Nghệ thuật đồ họa đương đại. Họa sĩ, nhà điêu khắc, nhà đồ họa nổi tiếng. Phim tình cảm của Joseph Lorasso

Đồ họa là loại hình nghệ thuật tạo hình cổ xưa nhất. Những tác phẩm đồ họa đầu tiên được coi là những bức tranh vẽ trên đá của một người nguyên thủy, phản ánh cái nhìn của anh ta về thế giới xung quanh. Sách giấy cói của người Ai Cập cổ đại chứa các ký hiệu đồ họa (chữ tượng hình) và hình minh họa. Từ xa xưa, những ví dụ tuyệt vời về đồ họa dưới dạng tranh vẽ trên bình hoa và bình gốm đã đến với chúng ta.

Trong một thời gian dài, người ta chỉ coi chữ viết và thư pháp là đồ họa. Vào thời Trung cổ, đồ họa sách đã trở nên phổ biến: sách viết tay được trang trí bằng những bức vẽ và tiểu cảnh lộng lẫy, và việc tạo phông chữ đã biến thành một khu vực nghệ thuật của khách sạn.

Các nghệ sĩ đồ họa xuất sắc và các tác phẩm đáng chú ý của họ

Bậc thầy vĩ đại nhất của thời kỳ Phục hưng Tây Âu, Albrecht Durer, là một trong những người sáng lập ra nghề khắc. Các tác phẩm bằng đồng nổi tiếng nhất của ông là The Knight, Death and the Devil (1513), St. Jerome in his cell ”và“ Melancholy ”(1514).

Nghệ sĩ và nhà khoa học người Ý vĩ đại của thời kỳ Phục hưng, Leonardo da Vinci, là một nhà soạn thảo không thể bắt chước. Di sản đồ họa khổng lồ của ông bao gồm: bản vẽ chuẩn bị cho hội họa, hình ảnh động vật và thực vật, hình minh họa cho sự phát triển kỹ thuật, bản vẽ cho các chuyên luận.

Kỹ thuật và các loại đồ họa

Vẽ là cơ sở của tất cả các loại hình nghệ thuật đồ họa. Thông thường, một đồ họa được vẽ trên một mảnh giấy đóng vai trò là không gian. Để tạo ra các tác phẩm của mình, nghệ sĩ có thể sử dụng cả kho công cụ: bút chì, bút bi, than, mực, mực, sanguine (bút chì màu nâu đỏ làm từ cao lanh và oxit sắt), phấn màu, nước sốt (một trong những loại của phấn màu), màu nước, bột màu.

Công cụ chính của bản vẽ châu Âu trong cuối thời kỳ Gothic và Phục hưng là bút. Vào cuối thế kỷ 17, họ bắt đầu sử dụng bút chì than chì để tạo ra các bức vẽ, bản vẽ, phác thảo. Trong đồ họa, canvas thực tế không được sử dụng, vì màu nước và bột màu không phù hợp với nó. Màu sắc trong hình ảnh đồ họa được sử dụng ít hơn nhiều so với trong tranh vẽ. Các phương tiện đồ họa chính của đồ họa là đường thẳng, điểm, chiaroscuro, nét và điểm.

Đồ họa có nhiều thể loại giống như hội họa. Nhưng ở đây thể loại chân dung và phong cảnh phổ biến hơn, ở một mức độ thấp hơn - tĩnh vật, lịch sử, đời thường và những thể loại khác. Theo truyền thống, đồ họa được chia thành tượng đài (áp phích, đồ họa trên tường), giá vẽ (vẽ và in), sách (minh họa, bưu thiếp), cũng như đồ họa máy tính, tuy nhiên, đứng sang một bên, vì nó không sử dụng các vật liệu truyền thống.

Nghệ thuật đồ họa được phân biệt bởi nhiều kỹ thuật mà người nghệ sĩ sử dụng ở dạng thuần túy hoặc kết hợp khác nhau. Có hai loại đồ họa theo kỹ thuật: đồ họa vẽ và đồ họa in (printmaking). Bản vẽ chỉ được tạo ra trong một bản sao duy nhất. Vào thời cổ đại, các nghệ sĩ sử dụng giấy cói, giấy da, và từ thế kỷ 14 họ bắt đầu vẽ trên giấy.

Ngược lại, đồ họa in tồn tại ở nhiều bản sao. Để nhân bản, bản khắc được sử dụng - một bản vẽ trên chất liệu rắn, được phủ bằng sơn, và sau đó được in trên một tờ giấy. Tùy theo chất liệu mà người ta phân biệt các kiểu và kỹ thuật khắc khác nhau: khắc gỗ (khắc gỗ), khắc linocut (khắc trên vải sơn), khắc (khắc kim loại), thạch bản (khắc trên đá). Với sự ra đời của tranh khắc, sách in xuất hiện và đồ họa sách bắt đầu phát triển. Ngày nay, sự phát triển của đồ họa không dừng lại, các thể loại và kỹ thuật mới đang xuất hiện, nhưng, như thời cổ đại, đồ họa vẫn là một thành phần quan trọng của nghệ thuật thị giác trong cuộc sống của chúng ta.

) trong những tác phẩm đầy sức biểu cảm của mình, cô ấy đã có thể bảo tồn sự trong suốt của sương mù, sự nhẹ nhàng của cánh buồm, sự lắc lư êm ái của con tàu trên sóng.

Những bức tranh của cô ấy nổi bật ở độ sâu, khối lượng, độ bão hòa và kết cấu đến mức bạn không thể rời mắt khỏi chúng.

Đơn giản ấm áp Valentina Gubarev

Nghệ sĩ nguyên thủy từ Minsk Valentin Gubarev không theo đuổi danh vọng và chỉ làm những gì mình yêu thích. Tác phẩm của ông rất nổi tiếng ở nước ngoài, nhưng hầu như không được đồng hương ông biết đến. Vào giữa những năm 90, người Pháp say mê những bức ký họa hàng ngày của ông và ký hợp đồng với họa sĩ trong 16 năm. Những bức tranh, dường như chỉ có thể hiểu được đối với chúng tôi, những người mang "nét duyên dáng khiêm tốn của chủ nghĩa xã hội chưa phát triển", được công chúng châu Âu ưa thích, và các cuộc triển lãm đã bắt đầu ở Thụy Sĩ, Đức, Anh và các nước khác.

Chủ nghĩa hiện thực gợi cảm của Sergei Marshennikov

Sergey Marshennikov năm nay 41 tuổi. Anh ấy sống ở St.Petersburg và tạo ra những truyền thống tốt nhất của trường phái vẽ chân dung hiện thực cổ điển của Nga. Các nhân vật nữ chính trong những bức tranh sơn dầu của anh ấy là những người phụ nữ dịu dàng và không có khả năng tự vệ trong tình trạng bán khỏa thân của họ. Nhiều bức tranh nổi tiếng nhất vẽ nàng thơ và vợ của họa sĩ, Natalya.

Thế giới thiển cận của Philip Barlow

Trong thời kỳ hiện đại của những bức tranh độ phân giải cao và thời kỳ hoàng kim của chủ nghĩa siêu thực, tác phẩm của Philip Barlow ngay lập tức thu hút sự chú ý. Tuy nhiên, người xem cần phải có một nỗ lực nhất định để buộc mình phải nhìn vào những bóng mờ và những điểm sáng trên các bức tranh của tác giả. Có thể, đây là cách những người bị cận thị nhìn thế giới mà không cần đeo kính và kính áp tròng.

Những chú thỏ mặt trời của Laurent Parsellier

Bức tranh của Laurent Parcelier là một thế giới tuyệt vời, trong đó không có nỗi buồn và sự tuyệt vọng. Bạn sẽ không tìm thấy hình ảnh u ám và mưa với anh ta. Có rất nhiều ánh sáng, không khí và màu sắc tươi sáng trên các bức tranh của anh ấy, được người nghệ sĩ áp dụng với những nét đặc trưng dễ nhận biết. Điều này tạo cảm giác những bức tranh được dệt nên từ hàng nghìn tia nắng.

Sự năng động của thành phố trong các công trình của Jeremy Mann

Nghệ sĩ người Mỹ Jeremy Mann vẽ những bức chân dung năng động của một đô thị hiện đại bằng dầu trên các tấm gỗ. “Những hình dạng, đường nét trừu tượng, sự tương phản của các điểm sáng và tối - mọi thứ tạo nên một bức tranh gợi lên cảm giác mà một người trải qua trong đám đông và sự nhộn nhịp của thành phố, nhưng cũng có thể thể hiện sự tĩnh lặng mà người ta tìm thấy khi chiêm ngưỡng vẻ đẹp yên tĩnh,” nói nghệ sĩ.

