, khuôn mặt đầy đặn. Nhân tiện, Delacroix sau này viết rằng tác phẩm điêu khắc Hy Lạp đã được các nghệ sĩ biến thành chữ tượng hình, che giấu vẻ đẹp thực sự của khuôn mặt và dáng người Hy Lạp. Nhưng, để lộ “vẻ đẹp tâm hồn” trên khuôn mặt của những người Hy Lạp bại trận, họa sĩ đã kịch tính hóa các sự kiện đang diễn ra, rằng để duy trì một nhịp độ căng thẳng năng động duy nhất, anh ta đã biến dạng các góc của bức tranh. . Những “sai lầm” này đã được “giải quyết” bởi tác phẩm của Gericault, nhưng Delacroix một lần nữa chứng minh quan điểm lãng mạn rằng bức tranh “không phải là sự thật của hoàn cảnh, mà là sự thật của cảm giác”.

Năm 1824, Delacroix mất đi người bạn và người thầy của mình - Gericault. Và anh trở thành người đứng đầu bức tranh mới.

Năm tháng trôi qua. Từng hình ảnh lần lượt xuất hiện: "Hy Lạp trên đống đổ nát của Missalunga", "Cái chết của Sardanapalus" và những người khác. Nghệ sĩ trở thành kẻ bị ruồng bỏ trong vòng kết nối chính thức của nghệ sĩ. Nhưng cuộc Cách mạng Tháng Bảy năm 1830 đã thay đổi tình hình. Cô đốt cháy nghệ sĩ bằng sự lãng mạn của những chiến công và thành tựu. Anh ấy vẽ một bức tranh "Tự do trên chướng ngại vật".

Năm 1831, tại Salon Paris, người Pháp lần đầu tiên được chiêm ngưỡng bức tranh "Liberty on the Barricades" của Eugene Delacroix, dành tặng cho "ba ngày vinh quang" của Cách mạng Tháng Bảy năm 1830. Với sức mạnh, tính dân chủ và sự táo bạo của giải pháp nghệ thuật, bức tranh canvas đã gây ấn tượng mạnh đối với những người cùng thời. Theo truyền thuyết, một nhà tư sản đáng kính đã thốt lên: “Ông nói - người đứng đầu trường học? Nói tốt hơn - người đứng đầu cuộc nổi loạn! " Sau khi Tiệm bị đóng cửa, chính phủ sợ hãi trước sức hấp dẫn ghê gớm và đầy cảm hứng tỏa ra từ bức tranh, đã vội vàng trả lại cho tác giả. Trong cuộc cách mạng năm 1848, nó một lần nữa được trưng bày trước công chúng tại Cung điện Luxembourg. Và họ đã trả lại cho nghệ sĩ một lần nữa. Chỉ sau khi bức tranh được trưng bày tại Triển lãm Thế giới ở Paris năm 1855, nó mới được đưa vào bảo tàng Louvre. Nơi đây vẫn còn lưu giữ đây là một trong những sáng tạo hay nhất của chủ nghĩa lãng mạn Pháp - một chứng tích nhân chứng đầy cảm hứng và một tượng đài vĩnh cửu cho cuộc đấu tranh giành tự do của nhân dân.

Nhà lãng mạn trẻ tuổi người Pháp đã tìm ra ngôn ngữ nghệ thuật nào để kết hợp hai nguyên tắc dường như đối lập này - một khái quát bao trùm, bao trùm và hiện thực cụ thể, tàn khốc trong trần trụi của nó?

Paris của những ngày tháng bảy năm 1830 nổi tiếng. Không khí bị bão hòa bởi khói và bụi xám. Một thành phố xinh đẹp và trang nghiêm biến mất trong một làn khói bụi. Xa xa, hầu như không nhận thấy, nhưng kiêu hãnh vươn lên những ngọn tháp của Nhà thờ Đức Bà - biểu tượng lịch sử, văn hóa, và tinh thần của người dân Pháp. Từ đó, từ thành phố khói lửa, vượt qua đống đổ nát của chướng ngại vật, trên xác của những người đồng đội đã chết, những kẻ nổi dậy kiên cường và kiên quyết tiến lên. Mỗi người trong số họ có thể chết, nhưng bước đi của những kẻ nổi loạn là không thể lay chuyển - họ được truyền cảm hứng từ ý chí chiến thắng, tự do.

Sức mạnh truyền cảm này được thể hiện qua hình ảnh một người thiếu nữ xinh đẹp, trong cơn cuồng nhiệt đang kêu gọi nàng. Với năng lượng vô tận, sự nhanh nhẹn tự do và trẻ trung của chuyển động, cô ấy giống như nữ thần Hy Lạp

Chiến thắng của Nike. Hình dáng mạnh mẽ của cô ấy mặc một chiếc váy chiton, khuôn mặt với những đường nét hoàn hảo, với đôi mắt rực sáng, giống như những kẻ nổi loạn. Một tay cô ấy cầm lá cờ ba màu của Pháp, tay kia - một khẩu súng. Trên đầu có đội mũ Phrygian - một biểu tượng cổ xưa của sự giải phóng khỏi ách nô lệ. Bước đi của cô ấy nhanh chóng và nhẹ nhàng - đây là cách các nữ thần bước. Đồng thời, hình ảnh một người phụ nữ có thật - cô ấy là con gái của người dân Pháp. Cô ấy là lực lượng hướng dẫn phía sau sự di chuyển của nhóm trên các chướng ngại vật. Từ đó, như từ nguồn sáng ở trung tâm năng lượng, các tia sáng tỏa ra, mang theo khát vọng và ý chí chiến thắng. Những người ở gần nó, mỗi người theo cách riêng của họ, thể hiện sự tham gia của họ vào cuộc gọi đầy cảm hứng và cảm hứng này.

Bên phải là một cậu bé, một game thủ người Paris vung súng lục. Anh ấy là người gần gũi nhất với Freedom và được lòng cô ấy bởi sự nhiệt tình và niềm vui thích tự do thôi thúc. Trong một chuyển động nhanh chóng, thiếu kiên nhẫn của một cậu bé, anh ta thậm chí còn đi trước người truyền cảm hứng của mình một chút. Đây là tiền thân của huyền thoại Gavroche, được Victor Hugo miêu tả hai mươi năm sau trong Les Miserables: “Gavroche, tràn đầy cảm hứng, rạng rỡ, đã nhận nhiệm vụ đưa toàn bộ mọi thứ vào chuyển động. Anh ta chạy tới lui, đi lên, đi xuống

xuống, lại trỗi dậy, gây ồn ào, lấp lánh niềm vui. Có vẻ như anh ấy đến đây để cổ vũ mọi người. Anh ta có động cơ gì cho việc này không? Vâng, tất nhiên, sự nghèo khó của anh ta. Anh ta có cánh không? Vâng, tất nhiên, niềm vui của anh ấy. Đó là một số loại gió xoáy. Anh ta dường như lấp đầy không khí, có mặt ở khắp mọi nơi cùng lúc ... Những chướng ngại vật khổng lồ cảm thấy anh ta trên sườn núi của chúng. "

Gavroche trong tranh của Delacroix là hiện thân của tuổi trẻ, “một sự thôi thúc tuyệt vời”, một sự vui vẻ chấp nhận ý tưởng tươi sáng về Tự do. Hai hình ảnh - Gavroche và Svoboda - dường như bổ sung cho nhau: một là ngọn lửa, hình kia là ngọn đuốc được thắp sáng từ nó. Heinrich Heine nói về phản ứng sôi nổi mà hình tượng Gavroche gợi lên từ người Paris. "Chết tiệt! Một người buôn bán tạp hóa kêu lên. "Những cậu bé này đã chiến đấu như những người khổng lồ!"

Bên trái là một học sinh với một khẩu súng. Trước đây, nó được xem như một bức chân dung tự họa của nghệ sĩ. Kẻ nổi loạn này không nhanh nhẹn như Gavroche. Động tác của anh ấy được kiềm chế hơn, tập trung hơn, có ý nghĩa hơn. Tay tự tin bấu chặt vào nòng súng, gương mặt thể hiện sự dũng cảm, kiên định quyết tâm cao đến cùng. Đây là một hình ảnh vô cùng bi thảm. Chàng sinh viên nhận ra những tổn thất không thể tránh khỏi mà những kẻ nổi dậy sẽ phải gánh chịu, nhưng các nạn nhân không làm anh ta sợ hãi - ý chí tự do mạnh mẽ hơn. Một công nhân dũng cảm và kiên định không kém với một thanh kiếm đứng phía sau anh ta. Có một người bị thương dưới chân Tự do. Anh ấy đứng dậy với khó khăn để một lần nữa nhìn lên Freedom, để thấy và bằng cả trái tim mình để cảm nhận vẻ đẹp mà anh ấy đã tàn phá. Con số này mang đến một khởi đầu ấn tượng cho âm thanh của bức vẽ trên vải của Delacroix. Nếu hình ảnh Gavroche, Svoboda, một sinh viên, một công nhân gần như là biểu tượng, là hiện thân của ý chí kiên cường của những người đấu tranh cho tự do - truyền cảm hứng và kêu gọi người xem, thì những người bị thương lại hướng đến lòng trắc ẩn. Con người tạm biệt Tự do, tạm biệt cuộc sống. Anh ta vẫn là một sự thúc đẩy, chuyển động, nhưng đã là một sự thúc đẩy mờ dần.

Hình bóng của anh ấy là chuyển tiếp. Ánh mắt của người xem, vẫn còn bị mê hoặc và bị cuốn đi bởi quyết tâm cách mạng của những người nổi dậy, đi xuống chân rào chắn, được bao phủ bởi thi thể của những người lính đã ngã xuống. Cái chết được người nghệ sĩ thể hiện trong tất cả sự trần trụi và hiển nhiên của sự thật. Chúng ta nhìn thấy khuôn mặt xanh của những người chết, cơ thể trần truồng của họ: cuộc đấu tranh là tàn nhẫn, và cái chết là người bạn đồng hành không thể tránh khỏi của những kẻ nổi loạn, giống như người truyền cảm hứng xinh đẹp cho Freedom.

Nhưng không hoàn toàn giống nhau! Từ cảnh tượng khủng khiếp ở mép dưới của bức tranh, chúng tôi lại ngước mắt lên và thấy một bóng dáng trẻ đẹp - không! cuộc sống chiến thắng! Ý tưởng về tự do, được thể hiện một cách rõ ràng và hữu hình, hướng đến tương lai đến nỗi cái chết trên danh nghĩa của nó không có gì là khủng khiếp.

Nghệ sĩ chỉ mô tả một nhóm nhỏ những kẻ nổi loạn, sống và chết. Nhưng những người bảo vệ chướng ngại vật dường như đông đảo một cách bất thường. Thành phần được xây dựng theo cách mà nhóm chiến binh không bị giới hạn, không bị đóng lại trong chính nó. Cô ấy chỉ là một phần của trận tuyết lở vô tận của con người. Người nghệ sĩ cho rằng, như nó vốn có, là một mảnh ghép của một nhóm: khung tranh cắt bỏ các hình từ trái, phải, dưới.

Thông thường, màu sắc trong các tác phẩm của Delacroix có được âm hưởng cảm xúc sâu sắc, đóng vai trò chủ đạo trong việc tạo ra hiệu ứng kịch tính. Các màu sắc, bây giờ đang thịnh hành, bây giờ nhạt dần, bị bóp nghẹt, tạo ra một bầu không khí căng thẳng. Trong Liberty on the Barricades, Delacroix rời bỏ nguyên tắc này. Cách chọn màu sơn rất chính xác, không thể nhầm lẫn, áp dụng với những nét vẽ rộng, người nghệ sĩ đã truyền tải được không khí của trận chiến.

Nhưng sự phối màu bị hạn chế. Delacroix tập trung vào mô hình phù điêu của biểu mẫu. Điều này được yêu cầu bởi giải pháp tượng hình của bức tranh. Rốt cuộc, miêu tả một sự kiện cụ thể của ngày hôm qua, người nghệ sĩ cũng đã tạo ra một tượng đài cho sự kiện này. Do đó, các hình gần như là điêu khắc. Do đó, mỗi nhân vật, là một bộ phận của một bức tranh tổng thể, cũng là một cái gì đó khép kín trong chính nó, là một biểu tượng đã được đúc thành một hình thức hoàn chỉnh. Vì vậy, màu sắc không chỉ ảnh hưởng đến cảm xúc của người xem, mà còn mang một tải trọng biểu tượng. Trong một không gian xám nâu, đây đó, một bộ ba màu đỏ, xanh, trắng trang trọng nhấp nháy - màu cờ của Cách mạng Pháp năm 1789. Sự lặp lại nhiều lần của những màu này hỗ trợ hợp âm mạnh mẽ của lá cờ ba màu bay qua các chướng ngại vật.

Bức tranh "Liberty on the Barricades" của Delacroix là một tác phẩm phức tạp, hoành tráng trong phạm vi của nó. Nó kết hợp độ tin cậy của sự kiện trực tiếp nhìn thấy và tính biểu tượng của hình ảnh; chủ nghĩa hiện thực, đạt đến chủ nghĩa tự nhiên tàn bạo, và vẻ đẹp hoàn hảo; thô thiển, khủng khiếp và cao siêu, thuần khiết.

Bức tranh "Liberty on the Barricades" củng cố chiến thắng của chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa Pháp. Trong những năm 30, hai bức tranh lịch sử khác: "Trận chiến của Poitiers" và "Vụ ám sát Giám mục Liege".

Năm 1822, nghệ sĩ đến thăm Bắc Phi, Maroc, Algeria. Chuyến đi đã để lại ấn tượng không thể phai mờ đối với anh. Vào những năm 50, những bức tranh xuất hiện trong tác phẩm của ông, lấy cảm hứng từ những ký ức của cuộc hành trình này: "Cuộc săn sư tử", "Người Ma-rốc cưỡi ngựa" vv Màu sắc tương phản tươi sáng tạo nên âm thanh lãng mạn cho những bức tranh này. Kỹ thuật của một nét vẽ rộng xuất hiện trong họ.

Delacroix, với tư cách là một nhà lãng mạn, đã ghi lại trạng thái tâm hồn của mình không chỉ bằng ngôn ngữ của những hình ảnh đẹp như tranh vẽ, mà còn đóng khung những suy nghĩ của mình theo đúng nghĩa đen. Ông đã mô tả rất tốt quá trình sáng tạo của người nghệ sĩ lãng mạn, những thử nghiệm của ông về màu sắc, những suy ngẫm về mối quan hệ giữa âm nhạc và các loại hình nghệ thuật khác. Nhật ký của ông đã trở thành một bài đọc yêu thích của các nghệ sĩ thế hệ sau.

Trường phái lãng mạn Pháp đã tạo ra những thay đổi đáng kể trong lĩnh vực điêu khắc (Rud và bức phù điêu "Marseillaise"), vẽ phong cảnh (Camille Corot với những hình ảnh không khí nhẹ về thiên nhiên nước Pháp).

Nhờ chủ nghĩa lãng mạn, tầm nhìn chủ quan cá nhân của nghệ sĩ có hình thức quy luật. Chủ nghĩa ấn tượng sẽ phá bỏ hoàn toàn rào cản giữa nghệ sĩ và thiên nhiên, tuyên bố nghệ thuật là ấn tượng. Lãng mạn nói về tưởng tượng của nghệ sĩ, "tiếng nói của cảm xúc", cho phép dừng tác phẩm khi chủ nhân cho là cần thiết, chứ không phải như các tiêu chuẩn học thuật về sự hoàn chỉnh yêu cầu.

Nếu những tưởng tượng của Gericault tập trung vào sự chuyển động của chuyển động, Delacroix - vào sức mạnh kỳ diệu của màu sắc, và người Đức đã thêm vào điều này một "tinh thần hội họa" nhất định, thì người Tây Ban Nha những tác phẩm lãng mạn do Francisco Goya (1746-1828) đại diện cho thấy nguồn gốc văn hóa dân gian của phong cách này, tính cách pha trộn và kỳ cục của nó. Bản thân Goya và tác phẩm của anh ấy nhìn khác xa với bất kỳ khuôn khổ phong cách nào, đặc biệt là vì nghệ sĩ thường phải tuân theo các quy luật về chất liệu thực hiện (ví dụ, khi anh ấy làm tranh cho tấm thảm dệt) hoặc các yêu cầu của khách hàng.

