Millised on kunstilise juhi kohustused? Kunstilise juhi ametijuhend. Teatri kunstilise juhi ametijuhendid

Mis on kunstiline juht? Millised on tema töökohustused? Mille eest ta vastutab ja millised on nõuded kunstilise juhi ametikohale, saate sellest artiklist teada. Paneme kohe kirja saidi administraatori Donkovieri - kultuuriasutuse kunstilise juhi - arvamuse, see on loomingulise meeskonna isa, ema, omanik ja türann, inimene, kellest kõik sõltub.

Kes on xkunstiline juht

Kunstiline juht vastutab loominguliste ideede, tegevuskava väljatöötamise, kunstilise visiooni elluviimise ning kunsti- ja loomeinstitutsiooni suunamise eest. Selline kunstilise juhi ametikoht ehk lühendatult - kunstiline juht on olemas kõikide teatrite töötajatel, erinevate suundadega: muusikateater, komöödiateater, draamateater ja kõik teised, neil on oma kunstiline juht. Ka teistes kultuuriasutustes võib sageli leida kunstilise juhi, need on kultuurimajad ja -paleed, klubid, kultuurikeskused, filharmooniaseltsid, tsirkused, igal pool on personalis kunstiline juht.

Kunstilise juhi töö

Kunstiline juht allub üldjuhul haldusjuhile, kuigi mõnel juhul liidetakse need kaks ametikohta üheks, eriti kui tegemist on teatriasutusega.

Kultuuriasutuses kunstiline juht vastutab loomeprotsessi eest ning teeb otsuseid loomingulise meeskonna esteetiliste väärtuste arendamise ning vaimse ja moraalse tegevuse kohta. Kultuuriasutuse strateegia ja arengu asjus konsulteerib ta peahalduriga.Khudruk kirjutab stsenaariume ja koostab kontserdikavasid, kui tegemist on kultuurimaja või filharmooniaga.

Kunstiline juht: töökohustused

• Kunstiline juht värbab, juhendab ja hindab kunstikaadreid, sealhulgas esinejaid, kunstnikke ja lavastajaid.
• Võtab tööle, juhendab ja hindab võtmetähtsusega tehnilisi töötajaid, sealhulgas abitootmise juhti.
• Töötab välja, viib ellu ja hindab aasta- ja kuuprogramme.
• Koos haldusjuhiga töötab välja asutuse aastaeelarve.
• Töötab pressisekretärina loomingulise meeskonna kunstilise hindamise eest meedias.
• Peab läbirääkimisi sponsoritega loovprojektide elluviimiseks raha kogumiseks.
• Loob suhteid teiste kultuuriorganisatsioonide ja partneritega.
• Kunstiline juht vastutab loomingulise meeskonna töö eest, koostab aruandeid konverentsidele ja aruandeid kõrgematele organisatsioonidele.

Kunstiline juht kontrollib asutuse kirjalike protseduuride sisu, kontrollib ja kontrollib oma meedia tööd: veebileht, ajaleht, ajakiri, videokanal ja muud kultuuriasutuse positsioneerimise võimalused.

Kunstiline juht

Olen kakskümmend aastat juhatanud Vahtangovi teatrit, aga endast kui kunstilisest juhist on raske rääkida. Seetõttu tahan peatuda vaid mõnel üldisel oma tegevuse aspektil.

Kui mulle tehti ettepanek sellele ametikohale asuda, mõtlesin sellele pikalt, see ei olnud minu jaoks lihtne, sest kujutasin ette vastutust, mida see postitus paneb, ja tundsin täiesti arusaadavat hirmutunnet: kas saan hakkama? Kuid sellegipoolest oli ta nõus, sest teadis, et vakhtangovilased ei võta "varanglasi" vastu. Samuti, ja seda näitas toonane Moskva Kunstiteatri kogemus, ei saa teatrit kollektiivselt juhtida. Seda saab juhtida ainult üks inimene. Ainult üks inimene saab seda tõsta. Ja olles kõik poolt- ja vastuargumendid kaalunud, lootsin, et suudan siiski hoida meie teatri prestiiži ja taset. Seetõttu astusin ametikohale põhiülesandega ees - säilitada Vahtangovi teater, vältida selle kollektiivi lagunemist väikesteks rühmadeks.