Thế giới ảo mộng của Neil Simon

Trong các bức tranh của nghệ sĩ người Anh Neil Simone, mọi thứ thoạt nhìn không giống như những gì nó tưởng tượng. Simon nói: “Đối với tôi, thế giới xung quanh là một chuỗi các hình dạng, bóng tối và ranh giới mong manh và liên tục thay đổi. Và trong tranh của anh, mọi thứ thực sự hư ảo và liên kết với nhau. Biên giới bị cuốn trôi, và các mảnh đất chảy vào nhau.

Phim tình cảm của Joseph Lorasso

Sinh ra là một người Ý, nghệ sĩ đương đại người Mỹ Joseph Lorusso mang đến những khung cảnh mà ông đã theo dõi trong cuộc sống hàng ngày của những người bình thường. Những cái ôm và nụ hôn, những thúc giục nồng nàn, những khoảnh khắc âu yếm và khao khát tràn ngập những bức ảnh đầy cảm xúc của anh ấy.

Cuộc sống làng quê của Dmitry Lyovin

Dmitry Levin là một bậc thầy được công nhận về phong cảnh Nga, người đã tự khẳng định mình là một đại diện tài năng của trường phái hiện thực Nga. Nguồn gốc quan trọng nhất của nghệ thuật của anh ấy là sự gắn bó của anh ấy với thiên nhiên, thứ mà anh ấy yêu quý và say mê và trong đó anh ấy cảm thấy mình là một phần.

Phía đông tươi sáng của Valery Blokhin

Bộ sưu tập đồ họa Nga cuối thế kỷ 19 - 20 trong Khu bảo tồn Sergiev Posad có khối lượng nhỏ, ít hệ thống và đầy đủ hơn bộ sưu tập tranh của thời kỳ này. Nhưng nó có ý nghĩa nghệ thuật riêng trong quần thể bảo tàng chung.
Tính đặc trưng của bộ sưu tập đồ họa của bảo tàng (cũng như bộ sưu tập ảnh) là chủ yếu các tác phẩm của các nghệ sĩ địa phương và một chủ đề tập trung nhất định gắn liền với biểu tượng của Trinity-Sergius Lavra và thành phố. Một phần đặc biệt của nó được tạo thành từ các tấm riêng lẻ (hiếm khi - chu kỳ của các tác phẩm) của các bậc thầy nổi tiếng về mỹ thuật Nga - I.I. Shishkina, B.M. Kustodieva, K.S. Petrova-Vodkina, V.A. Favorsky, T.A. Mavrina và những người khác (khoảng 80 tác phẩm).

Những bước đầu tiên hướng tới việc hình thành bộ sưu tập được thực hiện ngay từ khi bảo tàng bắt đầu hoạt động - vào năm 1920-1921: hơn 30 tác phẩm đồ họa của các nghệ sĩ địa phương đã được mua từ "Triển lãm Động cơ Kiến trúc của TSL".
Phần giá trị nhất của bộ sưu tập là sự quyên góp và mua các tác phẩm đồ họa từ các cá nhân tư nhân. Bằng cách này, các tác phẩm của I.I. Shishkina, B.M. Kustodiev, V.A. Favorsky, L.S. Bakst. "Tên" (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin và những người khác) được "đặt tên", nhưng được thể hiện bằng các tác phẩm đơn lẻ. "Cá nhân hóa" của nghệ thuật đồ họa Nga trong bộ sưu tập bảo tàng về cơ bản là giống nhau - T.A. Mavrina (bộ sưu tập SPMZ có thể cho thấy tác phẩm của cô đang trong quá trình phát triển, từ những năm 1940 đến những năm 1970, bằng cách sử dụng ví dụ về những tác phẩm xuất sắc nhất). Tuy nhiên, đối với một bộ sưu tập nghệ thuật "cấp tỉnh" của cuối thế kỷ 19 và 20, các tác phẩm cá nhân của các nghệ sĩ cổ điển là vô cùng quý giá.

Các ví dụ sớm nhất về đồ họa in trong tổ hợp các tác phẩm đang được xem xét có từ những năm 80 của thế kỷ 19. Chúng được liên kết với một "nhân cách" - một nhân vật quan trọng và có ý nghĩa trong lịch sử khắc Nga thời kỳ này - I.I. Shishkin (1832 1898).
Chúng ta hãy nhớ lại rằng những năm 1870 là một giai đoạn chuyển giao và "đoạn đường" cho đồ họa in của Nga, thời điểm thống trị của nghệ thuật khắc. Nhưng ngay cả trong thời kỳ không phải là thời kỳ sáng tạo nhất này vẫn có những nghệ thuật khắc gỗ điêu luyện (V.V. Mate) và khắc (I.I.Shishkin). Trong bộ sưu tập của chúng tôi có bốn bức tranh khắc của nghệ sĩ, được ông tạo ra vào những năm 1880 (một thời kỳ đặc biệt hiệu quả trong công việc của Shishkin). Đó là các tờ "Gurzuf" (1885), "Rừng đen" (1885), "Tháng tư" (1885), "Đầm lầy trên đường sắt Warsaw" (1886), rực rỡ ở kỹ năng thực hiện và sự tinh tế trong việc truyền tải trạng thái của thiên nhiên. . Bộ sưu tập của bảo tàng cũng có các bức vẽ của các họa sĩ nổi tiếng của Nga như họa sĩ Itinerant Vladimir Egorovich Makovsky (1846-1920) và Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Chân dung của V.E. Makovsky, được thực hiện trong bản vẽ, hoàn hảo về bố cục và độ hoàn chỉnh như những bức tranh sơn dầu của ông. Là một bậc thầy về chân dung, V.E. Makovsky có tài năng truyền tải một cách chính xác không chỉ vẻ ngoài của người được miêu tả mà còn cả những đặc điểm về chuyển động tinh thần của anh ta, làm nổi bật những đặc điểm nhân vật chính quyết định hành động, suy nghĩ và cảm xúc của một người. Valentin Serov, giống như bất kỳ nghệ sĩ thực thụ nào, không chỉ vẽ tranh sơn dầu mà còn làm chủ được kỹ thuật vẽ một cách thành thạo. Nhiều tác phẩm bằng bút chì và than của ông có cùng độ sống động và độ chính xác trong việc truyền tải tính cách của người được miêu tả, cũng như sự hoàn hảo trong quá trình thực hiện như các bức tranh sơn dầu của ông.

Bộ sưu tập của bảo tàng chứa một số tác phẩm của các nghệ sĩ Nga nổi tiếng cuối thế kỷ 19 - đầu thế kỷ 20. Trước hết, đây là bức vẽ của Mikhail Vrubel (1856-1910), đại diện lớn nhất của Chủ nghĩa tượng trưng và Tân nghệ thuật trong mỹ thuật Nga. Cùng với các tờ của L.S. Bakst và M.A. Thời kỳ hoàng kim của đồ họa Nga Vrubel vào đầu thế kỷ 19 - 20 và những năm 1910 được thể hiện qua tác phẩm của K.A. Korovin (1861–1939) - bản phác thảo năm 1917 cho vở opera của N.A. Rimsky Korsakov "Sadko". Bản phác thảo này là ví dụ "còn sót lại" duy nhất của đồ họa trang trí và sân khấu. Về mặt phong cách, tờ của chúng tôi gần với một số tác phẩm sân khấu của K. Korovin vào cuối những năm 1900 - 1910. Các bản phác thảo của K. Korovin cho "Sadko" vào năm 1906, 1914 được phân biệt bởi một cấu trúc phức tạp hơn, chúng không chỉ bao gồm hình ảnh của "Chorus", mà còn có một sân thượng rộng mở, thông qua các nhịp của cảnh quan - "biển xanh " có thể nhìn thấy. Tấm của chúng tôi có âm thanh trong buồng: nó đại diện cho nội thất của một căn buồng với một mái vòm cao, cửa sổ nhỏ, một bếp lát gạch và những chiếc ghế dài.
Bộ sưu tập đồ họa của bảo tàng còn có một bức vẽ nhỏ của Ilya Efimovich Repin "Chân dung nhà văn Leontyev-Shcheglov". IL. Leontiev-Shcheglov (1856-1911) - nhà văn, nhà viết kịch tài năng người Nga