Các phantasmagorias của anh ấy được đưa ra ánh sáng trong loạt phim khắc "Ma Kết" (1797-1799),"Thảm họa chiến tranh" (1810-1820),"Disparantes (" Điên rồ ")(1815-1820), các bức tranh tường trong Nhà của người Điếc và Nhà thờ San Antonio de la Florida ở Madrid (1798). Bệnh hiểm nghèo năm 1792. kéo theo việc nghệ sĩ bị điếc hoàn toàn. Thuật của sư phụ sau khi chịu đựng những tổn thương về thể chất và tinh thần trở nên tập trung hơn, suy nghĩ nhiều hơn, nội tâm năng động hơn. Thế giới bên ngoài, vốn bị đóng cửa do bị điếc, đã kích hoạt đời sống tinh thần bên trong của Goya.

Trong bản khắc "Ma Kết" Goya đạt được sức mạnh đặc biệt trong việc truyền tải các phản ứng tức thời, cảm xúc bốc đồng. Hiệu suất đen trắng, nhờ sự kết hợp táo bạo của các điểm lớn, không có đặc tính tuyến tính của đồ họa, có được tất cả các thuộc tính của một bức tranh.

Bức tranh Nhà thờ Thánh Anthony ở Madrid Goya dường như tạo ra trong một hơi thở. Khí chất của nét vẽ, sự trang nhã trong bố cục, sự biểu cảm của các đặc điểm của nhân vật, mà loại của họ đã được Goya lấy trực tiếp từ đám đông, gây kinh ngạc. Nghệ sĩ mô tả phép màu của Anthony Florida, người đã khiến người đàn ông bị sát hại sống lại và nói được, người đã đặt tên cho kẻ sát nhân và qua đó cứu kẻ bị kết án vô tội khỏi bị hành hình. Sự năng động của đám đông phản ứng rực rỡ được Goya truyền đạt cả trong cử chỉ và sự bắt chước khuôn mặt được miêu tả. Trong sơ đồ bố cục phân bố các bức tranh tường trong không gian của nhà thờ, họa sĩ đi theo Tiepolo, nhưng phản ứng mà anh gợi lên ở người xem không phải kiểu baroque, mà hoàn toàn là lãng mạn, tác động đến cảm xúc của mỗi người xem, thôi thúc anh hướng đến bản thân anh ấy.

Trên hết, mục tiêu này đạt được trong bức tranh Conto del Sordo ("Ngôi nhà của người Điếc"), trong đó Goya sống từ năm 1819. Các bức tường của các căn phòng được bao phủ bởi mười lăm tác phẩm có tính chất tuyệt vời và ngụ ngôn. Nhận thức được chúng cần có sự đồng cảm sâu sắc. Hình ảnh xuất hiện dưới dạng một số hình ảnh về các thành phố, phụ nữ, đàn ông, v.v. Màu sắc, nhấp nháy, kéo ra hình này, rồi hình khác. Toàn bộ bức tranh là những điểm tối, trắng, vàng, đỏ hồng chiếm ưu thế trong đó, làm rối loạn cảm giác trong nháy mắt. Điểm nhấn của bộ truyện "Người bảo lãnh" .

Goya đã dành 4 năm qua ở Pháp. Không chắc rằng cô ấy biết rằng Delacroix chưa bao giờ chia tay Ma Kết của anh ấy. Và ông không thể đoán trước được Hugo và Baudelaire sẽ bị cuốn đi như thế nào bởi những bức tranh khắc này, bức tranh của ông có ảnh hưởng lớn đến Manet sẽ như thế nào, và như thế nào vào những năm 80 của thế kỷ XIX. V. Stasov sẽ mời các nghệ sĩ Nga đến nghiên cứu tác phẩm "Thảm họa chiến tranh" của ông

Nhưng chúng tôi, có tính đến vấn đề này, biết tác động to lớn của tác phẩm nghệ thuật “không theo phong cách” của chủ nghĩa hiện thực táo bạo và lãng mạn đầy cảm hứng này đã có tác động như thế nào đối với văn hóa nghệ thuật của thế kỷ 19 và 20.

Thế giới kỳ diệu của những giấc mơ cũng được hiện thực hóa trong các tác phẩm của nghệ sĩ lãng mạn người Anh William Blake (1757-1827). nước Anh là vùng đất kinh điển của văn học lãng mạn. Byron. Shelley đã trở thành biểu ngữ của phong trào này vượt xa biên giới của “Albion sương mù”. Ở Pháp, trên tạp chí chỉ trích các tác phẩm lãng mạn "trận chiến lãng mạn" được gọi là "Shakespeare." Đặc điểm chính của hội họa Anh luôn là sự quan tâm đến con người, điều này đã cho phép thể loại chân dung phát triển một cách hiệu quả. Chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa có quan hệ rất chặt chẽ với chủ nghĩa tình cảm. Mối quan tâm của chủ nghĩa lãng mạn trong thời Trung cổ đã làm nảy sinh một nền văn học lịch sử lớn. Bậc thầy được công nhận là W. Scott. Trong hội họa, chủ đề về thời Trung cổ xác định sự xuất hiện của cái gọi là Perafaelites.

Ulyam Blake là một kiểu lãng mạn tuyệt vời trong bối cảnh văn hóa Anh. Anh ấy làm thơ, vẽ minh họa cho sách của mình và của người khác. Tài năng của ông đã tìm cách nắm bắt và thể hiện thế giới trong một thể thống nhất toàn diện. Các tác phẩm nổi tiếng nhất của ông được coi là minh họa cho Sách Gióp trong Kinh thánh, Hài kịch thần thánh của Dante, Thiên đường đã mất của Milton. Anh ấy sống trong các sáng tác của mình với những hình tượng anh hùng vĩ đại, tương ứng với môi trường xung quanh họ là một thế giới giác ngộ hoặc ảo ảnh không có thực. Cảm giác tự hào nổi loạn hoặc sự hòa hợp khó tạo ra từ sự bất hòa lấn át các bức tranh minh họa của anh ấy.

Các bản khắc phong cảnh cho Mục vụ của nhà thơ La Mã Virgil có vẻ hơi khác - chúng lãng mạn một cách bình dị hơn so với các tác phẩm trước đó của họ.

Chủ nghĩa lãng mạn của Blake cố gắng tìm ra công thức nghệ thuật và hình thức tồn tại của thế giới.

William Blake, đã sống một cuộc sống cực kỳ nghèo khổ và tối tăm, sau khi qua đời được xếp vào hàng ngũ những tác phẩm kinh điển của nghệ thuật Anh.

Trong tác phẩm của các họa sĩ phong cảnh người Anh đầu thế kỷ 19. những sở thích lãng mạn được kết hợp với cái nhìn khách quan và tỉnh táo hơn về thiên nhiên.

Các cảnh quan lãng mạn trên cao được tạo ra bởi William Turner (1775-1851). Ông thích miêu tả những cơn giông, cơn mưa rào, cơn bão trên biển, những buổi hoàng hôn rực rỡ và rực lửa. Turner thường phóng đại hiệu ứng của ánh sáng và tăng cường âm thanh của màu sắc, ngay cả khi đang vẽ nên trạng thái yên tĩnh của thiên nhiên. Để có hiệu quả cao hơn, anh đã sử dụng kỹ thuật vẽ màu nước và sơn dầu một lớp rất mỏng và sơn trực tiếp lên mặt đất, đạt được độ óng ánh. Một ví dụ sẽ là bức tranh "Mưa, hơi nước và tốc độ"(1844). Nhưng ngay cả nhà phê bình nổi tiếng thời bấy giờ Thackeray cũng không thể hiểu một cách chính xác, có lẽ, bức tranh sáng tạo nhất cả về thiết kế và thực hiện. Ông viết: “Mưa được biểu thị bằng những đốm bột trét bẩn thỉu,“ rắc lên tấm vải bằng một con dao bảng màu, ánh sáng mặt trời lấp lánh mờ ảo từ dưới những cục crôm vàng bẩn rất dày. Bóng được truyền tải bằng sắc thái lạnh của màu đỏ thẫm và những đốm chu sa bị tắt tiếng. Và mặc dù ngọn lửa trong lò đầu máy có màu đỏ, tôi không cho rằng nó không được sơn bằng màu caban hay màu hạt đậu ”. Một nhà phê bình khác nhận thấy cách phối màu của Turner là “trứng bác và rau bina”. Màu sắc của Turner quá cố nhìn chung dường như hoàn toàn không thể tưởng tượng được và tuyệt vời đối với những người đương thời. Phải mất hơn một thế kỷ mới có thể thấy được hạt sạn của những quan sát thực sự trong đó. Nhưng như trong những trường hợp khác, nó cũng ở đây. Một câu chuyện thú vị về một nhân chứng, hay đúng hơn là một nhân chứng về sự ra đời của "Mưa, Hơi nước và Tốc độ", đã được lưu lại. Một bà Simone nọ cưỡi trong khoang của Western Express với một quý ông lớn tuổi đối diện với bà. Anh xin phép mở cửa sổ, ló đầu ra ngoài trời mưa tầm tã và ở tư thế này rất lâu. Cuối cùng khi anh ta đóng cửa sổ. Nước chảy thành suối từ anh, nhưng anh hạnh phúc nhắm mắt và ngả người ra sau, rõ ràng tận hưởng những gì anh vừa nhìn thấy. Một phụ nữ trẻ ham học hỏi đã quyết định tự mình trải nghiệm cảm giác của anh ấy - cô ấy cũng ló đầu ra ngoài cửa sổ. Cô ấy cũng bị ướt. Nhưng tôi đã có một ấn tượng khó quên. Hãy tưởng tượng sự ngạc nhiên của cô ấy khi một năm sau, tại một cuộc triển lãm ở London, cô ấy nhìn thấy “Mưa, Hơi nước và Tốc độ”. Một người nào đó đứng sau cô ấy đã phê bình nhận xét: “Cực kỳ điển hình của Turner, đúng. Không ai từng thấy một sự pha trộn vô lý như vậy ”. Và cô ấy, không thể cưỡng lại, nói: "Tôi đã thấy."

Có lẽ đây là bức vẽ đầu tiên về đoàn tàu trong tranh. quan điểm được thực hiện từ một nơi nào đó ở trên, cho phép có một phạm vi toàn cảnh rộng. Western Express di chuyển qua cầu với tốc độ hoàn toàn đặc biệt vào thời điểm đó (vượt quá 150 km một giờ). Ngoài ra, đây có lẽ là nỗ lực đầu tiên trong việc khắc họa ánh sáng qua mưa.

Nghệ thuật Anh giữa thế kỷ 19. được phát triển theo một hướng hoàn toàn khác so với bức tranh của Turner. Mặc dù kỹ năng của anh ta đã được công nhận chung, không một thanh niên nào theo anh ta.

Turner từ lâu đã được coi là tiền thân của trường phái Ấn tượng. Có vẻ như công cuộc tìm kiếm màu sắc từ ánh sáng của ông đã được các nghệ sĩ người Pháp phát triển hơn nữa. Nhưng điều này hoàn toàn không phải như vậy. Trên thực tế, ý kiến ​​về ảnh hưởng của Turner đối với những người theo trường phái ấn tượng bắt nguồn từ cuốn sách Từ Delacroix đến Tân ấn tượng của Paul Signac, xuất bản năm 1899, nơi ông mô tả “vào năm 1871, trong thời gian dài ở London, Claude Manet và Camille Pissaro đã khám phá ra Turner. Họ ngạc nhiên trước phẩm chất tự tin và kỳ diệu của màu sắc của anh ấy, họ nghiên cứu công việc của anh ấy, phân tích kỹ thuật của anh ấy. Lúc đầu, họ ngạc nhiên trước cách vẽ tuyết và băng của anh, bị sốc bởi cách anh truyền tải cảm giác về độ trắng của tuyết, điều mà chính họ không quản lý, với sự trợ giúp của những đốm lớn màu trắng bạc, phẳng. được đặt với các nét vẽ rộng. Họ thấy rằng ấn tượng này không đạt được chỉ với sự minh oan. Và một khối các nét vẽ nhiều màu. Gây ra cái này bên cạnh cái kia, tạo ra ấn tượng này, nếu bạn nhìn họ từ xa. "

Trong những năm này, Signac đã tìm kiếm khắp mọi nơi để xác nhận lý thuyết của ông về thuyết mũi tên. Nhưng không có bức tranh nào của Turner mà các nghệ sĩ Pháp có thể nhìn thấy trong Phòng trưng bày Quốc gia năm 1871 có kỹ thuật pointillism được Signac mô tả, cũng như không có “những đốm trắng rộng”. Thực tế, ảnh hưởng của Turner đối với người Pháp không mạnh hơn vào năm 1870 - e, và vào những năm 1890.

Paul Signac đã nghiên cứu Turner một cách cẩn thận nhất - không chỉ với tư cách là tiền thân của Chủ nghĩa Ấn tượng, về chủ nghĩa mà ông đã viết trong cuốn sách của mình, mà còn với tư cách là một nghệ sĩ sáng tạo vĩ đại. Signac đã viết cho người bạn Angran của mình về những bức tranh cuối cùng của Turner Rain, Steam and Speed, The Exile, Morning and Evening of the Flood: cảm giác tuyệt vời của từ này ”.

Sự thẩm định nhiệt tình của Signac đã đặt nền tảng cho sự hiểu biết hiện đại về nhiệm vụ tượng hình của Turner. Nhưng trong những năm gần đây, đôi khi họ không tính đến nội dung ẩn ý và sự phức tạp của các hướng tìm kiếm của ông, chọn lọc một cách đơn phương các ví dụ từ "những bức tranh nền tảng" thực sự chưa hoàn thiện của Turner, họ cố gắng khám phá ra tiền thân của trường phái ấn tượng ở ông. .

Đối với tất cả các nghệ sĩ mới nhất, một sự so sánh tự nhiên gợi ra chính nó với Monet, người mà chính ông đã nhận ra ảnh hưởng của Turner đối với anh ta. Thậm chí có một cốt truyện hoàn toàn giống nhau cho cả hai - đó là cổng phía tây của Nhà thờ Rouen. Nhưng nếu Monet đưa cho chúng ta một bản phác thảo về ánh sáng mặt trời của một tòa nhà, thì ông ấy không cho chúng ta kiểu Gothic, mà là một loại mô hình trần trụi nào đó, ở Turner, bạn hiểu tại sao người nghệ sĩ, hoàn toàn hòa mình vào thiên nhiên, lại bị chủ đề này cuốn đi - trong hình ảnh đó chính là sự kết hợp giữa sự hùng vĩ bao trùm của tổng thể và cái vô hạn là điểm nhấn nổi bật. một loạt các chi tiết, đưa sự sáng tạo của nghệ thuật Gothic đến gần hơn với các tác phẩm của tự nhiên.

Tính cách đặc biệt của văn hóa Anh và nghệ thuật lãng mạn đã mở ra khả năng xuất hiện của nghệ sĩ không khí đầu tiên, người đặt nền móng cho việc miêu tả ánh sáng và không khí của thiên nhiên vào thế kỷ 19, John Constable (1776-1837). Người Anh Constable chọn phong cảnh làm thể loại chính trong bức tranh của mình: “Thế giới thật tuyệt vời; không có hai ngày giống nhau hoặc thậm chí hai giờ giống nhau; từ việc tạo ra thế giới trên một cái cây, không có hai chiếc lá giống nhau, và tất cả các tác phẩm nghệ thuật đích thực, giống như những tác phẩm của tự nhiên, đều khác nhau, ”ông nói.

