رمانتیسم یک جهت هنری است. رمانتیسم در هنر (قرن XVIII - XIX). رمانتیسم در موسیقی

انشای امتحانی

موضوع: رمانتیسم به عنوان یک گرایش در هنر.

انجام دانش آموز 11 کلاس "ب" مدرسه شماره 3

بویپراو آنا

مدرس هنر جهان

فرهنگ Butsu T.N.

برست 2002

1. معرفی

2. دلایل پیدایش رمانتیسیسم

3. ویژگی های اصلی رمانتیسم

4. قهرمان رمانتیک

5. رمانتیسم در روسیه

الف) ادبیات

ب) نقاشی

ج) موسیقی

6. رمانتیسیسم اروپای غربی

یک نقاشی

ب) موسیقی

7. نتیجه گیری

8. مراجع

1. معرفی

اگر به فرهنگ لغت توضیحی زبان روسی نگاه کنید، می توانید چندین معنی از کلمه "رمانتیسم" را بیابید: 1. روند ادبیات و هنر ربع اول قرن 19، که با ایده آل سازی گذشته، انزوا از گذشته مشخص می شود. واقعیت، کیش شخصیت و انسان. 2. گرایشی در ادبیات و هنر، آغشته به خوش بینی و میل به نشان دادن هدف عالی یک شخص در تصاویر واضح. 3. حالت، آغشته به ایده آل سازی واقعیت، تفکر رویایی.

همانطور که از تعریف پیداست، رمانتیسیسم پدیده ای است که نه تنها در هنر، بلکه در رفتار، پوشش، سبک زندگی، روانشناسی افراد نیز خود را نشان می دهد و در نقاط عطف زندگی به وجود می آید، بنابراین موضوع رمانتیسیسم امروز مطرح است. ما در آستانه قرن زندگی می کنیم، در مرحله گذار هستیم. در این راستا در جامعه عدم ایمان به آینده، عدم اعتماد به آرمان ها، تمایل به فرار از واقعیت پیرامون به دنیای تجربیات خود و در عین حال درک آن وجود دارد. این ویژگی هاست که مشخصه هنر رمانتیک است. به همین دلیل موضوع «رمانتیسم به عنوان یک جهت در هنر» را برای تحقیق انتخاب کردم.

رمانتیسم لایه بسیار بزرگی از انواع مختلف هنر است. هدف از کار من ردیابی شرایط پیدایش و دلایل پیدایش رمانتیسیسم در کشورهای مختلف، بررسی گسترش رمانتیسیسم در اشکال هنری مانند ادبیات، نقاشی و موسیقی و مقایسه آنهاست. وظیفه اصلی من این بود که ویژگی های اصلی رمانتیسم را برجسته کنم، مشخصه همه انواع هنر، تا مشخص کنم رمانتیسیسم چه تأثیری بر توسعه سایر گرایش ها در هنر داشته است.

هنگام توسعه موضوع، از کتاب های درسی هنر توسط نویسندگانی مانند فیلیمونوا، ووروتنیکوف و غیره، دایره المعارف ها، تک نگاری های اختصاص داده شده به نویسندگان مختلف عصر رمانتیسم، مطالب زندگی نامه نویسندگانی مانند امینسکایا، آتسارکینا، نکراسوف و غیره استفاده کردم.

2. دلایل عاشقانه

هر چه به مدرنیته نزدیک‌تر شویم، دوره‌های زمانی برای تسلط این یا آن سبک کوتاه‌تر می‌شود. دوره زمانی پایان قرن هجدهم تا یک سوم قرن نوزدهم. دوران رمانتیسم (از رمانتیک فرانسوی؛ چیزی مرموز، عجیب، غیر واقعی) در نظر گرفته شده است.

چه چیزی بر ظهور یک سبک جدید تأثیر گذاشت؟

اینها سه رویداد اصلی هستند: انقلاب کبیر فرانسه، جنگهای ناپلئونی، ظهور جنبش آزادیبخش ملی در اروپا.

صدای رعد و برق پاریس در سراسر اروپا طنین انداز شد. شعار «آزادی، برابری، برادری!» نیروی جذابی برای همه مردم اروپا داشت. با تشکیل جوامع بورژوایی، طبقه کارگر به عنوان یک نیروی مستقل شروع به اقدام علیه نظم فئودالی کرد. مبارزه متضاد سه طبقه - اشراف، بورژوازی و پرولتاریا - اساس توسعه تاریخی قرن نوزدهم را تشکیل داد.

سرنوشت ناپلئون و نقش او در تاریخ اروپا برای 2 دهه، 1796-1815، ذهن معاصران او را به خود مشغول کرد. "حاکم افکار" - گفت A.S. پوشکین

برای فرانسه، این سال‌ها سال‌های عظمت و شکوه بود، هرچند به قیمت جان هزاران فرانسوی. ایتالیا ناپلئون را رهایی بخش خود می دید. لهستانی ها امیدهای زیادی به او بسته بودند.

ناپلئون به عنوان یک فاتح در راستای منافع بورژوازی فرانسه عمل کرد. برای پادشاهان اروپایی، او نه تنها یک دشمن نظامی، بلکه نماینده دنیای بیگانه بورژوازی بود. از او متنفر بودند. در آغاز جنگ های ناپلئونی در "ارتش بزرگ" او شرکت کنندگان مستقیم زیادی در انقلاب حضور داشتند.

شخصیت خود ناپلئون خارق العاده بود. مرد جوان لرمانتوف به دهمین سالگرد مرگ ناپلئون پاسخ داد:

او با دنیا بیگانه است. همه چیز در مورد او یک راز بود

یک روز طلوع - و یک ساعت سقوط!

این راز به ویژه مورد توجه رمانتیک ها قرار گرفت.

در ارتباط با جنگ های ناپلئونی و بلوغ آگاهی ملی، این دوره با ظهور نهضت آزادی ملی مشخص شد. آلمان، اتریش، اسپانیا علیه اشغال ناپلئون، ایتالیا - علیه یوغ اتریش، یونان - با ترکیه، در لهستان علیه تزاریسم روسیه، ایرلند - علیه انگلیس مبارزه کردند.

یک نسل شاهد یک تغییر شگفت انگیز بود.

فرانسه بیش از همه غرق شد: پنج سال طوفانی انقلاب فرانسه، ظهور و سقوط روبسپیر، لشکرکشی های ناپلئون، اولین کناره گیری ناپلئون، بازگشت او از جزیره البا ("صد روز") و پایان.

شکست در واترلو، پانزدهمین سالگرد تیره و تار رژیم بازسازی، انقلاب ژوئیه 1860، انقلاب فوریه 1848 در پاریس، که موجی انقلابی را در کشورهای دیگر به راه انداخت.

در انگلستان، در نتیجه یک انقلاب صنعتی در نیمه دوم قرن نوزدهم. تولید ماشینی و مناسبات سرمایه داری استوار شد. اصلاحات پارلمانی 1832 راه بورژوازی را برای رسیدن به قدرت دولتی باز کرد.

حاکمان فئودال قدرت را در سرزمین های آلمان و اتریش حفظ کردند. پس از سقوط ناپلئون با مخالفان به شدت برخورد کردند. اما حتی در خاک آلمان، یک لوکوموتیو بخار که از انگلستان در سال 1831 آورده شد، عاملی برای پیشرفت بورژوازی شد.

انقلاب های صنعتی، انقلاب های سیاسی چهره اروپا را تغییر دادند. مارکس و انگلس، دانشمندان آلمانی در سال 1848 نوشتند: «بورژوازی، در کمتر از صد سال حکومت طبقاتی خود، نیروهای مولد پرتعداد و بزرگتر از مجموع همه نسل های پیشین ایجاد کرده است».

بنابراین، انقلاب کبیر فرانسه (1789-1794) نقطه عطف خاصی را رقم زد که دوران جدید را از عصر روشنگری جدا کرد. فقط اشکال دولت، ساختار اجتماعی جامعه، ترتیب طبقات تغییر کرد. کل سیستم بازنمایی ها که قرن ها روشن شده بود، متزلزل شد. مربیان از نظر ایدئولوژیک انقلاب را آماده کردند. اما آنها نمی توانستند تمام عواقب آن را پیش بینی کنند. «ملکوت عقل» صورت نگرفت. انقلابی که آزادی فرد را اعلام می کرد، نظم بورژوایی و روحیه اکتسابی و خودخواهی را به وجود آورد. این مبنای تاریخی برای توسعه فرهنگ هنری بود که جهت جدیدی را - رمانتیسم - ارائه کرد.

3. ویژگی های اصلی عاشقانه

رمانتیسم به عنوان یک روش و جهت در فرهنگ هنری پدیده ای پیچیده و متناقض بود. در هر کشوری، او یک بیان ملی واضح داشت. در ادبیات، موسیقی، نقاشی و تئاتر، یافتن ویژگی هایی که شاتوبریان و دلاکروا، میکیویچ و شوپن، لرمونتوف و کیپرنسکی را به هم پیوند دهد، آسان نیست.

رمانتیک ها موقعیت های اجتماعی و سیاسی مختلفی در جامعه داشتند. همه آنها علیه نتایج انقلاب بورژوایی قیام کردند، اما آنها به طرق مختلف قیام کردند، زیرا هر یک ایده آل خاص خود را داشتند. اما با وجود همه جانبه‌ها و تنوع‌ها، رمانتیسم ویژگی‌های پایداری دارد.

ناامیدی در مدرنیته باعث ایجاد حالت خاصی شد علاقه به گذشته: به شکل‌بندی‌های اجتماعی پیش از بورژوایی، تا دوران باستانی پدرسالار. بسیاری از رمانتیک ها با این ایده مشخص می شدند که عجیب و غریب زیبای کشورهای جنوب و شرق - ایتالیا، اسپانیا، یونان، ترکیه - تضاد شاعرانه ای با زندگی روزمره خسته کننده بورژوازی است. در این کشورها که در آن زمان هنوز اندکی تحت تأثیر تمدن قرار داشتند، رمانتیک ها به دنبال شخصیت های روشن، قوی، شیوه زندگی بدیع و رنگارنگ بودند. علاقه به گذشته ملی باعث ایجاد آثار تاریخی زیادی شد.

رمانتیک‌ها با تلاش برای بالا رفتن از نثر هستی، رهایی از توانایی‌های متنوع فرد، خودشکوفایی حداکثری در خلاقیت، با رسمی‌سازی هنر و رویکرد مستقیم خردمندانه به آن، که ذاتی کلاسیک است، مخالفت کردند. همه آنها از آنجا آمدند انکار روشنگری و قوانین خردگرایانه کلاسیک،و اگر کلاسیکیسم همه چیز را در یک خط مستقیم، به بد و خوب، به سیاه و سفید تقسیم می کند، پس رمانتیسم هیچ چیز را در یک خط مستقیم تقسیم نمی کند. کلاسیک یک سیستم است، اما رمانتیسیسم اینطور نیست. رمانتیسم پیشرفت دوران مدرن را از کلاسیک به سمت احساسات گرایی سوق داد که زندگی درونی یک فرد را در هماهنگی با دنیای گسترده نشان می دهد. و رمانتیسم مخالف هماهنگی با دنیای درون است. با رمانتیسم است که روانشناسی واقعی شروع به ظهور می کند.

وظیفه اصلی رمانتیسم بود تصویر دنیای درون، زندگی ذهنی و این را می شد بر اساس داستان و عرفان و ... انجام داد. باید پارادوکس این زندگی درونی، غیرعقلانی بودن آن را نشان داد.

رمانتیک ها در تخیلات خود واقعیت ناپسند را دگرگون کردند یا به دنیای تجربیات خود رفتند. شکاف بین رویا و واقعیت، تقابل داستان زیبا با واقعیت عینی در قلب کل جنبش رمانتیک قرار داشت.

رمانتیسم برای اولین بار مشکل زبان هنر را مطرح می کند. «هنر زبانی است کاملاً متفاوت از ماهیت. اما همچنین حاوی همان نیروی معجزه آسایی است که به همان اندازه مخفیانه و غیرقابل درک روح انسان را تحت تأثیر قرار می دهد "(واکنرودر و ثیک). هنرمند مفسر زبان طبیعت است، میانجی بین دنیای روح و مردم. "به لطف هنرمندان، انسانیت به عنوان یک فردیت جدایی ناپذیر ظاهر می شود. هنرمندان از طریق زمان حال، دنیای گذشته را با دنیای آینده یکی می کنند. آنها بالاترین اندام معنوی هستند که در آن نیروهای حیاتی انسانیت بیرونی آنها با یکدیگر ملاقات می کنند و ابتدا انسانیت درونی خود را نشان می دهد "(F. Schlegel).

با این حال، رمانتیسیسم یک روند همگن نبود: توسعه ایدئولوژیک آن در جهت های مختلفی پیش رفت. در میان رمانتیک ها، نویسندگان مرتجع، طرفداران رژیم قدیم، وجود داشتند که سلطنت فئودالی و مسیحیت را تجلیل می کردند. از سوی دیگر، رمانتیک‌ها با نگرش مترقی، اعتراضی دموکراتیک به فئودالی و انواع ظلم و ستم ابراز می‌کردند و انگیزه انقلابی مردم برای آینده‌ای بهتر را تجسم می‌دادند.

رمانتیسم دوران کاملی را در فرهنگ هنری جهان بر جای گذاشت، نمایندگان آن عبارت بودند از: وی. اسکات، جی. بایرون، شلی، وی. هوگو، آ. میتسکویچ و دیگران. در هنرهای زیبا E. Delacroix، T. Gericault، F. Runge، J. Constable، W. Turner، O. Kiprensky و دیگران. در موسیقی اف. شوبرت، آر. واگنر، جی. برلیوز، ن. پاگانینی، اف. لیست، اف. شوپن و دیگران. آنها ژانرهای جدیدی را کشف و توسعه دادند، به سرنوشت انسان توجه زیادی کردند، دیالکتیک را آشکار کردند. خیر و شر، اشتیاقات انسانی آشکار شده با استادی و غیره.

اشکال هنری از نظر اهمیت کم و بیش برابری کردند و آثار هنری باشکوهی به وجود آوردند، اگرچه رمانتیک های نردبان هنر اولویت را به موسیقی می دادند.

4. قهرمان رمانتیک

قهرمان رمانتیک کیست و چگونه است؟

او فردی فردگرا است. ابرمردی که در دو مرحله زندگی کرده است: قبل از برخورد با واقعیت، در حالت "صورتی" زندگی می کند، میل به موفقیت، برای تغییر جهان در او تسخیر شده است. پس از مواجهه با واقعیت، او همچنان این دنیا را مبتذل و ملال آور می داند، اما بدبین و بدبین نمی شود. با درک روشنی که هیچ چیز را نمی توان تغییر داد، میل به اعمال قهرمانانه در میل به خطرات دوباره متولد می شود.

رمانتیک ها می توانند به هر چیز کوچک، به هر واقعیت ملموس، به هر چیزی که منحصر بفرد است، ارزش ابدی بدهند. ژوزف دو ماستر آن را "راه های مشیت" می نامد، ژرمن دو استال - "رحم پربار جهان جاودانه". شاتوبریان در نابغه مسیحیت، در کتابی که به تاریخ اختصاص دارد، مستقیماً به خدا به عنوان آغاز زمان تاریخی اشاره می کند. جامعه به عنوان پیوندی تزلزل ناپذیر ظاهر می شود، "رشته ای از زندگی که ما را با اجدادمان پیوند می دهد و باید آن را به فرزندان خود گسترش دهیم." فقط قلب آدمی و نه ذهنش می تواند صدای خالق را از طریق زیبایی طبیعت، از طریق احساسات عمیق درک کند و بشنود. طبیعت الهی است، منبع هماهنگی و قدرت خلاق است، استعاره های آن اغلب توسط رمانتیک ها به فرهنگ واژگان سیاسی منتقل می شود. برای رمانتیک ها، درخت به نمادی از قبیله، توسعه خود به خود، درک آب میوه های سرزمین مادری، نمادی از وحدت ملی تبدیل می شود. هر چه ذات انسان معصوم تر و حساس تر باشد، صدای خدا را راحت تر می شنود. یک کودک، یک زن، یک جوان نجیب بیشتر از دیگران جاودانگی روح و ارزش زندگی ابدی را درک می کنند. عطش رمانتیک ها برای سعادت به دنبال آرمان گرایانه پادشاهی خدا پس از مرگ محدود نمی شود.

انسان علاوه بر عشق عرفانی به خدا، به عشق واقعی و زمینی نیاز دارد. قهرمان رمانتیک که قادر به تصاحب هدف اشتیاق خود نبود، به یک شهید ابدی تبدیل شد، محکوم به انتظار ملاقات با معشوق خود در زندگی پس از مرگ، "زیرا عشق بزرگ وقتی ارزش جاودانگی را دارد که به قیمت جان یک مرد تمام شود."

مشکل رشد و تربیت فرد جایگاه ویژه ای در کار رمانتیک ها دارد. دوران کودکی عاری از قوانین است، انگیزه های آنی آن اخلاق عمومی را نقض می کند و از قوانین بازی کودک خود پیروی می کند. در بزرگسالان، واکنش های مشابه منجر به مرگ، محکومیت روح می شود. در جستجوی ملکوت بهشتی، شخص باید قوانین وظیفه و اخلاق را درک کند، تنها در این صورت می تواند به زندگی ابدی امیدوار باشد. از آنجایی که تکلیف به رمانتیک ها با تمایل آنها برای به دست آوردن زندگی ابدی دیکته می شود، انجام وظیفه شادی شخصی را در عمیق ترین و قوی ترین جلوه اش به ارمغان می آورد. به وظیفه اخلاقی، وظیفه احساسات عمیق و علایق والا اضافه می شود. رمانتیک‌ها بدون اختلاط شایستگی‌های جنسیت‌های مختلف، از برابری رشد معنوی مردان و زنان دفاع می‌کنند. به همین ترتیب، یک وظیفه مدنی توسط عشق به خدا و نهادهای او دیکته می شود. تلاش شخصی تکمیل خود را در یک هدف مشترک می یابد، در تلاش کل ملت، همه بشریت، تمام جهان.

هر فرهنگی قهرمان رمانتیک خاص خود را دارد، اما چارلز هارولد بایرون یک نمایش معمولی از قهرمان رمانتیک ارائه کرده است. او نقاب قهرمان خود را به چهره زد (می گوید بین قهرمان و نویسنده فاصله نیست) و موفق شد قانون عاشقانه را رعایت کند.

همه آثار عاشقانه با ویژگی های مشخصه متمایز می شوند:

اول اینکه در هر اثر عاشقانه بین قهرمان و نویسنده فاصله نیست.

ثانیاً نویسنده قهرمان قضاوت نمی کند، اما حتی اگر چیز بدی در مورد او گفته شود، طرح آنقدر ساخته شده است که قهرمان مقصر نیست. طرح داستان در یک اثر عاشقانه معمولا عاشقانه است. رمانتیک ها همچنین با طبیعت رابطه خاصی برقرار می کنند، آنها طوفان، رعد و برق، فاجعه را دوست دارند.

5. عاشقانه در روسیه.

رمانتیسیسم در روسیه به دلیل یک موقعیت تاریخی متفاوت و سنت فرهنگی متفاوت با اروپای غربی متفاوت بود. انقلاب فرانسه را نمی توان در میان دلایل وقوع آن به حساب آورد، زیرا دایره بسیار باریکی از مردم هر گونه امیدی را به دگرگونی در مسیر آن بسته بودند. و نتایج انقلاب کاملاً در آن ناامید شد. مسئله سرمایه داری در روسیه در آغاز قرن نوزدهم. ایستادگی نکرد بنابراین چنین دلیلی نیز وجود نداشت. دلیل واقعی جنگ میهنی 1812 بود که در آن تمام قدرت ابتکار مردم آشکار شد. اما پس از جنگ مردم وصیت نامه دریافت نکردند. بهترین اشراف، ناراضی از واقعیت، در دسامبر 1825 به میدان سنا آمدند. سالهای متلاطم پس از جنگ به محیطی تبدیل شد که رمانتیسم روسی در آن شکل گرفت.