Selleks sõnastas ta oma programmi kolm punkti. Esiteks tuntud lavastajate meelitamine teatrisse üksikuid etendusi lavastama. Teiseks toetumine andekale draamale. Ja kolmandaks, omades juba teatri- ja filmirežii kogemust, andsin ma sõna ise etendusi mitte lavastada, sest teadsin: niipea, kui kunstiline juht hakkab etendusi lavastama, muutuvad need kohe repertuaari domineerivaks jooneks. Ja päris lavastajaannet mul pole. Kui ma aru saan, siis ainult näitlemises.

Nende kahekümne aasta jooksul on meie teatrit hinnatud erinevalt. Raskel perestroikajärgsel kümnendil ütlesid ühed, et teater on rikutud, teised vaid kurtsid, et kunagine hiilgus on tuhmunud. Siiski jäime alguses ellu, kui koos kokkuvarisemisega

NSV Liit hävis suure osa nõukogude ajast ja siis ärkas teater ellu ja areneb praegu aktiivselt ning selles näen ma osaliselt oma teenet.

Oli aeg, mil jagasime mingil määral kõigi teatrite saatust: ideoloogilise ajakirjanduse järsu langusega tabas meid justkui kessonilaadne haigus. Tõepoolest, aastakümneid oli kõik rangelt reguleeritud, mõnikord vabastati klapp vaid veidi ja kuulutati ootamatult täielikku vabadust! Eks see ole järsk pingemuutus? .. Ja ma pidin elama uutmoodi meie jaoks võõras turumajanduse tingimustes.

Assotsiatiivse kunsti esteetika häving osutus teatrile suureks katastroofiks. Esoopia keel muutus meie riigis ootamatult tarbetuks. Ja pooltühjades saalides hakkas meiega koos jooksma ka Šatrovi "Bresti rahu", mis isegi välismaal välja müüdi, ja tuli repertuaarist eemaldada. Vaataja tajus lahedalt ka ülimalt aktuaalset Wilderi ainetel valminud etendust "The Ides of March".

Mis ma oskan öelda, kui isegi "Tagankas", kus lavastati ägedaid, tsiviillavastusi, muutus ka kõik "normaalne-lahedaks" publiku ootamatult vähenenud tähelepanust. Ja teatrimaadleja Juri Ljubimov näis hämmelduses peatuvat: kellega võidelda? Mõneks ajaks kaotas ta ka hääle. See kummaline muutuste aeg nõudis teatritelt uusi värve ja sõnu. Ja nende leidmine muutus aina keerulisemaks.

Inimesed külastasid teatrit palju harvemini, seda ka vaesunud ühiskonnale kättesaamatud piletihindade tõttu. Muidugi kaotasid inimesed palju, kuid teater ei kannatanud vähem, kuna tal puudus ühisosa publikuga mõtisklustest, kogemustest, tunnetest. Ta lihtsalt ei jõudnud eluga sammu pidada, kui sündmused langesid segaduses Venemaa kodanikele nagu kivi. Kas neid oli võimalik raputada teatrietendusega, kui elu ise iga kell üllatas ja vapustas? Seetõttu ei pikutanud ükski meie teater ristteel: milline suund nüüd oma töös valida, kust otsida kokkupuutepunkte publikuga? Kuid ma ei tahtnud teda jälitada, oma nägu kaotada, teenindussektori tasemele vajuda ega isegi kultuuri puudumisest tulenevat otsest nõustamist. Kuid oli suur soov säilitada teatris uutes tingimustes kunsti igipõlised väärtused!