Tờ đồ họa của B.M. Kustodiev trong bộ sưu tập của Khu bảo tồn Sergiev Posad - đây là ba bức tranh linocuts năm 1926 (có chữ ký, ghi ngày tháng của tác giả), nhận được vào năm 1928 từ một bộ sưu tập tư nhân. Đồ họa chiếm một vị trí quan trọng trong tác phẩm của nghệ sĩ, mặc dù anh ta, phần lớn, là một họa sĩ. Trong những năm 1920, Kustodiev đã thực hiện rất nhiều minh họa sách, áp phích và khắc trên giá vẽ (khắc gỗ, in thạch bản, linocut). Vào năm 1926 B.M. Kustodiev đã tạo ra một số tác phẩm với "Người tắm" bằng các kỹ thuật cắt nét, khắc gỗ và màu nước. Trong các mục nhật ký cho năm 1926 của người viết tiểu sử đầu tiên V.V. Kustodiev. Voinov (nghệ sĩ đồ họa, nhà sử học nghệ thuật, nhà phê bình nghệ thuật), chủ đề tác phẩm của Boris Mikhailovich trên linocut "Bather" và "Bather" liên tục được nghe thấy. Một mô hình không đổi trong những năm cuối của B.M. Kustodiev "cho chân dung, nhân vật trong tranh, bìa, bản in, hình minh họa" phục vụ con gái Irina của mình. Cô cũng tạo dáng cho cha mình bức tranh khắc "The Bather".
Bên trên loạt phim "Bathers" của B.M. Kustodiev đã làm việc, theo nghĩa đen của từ này, cho đến những ngày cuối cùng của cuộc đời mình: bản khắc cuối cùng của chu kỳ này được thực hiện bởi ông vào ngày 4 tháng 5 năm 1927 (và vào ngày 26 tháng 5, nghệ sĩ qua đời).

Là tác phẩm của một trong những nhân vật kiệt xuất của nghệ thuật Nga thế kỷ 20, tác phẩm kinh điển của nghệ thuật khắc gỗ V.A. Favorsky (1886-1964) được trưng bày trong bộ sưu tập của bảo tàng bởi mười sáu tờ đồ họa từ các thời kỳ khác nhau: các tác phẩm giá vẽ, minh họa sách và các mẫu "đồ họa phông chữ" của ông.
Việc lựa chọn các tấm phần lớn là ngẫu nhiên, không phải tất cả chúng đều là tác phẩm hạng nhất hoặc mang tính biểu tượng của chủ nhân. Năm 1919 1939. các thành viên của gia đình này (bao gồm cả Vladimir Andreevich Favorsky) sống ở Sergiev Zagorsk, đã bám rễ vào đời sống văn hóa tinh thần của ông, đã tạo ra nhiều tác phẩm của họ ở đây, và V.A. Favorsky là một trong những người tổ chức bảo tàng của chúng tôi.
Trong số đó - một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất, có ý nghĩa nhất trong thời kỳ này của nghệ sĩ - giá vẽ khắc "Tháng 10 năm 1917" 1928 Bức khắc gỗ này được tạo ra theo lệnh nhà nước đầu tiên của Hội đồng nhân dân nhân kỷ niệm 10 năm Cách mạng Tháng Mười. Sau đó, Favorsky hình thành bộ truyện "Những năm cách mạng", trong đó "các bức vẽ được sắp xếp theo trình tự thời gian nhằm tái hiện lại toàn bộ lịch sử của nhà nước Xô Viết trong 10 năm đầu năm này qua năm khác." Bức tranh khắc gỗ "Tháng Mười năm 1917" là một tường thuật chi tiết, đồng thời, một bố cục tượng trưng, ​​ẩn dụ với nhiều nhân vật và một số tình tiết, được kết hợp khá hữu cơ với nhau.

Thời kỳ cuối của V.A. Favorsky trong bộ sưu tập của chúng tôi là các bản khắc từ các chu kỳ tốt nhất, nổi tiếng nhất của ông trong những năm 1950, mà nghệ sĩ đã được trao Giải thưởng Lenin năm 1962 - các bức tranh minh họa từ năm 1950 cho "Trung đoàn nằm của Igor" và cho "Boris Godunov" 1955, được tặng đến bảo tàng vào năm 1965.
Chúng thể hiện một cách hoàn hảo "phong cách muộn" của tranh khắc gỗ của Favorsky, nơi chú ý nhiều hơn đến diện mạo của các nhân vật, bối cảnh, trang phục, nơi mà các phương tiện hình ảnh thay đổi một cách tự nhiên: sự khổ hạnh của các giải pháp đồ họa có đường viền và đổ bóng mở được thay thế bằng một "vẻ đẹp như tranh vẽ" nhất định. Vẻ trang trọng và tính sử thi của Lay mang đầy âm hưởng trong bố cục nhiều hình (Trước trận chiến), trong đó Favorsky bao gồm hình ảnh những người lính Nga dưới cờ chiến đấu và Guslyar. Từ sự đa dạng của các chu kỳ đồ họa V.A. Favorsky của những năm 50 với bộ phim truyền hình của A.S. Pushkin ("Boris Godunov", "Little Tragedies") trong bộ sưu tập của bảo tàng chỉ có một minh họa cho bi kịch "Boris Godunov" - "Pimen và Grigory" 1955.

Bộ sưu tập các tác phẩm của nghệ sĩ đồ họa và họa sĩ xuất sắc người Nga Tatyana Alekseevna Mavrina trong Khu bảo tồn Sergiev Posad xét về khối lượng, mức độ tác phẩm, sự đa dạng về thể loại của chúng chỉ có thể so sánh với các bộ sưu tập bảo tàng lớn nhất trong nước có bộ sưu tập đồ họa của thế kỷ 20. (Bảo tàng Pushkin, Nhà trưng bày Tretyakov, Bảo tàng Nhà nước Nga). Đây là sáu mươi hai tờ đến với chúng tôi vào năm 1977, 1978 sau khi cuộc triển lãm cá nhân của tác giả được tổ chức trong viện bảo tàng. Bốn mươi lăm tác phẩm đã được trình bày bởi T.A. Mavrina như một món quà.
Theo trình tự thời gian, bộ sưu tập các tác phẩm của Mavrin bao gồm một khoảng thời gian lớn trong công việc của nghệ sĩ (các ngày cuối cùng là năm 1944 và 1976; hơn nữa, một số lượng xấp xỉ bằng nhau đề cập đến các giai đoạn của những năm 40, 50, 60 và 70). Nó đại diện cho đủ loại kỹ thuật đồ họa mà Mavrina đã làm việc hiệu quả: màu nước, bột màu, tấm làm bằng chất liệu hỗn hợp (tempera, gouache hoặc tempera, gouache, watercolor), bản vẽ bút chì, bản vẽ mực.

"Chu trình Zagorsk" T.A. Mavrina, thể hiện một cách sinh động thái độ, những ưu tiên trong nghệ thuật, phong cách độc đáo của cô, thường được gọi là "Mavrinsky", bắt đầu hình thành vào những năm 1940. "Loạt cốt truyện" của các tác phẩm Mavrin những năm 50 - quần thể "tuyệt vời được nhìn thấy" của Lavra, tu viện Pyatnitsky, thị trấn cổ và cuộc sống của cư dân - hàng ngày và lễ hội, thể hiện trong chìa khóa đặc biệt, ẩn dụ và thơ mộng của nó gắn với hình tượng nghệ thuật dân gian và văn học dân gian. Những tờ giấy của những năm 1960 - 1970 cũng mang tính biểu cảm và tự do, đậm nét về cách vẽ, bố cục, màu sắc. Trong thành phần chủ đề của họ, phong cảnh thể loại vẫn chiếm ưu thế, trong chính những cái tên mà khía cạnh hiệu quả và hàng ngày được nhấn mạnh. Ví dụ cổ điển về "chân dung Mavrinsky" trong bộ sưu tập của chúng tôi là "Demidova" 1973. "Demidova" là một ví dụ tuyệt vời về sự kết hợp hữu cơ của hai thể loại - "chân dung trong phong cảnh": một hình ảnh lớn, chính diện, dài bằng nửa chiều dài của một "bà già Nga" trong chiếc khăn choàng trắng trên nền làng mùa hè. Phong cảnh, nơi, theo truyền thống xưa của các bức tranh dân gian và các bản in phổ biến, các dòng chữ được đưa ra trên chính hình ảnh.