رمانتیسیسم و ​​بعلاوه مال ما روسی توسعه یافت و به اشکال اصلی ما شکل گرفت، رمانتیسیسم یک ادبی ساده نبود، بلکه یک پدیده زندگی بود، یک دوره کامل از رشد اخلاقی، دورانی که رنگ خاص خود را داشت، یک دوره خاص را انجام داد. نگاهی به زندگی... بگذارید روند رمانتیک از بیرون بیاید، از زندگی غربی و ادبیات غربی، در طبیعت روسیه خاکی آماده برای درک خود یافت و بنابراین در پدیده های کاملاً بدیع منعکس شد، همانطور که شاعر و منتقد آپولو گریگوریف آن را ارزیابی کرد - این یک پدیده فرهنگی منحصر به فرد است و ویژگی های آن پیچیدگی اساسی رمانتیسیسم را نشان می دهد که گوگول جوان از اعماق آن بیرون آمد و او نه تنها در آغاز زندگی حرفه ای خود به عنوان نویسنده، بلکه در سراسر زندگی خود با او ارتباط داشت. زندگی

آپولون گریگوریف با دقت ماهیت تأثیر مکتب رمانتیک را بر ادبیات و زندگی، از جمله نثر آن زمان، تعیین کرد: نه یک تأثیر ساده یا قرض گرفتن، بلکه یک زندگی و جریان ادبی مشخصه و قدرتمند، که پدیده های کاملاً بدیع را در جوان روسی به وجود آورد. ادبیات.

الف) ادبیات

مرسوم است که رمانتیسیسم روسی را به چند دوره تقسیم کنیم: اولیه (1801-1815)، بالغ (1815-1825) و دوره توسعه پس از کبریست. با این حال، در رابطه با دوره اولیه، قراردادی بودن این طرح قابل توجه است. زیرا طلوع رمانتیسم روسی با نام های ژوکوفسکی و باتیوشکوف همراه است، شاعرانی که به سختی می توان خلاقیت و نگرش آنها را در کنار هم قرار داد و در همان دوره مقایسه کرد، اهداف، آرزوها، خلق و خوی آنها بسیار متفاوت است. در ابیات هر دو شاعر، هنوز هم می توان تأثیر شاهانه گذشته - عصر احساسات گرایی را احساس کرد، اما اگر ژوکوفسکی هنوز عمیقاً در آن ریشه دوانده است، پس باتیوشکف به روندهای جدید بسیار نزدیکتر است.

بلینسکی به درستی خاطرنشان کرد که کار ژوکوفسکی با "شکایت از امیدهای ناقص که نامی نداشتند، غم و اندوه برای شادی از دست رفته، که خدا می داند چیست" مشخص می شود. در واقع، در شخص ژوکوفسکی، رمانتیسیسم هنوز اولین قدم های ترسو خود را برمی داشت، و ادای مالیخولیایی احساساتی و مالیخولیایی، اشتیاق قلبی مبهم و به سختی قابل درک، در یک کلام، به مجموعه پیچیده ای از احساسات که در نقد روسی «رمانتیسم» نامیده می شد. از قرون وسطی."

فضای کاملاً متفاوتی در شعر باتیوشکوف حاکم است: لذت بودن، احساسی صریح، سرود لذت.

ژوکوفسکی به حق نماینده برجسته اومانیسم زیباشناختی روسیه محسوب می شود. ژوکوفسکی از خود راضی و فروتن که با احساسات قوی بیگانه بود، تحت تأثیر قابل توجه عقاید روسو و رمانتیک های آلمانی بود. او به پیروی از آنها به جنبه زیبایی شناختی دین، اخلاق و روابط اجتماعی اهمیت زیادی می داد. هنر از ژوکوفسکی معنای دینی پیدا کرد، او تلاش کرد تا در هنر "مکاشفه" حقایق بالاتر را ببیند، برای او "مقدس" بود. رمانتیک های آلمانی با همذات پنداری شعر و مذهب مشخص می شوند. همین را در ژوکوفسکی می یابیم که می نویسد: «شعر خداست در رویاهای مقدس زمین». در رمانتیسیسم آلمانی، او به ویژه به جاذبه به سوی همه چیز فراتر، به سمت "سمت شب روح"، به سمت "غیرقابل بیان" در طبیعت و انسان نزدیک بود. طبیعت در شعر ژوکوفسکی توسط رمز و راز احاطه شده است، مناظر او شبح مانند و تقریبا غیر واقعی هستند، مانند انعکاس در آب:

چقدر بخور با خنکی گیاهان آمیخته شده است!

چقدر شیرین است در سکوت کنار ساحل جت ها آب پاشیدن!

گل ختمی چقدر آرام در آب می وزد

و بال زدن بید انعطاف پذیر!

به نظر می رسد روح حساس، لطیف و رویایی ژوکوفسکی در آستانه «این نور مرموز» به طرز شیرینی یخ می زند. شاعر، همانطور که بلینسکی به درستی بیان می کند، «مصائب خود را دوست دارد و کبوتر می کند»، اما این رنج با زخم های بی رحمانه قلب او را گاز نمی گیرد، زیرا حتی در غم و اندوه زندگی درونی او آرام و آرام است. بنابراین، هنگامی که او در نامه خود به باتیوشکف، "پسر سعادت و شادی"، شاعر اپیکوری را "بستگان موس" می نامد، باور این رابطه دشوار است. بلکه ژوکوفسکی با فضیلت را باور خواهیم کرد که دوستانه به خواننده لذت های زمینی توصیه می کند: "هوسبازی را رد کن، رویاها کشنده هستند!"

باتیوشکوف در همه چیز برعکس ژوکوفسکی است. او مردی پرشور بود و زندگی خلاقانه اش 35 سال قبل از وجود جسمانی اش کوتاه شد: در جوانی به ورطه جنون فرو رفت. او با قدرت و اشتیاق یکسان خود را به شادی ها و غم ها واگذار کرد: در زندگی، و همچنین در تفسیر شاعرانه آن، او - بر خلاف ژوکوفسکی - با "میانگین طلایی" بیگانه بود. اگرچه شعر او با ستایش دوستی ناب، لذت "گوشه ای فروتن" نیز مشخص می شود، بت او به هیچ وجه متواضع و آرام نیست، زیرا باتیوشکوف نمی تواند آن را بدون سعادت کسالت بار لذت های پرشور و سرمستی با زندگی تصور کند. شاعر گاه چنان گرفتار شادی های نفسانی می شود که حاضر است بی پروا حکمت ظالمانه علم را رد کند:

آیا می تواند در حقایق غم انگیز صادق باشد

رواقیون غمگین و حکیمان خسته کننده

نشستن در لباس های تشییع جنازه،

بین آوار و تابوت ها

آیا شیرینی زندگی خود را خواهیم یافت؟

از آنها، من می بینم، شادی

مانند پروانه از بوته های خار پرواز می کند.

برای آنها هیچ جذابیتی در جذابیت های طبیعت وجود ندارد،

باکره ها برای آنها آواز نمی خوانند و در رقص های گرد در هم می آمیزند.

برای آنها، همانطور که برای نابینایان،

بهار بدون شادی و تابستان بدون گل.

تراژدی واقعی به ندرت در اشعار او شنیده می شود. تنها در پایان زندگی خلاق خود، هنگامی که او شروع به آشکار کردن علائم بیماری روانی کرد، یکی از آخرین شعرهای او تحت دیکته نوشته شد که در آن انگیزه های باطل زندگی زمینی به وضوح بیان شده است:

یادت هست چی گفتی

خداحافظی با زندگی، ملکیصدک مو خاکستری؟

مردی برده به دنیا آمد

غلام در قبر خواهد خوابید،

و مرگ به سختی به او خواهد گفت

چرا او در امتداد دره ای از اشک های شگفت انگیز قدم زد،

رنج کشیدم، گریه کردم، تحمل کردم،

در روسیه، رمانتیسم به عنوان یک گرایش ادبی در دهه بیست قرن نوزدهم شکل گرفت. خاستگاه آن شاعران، نثر نویسان، نویسندگان بود و رمانتیسیسم روسی را ایجاد کردند که از نظر ویژگی ملی و متمایز با "اروپای غربی" متفاوت بود. رمانتیسم روسی توسط شاعران نیمه اول قرن نوزدهم توسعه یافت و هر شاعر چیز جدیدی را معرفی کرد. رمانتیسم روسی به طور گسترده توسعه یافت، ویژگی های مشخصی به دست آورد و به یک گرایش مستقل در ادبیات تبدیل شد. در "روسلان و لیودمیلا" A.S. پوشکین جملاتی دارد: "روح روسی هست، بوی روسیه می آید." همین را می توان در مورد رمانتیسم روسی نیز گفت. قهرمانان آثار عاشقانه روح های شاعرانه ای هستند که برای "بالا" و زیبا تلاش می کنند. اما دنیای خصمانه ای وجود دارد که اجازه نمی دهد انسان احساس آزادی کند و این روح ها را غیرقابل درک می کند. این جهان خشن است، بنابراین روح شاعرانه به سوی دیگری می دود، جایی که آرمانی وجود دارد، برای «ابدی» تلاش می کند. رمانتیسم مبتنی بر این تعارض است. اما برخورد شاعران با این وضعیت متفاوت است. ژوکوفسکی، پوشکین، لرمانتوف، بر اساس یک چیز، روابط بین قهرمانان خود و دنیای اطراف خود را به روش های مختلف ایجاد می کنند، بنابراین قهرمانان آنها مسیرهای متفاوتی به سمت ایده آل داشتند.

واقعیت وحشتناک، بی ادب، گستاخ و خودخواه است، در آن جایی برای احساسات، رویاها و خواسته های شاعر و قهرمانانش نیست. "واقعی" و ابدی - در جهان دیگر. از این رو مفهوم جهان دوگانه، شاعر آرزوی یکی از این جهان ها را در جستجوی آرمانی دارد.

موقعیت ژوکوفسکی موقعیت فردی نبود که با دنیای بیرون وارد مبارزه شود و او را به چالش بکشد. این مسیری بود از طریق وحدت با طبیعت، مسیر هماهنگی با طبیعت، در جهانی جاودانه و زیبا. به گفته بسیاری از محققان (از جمله Yu.V. Mann)، ژوکوفسکی درک خود را از این روند وحدت در The Inexpressible بیان می کند. وحدت پرواز روح است. زیبایی که شما را احاطه کرده روح شما را پر می کند، در شماست، و شما در آن هستید، روح پرواز می کند، نه زمان وجود دارد و نه مکان، بلکه شما در طبیعت وجود دارید و در این لحظه که زندگی می کنید، می خواهید از این زیبایی آواز بخوانید. ، اما هیچ کلمه ای برای بیان حالت شما وجود ندارد، فقط یک حس هماهنگی وجود دارد. مردم اطراف شما را آشفته نمی کنند، ای جان های پروزا، بیشتر به روی شما باز است، شما آزاد هستید.

پوشکین و لرمانتوف به این مسئله رمانتیسم به گونه ای متفاوت برخورد کردند. بدون شک تأثیری که ژوکوفسکی بر پوشکین اعمال می کند نمی تواند در کار دومی منعکس شود. آثار اولیه پوشکین با رمانتیسم "مدنی" مشخص شد. پوشکین تحت تأثیر "خواننده ای در اردوگاه سربازان روسی" ژوکوفسکی و آثار گریبایدوف، قصیده "آزادی"، "به چاادایف" را نوشت. در مورد اخیر، او تأکید می کند:

"دوست من! ما روح خود را با انگیزه های شگفت انگیز وقف میهن خود خواهیم کرد ...". این همان تلاش برای آرمانی است که ژوکوفسکی داشت، فقط پوشکین ایده آل را به روش خود می فهمد، بنابراین مسیر شاعر به سمت ایده آل متفاوت است. او نمی خواهد و نمی تواند به تنهایی برای آرمان تلاش کند، شاعر او را فرا می خواند. پوشکین به واقعیت و ایده آل نگاه متفاوتی داشت. این را نمی توان شورش نامید، این بازتابی است بر عناصر شورشی. این در قصیده "دریا" منعکس شده است. این نیرو و قدرت دریاست، دریا آزاد است، به ایده آل خود رسیده است. انسان هم باید آزاد شود، روحش آزاد باشد.

جست و جوی ایده آل، ویژگی اصلی رمانتیسم است. این خود را در آثار ژوکوفسکی، پوشکین و لرمانتوف نشان داد. هر سه شاعر به دنبال آزادی بودند، اما از راه های مختلف به دنبال آن بودند، آن را به گونه ای دیگر درک کردند. ژوکوفسکی به دنبال آزادی فرستاده شده توسط "خالق" بود. با یافتن هماهنگی، فرد آزاد می شود. برای پوشکین آزادی روح مهم بود که باید در شخص ظاهر شود. برای لرمانتوف، فقط قهرمان سرکش آزاد است. شورش برای آزادی، چه چیزی می تواند زیباتر باشد؟ این نگرش به آرمان در اشعار عاشقانه شاعران حفظ شد. به نظر من این نگرش ناشی از زمان است. اگرچه همه آنها تقریباً در یک دوره کار می کردند، اما زمان ایجاد آنها متفاوت بود، وقایع با سرعت فوق العاده ای توسعه یافتند. شخصیت های شاعران نیز بر روابط آنها تأثیر زیادی گذاشت. ژوکوفسکی آرام و لرمانتوف یاغی کاملاً مخالف یکدیگرند. اما رمانتیسم روسی دقیقاً به این دلیل رشد کرد که ماهیت این شاعران متفاوت بود. آنها مفاهیم جدید، شخصیت های جدید، ایده آل های جدید را معرفی کردند، ایده کاملی از آزادی، زندگی واقعی چیست. هر یک از آنها نشان دهنده مسیر خود به سمت ایده آل است، این حق انتخاب برای هر فرد است.

ظهور رمانتیسیسم بسیار ناراحت کننده بود. اکنون فردیت انسان در مرکز کل جهان قرار دارد. "من" انسانی به عنوان اساس و معنای همه موجودات تفسیر شد. زندگی انسان به عنوان یک اثر هنری، هنری در نظر گرفته شد. در قرن نوزدهم، رمانتیسم بسیار رایج بود. اما همه شاعرانی که خود را رمانتیک می نامیدند، جوهره این جنبش را بیان نکردند.

اکنون در پایان قرن بیستم می توانیم رمانتیک های قرن گذشته را بر این اساس به دو گروه طبقه بندی کنیم. یکی و شاید گسترده ترین گروه، گروهی است که رمانتیک های «رسمی» را گرد هم آورده است. مشکوک به عدم صداقت دشوار است، برعکس، آنها احساسات خود را بسیار دقیق منتقل می کنند. از جمله آنها می توان به دیمیتری ونویتینوف (1805-1827) و الکساندر پولژایف (1804-1838) اشاره کرد. این شاعران از فرم عاشقانه استفاده می کردند و آن را مناسب ترین شکل برای رسیدن به هدف هنری خود می دانستند. بنابراین، D. Venevitinov می نویسد:

احساس می کنم در وجودم می سوزد

شعله مقدس الهام

اما روح به سوی هدف تاریک اوج می گیرد...

آیا یک صخره قابل اعتماد پیدا خواهم کرد؟

کجا پایم را محکم بگذارم؟

این یک شعر معمولی عاشقانه است. از واژگان عاشقانه سنتی استفاده می کند - هم "شعله الهام" و هم "روح سر به فلک کشیده". به این ترتیب شاعر احساسات خود را بیان می کند. اما هیچ چیز بیشتر. شاعر به چارچوب رمانتیسم، به «تصویر کلامی» آن گره خورده است. همه چیز به نوعی کلیشه ساده شده است.

نمایندگان گروه دیگری از رمانتیک های قرن 19 البته A.S. Pushkin و M.Lermontov بودند. این شاعران، برعکس، فرم عاشقانه را با محتوای خود پر کردند. دوره عاشقانه در زندگی A. Pushkin کوتاه بود، بنابراین او آثار عاشقانه کمی دارد. زندانی قفقاز (1820-1821) یکی از اولین شعرهای عاشقانه A.S. پوشکین پیش از ما یک نسخه کلاسیک از یک اثر عاشقانه است. نویسنده تصویری از قهرمان خود به ما نمی دهد، حتی نام او را نمی دانیم. و این تعجب آور نیست - همه قهرمانان رمانتیک شبیه یکدیگر هستند. آنها جوان، زیبا و ناراضی هستند. طرح کار نیز به صورت کلاسیک رمانتیک است. اسیر روسی چرکس ها، زن جوان چرکسی عاشق او می شود و به فرارش کمک می کند. اما او ناامیدانه عاشق دیگری است ... شعر به طرز غم انگیزی به پایان می رسد - زن چرکس خود را در آب می اندازد و می میرد و روسی که از اسارت "فیزیکی" رها شده است ، به اسارت دیگری ، دردناک تر می افتد - اسارت روح. از گذشته قهرمان چه می دانیم؟

یک سفر طولانی به روسیه منتهی می شود ...

.....................................

جایی که رنج وحشتناکی را در آغوش گرفت،

جایی که زندگی طوفانی ویران می شود

امید، شادی و آرزو.

او در جستجوی آزادی به استپ آمد، سعی کرد از زندگی گذشته خود فرار کند. و حالا که خوشبختی خیلی نزدیک به نظر می رسید، باید دوباره بدود. اما کجا؟ بازگشت به دنیایی که در آن "رنج وحشتناک را در آغوش گرفت".

مرتد نور، دوست طبیعت،

او مرز بومی خود را ترک کرد

و به سرزمینی دور پرواز کرد

با روح شاد آزادی.

اما "شبح آزادی" یک روح ماند. او برای همیشه قهرمان رمانتیک را تعقیب خواهد کرد. شعر عاشقانه دیگر «کولی ها» است. در آن، نویسنده دوباره تصویری از قهرمان به خواننده نمی دهد، ما فقط نام او را می دانیم - الکو. او به اردوگاه آمد تا لذت واقعی، آزادی واقعی را تجربه کند. به خاطر او، او هر چیزی را که قبلاً او را احاطه کرده بود، رها کرد. آیا او آزاد و شاد شده است؟ به نظر می رسد آلکو دوست دارد، اما با این احساس فقط بدبختی و تحقیر به سراغش می آید. آلکو که آرزوی آزادی داشت، نمی توانست اراده را در شخص دیگری تشخیص دهد. در این شعر، یکی دیگر از ویژگی های فوق العاده بارز جهان بینی قهرمان رمانتیک - خودخواهی و کامل ترین ناسازگاری با دنیای اطرافش، متجلی شد. آلکو با مرگ مجازات نمی شود، اما بدتر از آن - تنهایی و بحث. او در دنیایی که از آن گریخت تنها بود، اما در دنیایی که آنقدر آرزو داشت، دوباره تنها ماند.

پوشکین قبل از نوشتن «زندانی قفقاز» گفت: «من شایسته نیستم قهرمان یک شعر عاشقانه باشم». با این حال ، در همان زمان ، در سال 1820 ، پوشکین شعر خود را "روز خاموش شد ..." نوشت. در آن می توانید تمام واژگان ذاتی رمانتیسم را بیابید. این "ساحل دور" و "اقیانوس تاریک" و "هیجان و اشتیاق" است که نویسنده را عذاب می دهد. رفرینه تمام شعر را در بر می گیرد:

در زیر من نگران باش، اقیانوس تاریک.