Ja selle ümber loodi palju kommertsteatreid, mis elasid ja elavad tegelikult rubla nimel. Üldjoontes pole seal lavastatud ainsatki märkimisväärset etendust, mitte ühtegi näitlejat pole koolitatud. Sest sinna on tulus võtta juba tunnustatud professionaale ja nad lähevad, sest nad maksavad seal hästi! Inimlikult saab neist aru: kes ei tahaks rohkem ja kiiremini teenida. Ja kuulsad näitlejad ei saa kaua ühe koha peal püsida, neid oodatakse kõikjale. Siit ka häkkimine, mängutaseme langus, perifeerse vaataja üllatus: kuhu kadus andekas näitleja imerek? Ja ta askeesis mingis prantsuse nipsasjakeses. Lõpuks oli, on ja jääb. Ja las ta olla, vähemalt selleks, et teravaks joonistamiseks hall taust jääks tõeliste teatriavastuste esiplaanile!

Vaatamata kõikidele raskustele, mida pidime minevikus taluma, ei tundnud me ikka veel täielikult, mis on vaimne kriis. Võite seda mõnitada nii palju kui soovite, aga meil on ikka palju haritud inimesi, kuigi oli hetk, mil haridus ei olnud moes. Mida see väike fraas väärt oli: "Miks sa nii vaene oled, kuna sa oled nii tark?" Kuid meie publik – ja seda märgivad kõik – on jäänud kunsti osas kõige keerukamaks, olgu selleks siis teater, muusika või maalikunst. Ja ma ei taha, et see tase üldse langeks. Ja muretsemiseks on põhjust.

Vaadake, mis meie laval toimub. Kes on nooruse iidol, meie aja nii-öelda kangelane? Filippus Kirkorov. Tal on palju fänne ja austajaid. Teda ülistatakse igal võimalikul viisil. Nad jäljendavad teda, kadestavad teda. Jah, tal ei puudu anne ja ilu. Kuid nad ei kadesta mitte niivõrd seda, kuivõrd tema rikkust. Tegelikult: ta lendab peaaegu oma lennukiga, tema Lincoln on sinna laaditud, sest ainult Lincolnis pääseb iidol Krasnojarski või mõnda teise linna. Kuid seegi pole nii hull, sest Kirkorov on vähemalt äratuntav, tal on individuaalsus. Massikultuuri uued moeröögatused on aga paisutanud meisse mingisugused "staaride tehased", mis ajavad välja näotuid esinejaid, kes muutuvad varajaste vokaalgruppide koosseisus partiidena, ilma et nende kommertsprogrammi kahjustaks. Eriti kahju pole aga midagi teha, kui vaadelda teemat kultuuri seisukohalt.

Ma saan aru, see kõik on reklaam, šokeeriv. Kui aga meie Vahtangovi teater oleks tahtnud mõnda oma etendust reklaamida, poleks ta leidnud isegi sajandikku vahenditest, mida show-äri kulutas oma lemmikute reklaamimisele. Lisaks tundub mulle, et teater ei õpi end üldse reklaamima. Ta on vanamoodne, justkui oleks ta riietatud vanadesse liikumist takistavatesse riietesse. Tal on häbi endast rääkida ja ta säilitab oma väärikuse.

Tundub, et riigi- ja erastruktuuride ühiste jõupingutuste abil on riik suutnud üldisest majanduskriisist välja tulla. Kuid iga teater otsib oma probleemidest väljapääsu peaaegu üksi. See on raske tee, kuid tee saab hakkama see, kes kõnnib.