Chúng tôi đã lên kế hoạch xếp hạng các tác phẩm đắt giá nhất trên giấy của các nghệ sĩ thuộc quỹ đạo nghệ thuật Nga trong một thời gian dài. Động cơ tốt nhất đối với chúng tôi hóa ra là một kỷ lục mới trong đồ họa Nga - 2,098 triệu bảng cho một bức vẽ của Kazimir Malevich vào ngày 2 tháng 6

Công bố xếp hạng của chúng tôi, chúng tôi thực sự muốn xem xét xung quanh với tất cả các loại đặt trước để cảnh báo về các câu hỏi có thể xảy ra. Vì vậy, nguyên tắc đầu tiên: chỉ đồ họa gốc. Thứ hai: chúng tôi sử dụng kết quả bán đấu giá mở cho các tác phẩm của các nghệ sĩ nằm trong quỹ đạo của nghệ thuật Nga, theo cơ sở dữ liệu của trang web (có lẽ doanh số bán tại phòng tranh ở mức giá cao hơn). Thứ ba: tất nhiên, sẽ rất hấp dẫn nếu đặt 3,7 triệu đô la ở vị trí đầu tiên cho Husatonic của Arshil Gorka. Như bạn đã biết, bản thân anh ấy đã nỗ lực bằng mọi cách có thể để được coi là một nghệ sĩ Nga, không né tránh những trò lừa bịp, lấy một bút danh để vinh danh Maxim Gorky, v.v.; vào năm 2009, các tác phẩm của Gorki đã được Bảo tàng Nga và Phòng trưng bày Tretyakov trưng bày tại triển lãm "Nghệ sĩ Mỹ đến từ Đế chế Nga", chúng tôi đã đưa nó vào cơ sở dữ liệu AI về kết quả đấu giá, nhưng bắt đầu từ đó, xếp hạng của đồ họa Nga là không công bằng trên cơ sở chính thức. Thứ tư: một tờ - một kết quả. Đối với xếp hạng này, chúng tôi chỉ chọn các tác phẩm bao gồm một trang tính; một cách tiếp cận chính thức sẽ buộc chúng tôi phải tính đến ba mặt hàng nữa, mỗi mặt hàng được bán thành một lô duy nhất: 122 bức vẽ bằng mực gốc cho "Sách của Marquise" của Konstantin Somov, hai thư mục với 58 bức vẽ và thuốc tẩy cho "The Brothers Karamazov ”của FM Dostoevsky của Boris Grigoriev và một phần của bộ sưu tập của Yakov Peremena. Thứ năm: một tác giả - một tác phẩm. Nếu chúng tôi chính thức lấy top 10 theo giá (không bao gồm kết quả của Gorka và các lô đúc sẵn), thì sẽ có năm tờ của Kandinsky, ba của Chagall và một của Malevich và Serebryakova. Nhàm chán. Thứ sáu: chúng tôi phân tích giai đoạn từ năm 2001 đến nay. Thứ bảy: xếp hạng giá được tổng hợp bằng đô la, kết quả bằng các đơn vị tiền tệ khác được quy đổi thành đô la theo tỷ giá hối đoái vào ngày giao dịch. Thứ tám: tất cả các kết quả được đưa ra có tính đến hoa hồng của người bán.

Bức vẽ "Peasant's Head" của Kazimir Malevich, bản phác thảo chuẩn bị cho bức tranh bị thất lạc "Peasant's Tang" vào năm 1911, khá được kỳ vọng sẽ trở thành tác phẩm có giá trị cao nhất trong phiên đấu giá Sotheby's Nga vào ngày 2 tháng 6 năm 2014 tại London. Tác phẩm của Malevich hiếm khi xuất hiện trên thị trường nghệ thuật, "The Peasant's Head" là tác phẩm đầu tiên được đưa ra đấu giá kể từ khi bán được "Suprematist Composition" với giá 60 triệu USD tại Sotheby's vào năm 2008, và là một trong những điều quan trọng cuối cùng của nghệ sĩ. trong các bộ sưu tập tư nhân. Bản phác thảo này là một trong 70 tác phẩm được nghệ sĩ trưng bày ở Berlin vào năm 1927, và sau đó được chuyển đến Đức để cứu chúng khỏi lệnh cấm và sự lãng quên nhân tạo chắc chắn sẽ chờ đợi chúng ở Nga. Tác phẩm được bán đấu giá tại Sotheby’s từ một bộ sưu tập tư nhân mạnh mẽ của Đức về người tiên phong người Nga. Hầu như tất cả các lô trong bộ sưu tập này đã bị vượt quá dự tính, nhưng bức vẽ của Malevich đơn giản là không có khả năng cạnh tranh. Đối với anh ta, họ đưa ra ước tính cao hơn gấp ba lần - 2,098 triệu bảng. Đây là tác phẩm đồ họa đắt giá nhất của một nghệ sĩ người Nga.

Danh sách các tác phẩm đồ họa đắt giá nhất của Wassily Kandinsky bao gồm 18 bức vẽ gốc trị giá hơn một triệu đô la. Màu nước của ông trong thông điệp trừu tượng của chúng không thua kém gì tranh vẽ. Chúng ta hãy nhớ lại rằng chính xác từ tác phẩm đồ họa của Kandinsky - "Màu nước trừu tượng đầu tiên" năm 1910 - theo thông lệ, người ta đã đếm lịch sử nghệ thuật trừu tượng hiện đại. Theo truyền thuyết kể lại, có lần Kandinsky, ngồi trong bóng tối của xưởng ở Munich và nhìn vào tác phẩm tượng hình của mình, không thể phân biệt được bất cứ thứ gì trên đó ngoại trừ các đốm màu và hình dạng. Và rồi anh nhận ra rằng mình phải từ bỏ tính khách quan và cố gắng nắm bắt thông qua màu sắc của "chuyển động của tâm hồn." Kết quả là một tác phẩm không có bất kỳ mối liên hệ nào với thế giới bên ngoài - "Màu nước trừu tượng đầu tiên" (Trung tâm Paris, Georges Pompidou).

Những bức tranh sơn dầu của Kandinsky rất hiếm trên thị trường và rất đắt, nhưng đồ họa sẽ hoàn toàn phù hợp với bất kỳ bộ sưu tập nào và trông sẽ trang nghiêm trong đó. Đồ họa sản xuất có thể được chi trả cho vài nghìn đô la. Nhưng đối với bản vẽ ban đầu, ví dụ, là bản phác thảo cho một bức tranh nổi tiếng, bạn sẽ phải trả nhiều hơn gấp nhiều lần. Bức tranh màu nước đắt nhất Untitled (1922) đã được bán trong thời kỳ bùng nổ nghệ thuật năm 2008 với giá 2,9 triệu USD.

Marc Chagall là một nghệ sĩ làm việc hiệu quả bất thường trong thời đại của ông. Ngày nay, Damien Hirst và Jeff Koons được hỗ trợ bởi một đội quân trợ lý, và Mark Zakharovich đã một tay tạo ra hàng nghìn tác phẩm đồ họa gốc trong suốt 97 năm cuộc đời của mình, chưa kể các tác phẩm lưu hành. Cơ sở dữ liệu của chúng tôi về kết quả đấu giá của Chagall bao gồm hơn 2000 tác phẩm gốc trên giấy. Nghệ sĩ này đang tăng giá đều đặn, và triển vọng đầu tư để mua các tác phẩm của anh ấy là rõ ràng - điều chính là tính xác thực của tác phẩm đã được Ủy ban Chagall xác nhận. Nếu không, tác phẩm gần như có thể bị đốt cháy (đây chính là điều mà Ủy ban Chagall đe dọa chủ sở hữu, người gần đây đã gửi một bức tranh đến Paris để giám định, hóa ra là một bức tranh giả). Vì vậy, lựa chọn chỉ nên được thực hiện theo đồ họa chân thực vô điều kiện. Giá của nó có thể lên tới 2,16 triệu đô la - đây là số tiền đã được trả vào tháng 5 năm 2013 cho bức vẽ "Horsemen" (giấy bìa cứng, bột màu, phấn màu, bút chì màu).

Lying Nude pastel không chỉ là tác phẩm đồ họa đắt giá nhất của Zinaida Serebryakova mà còn là tác phẩm đắt giá nhất của cô nói chung. Chủ đề về cơ thể phụ nữ khỏa thân là một trong những chủ đề chính trong tác phẩm của họa sĩ. Những bức ảnh khoả thân của Serebryakova phát triển từ hình ảnh những người tắm và người đẹp Nga trong nhà tắm trong thời kỳ sáng tạo của Nga cho đến việc nằm khỏa thân, mang tinh thần nghệ thuật châu Âu trong thời kỳ Paris. Nhìn Serebryakova xinh đẹp, gợi cảm, phong trần, khó ai hình dung được số phận của người nghệ sĩ này bi đát đến nhường nào - chồng chết vì bệnh sốt phát ban, để lại cho cô 4 đứa con thơ dại; Tôi phải sống từ tay miệng và cuối cùng, phải di cư đến Paris (như sau này hóa ra là mãi mãi), để lại những đứa trẻ ở Nga (sau đó chỉ có hai đứa được đưa sang Pháp, hai đứa còn lại phải bị cách nhau hơn 30 năm).