نه تنها در توصیف طبیعت، بلکه در توصیف احساسات قهرمان نیز حضور دارد.

اما دلهای کهنه زخم،

زخم های عمیق عشق، هیچ چیز التیام نیافت...

سر و صدا، سر و صدا، بادبان مطیع،

زیر من هیجان زده، اقیانوس غم انگیز...

یعنی طبیعت تبدیل به یک شخصیت دیگر می شود، یک قهرمان غنایی دیگر شعر. پس از آن، در سال 1824، پوشکین شعر "به دریا" را نوشت. خود نویسنده دوباره به قهرمان رمانتیک در آن تبدیل شد، همانطور که در "نور روز خاموش شد ...". پوشکین در اینجا از دریا به عنوان نماد سنتی آزادی یاد می کند. دریا عنصری است که به معنای آزادی و شادی است. با این حال، پوشکین این شعر را غیر منتظره می سازد:

تو صبر کردی، زنگ زدی... مقید شدم.

روحم بیهوده پاره شد:

مجذوب یک اشتیاق قدرتمند،

من در ساحل ماندم ...

می توان گفت که این شعر دوره عاشقانه زندگی پوشکین را کامل می کند. این توسط مردی نوشته شده است که می داند پس از دستیابی به آزادی به اصطلاح "فیزیکی"، قهرمان رمانتیک خوشحال نمی شود.

در جنگل ها، در بیابان ها ساکت هستند

من انتقال خواهم داد، من پر از تو هستم،

صخره های شما، خلیج های شما...

در این زمان، پوشکین به این نتیجه می رسد که آزادی واقعی فقط در درون یک فرد وجود دارد و تنها او می تواند او را واقعاً خوشحال کند.

گونه ای از رمانتیسم بایرون ابتدا در فرهنگ روسی پوشکین و سپس لرمانتوف در آثار او زندگی و احساس شد. پوشکین از موهبت توجه به مردم برخوردار بود و با این حال عاشقانه ترین شعرهای عاشقانه در آثار شاعر و نثرنویس بزرگ، بی شک چشمه باخچی سرایی است.

شعر «چشمه باخچی سرای» همچنان تنها به جستجوی پوشکین در ژانر شعر عاشقانه ادامه می دهد. و شکی نیست که با مرگ نویسنده بزرگ روسی از این امر جلوگیری شد.

مضمون رمانتیک در آثار پوشکین دو نسخه متفاوت دریافت کرد: یک قهرمان رمانتیک قهرمانانه ("زندانی"، "دزد"، "فراری") وجود دارد که با اراده ای قوی متمایز می شود، از آزمون بی رحمانه احساسات خشونت آمیز عبور کرده است، و قهرمان رنجوری که در آن تجربیات عاطفی ظریف با ظلم دنیای بیرون ناسازگار است ("تبعید"، "زندانی"). شروع منفعل در شخصیت رمانتیک اکنون ظاهری زنانه از پوشکین به خود گرفته است. فواره باخچیسرایی دقیقاً همین جنبه از قهرمان رمانتیک را توسعه می دهد.

در "زندانی قفقاز" تمام توجه به "زندانی" و بسیار کم به "زن چرکس" معطوف شد ، اکنون برعکس - خان گیره چیزی بیش از یک شخصیت دراماتیک نیست ، اما واقعاً شخصیت اصلی یک زن است. ، حتی دو - زارما و ماریا. راه حل دوگانگی قهرمان که در اشعار قبلی یافت می شود (از طریق تصویر برادران غل و زنجیر) پوشکین در اینجا نیز استفاده می کند: اصل منفعل در شخص دو شخصیت ترسیم می شود - زارما حسود و عاشقانه و مریم غمگین. ، که امید و عشق را از دست داده است. هر دوی آنها دو شور متضاد ماهیت عاشقانه هستند: ناامیدی، ناامیدی، ناامیدی و در عین حال شور معنوی، شدت احساسات. تناقض در شعر به طرز غم انگیزی حل می شود - مرگ مریم نیز برای زارما خوشبختی به ارمغان نیاورد ، زیرا آنها با پیوندهای مرموز به هم مرتبط هستند. به همین ترتیب، در Brothers-Robbers، مرگ یکی از برادران، زندگی دیگری را برای همیشه سیاه کرد.

با این حال، BV Tomashevsky به درستی خاطرنشان کرد: «انزوای غنایی شعر نیز کمبود خاصی از محتوا را تعیین کرد ... پیروزی اخلاقی بر زارما منجر به نتیجه گیری و تأملات بیشتر نمی شود ... ... سؤالات مطرح شده در اولین بخش جنوبی. شعر "چشمه باخچی سرای" چنین ادامه ای ندارد ... "

پوشکین دستی زد و آسیب پذیرترین نقطه موقعیت عاشقانه یک فرد را بیان کرد: او همه چیز را فقط برای خودش می خواهد.

شعر لرمانتوف "متسیری" نیز به طور کامل ویژگی های رمانتیسم را منعکس نمی کند.

در این شعر دو قهرمان عاشقانه وجود دارد، بنابراین، اگر شعری عاشقانه نیز باشد، بسیار عجیب است: اول، قهرمان دوم توسط نویسنده از طریق کتیبه منتقل می شود. ثانیاً ، نویسنده با متسیری متحد نمی شود ، قهرمان به روش خود مشکل اراده خود را حل می کند و لرمانتوف در تمام شعر فقط به حل این مشکل می اندیشد. او قهرمان خود را قضاوت نمی کند، اما او نیز توجیه نمی کند، اما موضع خاصی اتخاذ می کند - درک. معلوم می شود که رمانتیسم در فرهنگ روسیه در حال تبدیل شدن به تفکر است. رمانتیسم از دیدگاه رئالیسم معلوم می شود.

می توان گفت که پوشکین و لرمانتوف موفق نشدند رمانتیک شوند (با این حال ، لرمانتوف زمانی موفق شد قوانین رمانتیک را رعایت کند - در درام بالماسکه). شاعران با آزمایش های خود نشان دادند که در انگلستان موقعیت فردگرا می تواند مثمر ثمر باشد، اما در روسیه نمی تواند. پوشکین و لرمانتوف اگرچه موفق نشدند رمانتیک شوند، راه را برای توسعه رئالیسم باز کردند. در سال 1825، اولین اثر رئالیستی منتشر شد: "بوریس گودونف"، سپس "دختر کاپیتان"، "یوجین اونگین"، "قهرمان زمان ما" و بسیاری دیگر.

ب) نقاشی

در هنرهای تجسمی، رمانتیسیسم خود را به وضوح در نقاشی و گرافیک نشان داد، و کمتر در مجسمه سازی و معماری. نمایندگان برجسته رمانتیسم در هنرهای تجسمی نقاشان رومانتیک روسی بودند. آنها در بوم های خود روح عشق به آزادی، کنش فعالانه را بیان می کردند، مشتاقانه و پرشور به تجلی اومانیسم متوسل می شدند. بوم های روزمره نقاشان روسی با ارتباط و روانشناسی آنها متمایز می شود، بیانی بی سابقه. مناظر معنوی و مالیخولیایی دوباره همان تلاش رمانتیک ها برای نفوذ به دنیای انسان هاست تا نشان دهند که انسان چگونه در دنیای زیر قمری زندگی می کند و رویا می بیند. نقاشی رمانتیک روسی با نقاشی خارجی متفاوت بود. این را هم موقعیت تاریخی و هم سنت تعیین کرد.

ویژگی های نقاشی رمانتیک روسی:

ایدئولوژی آموزشی مانند اروپا ضعیف شد اما شکست نخورد. بنابراین، رمانتیسم تلفظ نمی شد.

رمانتیسیسم به موازات کلاسیک گرایی رشد کرد و اغلب با آن در هم آمیخت.

نقاشی آکادمیک در روسیه هنوز خود را خسته نکرده است.

رمانتیسیسم در روسیه پدیده ای پایدار نبود، رمانتیک ها به سمت آکادمیزم کشیده شدند. تا اواسط قرن نوزدهم. سنت رمانتیک تقریباً از بین رفته است.

آثار مربوط به رمانتیسم در روسیه در دهه 1790 ظاهر شد (آثار فئودوسی یاننکو "مسافران گرفتار طوفان" (1796)، "خود پرتره در کلاه ایمنی" (1792). در اواخر قرن 18 و 19 بعداً تأثیر این هنرمند پروتو رمانتیک در آثار الکساندر اورلوفسکی مشهود خواهد بود. دزدها، صحنه های آتش، نبردها تمام زندگی حرفه ای او را همراهی کردند. مانند سایر کشورها، هنرمندان متعلق به رمانتیسم روسی، پرتره را وارد ژانرهای کلاسیک کردند. ، صحنه های منظره و ژانر حال و هوای احساسی کاملا جدیدی دارند.

در روسیه، رمانتیسم در ابتدا خود را نشان داد نقاشی پرتره... در ثلث اول قرن نوزدهم، تا حد زیادی ارتباط خود را با اشراف نجیب از دست داد. پرتره های شاعران، هنرمندان، حامیان هنر، تصاویری از دهقانان عادی شروع به اشغال کردند. این گرایش به ویژه در کار O.A. کیپرنسکی (1782 - 1836) و V.A. تروپینین (1776 - 1857).

واسیلی آندریویچ تروپینین برای شخصیت پردازی سرزنده و بدون محدودیت از یک شخص که از طریق پرتره او بیان می شود تلاش کرد. پرتره یک پسر (1818)، "پرتره AS پوشکین" (1827)، "خودنگاره" (1846) نه به دلیل شباهت پرتره خود به نمونه های اصلی، بلکه به دلیل نفوذ غیرمعمول ظریف آنها به دنیای درونی یک شخص

پرتره یک پسر- Arseny Tropinina یکی از بهترین ها در کار استاد است. طرح رنگ طلایی صاف و کسل کننده شبیه نقاشی والرا قرن هجدهم است. با این حال، در مقایسه با یک پرتره معمولی دوران کودکی در رمانتیسم قرن 18. در اینجا بی طرفی طرح قابل توجه است - این کودک در ابعاد بسیار کوچک ژست می گیرد. نگاه آرسنی از کنار بیننده می گذرد، او لباس راحتی پوشیده است، یقه اش طوری است که گویی تصادفاً باز شده است. فقدان نماینده در تکه تکه شدن فوق العاده ترکیب نهفته است: سر تقریباً تمام سطح بوم را پر می کند ، تصویر تا استخوان های ترقوه بریده می شود و بنابراین چهره پسر به طور مکانیکی به بیننده منتقل می شود.

تاریخ خلقت بسیار جالب است "پرتره پوشکین".طبق معمول، برای اولین آشنایی با پوشکین، تروپینین به خانه سوبولفسکی در زمین بازی سگ، جایی که شاعر در آن زمان زندگی می کرد، آمد. هنرمند او را در دفترش پیدا کرد که با توله سگ ها دست و پنجه نرم می کرد. در همان زمان، ظاهرا، طبق برداشت اول، که تروپینین از آن استقبال کرد، یک طرح کوچک نوشته شد. او برای مدت طولانی از چشم تعقیب کنندگان دور ماند. تنها تقریباً صد سال بعد، تا سال 1914، توسط P.M. شچکوتوف، که نوشت که از بین تمام پرتره های الکساندر سرگیویچ، او "بیشتر ویژگی های او را منتقل می کند ... چشمان آبی شاعر در اینجا با درخشندگی خاصی پر شده است ، چرخش سر سریع است و ویژگی های صورت رسا و متحرک است. . بدون شک، در اینجا ویژگی های واقعی چهره پوشکین، که ما به صورت جداگانه در یکی از پرتره هایی که به دست ما رسیده است، به تصویر کشیده شده است. شکوتوف اضافه می کند که چرا این طرح دوست داشتنی مورد توجه ناشران و خبره های شاعر قرار نگرفت، باید متحیر شد. این با همان ویژگی های اتود کوچک توضیح داده می شود: نه درخشندگی رنگ ها وجود داشت، نه زیبایی قلم مو، و نه استادانه نوشته شده "دورگرد". و پوشکین در اینجا یک "ویت" مردمی نیست، نه "نابغه"، بلکه بالاتر از همه یک مرد است. و به سختی می توان تحلیل کرد که چرا مقیاس یکنواخت سبز مایل به خاکستری و زیتونی، شتابزده است، گویی ضربات تصادفی قلم مو یک طرح تقریباً غیر توصیفی حاوی چنین محتوای انسانی عالی است. با مرور تمام طول عمر و پرتره های بعدی پوشکین، این مطالعه با قدرت بشریت را فقط می توان در کنار پیکر پوشکین، مجسمه ساز شوروی A. Matveev قرار داد. اما این وظیفه ای نبود که تروپینین برای خود تعیین کرده بود، نه آن نوع پوشکین که دوستش می خواست ببیند، اگرچه او دستور داد که شاعر را به شکلی ساده و خانگی به تصویر بکشد.

در ارزیابی این هنرمند، پوشکین یک "شاعر تزار" بود. اما او یک شاعر عامیانه هم بود، مال خودش و برای همه عزیز بود. پولووی در پایان نوشت: «شباهت بین پرتره و نسخه اصلی قابل توجه است. برداشت جدید

در پرتره، همه چیز تا کوچکترین جزئیات فکر شده و تأیید شده است و در عین حال هیچ چیز عمدی و هیچ چیزی توسط هنرمند معرفی نشده است. حتی انگشترهایی که انگشتان شاعر را زینت می دهند به همان اندازه برجسته می شوند که خود پوشکین در زندگی به آنها اهمیت می داد. در میان مکاشفات زیبای تروپینین، پرتره پوشکین با صدایی در مقیاس آن شگفت زده می شود.

رمانتیسیسم تروپینین ریشه های احساسی مشخصی دارد. این تروپینین بود که بنیانگذار ژانر، پرتره تا حدی ایده آل از یک مرد مردم (The Lacemaker (1823)) بود. سوینین در مورد می نویسد: "هم خبره و هم نه خبره." "توری"، -وقتی به این تصویر نگاه می‌کنید تحسین می‌کنید، که واقعاً تمام زیبایی‌های هنر تصویری را با هم ترکیب می‌کند: دلپذیری قلم مو، نورپردازی صحیح، شاد، رنگ شفاف و طبیعی، علاوه بر این، این پرتره روح یک زیبایی و آن نگاه حیله‌گر را آشکار می‌کند. کنجکاوی که او به سمت کسی که وارد آن دقیقه شده بود پرتاب کرد. دستانش که از آرنج برهنه بود، با نگاهش متوقف شد، کار متوقف شد، آهی از سینه باکره ای که با دستمالی پوشیده شده بود فرار کرد - و همه اینها با چنان حقیقت و سادگی به تصویر کشیده شده است که این عکس را به راحتی می توان برای آن گرفت. موفق ترین اثر رویای باشکوه اقلام جانبی مانند بالش توری و حوله با هنر بسیار زیبایی چیده شده و با نهایی شدن تمام شده اند..."

در آغاز قرن نوزدهم، Tver مرکز فرهنگی مهم روسیه بود. همه افراد برجسته مسکو برای شب های ادبی اینجا بوده اند. در اینجا اورست کیپرنسکی جوان با A.S. Pushkin ملاقات کرد که پرتره او که بعداً نقاشی شد به مروارید هنر پرتره جهانی تبدیل شد و A.S. Pushkin شعری را به او اختصاص خواهد داد ، جایی که او را "عزیز سبک بالدار" خواهد نامید. پرتره پوشکینقلم موی او کیپرنسکی تجسم زنده نابغه شاعرانه است. در چرخش قاطع سر، در بازوهایی که به شدت روی سینه ضربدری شده اند، احساس استقلال و آزادی در تمام ظاهر شاعر منعکس می شود. پوشکین درباره او بود که گفت: "من خودم را در آینه می بینم، اما این آینه مرا چاپلوسی می کند." در کار روی پرتره پوشکین، تروپینین و کیپرنسکی برای آخرین بار ملاقات می کنند، اگرچه این ملاقات با چشمان خود اتفاق نمی افتد، اما سال ها بعد در تاریخ هنر، جایی که، به طور معمول، دو پرتره از بزرگترین شاعر روسی با هم مقایسه شده اند، اما در مکان های مختلف - یکی در مسکو. دیگری در سن پترزبورگ. اکنون این جلسه ای از استادان است که به همان اندازه اهمیت آنها برای هنر روسیه بسیار مهم است. اگرچه طرفداران کیپرنسکی استدلال می کنند که مزایای هنری در سمت پرتره رمانتیک او است، جایی که شاعر غرق در افکار خود، تنها با الهه موسیقی به تصویر کشیده می شود، ملیت و دمکراسی تصویر قطعاً در سمت "پوشکین" تروپینینسکی قرار دارد. .

بنابراین، دو پرتره منعکس کننده دو گرایش در هنر روسیه بودند که در دو پایتخت متمرکز شده بودند. و منتقدان بعداً خواهند نوشت که تروپینین برای مسکو همان چیزی بود که کیپرنسکی برای پترزبورگ بود.

ویژگی بارز پرتره های کیپرنسکی این است که جذابیت معنوی و نجابت درونی یک فرد را نشان می دهد. قرار بود پرتره یک قهرمان، شجاع و قوی از نظر احساسات، مظهر روحیات آزادیخواهانه و میهن پرستانه یک فرد پیشرفته روسی باشد.

در جلوی در "پرتره E.V. Davidov"(1809) چهره افسری را نشان می دهد که مستقیماً بیانگر آن کیش شخصیتی قوی و شجاع بود که برای رمانتیسم آن سالها بسیار معمول بود. منظره ای که به صورت تکه تکه نشان داده شده است، جایی که پرتوی از نور با تاریکی می جنگد، به اضطراب عاطفی قهرمان اشاره می کند، اما در چهره او انعکاسی از حساسیت رویایی دیده می شود. کیپرنسکی به دنبال "انسان" در یک شخص بود و ایده آل ویژگی های شخصی مدل را از او کوتاه نمی کرد.

پرتره های کیپرنسکی، اگر در چشمان خود به آنها نگاه کنید، ثروت معنوی و طبیعی یک فرد، قدرت فکری او را نشان می دهد. بله، او ایده آل یک شخصیت هماهنگ را داشت که توسط معاصرانش نیز مورد بحث قرار گرفت، اما کیپرنسکی به دنبال این نبود که این ایده آل را به معنای واقعی کلمه بر روی یک تصویر هنری نشان دهد. او در خلق یک تصویر هنری، از طبیعت اقتدا کرد، گویی اندازه‌گیری می‌کرد که چقدر به چنین ایده‌آلی دور یا نزدیک است. در واقع، بسیاری از کسانی که توسط او به تصویر کشیده شده اند، در آستانه ایده آل هستند، به سمت آن سوق می یابند، اما خود آرمان، بر اساس ایده های زیبایی شناسی رمانتیک، به سختی قابل دستیابی است و تمام هنرهای رمانتیک فقط راهی برای رسیدن به آن است.

با توجه به تضادهای موجود در روح قهرمانان خود، نشان دادن آنها در لحظات پر دردسر زندگی، زمانی که سرنوشت تغییر می کند، ایده های قبلی شکسته می شود، جوانی می رود و غیره، به نظر می رسد کیپرنسکی در کنار مدل های خود تجربه می کند. از این رو - دخالت ویژه پرتره در تفسیر تصاویر هنری است که به پرتره سایه روحی می بخشد.