Vị cảnh sát này đã vẽ những bức phác thảo lớn bằng dầu trên không với sự quan sát tinh tế về các trạng thái khác nhau của tự nhiên, trong đó ông có thể truyền tải sự phức tạp của cuộc sống bên trong thiên nhiên và cuộc sống hàng ngày của nó. ("Quang cảnh Highgate từ Hempstead Hills", VÂNG. Năm 1834; "Xe đẩy hàng", Năm 1821; "Thung lũng Dethem", khoảng năm 1828). Hoàn thành điều này với sự trợ giúp của kỹ thuật viết. Ông vẽ bằng những nét vẽ chuyển động, đôi khi dày và thô, đôi khi mượt mà và trong suốt hơn. Những người theo trường phái ấn tượng sẽ chỉ đến đây vào cuối thế kỷ này. Bức tranh sáng tạo của Constable đã ảnh hưởng đến các tác phẩm của Delacroix, cũng như toàn bộ sự phát triển của phong cảnh Pháp.

Nghệ thuật của Constable, cũng như nhiều khía cạnh trong tác phẩm của Gericault, đánh dấu sự xuất hiện của xu hướng hiện thực trong nghệ thuật châu Âu thế kỷ 19, ban đầu phát triển song song với chủ nghĩa lãng mạn. Sau đó, họ chia tay nhau.

Lãng mạn mở ra thế giới tâm hồn con người, cá nhân, không giống ai khác, nhưng chân thành và do đó gần gũi với mọi tầm nhìn gợi cảm về thế giới. Tính tức thời của hình ảnh trong tranh, như Jelacroix đã nói, và không phải tính nhất quán của nó trong trình diễn văn học, đã xác định sự tập trung của các nghệ sĩ vào sự chuyển động phức tạp nhất, vì lợi ích của nó là các giải pháp hình thức và màu sắc mới được tìm ra. Chủ nghĩa lãng mạn đã để lại một di sản cho đến nửa sau của thế kỷ 19. tất cả những vấn đề này và tính cá nhân nghệ thuật, được giải phóng khỏi các quy tắc của học thuật. Biểu tượng mà các tác phẩm lãng mạn có được để thể hiện sự kết hợp thiết yếu giữa ý tưởng và cuộc sống, trong nghệ thuật của nửa sau thế kỷ 19. hòa tan trong sự đa âm của hình tượng nghệ thuật, thu hút sự đa dạng của ý tưởng và thế giới xung quanh.

b) Âm nhạc

Ý tưởng về sự tổng hợp các nghệ thuật được tìm thấy biểu hiện trong hệ tư tưởng và thực tiễn của chủ nghĩa lãng mạn. Chủ nghĩa lãng mạn trong âm nhạc hình thành vào những năm 20 của thế kỷ 19 dưới ảnh hưởng của văn học chủ nghĩa lãng mạn và phát triển trong mối liên hệ chặt chẽ với nó, với văn học nói chung (sự hấp dẫn đối với các thể loại tổng hợp, chủ yếu là opera, bài hát, nhạc cụ thu nhỏ và chương trình âm nhạc ). Sự hấp dẫn đối với thế giới nội tâm của một người, đặc trưng của chủ nghĩa lãng mạn, được thể hiện ở sự sùng bái chủ quan, cảm xúc khao khát mãnh liệt, thứ quyết định vị trí chủ đạo của âm nhạc và ca từ trong chủ nghĩa lãng mạn.

Âm nhạc của nửa đầu thế kỷ 19 phát triển nhanh chóng. Một ngôn ngữ âm nhạc mới đã xuất hiện; trong nhạc khí và thính phòng, tiểu cảnh có một vị trí đặc biệt; dàn nhạc âm thanh với nhiều màu sắc đa dạng; khả năng của piano và violin đã được tiết lộ theo một cách mới; âm nhạc của lãng mạn rất điêu luyện.

Chủ nghĩa lãng mạn âm nhạc thể hiện ở nhiều nhánh khác nhau gắn liền với các nền văn hóa dân tộc khác nhau và với các phong trào xã hội khác nhau. Vì vậy, ví dụ, phong cách trữ tình, gần gũi của truyện lãng mạn Đức và đặc điểm dân tộc "oratorical" trong tác phẩm của các nhà soạn nhạc Pháp có sự khác biệt đáng kể. Lần lượt, đại diện của các trường quốc gia mới xuất hiện trên cơ sở phong trào giải phóng dân tộc rộng rãi (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), cũng như đại diện của trường opera Ý, có liên hệ chặt chẽ với phong trào Risorgimento (Verdi, Bellini), về nhiều mặt, khác với những người đương thời ở Đức, Áo hay Pháp, đặc biệt là xu hướng bảo tồn các truyền thống cổ điển.

Và tuy nhiên, tất cả chúng đều được đánh dấu bằng một số nguyên tắc nghệ thuật chung cho phép chúng ta nói về một cấu trúc tư tưởng lãng mạn duy nhất.

Do khả năng đặc biệt của âm nhạc trong việc bộc lộ sâu sắc và xuyên suốt thế giới trải nghiệm phong phú của con người, mỹ học lãng mạn đã đặt nó lên vị trí hàng đầu trong số các nghệ thuật khác. Nhiều tác phẩm lãng mạn đã nhấn mạnh sự khởi đầu trực quan của âm nhạc, cho rằng nó có khả năng thể hiện những điều “không thể biết được”. Các tác phẩm của các nhà soạn nhạc lãng mạn xuất sắc đã có một nền tảng hiện thực vững chắc. Mối quan tâm đến cuộc sống của những người bình thường, cuộc sống viên mãn và sự chân thật của cảm xúc, sự tin tưởng vào âm nhạc của cuộc sống hàng ngày đã xác định tính hiện thực của sự sáng tạo của những đại diện tốt nhất của chủ nghĩa lãng mạn âm nhạc. Các khuynh hướng phản động (chủ nghĩa thần bí, trốn tránh thực tế) vốn chỉ có trong một số lượng tương đối nhỏ các tác phẩm thuộc thể loại lãng mạn. Họ thể hiện mình một phần trong vở opera "Euryant" (1823) của Weber, trong một số vở nhạc kịch của Wagner, vở oratorio "Christ" của Liszt (1862), và những vở khác.

Vào đầu thế kỷ 19, các nghiên cứu cơ bản về văn hóa dân gian, lịch sử, văn học cổ đại đã xuất hiện, truyền thuyết thời trung cổ, nghệ thuật Gothic và văn hóa thời Phục hưng đang được hồi sinh. Đó là vào thời điểm này, nhiều trường quốc gia thuộc loại đặc biệt đã được hình thành trong công việc sáng tác của châu Âu, với mục đích mở rộng đáng kể ranh giới của nền văn hóa chung châu Âu. Tiếng Nga, nếu không muốn nói là đầu tiên, thì đã sớm chiếm vị trí đầu tiên trong sáng tạo văn hóa thế giới (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), Ba Lan (Chopin, Moniuszko), Séc (Smetana, Dvorak), Hungary (Liszt ), sau đó là tiếng Na Uy (Grieg), tiếng Tây Ban Nha (Pedrell), tiếng Phần Lan (Sibelius), tiếng Anh (Elgar) - tất cả đều hòa vào kênh sáng tạo chung của các nhà soạn nhạc châu Âu, không hề trái ngược với những truyền thống cổ xưa đã được thiết lập. Một vòng tròn hình ảnh mới xuất hiện, thể hiện những nét dân tộc độc đáo của nền văn hóa dân tộc mà người sáng tác thuộc về. Cấu trúc ngữ điệu của tác phẩm cho phép bạn nhận ra ngay bằng tai là thuộc về một trường quốc gia cụ thể.

Các nhà soạn nhạc liên quan đến việc chuyển ngữ điệu của văn học dân gian cổ, chủ yếu là nông dân của đất nước họ thành ngôn ngữ âm nhạc chung của châu Âu. Đúng như vậy, họ đã làm sạch bài hát opera sơn mài dân gian của Nga, họ đưa các bài hát thuộc các thể loại dân gian vào hệ thống ngữ điệu quốc tế của thế kỷ 18. Hiện tượng nổi bật nhất trong âm nhạc của chủ nghĩa lãng mạn, đặc biệt được nhận thấy rõ ràng khi so sánh với lĩnh vực tượng hình của chủ nghĩa cổ điển, là sự thống trị của nguyên tắc trữ tình và tâm lý. Tất nhiên, một đặc điểm nổi bật của nghệ thuật âm nhạc nói chung là sự khúc xạ của bất kỳ hiện tượng nào qua phạm vi cảm giác. Âm nhạc của mọi thời đại đều tuân theo khuôn mẫu này. Nhưng thể loại lãng mạn vượt trội hơn tất cả những người đi trước về ý nghĩa của nguyên tắc trữ tình trong âm nhạc của họ, ở sức mạnh và sự hoàn hảo trong việc truyền tải chiều sâu của thế giới nội tâm của một người, những sắc thái tâm trạng tinh tế nhất.

Chủ đề tình yêu chiếm một vị trí chủ đạo trong đó, vì chính trạng thái tâm hồn này phản ánh toàn diện và đầy đủ nhất mọi chiều sâu và sắc thái của tâm hồn con người. Nhưng có một đặc điểm cao là chủ đề này không chỉ giới hạn trong các động cơ của tình yêu theo nghĩa đen của từ này, mà được xác định với phạm vi hiện tượng rộng nhất. Những trải nghiệm thuần túy trữ tình của các anh hùng được tiết lộ trên nền của một bức tranh toàn cảnh lịch sử rộng lớn. Tình yêu của một người đối với quê hương, đất nước, đồng bào - một sợi dây liên tục xuyên suốt tác phẩm của tất cả các nhà soạn nhạc - lãng mạn.

Một vị trí khổng lồ được thể hiện trong các tác phẩm âm nhạc lớn nhỏ với hình ảnh thiên nhiên, đan xen chặt chẽ và gắn bó với chủ đề trữ tình tâm tình. Giống như những hình ảnh về tình yêu, hình ảnh thiên nhiên nhân cách hóa tâm trạng của người anh hùng, nên thường được tô màu bằng cảm giác không hòa hợp với thực tại.

Chủ đề tưởng tượng thường cạnh tranh với hình ảnh thiên nhiên, có lẽ được tạo ra bởi mong muốn thoát khỏi sự giam cầm của cuộc sống thực. Điển hình cho thể loại lãng mạn là tìm kiếm một thế giới tuyệt vời, lấp lánh với sự phong phú của màu sắc, đối lập với cuộc sống thường ngày xám xịt. Chính trong những năm này, văn học đã được phong phú hóa với những câu chuyện cổ tích, những bản ballad của các nhà văn Nga. Đối với các nhà soạn nhạc theo trường phái lãng mạn, những hình ảnh tuyệt vời, tuyệt vời mang một màu sắc dân tộc độc đáo. Các bản ballad được lấy cảm hứng từ các nhà văn Nga, và nhờ đó, các tác phẩm của một kế hoạch kỳ cục tuyệt vời được tạo ra, tượng trưng cho mặt sâu thẳm của đức tin, tìm cách phá vỡ ý tưởng về nỗi sợ hãi trước thế lực của cái ác.

Nhiều nhà soạn nhạc lãng mạn cũng xuất hiện với tư cách là nhà văn và nhà phê bình âm nhạc (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, v.v.). Công trình lý luận của các đại diện của chủ nghĩa lãng mạn tiến bộ đã đóng góp rất quan trọng vào việc phát triển những vấn đề quan trọng nhất của nghệ thuật âm nhạc. Chủ nghĩa lãng mạn được thể hiện trong nghệ thuật biểu diễn (nghệ sĩ vĩ cầm Paganini, ca sĩ A. Nurri, v.v.).

Ý nghĩa tiến bộ của Chủ nghĩa lãng mạn trong thời kỳ này chủ yếu nằm ở các hoạt động Franz Liszt... Sự sáng tạo của Liszt, mặc dù có thế giới quan trái ngược nhau, nhưng về cơ bản là rất tiến bộ, thực tế. Một trong những người sáng lập và kinh điển của âm nhạc Hungary, một nghệ sĩ quốc gia xuất sắc.

Trong nhiều tác phẩm của Liszt, chủ đề quốc gia Hungary được phản ánh rộng rãi. Các sáng tác lãng mạn, điêu luyện của Liszt đã mở rộng khả năng biểu đạt và kỹ thuật của việc chơi piano (hòa nhạc, sonata). Mối quan hệ của Liszt với các đại diện của âm nhạc Nga là rất quan trọng, những tác phẩm mà ông tích cực quảng bá.

Đồng thời Liszt đóng một vai trò quan trọng trong sự phát triển của nghệ thuật âm nhạc thế giới. Sau khi Liszt “mọi thứ đều trở nên khả thi với cây đàn piano”. Nét đặc trưng trong âm nhạc của anh là ngẫu hứng, lãng mạn bay bổng cảm xúc, giai điệu giàu sức biểu cảm. Liszt được đánh giá cao như một nhà soạn nhạc, nghệ sĩ biểu diễn, nhân vật âm nhạc. Tác phẩm chính của nhà soạn nhạc: opera “ Don Sancho hay lâu đài tình yêu"(1825), 13 bài thơ giao hưởng" Tasso ”, ” Prometheus ”, “Ấp”Và những tác phẩm khác, hoạt động cho dàn nhạc, 2 bản hòa tấu cho piano và dàn nhạc, 75 bản lãng mạn, dàn hợp xướng và các tác phẩm không kém phần nổi tiếng khác.

Một trong những biểu hiện đầu tiên của chủ nghĩa lãng mạn trong âm nhạc là sự sáng tạo Franz Schubert(1797-1828). Schubert đã đi vào lịch sử âm nhạc với tư cách là người vĩ đại nhất trong số những người sáng lập ra chủ nghĩa lãng mạn âm nhạc và là người sáng tạo ra một số thể loại mới: giao hưởng lãng mạn, piano thu nhỏ, ca khúc trữ tình - lãng mạn (lãng mạn). Điều quan trọng nhất trong công việc của anh ấy là bài hát, trong đó ông đặc biệt thể hiện nhiều khuynh hướng đổi mới. Trong các bài hát của Schubert, thế giới nội tâm của một con người được bộc lộ sâu sắc nhất, mối liên hệ với âm nhạc dân gian - đời thường là điều dễ nhận thấy nhất đối với anh, một trong những đặc điểm quan trọng nhất về tài năng của anh được thể hiện rõ ràng nhất - sự đa dạng, vẻ đẹp đáng kinh ngạc. , sự quyến rũ của các giai điệu. Những bài hát hay nhất của thời kỳ đầu bao gồm “ Margarita tại bánh xe quay ”(1814) , “Vua rừng”. Cả hai bài hát đều được viết lời bởi Goethe. Trong phần đầu tiên của họ, cô gái bị bỏ rơi nhớ về người mình yêu. Cô đơn và nỗi đau sâu sắc, bài hát của cô buồn. Giai điệu đơn giản và có hồn chỉ được vang lên bởi tiếng vo ve đơn điệu của làn gió. “The Forest King” là một tác phẩm phức tạp. Đây không phải là một bài hát, mà là một cảnh kịch tính, nơi ba nhân vật xuất hiện trước mắt chúng ta: một người cha phi ngựa trong rừng, một đứa trẻ ốm yếu mà anh ta đang mang theo mình, và một vị vua rừng ghê gớm xuất hiện với một cậu bé trong sốt mê sảng. Mỗi người trong số họ được ưu đãi với ngôn ngữ du dương của riêng mình. Không kém phần nổi tiếng và được yêu thích là các ca khúc "Trout", "Barcarolla", "Morning Serenade" của Schubert. Được viết vào những năm sau đó, những bài hát này nổi bật bởi giai điệu đơn giản và biểu cảm đến bất ngờ, màu sắc tươi mới.

Schubert cũng đã viết hai chu kỳ của bài hát - “ Cối xay đáng yêu"(1823) và" Con đường mùa đông”(1872) - theo lời của nhà thơ Đức Wilhelm Müller. Trong mỗi người trong số họ, các bài hát được thống nhất bởi một cốt truyện. Các bài hát của chu kỳ "The Beautiful Miller" kể về một cậu bé. Men theo dòng suối, anh lên đường tìm kiếm hạnh phúc cho mình. Hầu hết các bài hát trong chu kỳ này đều có tính chất nhẹ nhàng. Tâm trạng của Chu "Con đường mùa đông" hoàn toàn khác. Chàng trai nghèo bị nàng dâu giàu có từ chối. Trong tuyệt vọng, anh rời quê hương và đi lang thang trên thế giới. Bạn đồng hành của anh ta là gió, bão tuyết, quạ kêu đáng sợ.