Kui Jevgeni Rubenovitš Simonov meie hulgast lahkus, ei katkestanud ta sidemeid Vahtangovi teatriga. Selle lavastaja nimi läks teatri ajalukku, mida ma, nagu kõik vakhtangovilased, austan pühalikult - kõigi meie võitude, kaotuste, võitude ja kaotustega. Ja me ei kirjuta seda ümber, "kohandades" minevikku oleviku soodsale joondumisele. Jevgeni Simonov pühendas oma viimased aastad oma isa nimelise teatri loomisele, pidades oma pojakohustuseks oma mälestust jäädvustada. Ja teater on tegutsenud palju aastaid. See asub meile väga lähedal Arbati radadel ja täna juhib seda Vahtangovi teatri üks juhtivaid näitlejaid Vjatšeslav Šalevitš. Ja me lahendame koos paljusid tänapäeva elu probleeme: Vahtangovi teater, Štšukini teatrikool, Ruben Simonovi teater, vakhtangovilaste kõigi põlvkondade näitlejad ja lavastajad.

Me ikka otsime. Otsime vene klassika hinnalistesse laoruumidesse, kaasaegsesse draama. Meie eesmärk on kaitsta teatrit kui kultuuritemplit. Vaataja gravitatsiooni tabamine on edu võti. Ja kõik teatrid otsivad tänapäeval seda, võib-olla väga lihtsat lavalist tegevust, mis viib inimesed saalidesse, kes soovivad mõista, kes me täna oleme, mida me vajame, et tunnetada oma inimlikku kõrgust, eluvajadust. Arvan, et kirjandust, teatrit ja üldse kunsti on iseenesest vaja selleks, et maailmas headuse hulka suurendada, lisada. Et inimesed saaksid sellest tõe ja õiguse, usu ja armastuse allikast ammutada nii palju kui võimalik.

Mõeldes sellele, mis on teatrikunstis kõige olulisem, mõistad, et see on oskus, professionaalsus, kõrv, mis kuuleb tänast aega, hääl, mis oskab rääkida ajast.

Seda oskust peab valdama eelkõige direktor. Näidendit luues saab temast kõik: näitleja, kunstnik, muusikakujundaja, võlur, looja, valetaja, unistaja – kõik! Lõpuks annab ta välja näidendi ja ta elab juba omaette, sõltumata oma loojast.

Tänapäeva lavastajaprobleem on see, et on tekkinud omamoodi "võrkkiik", 1920. ja 1930. aastate suurte teatriekspertide kohorti – Stanislavski, Nemirovitš-Dantšenko, Vahtangov, Meyerhold, Tairov, nende õpilaste Ruben Simonov, Zavadski, Okhlopkov – vahel. , Akimov, Lobanov, Tovstonogov – ja kaasaegsed lavastajad.

“Õpetajate” põlvkond ei tõstnud oma vahetust üles, millel on käegakatsutav mõju direktori valdkonnale. Ma tunnen selle oma etteheite õigusvastasust: kasvatada lavastajat inimesest, kellel pole selleks loomupärast annet, on nagu kavatsus kedagi õpetada suureks kirjanikuks. Georgi Aleksandrovitš Tovstonogov ütles otse: "Lavastaja ei saa järglast kasvatada, sest see on kunstiliselt võimatu." Ja kuidas ta ei tea direktori äri kõiki suundi.

Kaasaegsed režissöörid pole enamasti "järkjärgulise küpsemise" teel loomulikult üles kasvanud, vaid on oma lihaseid täis pumpanud. "Jokid" lavastavad palju, nad on energilised, meisterlikud, neile ei saa ette heita, et nad ei tea oma tööd, kuid kooli puudumine mõjutab nende tööd. Filosoofiline teema mõistmine, vaimsus ja veenev elu "aparatuur", mis esines lähimineviku kuulsate lavastajate etteastetes, kes lähtusid oma töös teatrikunsti sügavast olemusest, on praegustes lavastustes väga puudu.