در دوره اولیه کار کیپرنسکی، شما افراد آلوده به شک و تردید را نخواهید دید، تحلیلی که روح را فرسوده می کند. این بعداً فرا می رسد، زمانی که زمان عاشقانه از پاییز خود می گذرد و جای خود را به حالات و احساسات دیگر می دهد، زمانی که امیدها برای پیروزی ایده آل یک شخصیت هماهنگ از بین می روند. در تمام پرتره های دهه 1800 و پرتره های ساخته شده در Tver، کیپرنسکی یک قلم موی جسورانه دارد که به راحتی و آزادانه یک فرم می سازد. پیچیدگی تکنیک ها، شخصیت فیگور از قطعه ای به قطعه دیگر تغییر می کرد.

قابل توجه است که در چهره قهرمانان او شادی قهرمانانه را نخواهید دید، برعکس، بیشتر چهره ها غمگین هستند، آنها در بازتاب غرق می شوند. به نظر می رسد این افراد نگران سرنوشت روسی هستند، بیشتر به آینده فکر می کنند تا حال. در شخصیت های زن که نماینده همسران و خواهران شرکت کنندگان در رویدادهای مهم هستند، کیپرنسکی نیز برای شادی قهرمانانه عمدی تلاش نکرد. احساس راحتی، طبیعی بودن غالب است. علاوه بر این، در تمام پرتره ها، نجابت واقعی روح بسیار زیاد است. تصاویر زنان با وقار متواضع، یکپارچگی طبیعت جذب می شود. در چهره مردان، فکر کنجکاو، آمادگی برای زهد حدس زده می شود. این تصاویر با ایده‌های اخلاقی و زیبایی‌شناختی در حال بلوغ دمبریست‌ها همزمان بود. سپس افکار و آرزوهای آنها توسط بسیاری به اشتراک گذاشته شد (ایجاد انجمن های مخفی با برنامه های اجتماعی و سیاسی خاص در دوره 1816-1821 رخ می دهد) ، این هنرمند در مورد آنها می دانست و بنابراین می توان گفت که پرتره های او از شرکت کنندگان در وقایع 1812-1814، تصاویری از دهقانان، ایجاد شده در همان سالها - نوعی موازی هنری با مفاهیم نوظهور دکابریسم.

با مهر روشن ایده آل رمانتیک مشخص شده است "پرتره V.A. ژوکوفسکی"(1816). این هنرمند که به سفارش S.S. Uvarov پرتره ای می سازد، نه تنها تصویر شاعر را که در محافل ادبی شناخته شده بود به معاصران نشان می دهد، بلکه درک خاصی از شخصیت شاعر رمانتیک را نیز نشان می دهد. پیش از ما شاعری است که جهت فلسفی و رویایی رمانتیسیسم روسی را بیان کرد. کیپرنسکی ژوکوفسکی را در لحظه ای از الهامات خلاقانه معرفی کرد. باد موهای شاعر را بهم ریخت، درختان با شاخه هایشان در شب به طرز نگران کننده ای می پاشند، ویرانه های ساختمان های باستانی به سختی قابل مشاهده است. خالق تصنیف های عاشقانه اینگونه به نظر می رسید. رنگ های تیره فضای اسرارآمیز را برجسته می کند. به توصیه اوواروف، کیپرنسکی نقاشی تک تک تکه های پرتره را تمام نمی کند، به طوری که "کامل بیش از حد" روح، خلق و خو و احساسات را خاموش نمی کند.

پرتره های زیادی توسط کیپرنسکی در Tver کشیده شد. علاوه بر این، هنگامی که او ایوان پتروویچ وولف، صاحب زمین Tver را نقاشی کرد، با احساس به دختری که روبروی او ایستاده بود، نگاه کرد، نوه او، آنا پترونا کرن آینده، که یکی از جذاب ترین آثار غزلی به او تقدیم شده بود - شعر از AS پوشکین "لحظه فوق العاده ای را به یاد می آورم ...". چنین انجمن هایی از شاعران، هنرمندان، نوازندگان تجلی یک جهت جدید در هنر - رمانتیسم شد.

«باغبان جوان» (1817) اثر کیپرنسکی، «ظهر ایتالیایی» (1827) اثر بریولوف، «دروگرها» یا «دروگر» (دهه 1820) اثر ونتسیانوف آثاری از همین مجموعه گونه‌شناختی هستند که به طبیعت گرایش دارند و نوشته شده‌اند. صراحتاً با استفاده از آن. هر یک از هنرمندان - برای تجسم کمال زیبایی شناختی یک طبیعت ساده - به ایده آل سازی خاصی از تصاویر، لباس ها، موقعیت ها برای ایجاد یک تصویر-استعاره منجر شد. هنرمند با مشاهده زندگی، طبیعت، دوباره به آن فکر کرد. شاعرانه کردن استادان قابل مشاهده، زایش تصاویری که پیش از این برای هنر شناخته شده نبود و یکی از ویژگی های رمانتیسم نیمه اول قرن نوزدهم است. "پرتره یک پدر (A. K. Schwalbe)"(1804) توسط اورست کیپرنسکی از هنر و ژانر پرتره به ویژه نقاشی شده است.

مهمترین دستاوردهای رمانتیسیسم روسی آثاری در ژانر پرتره است. درخشان ترین و بهترین نمونه های رمانتیسیسم مربوط به دوران اولیه است. مدتها قبل از سفر خود به ایتالیا، در سال 1816، کیپرنسکی، که از درون آماده برای تجسم دنیای رمانتیک بود، نقاشی های استادان قدیمی را با چشمانی جدید دید. رنگ‌آمیزی تیره، چهره‌هایی که با نور برجسته می‌شوند، رنگ‌های سوزان، درام شدید تأثیر زیادی روی او گذاشتند. "پرتره یک پدر" بدون شک از رامبراند الهام گرفته شده است. اما هنرمند روسی فقط تکنیک های بیرونی را از هلندی بزرگ گرفت. "پرتره یک پدر" اثری کاملا مستقل است که دارای انرژی درونی و قدرت بیان هنری خود است. یکی از ویژگی های بارز پرتره های آلبوم، زنده بودن اجرای آنهاست. هیچ تصویری وجود ندارد - انتقال فوری آنچه او روی کاغذ دید، طراوت بی نظیری از بیان گرافیکی ایجاد می کند. بنابراین افرادی که در تصاویر به تصویر کشیده شده اند برای ما نزدیک و قابل درک به نظر می رسند.

خارجی ها کیپرنسکی را ون دایک روسی می نامند، پرتره های او در بسیاری از موزه های جهان وجود دارد. جانشین آثار لویتسکی و بوروویکوفسکی، سلف ال. ایوانف و ک. بریولوف، کیپرنسکی با آثار خود شهرت اروپایی را به مدرسه هنری روسیه بخشید. به قول الکساندر ایوانف ، "او اولین کسی بود که نام روسی را به اروپا آورد ...".

افزایش علاقه به شخصیت یک فرد، مشخصه رمانتیسم، شکوفایی ژانر پرتره را در نیمه اول قرن نوزدهم تعیین کرد، جایی که خودنگاره به ویژگی غالب تبدیل شد. به عنوان یک قاعده، ایجاد یک سلف پرتره یک قسمت تصادفی نبود. هنرمندان بارها و بارها خود را می نوشتند و نقاشی می کردند و این آثار به نوعی دفتر خاطرات تبدیل شد که حالات مختلف روح و مراحل زندگی را منعکس می کرد و در عین حال مانیفستی خطاب به هم عصران خود بود. سلف پرترهاین یک ژانر سفارشی نبود، هنرمند برای خود نوشت و در اینجا، مانند هرگز، در بیان خود آزاد شد. در قرن هجدهم، هنرمندان روسی به ندرت تصاویر نویسنده را نقاشی می کردند، فقط رمانتیسیسم با کیش فردی که منحصر به فرد بود به ظهور این ژانر کمک کرد. تنوع انواع سلف پرتره نشان دهنده درک خود هنرمندان به عنوان یک شخصیت غنی و چندوجهی است. آنها گاهی اوقات در نقش معمول و طبیعی خالق ظاهر می شوند ("خود پرتره در کلاه مخملی" اثر AG Varnek، دهه 1810)، سپس در گذشته غوطه ور می شوند، گویی آن را روی خود امتحان می کنند ("خود پرتره در کلاه ایمنی" و زره» توسط FI Yanenko، 1792)، یا، اغلب، بدون هیچ گونه ویژگی حرفه ای ظاهر می شود، و اهمیت و ارزش ذاتی هر فرد، آزاد و گشوده به جهان، جستجو و عجله را تأیید می کند، به عنوان مثال، FA Bruni و OA Orlovsky در سلف پرتره های 1810. آمادگی برای گفتگو و باز بودن، مشخصه راه حل فیگوراتیو آثار 1810-1820، به تدریج با خستگی و ناامیدی، غوطه ور شدن، عقب نشینی در خود جایگزین می شود ("خود پرتره" توسط M. I. Terebenev). این روند در توسعه ژانر پرتره به طور کلی منعکس شد.

خود پرتره های کیپرنسکی ظاهر شد، که شایان ذکر است، در لحظات حساس زندگی، آنها به افزایش یا سقوط قدرت ذهنی شهادت دادند. هنرمند از طریق هنر خود به خود می نگریست. در عین حال، مانند اکثر نقاشان از آینه استفاده نمی کرد. او عمدتاً از خود بر اساس بازنمایی می نوشت، می خواست روحیه خود را بیان کند، اما ظاهر خود را نه.

“خود پرتره با براش پشت گوش”بر اساس امتناع، و به وضوح نشان دهنده، در تجلیل خارجی تصویر، هنجارگرایی کلاسیک و ساخت ایده آل آن است. به طور کلی ویژگی های صورت تقریباً مشخص شده است. نور جانبی روی صورت می افتد و فقط ویژگی های جانبی را برجسته می کند. انعکاس‌های منفرد نور بر روی پیکره هنرمند می‌افتد و بر روی پارچه‌ای که به سختی قابل تشخیص است که پس‌زمینه پرتره را نشان می‌دهد، خاموش می‌شود. همه چیز در اینجا تابع بیان زندگی، احساسات، خلق و خوی است. این نگاهی است به هنر رمانتیک از طریق هنر خودنگاره. دخالت هنرمند در رازهای خلاقیت در رمان عاشقانه مرموز "sfumato قرن 19" بیان شده است. لحن خاص مایل به سبز فضای خاصی از دنیای هنری ایجاد می کند که در مرکز آن خود هنرمند قرار دارد.

تقریباً همزمان با این سلف پرتره نوشته شد و "خود پرتره در یک دستمال صورتی"جایی که تصویر دیگری تجسم یافته است. بدون اشاره مستقیم به حرفه یک نقاش. تصویر مرد جوانی که به طور طبیعی احساس آرامش می کند، دوباره خلق شده است. سطح زیبای بوم با ظرافت ساخته شده است. قلم موی هنرمند با اطمینان رنگ ها را اعمال می کند. ترک سکته های کوچک و بزرگ. رنگ فوق العاده توسعه یافته است، رنگ ها کسل کننده هستند، به طور هماهنگ با یکدیگر ترکیب می شوند، نورپردازی آرام است: نور به آرامی روی صورت مرد جوان می ریزد و ویژگی های او را مشخص می کند، بدون بیان و تغییر شکل غیر ضروری.

نقاش برجسته دیگر ونتسیانوف بود. در سال 1811، او عنوان آکادمیک را از آکادمی دریافت کرد، که برای "خودنگاری" و "پرتره K. Golovachevsky با سه دانشجوی آکادمی هنر" منصوب شد. اینها آثار برجسته ای هستند.

مهارت واقعی ونتسیانوف خود را در آن اعلام کرد "خود پرتره"سال 1811. این نقاشی متفاوت از هنرمندان دیگری بود که در آن زمان خود نقاشی می کردند - A. Orlovsky، O. Kiprensky، E. Varnek و حتی رعیت V. Tropinin. برای همه آنها عادی بود که خود را در هاله ای عاشقانه تصور کنند، سلف پرتره آنها نوعی تقابل شاعرانه با محیط بود. منحصر به فرد بودن طبیعت هنری در وضعیت بدنی، ژست ها و در غیرمعمول بودن یک لباس طراحی شده خاص آشکار شد. در «خود پرتره» ونتسیانوف، محققان پیش از هر چیز به بیان سختگیرانه و پرتنش یک فرد پرمشغله اشاره می‌کنند... کارایی صحیح، که با «سهل انگاری هنری» خودنمایی که با لباس‌های آرایش یا کلاه‌های لاس‌زدگی جابجا شده دیگران متفاوت است. هنرمندان ونیزیانوف با هوشیاری به خود نگاه می کند. هنر برای او یک انگیزه الهام‌بخش نیست، بلکه بیش از همه موضوعی است که نیاز به تمرکز و توجه دارد. اندازه کوچک، تقریبا تک رنگ در رنگ های زیتونی، بسیار دقیق نوشته شده است، در عین حال ساده و پیچیده است. با جنبه بیرونی نقاشی جذب نمی شود، با نگاهش متوقف می شود. لبه‌های نازک ایده‌آل قاب طلایی نازک عینک پنهان نمی‌شوند، بلکه بر تیزبینی چشم‌ها تأکید می‌کنند، نه چندان به سمت طبیعت (هنرمند خود را با یک پالت و قلم مو در دستانش به تصویر می‌کشد). اما در عمق افکار خودش. یک پیشانی پهن بزرگ، سمت راست صورت، که با نور مستقیم روشن می شود، و یک پیراهن سفید در جلو یک مثلث نورانی را تشکیل می دهند که در درجه اول چشم بیننده را به خود جلب می کند، که در لحظه بعد، به دنبال حرکت دست راست که یک نازک در دست گرفته است. قلم مو، به سمت پالت می لغزد. تارهای مواج، کمان‌هایی با فریم براق، کراوات شل دور یقه، خط نرم شانه و در نهایت، نیم دایره پهن پالت، سیستم متحرکی از خطوط صاف و روان را تشکیل می‌دهند که در داخل آن سه نقطه اصلی وجود دارد: خیره شدن کوچک مردمک ها، و انتهای تیز جلوی پیراهن، تقریباً با پالت و قلم مو بسته می شود. چنین محاسبه تقریباً ریاضی در ساخت ترکیب یک پرتره به تصویر یک آرامش درونی جزئی می بخشد و دلیلی برای این فرض ایجاد می کند که نویسنده ذهنی تحلیلی و متمایل به تفکر علمی دارد. در "خود پرتره" اثری از رمانتیسم نیست، که در آن زمان زمانی که هنرمندان خود را به تصویر می کشیدند، بسیار رایج بود. این خودنگاره یک هنرمند محقق، هنرمند متفکر و زحمتکش است.

یه قطعه دیگه - پرتره گولواچفسکی- به عنوان نوعی ترکیب بندی طرح تصور می شود: نسل قدیم استادان آکادمی، که توسط بازرس قدیمی نمایندگی می شود، به استعدادهای در حال رشد دستور می دهد: یک نقاش (با پوشه ای از نقاشی ها. یک معمار و یک مجسمه ساز. برخی را برای نوجوانان تفسیر می کند. صفحه خوانده شده در کتاب. صمیمیت بیان در ساختار زیبای تصویر پشتوانه پیدا می کند: تن های رنگی آرام، ظریف و زیبا هماهنگ شده احساس آرامش و جدیت را ایجاد می کند. چهره های زیبا نقاشی شده پر از اهمیت درونی. پرتره یکی از بالاترین دستاوردهای پرتره روسی. نقاشی.

و در کارهای اورلوفسکی در دهه 1800، پرتره ها عمدتاً به شکل نقاشی ظاهر می شوند. تا سال 1809، چنین ورق پرتره ای از نظر احساسی غنی وجود دارد "خود پرتره"... پرتره سلفی اورلوفسکی که با یک لمس آزاد و دلپذیر از رنگ‌آمیزی و زغال چوب (با گچ روشن شده) پر شده است، با یکپارچگی هنری، تصویر مشخص، و هنرمندانه‌ی اجرا جذابیت دارد. در عین حال، به ما اجازه می دهد تا برخی از جنبه های عجیب هنر اورلوفسکی را تشخیص دهیم. "خود پرتره" اورلوفسکی قطعاً هدف بازتولید دقیق ظاهر معمولی هنرمند آن سالها را ندارد. قبل از ما - از بسیاری جهات عمدی. ظاهر اغراق آمیز یک «هنرمند» که «من» خود را با واقعیت اطراف مخالفت می کند، او نگران «نجابت» ظاهرش نیست: شانه و برس به موهای شاداب او دست نزده، روی شانه او وجود دارد. لبه یک شنل چهارخانه درست بالای پیراهن خانگی با یقه باز. چرخش تند سر با نگاهی "معموم" از زیر ابروهای جابجا شده ، یک عکس نمای نزدیک از یک پرتره که در آن صورت در نمای نزدیک به تصویر کشیده شده است ، کنتراست های نور - همه اینها با هدف دستیابی به اثر اصلی مخالفت است. شخص به تصویر کشیده شده به محیط (و در نتیجه به بیننده).

آسیب پذیری تأیید فردیت - یکی از مترقی ترین ویژگی های هنر آن زمان - لحن ایدئولوژیک و عاطفی اصلی پرتره را تشکیل می دهد، اما در جنبه ای خاص ظاهر می شود که تقریباً در هنر روسیه آن دوره یافت نمی شود. تأیید شخصیت نه از طریق افشای ثروت دنیای درونی او، بلکه بیشتر از طریق روشی بیرونی تر برای رد همه چیز در اطراف او انجام می شود. در عین حال، تصویر بدون شک ضعیف و محدود به نظر می رسد.

یافتن چنین راه حل هایی در هنر پرتره روسی آن زمان دشوار است، جایی که در اواسط قرن هجدهم انگیزه های مدنی و انسان گرایانه با صدای بلند به گوش می رسید و شخصیت فرد هرگز پیوندهای قوی با محیط را قطع نکرد. بهترین مردم روسیه در آن دوران که در رؤیای نظم اجتماعی بهتر و دموکراتیک بودند، به هیچ وجه از واقعیت جدا نشدند، عمداً کیش فردگرایانه «آزادی شخصی» را که در خاک اروپای غربی شکوفا شده بود، رد کردند. انقلاب این به وضوح خود را به عنوان بازتابی از عوامل واقعی در پرتره روسی نشان داد. فقط باید سلف پرتره اورلوفسکی را با هم زمان مقایسه کرد "خود پرتره"کیپرنسکی (به عنوان مثال، 1809)، به طوری که یک تفاوت جدی داخلی بین دو نقاش پرتره بلافاصله آشکار شد.

کیپرنسکی همچنین شخصیت یک فرد را "قهرمان" می کند، اما ارزش های درونی واقعی آن را نشان می دهد. در چهره هنرمند، بیننده ویژگی های ذهن قوی، شخصیت، خلوص اخلاقی را تشخیص می دهد.

تمام ظاهر کیپرنسکی با اشراف و انسانیت شگفت انگیز پوشیده شده است. او قادر است بین «خوب» و «شر» در دنیای اطرافش تمایز قائل شود و با طرد دومی، اولی را دوست داشته و قدردانی کند، به همفکرانش عشق ورزیده و ارزش قائل شود. در عین حال، ما بدون شک فردی قوی داریم که به آگاهی از ارزش ویژگی های شخصی آنها افتخار می کنیم. دقیقاً همان مفهوم تصویر پرتره زیربنای پرتره قهرمانانه معروف D. Davydov اثر کیپرنسکی است.