Một vài ví dụ được đưa ra ở đây cho phép chúng ta nói về những nét đặc biệt trong sáng tác của Schubert.

Schubert rất thích viết lách nhạc cho piano... Đối với nhạc cụ này, ông đã viết một số lượng lớn các tác phẩm. Giống như các bài hát, các tác phẩm piano của anh ấy gần gũi với âm nhạc hàng ngày và rất đơn giản và dễ hiểu. Các thể loại sáng tác yêu thích của ông là khiêu vũ, diễu hành, và trong những năm cuối đời - ngẫu hứng.

Waltzes và các điệu nhảy khác thường xuất hiện cùng Schubert trong các buổi dạ hội, trong các cuộc đi dạo ở vùng nông thôn. Ở đó, anh ấy đã ứng biến chúng và ghi lại chúng ở nhà.

Nếu bạn so sánh các bản nhạc piano của Schubert với các bài hát của ông ấy, bạn có thể tìm thấy nhiều điểm tương đồng. Trước hết, đó là một sự biểu cảm du dương tuyệt vời, sự duyên dáng, sự ghép nối đầy màu sắc của chính và phụ.

Một trong những lớn nhất người Pháp các nhà soạn nhạc của nửa sau thế kỷ 19 là Georges Bizet, người tạo ra một sáng tạo bất tử cho sân khấu âm nhạc - opera “Carmen"Và âm nhạc tuyệt vời cho bộ phim của Alphonse Daudet" Arlesian ”.

Tác phẩm của Bizet được đặc trưng bởi sự chính xác và rõ ràng của tư tưởng, tính mới và mới mẻ của các phương tiện biểu đạt, sự hoàn chỉnh và duyên dáng của hình thức. Đặc trưng của Bizet là sự nhạy bén trong phân tích tâm lý trong việc thấu hiểu tình cảm và hành động của con người, đặc trưng trong tác phẩm của những người đồng hương vĩ đại của nhà soạn nhạc - các nhà văn Balzac, Flaubert, Maupassant. Vị trí trung tâm trong tác phẩm của Bizet, đa dạng về thể loại, thuộc về opera. Nghệ thuật opera của nhà soạn nhạc nảy sinh trên đất nước và được nuôi dưỡng bằng truyền thống của nhà hát opera Pháp. Bizet tin rằng nhiệm vụ đầu tiên trong tác phẩm của ông là khắc phục những hạn chế về thể loại tồn tại trong opera Pháp đang cản trở sự phát triển của nó. Với anh, opera “Bolshoi” dường như là một thể loại đã chết, trữ tình - gây khó chịu với sự đẫm nước mắt và lòng dạ hẹp hòi của nó, truyện tranh đáng được chú ý hơn những tác phẩm khác. Lần đầu tiên trong vở opera của Bizet, những cảnh đời thường và đám đông thú vị và sống động xuất hiện trong vở opera, dự đoán cuộc sống và những cảnh sống động.

Nhạc của Bizet cho bộ phim của Alphonse Daudet “Arlesian”Được biết đến chủ yếu với hai dãy phòng hòa nhạc, bao gồm những số tốt nhất của cô ấy. Bizet đã sử dụng một số giai điệu Provencal đích thực : "March of the Three Kings" và "Dance of Frisky Horses".

Opera Bizet " Carmen”Là một bộ phim ca nhạc mở ra trước mắt người xem bằng sự chân thực đầy thuyết phục và bằng nghệ thuật ngoạn mục câu chuyện về tình yêu và cái chết của những người anh hùng: người lính Jose và người gypsy Carmen. Opera Carmen được tạo ra trên cơ sở truyền thống của sân khấu nhạc kịch Pháp, nhưng đồng thời nó cũng mang đến rất nhiều điều mới mẻ. Dựa trên những thành tựu xuất sắc nhất của opera quốc gia và cải biên những yếu tố quan trọng nhất của nó, Bizet đã tạo ra một thể loại mới - ca nhạc kịch hiện thực.

Trong lịch sử nhà hát opera của thế kỷ 19, vở opera "Carmen" chiếm một trong những vị trí đầu tiên. Kể từ năm 1876, lễ rước khải hoàn của bà bắt đầu trên sân khấu của các nhà hát opera ở Vienna, Brussels, London.

Biểu hiện của mối quan hệ cá nhân với môi trường đã được thể hiện ở các nhà thơ và nhạc sĩ chủ yếu ở tính tự phát, cảm xúc "cởi mở" và niềm đam mê của lời tuyên bố, trong mong muốn thuyết phục người nghe với sự trợ giúp của cường độ không ngừng của giọng điệu bộc bạch hoặc lời thú tội.

Những xu hướng nghệ thuật mới này có ảnh hưởng quyết định đến sự xuất hiện của opera trữ tình... Nó nổi lên như một phản đề của opera “lớn” và truyện tranh, nhưng nó không thể bỏ qua những cuộc chinh phục và thành tựu của họ trong lĩnh vực kịch opera và các phương tiện biểu đạt âm nhạc.

Một tính năng đặc biệt của thể loại opera mới là giải thích trữ tình cho bất kỳ cốt truyện văn học nào - về chủ đề lịch sử, triết học hoặc đương đại. Các anh hùng của opera trữ tình được ban tặng cho những nét đặc trưng của những người bình thường, không có tính độc quyền và một số đặc điểm cường điệu của opera lãng mạn. Nghệ sĩ quan trọng nhất trong lĩnh vực opera trữ tình là Charles Gounod.

Trong số khá nhiều di sản opera của Gounod, vở opera “ Faust " chiếm một vị trí đặc biệt và, người ta có thể nói, đặc biệt. Sự nổi tiếng và được yêu thích trên toàn thế giới của cô không thể sánh được với bất kỳ vở opera nào khác của Gounod. Ý nghĩa lịch sử của vở opera Faust đặc biệt to lớn vì nó không chỉ là vở hay nhất mà còn là vở đầu tiên trong số các vở opera theo hướng mới, về điều Tchaikovsky đã viết: “Không thể phủ nhận rằng Faust đã được viết, nếu không muốn nói là xuất sắc, sau đó với kỹ năng phi thường và không có danh tính đáng kể. " Hình ảnh của Faust làm dịu đi sự mâu thuẫn gay gắt và “tính hai mặt” trong ý thức của anh ta, sự bất mãn vĩnh viễn gây ra bởi mong muốn nhận thức thế giới. Gounod đã không thể truyền tải hết sự linh hoạt và phức tạp của hình ảnh Mephistopheles của Goethe, người thể hiện tinh thần chỉ trích chiến binh của thời đại đó.

Một trong những lý do chính cho sự nổi tiếng của "Faust" là nó tập trung những đặc điểm mới nhất và cơ bản nhất của thể loại opera trữ tình trẻ: một sự truyền tải trực tiếp và sống động về thế giới nội tâm của các anh hùng trong opera. Ý nghĩa triết học sâu sắc của "Faust" của Goethe, người tìm cách tiết lộ số phận lịch sử và xã hội của toàn nhân loại trên ví dụ về cuộc xung đột của các nhân vật chính, đã được Gounod thể hiện dưới dạng một vở kịch trữ tình nhân đạo của Marguerite và Faust .

Nhà soạn nhạc, nhạc trưởng, nhà phê bình âm nhạc người Pháp Hector Berliozđi vào lịch sử âm nhạc với tư cách là một nhà soạn nhạc lãng mạn lớn, người tạo ra bản giao hưởng chương trình, một nhà đổi mới trong lĩnh vực hình thức âm nhạc, hòa âm và đặc biệt là nhạc cụ. Trong tác phẩm của ông, họ tìm thấy một hiện thân sống động của các đặc điểm của chủ nghĩa anh hùng và bệnh hoạn cách mạng. Berlioz quen M. Glinka, người mà ông đánh giá cao âm nhạc. Ông có quan hệ thân thiện với các nhà lãnh đạo của "Mighty Handful", những người nhiệt tình chấp nhận các công việc và nguyên tắc sáng tạo của ông.

Anh ấy đã tạo ra 5 tác phẩm sân khấu âm nhạc, bao gồm cả vở opera “ Benvenuto Cillini ”(1838), “ Trojan ”,”Beatrice và Benedict”(Dựa trên bộ phim hài“ Many Ado About Nothing ”của Shakespeare, 1862); 23 tác phẩm thanh nhạc và giao hưởng, 31 tác phẩm lãng mạn, hợp xướng, ông đã viết các cuốn sách “Chuyên luận lớn về nhạc cụ và dàn nhạc hiện đại” (1844), “Buổi tối trong dàn nhạc” (1853), “Qua các bài hát” (1862), “Sự tò mò về âm nhạc ”(1859),“ Hồi ức ”(1870), các bài báo, bài phê bình.

tiếng Đức nhà soạn nhạc, nhạc trưởng, nhà viết kịch, công chúng Richard Wagnerđã đi vào lịch sử văn hóa âm nhạc thế giới với tư cách là một trong những nhà sáng tạo âm nhạc vĩ đại nhất và nhà cải cách lớn của nghệ thuật opera. Mục tiêu cải cách của ông là tạo ra một tác phẩm giao hưởng và thanh nhạc có chương trình hoành tráng dưới hình thức kịch tính, được thiết kế để thay thế tất cả các loại nhạc opera và nhạc giao hưởng. Một tác phẩm như vậy là một vở kịch âm nhạc, trong đó âm nhạc chảy trong một dòng liên tục, kết hợp tất cả các liên kết kịch lại với nhau. Sau khi bỏ phần hát đã kết thúc, Wagner thay thế chúng bằng một thể loại ngâm thơ giàu cảm xúc. Một vị trí quan trọng trong các vở opera của Wagner được chiếm giữ bởi các tập dàn nhạc độc lập, là những đóng góp quý giá cho nền âm nhạc giao hưởng thế giới.

Tay Wagner sở hữu 13 vở opera: “ Người Hà Lan bay "(1843)," Tannhäuser "(1845)," Tristan và Isolde "(1865)," Gold of the Rhine "(1869) và vân vân.; hợp xướng, bản nhạc piano, lãng mạn.

Một nhà soạn nhạc, nhạc trưởng, nghệ sĩ dương cầm, giáo viên, nhân vật âm nhạc nổi tiếng người Đức khác là Felix Mendelssohn-Bartholdy... Năm 9 tuổi, anh ấy bắt đầu biểu diễn với tư cách là một nghệ sĩ piano, ở tuổi 17 anh ấy đã tạo ra một trong những kiệt tác - vở kịch hài “ NS anh ấy đang ở trong một đêm mùa hè " Shakespeare. Năm 1843, ông thành lập nhạc viện đầu tiên ở Đức tại Leipzig. Trong tác phẩm của Mendelssohn, "một tác phẩm kinh điển giữa những tác phẩm lãng mạn", những nét lãng mạn được kết hợp với cấu trúc cổ điển của tư duy. Âm nhạc của ông được đặc trưng bởi giai điệu tươi sáng, chủ nghĩa dân chủ trong cách diễn đạt, tiết chế cảm xúc, trầm tĩnh trong suy nghĩ, ưu thế của cảm xúc tươi sáng, tâm trạng trữ tình, không thiếu một chút tình cảm, hình thức hoàn hảo, và kỹ năng tuyệt vời. R. Schumann gọi nó là “Mozart của thế kỷ 19”, G. Heine - “một phép màu âm nhạc”.

Tác giả của các bản giao hưởng lãng mạn phong cảnh ("Scotland", "Ý"), chương trình hòa nhạc đảo ngược, bản concerto cho violin nổi tiếng, các chu kỳ của các bản nhạc cho piano "Song without Words"; opera "Camacho's Wedding." Ông viết nhạc cho buổi biểu diễn kịch "Antigone" (1841), "Oedipus at Colon" (1845) của Sophocles, "Atalia" của Racine (1845), "A Midsummer Night's Dream" của Shakespeare (1843) ) và những người khác; oratorios "Paul" (1836), "Elijah" (1846); 2 concertos cho piano và 2 cho violin.

V người Ý Văn hóa âm nhạc có một vị trí đặc biệt thuộc về Giuseppe Verdi - một nhà soạn nhạc, nhạc trưởng, nghệ sĩ organ xuất chúng. Lĩnh vực chính trong công việc của Verdi là opera. Được thể hiện chủ yếu như một sự thể hiện tình cảm anh hùng-yêu nước và những tư tưởng giải phóng dân tộc của nhân dân Ý. Trong những năm tiếp theo, ông chú ý đến những xung đột gay gắt do bất bình đẳng xã hội, bạo lực, áp bức, tố cáo cái ác trong các vở opera của ông. Các tính năng đặc trưng trong tác phẩm của Verdi: tính dân tộc của âm nhạc, tính khí kịch tính, độ sáng của giai điệu, hiểu biết về quy luật của sân khấu.

Anh ấy đã viết 26 vở opera: “ Nabucco "," Macbeth "," Troubadour "," La Traviata "," Othello "," Aida" và vân vân . , 20 mối tình lãng mạn, hòa tấu thanh nhạc .

Trẻ tuổi Nauy nhà soạn nhạc Edvard Grieg (1843-1907) nỗ lực phát triển âm nhạc dân tộc. Điều này không chỉ được thể hiện trong công việc của ông, mà còn trong việc quảng bá âm nhạc Na Uy.

Trong những năm ở Copenhagen, Grieg đã viết rất nhiều nhạc: “ Hình ảnh thơ " và "Humoresques" sonata cho piano và sonata cho violin đầu tiên, các bài hát. Với mỗi tác phẩm mới, hình ảnh một nhà soạn nhạc người Na Uy của Grieg trở nên rõ ràng hơn. Trong “Bức tranh thơ” trữ tình tinh tế (1863), những nét dân tộc vẫn còn rụt rè đột phá. Con số nhịp nhàng thường thấy trong âm nhạc dân gian Na Uy; nó trở thành đặc trưng của nhiều giai điệu của Grieg.

Tác phẩm của Grieg rất rộng lớn và đa phương diện. Grieg đã viết các tác phẩm thuộc nhiều thể loại khác nhau. Bản Concerto cho piano và Ballad, ba bản sonata cho violin và piano và một bản sonata cho cello và piano, bộ tứ này minh chứng cho sự khao khát thường xuyên của Grieg đối với hình thức lớn. Đồng thời, mối quan tâm của nhà soạn nhạc đối với các tác phẩm thu nhỏ bằng nhạc cụ vẫn không thay đổi. Ở mức độ tương tự như piano, nhà soạn nhạc bị thu hút bởi giọng hát thính phòng thu nhỏ - một bản tình ca, một bài hát. Không phải là người chính đối với Grieg, lĩnh vực sáng tạo giao hưởng được đánh dấu bằng những kiệt tác như dãy phòng " Per Gounod ”, “Từ thời của Holberg”. Một trong những loại tác phẩm đặc trưng của Grieg là xử lý các bài hát và điệu múa dân gian: dưới dạng các bản nhạc piano đơn giản, một chu trình bộ dành cho piano bốn tay.

Ngôn ngữ âm nhạc của Grieg rất đặc biệt. Tính cá nhân trong phong cách của nhà soạn nhạc hầu hết được xác định bởi mối liên hệ sâu sắc của ông với âm nhạc dân gian Na Uy. Grieg sử dụng rộng rãi các đặc điểm thể loại, cấu trúc ngữ điệu, công thức nhịp điệu của các giai điệu dân ca và khiêu vũ.

Sự thành thạo đáng chú ý của sự biến đổi và phát triển biến thể của giai điệu, đặc trưng của Grieg, bắt nguồn từ truyền thống dân gian về việc lặp đi lặp lại giai điệu với những thay đổi của nó. "Tôi đã ghi âm nhạc dân gian của đất nước tôi." Đằng sau những lời này là thái độ tôn kính của Grieg đối với nghệ thuật dân gian và sự thừa nhận vai trò quyết định của nó đối với sự sáng tạo của chính mình.