Zinaida Serebryakova đã trau dồi vẻ đẹp hoàn hảo, vĩnh cửu, cổ điển trong các tác phẩm của mình. Pastel theo một cách nào đó thậm chí còn truyền tải tốt hơn sự nhẹ nhàng và thanh thoát trong hình ảnh phụ nữ của cô, trong đó hầu như luôn có chút gì đó của chính nghệ sĩ và các con của cô (con gái Katya là một trong những hình mẫu yêu thích của cô).

Bức tranh màu pastel khá lớn là màu ngả nghiêng đã được mua trong thời kỳ bùng nổ nghệ thuật vào tháng 6 năm 2008 với giá 1,07 triệu bảng Anh (2,11 triệu đô la). Không có tác phẩm nào khác kể từ đó có thể phá vỡ kỷ lục này. Điều thú vị là trong 10 tác phẩm bán đấu giá cao nhất của Zinaida Serebryakova chỉ có tác phẩm khỏa thân, còn ba tác phẩm chỉ là phấn màu.

Trong cuộc đấu giá ở London của Sotheby’s vào ngày 27 tháng 11 năm 2012, dành riêng cho hội họa và đồ họa của các nghệ sĩ Nga, lô hàng đầu không phải là một bức tranh, mà là một bức vẽ bằng bút chì trên giấy - "Chân dung Vsevolod Meyerhold" của Yuri Annenkov. Tám người tham gia tranh luận về công việc trong hội trường và trên điện thoại. Do đó, bản vẽ ước tính khoảng 30-50 nghìn bảng Anh khiến chủ nhân mới tốn kém gấp vài chục lần so với dự tính. Kết quả 1,05 triệu bảng Anh (1,68 triệu đô la) chỉ qua một đêm đã khiến bức "Chân dung của Vsevolod Meyerhold" trở thành bức tranh đắt giá nhất của tác giả và chiếm vị trí thứ ba trong danh sách những tác phẩm có giá đấu giá cao nhất cho các tác phẩm của Annenkov nói chung.

Tại sao sự quan tâm đến bức chân dung lại mạnh mẽ đến vậy? Annenkov là một họa sĩ chân dung xuất sắc, người đã để lại hình ảnh những nhân vật xuất sắc nhất của thời đại - nhà thơ, nhà văn, đạo diễn. Ngoài ra, ông còn rất tài năng về đồ họa: cách ông kết hợp kỹ thuật vẽ cổ điển với các yếu tố tiên phong của chủ nghĩa lập thể, chủ nghĩa vị lai, chủ nghĩa biểu hiện. Sự chú ý của công chúng chắc chắn bị thu hút bởi tính cách của người mẫu trong bức chân dung - đạo diễn nổi tiếng Vsevolod Meyerhold. Và trên hết, bức vẽ này đến từ bộ sưu tập của nhà soạn nhạc Boris Temkin, người gốc Kremenchug, người đã di cư đến Hoa Kỳ và trở thành nhà soạn nhạc nổi tiếng người Mỹ, bốn lần đoạt giải Oscar cho tác phẩm âm nhạc điện ảnh của mình.

Tất nhiên, một trong những nghệ sĩ chính của hiệp hội Nghệ thuật Thế giới, Lev (Leon) Bakst, nên nằm trong danh sách những nghệ sĩ đồ họa thành công nhất về mặt thương mại của chúng tôi. Các tác phẩm sân khấu tinh tế của ông - bản phác thảo trang phục cho các vũ công xuất sắc nhất thời đại, khung cảnh cho các buổi biểu diễn - ngày nay cho chúng ta hình dung về cảnh tượng lộng lẫy của Những mùa nước Nga của Diaghilev.

Tác phẩm đồ họa đắt giá nhất của Bakst, The Yellow Sultana, được tạo ra vào năm vở ballet của Diaghilev lần đầu tiên lưu diễn tại Hoa Kỳ. Vào thời điểm đó, Bakst đã là một nghệ sĩ nổi tiếng, phong cách dễ nhận biết trong các tác phẩm sân khấu của anh ấy đã trở thành một thương hiệu, ảnh hưởng của anh ấy là đáng chú ý trong thời trang, thiết kế nội thất và trang sức. Bức tranh khỏa thân gợi cảm "The Yellow Sultana", xuất hiện từ những bản phác thảo sân khấu của anh, đã gây ra một cuộc chiến khốc liệt giữa hai chiếc điện thoại tại cuộc đấu giá của Christie vào ngày 28 tháng 5 năm 2012. Kết quả là, con số này lên tới 937.250 bảng Anh ( 1 467 810 đô la) có tính đến hoa hồng, mặc dù thực tế ước tính là 350-450 nghìn bảng Anh.

Thế giới của những tổ ấm quyền quý, những trang viên đầy sương mù và những cô tiểu thư duyên dáng đi dạo dọc những con hẻm đang dần chìm vào quên lãng, xuất hiện trong các tác phẩm của Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Một số người gọi phong cách của ông là "một người đàn ông trong hội họa", ông được đặc trưng bởi sự mơ mộng, u sầu trầm lặng, nỗi buồn cho một thời đại đã qua. Đối với Borisov-Musatov, các điền trang quý tộc là thế giới của hiện tại, nhưng có một cái gì đó thuộc thế giới khác trong các hình ảnh đại diện của ông về thế giới này, những công viên, hàng hiên và ao nước này dường như là giấc mơ của nghệ sĩ. Anh ấy dường như có một hiện tượng mà thế giới này sẽ sớm không có và bản thân anh ấy cũng vậy (một căn bệnh hiểm nghèo đã cướp đi người nghệ sĩ ở tuổi 35).

Victor Borisov-Musatov thích sơn dầu và màu nước hơn, chúng mang lại cho anh sự nhẹ nhàng cần thiết của nét vẽ và sương mù. Sự xuất hiện tại cuộc đấu giá của Sotheby's ở Nga vào năm 2006 với màu phấn "Ngày cuối cùng" của ông là một sự kiện, vì các tác phẩm chính của Borisov-Musatov đều nằm trong các viện bảo tàng, và chỉ có khoảng một chục tác phẩm được đấu giá mở cho tất cả các tác phẩm thời gian. Pastel "The Last Day" đến từ bộ sưu tập của V. Napravnik, con trai của nhạc trưởng và nhà soạn nhạc người Nga Eduard Napravnik. Màu phấn này được vẽ trên "Chân dung của Maria Georgievna Napravnik" của Zinaida Serebryakova, hiện được lưu giữ trong Bảo tàng Nghệ thuật Chuvash. Trong chuyên khảo "Borisov-Musatov" (1916) NN Wrangel đề cập đến "Ngày cuối cùng" trong danh sách các tác phẩm của nghệ sĩ. Vì vậy, không nghi ngờ gì nữa, thứ chính hãng khá được mong đợi đã đạt mức giá kỷ lục cho một nghệ sĩ là 702.400 bảng Anh, tương đương 1.314.760 đô la.

Alexander Deineka là một nghệ sĩ đồ họa xuất sắc; ở giai đoạn đầu của sự nghiệp, nghệ thuật đồ họa thu hút anh hơn cả hội họa, chủ yếu bởi tiềm năng tuyên truyền của nó. Nghệ sĩ đã làm việc rất nhiều với tư cách là người vẽ minh họa cho sách và tạp chí, tạo ra các áp phích. Sau đó, "công việc áp phích tạp chí" này khiến anh mệt mỏi, anh bắt đầu làm việc ngày càng nhiều hơn trong hội họa, nghệ thuật hoành tráng, nhưng những kỹ năng có được của một người vẽ nháp hóa ra lại rất hữu ích - ví dụ, khi tạo ra các bản phác thảo chuẩn bị cho các bức tranh. "Cô gái buộc ruy băng trên đầu" - bản phác thảo cho bức tranh "Bather" (1951, bộ sưu tập của Phòng trưng bày Tretyakov của Nhà nước). Đây là tác phẩm đắt giá nhất của Deineka ngày nay thuộc về thời kỳ cuối của sự sáng tạo, khi phong cách của nghệ sĩ từ những tìm kiếm tiên phong của những năm 1920 và 30 đã phát triển mạnh mẽ theo chủ nghĩa hiện thực xã hội chủ nghĩa. Nhưng Deineka chân thành theo chủ nghĩa hiện thực xã hội chủ nghĩa. Sức mạnh và vẻ đẹp của cơ thể con người khỏe mạnh là một trong những chủ đề yêu thích của Deineka. "Cô gái buộc dải băng" ám chỉ chúng ta đến khỏa thân của anh ấy, tương tự như các nữ thần Hy Lạp - Địa điểm Liên Xô, những người tìm thấy hạnh phúc trong công việc và thể thao. Đây là bản vẽ của cuốn sách giáo khoa Deineka, và do đó không có gì ngạc nhiên khi nó được bán với giá kỷ lục 27.500.000 rúp (1.012.450 đô la) tại cuộc đấu giá Sovcom.