Ma ei oska kõiki hinnata, ütlen ma teatri kunstilise juhi enda tähelepanekute põhjal. Sellest, mida noored režissöörid meile toovad, näen: need on "ajuharitud", külmalt kalkuleerivad professionaalid. See pole nende süü: nad elavad ajastul, mil teatris lõhutakse vanad mõisted ja tuttavad kategooriad ning ka igapäevaelus ei tunne inimene oma jalge all alati kindlat pinnast. Siin, nagu öeldakse, pole aega vaimseks mõistmiseks ja taevasse vaatamiseks, siin mõtisklevad paljud, kuidas selles ekstravagantses maailmas sisse elada, mida selles "Browni liikumises", käimasolevas segaduses kinni püüda. Ja lavastajad toovad selle segaduse teatrisse. Ja ilusa vaimne mõistmine nõuab rahu ja loomingulist vaba aja veetmist. Kuid materiaalse tagaajamises ei eksisteeri ei üht ega teist tänapäeval kellegi jaoks. Paraku on muutunud ka publiku vajadused: asjaajamise järel soovib kaasaegne avalikkus igalt lavastatud aktsioonilt enamasti üht – võimalust auru välja lasta. Siin on televisiooni vestlussaade "Piiri poole". Seda juhib andekas ajakirjanik Vladimir Solovjov, ta manipuleerib osavalt riigi mõjukamate poliitikute ja lihtsalt kuulsate inimeste tegemistega. Nad on tema näitlejad. Aga mida tema üleviimine otsustab? Mitte midagi! See kõik on tühi jutt, lavanukkude hüüatused, mis nõuavad oma süütust, kuid keegi neist ei kuula kedagi. Mingil määral on see vestlussaate osalejatele kasulik – nii tõmbavad nad avalikkuse tähelepanu. Ja mida vaataja saab? Väsimus, väsitav unejutt, portsjon omamoodi unerohtu ja - samas - aeglase toimega doping, mille võtmise järel saab pärast paaritunnist puhkust taas pea ees tormata asjaajamistesse. . Rääkige nüüd sellest, et režissöörid on ilupreestrid ...

Kaasaegses draamas sama pilt: näidendeid on justkui palju, aga kõik räägivad ühte ja sama – kui halvad me täna oleme ja kui hea on, kui teeme seda ja teist. See on see, millega te vaatajat ei üllata!

Sellega seoses meenus mulle millegipärast Roman Vikgyuki näidend "Oginski polonees". Näidati üldist kokkuvarisemist. Ja mida see esitus mulle paljastas? Et maailm on hulluks läinud? Ma juba tean seda. Et inimesed muutuvad kiusatuste kaudu metsalisteks? Olen seda oma elus sageli näinud. Et nad ei tea, kuhu minna? Ma vahel tunnen seda ka ise. Milleks siis selline esitus, kui mult väljapääsu ei viitsita? Kui selles pole isegi tühimikku? Aga selles valatakse mu haavadele soola ja valatakse! Milleks?

Tõeline teater ei ole rahustav ravim, kuid see pole ka psühhotroopne ravim, et väänatud hingesid erutada. Ütleksin, et ta on näide normaalsemast, targemast ja terviklikumast maailmast, kui see, mis sageli auditooriumi lävest väljapoole jääb. Ideaalne maailm? See on täiesti võimalik, sest kunst on peaaegu alati püüdlemine ideaali poole.

Jah, teater peaks olema kaasaegne, aga vaataja ja tõepoolest ka näitleja vajab rohkem ajatuid väärtusi sisaldavaid figuure ja kokkupõrkeid. Ja need jäävad väärtusteks, sest neil on alati kaja täna toimuvaga. Aga ka meeldetuletus, et elu ei seisne ainult dollari kursis ja politsei tegevusaruannetes. Meie aga, olles igapäevaelu kihavas katlas, ei suuda kaugeltki alati tabada toimuva olemust ja seetõttu ei saa me ise vastata küsimustele, mida reaalsus meile esitab. Siis tulevad appi klassikud. See sisaldab igavesi vaimseid rikkusi – vastuseid inimeksistentsi küsimustele, mis tähendab, et see on toeks kõigile täna elavatele inimestele.