7. PHẦN KẾT LUẬN

Dựa vào những điều trên, có thể rút ra các kết luận sau:

Sự xuất hiện của chủ nghĩa lãng mạn chịu ảnh hưởng của ba sự kiện chính: Đại cách mạng Pháp, Chiến tranh Napoléon, sự trỗi dậy của phong trào giải phóng dân tộc ở châu Âu.

Chủ nghĩa lãng mạn với tư cách là một phương pháp và phương hướng trong văn hóa nghệ thuật là một hiện tượng phức tạp và mâu thuẫn. Ở mỗi quốc gia, ông đều có một biểu hiện dân tộc sống động. Lãng mạn chiếm các vị trí xã hội và chính trị khác nhau trong xã hội. Tất cả đều nổi dậy chống lại kết quả của cuộc cách mạng tư sản, nhưng họ nổi dậy theo những cách khác nhau, vì mỗi người đều có lý tưởng riêng. Nhưng đối với tất cả sự đa dạng và nhiều mặt, chủ nghĩa lãng mạn có những đặc điểm ổn định:

Tất cả chúng đều xuất phát từ sự phủ nhận của Khai sáng và các quy tắc duy lý của chủ nghĩa cổ điển, thứ đã cản trở sáng kiến ​​sáng tạo của nghệ sĩ.

Họ khám phá ra nguyên lý của thuyết lịch sử (các nhà khai sáng đánh giá quá khứ theo cách phản lịch sử đối với họ là "hợp lý" và "không hợp lý"). Chúng ta đã thấy trong quá khứ các nhân vật của con người được định hình theo thời gian của họ. Mối quan tâm đến quá khứ quốc gia đã làm nảy sinh rất nhiều tác phẩm lịch sử.

Quan tâm đến một cá tính mạnh mẽ, người phản đối bản thân với toàn bộ thế giới xung quanh và chỉ dựa vào bản thân mình.

Chú ý đến thế giới bên trong của một người.

Chủ nghĩa lãng mạn được phát triển rộng rãi ở cả Tây Âu và Nga. Tuy nhiên, chủ nghĩa lãng mạn ở Nga khác với Tây Âu vì bối cảnh lịch sử khác và truyền thống văn hóa khác. Lý do thực sự cho sự xuất hiện của chủ nghĩa lãng mạn ở Nga là cuộc Chiến tranh Vệ quốc năm 1812, trong đó sức mạnh chủ động của nhân dân được thể hiện đầy đủ.

Đặc điểm của chủ nghĩa lãng mạn Nga:

Chủ nghĩa lãng mạn không chống lại thời kỳ Khai sáng. Hệ tư tưởng giáo dục suy yếu, nhưng không sụp đổ, như ở châu Âu. Lý tưởng của một bậc quân vương đã giác ngộ tự bao giờ vẫn chưa cạn kiệt.

Chủ nghĩa lãng mạn phát triển song song với chủ nghĩa cổ điển, thường đan xen với nó.

Chủ nghĩa lãng mạn ở Nga trong các loại hình nghệ thuật khác nhau đã thể hiện theo những cách khác nhau. Trong kiến ​​trúc, ông không được đọc chút nào. Trong hội họa - đã cạn kiệt vào giữa thế kỷ XIX. Nó chỉ thể hiện một phần trong âm nhạc. Có lẽ chỉ trong văn học, chủ nghĩa lãng mạn mới thể hiện một cách nhất quán.

Trong nghệ thuật tạo hình, chủ nghĩa lãng mạn thể hiện rõ nhất trong hội họa và đồ họa, ít biểu hiện hơn trong điêu khắc và kiến ​​trúc.

Lãng mạn mở ra thế giới tâm hồn con người, cá nhân, không giống ai khác, nhưng chân thành và do đó gần gũi với mọi tầm nhìn gợi cảm về thế giới. Tính tức thời của hình ảnh trong hội họa, như Delacroix đã nói, và không phải tính nhất quán của nó trong hiệu quả văn học, đã xác định sự tập trung của các nghệ sĩ vào sự chuyển động phức tạp nhất, vì lợi ích của việc tìm ra các giải pháp hình thức và màu sắc mới. Chủ nghĩa lãng mạn đã để lại một di sản cho đến nửa sau của thế kỷ 19. tất cả những vấn đề này và tính cá nhân nghệ thuật, được giải phóng khỏi các quy tắc của học thuật. Biểu tượng mà các tác phẩm lãng mạn có được để thể hiện sự kết hợp thiết yếu giữa ý tưởng và cuộc sống, trong nghệ thuật của nửa sau thế kỷ 19. hòa tan trong sự đa âm của hình tượng nghệ thuật, thu hút sự đa dạng của ý tưởng và thế giới xung quanh. Chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa có quan hệ mật thiết với chủ nghĩa tình cảm.

Nhờ chủ nghĩa lãng mạn, tầm nhìn chủ quan cá nhân của nghệ sĩ có hình thức quy luật. Chủ nghĩa ấn tượng sẽ phá bỏ hoàn toàn rào cản giữa nghệ sĩ và thiên nhiên, tuyên bố nghệ thuật là ấn tượng. Lãng mạn nói về tưởng tượng của nghệ sĩ, "tiếng nói của cảm xúc", cho phép dừng tác phẩm khi chủ nhân cho là cần thiết, chứ không phải như các tiêu chuẩn học thuật về sự hoàn chỉnh yêu cầu.

Chủ nghĩa lãng mạn đã để lại cả một thời đại trong văn hóa nghệ thuật thế giới, những đại diện của nó là: trong văn học Nga Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov, v.v.; trong mỹ thuật của E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin và những người khác; trong âm nhạc F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin và những người khác. thiện và ác, những đam mê của con người được tiết lộ một cách thành thục, v.v.

Các loại hình nghệ thuật về tầm quan trọng của chúng ít nhiều đã cân bằng và tạo ra các tác phẩm nghệ thuật tuyệt đẹp, mặc dù các tác phẩm lãng mạn trong bậc thang nghệ thuật đã ưu tiên cho âm nhạc.

Chủ nghĩa lãng mạn ở Nga với tư cách là một nhận thức về thế giới tồn tại trong làn sóng đầu tiên của nó từ cuối thế kỷ 18 đến những năm 1850. Dòng lãng mạn trong nghệ thuật Nga không kết thúc vào những năm 1850. Được mở ra bởi chất lãng mạn cho nghệ thuật, chủ đề về trạng thái được phát triển sau đó giữa các nghệ sĩ của "Bông hồng xanh". Những người thừa kế trực tiếp của thời kỳ Lãng mạn chắc chắn là những người theo chủ nghĩa Tượng trưng. Các chủ đề lãng mạn, động cơ, kỹ thuật biểu đạt đã đi vào nghệ thuật với nhiều phong cách, xu hướng, liên tưởng sáng tạo khác nhau. Quan điểm lãng mạn hay thế giới quan hóa ra lại là một trong những quan điểm sống động, bền bỉ và hiệu quả nhất.

Chủ nghĩa lãng mạn với tư cách là một thái độ chung, đặc trưng chủ yếu của giới trẻ, như một sự phấn đấu cho lý tưởng và tự do sáng tạo, vẫn không ngừng sống trong nghệ thuật thế giới.

8. TÀI LIỆU THAM KHẢO

1. Amminskaya A.M. Alexey Gavrilovich Vnetsianov. - M: Kiến thức, 1980

2. Atsarkina E.N. Aleksdr Osipovich Orlovsky. - M: Nghệ thuật, 1971.

3. Belinsky V.G. Sáng tác. A. Pushkin. - M: 1976.

4. Bách khoa toàn thư Liên Xô vĩ đại (Tổng biên tập Prokhorov A.M.).- M: Bách khoa toàn thư Liên Xô, 1977.

5. Vainkop Y., Gusin I. Từ điển tiểu sử tóm tắt của các nhà soạn nhạc. - L: Âm nhạc, 1983.

6. Vasily Andreevich Tropiin (do M.M. Rakovskaya biên tập)... - M: Mỹ thuật, 1982.

7. Vorotnikov A.A., Gorshkovoz O.D., Yorkina O.A. Lịch sử Mỹ thuật. - Mn: Văn học, 1997.

8. Zimenko V. Alexander Osipovch Orlovsky. - M: Nhà xuất bản Mỹ thuật Nhà nước, 1951.

9. Ivanov S.V. M.Yu. Lermontov. Cuộc sống và sự sáng tạo. - M: 1989.

10. Văn học âm nhạc nước ngoài (dưới sự chủ biên của B. Levik).- M: Âm nhạc, 1984.

11. E.A. Nekrasova Máy quay. - M: Mỹ thuật, 1976.

12. Ozhegov S.I. Từ điển tiếng Nga. - M: Nhà xuất bản Nhà nước về Từ điển nước ngoài và tiếng Nga, năm 1953.

13. Orlova M. J. Hội nghị. - M: Nghệ thuật, 1946.

14. Nghệ sĩ Nga. A.G. Venetsianov. - M: Nhà xuất bản Mỹ thuật Nhà nước, 1963.

15. Sokolov A.N. Lịch sử văn học Nga TK XIX (1 nửa). - M: Trường Cao học, 1976.

16. Turchin V.S. Orest Kiprensky. - M: Kiến thức, 1982.

17. Turchin V.S. Theodore Gericault. - M: Mỹ thuật, 1982.

18. Filimonova S.V. Lịch sử Văn hóa Nghệ thuật Thế giới - Mozyr: White Wind, 1997.

Chủ nghĩa lãng mạn trong nghệ thuật tạo hình chủ yếu dựa vào ý tưởng của các triết gia và nhà văn. Trong hội họa, cũng như các loại hình nghệ thuật khác, lãng mạn bị thu hút bởi mọi thứ khác thường, chưa được biết đến, có thể là những quốc gia xa xôi với phong tục và trang phục kỳ lạ của họ (Delacroix), thế giới của những linh ảnh huyền bí (Blake, Frederick, Pre-Raphaelites) và những giấc mơ ma thuật (Runge) hoặc sâu thẳm tiềm thức (Goya, Füsli). Di sản nghệ thuật của quá khứ đã trở thành nguồn cảm hứng cho nhiều nghệ sĩ: Phương Đông cổ đại, thời Trung cổ và thời kỳ Proto-Renaissance (Nazarene, Pre-Raphaelites).

Trái ngược với chủ nghĩa cổ điển, vốn đề cao sức mạnh rõ ràng của lý trí, thể loại lãng mạn lại hát lên những cảm xúc cuồng nhiệt, bão táp chiếm trọn con người. Những xu hướng mới nhất được hưởng ứng sớm nhất là chân dung và phong cảnh, đang trở thành thể loại yêu thích của hội họa lãng mạn.

Hưng thịnh thể loại chân dung gắn liền với sự quan tâm của giới lãng mạn đối với tính cách con người tươi sáng, vẻ đẹp và sự giàu có trong thế giới tâm linh của cô ấy. Đời sống của tinh thần con người chiếm ưu thế trong một bức chân dung lãng mạn hơn là sự quan tâm đến vẻ đẹp thể chất, trong sự uyển chuyển gợi cảm của hình ảnh.

Trong bức chân dung lãng mạn (Delacroix, Gericault, Runge, Goya) luôn bộc lộ nét độc đáo của mỗi người, sự năng động, nhịp đập mãnh liệt của đời sống nội tâm, đam mê nổi loạn được truyền tải.

Các tác phẩm lãng mạn cũng quan tâm đến bi kịch của một tâm hồn tan vỡ: các anh hùng của tác phẩm thường là những người bị bệnh tâm thần (Gericault "Madwoman, nghiện cờ bạc", "Trộm trẻ em", "Mất trí, tưởng tượng mình là một chỉ huy" ).

Phong cảnh được các nhà lãng mạn coi là hiện thân của linh hồn vũ trụ; thiên nhiên, cũng như tâm hồn con người, hiện ra trong động, biến đổi không ngừng. Những cảnh quan có trật tự và hoa mỹ đặc trưng của chủ nghĩa cổ điển đã được thay thế bằng những hình ảnh mang tính chất ngẫu hứng, ngoan cố, mạnh mẽ, luôn thay đổi, tương ứng với sự bối rối trong cảm xúc của những anh hùng lãng mạn. Những tác phẩm lãng mạn đặc biệt thích viết về những cơn bão, giông bão, núi lửa phun trào, động đất, đắm tàu, những thứ có thể gây xúc động mạnh cho người xem (Gericault, Friedrich, Turner).

Sự thơ mộng về đêm đặc trưng của chủ nghĩa lãng mạn - một thế giới kỳ lạ, siêu thực sống theo những quy luật riêng của nó - đã dẫn đến sự nở rộ của “thể loại ban đêm”, vốn đang trở thành một thứ được yêu thích trong hội họa lãng mạn, đặc biệt là trong giới nghệ sĩ Đức.

Một trong những quốc gia đầu tiên mà chủ nghĩa lãng mạn của nghệ thuật thị giác được hình thành lànước Đức .

Sự sáng tạo đã có một ảnh hưởng đáng chú ý đến sự phát triển của thể loại phong cảnh lãng mạnCaspar David Friedrich (1774-1840). Di sản nghệ thuật của nó chủ yếu là phong cảnh miêu tả các đỉnh núi, rừng, biển, bờ biển, cũng như tàn tích của các nhà thờ cũ, tu viện bị bỏ hoang, tu viện ("Thánh giá trên núi", "Nhà thờ lớn", "Tu viện giữa những cây sồi "). Họ thường có cảm giác buồn bã không thay đổi khi ý thức về sự mất mát bi thảm của một người trên thế giới.

Người nghệ sĩ yêu thích những trạng thái tự nhiên phù hợp nhất với nhận thức lãng mạn của nó: sáng sớm, hoàng hôn buổi tối, mặt trăng mọc ("Hai người chiêm ngưỡng mặt trăng", "Nghĩa trang tu viện", "Phong cảnh với cầu vồng", "Trăng mọc trên biển", " Đá phấn trên đảo Rügen "," Trên một chiếc thuyền buồm "," Bến cảng vào ban đêm ").

Nhân vật thường trực trong các tác phẩm của ông là những kẻ mơ mộng cô đơn đắm mình trong sự chiêm nghiệm của thiên nhiên. Nhìn vào khoảng cách bao la và độ cao vô tận, họ tham gia vào những bí mật vĩnh cửu của vũ trụ, được đưa đến thế giới tuyệt vời của những giấc mơ. Frederick truyền tải thế giới tuyệt vời này với sự trợ giúp của ánh sáng kỳ diệu- mặt trời rạng rỡ hoặc mặt trăng bí ẩn.

Tác phẩm của Frederick đã khơi dậy sự ngưỡng mộ của những người đương thời với ông, trong đó có tôi. W. Goethe và V.A. Zhukovsky, nhờ đó mà nhiều bức tranh của ông đã được Nga mua lại.

Họa sĩ, nghệ sĩ đồ họa, nhà thơ và nhà lý luận nghệ thuậtPhilip Otto Runge (1777-1810) chủ yếu cống hiến cho thể loại chân dung. Trong các tác phẩm của mình, ông đã thi vị hóa hình ảnh của những con người bình thường, thường là - của những người thân yêu của ông ("Chúng tôi là ba" - bức chân dung tự họa với một cô dâu và anh trai, đã không còn sống; "Những đứa trẻ của gia đình Hulsenbek", "Chân dung của cha mẹ của nghệ sĩ "," Chân dung tự họa "). Lòng tôn giáo sâu sắc của Runge đã được thể hiện trong các bức tranh như "Chúa Kitô trên bờ hồ Tiberias" và "Yên nghỉ trên chuyến bay đến Ai Cập" (chưa hoàn thành). Người nghệ sĩ đã tổng hợp những suy tư của mình về nghệ thuật trong chuyên luận lý thuyết "The Color Sphere".