Boris Dmitrievich Grigoriev di cư từ Nga vào năm 1919. Ở nước ngoài, ông trở thành một trong những nghệ sĩ Nga nổi tiếng nhất, nhưng đồng thời tại quê hương ông đã bị lãng quên trong nhiều thập kỷ, và các cuộc triển lãm đầu tiên của ông tại Liên Xô chỉ diễn ra vào cuối những năm 1980. Nhưng ngày nay ông là một trong những tác giả được yêu cầu nhiều nhất và được đánh giá cao trên thị trường nghệ thuật Nga, các tác phẩm của ông, cả tranh ảnh và đồ họa, được bán với giá hàng trăm nghìn và hàng triệu đô la. Người nghệ sĩ đã làm việc cực kỳ chăm chỉ, anh ấy tin rằng anh ấy có thể xử lý bất kỳ chủ đề nào, bất kỳ đơn hàng nào.

Có lẽ được biết đến nhiều nhất là chu kỳ của ông "Chủng tộc" và "Khuôn mặt của nước Nga" - rất gần gũi về tinh thần và chỉ khác nhau ở chỗ, chu trình đầu tiên được tạo ra trước khi di cư, và chu trình thứ hai đã ở Paris. Trong những chu kỳ này, chúng ta thấy một phòng trưng bày các loại ("khuôn mặt") của tầng lớp nông dân Nga - ông già, phụ nữ, trẻ em nhìn chằm chằm vào người xem một cách ảm đạm, họ thu hút ánh mắt và đồng thời đẩy anh ta ra xa. Grigoriev hoàn toàn không có khuynh hướng lý tưởng hóa hay tô điểm những người mà ông đã viết, trái lại, đôi khi ông đưa những hình ảnh đó trở nên kỳ cục. Một trong những "khuôn mặt", được thực hiện bằng bột màu và màu nước trên giấy, đã trở thành tác phẩm đồ họa đắt giá nhất của Boris Grigoriev: vào tháng 11 năm 2009, tại cuộc đấu giá của Sotheby, họ đã trả 986.500 USD cho nó.

Và cuối cùng, tác giả thứ mười trong danh sách những tác phẩm đồ họa Nga đắt giá nhất của chúng tôi - Konstantin Somov. Là con trai của người quản lý bộ sưu tập Hermitage và một nhạc sĩ, tình yêu nghệ thuật và mọi thứ đẹp đẽ đã được thấm nhuần từ thời thơ ấu, từng theo học tại Học viện Nghệ thuật với Repin, Somov sớm tìm thấy mình trong xã hội Thế giới Nghệ thuật, nơi cổ vũ cho sự sùng bái. của vẻ đẹp gần gũi với anh ta. Đặc biệt là sự khao khát trang trí và "sự xinh đẹp" này thể hiện trong vô số bức vẽ của ông dựa trên những hình ảnh của thời đại hào hiệp, mối quan tâm được quan sát thấy trong tác phẩm của các nghệ sĩ thế giới khác (Lancer, Benois). Những cuộc diễu hành của "Somovskie" và những quý ông hào hoa trong những buổi hẹn hò bí mật, những cảnh tiếp đón xã hội và hóa trang với những cô gái điếm và những quý cô đội tóc giả đề cập đến tính thẩm mỹ của Baroque và Rococo.

Giá các tác phẩm của Somov trên thị trường nghệ thuật bắt đầu tăng với tốc độ phi thường và không phải lúc nào cũng có thể hiểu được kể từ năm 2006, một số bức tranh của ông đã vượt mức ước tính gấp 5, thậm chí 13 lần. Bức tranh của anh có giá hàng triệu bảng Anh. Đối với đồ họa, đây là kết quả tốt nhất của Somov cho đến nay là 620,727 đô la - đây chỉ là một trong những bức vẽ của loạt phim "hào hiệp" "Masquerade".

Vào ngày 22 tháng 4 năm 2010 tại Sotheby’s ở New York, 86 tác phẩm - tranh vẽ - của gần hai chục tác giả đã được bán với số lượng 349. Nhân tiện, vụ mua bán này gây nhầm lẫn vào số liệu thống kê đấu giá của những nghệ sĩ có tác phẩm được đưa vào lô này. Đúng vậy, bản thân bộ sưu tập rất có giá trị, nó có một lịch sử lâu dài, phức tạp và bi thảm, và một mặt, thật tốt khi bộ sưu tập rơi vào tay cùng một người. Nhưng, mặt khác, nếu một ngày nào đó chủ sở hữu quyết định bán các tác phẩm riêng lẻ, thì đối với hầu hết các tác giả, không có mức giá nào đơn giản là không tồn tại. Sau khi "chuẩn bị pháo" chói tai trước khi bán bộ sưu tập, nó có thể đã xuất hiện, nhưng không, và nếu được bán lại, nó sẽ thu được một khoản trừ rất lớn.

Chú ý! Tất cả các tài liệu trên trang web và cơ sở dữ liệu về các kết quả đấu giá của trang web, bao gồm cả thông tin tham khảo minh họa về các tác phẩm được bán tại các cuộc đấu giá, chỉ nhằm mục đích sử dụng phù hợp với Nghệ thuật. 1274 của Bộ luật Dân sự của Liên bang Nga. Không được phép sử dụng cho mục đích thương mại hoặc vi phạm các quy tắc do Bộ luật Dân sự của Liên bang Nga thiết lập. trang web không chịu trách nhiệm về nội dung của các tài liệu do bên thứ ba cung cấp. Trong trường hợp vi phạm quyền của bên thứ ba, ban quản trị trang có quyền xóa họ khỏi trang và khỏi cơ sở dữ liệu trên cơ sở yêu cầu của cơ quan có thẩm quyền.

Nghệ thuật- hiểu biết theo nghĩa bóng về thực tế; Quá trình hoặc kết quả của sự thể hiện thế giới bên trong hoặc bên ngoài (trong mối quan hệ với người sáng tạo) trong một hình tượng nghệ thuật; sự sáng tạo được định hướng theo cách mà nó phản ánh những gì không chỉ tác giả mà còn những người khác quan tâm.

Hôm nay chúng tôi sẽ cho bạn biết ngắn gọn về các nghệ sĩ và nhà điêu khắc lớn nhất từ ​​khắp nơi trên thế giới, và bắt đầu với các nghệ sĩ Nga.

Aivazovsky Ivan Konstantinovich(1817-1900), họa sĩ hàng hải. Thành viên của các học viện St. Petersburg, Amsterdam, Roman, Florentine và Stuttgart. Đã tạo ra khoảng 6 nghìn bức tranh. Nổi tiếng nhất: "Làn sóng thứ chín", "Trận chiến Chesme".

Ivan Aivazovsky "Làn sóng thứ chín"

Antropov Alexey Petrovich(1716-1795), họa sĩ vẽ chân dung. Ông được biết đến rộng rãi nhờ những bức tranh trang trí các cung điện ở St.Petersburg và các vùng ngoại ô của nó.

Antropov Alexey Petrovich - chân dung tự họa

Argunov Ivan Petrovich(1729-1802), người vẽ chân dung. Ông vẽ những bức chân dung nghi lễ, được phân biệt bằng nét vẽ chính xác và rõ ràng, hạn chế về màu sắc. Tác giả của "Chân dung một phụ nữ nông dân vô danh trong trang phục Nga" và những người khác.

Argunov Ivan - Chân dung một phụ nữ nông dân vô danh trong trang phục Nga

Arkhipov Abram Efimovich(1862-1930), bậc thầy về hội họa không khí, ký họa và các thể loại tranh. Ông đã làm việc rất nhiều về chân dung, chủ yếu là nông dân, tạo ra những hình ảnh khẳng định cuộc sống của những người cùng thời với ông.

Borisov-Musatov Victor Elpidiforovich(1870-1905), nghệ sĩ cách tân. Tranh ảnh: "Cô gái trên ban công", "Bên hồ chứa nước".