On võimatu ette kujutada, mida me täna teeksime ilma Ostrovski, Gogoli, Dostojevski, Tšehhovi, Shakespeare'ita! Kuid te ei saa täna lihtsalt klassikat panna. Seda tuleb uuesti lugeda igal uuel ajastul, igal uuel aegade pöördel. Lõppude lõpuks on kõik pidevas muutumises. Midagi sureb välja ja sünnib ühiskonnas. Inimene, tema suhtumine ja maitse muutuvad. Esteetikat uuendatakse. Ja etendus peaks orgaaniliselt sobituma meie “hullu, hullu, hullu maailma”. Ei saa olla leplik, moosiga teetassi taga 19. sajandist pärit maalitud puidust Zamoskvorechye linnaosa taustal, mil seina taha kerkivad klaasist ja betoonist pilvelõhkujad.

Kuid on midagi, mis ühendab mõlemat komplekti – inimlike kirgede äratundmine ja moraalsete väärtuste muutumatus, mis võimaldab teatril igal ajastul ammutada ja ammutada kõigi aegade ja rahvaste tõeliselt põhjatust draamavaramust.

Armastus ... Ükskõik kui palju me sellest räägime või kirjutame, ükskõik kui sügavalt me ​​ise seda kogeme, jääb see salapäraseks, intiimseks, arusaamatuks tundeks. Armastuse definitsiooni ei ole, mis sobiks igaks juhuks. Ta on alati avastus. Raske on ennustada, millisele tegevusele ta inimest inspireerib või sunnib. Jah, peaaegu kõik klassikud on armastusloo etre. Ja ükski neist pole nagu teine. Luuletaja parafraseerimiseks võime öelda: armastus on ainus uudis, mis on alati uus ...

Ka klassika on alati uus. Kuid alati ei juhtu, et ta kühveldas – ja siin see on, edu kuldkala! Ja me vaidleme teatris kähedalt, mida praegusesse repertuaari võtta. Lavastaja soovitab Kindralinspektorit või Tšehhovi Kajakat. Mulle tundub, et sellest on saanud omamoodi obsessiivne mood – kogu aeg tõlgendada Tšehhovit ja Gogolit omal moel. Justkui iga teater üritaks Tšehhovis leida midagi, mida keegi pole kunagi leidnud. Jah, nii Tšehhov kui ka Gogol on suured inimesetundjad, aga ma kardan moodi, mis on teatrirepertuaaris muutumas niisama hädavajalikuks kui teksapüksid.

Kunagi, olles saanud kunstiliseks juhiks, seadsin endale ülesandeks avada Vahtangovi teatri uksed laialt uuele aktuaalsele draamale ja teravale, kaasaegselt kõlavale klassikale. Selleks oli vaja kutsuda nii tõsiseid tuntud lavastajaid kui ka noori, kuid juba huvitavaid, end originaalselt paljastada lubavaid lavastajaid. Ma töötasin selle kallal ja sellel teel oli edu, kuigi keegi ei andnud mulle ebaõnnestumiste vastu kindlustust. Loominguliste püüdluste jaoks on normaalsed ainult õnnestumised ja ebaõnnestumised. Te ei saa nimetada kõiki, keda kutsusin. Küll aga mainin ära, et koos meiega paljastasid oma lavastajaideed Robert Sturua, Pjotr ​​Fomenko, Arkadi Katz, Roman Viktjuk, Vladimir Mirzojev, Vjatšeslav Šalevitš, Sergei Jašin, Aleksandr Gorban. Nende eestvedamisel lavastati sellised etendused nagu "Bresti rahu", "Meistri õppetunnid", "Märtsi Ides", "Süüdivabad", "Aliba ja nelikümmend varast", "Kahte jänest taga ajades", "Pühendus Eevale". ", "Cyrano de Bergerac", "Nbch iguaanid" ja paljud teised. Kuid loomulikult ei kroonitud kõike tehtut suure publikuedu loorberitega. Sellegipoolest on need etendused meie teatri kujunemise etapid rasketel aastatel, mil Venemaal otsisid kõik kaasmaalased oma, sageli uut kohta päikese käes.