اورلوفسکی، در مقایسه با کیپرنسکی، و همچنین با برخی دیگر از نقاشان پرتره روسی آن زمان، به طور محدودتر، صریح تر و ظاهراً تصویر یک "شخصیت قوی" را حل می کند و به وضوح بر هنر فرانسه بورژوایی تمرکز می کند. وقتی به "خود پرتره" او نگاه می کنید، بی اختیار پرتره های A. Gro و Gericault به ذهنتان خطور می کند. مشخصات اورلوفسکی "خودنگاره" در سال 1810، با کیش "قدرت درونی" فردگرایانه او، اما عاری از فرم "طرح دار" از قبل خشن "خودنگاره" 1809 یا "پرتره دوپورت".در دومی، اورلوفسکی، درست مانند سلف پرتره، از یک ژست دیدنی و "قهرمانی" با حرکت تیز و تقریبا متقاطع سر و شانه ها استفاده می کند. او بر ساختار نامنظم صورت دوپورت، موهای ژولیده اش، با هدف ایجاد تصویری پرتره که در شخصیت منحصر به فرد و تصادفی خود کفایت می کند، تأکید می کند.

K. N. Batyushkov نوشت: "منظره باید پرتره باشد." اکثر هنرمندانی که به این ژانر روی آورده بودند در کار خود به این نگرش پایبند بودند. چشم انداز.از جمله استثناهای آشکاری که به سمت مناظر خارق‌العاده جذب می‌شد، A.O. Orlovsky ("نمای دریا"، 1809) بود. A. G. Varnek ("مشاهده در محیط رم"، 1809)؛ حوضه P. V. ("آسمان در غروب آفتاب در مجاورت رم"، "منظره عصرانه"، هر دو - دهه 1820). با ایجاد انواع خاص، آنها بلافاصله احساس، اشباع عاطفی، رسیدن به صدای یادبود با تکنیک های ترکیبی را حفظ کردند.

اورلروسکی جوان در طبیعت فقط نیروهای غول پیکر را می دید که تابع اراده انسان نیستند و قادر به ایجاد فاجعه و فاجعه هستند. مبارزه انسان با عنصر دریای خروشان یکی از موضوعات مورد علاقه هنرمند دوره عاشقانه "سرکش" او است. این به محتوای طراحی‌ها، آبرنگ‌ها و نقاشی‌های رنگ روغن او از 1809 تا 1810 تبدیل شد. صحنه غم انگیز در تصویر نشان داده شده است "غرق کشتی"(1809 (؟)). در تاریکی شدیدی که بر زمین افتاده بود، در میان امواج خروشان، ماهیگیران غرق شده دیوانه وار از صخره های ساحلی که کشتی آنها بر روی آن سقوط کرد بالا می روند. رنگی که با رنگ‌های شدید متمایل به قرمز حفظ می‌شود، احساس اضطراب را افزایش می‌دهد. حملات وحشتناک امواج قدرتمند، پیش بینی طوفان، و در تصویری دیگر - "در ساحل دریا"(1809). همچنین نقش احساسی عظیمی در آسمان طوفانی ایفا می کند که بیشتر ترکیب را به خود اختصاص می دهد. اگرچه اورلوفسکی هنر پرسپکتیو هوایی را نمی دانست، انتقال تدریجی نقشه ها در اینجا هماهنگ تر و نرم تر حل شد. رنگش روشن تر شده لکه های قرمز لباس ماهیگیران روی زمینه قهوه ای مایل به قرمز به زیبایی بازی می کنند. عنصر دریایی بی قرار و مزاحم در آبرنگ "قایق بادبانی"(حدود 1812). و حتی زمانی که باد بادبان را تکان نمی دهد و مانند آبرنگ سطح آب را موج نمی زند. "منظره دریایی با کشتی"(حدود 1810)، بیننده پیش‌بینی نمی‌کند که طوفانی آرامش را به دنبال خواهد داشت.

با وجود همه درام و هیجانات احساسی، مناظر دریایی اورلوفسکی آنقدر ثمره مشاهدات او از پدیده های جوی نیست، بلکه نتیجه تقلید مستقیم از کلاسیک های هنری است. به طور خاص، J. Vernet.

مناظر S.F.Shchedrin شخصیت متفاوتی داشت. آنها مملو از هماهنگی همزیستی انسان و طبیعت هستند ("تراس کنار دریا. کاپوچینی نزدیک سورنتو"، 1827). مناظر متعدد ناپل و اطراف براش او از موفقیت و محبوبیت فوق العاده ای برخوردار بود.

ایجاد یک تصویر عاشقانه از سنت پترزبورگ در نقاشی روسی با کار M. N. Vorobiev همراه است. بر روی بوم‌های او، شهر پوشیده از مه‌های مرموز پترزبورگ، مه ملایم شب‌های سفید و فضایی اشباع از رطوبت دریا، جایی که خطوط کلی ساختمان‌ها پاک می‌شوند و نور مهتاب مراسم مقدس را کامل می‌کند، به نظر می‌رسد. همین آغاز غنایی، نماهای اطراف سن پترزبورگ را که توسط او اجرا شده است، متمایز می کند («غروب خورشید در محیط سنت پترزبورگ»، 1832). اما پایتخت شمالی توسط هنرمندان به گونه ای متفاوت و دراماتیک به عنوان عرصه برخورد و مبارزه عناصر طبیعی دیده می شد (V. Ye. Raev "Stone Alexander's Column در حین رعد و برق"، 1834).

در نقاشی های درخشان I.K. با این وجود، مکان بزرگی در میراث استاد را مناظر دریایی شبانه اختصاص داده اند که به مکان های خاصی اختصاص داده شده است که طوفان جای خود را به جادوی شب می دهد، زمانی که طبق دیدگاه رمانتیک ها، مملو از یک زندگی درونی اسرارآمیز است. که در آن تلاش تصویری هنرمند با هدف استخراج جلوه‌های نوری خارق‌العاده است ("منظره اودسا در یک شب مهتابی"، "نمای قسطنطنیه در نور ماه"، هر دو - 1846).

موضوع عناصر طبیعی و شخصی که غافلگیر شده است - موضوع مورد علاقه هنر رمانتیک، توسط هنرمندان 1800-1850 به روش های مختلف تفسیر شد. آثار بر اساس وقایع واقعی ساخته شده اند، اما معنای تصاویر در بازگویی عینی آنها نیست. نمونه بارز آن نقاشی پیوتر باسین است "زلزله روکا دی پاپا در نزدیکی رم"(1830). نه آنقدر به توصیف یک رویداد خاص که به تصویر ترس و وحشت شخصی که با تجلی عناصر روبرو می شود اختصاص دارد.

چهره های برجسته نقاشی روسیه در این دوره K.P. Bryullov (1799-1852) و A.A. ایوانف (1806 - 1858). نقاش و طراح روسی K.P. برایولوف، در حالی که هنوز دانشجوی آکادمی هنر بود، بر مهارت بی‌نظیر طراحی تسلط داشت. خلاقیت برایولوف معمولاً به قبل از "آخرین روز پمپئی" و بعد از آن تقسیم می شود. چه چیزی قبلا خلق شده بود...؟!

"صبح ایتالیایی" (1823)، "هرمیلیا در چوپان" (1824) بر اساس شعر تورکواتو تاسو "آزادی اورشلیم"، "بعد از ظهر ایتالیایی" ("زن ایتالیایی در حال برداشتن انگور"، 1827)، "زن اسب سوار" (1830) )، "Bathsheba" (1832) - همه این نقاشی ها با شادی روشن و پنهان زندگی آغشته شده اند. چنین آثاری با آیات اولیه اپیکوری پوشکین، باتیوشکوف، ویازمسکی، دلویگ همخوانی داشت. سبک قدیمی که مبتنی بر تقلید از استادان بزرگ بود، برایولوف را راضی نکرد و او "صبح ایتالیایی"، "ظهر ایتالیایی"، "بثشبا" را در فضای باز نقاشی کرد.

برایولوف با کار بر روی پرتره فقط سر را از زندگی نقاشی کرد. همه چیزهای دیگر اغلب توسط تخیل او به او دیکته می شد. ثمره چنین بداهه خلاقانه آزاد است "سوار".نکته اصلی در پرتره کنتراست یک حیوان برافروخته و معلق با سوراخ‌های بینی برافراشته و چشم‌های درخشان و یک اسب‌زن برازنده است که با آرامش انرژی مبهوت اسب را مهار می‌کند (رام کردن حیوانات موضوع مورد علاقه مجسمه‌سازان کلاسیک است، برایولوف آن را در نقاشی حل کرد).

V "بثشبا"این هنرمند داستان کتاب مقدس را بهانه ای می کند تا بدن برهنه را در هوای آزاد نشان دهد و بازی نور و رفلکس ها را بر روی پوست روشن منتقل کند. او در بثشبه تصویر زنی جوان را خلق کرد که سرشار از شادی و نشاط بود. بدن برهنه می درخشد و می درخشد که با سبزی های زیتونی، لباس های گیلاسی، یک مخزن شفاف احاطه شده است. فرم های بدن الاستیک نرم به زیبایی با پارچه سفید کننده و رنگ شکلاتی زن عرب در خدمت بثشبه ترکیب شده است. خطوط روان بدن ها، حوض ها، پارچه ها به ترکیب تصویر ریتمی صاف می بخشد.

نقاشی واژه جدیدی در نقاشی شد "آخرین روز پمپئی"(1827-1833). او نام این هنرمند را در زمان حیاتش جاودانه و بسیار مشهور کرد.

طرح آن، ظاهرا، تحت تأثیر برادر اسکندر، که به شدت خرابه های پمپی را مطالعه کرد، انتخاب شد. اما دلایل نقاشی عمیق تر است. گوگول متوجه این موضوع شد و هرزن به صراحت گفت که در آخرین روز پمپئی، شاید انعکاس ناخودآگاه افکار و احساسات هنرمند، ناشی از شکست قیام دکابریست در روسیه، جای خود را پیدا کند. بدون دلیل، در میان قربانیان عناصر خشمگین در پمپی در حال مرگ، برایولوف خود پرتره خود را قرار داد و ویژگی های آشنایان روسی خود را به شخصیت های دیگر تصویر داد.

همراهان ایتالیایی بریولوف نیز نقشی را ایفا کردند که می‌توانست به او از طوفان‌های انقلابی که در سال‌های گذشته سراسر ایتالیا را درنوردیده بود، از سرنوشت غم انگیز کاربوناری‌ها در سال‌های ارتجاع بگوید.

تصویر باشکوه مرگ پمپئی آغشته به روح تاریخ گرایی است، تغییر از یک دوره تاریخی به دوره دیگر، سرکوب بت پرستی باستانی و شروع یک ایمان جدید مسیحی را نشان می دهد.

هنرمند سیر تاریخ را به طور چشمگیری درک می کند، تغییر دوران به عنوان یک شوک برای بشریت. در مرکز ترکیب، زنی که از یک ارابه سقوط کرد و در اثر تصادف جان خود را از دست داد، ظاهراً نمایانگر نابودی دنیای باستان بود. اما این هنرمند یک نوزاد زنده را در نزدیکی بدن مادر قرار داد. این هنرمند با به تصویر کشیدن کودکان و والدین، یک مرد جوان و یک پیرزن، یک مادر، پسران و یک پدر ضعیف، نسل های قدیمی را نشان داد که به تاریخ می روند و نسل های جدیدی جایگزین آنها می شوند. تولد یک عصر جدید بر روی خرابه های دنیای قدیمی که در حال فرو ریختن به غبار است، موضوع واقعی نقاشی برایولوف است. بدون توجه به نقاط عطفی که تاریخ به ارمغان می آورد، وجود بشر متوقف نمی شود و عطش او برای زندگی همچنان محو می شود. این ایده اصلی پشت آخرین روز پمپئی است. این تصویر سرود زیبایی انسانیت است که در تمام چرخه های تاریخ جاودانه می ماند.

این بوم در سال 1833 در نمایشگاه هنر میلان به نمایش گذاشته شد و باعث واکنش های مشتاقانه شد. ایتالیا فرسوده فتح شد. شاگرد بریولوف، G. G. Gagarin، شهادت می دهد: «این کار بزرگ شور و شوق بی حد و حصری را در ایتالیا برانگیخت. شهرهایی که این نقاشی در آنها به نمایش گذاشته شده بود، پذیرایی های تشریفاتی برای این هنرمند ترتیب می دادند، شعر به او تقدیم می کردند، او را با موسیقی، گل و مشعل در خیابان ها می بردند... همه جا از او به عنوان یک نابغه سرشناس و پیروز با افتخار استقبال می شد. همه قابل درک و قدردانی هستند."

نویسنده انگلیسی والتر اسکات (نماینده ادبیات رمانتیک که به خاطر رمان های تاریخی خود مشهور است) ساعتی را در استودیوی برایولوف گذراند که در مورد آن گفت که این یک تصویر نیست، بلکه یک شعر کامل است. آکادمی های هنر میلان، فلورانس، بولونیا و پارما این نقاش روسی را به عنوان عضو افتخاری خود انتخاب کردند.

بوم بریولوف واکنش های مشتاقانه ای را از پوشکین و گوگول برانگیخت.

وزوویوس دهان را باز کرد - دود در شعله چماق بیرون ریخت

این به طور گسترده ای به عنوان یک پرچم جنگ توسعه یافته است.

زمین آشفته است - از ستون های چرخان

بت ها در حال سقوط هستند! ..

پوشکین تحت تأثیر تصویر نوشت.

با شروع برایولوف، نقاط عطف تاریخ به موضوع اصلی نقاشی تاریخی روسیه تبدیل شد، جایی که صحنه های عامیانه باشکوهی به تصویر کشیده شد، جایی که هر فرد در یک درام تاریخی شرکت می کند، جایی که هیچ اصلی یا فرعی وجود ندارد.

"پمپیا" به طور کلی متعلق به کلاسیک است. این هنرمند به طرز ماهرانه ای شکل پذیری بدن انسان را بر روی بوم نشان داد. تمام حرکات ذهنی افراد توسط برایولوف عمدتاً به زبان پلاستیک منتقل می شد. ارقام فردی که در یک حرکت طوفانی ارائه می شوند، در گروه های متعادل و منجمد جمع آوری می شوند. جرقه های نور بر اشکال بدن ها تأکید می کند و جلوه های نقاشی قوی ایجاد نمی کند. با این حال، ترکیب تصویر، که یک پیشرفت قوی در مرکز دارد و یک رویداد خارق العاده در زندگی پمپئی را به تصویر می کشد، از رمانتیسم الهام گرفته شده است.

رمانتیسم در روسیه به عنوان برداشتی از جهان در اولین موج خود از اواخر قرن 18 تا 1850 وجود داشت. خط رمانتیک در هنر روسیه در دهه 1850 به پایان نرسید. توسط رمانتیک ها برای هنر باز شد، موضوع وضعیت بعدها در میان هنرمندان "رز آبی" توسعه یافت. وارثان مستقیم رمانتیک ها بدون شک سمبولیست ها بودند. مضامین عاشقانه، انگیزه ها، تکنیک های بیانی وارد هنر سبک های مختلف، گرایش ها، انجمن های خلاقانه شد. نگرش یا جهان بینی عاشقانه یکی از پر جنب و جوش ترین، سرسخت ترین و پربارترین بود.

رمانتیسیسم به عنوان یک نگرش کلی، مشخصه عمدتاً جوانان، به عنوان تلاش برای آزادی ایده آل و خلاقانه، هنوز هم به طور مداوم در هنر جهان زندگی می کند.

ج) موسیقی

رمانتیسیسم در ناب ترین شکل خود پدیده ای از هنر اروپای غربی است. در موسیقی روسی قرن نوزدهم. از گلینکا تا چایکوفسکی، ویژگی های کلاسیک با ویژگی های رمانتیسم ترکیب شد، عنصر اصلی یک اصل ملی روشن و متمایز بود. رمانتیسیسم در روسیه زمانی که به نظر می رسید این روند به گذشته مربوط می شود، رشد غیرمنتظره ای پیدا کرد. دو آهنگساز قرن بیستم، اسکریابین و راخمانینوف، یک بار دیگر ویژگی های رمانتیسیسم مانند پرواز بی بند و بار فانتزی و صمیمیت اشعار را احیا کردند. بنابراین، قرن نوزدهم. قرن کلاسیک موسیقی نامیده می شود.

زمان (1812، قیام دكبریست، واكنش متعاقب آن) اثری بر موسیقی گذاشت. هر ژانری که انتخاب می کنیم - عاشقانه، اپرا، باله، موسیقی مجلسی - در همه جا آهنگسازان روسی حرف جدید خود را گفته اند.

موسیقی روسیه، با تمام ظرافت سالنی و پیروی دقیق از سنت های سازهای حرفه ای، از جمله سونات نویسی-سمفونیک، بر اساس رنگ مودال منحصر به فرد و ساختار ریتمیک فولکلور روسی است. برخی - به طور گسترده بر اساس آهنگ های روزمره، برخی دیگر - بر اساس اشکال اصلی نواختن موسیقی، و برخی دیگر - بر اساس شیوه باستانی حالت های دهقانی روسیه باستان.

آغاز قرن 19 - این سالهای اولین و درخشان ژانر عاشقانه است. تا به حال، اشعار متواضعانه صمیمانه به صدا در می آید و شنوندگان را خشنود می کند الکساندر الکساندرویچ آلیابیف (1787-1851).او برای شعرهای بسیاری از شاعران عاشقانه نوشت، اما آنها جاودانه هستند "بلبل"به آیات دلویگ "جاده زمستانی"، "دوستت دارم"به آیات پوشکین.

الکساندر یگوروویچ وارلاموف (1801-1848)برای اجراهای دراماتیک موسیقی نوشت، اما ما او را بیشتر از رمان های عاشقانه معروف می شناسیم "سارافان قرمز"، "در سپیده دم، تو مرا بیدار نمی کنی"، "بادبان تنهایی سفید است".

الکساندر لوویچ گوریلف (1803-1858)- آهنگساز، پیانیست، ویولن و معلم، او صاحب عاشقانه هایی مانند "زنگ یکنواخت به صدا در می آید"، "در سپیده دم جوانی مه آلود"و غیره.

برجسته ترین مکان در اینجا توسط عاشقانه های گلینکا اشغال شده است. هیچ کس دیگری هنوز به چنین آمیختگی طبیعی موسیقی با اشعار پوشکین و ژوکوفسکی دست نیافته بود.

میخائیل ایوانوویچ گلینکا (1804-1857)- یکی از معاصر پوشکین (5 سال جوانتر از الکساندر سرگیویچ)، کلاسیک ادبیات روسیه، بنیانگذار کلاسیک های موسیقی شد. آثار او یکی از قله های فرهنگ موسیقی روسیه و جهان است. این به طور هماهنگ ثروت موسیقی محلی و بالاترین دستاوردهای آهنگسازی را با هم ترکیب می کند. خلاقیت واقع گرایانه عمیقاً محبوب گلینکا منعکس کننده شکوفایی قدرتمند فرهنگ روسیه در نیمه اول قرن نوزدهم بود که با جنگ میهنی 1812 و جنبش دکابریست مرتبط بود. نور، شخصیت مؤید زندگی، هماهنگی فرم ها، زیبایی ملودی های رسا، تنوع، درخشندگی و لطافت هارمونی ها از ارزشمندترین ویژگی های موسیقی گلینکا است. در اپرای معروف "ایوان سوزانین"(1836) ایده میهن پرستی مردمی به طرز درخشانی بیان شد. عظمت اخلاقی مردم روسیه در اپرای افسانه ای تجلیل می شود. روسلان و لودمیلا"... آثار ارکسترال گلینکا: "والس فانتزی"، "شبی در مادرید"و به خصوص "کامارینسکایا"،اساس سمفونی کلاسیک روسی را تشکیل می دهد. قابل توجه قدرت بیان دراماتیک و درخشندگی ویژگی های موسیقی به تراژدی "شاهزاده خوالمسکی".اشعار آوازی گلینکا (عاشقانه "من یک لحظه شگفت انگیز را به یاد دارم"، "تردید") تجسم بی نظیر شعر روسی در موسیقی است.