Mong muốn phục hưng nền tảng tôn giáo và đạo đức trong nghệ thuật Đức gắn liền với hoạt động sáng tạo của các nghệ sĩ Trường Nazarene (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Zutter,P. von Cornelius). Đã hợp nhất trong một loại tình anh em tôn giáo ("Liên minh của Thánh Luca"), "người Nazarenes" sống ở Rôma theo mô hình của cộng đồng tu viện và vẽ các bức tranh về các chủ đề tôn giáo. Họ coi hội họa Ý và Đức là hình mẫu cho những tìm kiếm sáng tạo của mình.XIV - Xvthế kỷ (Perugino, Raphael, A. Durer, H. Holbein the Younger, L.Cranach). Trong bức tranh "Sự khải hoàn của tôn giáo trong nghệ thuật", Overbeck mô phỏng trực tiếp "Trường học Athens" của Raphael, và Cornelius trong "Những kỵ sĩ của ngày tận thế" - bức khắc cùng tên của Durer.

Các thành viên của hội anh em coi những đức tính chính của nghệ sĩ là sự thuần khiết về tâm linh và đức tin chân thành, tin rằng "chỉ có Kinh thánh mới khiến Raphael trở thành một thiên tài." Sống ẩn dật trong các phòng giam của một tu viện bỏ hoang, họ đã nâng tầm việc phục vụ nghệ thuật của mình lên thành loại phục vụ tinh thần.

Những người "Nazarenes" hướng tới những hình thức tượng đài lớn, cố gắng thể hiện những lý tưởng cao đẹp với sự trợ giúp của kỹ thuật bích họa mới được phục hồi. Một số bức tranh tường đã được họ thực hiện cùng nhau.

Trong những năm 1820 và 30, các thành viên của hội anh em rời sang Đức, nhận các vị trí lãnh đạo trong các học viện nghệ thuật khác nhau. Chỉ có Overbeck sống ở Ý cho đến khi qua đời, mà không phản bội các nguyên tắc nghệ thuật của mình. Những truyền thống tốt nhất của "Nazarenes" đã được lưu giữ trong một thời gian dài trong hội họa lịch sử. Nhiệm vụ về tư tưởng và đạo đức của họ đã ảnh hưởng đến những người Anh thời Tiền Raphael, cũng như công việc của những bậc thầy như Schwind và Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), sinh ra là người Áo, làm việc tại München. Trong các tác phẩm giá vẽ, ông chủ yếu miêu tả diện mạo và cuộc sống của các thành phố cấp tỉnh cũ của Đức với cư dân của họ. Điều này được thực hiện bằng thơ ca và trữ tình tuyệt vời, với tình yêu dành cho những người anh hùng của họ.

Karl Spitzweg (1808-1885) - Họa sĩ Munich, nghệ sĩ đồ họa, nhà soạn thảo tài ba, nhà biếm họa, cũng không phải không có tình cảm, nhưng rất hài hước kể về cuộc sống thành thị ("Nhà thơ nghèo", "Cà phê sáng").

Schwind và Spitzweg thường gắn liền với một xu hướng văn hóa ở Đức được gọi là Biedermeier.Biedermeier - đây là một trong những phong cách phổ biến nhất của thời đại (chủ yếu trong lĩnh vực cuộc sống hàng ngày, nhưng cả trong nghệ thuật) ... Anh ta đưa ra hàng đầu những tên trộm, những người đàn ông bình thường trên đường phố. Chủ đề trung tâm của bức tranh Biedermeier là cuộc sống hàng ngày của một người, gắn bó chặt chẽ với ngôi nhà và gia đình của anh ta. Sự quan tâm của Biedermeier không phải trong quá khứ, mà ở hiện tại, không phải lớn mà là nhỏ, đã góp phần hình thành một khuynh hướng hiện thực trong hội họa.

Trường học lãng mạn Pháp

Trường phái chủ nghĩa lãng mạn nhất quán trong hội họa đã phát triển ở Pháp. Nó nổi lên như một sự phản đối chủ nghĩa cổ điển, vốn đã thoái hóa thành chủ nghĩa hàn lâm hợp lý và lạnh lùng, và đưa ra những bậc thầy vĩ đại như vậy, những người đã xác định ảnh hưởng thống trị của trường phái Pháp trong suốt thế kỷ 19.

Các họa sĩ lãng mạn người Pháp tập trung vào những âm mưu đầy kịch tính và bệnh hoạn, căng thẳng nội tâm, khác xa với "cuộc sống hàng ngày buồn tẻ". Hóa thân vào chúng, họ đã cải tiến các phương tiện biểu đạt và hình ảnh:

Những thành công rực rỡ đầu tiên của chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa Pháp gắn liền với tên tuổiTheodore Gericault (1791-1824), người sớm hơn những người khác, đã có thể thể hiện cảm xúc thuần túy lãng mạn về cuộc xung đột trên thế giới. Ngay trong những tác phẩm đầu tiên của ông, người ta có thể thấy mong muốn thể hiện những sự kiện gay cấn của thời đại chúng ta. Ví dụ, các bức tranh "Sĩ quan gắn súng trường đi tấn công" và "Cuirassier bị thương" phản ánh sự lãng mạn của thời đại Napoléon.

Bức tranh của Gericault "The Raft of Medusa", dành riêng cho một sự kiện gần đây trong cuộc sống hiện đại - vụ chìm tàu ​​chở khách do lỗi của công ty vận chuyển, đã gây được tiếng vang lớn. ... Gericault đã tạo ra một bức tranh khổng lồ có kích thước 7 × 5 m, trên đó ông mô tả khoảnh khắc những người đang cận kề cái chết nhìn thấy một con tàu cứu hộ đang ở phía chân trời. Sự căng thẳng tột độ được nhấn mạnh bằng cách phối màu khắc nghiệt, u ám, bố cục đường chéo. Bức tranh này đã trở thành biểu tượng của Gericault France thời hiện đại, nơi, giống như những người chạy trốn khỏi một vụ đắm tàu, trải qua cả hy vọng và tuyệt vọng.

Người nghệ sĩ đã tìm thấy chủ đề cho bức tranh lớn cuối cùng của mình - "Đua ngựa tại Epsom" ở Anh. Nó mô tả những con ngựa đang bay như chim (một hình ảnh yêu thích của Gericault, người đã trở thành một tay đua xuất sắc khi còn là một thiếu niên). Ấn tượng về sự mạnh mẽ được nâng cao bởi một kỹ thuật nhất định: những con ngựa và người chạy ngựa được viết rất cẩn thận, và phông nền rộng.

Sau cái chết của Gericault (anh ta chết một cách bi thảm, trong lúc sức mạnh và tài năng đỉnh cao), người bạn trẻ của anh ta đã trở thành người đứng đầu được công nhận của thể loại lãng mạn PhápEugene Delacroix (1798-1863). Delacroix có năng khiếu toàn diện, có năng khiếu âm nhạc và văn chương. Những cuốn nhật ký, những bài báo về nghệ sĩ của ông là những tài liệu thú vị nhất của thời đại. Những nghiên cứu lý thuyết của ông về quy luật màu sắc đã có ảnh hưởng to lớn đến các nhà ấn tượng trong tương lai, và đặc biệt là đối với V. Van Gogh.

Bức tranh đầu tiên của Delacroix, người đã mang lại danh tiếng cho anh, - "Dante và Virgil" ("Con thuyền của Dante"), được viết trên cốt truyện của "Divine Comedy". Cô ấy đã khiến những người cùng thời của mình kinh ngạc với những đam mê cuồng nhiệt, sức mạnh của màu sắc u ám.

Đỉnh cao trong tác phẩm của nghệ sĩ là "Freedom on the Barricades" ("Tự do dẫn dắt mọi người"). Độ tin cậy của một dữ kiện có thật (bức tranh được tạo ra vào giữa Cách mạng tháng Bảy năm 1830 ở Pháp) hòa nhập ở đây với giấc mơ lãng mạn về tự do và tính biểu tượng của hình ảnh. Người phụ nữ trẻ đẹp trở thành biểu tượng của nước Pháp cách mạng.

Bức tranh trước đó "Cuộc thảm sát ở Chios", dành riêng cho cuộc đấu tranh của người dân Hy Lạp chống lại sự cai trị của Thổ Nhĩ Kỳ, cũng là một phản ứng đối với các sự kiện hiện đại. .

Sau khi đến thăm Ma-rốc, Delacroix đã khám phá ra thế giới kỳ lạ của phương Đông Ả Rập, nơi ông đã dành nhiều bức tranh và ký họa. Trong "Phụ nữ Algeria", thế giới hậu cung của người Hồi giáo lần đầu tiên xuất hiện trước khán giả châu Âu.

Nghệ sĩ cũng đã tạo ra một loạt các bức chân dung của các đại diện của giới trí thức sáng tạo, nhiều người trong số họ là bạn của ông (chân dung của N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, v.v.)

Trong giai đoạn cuối của công việc của mình, Delacroix tập trung vào các chủ đề lịch sử, làm việc như một người theo chủ nghĩa tượng đài (các bức tranh trong Hạ viện, Thượng viện), và như một nghệ sĩ đồ họa (minh họa cho các tác phẩm của Shakespeare, Goethe, Byron).

Tên tuổi của các họa sĩ người Anh thời kỳ Lãng mạn - R. Benington, J. Constable, W. Ternera - gắn liền với thể loại phong cảnh. Trong lĩnh vực này, họ đã thực sự mở ra một trang mới: bản chất quê hương của họ đã tìm thấy sự phản ánh rộng rãi và thân thương trong công việc của họ, điều mà không một quốc gia nào khác biết đến.

John Constable (1776-1837) là một trong những người đầu tiên trong lịch sử phong cảnh châu Âu vẽ phác thảo hoàn toàn từ thiên nhiên, chuyển sang quan sát trực tiếp thiên nhiên. Những bức tranh của ông đơn giản với những động cơ: làng mạc, trang trại, nhà thờ, một dải sông hoặc một bãi biển: "The Hay Cart", Thung lũng Detham "," Nhà thờ Salisbury từ Vườn Giám mục. " Các tác phẩm của Constable đóng vai trò là động lực thúc đẩy sự phát triển của phong cảnh hiện thực ở Pháp.

William Turner (1775-1851) - họa sĩ hàng hải ... Anh bị lôi cuốn bởi vùng biển đầy bão tố, mưa rào, giông tố, lũ lụt, lốc xoáy: "Chuyến đi cuối cùng của con tàu" Dũng cảm "," Bão giông qua quảng trường Piazzetta. " Những cuộc tìm kiếm màu sắc táo bạo, những hiệu ứng ánh sáng hiếm có đôi khi biến những bức tranh của ông thành những bức tượng phản chiếu sáng chói: “Ngọn lửa của Nghị viện London”, “Bão tuyết. Tàu hơi nước rời bến cảng và phát tín hiệu báo nguy khi xuống vùng nước nông. " .

Turner sở hữu hình ảnh đầu tiên trong tranh vẽ đầu máy hơi nước chạy trên đường ray - biểu tượng của công nghiệp hóa. Trong Mưa, Hơi nước và Tốc độ, một đầu máy hơi nước lao dọc theo sông Thames qua làn mưa sương mù. Tất cả các đối tượng vật chất dường như hợp nhất thành một hình ảnh ảo ảnh truyền tải cảm giác tốc độ một cách hoàn hảo.

Nghiên cứu độc đáo của Turner về hiệu ứng ánh sáng và màu sắc phần lớn dự đoán những khám phá của các họa sĩ trường phái Ấn tượng Pháp.

Năm 1848 ở Anh cóTình anh em tiền Raphaelite (từ Lat. prae - "trước đây" và Raphael), liên kết các nghệ sĩ không chấp nhận xã hội đương đại và nghệ thuật của trường phái hàn lâm. Họ đã nhìn thấy lý tưởng của mình trong nghệ thuật thời Trung cổ và đầu thời kỳ Phục hưng (do đó có tên như vậy). Các thành viên chính của hội anh em làWilliam Holman Hunt, John Everett Milles, Dante Gabriel Rossetti. Trong các tác phẩm đầu tiên của họ, những nghệ sĩ này đã sử dụng chữ viết tắt PB thay cho chữ ký. .

Với chủ nghĩa lãng mạn, thời Tiền Raphael có liên quan đến tình yêu thời cổ đại. Họ chuyển sang các chủ đề kinh thánh ("Ánh sáng của thế giới" và "Người chăn cừu không trung thành" của WH Hunt; "Thời thơ ấu của Mary" và "Truyền tin" của DG Rossetti), các cảnh trong lịch sử thời Trung cổ và do W đóng. . Shakespeare ("Ophelia" của Milles).

Để vẽ các hình người và đồ vật với kích thước thực của chúng, những người tiền Raphaelites đã tăng kích thước của các bức tranh sơn dầu và tạo ra các bản phác thảo phong cảnh từ thiên nhiên. Các nhân vật trong tranh của họ có nguyên mẫu giữa người thật. Ví dụ, DG Rossetti trong hầu hết các tác phẩm của mình đều miêu tả Elizabeth Siddal yêu dấu của mình, tiếp tục, giống như một hiệp sĩ thời trung cổ, trung thành với người mình yêu ngay cả sau khi cô qua đời (Blue Silk Dress, 1866).

Các nhà tư tưởng học của thời tiền Raphaelites làJohn Ruskin (1819-1900) - Nhà văn, nhà phê bình nghệ thuật và nhà lý luận nghệ thuật người Anh, tác giả của bộ sách nổi tiếng “Nghệ sĩ đương đại”.

Tác phẩm của thời Tiền Raphael đã ảnh hưởng đáng kể đến nhiều nghệ sĩ và trở thành dấu hiệu báo trước của chủ nghĩa tượng trưng trong văn học (W. Pater, O. Wilde) và nghệ thuật thị giác (O. Beardsley, G. Moreau, v.v.).

biệt danh "Nazarene" có thể đến từ tên của thành phố Nazareth ở Galilê, nơi Chúa Giêsu Kitô đã được sinh ra. Theo một phiên bản khác, nó phát sinh bởi sự tương tự với tên của cộng đồng tôn giáo người Nazarenes trong tiếng Do Thái. Cũng có thể tên của nhóm xuất phát từ tên truyền thống của kiểu tóc "Alla Nazarena", phổ biến vào thời Trung Cổ và được biết đến từ bức chân dung tự họa của A. Dürer: kiểu để tóc dài, rẽ ngôi giữa. giữa một cuộc chia tay, được giới thiệu lại bởi Overbeck.

Biedermeier(Tiếng Đức "Meyer dũng cảm", philistine) là họ của một nhân vật hư cấu trong tập thơ của nhà thơ Đức Ludwig Eichrodt. Eichrodt đã tạo ra một tác phẩm nhại lại một người có thật - Samuel Friedrich Sauter, một giáo viên già hay viết thơ ngây ngô. Eichrodt trong bức tranh biếm họa của mình nhấn mạnh tính nguyên thủy philistine trong tư duy của Biedermeier, thứ đã trở thành một loại biểu tượng nhại của thời đại. những nét vẽ quét các màu đen, nâu và xanh lục truyền tải sự cuồng nộ của cơn bão. Ánh mắt của người xem dường như hướng vào trung tâm của một vùng nước xoáy, con tàu dường như là một món đồ chơi của sóng và gió.

Chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa là một xu hướng triết học và văn hóa trong nghệ thuật Âu Mỹ cuối thế kỷ 18 - nửa đầu thế kỷ 19. Chủ nghĩa tình cảm trong văn học Đức, nơi sinh ra chủ nghĩa lãng mạn, là cơ sở cho sự phát triển của phong cách này. Hướng phát triển ở Nga, Pháp, Anh, Tây Ban Nha và các nước Châu Âu.

Môn lịch sử

Bất chấp những nỗ lực ban đầu của những người tiên phong El Greco, Elsheimer và Claude Lorrain, phong cách mà chúng ta gọi là Chủ nghĩa lãng mạn đã không đạt được động lực cho đến gần cuối thế kỷ 18, khi yếu tố anh hùng của chủ nghĩa tân cổ điển đóng một vai trò quan trọng trong nghệ thuật thời đó. Các bức tranh bắt đầu phản ánh lý tưởng anh hùng-lãng mạn dựa trên các tiểu thuyết thời bấy giờ. Yếu tố anh hùng này, kết hợp với chủ nghĩa lý tưởng cách mạng, tình cảm, nổi lên như một kết quả của Cách mạng Pháp như một phản ứng chống lại nghệ thuật hàn lâm bị hạn chế.