Aga see on nii-öelda kunstilise juhi murede loominguline osa, mis lähtub majanduslikust ja majanduslikust vundamendist ning sõltub osaliselt ka inimestevahelistest suhetest trupis – ja sellele tuleb ka mõelda. Sellised probleemid süvenesid eelmise sajandi 90ndatel väga ja ilmselt oleks mul kõige lihtsam need kõrvale heita ja võtta mõni mugav ja pisut eemaletõukav asend. Kuid, pean tunnistama, tunnen tänaseni vastutust selle eesmärgi ees, mida olen kogu oma elu teeninud – teatri eest.

Omal ajal perestroika eufooria lõppes ja selgus, et koos mõningase administratiivse iseseisvusega omandasid teatrid hunniku probleeme ja nende lahendamise mehhanisme ei osatud hallata. Ja paljud pidid seda ise tegema.

Meie rekvisiidid olid kulunud, lavatehnika vananenud ja katastroofilises rahalises olukorras (teada on ju, mis tollel ajastul toimus majanduses) polnud teatril vahendeid selle augu likvideerimiseks. Niisiis, me peame minema ametnike, pealike juurde, kelle nimi on alati olnud leegion. Meil on ikka rohkem ülemusi kui töötajaid. Neid oli palju ja nüüd on neid veelgi rohkem. Kuhu iganes lähete, on palju komisjone, parlamente ja osakondi. Ametnikel oleks ikka hea mundrid kasutusele võtta – muutuksime siis absoluutselt sarnaseks Nikolajevi "pulgaga" Venemaaga, nagu seda nõukogude ajal kirjeldati. Ainult siis me ei osanud unistada sellest, mis praegu on! Kõrgetest ametitest läbi kõndimine sarnaneb Dante põrguringidega: pole tõsiasi, et nõutu välja tuuakse, kuid alandust kannatate kindlasti välja. Ja tuleb minna nii, et su äri ei jääks seisma, et teatrikunsti, üldse rahvuskultuuri parimaid traditsioone, mis on paljuski juba hoos, ei tellitaks kauaks elama.

Nii et ma läksin. Näiteks meie teatri lähedal Arbatil oli pikka aega hävinud maja, mis ei kuulunud restaureerimisele ega kuulunud kellelegi. Meil, nagu õhulgi, oli vaja teist lava teatris eksperimentaalseks tegevuseks, repertuaari laiendamiseks ja lõpuks kogu trupile töö andmiseks. Ja seda maad ei õnnestunud saada "täielik majapidamine" kõrval, et investoreid ja ehitajaid meelitada. Meie taotlustele ja põhjustele vastati ainult üks vastus: "pole raha, pole võimalusi." Ja kõik oleks võinud lõppeda sellega, et mõni tark ettevõtja või kõikjal leviv maffia paneb neile varemetele käpad ja keset Arbatit kerkib veel üks kasiino. Tõepoolest, postsovetlikul Venemaal juhtus, et isegi teatrisildi all avati kasumi nimel kahtlasi poode ja selleks unustasid äsja vermitud ärimehed kergesti etenduskunstide tegeliku tähenduse ühiskonnale. Vahtangovi teatril õnnestus aga oma väidet tõestada ja maad eraldati meile.

Ekskursiooniga oli ka raskusi. Juhtus isegi nii, et Moskva jäi majanduse segaduse tõttu kaheks-kolmeks suvehooajaks kutsumata teatrikollektiivideta – polnud lihtsalt kuhugi kutsuda. Siis oli isegi teekond Peterburist Moskvasse täis kopsakaid probleeme. Pealegi ähvardas riiki tõeliselt ühtse kultuurilise teatriruumi kadumine. Pealegi olid suurlinna trupid tõsistes raskustes oma loominguliste reiside korraldamisega äärealadele. Tulime olukorrast välja nii hästi kui suutsime. Ja saime välja! 2002. aasta alguses läksid vakhtangovilased täies koosseisus tuurile Kiievis, andsid etendusi Lesya Ukrainka teatris. See tähendab, et trupi etendus oli täis.