6. عاشقانه اروپای غربی

یک نقاشی

اگر نیای کلاسیک گرایی فرانسه بود، پس «برای یافتن ریشه ... مکتب رمانتیک»، یکی از معاصران او نوشت: «باید به آلمان برویم. او در آنجا متولد شد و رمانتیک های مدرن ایتالیایی و فرانسوی در آنجا ذائقه خود را توسعه دادند.

متلاشی شد آلمانخیزش انقلابی را نمی دانست. بسیاری از رمانتیک‌های آلمانی با عقاید اجتماعی پیشرفته بیگانه بودند. آنها قرون وسطی را ایده آل کردند. آنها خود را به انگیزه های عاطفی غیرقابل پاسخ سپردند، در مورد رها شدن زندگی انسان صحبت کردند. هنر بسیاری از آنها منفعلانه و متفکرانه بود. آنها بهترین آثار خود را در زمینه نقاشی پرتره و منظره خلق کردند.

یک نقاش برجسته پرتره اتو رانگ (1777-1810) بود. پرتره های این استاد با آرامش بیرونی، با زندگی پرتنش و درونی خود شگفت زده می شود.

تصویر شاعر رمانتیک توسط Runge در دیده می شود "خود پرتره".او با دقت خود را بررسی می کند و جوانی سیاه مو، چشم تیره، جدی، پر انرژی، متفکر، خود شیفته و با اراده را می بیند. هنرمند رمانتیک می خواهد خود را بشناسد. نحوه اجرای پرتره سریع و فراگیر است، گویی انرژی معنوی خالق باید در بافت اثر منتقل شود. در مقیاس رنگ تیره تضاد روشن و تاریک ظاهر می شود. کنتراست یک تکنیک تصویری مشخصه استادان رمانتیک است.

یک هنرمند رمانتیک همیشه سعی می کند بازی متغیر خلق و خوی یک فرد را بگیرد و به روح او نگاه کند. و از این نظر، پرتره های کودکان به عنوان یک ماده بارور برای او عمل خواهد کرد. V پرتره فرزندان هولسنبک(1805) رانژ نه تنها سرزندگی و خودانگیختگی شخصیت کودک را منتقل می کند، بلکه روش خاصی برای خلق و خوی سبک پیدا می کند که اکتشافات فضای باز طبقه دوم را خوشحال می کند. قرن نوزدهم. پس زمینه در تصویر منظره ای است که نه تنها به هدیه رنگی هنرمند، نگرش تحسین برانگیز به طبیعت، بلکه همچنین به ظهور مشکلات جدید در بازتولید استادانه روابط فضایی، سایه های روشن اشیاء در هوای آزاد گواهی می دهد. استاد رمانتیک که مایل است "من" خود را با وسعت جهان ادغام کند، تلاش می کند تا ظاهر حسی ملموس طبیعت را به تصویر بکشد. اما با این احساسی بودن تصویر، او ترجیح می دهد نماد دنیای بزرگ، "ایده هنرمند" را ببیند.

Runge، یکی از اولین هنرمندان رمانتیک، وظیفه ترکیب هنرها را بر عهده گرفت: نقاشی، مجسمه سازی، معماری، موسیقی. صدای گروه هنرها قرار بود بیانگر وحدت نیروهای الهی جهان باشد که هر ذره آن نمادی از کیهان به عنوان یک کل است. این هنرمند خیال پردازی می کند و مفهوم فلسفی خود را با ایده های متفکر مشهور آلمانی طبقه اول تقویت می کند. قرن هفدهم جیکوب بومه. جهان نوعی کلیت عرفانی است که هر جزء آن کل را بیان می کند. این ایده به رمانتیک های کل قاره اروپا مربوط می شود. شاعر و هنرمند انگلیسی ویلیام بلیک در قالب شعر، آن را اینگونه بیان کرده است:

ابدیت را در یک لحظه ببین

دنیایی عظیم در آینه ای از شن

در یک مشت - بی نهایت

و آسمان در جام گل است.

چرخه رانگ یا به قول خودش "شعر موسیقی خارق العاده" "فصول روز"- صبح، ظهر، شب، بیان این مفهوم است. او در شعر و نثر توضیحی از مدل مفهومی خود از جهان به جای گذاشت. تصویر یک شخص، منظره، نور و رنگ نمادهایی از چرخه همیشه در حال تغییر زندگی طبیعی و انسانی است.

یکی دیگر از نقاشان برجسته رمانتیک آلمانی، کاسپار دیوید فردریش (1774-1840)، منظره را به همه ژانرهای دیگر ترجیح داد و در طول زندگی هفتاد ساله خود فقط تصاویری از طبیعت نوشت. انگیزه اصلی کار فردریش ایده وحدت انسان و طبیعت است.

این هنرمند به شاگردانش می گوید: "به صدای طبیعت که در درون ما صحبت می کند گوش دهید." دنیای درونی یک شخص بی نهایت جهان را نشان می دهد ، بنابراین با شنیدن خود ، فرد قادر به درک اعماق معنوی جهان است.

موقعیت گوش دادن، شکل اساسی "ارتباط" انسان با طبیعت و تصویر آن را تعیین می کند. این عظمت، رمز و راز یا روشنگری طبیعت و حالت آگاه ناظر است. درست است، اغلب فردریش اجازه نمی دهد که فیگور به فضای منظره نقاشی هایش "ورود" کند، اما در نفوذ ظریف ساختار تخیلی فضاهای باز گسترده، حضور یک احساس، تجربه یک فرد احساس می شود. سوبژکتیویسم در به تصویر کشیدن منظره فقط با خلاقیت رمانتیک ها وارد هنر می شود و پیش بینی افشای غنایی طبیعت توسط استادان جنس دوم است. قرن نوزدهم. محققان در آثار فردریش به "گسترش رپرتوار" نقوش منظره توجه می کنند. نویسنده به دریا، کوه، جنگل و سایه های مختلف وضعیت طبیعت در زمان های مختلف سال و روز علاقه دارد.

1811-1812 با ایجاد مجموعه ای از مناظر کوهستانی در نتیجه سفر هنرمند به کوهستان مشخص شده است. "صبح در کوهستان"به شکلی زیبا بیانگر یک واقعیت طبیعی جدید است که در پرتوهای طلوع خورشید متولد شده است. رنگ‌های ارغوانی آن‌ها را از حجم و وزن مواد می‌پوشاند و آنها را از بین می‌برد. سالهای نبرد با ناپلئون (1812-1813) فردریک را به سمت مضامین میهن پرستانه سوق داد. او می نویسد که تصویرگری می کند و از درام کلیست الهام می گیرد "آرامگاه آرمینیوس"- منظره ای با قبرهای قهرمانان آلمانی باستان.

فردریک استاد خوبی در مناظر دریایی بود: "عصر"، "طلوع ماه بر فراز دریا"، "مرگ" امید "در یخ".

آخرین آثار این هنرمند - "استراحت در مزرعه"، "باتلاق بزرگ" و "یاد کوه های غول پیکر"، "کوه های غول پیکر" - مجموعه ای از پشته ها و سنگ های کوه در پیش زمینه تاریک پلان. ظاهراً این بازگشت به احساس تجربه شده پیروزی یک فرد بر خود است ، لذت صعود به "قله جهان" ، تلاش برای ارتفاعات فتح نشده درخشان. احساسات هنرمند این انبوه کوهستان را به شکلی خاص می سازد و دوباره حرکت از تاریکی اولین قدم ها به سوی روشنایی آینده خوانده می شود. قله کوه در پس زمینه به عنوان مرکز آرزوهای معنوی استاد برجسته شده است. این نقاشی مانند هر اثر رمانتیک بسیار تداعی کننده است و سطوح مختلف خواندن و تفسیر را پیشنهاد می کند.

فردریش در طراحی بسیار دقیق است، از نظر موسیقی در ساخت ریتمیک نقاشی هایش هماهنگ است، که در آن سعی می کند با احساسات رنگ و جلوه های نور صحبت کند. به خیلی ها کم داده می شود، به تعداد کمی زیاد داده می شود. روح طبیعت به روشی متفاوت به روی همه باز می شود. بنابراین، هیچ کس جرات نمی کند تجربه و قوانین خود را به عنوان یک قانون الزام آور بدون قید و شرط به دیگری منتقل کند. هیچ کس معیار همه نیست. هر کس فقط برای خودش و برای طبیعت هایی که کم و بیش شبیه به خودش است، اندازه ای را در خود دارد - این بازتاب استاد یکپارچگی شگفت انگیز زندگی درونی و خلاقیت او را ثابت می کند. منحصر به فرد بودن هنرمند تنها در آزادی کار او قابل لمس است - این همان چیزی است که فردریش رمانتیک در آن ایستاده است.

تمایز با هنرمندان - "کلاسیک ها" - نمایندگان کلاسیک شاخه دیگری از نقاشی رمانتیک در آلمان - ناصری ها - رسمی تر به نظر می رسد. اتحادیه سنت لوقا که در وین تأسیس شد و در رم (1809-1810) مستقر شد، استادان را با ایده احیای هنر تاریخی مسائل مذهبی متحد کرد. قرون وسطی دوره مورد علاقه در تاریخ برای رمانتیک ها بود. اما ناصری ها در تلاش هنری خود به سنت های نقاشی اوایل رنسانس در ایتالیا و آلمان روی آوردند. Overbeck و Geforr اتحاد جدیدی را آغاز کردند که بعداً کورنلیوس، J. Schnoff von Karolsfeld و Faith Fürich به آن پیوستند.

این جنبش ناصری‌ها با اشکال رویارویی آنها با کلاسیک‌های آکادمیک در فرانسه، ایتالیا و انگلیس مطابقت داشت. به عنوان مثال، در فرانسه، هنرمندان به اصطلاح بدوی از کارگاه دیوید ظهور کردند، در انگلستان، پیشا رافائلی ها. در روح سنت رمانتیک، هنر را «بیان زمان»، «روح مردم» می‌دانستند، اما ترجیحات موضوعی یا رسمی آنها که در ابتدا شعاری برای اتحاد به نظر می‌رسید، پس از مدتی تغییر کرد. به همان اصول اعتقادی آکادمی که آنها آن را رد کردند.

هنر رمانتیسم در فرانسهبه روش های خاص توسعه یافته است. اولین چیزی که آن را از جنبش های مشابه در کشورهای دیگر متمایز می کرد، ویژگی تهاجمی فعال ("انقلابی") آن بود. شاعران، نویسندگان، موسیقی دانان، هنرمندان نه تنها با خلق آثار جدید، بلکه با شرکت در مجادلات مجلات و روزنامه ها از مواضع خود دفاع کردند، که محققان آن را "نبرد عاشقانه" توصیف می کنند. در جدل عاشقانه، وی. هوگو، استاندال، ژرژ ساند، برلیوز و بسیاری دیگر از نویسندگان، آهنگسازان و روزنامه نگاران فرانسوی "قلم های خود را تیز کردند".

نقاشی رمانتیک در فرانسه به عنوان مخالفت با مکتب کلاسیک داوود، هنر آکادمیک، که به طور کلی "مدرسه" نامیده می شود، به وجود می آید. اما این باید به طور گسترده‌تری درک شود: این مخالفت با ایدئولوژی رسمی عصر ارتجاع بود، اعتراضی علیه تنگ نظری بورژوازی آن. از این رو ماهیت رقت انگیز آثار عاشقانه، هیجان عصبی آنها، کشش به سمت انگیزه های عجیب و غریب، به توطئه های تاریخی و ادبی، به هر چیزی که می تواند منجر به دور شدن از "زندگی کسل کننده روزمره" شود، از این رو این بازی تخیل و گاهی اوقات برعکس، رویاپردازی و عدم فعالیت کامل

نمایندگان "مدرسه"، دانشگاهیان، در درجه اول علیه زبان رمانتیک ها شورش کردند: رنگ گرم هیجان انگیز آنها، مدل سازی آنها از فرم، نه آن چیزی که برای "کلاسیک ها" معمول است، مجسمه ای-پلاستیک، بلکه بر اساس تضادهای قوی رنگ ساخته شده است. لکه ها طراحی رسا آنها، رها کردن عمدا دقت و صیقل دادن کلاسیک. ترکیب جسورانه و گاه پر هرج و مرج آنها، عاری از شکوه و آرامش تزلزل ناپذیر. انگر، دشمن سرسخت رمانتیک ها، تا آخر عمرش گفت که دلاکروا «با جاروی دیوانه نوشت» و دلاکروا انگرس و همه هنرمندان «مدرسه» را به سردی، عقلانیت، کم تحرکی متهم کرد. ننویسید، بلکه نقاشی های خود را "نقاشی" کنید. اما این یک برخورد ساده دو فرد درخشان و کاملا متفاوت نبود، بلکه مبارزه ای بود بین دو جهان بینی هنری متفاوت.

این مبارزه تقریباً نیم قرن به طول انجامید ، رمانتیسم در هنر نه به راحتی و نه فوراً به پیروزی رسید و اولین هنرمند این گرایش تئودور جریکولت (1791-1824) بود - استاد فرم های قهرمانانه یادبود ، که در آثار خود هر دو کلاسیک را ترکیب کرد. ویژگی‌ها و ویژگی‌های خود رمانتیسم و ​​در نهایت، آغازی قدرتمند واقع‌گرایانه، که تأثیر زیادی بر هنر رئالیسم در اواسط قرن نوزدهم داشت. اما در طول عمرش فقط چند دوست صمیمی از او قدردانی کردند.

اولین موفقیت های درخشان رمانتیسم با نام تئودور ژاریکو مرتبط است. قبلاً در نقاشی های اولیه او (پرتره هایی از ارتش ، تصاویر اسب ها) آرمان های باستانی قبل از درک مستقیم زندگی عقب نشینی کردند.

در سالن در سال 1812 Gericault یک نقاشی را نشان می دهد "افسر تکاوران اسب امپراتوری در هنگام حمله."سال اوج شکوه ناپلئون و قدرت نظامی فرانسه بود.

ترکیب تصویر سوار را در منظری غیرمعمول از یک لحظه "ناگهانی" نشان می دهد، زمانی که اسب بزرگ شد، و سوارکار، با حفظ موقعیت تقریبا عمودی اسب، به سمت بیننده چرخید. تصویر چنین لحظه ای از بی ثباتی، عدم امکان استقرار، تأثیر حرکت را افزایش می دهد. اسب یک نقطه حمایت دارد، او باید به زمین بیفتد، خود را درگیر مبارزه کند که او را به چنین حالتی رساند. در این اثر بسیار به هم نزدیک شده است: اعتقاد بی قید و شرط ژریکولت به امکان داشتن شخصی به تنهایی، عشق پرشور به تصویر اسب ها و شجاعت یک استاد تازه کار در نشان دادن آنچه قبلاً فقط با موسیقی یا زبان شعر قابل انتقال بود - هیجان نبرد، شروع یک حمله، تنش نهایی نیروهای یک موجود زنده... نویسنده جوان تصویر خود را بر روی انتقال پویایی حرکت بنا کرد و برای او مهم بود که بیننده را با "حدس زدن" تنظیم کند، تا نقاشی را با "دید درونی" و حس آنچه می خواست به تصویر بکشد، به پایان برساند.

سنت چنین پویایی روایت تصویری عاشقانه در فرانسه عملاً وجود نداشت، مگر در نقش برجسته معابد گوتیک، زیرا زمانی که Gericault برای اولین بار به ایتالیا آمد، از قدرت پنهان ساخته های میکل آنژ مبهوت شد. او می‌نویسد: «من می‌لرزیدم، به خودم شک داشتم و برای مدت طولانی نتوانستم از این تجربه خلاص شوم.» اما استاندال حتی پیش از این در مقالات جدلی خود به میکل آنژ به عنوان پیشرو یک گرایش سبک جدید در هنر اشاره کرده بود.

نقاشی جرکو نه تنها از تولد یک استعداد هنری جدید خبر داد، بلکه به اشتیاق و ناامیدی نویسنده از ایده های ناپلئون نیز ادای احترام کرد. چندین اثر دیگر نیز به این موضوع مرتبط است: افسر کارابینری، «افسر کویراسیه قبل از حمله»، «پرتره کارابینری»، «کویراسیه زخمی».

او در رساله "تأملی در وضعیت نقاشی در فرانسه" می نویسد که "تجمل و هنر تبدیل به یک ضرورت و به قولی غذای تخیل شده است که زندگی دوم یک فرد متمدن است ... نیازها با فرا رسیدن فراوانی برآورده می شوند. مردی که از نگرانی های روزمره رها شده بود برای رهایی از کسالت شروع به لذت جویی کرد که در میان رضایت ناگزیر او را فرا می گرفت.

این درک از نقش آموزشی و انسانی هنر توسط Gericault پس از بازگشت از ایتالیا در سال 1818 نشان داده شد - او شروع به پرداختن به لیتوگرافی کرد و موضوعات مختلفی از جمله شکست ناپلئون را تکرار کرد. "بازگشت از روسیه").

در همان زمان، هنرمند به تصویر مرگ ناو "مدوزا" در سواحل آفریقا روی می آورد که جامعه آن زمان را هیجان زده کرد. این فاجعه به دلیل تقصیر یک کاپیتان بی تجربه بود که تحت حمایت به این پست منصوب شد. مسافران نجات یافته کشتی، جراح Savigny و مهندس Correar به تفصیل درباره این حادثه صحبت کردند.

کشتی در حال مرگ توانست قایق را که تعداد انگشت شماری نجات یافته به آن رسیدند، پرتاب کند. دوازده روز آنها را در دریای طوفانی حمل کردند تا اینکه توسط کشتی "آرگوس" نجات یافتند.

جریکولت به وضعیت تنش شدید نیروهای روحی و جسمی انسان علاقه مند بود. این نقاشی 15 مسافر زنده‌مانده را هنگام دیدن آرگوس در افق به تصویر می‌کشد. "کلک" مدوزا"حاصل کار مقدماتی طولانی این هنرمند بود. او طرح های زیادی از دریای خروشان، پرتره هایی از افراد نجات یافته در بیمارستان ساخت. گریکولت در ابتدا می خواست مبارزه افراد روی یک قایق را با یکدیگر نشان دهد، اما سپس به رفتار قهرمانانه فاتحان عنصر دریا و غفلت دولتی پرداخت. مردم با شجاعت این بدبختی را تحمل کردند و امید نجات آنها را رها نکرد: هر گروه روی قایق ویژگی های خاص خود را دارد. در ساخت ترکیب، ژریکولت دیدگاهی را از بالا انتخاب می کند که به او اجازه می دهد پوشش پانورامیک فضا را ترکیب کند (فاصله های دریا قابل مشاهده است) و بسیار نزدیک به پیش زمینه، همه ساکنان قایق را به تصویر بکشد. این حرکت بر اساس تضاد چهره هایی است که بدون قدرت در پیش زمینه خوابیده اند و آنهایی که در گروه به کشتی در حال عبور سیگنال می دهند. وضوح ریتم رشد پویایی از گروهی به گروه دیگر، زیبایی بدن های برهنه، رنگ آمیزی تیره تصویر، نکته خاصی از مرسوم بودن تصویر را ایجاد می کند. اما این اصل موضوع برای بیننده ادراک نیست، که برای او متعارف بودن زبان حتی به درک و احساس اصلی ترین چیز کمک می کند: توانایی فرد برای مبارزه و پیروزی. اقیانوس غرش می کند. بادبان ناله می کند. طناب ها زنگ می زنند. قایق در حال ترک خوردن است. باد امواج را به حرکت در می آورد و ابرهای سیاه را تکه تکه می کند.