Borisov-Musatov Viktor Elpidiforovich - bức tranh "Bên hồ chứa"

Borovikovsky Vladimir Lukich(1757-1825), người vẽ chân dung. Ông đã được ủy quyền bởi những bức chân dung của những người cao cấp nhất thời bấy giờ, các thành viên của gia đình hoàng gia. Nổi tiếng nhất là các bức chân dung của Arsenyeva, Lopukhina, Kurakino.

Borovikovsky Vladimir Lukich - Chân dung A. và V. Gagarin 1802

Bruni Fedor (Fidelio) Antonovich(1799-1875). Hình ảnh: "Cái chết của Camilla, em gái của Horace", "Con rắn đồng" và những bức tranh khác, các bức tranh về Nhà thờ Thánh Isaac ở St.Petersburg.

Bryullov Karl Pavlovich(1799-1852). Ông vẽ các bức ký họa và tranh vẽ về các chủ đề lịch sử và thần thoại, nhưng nổi tiếng hơn cả với tư cách là một họa sĩ vẽ chân dung. Hình ảnh: “Horsewoman”, “Yu. P. Samoilov với một chút arapchon ”,“ Bathsheba ”,“ Ý buổi trưa ”,… Một trong những bức hay nhất là bức chân dung Y. P. Samoilova với con gái của bà.

Bức tranh nổi tiếng nhất của Bryullov - Yu. P. Samoilov với con gái của mình

Vasnetsov Viktor Mikhailovich(1848-1926), lữ hành, tác giả của các bức tranh về đề tài lịch sử và cổ tích. Những bức tranh sơn dầu nổi tiếng nhất "Sau cuộc tàn sát của Igor Svyatoslavovich với Polovtsy", "Alyonushka". Tác phẩm tham vọng nhất là bức tranh "Anh hùng".

Vasnetsov Viktor Mikhailovich - bức tranh "Những người hùng"

Alexey Venetsianov(1780-1847), một trong những người đặt nền móng cho thể loại tranh trong hội họa Nga. Ông vẽ nhiều chân dung nông dân và cảnh sinh hoạt làng quê. Tranh ảnh: “Nhà sàn đập lúa”, “Chú bé chăn cừu ngủ quên”, “Trên đất trồng trọt. Mùa xuân ”,“ Cái đầu của một lão nông ”.

Tranh "Cậu bé chăn cừu ngủ trong rừng" - Alexey Venetsianov

Vereshchagin Vasily Vasilievich(1842-1904), bậc thầy của thể loại chiến đấu. Ông đã viết một chu kỳ tranh về các chủ đề tôn giáo. Hình ảnh: "The Apotheosis of War", "Mọi thứ bình lặng trên Shipka."

"Apotheosis of War" - bức tranh của nghệ sĩ Nga Vasily Vereshchagin

Vrubel Mikhail Alexandrovich(1856-1910). Anh tham gia vẽ giá vẽ, vẽ tượng đài nhà thờ. Hình ảnh: "Quỷ ngồi", "Thầy bói", "Pan", "Tử đinh hương", "Quỷ bị đánh bại", v.v.

Vrubel Mikhail Alexandrovich - Ác ma bị đánh bại năm 1902

Ge Nikolay Nikolaevich(1831-1894), một trong những người sáng lập Hiệp hội Những người lữ hành, họa sĩ phong cảnh, họa sĩ chân dung. Bức tranh “Saul at the Enchantess of Endor”, “Secret Meeting”, “Peter I tra vấn Tsarevich Alexei Petrovich ở Peterhof”.

Kramskoy Ivan Nikolaevich(1837-1887), một trong những người sáng lập Hiệp hội những người lữ hành. Hình ảnh: "Unknown", "Mina Moiseev", "Woodsman", "Contemplator".

Nesterov Mikhail Vasilievich(1862-1942), họa sĩ chân dung, bậc thầy về hội họa hoành tráng và phong cảnh trữ tình. Những bức tranh nổi tiếng nhất: "Nạn nhân của những người bạn", "Chuyên gia", "Trước những kẻ oan khuất", "Ẩn sĩ".

Nesterov Mikhail Vasilievich - bức tranh "Nạn nhân của những người bạn"

Repin Ilya Efimovich(1844-1930). Chân dung những người cùng thời (Stasov, Pisemsky, Tolstoy, Delvig). Những bức tranh: "Họ không mong đợi", "Sà lan Haulers trên sông Volga", "Người Cossacks viết thư cho Sultan Thổ Nhĩ Kỳ", "Ivan Bạo chúa và Con trai của ông ấy là Ivan" đã trở nên rất nổi tiếng.

Repin Ilya Efimovich - bức tranh "The Cossacks viết thư cho Sultan Thổ Nhĩ Kỳ"

Surikov Vasily Ivanovich(1848-1916), bậc thầy về hội họa lịch sử. Hình ảnh: "Boyarynya Morozova", "Buổi sáng hành quyết của Strelets", "Suvorov vượt qua dãy Alps", "Stepan Razin".

Surikov Vasily Ivanovich - bức tranh "Buổi sáng ngày hành quyết của Strelets"

Chagall Marc(1887-1985), họa sĩ và nghệ sĩ đồ họa. Ông đã tạo ra các tác phẩm siêu thực, thường về chủ đề văn hóa dân gian và kinh thánh (“Chúng ta cần một thành phố”), cửa sổ kính màu và hình minh họa.

Shishkin Ivan Ivanovich(1832-1898), họa sĩ phong cảnh. Hình ảnh: “Buổi trưa. Trong vùng lân cận của Moscow ”,“ Rye ”,“ Lesnye Dali ”,“ Giữa thung lũng đồng bằng ”,“ Buổi sáng trong rừng thông ”.

Shishkin Ivan Ivanovich - "Ship Grove"

Nghệ sĩ nước ngoài

Bosch (Ông chủ van Aken) Hieronymus(ca 1460-1516), tranh Hà Lan. Nổi tiếng nhất: “Sự cám dỗ của St. Antonio ”, bộ ba“ Carriage of Hay ”và“ Garden of Delights ”.

Botticelli Sandro(1445-1510), họa sĩ người Ý, bậc thầy của trường phái Florentine. Các sáng tác về chủ đề tôn giáo và kinh thánh: “Câu chuyện về quyền năng”, “Sự trở lại của Judith”, “Madonna và Đứa trẻ với các thiên thần”. Sáng tác thần thoại: "Mùa xuân", "Sự ra đời của thần Vệ nữ".

Sandro Botticelli "Madonna and Child with Angels"

Bruegel Peter(giữa 1525 và 1535-1569), họa sĩ người Hà Lan. Hình ảnh: "Trận chiến Maslenitsa và Mùa Chay", "Mad Greta", "Vũ điệu nông dân".

Van Gogh Vincent(1853-1890), họa sĩ người Hà Lan, đại diện của chủ nghĩa Hậu ấn tượng. Tranh: "Người phụ nữ nông dân", "Người ăn khoai tây", "Đồi Montmartre", "Phong cảnh ở Auvers sau cơn mưa".

Vincent van Gogh - "Phong cảnh ở Auvers sau cơn mưa"

Van Dyck Anthony(1599-1641), họa sĩ Flemish. Những bức chân dung quý tộc và thân mật trong nghi lễ ("Charles I on the Hunt"), các tác phẩm tôn giáo và thần thoại theo tinh thần Baroque.

Velazquez (Rodriguez de Silva Velazquez) Diego(1599-1660), họa sĩ Tây Ban Nha. Hình ảnh: "Bữa sáng", "Bữa sáng của hai thanh niên", "Chúa Kitô trong nhà của Martha và Mary." Chân dung của một ngôi nhà hoàng gia đặc biệt: Infanta Maria Teresa, Infanta Margarita.

Veronese Paolo(1528-1588), họa sĩ Ý thời Phục hưng, đại diện cho trường phái Venice. Hoàn thành các bức bích họa của Villa Barbara Volpi ở Maser. Bức tranh nổi tiếng nhất là "Cuộc hôn nhân tại Cana".

Gauguin Paul(1848-1903), nghệ sĩ người Pháp, đại diện của chủ nghĩa Hậu Ấn tượng. Hình ảnh: "Hai người phụ nữ Tahitian", "A, bạn có ghen không?", "Vợ của nhà vua", Chúng ta đến từ đâu? Chúng ta là ai? Chung ta đang đi đâu?".

Paul Gauguin - Phụ nữ Tahitian 1891.