Kuidas kaasata etendustesse kõiki näitlejaid, pakkuda neile loomingulise kasvu võimalusi ja korralikku sissetulekut – see on eriline vestlus. Probleem ei ole ainult vakhtangovitele, see on universaalne kõigi teatrite jaoks. Kui raha polnud, kuni selle teenimise õppimiseni hakkasid aastate jooksul loodud teatritrupid meenutama tohutuid kohmakaid dreadnoughte. Ühest küljest tulid noored näitlejad - neil polnud veel piisavalt kogemusi repertuaari kandmiseks, aga perspektiivi tuli juba anda. Teisest küljest oli palju pensionäre, kes mängisid tervislikel põhjustel järjest vähem, kuid neid ei tohiks igal juhul vallandada - pensionid olid napid ja ära teeninud inimeselt, teie pikaajaliselt kaaslaselt. lava, roll mõnes teises lavastuses tähendab tema panemist poolnälgiva eksistentsi äärele. Seetõttu võitlesin jõudumööda ebakindla tasakaalu hoidmise eest vanema põlvkonna näitlejate ja noorte vahel, nii-öelda toetasin loominguliselt eakaid, orienteerides teatrit siiski noorele, värskele verele. Ja siin on tulemus: viimase kahekümne aasta jooksul on Vahtangovi laval kasvanud tõelised meistrid - A. Dubrovskaja, M. Aronova, E. Sotnikova, N. Grišajeva, S. Makovetski, M. Suhhanov, V. Simonov, E. Knjazev, A. Zavjalov, võib nimesid veel loetleda. Paljud neist on välismaal tuntud suurepäraste professionaalidena, neid kutsutakse koostööle erinevatel teatri- ja filmivõtetel ning nad esinevad pidevalt meie trupis. Kuid mu vanad sõbrad-näitlejad on endiselt au sees - paljude-paljude imeliselt mängitud rollide näitel kasvatasid nad endale väärilise asendaja, see on nende teene. Ja siis hakkavad tasapisi endast märku andma väga noored poisid, äsja teatrikooli lõpetanud... Ja kõigil meie teatri näitlejatel on oma loominguline hääl, neil on õigus lavalt vaatajale midagi olulist rääkida.

Mõnedel suurkujudel on suurepärane väide Cicero ja Demosthenese oratooriumi erinevuse kohta. Kui Mark Tullius Cicero kõneles, valdas Rooma senat vaimustust: "Jumal, kuidas ta räägib!" Ja kui Demosthenes kreeklastega rääkis, hüüdsid ateenlased: "Sõda Filippus Suurele!"

Sama võib öelda ka kunsti ja režii ning näitlejatöö erinevuse kohta. Kunstil on üldiselt palju nägusid – ja sellepärast on see huvitav. Kunst on piiritu – ja sellepärast on see ilus. Kunst on kõiketeadev – ja sellepärast on ta imeline.

Kunst otsib tänapäevalgi teid nagu risustatud kaevanduses - inimesteni, valguse juurde ja leiab need sageli klassika abil. Ja ka klassika - staap väsinud ränduri käes, kes eksleb läbi elu.

Vajadusel, rasketel aastatel, tuginesime sellele, kuid võtsime oma repertuaari ka kaasaegsete autorite teoseid. Nii need kui ka teised näidendid võiksid olla väljamüüdud ja ilma.

Kuid on oluline, et nende abiga jäi Vahtangovi teater ellu. Samuti jäi ta ellu tänu oma hämmastavale sädelevale näitlejakoolile. Kakskümmend aastat olen hoidnud meie traditsioone nii hästi kui oskan ja nüüd tagasi vaadates võin rahulolevalt tõdeda: olen oma teelõigul hakkama saanud. Võib-olla sellepärast, et tajusin iga lavastaja, iga näitleja edu meie teatris enda omana. Ja ma ei näinud enda jaoks mingit kasu, välja arvatud teatri edu.