آیا این خود فرانسه نیست که طوفان تاریخ رانده شده است؟ - فکر کرد یوجین دلاکروا، که در کنار عکس ایستاده بود. "کلک" مدوزا" دلاکروا را تکان داد، او گریه کرد و مانند یک دیوانه از کارگاه ژریکولت که اغلب از آن بازدید می کرد بیرون شتافت.

هنر داوود چنین احساساتی را نمی شناخت.

اما زندگی Gericault به طرز غم انگیزی زود به پایان رسید (او پس از سقوط از اسب به بیماری لاعلاجی مبتلا شد) و بسیاری از نقشه های او ناتمام ماند.

نوآوری Gericault فرصت‌های جدیدی را برای انتقال حرکتی که رمانتیک‌ها را برانگیخته می‌کند، احساسات نهفته یک فرد و بیان بافت رنگی تصویر را باز کرد.

جانشین جرکو در جستجوی او یوژن دلاکروا بود. درست است که دلاکروا دو برابر طول عمرش آزاد شد و او نه تنها صحت رمانتیسم را به اثبات رساند، بلکه به جهت جدیدی در نقاشی یعنی طبقه دوم نیز برکت داد. قرن نوزدهم. - امپرسیونیسم

یوجین قبل از شروع به نوشتن به تنهایی در مدرسه لرین تحصیل کرد: او از زندگی نقاشی می کرد، در موزه لوور از بزرگان روبنس، رامبراند، ورونز، تیتیان کپی می کرد ... این هنرمند جوان 10-12 ساعت در روز کار می کرد. او سخنان میکل آنژ بزرگ را به یاد آورد: "نقاشی یک معشوقه حسود است، به همه افراد نیاز دارد ..."

دلاکروا، پس از سخنرانی‌های نمایشی ژیرکول، به خوبی می‌دانست که دوران تحولات عاطفی شدید در هنر فرا رسیده است. ابتدا سعی می کند با طرح های ادبی شناخته شده دوران جدیدی را برای او درک کند. عکس او دانته و ویرژیلارائه شده در سالن در سال 1822 تلاشی است از طریق تصاویر انجمنی تاریخی دو شاعر: دوران باستان - ویرژیل و رنسانس - دانته - به دیگ جوشان، "جهنم" دوران مدرن نگاه کنند. دانته یک بار در "کمدی الهی" خود ویرژیل را به عنوان راهنمای خود در همه حوزه ها (بهشت، جهنم، برزخ) انتخاب کرد. در آثار دانته، دنیای رنسانس جدیدی از طریق تجربه قرون وسطی در حافظه دوران باستان پدید آمد. نماد رمانتیک به عنوان ترکیبی از دوران باستان، رنسانس و قرون وسطی در "وحشت" رؤیاهای دانته و ویرژیل به وجود آمد. اما یک تمثیل پیچیده فلسفی یک تصویر احساسی خوب از دوران پیش از رنسانس و یک شاهکار ادبی جاودانه بود.

دلاکروا تلاش خواهد کرد تا با درد دل خود پاسخی مستقیم در قلب هم عصرانش بیابد. جوانان آن زمان که از آزادی و نفرت ستمگران می سوزند، با جنگ آزادی یونان همدردی می کنند. بارد رمانتیک انگلیسی، بایرون، برای مبارزه به آنجا می رود. دلاکروا معنای عصر جدید را در به تصویر کشیدن یک رویداد تاریخی ملموس تر می بیند - مبارزه و رنج یونان آزادی خواه. او در مورد توطئه مرگ جمعیت جزیره یونانی Chios که توسط ترک ها اسیر شده است، صحبت می کند. در سالن 1824، دلاکروا یک نقاشی را نشان می دهد "قتل عام در جزیره خیوس".در پس زمینه وسعت بی پایان زمین تپه ای. این هنرمند که هنوز از دود آتش سوزی ها و نبردهای بی وقفه فریاد می زند، چندین گروه از زنان و کودکان مجروح و خسته را نشان می دهد. آخرین دقایق آزادی را قبل از نزدیک شدن دشمنان به جا گذاشتند. به نظر می رسد ترکی سوار بر اسبی پرورش یافته در سمت راست، در تمام پیش زمینه و رنج بسیاری که آنجا هستند آویزان است. بدن های زیبا، چهره های پر از مردم. به هر حال، دلاکروا بعداً نوشت که مجسمه‌های یونانی توسط هنرمندان به هیروگلیف تبدیل شد و زیبایی واقعی یونانی صورت و شکل را پنهان کرد. اما نقاش با آشکار ساختن «زیبایی روح» در چهره یونانی‌های شکست‌خورده، رویدادهای در حال وقوع را به نمایش می‌گذارد که برای حفظ یک سرعت پویای تنش، به سمت تغییر شکل زوایای انجیر می‌رود. . این «اشتباهات» قبلاً با کار ژیرکول «حل» شده بود، اما دلاکروا یک بار دیگر این باور عاشقانه را نشان داد که نقاشی «حقیقت موقعیت نیست، بلکه حقیقت احساس است».

در سال 1824 دلاکروا دوست و معلم خود - Gericault - را از دست داد. و رهبر تابلوی جدید شد.

سالها گذشت. یکی یکی تصاویر ظاهر شد: "یونان بر خرابه های میسالونگا"، "مرگ سارداناپالوس"و دیگران.این هنرمند در محافل رسمی هنرمند طرد شد. اما انقلاب ژوئیه 1830 وضعیت را تغییر داد. او هنرمند را با عاشقانه پیروزی ها و دستاوردها شعله ور می کند. او یک تصویر می کشد "آزادی بر روی موانع".

در سال 1831، در سالن پاریس، فرانسوی ها برای اولین بار نقاشی یوژن دلاکروا "آزادی روی سنگرها" را دیدند که به "سه روز باشکوه" انقلاب ژوئیه 1830 اختصاص داشت. بوم با قدرت، دموکراسی و جسارت راه حل هنری خود، تأثیر خیره کننده ای بر معاصران گذاشت. طبق افسانه، یکی از بورژواهای محترم فریاد زد: "شما می گویید - رئیس مدرسه؟ بهتر است بگوییم - رئیس شورش! پس از بسته شدن سالن، دولت که از جذابیت مهیب و الهام بخش ناشی از نقاشی ترسیده بود، عجله کرد تا آن را به نویسنده برگرداند. در طول انقلاب 1848، دوباره در کاخ لوکزامبورگ به نمایش عمومی گذاشته شد. و دوباره به هنرمند برگرداندند. تنها پس از اینکه بوم در نمایشگاه جهانی پاریس در سال 1855 به نمایش گذاشته شد، به موزه لوور رسید. هنوز هم این یکی از بهترین خلاقیت های رمانتیسیسم فرانسوی را در خود جای داده است - شهادت شاهدان عینی الهام گرفته و یادگاری ابدی برای مبارزه مردم برای آزادی.

رمانتیک جوان فرانسوی چه زبان هنری پیدا کرد تا این دو اصل به ظاهر متضاد را با هم ادغام کند - یک تعمیم گسترده و همه جانبه و واقعیت ملموس، بی رحمانه در برهنگی اش؟

پاریس روزهای معروف جولای 1830. هوا از دود و غبار خاکستری اشباع شده است. شهری زیبا و باشکوه که در مه پودری ناپدید می شود. برج‌های کلیسای نوتردام - نمادی از تاریخ، فرهنگ و روح مردم فرانسه - در دوردست، به سختی قابل توجه است، اما با افتخار بالا می‌آیند. شورشیان از آنجا، از شهر دودآلود، از روی ویرانه‌های سنگرها، بر سر اجساد رفقای مرده‌شان، سرسختانه و مصمم به پیش می‌روند. هر یک از آنها می توانند بمیرند، اما گام شورشیان تزلزل ناپذیر است - آنها از اراده به پیروزی، به آزادی الهام می گیرند.

این قدرت الهام بخش در تصویر یک زن جوان زیبا، در یک انگیزه پرشور که او را فرا می خواند، تجسم یافته است. او با انرژی تمام نشدنی، سرعت حرکت آزاد و جوان مانند الهه یونانی است.

پیروزی نایک هیکل قوی او در لباس کیتون پوشیده شده است، صورتش با ویژگی های عالی، با چشمانی درخشان، به سوی شورشیان چرخیده است. در یک دست او پرچم سه رنگ فرانسه را در دست دارد و در دست دیگر - یک تفنگ. روی سر یک کلاه فریجی - نماد باستانی رهایی از بردگی است. قدم او سریع و سبک است - الهه ها اینگونه قدم می گذارند. در عین حال، تصویر یک زن واقعی است - او دختر مردم فرانسه است. او نیروی هدایتگر پشت حرکت گروه بر روی سنگرها است. از آن، مانند یک منبع نور در مرکز انرژی، پرتوهایی به بیرون تابیده می شود که با تشنگی و اراده برای پیروزی شارژ می شود. کسانی که نزدیک به آن هستند، هر کدام به شیوه خود، مشارکت خود را در این تماس الهام بخش و الهام بخش بیان می کنند.

در سمت راست پسری است، یک بازی‌باز پاریسی که تپانچه‌ها را تکان می‌دهد. او نزدیکترین فرد به آزادی است و به نوعی با شور و شوق و لذت او از یک انگیزه آزاد برانگیخته می شود. در یک حرکت سریع و بی حوصله پسرانه، او حتی اندکی از الهام بخش خود جلوتر است. این سلف گاوروش افسانه‌ای است که بیست سال بعد توسط ویکتور هوگو در بینوایان به تصویر کشیده شد: «گاوروش، پر از الهام، درخشان، وظیفه به حرکت درآوردن همه چیز را بر عهده گرفت. به این طرف و آن طرف دوید، بالا رفت، پایین رفت

پایین، دوباره بلند شد، سر و صدا کرد، از شادی برق زد. به نظر می رسد که او به اینجا آمده است تا همه را تشویق کند. آیا او انگیزه ای برای این کار داشت؟ بله، البته فقر او. آیا او بال داشت؟ بله، البته شادی او. نوعی گردباد بود. به نظر می‌رسید که او هوا را پر کرده بود و همزمان در همه جا حضور داشت... سنگرهای عظیم او را روی خط الراس خود احساس کردند.»

گاوروش در نقاشی دلاکروا تجسم جوانی، "یک انگیزه شگفت انگیز"، پذیرش شادی آور ایده روشن آزادی است. دو تصویر - Gavroche و Svoboda - به نظر می رسد که یکدیگر را تکمیل می کنند: یکی آتش است، دیگری مشعلی است که از آن روشن می شود. هاینریش هاینه در مورد واکنش پر جنب و جوشی که شخصیت گاوروش از پاریسی ها برانگیخت صحبت کرد. "لعنتی! یک تاجر مواد غذایی فریاد زد: این پسرها مثل غول ها جنگیدند!

در سمت چپ دانش آموزی با تفنگ است. قبلاً به عنوان یک سلف پرتره از این هنرمند دیده می شد. این شورشی به سرعت Gavroche نیست. حرکت او محدودتر، متمرکزتر و معنادارتر است. دست ها با اطمینان لوله اسلحه را می گیرند، چهره بیانگر شجاعت، عزم راسخ برای ایستادن تا آخر است. این یک تصویر عمیقا غم انگیز است. دانش آموز به اجتناب ناپذیری خساراتی که شورشیان متحمل خواهند شد پی می برد، اما قربانیان او را نمی ترسانند - اراده برای آزادی قوی تر است. کارگری به همان اندازه شجاع و مصمم با سابر پشت سر او ایستاده است. یک زخمی پای آزادی است. او به سختی برمی خیزد تا بار دیگر به آزادی نگاه کند تا زیبایی را که به خاطر آن از بین می رود، ببیند و با تمام وجود احساس کند. این رقم شروعی دراماتیک برای صدای بوم دلاکروا به ارمغان می آورد. اگر تصاویر Gavroche، Svoboda، یک دانش آموز، یک کارگر تقریباً نماد هستند، تجسم اراده تسلیم ناپذیر مبارزان آزادی - بیننده را الهام می بخشند و فرا می خوانند، آنگاه مجروح به شفقت متوسل می شود. انسان با آزادی خداحافظی می کند، با زندگی خداحافظی می کند. او هنوز یک تکانه، حرکت است، اما در حال حاضر یک تکانه محو شده است.

شکل او انتقالی است. نگاه بیننده که هنوز تحت تأثیر عزم انقلابی شورشیان فریب خورده است، با اجساد سربازان با شکوه کشته شده تا پای سنگر فرود می آید. مرگ را هنرمند در همه برهنگی و آشکار بودن واقعیت عرضه می کند. ما چهره‌های آبی مردگان را می‌بینیم، بدن‌های برهنه‌شان را: مبارزه بی‌رحمانه است و مرگ همان همراه اجتناب‌ناپذیر شورشیان است، مانند الهام‌بخش زیبای آزادی.

اما نه کاملاً یکسان! از منظره وحشتناک لبه پایینی تصویر، دوباره نگاه خود را بالا می بریم و یک چهره زیبای جوان را می بینیم - نه! زندگی برنده می شود! ایده آزادی که چنان آشکار و ملموس تجسم یافته است، چنان به سوی آینده هدایت می شود که مرگ به نام آن وحشتناک نیست.

این هنرمند تنها گروه کوچکی از شورشیان را زنده و مرده به تصویر می کشد. اما مدافعان سنگر به طور غیرعادی متعدد به نظر می رسند. ترکیب به گونه ای ساخته شده است که گروه رزمندگان محدود نباشد، به خودی خود بسته نباشد. او تنها بخشی از بهمن بی پایان مردم است. هنرمند، همانطور که بود، قطعه ای از یک گروه را ارائه می دهد: قاب عکس چهره ها را از سمت چپ، راست، پایین قطع می کند.

معمولاً رنگ در آثار دلاکروا صدایی شدیداً احساسی پیدا می‌کند و در ایجاد یک اثر دراماتیک نقش غالب دارد. رنگ‌هایی که حالا خشمگین شده‌اند، حالا محو شده‌اند، خفه‌شده‌اند، فضایی پرتنش ایجاد می‌کنند. دلاکروا در «آزادی روی موانع» از این اصل فاصله گرفته است. هنرمند بسیار دقیق، بدون تردید با انتخاب رنگ، اعمال آن با ضربات گسترده، فضای نبرد را منتقل می کند.

اما طرح رنگ محدود است. دلاکروا بر مدل‌سازی نقش برجسته‌ی فرم تمرکز می‌کند. این مورد نیاز راه حل فیگوراتیو تصویر بود. از این گذشته، این هنرمند با به تصویر کشیدن یک رویداد خاص دیروز، یادبودی نیز برای این رویداد خلق کرد. بنابراین، چهره ها تقریباً مجسمه هستند. بنابراین، هر شخصیتی که جزئی از یک تصویر کلی واحد است، به خودی خود چیزی بسته است، نمادی است که به صورت کامل درآمده است. بنابراین، رنگ نه تنها از نظر احساسی بر احساسات بیننده تأثیر می گذارد، بلکه بار نمادینی را نیز به همراه دارد. در یک فضای خاکستری مایل به قهوه ای، اینجا و آنجا، یک سه گانه موقر از قرمز، آبی، سفید چشمک می زند - رنگ های پرچم انقلاب فرانسه در سال 1789. تکرار مکرر این رنگ ها از آکورد قدرتمند پرچم سه رنگ که بر فراز سنگرها به اهتزاز در می آید پشتیبانی می کند.

تابلوی دلاکروا "آزادی روی سنگرها" اثری پیچیده و باشکوه در محدوده خود است. این قابلیت اطمینان یک واقعیت مستقیماً دیده شده و نمادگرایی تصاویر را ترکیب می کند. واقع گرایی، رسیدن به طبیعت گرایی وحشیانه، و زیبایی کامل. درشت، وحشتناک و عالی، خالص.

نقاشی "آزادی بر روی سنگرها" پیروزی رمانتیسیسم را در نقاشی فرانسوی تثبیت کرد. در دهه 30، دو نقاشی تاریخی دیگر: "نبرد پواتیه"و "قتل اسقف لیژ".

در سال 1822 این هنرمند از شمال آفریقا، مراکش، الجزایر بازدید کرد. این سفر بر او تأثیری ماندگار گذاشت. در دهه 50، نقاشی هایی با الهام از خاطرات این سفر در آثار او ظاهر شد: «شکار شیر»، «مراکشی در حال زین کردن اسب»رنگ متضاد روشن صدایی رمانتیک برای این تصاویر ایجاد می کند. تکنیک یک قلم مو پهن در آنها ظاهر می شود.

دلاکروا به عنوان یک رمانتیست، وضعیت روح خود را نه تنها با زبان تصاویر زیبا ثبت کرد، بلکه به معنای واقعی کلمه افکار خود را قاب کرد. او روند خلاقیت هنرمند رمانتیک، آزمایش‌های او روی رنگ، تامل‌هایی در مورد رابطه بین موسیقی و سایر اشکال هنری را به خوبی توصیف کرد. خاطرات او به کتاب مورد علاقه هنرمندان نسل های بعدی تبدیل شد.

مکتب رمانتیک فرانسوی تغییرات قابل توجهی در زمینه مجسمه سازی (رود و نقش برجسته او "مارسیلیز")، نقاشی منظره (کامیل کورو با تصاویر هوای سبک خود از طبیعت فرانسه) ایجاد کرد.

به لطف رمانتیسم، بینش ذهنی شخصی هنرمند شکل یک قانون به خود می گیرد. امپرسیونیسم حصار بین هنرمند و طبیعت را کاملاً از بین خواهد برد و هنر را یک برداشت اعلام می کند. رمانتیک ها در مورد فانتزی هنرمند صحبت می کنند، "صدای احساسات او"، که اجازه می دهد کار را زمانی که استاد لازم بداند متوقف شود، و نه آن گونه که استانداردهای آکادمیک کامل بودن ایجاب می کند.

اگر فانتزی های جرکو بر انتقال حرکت متمرکز بود، دلاکروا - بر قدرت جادویی رنگ، و آلمانی ها "روح نقاشی" خاصی را به آن اضافه کردند. اسپانیاییرمانتیک ها به نمایندگی از فرانسیسکو گویا (1746-1828) خاستگاه فولکلور سبک، شخصیت خیالی و گروتسک آن را نشان دادند. خود گویا و آثارش به دور از هر چارچوب سبکی به نظر می رسند، به خصوص که هنرمند اغلب مجبور بود قوانین مواد اجرا را دنبال کند (مثلاً وقتی نقاشی هایی برای فرش های ملیله بافته می کرد) یا الزامات مشتری.

فانتاسماگوری های او در سریال های حکاکی آشکار شد "کاپریچوس" (1797-1799),"فاجعه جنگ" (1810-1820),"Disparants ("جنون")(1815-1820)، نقاشی های دیواری در خانه ناشنوایان و کلیسای سن آنتونیو د لا فلوریدا در مادرید (1798). بیماری جدی در سال 1792. ناشنوایی کامل هنرمند را به همراه داشت. هنر استاد پس از صدمات جسمی و روحی متحمل شده متمرکزتر، متفکرتر، پویای درونی می شود. دنیای بیرونی که به دلیل ناشنوایی بسته شده بود، زندگی معنوی درونی گویا را فعال کرد.