Sau Cách mạng Pháp năm 1789, những thay đổi xã hội đáng kể đã diễn ra trong vài năm. Châu Âu đã bị rung chuyển bởi các cuộc khủng hoảng chính trị, các cuộc cách mạng và chiến tranh. Khi các nhà lãnh đạo gặp nhau tại Đại hội Vienna để suy nghĩ về kế hoạch tổ chức lại các vấn đề châu Âu sau Chiến tranh Napoléon, rõ ràng là hy vọng về tự do và bình đẳng của các dân tộc đã không thành hiện thực. Tuy nhiên, trong suốt 25 năm này, những ý tưởng mới đã được hình thành và ăn sâu vào tâm trí người dân Pháp, Tây Ban Nha, Nga, Đức.

Tôn trọng cá nhân, vốn đã là yếu tố then chốt trong hội họa tân cổ điển, đã phát triển và bén rễ. Tranh của các họa sĩ nổi bật về cảm xúc, sức gợi cảm trong việc chuyển tải hình ảnh của con người. Vào đầu thế kỷ 19, nhiều phong cách khác nhau bắt đầu thể hiện những đặc điểm của chủ nghĩa lãng mạn.

Bàn thắng

Các nguyên lý và mục tiêu của Chủ nghĩa lãng mạn bao gồm:

• Sự trở về với thiên nhiên - một ví dụ là sự nhấn mạnh vào tính tự phát trong hội họa, điều mà các bức tranh thể hiện;
• Niềm tin vào lòng tốt của con người và những phẩm chất tốt đẹp nhất của cá nhân;
• Công lý cho tất cả - ý tưởng này đã phổ biến ở Nga, Pháp, Tây Ban Nha, Anh.

Niềm tin vững chắc vào sức mạnh của tình cảm và cảm xúc chi phối tâm trí và trí tuệ.

Đặc thù

Các tính năng đặc trưng của phong cách:

1. Sự lý tưởng hóa quá khứ, sự thống trị của các chủ đề thần thoại đã trở thành xu hướng hàng đầu trong sáng tạo của thế kỷ 19.
2. Bác bỏ chủ nghĩa duy lý và những giáo điều của quá khứ.
3. Tăng tính biểu cảm thông qua việc chơi ánh sáng và màu sắc.
4. Hình ảnh truyền tải một tầm nhìn trữ tình về thế giới.
5. Tăng hứng thú với các chủ đề dân tộc.

Các họa sĩ và nhà điêu khắc lãng mạn có xu hướng thể hiện phản ứng tình cảm đối với cuộc sống cá nhân của họ, trái ngược với sự hạn chế và các giá trị phổ quát được thúc đẩy bởi nghệ thuật tân cổ điển. Thế kỷ 19 đánh dấu sự khởi đầu của sự phát triển của chủ nghĩa lãng mạn và kiến ​​trúc, bằng chứng là những tòa nhà kiểu Victoria tinh tế.

Đại diện chính

Trong số các họa sĩ lãng mạn vĩ đại nhất của thế kỷ 19 có những đại diện như I. Fussli, Francisco Goya, Caspar David Friedrich, John Constable, Theodore Gericault, Eugene Delacroix. Nghệ thuật lãng mạn không thay thế phong cách tân cổ điển, nhưng đóng vai trò như một đối trọng với sự giáo điều và hà khắc của phong cách sau này.

Chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa Nga được thể hiện qua các tác phẩm của V. Tropinin, I. Aivazovsky, K. Bryullov, O. Kiprensky. Các họa sĩ Nga đã cố gắng truyền tải thiên nhiên một cách cảm xúc nhất có thể.
Thể loại ưa thích trong số các tác phẩm lãng mạn là phong cảnh. Thiên nhiên được xem như tấm gương phản chiếu tâm hồn, ở Đức nó còn được xem là biểu tượng của tự do và sự vô hạn. Các nghệ sĩ đặt hình ảnh của mọi người trên nền của cảnh nông thôn hoặc thành thị, cảnh biển. Trong chủ nghĩa lãng mạn ở Nga, Pháp, Tây Ban Nha, Đức, hình ảnh một con người không chiếm ưu thế, mà bổ sung cho cốt truyện của bức tranh.

Các họa tiết vanitas phổ biến bao gồm cây chết và tàn tích mọc um tùm, tượng trưng cho tính chất nhất thời và hữu hạn của cuộc sống. Các mô típ tương tự đã xảy ra trước đó trong nghệ thuật baroque: các nghệ sĩ mượn tác phẩm với ánh sáng và phối cảnh trong các bức tranh tương tự từ các họa sĩ baroque.

Mục tiêu của Chủ nghĩa lãng mạn: Người nghệ sĩ thể hiện cái nhìn chủ quan về thế giới khách quan, và thể hiện một bức tranh được lọc qua cảm quan của mình.

Ở những đất nước khác nhau

Chủ nghĩa lãng mạn Đức thế kỷ 19 (1800 - 1850)

Ở Đức, thế hệ nghệ sĩ trẻ đã phản ứng với thời thế thay đổi bằng một quá trình nội tâm: họ rút lui vào thế giới của cảm xúc, họ được truyền cảm hứng bởi những khát vọng tình cảm cho những lý tưởng của quá khứ, chủ yếu là thời trung cổ, mà bây giờ được coi là thời kỳ mà mọi người sống hòa hợp với bản thân và thế giới. Trong bối cảnh này, các bức tranh của Schinkel, chẳng hạn như Nhà thờ Gothic trên Mặt nước, là đại diện và đặc trưng của thời kỳ này.

Trong quá khứ, các nghệ sĩ lãng mạn rất gần gũi với những người theo trường phái tân cổ điển, ngoại trừ việc chủ nghĩa lịch sử của họ chỉ trích những giáo điều duy lý của chủ nghĩa tân cổ điển. Các nghệ sĩ tân cổ điển đặt ra những nhiệm vụ như vậy: họ nhìn vào quá khứ để biện minh cho sự phi lý và cảm tính của mình, bảo tồn truyền thống hàn lâm của nghệ thuật trong việc truyền tải hiện thực.

Chủ nghĩa lãng mạn Tây Ban Nha thế kỷ 19 (1810 - 1830)

Francisco de Goya là nhà lãnh đạo không thể tranh cãi của phong trào nghệ thuật lãng mạn ở Tây Ban Nha, các bức tranh của ông thể hiện những nét đặc trưng: khuynh hướng phi lý trí, tưởng tượng, xúc cảm. Đến năm 1789, ông trở thành họa sĩ chính thức của cung đình Tây Ban Nha.

Vào năm 1814, để tôn vinh cuộc nổi dậy của người Tây Ban Nha chống lại lực lượng Pháp ở Puerta del Sol, Madrid, và việc bắn chết những người Tây Ban Nha không vũ trang bị nghi ngờ là đồng lõa, Goya đã tạo ra một trong những kiệt tác vĩ đại nhất của mình, ngày 3 tháng 5. Tác phẩm đáng chú ý: "The Disasters of War", "Caprichos", "Maja Nude".

Chủ nghĩa lãng mạn Pháp thế kỷ 19 (1815 - 1850)

Sau Chiến tranh Napoléon, Cộng hòa Pháp một lần nữa trở thành một chế độ quân chủ. Điều này dẫn đến sự thúc đẩy mạnh mẽ của Chủ nghĩa lãng mạn, cho đến nay vẫn bị kìm hãm bởi sự thống trị của những người theo trường phái tân cổ điển. Các họa sĩ Pháp của thời kỳ Lãng mạn không giới hạn mình trong thể loại phong cảnh, họ làm việc trong thể loại nghệ thuật chân dung. Các đại diện nổi bật nhất của phong cách là E. Delacroix và T. Gericault.

Chủ nghĩa lãng mạn ở Anh (1820 - 1850)

Nhà lý thuyết và đại diện tiêu biểu nhất của phong cách là I. Fusli.
John Constable thuộc về truyền thống chủ nghĩa lãng mạn của Anh. Truyền thống này nhằm tìm kiếm sự cân bằng giữa sự nhạy cảm sâu sắc với thiên nhiên và những tiến bộ trong khoa học hội họa và vẽ. Cảnh sát đã từ bỏ cách miêu tả thiên nhiên một cách giáo điều, các bức tranh có thể dễ dàng nhận ra, nhờ vào việc sử dụng các điểm màu để truyền tải thực tế, điều này đưa tác phẩm của Constable đến gần hơn với nghệ thuật trường phái ấn tượng.

Các bức tranh của William Turner, một trong những họa sĩ người Anh vĩ đại nhất về chủ nghĩa lãng mạn, phản ánh sự khao khát quan sát thiên nhiên như một trong những yếu tố của sự sáng tạo. Tâm trạng trong tranh của anh ấy không chỉ được tạo ra bởi những gì anh ấy khắc họa, mà còn bởi cách người nghệ sĩ truyền tải màu sắc và góc nhìn.

Ý nghĩa trong nghệ thuật

Phong cách hội họa lãng mạn của thế kỷ 19 và những nét đặc biệt của nó đã kích thích sự xuất hiện của nhiều trường phái, chẳng hạn như: Trường Barbizon, trường phái phong cảnh không khí, Trường phái họa sĩ phong cảnh Trường Norwich. Chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa đã ảnh hưởng đến sự phát triển của chủ nghĩa thẩm mỹ và chủ nghĩa tượng trưng. Các họa sĩ có ảnh hưởng nhất đã tạo ra phong trào Pre-Raphaelite. Ở Nga và các nước Tây Âu, chủ nghĩa lãng mạn đã ảnh hưởng đến sự phát triển của chủ nghĩa tiên phong và chủ nghĩa ấn tượng.

Vào đầu thế kỷ 18 và 19, văn hóa châu Âu và kể cả Mỹ đã trải qua một sự ra đời hoàn toàn khác với thời kỳ tư tưởng và triết học của thời Khai sáng - thời kỳ của Chủ nghĩa lãng mạn. Thâm nhập dần từ Đức vào văn hóa nghệ thuật của Anh, Pháp, Nga và các nước châu Âu khác, Chủ nghĩa lãng mạn đã làm phong phú thêm thế giới nghệ thuật bằng những màu sắc, cốt truyện mới và sự dũng cảm của khỏa thân.

Tên của trào lưu mới được sinh ra từ sự đan xen gần gũi của nhiều nghĩa của các từ một âm từ các quốc gia khác nhau - romantisme (Pháp), lãng mạn (Tây Ban Nha), lãng mạn (Anh). Sau đó, tên của xu hướng này bắt nguồn từ thời chúng ta với tên gọi là lãng mạn - một thứ gì đó kỳ lạ như tranh vẽ, đẹp tuyệt vời, chỉ tồn tại trong sách chứ không có trong thực tế.

đặc điểm chung

Chủ nghĩa lãng mạn thay thế Thời đại Khai sáng và trùng hợp với cuộc cách mạng công nghiệp, được đánh dấu bằng sự xuất hiện của động cơ hơi nước, đầu máy hơi nước, tàu chạy bằng hơi nước, nhiếp ảnh và ngoại ô nhà máy. Nếu thời Khai sáng được đặc trưng bởi sự sùng bái lý trí và một nền văn minh dựa trên các nguyên tắc của nó, thì chủ nghĩa lãng mạn lại khẳng định sự sùng bái tự nhiên, tình cảm và sự tự nhiên trong con người.

Đó là trong thời đại của chủ nghĩa lãng mạn, các hiện tượng du lịch, leo núi và dã ngoại đã hình thành, được thiết kế để khôi phục sự thống nhất giữa con người và thiên nhiên. Hình ảnh của một "cao quý man rợ" được trang bị "trí tuệ dân gian" và không bị hư hỏng bởi nền văn minh đang được yêu cầu. Đó là, những người theo chủ nghĩa lãng mạn muốn thể hiện một người khác thường trong những hoàn cảnh bất thường. Tóm lại, những người theo chủ nghĩa lãng mạn phản đối nền văn minh tiến bộ.

Chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa

Chiều sâu của trải nghiệm và suy nghĩ cá nhân của chính họ là những gì mà các họa sĩ truyền tải thông qua hình tượng nghệ thuật của họ, được tạo ra với sự trợ giúp của màu sắc, bố cục và điểm nhấn. Các quốc gia châu Âu khác nhau có những đặc thù riêng trong việc giải thích hình ảnh lãng mạn. Tất cả những điều này được kết nối với xu hướng triết học, cũng như tình hình chính trị xã hội, mà nghệ thuật là phản ứng sống động duy nhất. Hội họa cũng không ngoại lệ.

Nước Đức vào thời điểm đó bị chia cắt thành các công quốc và đô thị nhỏ và trải qua nhiều biến động công cộng nghiêm trọng. Các họa sĩ đã không miêu tả các anh hùng khổng lồ, không làm những bức tranh hoành tráng; trong trường hợp này, thế giới tâm linh sâu sắc của một người, nhiệm vụ đạo đức, sự vĩ đại và vẻ đẹp của anh ta đã khơi dậy lòng nhiệt tình. Vì vậy, ở mức độ lớn nhất, chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa Đức được thể hiện trong phong cảnh và chân dung.

Tiêu chuẩn truyền thống của thể loại này là Tác phẩm của Otto Runge. Trong các bức chân dung của họa sĩ này, thông qua việc xử lý các nét trên khuôn mặt và đôi mắt, thông qua sự tương phản của bóng và ánh sáng, nhiệt huyết của người nghệ sĩ được truyền tải để thể hiện bản chất mâu thuẫn của tính cách, chiều sâu và sức mạnh của cảm giác. Nhờ phong cảnh, một hình ảnh phóng đại và ở mức độ thấp hơn, gây ấn tượng mạnh về cây cối, chim muông và hoa lá. Otto Runge cũng cố gắng khám phá sự linh hoạt của tính cách con người, sự giống nhau của nó với tự nhiên, không xác định và khác biệt.

Chân dung "Ba chúng tôi", 1805, Philip Otto Runge

Ở Pháp, chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa phát triển theo những nguyên tắc khác nhau. Đời sống xã hội đầy giông bão, cũng như những biến động cách mạng được thể hiện trong hội họa bởi sự lôi cuốn của các họa sĩ đến việc miêu tả các chủ đề lịch sử và ngoạn mục, cũng với sự phấn khích và đau đớn "thần kinh", đạt được bằng sự tương phản màu sắc chói lọi, một số hỗn loạn, biểu hiện của các chuyển động, như cũng như tính ngẫu hứng của các sáng tác.

Trong các tác phẩm của T. Gericault, những ý tưởng lãng mạn được trình bày một cách sinh động nhất. Người họa sĩ đã tạo ra một chiều sâu rung động của cảm xúc, bằng cách sử dụng ánh sáng và màu sắc một cách chuyên nghiệp, mô tả một sự thôi thúc tuyệt vời cho tự do và đấu tranh.

Derby tại Epsom, 1821, Theodore Gericault

"Sĩ quan Biệt động quân của Vệ binh Hoàng gia, Tiến lên Tấn công", 1812

Kỷ nguyên của Chủ nghĩa lãng mạn cũng tìm thấy sự phản chiếu của nó trong các bức tranh sơn dầu của các nghệ sĩ thể hiện nỗi sợ hãi, xung động, tình yêu và sự căm ghét bên trong trong sự tương phản rõ ràng của ánh sáng, bóng tối và bán sắc. Cơ thể quét vôi trắng của GI Fuesli cùng với phantasmagoria của quái vật hư cấu, cơ thể phụ nữ khỏa thân chạm vào của E. Delacroix trên nền của những mảnh vụn và khói u ám, những bức tranh được vẽ bằng sức mạnh ma thuật của bàn chải của họa sĩ người Tây Ban Nha F. Goya, sự tươi mát của sự bình lặng và sự u ám của cơn bão I. Aivazovsky - được kéo từ độ sâu của các thế kỷ Gothic và Phục hưng lên bề mặt của những gì trước đây được che đậy một cách khéo léo bằng những tấm kính thông thường được chấp nhận.