Goya Francisco(1746-1828), họa sĩ Tây Ban Nha. Anh vẽ các bức tranh về các chủ đề lịch sử, thần thoại và tôn giáo hàng ngày và các chủ đề tôn giáo, chân dung, vẽ tranh tường (bích họa). Tranh: "Chiếc ô", "Người bán bộ đồ ăn", Dòng tranh khắc "Ma kết".

Holbein Hans the Younger(1497 hoặc 1498-1543), họa sĩ và nghệ sĩ đồ họa người Đức, đại diện của thời kỳ Phục hưng. Tác phẩm: "Dead Christ" và "Morette".

Dali Salvador(1904-1989), họa sĩ Tây Ban Nha, đại diện của chủ nghĩa siêu thực. Những bức tranh-phantasmagoria nổi tiếng nhất "The Burning Giraffe" và "The Persistence of Memory".

Dali Salvador - bức tranh "Giấc mơ"

Daumier Honore(1808-1879), nghệ sĩ đồ họa, họa sĩ và nhà điêu khắc người Pháp, bậc thầy về vẽ châm biếm và in thạch bản. Các phim hoạt hình về tầng lớp thống trị và giai cấp tư sản (“Phố Transnonen”, loạt phim “Tư sản loại giỏi”) đã trở nên nổi tiếng.

Durer Albrecht(1471-1528), nghệ sĩ người Đức, đại diện của thời kỳ Phục hưng Đức. Hình ảnh: "Ngôi nhà bên bờ ao", "Quang cảnh Innsbruck", "Chân dung Oswald Krel".

Constable John(1776-1837), họa sĩ phong cảnh người Anh, đại diện của trường phái ấn tượng. Những bức tranh; Nhà thờ Flatford Mill, Salisbury từ Vườn Giám mục, Cánh đồng bánh mì.

Leonardo da Vinci(1452-1519), họa sĩ người Ý. Xét về mức độ phổ biến tài năng của mình, ông đã vượt qua tất cả các bậc tiền bối và người thầy của mình. Các bức tranh: "Bữa tối cuối cùng", "La Gioconda", "Madonna Litta", "Lady with an Ermine", "Madonna in the Grotto" và nhiều bức khác.

Leonardo da Vinci (1452-1519) - "Bữa tối cuối cùng"

Masaccio(1401-1428), họa sĩ người Ý, đại diện của trường phái Florentine, một trong những người đặt nền móng cho nghệ thuật thời Phục hưng. Ông đã tạo ra các bức bích họa của Nhà nguyện Brancacci trong Nhà thờ Santa Maria del Carmine ở Florence.

Manet Edward(1832-1883), họa sĩ và đồ họa người Pháp, người sáng lập trường phái ấn tượng. Tranh: "Bữa sáng trên cỏ", Olympia "," Quán bar ở Folies Bergeres ".

Modigliani Amadeo(1840-1920), họa sĩ người Pháp gốc Ý. Các bức tranh: "Pablo Picasso", "Madame Pompadour", "Lady with a Black tie", "Nude", v.v.

Monet Claude Oscar(1840-1926), người sáng lập trường phái ấn tượng Pháp. Hình ảnh: "Bữa sáng trên bãi cỏ", "Tử đinh hương trong nắng", "Ấn tượng. Mặt trời mọc ”,“ Gare Saint-Lazare ”.

Murillo Bartolome Esteban(1618-1682), danh họa Tây Ban Nha, đại diện của hội họa Baroque. Các bức tranh: "Gia đình Thánh với một con chim", "Chuyến bay đến Ai Cập", Một thế hệ của những người chăn cừu "," Madonna và đứa trẻ ", v.v.

Picasso Pablo(1881-1973), một trong những nghệ sĩ lớn nhất của thế kỷ XX. Các bức tranh: "Harlequin", "Portrait of a Wife", "Jacqueline with a black Scarf", "Old Guitarist", "Dinner of the Blind", "Girl on a Ball", Three Musicians ", v.v.

Poussin Nicolas(1594-1665), họa sĩ người Pháp, đại diện của chủ nghĩa cổ điển. Tranh: Tancred và Herminia, Arcadian Shepherds.

Raphael Santi(1483-1665), họa sĩ người Ý, một trong những bậc thầy vĩ đại nhất của thời kỳ Phục hưng cao La Mã-Florentine. Vị trí trung tâm trong tác phẩm của ông là chủ đề về Madonna: Madonna Conestabile, Madonna Sulli, Madonna Terranova, Madonna in the Green, Sistine Madonna. và vân vân.

Raphael Santi - Thánh Jerome hỗ trợ hai người bị hành quyết

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(1606-1669), họa sĩ người Hà Lan. Những bức tranh; “Giải phẫu bác sĩ Tulpa”, “Danae”, “Cảnh sát ban đêm”, “Thánh gia”, “Cô gái bên cửa sổ”.

Rembrandt - "Danae".

Renoir Pierre Augustin(1841-1919), nghệ sĩ người Pháp, đại diện của trường phái ấn tượng. Hình ảnh: "Chân dung Alfred Sisley với vợ", "Tắm ở sông Seine", "Con đường trên cỏ cao", "Bữa sáng cuối cùng", Buổi tối đầu tiên tại nhà hát opera ", Chân dung nữ diễn viên Samari".

Saryan Martiros Sergeevich(1880-1972), họa sĩ người Armenia. Hình ảnh: "Armenia", "Thung lũng Ararat", "Tĩnh vật mùa thu".

Cezanne Paul(1839-1906), nghệ sĩ người Pháp, đại diện của chủ nghĩa Hậu ấn tượng. Các bức tranh: "Cô gái bên cây đàn piano", Con đường đến Pontoise "," Bó hoa trong bình "," Pierrot và Harlequin "," Quý bà mặc áo xanh ", v.v.

Zurbaran Francisco(1598-1664), họa sĩ Tây Ban Nha. đại diện của trường Seville. Chu kỳ của ông về các bức tranh từ cuộc sống của St. Bonaventure.

Turner Joseph Melord William(1775-1851), họa sĩ người Anh, đại diện của trường phái ấn tượng, bậc thầy về phong cảnh lãng mạn. Những bức tranh sơn dầu của anh ấy phản ánh các chủ đề lịch sử và thần thoại ("Hannibal băng qua dãy Alps trong một trận bão tuyết", "Ulysses và Polyphemus"). Các bức tranh: "Evening Star", "Rain, Steam and Speed", "Like and Calais".

Tintoretto Jacopo(1518-1594), nghệ sĩ người Ý, đại diện của trường phái Venice. Ông được biết đến với tác phẩm ghép đôi lớn "Bữa tối cuối cùng". Bức tranh "Phép màu của thánh Mark" được nhiều người biết đến. Trong chu kỳ của các cảnh trong Kinh thánh, những bức tranh sơn dầu quan trọng nhất là: "Sự sáng tạo của động vật", "Sự sáng tạo của Adam và Eve", Solomon và Nữ hoàng Sheba ", v.v.

Titian Vecellio(khoảng 1476/77 hoặc 1489/90 - 1576), họa sĩ người Ý, bậc thầy của trường phái Venice thời Phục hưng. Hình ảnh: "Flora", "Tình yêu trần gian và thiên đường", "Madonna với anh đào", "Sự than khóc của Chúa Kitô", "Sự hãm hiếp của châu Âu".

Toulouse-Lautrec Henri Marie Raymond de(1864-1901), nghệ sĩ người Pháp, đại diện của chủ nghĩa Hậu Ấn tượng. Các bức tranh: "Nữ bá tước Toulouse-Lautrec ăn sáng ở Malrome", "Người phụ nữ giặt là", "Trong quán cà phê", Khiêu vũ ở Moulin Rouge ", v.v.

Hals Franz(1581 hoặc 85-1666), họa sĩ người Hà Lan, nhà cải cách lớn về vẽ chân dung người Do Thái. Hình ảnh: “Chàng trai hát xẩm”, “Những đứa con kháu khỉnh”, “Người giang hồ”, “Tiếu lâm tứ trụ”, “Bạn nhậu vui vẻ”.

El Greco Domenico(1541-1614), họa sĩ Tây Ban Nha gốc Hy Lạp.

Ingres Jean Auguste Dominique(1780-1867), nghệ sĩ người Pháp, một trong những họa sĩ vẽ chân dung xuất sắc nhất thế kỷ 19, người ủng hộ các truyền thống của chủ nghĩa cổ điển.

Các họa sĩ, nhà điêu khắc, nghệ sĩ đồ họa lớn trên thế giới cập nhật: 18 tháng 2, 2017 bởi tác giả: Địa điểm