Nightmare, 1781, bởi Johann Heinrich Füsli

Tự do lãnh đạo nhân dân, 1830, Eugene Delacroix

Rainbow, Ivan Aivazovsky

Nếu bức tranh của thế kỷ XIII và XIV là những cảm xúc chai sạn, thì trong ba trăm năm tiếp theo sự hình thành của nghệ thuật thời kỳ đầu và thời kỳ Phục hưng cao, với sự vượt qua sự tôn giáo và niềm tin mù quáng vào một thứ khác hoặc thời kỳ của Sự khai sáng, chấm dứt "cuộc săn phù thủy", sau đó màn trình diễn nghệ thuật trên các tấm vải của Chủ nghĩa lãng mạn cho phép nhìn vào một thế giới khác với thế giới thực.

Để truyền tải niềm đam mê, các nghệ sĩ sử dụng màu sắc phong phú, nét vẽ tươi sáng và độ bão hòa của các bức tranh với "hiệu ứng đặc biệt".

Biedermeier

Một trong những nhánh của chủ nghĩa lãng mạn trong hội họa là phong cách biedermeier... Đặc điểm chính của Biedermeier là chủ nghĩa duy tâm. Trong hội họa, những cảnh đời thường chiếm ưu thế, trong khi ở các thể loại khác, những bức tranh mang tính chất gần gũi của thiên nhiên. Tranh cố gắng tìm ra những nét hấp dẫn bình dị trong thế giới của cậu bé. Xu hướng này đặc biệt bắt nguồn từ lối sống của người Đức quốc gia, chủ yếu là những kẻ trộm cắp.

Mọt sách, ước chừng. 1850, K. Spitzweg

Một trong những đại diện quan trọng nhất của hội họa Biedermeier, Karl Spitzweg, đã viết những philistines lập dị, như người Đức gọi chúng là philistines, mà chính ông là người.

Đương nhiên, anh hùng của hắn có hạn, đây là những tiểu nhân tỉnh lẻ, tưới hoa hồng trên ban công, người đưa thư, đầu bếp, người viết thư. Có sự hài hước trong các bức tranh của Spitzweg; anh ấy cười với các nhân vật của mình, nhưng không có ác ý.

Dần dần khái niệm “Biedermeier” lan sang lĩnh vực thời trang, mỹ thuật ứng dụng, đồ họa, thiết kế nội thất, đồ gỗ. Trong các ngành mỹ thuật ứng dụng, hội họa trên sứ và thủy tinh phát triển mạnh nhất. Đến năm 1900, từ này cũng có nghĩa là "những ngày xưa tốt đẹp".

Biedermeier là một phong cách cấp tỉnh, mặc dù các nghệ sĩ đô thị cũng đã làm việc theo phong cách này, ở Berlin và Vienna. Biedermeier cũng đã vào Nga. Ảnh hưởng của ông là trong các tác phẩm của các bậc thầy Nga, A. G. Venetsianov và V. A. Tropinin. Có tồn tại thành ngữ "Russian Biedermeier", mặc dù nghe có vẻ nực cười.

Sleeping Shepherd, 1823-24, A.G. Venetsianov

Chân dung gia đình Bá tước Morkov, 1813, V.A.Tropinin

Ở Nga, Biedermeier là thời của Pushkin. Thời trang Biedermeier là thời trang của thời đại Pushkin. Đây là một chiếc áo khoác, một chiếc áo gi-lê và một chiếc mũ đội đầu dành cho nam giới, một cây gậy, một chiếc quần bó có dải. Đôi khi - một chiếc áo khoác đuôi tôm. Phụ nữ mặc váy có eo hẹp, cổ rộng, váy rộng hình chuông và đội mũ. Mọi thứ đơn giản không có trang trí cầu kỳ.

Nội thất theo phong cách Biedermeier được đặc trưng bởi sự gần gũi, tỷ lệ cân đối, đơn giản về hình thức và màu sắc nhẹ nhàng. Mặt bằng sáng sủa và rộng rãi, đó là lý do tại sao nội thất được cho là đơn giản vừa phải, nhưng thoải mái về mặt tâm lý. Tường của các phòng có hốc cửa sổ sâu được sơn màu trắng hoặc các màu sáng khác và dán giấy dán tường sọc nổi lên trên. Hoa văn trên rèm cửa sổ và vải bọc cũng giống nhau. Những đồ nội thất bằng vải này có màu và có thiết kế mô tả hoa.

Khái niệm "phòng sạch" xuất hiện, tức là một căn phòng không được sử dụng vào các ngày trong tuần. "Căn phòng Chủ nhật" thường đóng cửa này chỉ được dùng để tiếp khách. Đồ nội thất sơn màu ấm và màu nước tường, chạm khắc, cũng như một số lượng lớn đồ trang trí và đồ lưu niệm đã làm tăng thêm sự ấm cúng cho nội thất khu dân cư. Như trong trường hợp sở thích về phong cách, Biedermeier thực tế chỉ chọn những đồ nội thất phù hợp với ý tưởng về chức năng và sự thoải mái của họ. Chưa bao giờ đồ nội thất đáp ứng đầy đủ mục đích của nó như trong thời đại ngày nay - tính trang trí lại biến mất dần trong nền.

Vào đầu thế kỷ 20, Biedermeier bắt đầu bị đánh giá tiêu cực. Anh ta được hiểu là "thô tục, philistine." Anh ta thực sự có những đặc điểm như gần gũi, thân thiết, đa cảm, thi vị hóa sự vật nên mới đưa ra đánh giá như vậy.

Chủ nghĩa lãng mạn trong văn học

Chủ nghĩa lãng mạn cũng phản đối Khai sáng về mặt ngôn từ: ngôn ngữ của các tác phẩm lãng mạn, cố gắng trở nên tự nhiên, “đơn giản”, dễ tiếp cận với tất cả độc giả, là thứ đối lập với kinh điển với các chủ đề cao quý, “cao siêu”, chẳng hạn, của bi kịch cổ điển.

Anh hùng lãng mạn- một tính cách phức tạp, đa tình, có thế giới nội tâm sâu sắc, bất tận đến lạ thường; nó là cả một vũ trụ đầy mâu thuẫn. Những người theo chủ nghĩa lãng mạn quan tâm đến tất cả những đam mê, cả cao và thấp, đối lập nhau. Đam mê cao là tình yêu trong tất cả các biểu hiện của nó, đam mê thấp là tham lam, tham vọng, đố kỵ. Quan tâm đến những cảm giác mạnh mẽ và sống động, những đam mê hết mình, trong những chuyển động thầm kín của tâm hồn - đây là những đặc điểm đặc trưng của chủ nghĩa lãng mạn.

Trong số những người theo chủ nghĩa lãng mạn Tây Âu muộn, chủ nghĩa bi quan trong mối quan hệ với xã hội có được tỷ lệ vũ trụ, trở thành "căn bệnh của thế kỷ." Các anh hùng của nhiều tác phẩm lãng mạn (F.R. Chateaubriand, A. Musset, J. Byron, A. Vigny, A. Lamartin, G. Heine, v.v.) được đặc trưng bởi tâm trạng tuyệt vọng, tuyệt vọng, mang tính cách phổ biến của con người. Sự hoàn hảo bị mất vĩnh viễn, thế giới bị cai trị bởi cái ác, sự hỗn loạn cổ đại đang hồi sinh. Chủ đề về "thế giới đáng sợ", đặc trưng của tất cả văn học lãng mạn, được thể hiện một cách sinh động nhất trong cái gọi là "thể loại đen", cũng như trong các tác phẩm của Byron, C. Brentano, E.TA Hoffmann, E. Poe và N. Cây táo gai.

Đồng thời, chủ nghĩa lãng mạn dựa trên những ý tưởng thách thức “thế giới khủng khiếp” - trên hết là những ý tưởng về tự do. Sự thất vọng của chủ nghĩa lãng mạn là sự thất vọng về thực tế, nhưng sự tiến bộ và văn minh chỉ là một mặt của nó. Từ chối mặt này, thiếu niềm tin vào khả năng của nền văn minh cung cấp một con đường khác, một con đường dẫn đến lý tưởng, đến cái vĩnh cửu, cái tuyệt đối. Con đường này phải hóa giải mọi mâu thuẫn, thay đổi hoàn toàn cuộc sống. Đây là con đường dẫn đến sự hoàn thiện, "mục tiêu, sự giải thích về mục tiêu đó phải được tìm kiếm ở phía bên kia của cái hữu hình" (A. de Vigny).

Đối với một số tác phẩm lãng mạn, thế giới bị thống trị bởi những thế lực khó hiểu và bí ẩn, những thế lực này phải tuân theo và không cố gắng thay đổi số phận (các nhà thơ thuộc "trường phái hồ", Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Đối với những người khác, “ác nhân thế giới” kích động phản kháng, đòi trả thù và đấu tranh. (J. Byron, P.B. Shelley, S. Petofi, A. Mitskevich, A.S. Pushkin đầu). Điểm chung của họ là tất cả đều nhìn thấy một bản chất duy nhất trong con người, mà nhiệm vụ của họ không chỉ đơn giản là giải quyết các vấn đề hàng ngày. Ngược lại, không phủ nhận cuộc sống hàng ngày, những người theo chủ nghĩa lãng mạn đã tìm cách làm sáng tỏ bí ẩn của sự tồn tại của con người, hướng về thiên nhiên, tin tưởng vào cảm giác tôn giáo và thơ ca của họ.

Nhân tiện, nhờ Zhukovsky mà một trong những thể loại lãng mạn Tây Âu được yêu thích đã đi vào văn học Nga - bản ballad... Nhờ những bản dịch của Zhukovsky, độc giả Nga đã làm quen với những bản ballad của Goethe, Schiller, Burger, Southey, W. Scott. "Người dịch trong văn xuôi là nô lệ, người dịch trong câu thơ là đối thủ", những lời này thuộc về chính Zhukovsky và phản ánh thái độ của ông đối với các bản dịch của chính mình.

Sau Zhukovsky, nhiều nhà thơ đã chuyển sang thể loại ballad - A.S. Pushkin ( Song of Prophet Oleg, Chết đuối), M.Yu. Lermontov ( Phi thuyền, Mỹ nhân ngư) A.K. Tolstoy ( Vasily Shibanov) và vân vân.

Kỷ nguyên của chủ nghĩa cổ điển và thời kỳ Khai sáng, thống trị trong hai thế kỷ về triết học, văn học và nghệ thuật, đã kết thúc mà những tư tưởng tiến bộ của chúng nhanh chóng biến chất thành khủng bố đẫm máu, hành quyết và sự thiếu kiên nhẫn về mặt ý thức hệ. Câu trả lời cho những mâu thuẫn hữu hình giữa những ý tưởng cao cả và thực tế không mấy hấp dẫn mà chúng đã nảy sinh là sự xuất hiện của một hiện tượng văn hóa rất sâu rộng và bao trùm - chủ nghĩa lãng mạn - xu hướng cuối cùng trong lịch sử nghệ thuật về phạm vi và chiều sâu của ý tưởng, được thể hiện sinh động trong văn học, âm nhạc và hội họa ...

Chủ nghĩa lãng mạn trong văn học và nghệ thuật đã trở thành đỉnh cao nhất trong những tư tưởng của chủ nghĩa nhân văn, xuất hiện trong thời kỳ Phục hưng. Sau đó, sự chú ý gần gũi đến người đàn ông trần thế đã nảy sinh, với những khuyết điểm và yếu kém của anh ta, anh ta đã trở thành thước đo của tất cả những gì tồn tại. Kết quả, làm nảy sinh những mâu thuẫn gay gắt trong tâm trí của những người trẻ tuổi và cho thấy toàn bộ sự mâu thuẫn trong các tư tưởng của thời Khai sáng, buộc một lần nữa phải chú ý đến thế giới nội tâm của cá nhân, đến sự độc đáo và chiều sâu của nó, từ chối sự hợp lý của xã hội. - ý tưởng chính trị về sự hài hòa và thịnh vượng chung.

Chủ nghĩa lãng mạn trong văn học và nghệ thuật đã trình bày thế giới xung quanh một người như một bí ẩn và một câu đố, mà chỉ có thể hiểu được bằng cảm xúc, tình cảm và trái tim. Thực tế lý trí được thay thế bằng những thế giới tuyệt vời mà lý trí không thể nhận thức được. Chỉ có những cảm giác mạnh mẽ mới có thể chống lại thế giới, và về sức mạnh và chiều sâu, chúng có sức mạnh ngang ngửa với Vũ trụ.

Người anh hùng lãng mạn luôn mạnh dạn thách thức thế giới xung quanh, anh ta hoàn toàn nhận thức được sự độc quyền của mình, tự hào về cô ấy, trong khi nhận ra rằng cái chết của anh ta là không thể tránh khỏi, vì anh ta xung đột không phải với cá nhân hay hoàn cảnh xã hội, mà với toàn thể vũ trụ. Chủ nghĩa lãng mạn trong văn học, nghệ thuật sâu sắc và giàu tình yêu thương miêu tả người anh hùng, những trải nghiệm tình cảm mạnh mẽ của anh ta. Hơn nữa, những trải nghiệm này là vô tận, bởi vì anh hùng lãng mạn là một quả cầu chặt chẽ của những mâu thuẫn. Chống lại một thế giới không hoàn hảo, một số người trong số họ lao lên, cố gắng đạt được sự hoàn hảo ngang bằng với Chúa, những người khác thì ngược lại, lao vào vực sâu đáng sợ của cái ác và những điều xấu xa.

Chủ nghĩa lãng mạn trong văn học xây dựng theo những cách giống nhau. Nhưng tất cả họ đều cố gắng thoát khỏi hiện tại, nơi không có gì khác ngoài một thực tế tư sản tồi tệ.

Chủ nghĩa lãng mạn trong văn học đã trở thành người sáng lập ra những hình thức mới và đặt ra những nhiệm vụ mới vẫn còn phù hợp cho đến ngày nay. Các nhà văn lãng mạn đã tạo ra nội dung mới, đề xuất những nội dung mới, trong đó điều chính trở thành một cuộc nổi dậy chống lại sự buồn tẻ và quy củ, và người anh hùng biến thành một con người hòa hợp và toàn vẹn, hiểu và chấp nhận tính cách bất thường và mạnh mẽ của mình không chỉ các quy luật của sự tồn tại trên trần thế , mà còn là những lý tưởng trời cho.

Chủ nghĩa lãng mạn trong nghệ thuật và văn học đã hình thành các nguyên tắc dân tộc và chủ nghĩa lịch sử, trở thành nền tảng trong sự phát triển hơn nữa của nghệ thuật. Một hướng đi thú vị khác theo hướng này là lý thuyết về sự mỉa mai lãng mạn, được xây dựng bởi nhà lý thuyết, nhà triết học người Đức F. Schlegel. Ông tuyên bố vai trò to lớn của nghệ thuật như một công cụ hoàn hảo để nhận thức và biến đổi thế giới, tương ứng, các nghệ sĩ của chủ nghĩa lãng mạn là những người sáng tạo vĩ đại, ngang hàng với Chúa. Nhưng cũng rõ ràng rằng bất kỳ, ngay cả nghệ sĩ tài năng nhất cũng chỉ là một con người, và cái nhìn của anh ta về thế giới là chủ quan và hạn chế. Lý thuyết về sự trớ trêu lãng mạn là câu trả lời cho sự mâu thuẫn này giữa lý tưởng trong nghệ thuật lãng mạn và hiện thực. Schlegel cho rằng sự trớ trêu phải hiện diện trong cách nhìn của người nghệ sĩ không chỉ ở thế giới xung quanh anh ta, mà còn ở chính bản thân anh ta, ở quá trình sáng tạo và kết quả của nó. Vì vậy, người sáng tạo thừa nhận sự không hoàn hảo của mình và không thể tạo ra một lý tưởng, vì anh ta không thể giải được câu đố về thế giới và vũ trụ.