در حکاکی ها "کاپریچوس"گویا در انتقال واکنش های فوری، احساسات تند به قدرت استثنایی دست می یابد. اجرای سیاه و سفید، به لطف ترکیب جسورانه لکه های بزرگ، عدم وجود ویژگی خطی بودن گرافیک، تمام ویژگی های یک نقاشی را به دست می آورد.

به نظر می رسد نقاشی کلیسای سنت آنتونی در مادرید گویا در یک نفس خلق می کند. خلق و خوی سکته مغزی، لاکونیسم ترکیب، بیان ویژگی های شخصیت ها، که نوع آنها توسط گویا مستقیماً از جمعیت گرفته شده است، شگفت زده می شود. این هنرمند معجزه آنتونی فلوریدا را به تصویر می کشد که باعث شد قاتل بلند شود و صحبت کند، قاتل را نام برد و بدین وسیله محکوم بی گناه را از اعدام نجات داد. پویایی جمعیتی که به شدت واکنش نشان می دهند توسط گویا هم در حرکات و هم در تقلید چهره های به تصویر کشیده شده منتقل می شود. در طرح ترکیبی توزیع نقاشی های دیواری در فضای کلیسا، نقاش از تیپولو پیروی می کند، اما واکنشی که در بیننده برمی انگیزد، باروک نیست، بلکه کاملاً عاشقانه است و بر احساس هر بیننده تأثیر می گذارد و او را ترغیب می کند که خودش

بیش از همه، این هدف در نقاشی کونتو دل سوردو ("خانه ناشنوایان")، که گویا از سال 1819 در آن زندگی می کرد، به دست آمده است. دیوارهای اتاق ها با پانزده ترکیب با ماهیت فوق العاده و تمثیلی پوشیده شده است. درک آنها نیاز به همدلی عمیق دارد. تصاویر به‌عنوان نوعی چشم‌انداز از شهرها، زنان، مردان و غیره ظاهر می‌شوند. رنگی که چشمک می‌زند، یک شکل را بیرون می‌کشد، سپس چهره‌ای دیگر. نقاشی به طور کلی تیره است، لکه های سفید، زرد، صورتی مایل به قرمز در آن غالب است، احساسات مزاحم در فلاش ها. حکاکی های سریال "متفاوت ها" .

گویا 4 سال گذشته را در فرانسه گذرانده است. بعید است که او بداند که دلاکروا هرگز از کاپریکوهای خود جدا نشد. و او نمی‌توانست پیش‌بینی کند که چگونه هوگو و بودلر توسط این حکاکی‌ها تحت تأثیر قرار می‌گیرند، نقاشی او بر مانه چه تأثیر عظیمی می‌گذارد، و چگونه در دهه 80 قرن نوزدهم. V. Stasov از هنرمندان روسی دعوت می کند تا "فاجعه جنگ" خود را مطالعه کنند.

اما ما، با در نظر گرفتن این موضوع، می دانیم که این هنر "بی سبک" رئالیست جسور و رمانتیک الهام گرفته شده چه تأثیر عظیمی بر فرهنگ هنری قرن 19 و 20 گذاشته است.

دنیای خارق‌العاده رویاها نیز توسط هنرمند رمانتیک انگلیسی ویلیام بلیک (1757-1827) در آثار او تحقق یافته است. انگلستانسرزمین کلاسیک ادبیات رمانتیک بود. بایرون شلی پرچمدار این جنبش بسیار فراتر از مرزهای "آلبیون مه آلود" شد. در فرانسه، در مجله انتقاد از "نبردهای عاشقانه" رمانتیک ها "شکسپیر" نامیده می شدند. ویژگی اصلی نقاشی انگلیسی همیشه علاقه به انسان بوده است که باعث می شود ژانر پرتره به طور پربار توسعه یابد. رمانتیسیسم در نقاشی با احساسات گرایی بسیار مرتبط است. علاقه رمانتیک ها به قرون وسطی باعث پیدایش ادبیات تاریخی بزرگی شد. استاد شناخته شده آن دبلیو اسکات است. در نقاشی، موضوع قرون وسطی ظاهر به اصطلاح Perafaelites را تعیین می کرد.

اولیام بلیک یک نوع شگفت انگیز رمانتیک در صحنه فرهنگی انگلیسی است. او شعر می نویسد، کتاب های خود و دیگران را به تصویر می کشد. استعداد او به دنبال در آغوش کشیدن و بیان جهان در یک وحدت کلی بود. مشهورترین آثار او تصویرسازی کتاب مقدس کتاب ایوب، کمدی الهی دانته و بهشت ​​گمشده میلتون در نظر گرفته می شود. او در ترکیبات خود با پیکره های قهرمان قهرمانان زندگی می کند، که با محیط اطراف آنها از یک جهان روشنگرانه یا خیال انگیز غیر واقعی مطابقت دارد. حس غرور سرکش یا هماهنگی که از ناهماهنگی ها ایجاد نمی شود، بر تصاویر او غالب می شود.

حکاکی های منظره برای پاستورال ها توسط شاعر رومی ویرژیل تا حدودی متفاوت به نظر می رسند - آنها نسبت به کارهای قبلی خود به شکلی عاشقانه تر هستند.

رمانتیسم بلیک می کوشد فرمول هنری و شکل وجودی جهان را بیابد.

ویلیام بلیک که در فقر و گمنامی شدید زندگی کرده بود، پس از مرگش در ردیف میزبان آثار کلاسیک هنر انگلیسی قرار گرفت.

در آثار نقاشان منظره انگلیسی در اوایل قرن نوزدهم. سرگرمی های عاشقانه با دید عینی تر و هوشیارتر از طبیعت ترکیب شده است.

مناظر مرتفع عاشقانه توسط ویلیام ترنر (1775-1851) خلق شده است. او دوست داشت رعد و برق، رگبار، طوفان در دریا، غروب روشن و آتشین را به تصویر بکشد. ترنر اغلب جلوه های نور را اغراق می کرد و صدای رنگ ها را تشدید می کرد، حتی در حالی که حالت آرام طبیعت را نقاشی می کرد. برای جلوه بیشتر از تکنیک آبرنگ استفاده کرد و رنگ روغن را در لایه ای بسیار نازک زد و مستقیماً روی زمین نقاشی کرد و به سایه های رنگین کمانی دست یافت. یک مثال می تواند تصویر باشد "باران، بخار و سرعت"(1844). اما حتی منتقد معروف آن زمان Thackeray نتوانست به درستی، شاید، خلاقانه ترین تصویر را هم در طراحی و هم در اجرا درک کند. او نوشت: «باران با لکه‌هایی از بتونه کثیف نشان داده می‌شود، که با چاقوی پالت روی بوم پاشیده شده است، نور خورشید از زیر توده‌های بسیار ضخیم کروم زرد کثیف کم‌رنگ می‌تابد. سایه ها با سایه های سرد زرشکی مایل به قرمز و لکه های سینابری خاموش منتقل می شوند. و اگرچه آتش در کوره لوکوموتیو قرمز به نظر می رسد، نمی توانم بگویم که به رنگ کبالت یا نخودی رنگ نشده است. منتقد دیگری متوجه طرح رنگ ترنر «تخم مرغ همزده و اسفناج» شد. رنگ های ترنر فقید عموماً برای معاصران کاملاً غیرقابل تصور و خارق العاده به نظر می رسید. بیش از یک قرن طول کشید تا دانه های مشاهدات واقعی را در آنها مشاهده کنیم. اما مانند موارد دیگر، اینجا هم بود. داستانی جالب از یک شاهد عینی یا بهتر بگوییم شاهد تولد «باران، بخار و سرعت» حفظ شده است. خانم سیمون معینی سوار کوپه ای از وسترن اکسپرس با یک آقای مسن روبرویش بود. او اجازه خواست تا پنجره را باز کند، سرش را زیر باران شدید بیرون آورد و مدت زیادی در این وضعیت بود. وقتی بالاخره پنجره را بست. آب در جویبارها از او سرازیر شد، اما او با خوشحالی چشمانش را بست و به عقب خم شد، و به وضوح از آنچه تازه دیده بود لذت می برد. یک زن جوان کنجکاو تصمیم گرفت احساسات او را روی خودش تجربه کند - او همچنین سرش را از پنجره بیرون آورد. او هم خیس شد. اما من یک برداشت فراموش نشدنی دریافت کردم. تعجب او را تصور کنید که یک سال بعد، در نمایشگاهی در لندن، "باران، بخار و سرعت" را دید. شخصی پشت سر او با انتقاد انتقادی گفت: «درست است، واقعاً برای ترنر معمولی است. هیچ کس تا به حال چنین ترکیبی از پوچ ندیده است." و او که نتوانست مقاومت کند گفت: دیدم.

شاید این اولین تصویر از قطار در نقاشی باشد. نقطه نظر از جایی بالا گرفته شده است که امکان پوشش پانوراما گسترده را فراهم می کند. وسترن اکسپرس با سرعتی که برای آن زمان کاملاً استثنایی بود (بیش از 150 کیلومتر در ساعت) از روی پل عبور می کند. علاوه بر این، این احتمالاً اولین تلاش برای به تصویر کشیدن نور از طریق باران است.

هنر انگلیسی اواسط قرن نوزدهم. در جهتی کاملاً متفاوت از نقاشی ترنر توسعه یافت. اگرچه مهارت او به طور کلی شناخته شده بود، هیچ یک از جوانان او را دنبال نکردند.

ترنر از دیرباز به عنوان پیشرو امپرسیونیسم شناخته می شود. به نظر می رسد که جستجوی او برای رنگ از نور باید توسط هنرمندان فرانسوی توسعه بیشتری می یافت. اما اصلاً اینطور نیست. در واقع، نظر در مورد تأثیر ترنر بر امپرسیونیست ها به کتاب پل سیگناک از دلاکروا تا نئوامپرسیونیسم برمی گردد که در سال 1899 منتشر شد، جایی که او توضیح داد که چگونه «در سال 1871، کلود مانه و کامیل پیسارو در طول اقامت طولانی خود در لندن، ترنر را کشف کردند. آنها از کیفیت مطمئن و جادویی رنگ های او شگفت زده شدند، کار او را مطالعه کردند، تکنیک او را تجزیه و تحلیل کردند. در ابتدا آنها از نمایش او از برف و یخ شگفت زده شدند، و از روشی که او توانست احساس سفیدی برف را منتقل کند، که خود آنها نتوانستند با کمک لکه های بزرگ نقره ای-سفید و مسطح، شوکه شدند. با ضربات قلم مو پهن گذاشته شده است. دیدند که این برداشت تنها با سفید کاری به دست نمی آید. و انبوهی از ضربه های رنگارنگ. یکی در کنار دیگری اعمال می شود که اگر از دور به آنها نگاه کنید این تصور را ایجاد کرد.

در طول این سال ها، سیگناک همه جا را برای تأیید نظریه پوینتیلیسم خود جستجو کرد. اما هیچ یک از نقاشی‌های ترنر که هنرمندان فرانسوی در گالری ملی در سال 1871 می‌توانستند آن‌ها را ببینند، حاوی تکنیک پوینتیلیسم توصیف شده توسط سیگناک نیست، همانطور که هیچ «لکه‌های وسیع سفید» وجود ندارد. در واقع، تأثیر ترنر بر فرانسوی‌ها در سال 1870 قوی‌تر نبود. e، و در دهه 1890.

پل سیگناک ترنر را با دقت بیشتری مورد مطالعه قرار داد - نه تنها به عنوان یک پیشرو امپرسیونیسم، که در مورد آن در کتاب خود نوشت، بلکه همچنین به عنوان یک هنرمند مبتکر بزرگ. سیگناک به دوستش آنگران درباره نقاشی‌های اواخر ترنر، باران، بخار و سرعت، تبعید، صبح و عصر سیل نوشت: معنای فوق‌العاده کلمه.

ارزیابی مشتاقانه سیگناک پایه و اساس درک مدرن جستجوی تصویری ترنر را ایجاد کرد. اما در سال‌های اخیر گاهی پیش می‌آید که زیرمتن و پیچیدگی مسیرهای جستجوی او را در نظر نمی‌گیرند، با انتخاب یک‌طرفه نمونه‌هایی از «زیر نقاشی‌های» واقعاً ناتمام ترنر، سعی می‌کنند سلف امپرسیونیسم را در او کشف کنند. .

از میان همه جدیدترین هنرمندان، مقایسه ای طبیعی با مونه نشان می دهد که خودش تأثیر ترنر را بر او تشخیص داده است. حتی یک طرح وجود دارد که برای هر دو کاملاً مشابه است - یعنی پورتال غربی کلیسای جامع روئن. اما اگر مونه طرحی از نور خورشید یک ساختمان را به ما بدهد، او به ما گوتیک نمی دهد، بلکه نوعی مدل برهنه را به ما می دهد، در ترنر می فهمید که چرا هنرمند، کاملاً غرق در طبیعت، توسط این موضوع برده شده است - در او این دقیقاً ترکیبی از عظمت بی‌نهایت کل و بی‌نهایت است که چشم‌گیر است، جزئیات متنوعی که آفرینش هنر گوتیک را به آثار طبیعت نزدیک‌تر می‌کند.

ویژگی خاص فرهنگ انگلیسی و هنر رمانتیک امکان ظهور اولین هنرمند plein air را فراهم کرد که پایه‌های تصویر نور و هوای طبیعت را در قرن نوزدهم بنا نهاد، جان کنستبل (1776-1837). پاسبان انگلیسی منظره را به عنوان ژانر اصلی نقاشی خود انتخاب می کند: «دنیا عالی است. هیچ دو روز مشابه یا حتی دو ساعت مشابه وجود ندارد. از زمان خلقت جهان بر روی یک درخت، دو برگ یکسان وجود نداشته است و همه آثار هنری واقعی، مانند آفریده های طبیعت، با یکدیگر متفاوت هستند.

پاسبان طرح‌های بزرگی را با رنگ روغن در هوای ساده با مشاهده‌ای ظریف از حالات مختلف طبیعت نقاشی کرد که در آن‌ها توانست پیچیدگی زندگی درونی طبیعت و زندگی روزمره آن را منتقل کند. ("نمای Highgate از Hempstead Hills"، خوب. 1834; "گاری یونجه"، 1821; «دره دثم»، حدوداً 1828) این کار را با کمک تکنیک های نوشتن انجام داد. او با ضربات متحرک نقاشی می کرد، گاهی ضخیم و خشن، گاهی صاف تر و شفاف تر. امپرسیونیست ها تنها در پایان قرن به این موضوع خواهند رسید. نقاشی نوآورانه پاسبان بر آثار دلاکروا و همچنین کل توسعه منظره فرانسه تأثیر گذاشت.

هنر پاسبان و همچنین بسیاری از جنبه‌های کار ژریکولت، ظهور یک روند واقع‌گرایانه در هنر اروپای قرن نوزدهم را نشان داد که در ابتدا به موازات رمانتیسم توسعه یافت. بعداً راهشان از هم جدا شد.

رمانتیک ها دنیای روح انسان را می گشایند، فردی، بر خلاف دیگران، اما صمیمانه و در نتیجه نزدیک به تمام بینش های نفسانی جهان. همان‌طور که ژلاکروا می‌گوید، لحظه‌ای بودن تصویر در نقاشی، و نه سازگاری آن در اجرای ادبی، تمرکز هنرمندان را بر پیچیده‌ترین انتقال حرکت تعیین می‌کند، که به خاطر آن راه‌حل‌های رسمی و رنگارنگ جدیدی پیدا می‌شود. رمانتیسم میراثی به نیمه دوم قرن نوزدهم بر جای گذاشت. همه این مشکلات و فردیت هنری، رهایی از قواعد آکادمیک. نمادی که رمانتیک ها باید ترکیب اساسی ایده و زندگی را در هنر نیمه دوم قرن نوزدهم بیان کنند. در چند صدایی تصویر هنری حل می شود و تنوع ایده ها و دنیای اطراف را به تصویر می کشد.

ب) موسیقی

ایده ترکیبی از هنرها در ایدئولوژی و عمل رمانتیسم بیان شد. رمانتیسیسم در موسیقی در دهه 20 قرن نوزدهم تحت تأثیر ادبیات رمانتیسم شکل گرفت و در ارتباط نزدیک با آن، با ادبیات به طور کلی توسعه یافت (توسل به ژانرهای مصنوعی، در درجه اول به اپرا، آهنگ، مینیاتور دستگاهی و برنامه نویسی موسیقی. ). جذابیت به دنیای درونی یک شخص، مشخصه رمانتیسم، در آیین ولع شدید ذهنی و عاطفی بیان شد که برتری موسیقی و اشعار را در رمانتیسم تعیین می کرد.

موسیقی نیمه اول قرن نوزدهم به سرعت تکامل یافت. یک زبان موسیقی جدید ظاهر شده است. در موسیقی دستگاهی و مجلسی-آواز، مینیاتور جایگاه ویژه ای دارد. ارکستر با طیف متنوعی از رنگ ها به صدا درآمد. امکانات پیانو و ویولن به روشی جدید آشکار شد. موسیقی رمانتیک ها بسیار زیبا بود.

رمانتیسیسم موسیقایی خود را در شاخه‌های مختلف مرتبط با فرهنگ‌های ملی مختلف و با جنبش‌های اجتماعی متفاوت نشان داد. بنابراین، به عنوان مثال، سبک صمیمی، غنایی رمانتیک های آلمانی و ترحم مدنی "سخنرانی" مشخصه کار آهنگسازان فرانسوی به طور قابل توجهی متفاوت است. به نوبه خود، نمایندگان مدارس ملی جدید که بر اساس یک جنبش گسترده آزادیبخش ملی پدید آمدند (شوپن، مونیوژکو، دووراک، اسمتانا، گریگ)، و همچنین نمایندگان مکتب اپرای ایتالیا که از نزدیک با جنبش ریسورجیمنتو مرتبط بودند (وردی، بلینی)، از بسیاری جهات با معاصران آلمان، اتریش یا فرانسه، به ویژه تمایل به حفظ سنت های کلاسیک متفاوت است.

و با این وجود، همه آنها با برخی از اصول هنری مشترک مشخص می شوند که به ما اجازه می دهد از یک ساختار عاشقانه فکری واحد صحبت کنیم.

به دلیل توانایی ویژه موسیقی در آشکار ساختن عمیق و نافذ دنیای غنی تجربیات بشری، زیبایی شناسی رمانتیک آن را در رتبه اول در میان دیگر هنرها قرار داده است. بسیاری از رمانتیک ها بر شروع شهودی موسیقی تأکید داشتند و به آن توانایی بیان «ناشناخته» را نسبت دادند. آثار آهنگسازان برجسته رمانتیک پایه و اساس مستحکمی واقع گرایانه داشتند. علاقه به زندگی مردم عادی، پری زندگی و حقیقت احساسات، اتکا به موسیقی زندگی روزمره، واقع گرایی خلاقیت بهترین نمایندگان رمانتیسم موسیقی را تعیین کرد. گرایش های ارتجاعی (عرفان، گریز از واقعیت) تنها در تعداد نسبتا کمی از آثار رمانتیک ها ذاتی است. آنها تا حدی خود را در اپرای وبر "Euryant" (1823)، در برخی از درام های موسیقی واگنر، اواتوریو لیست "مسیح" (1862) و دیگران نشان دادند.

با آغاز قرن نوزدهم، مطالعات بنیادی فولکلور، تاریخ، ادبیات باستانی ظاهر شد، افسانه های قرون وسطی، هنر گوتیک و فرهنگ رنسانس احیا شد. در این زمان بود که بسیاری از مدارس ملی از نوع خاص در کار آهنگسازی اروپا شکل گرفت که مقدر بود مرزهای فرهنگ مشترک اروپایی را به میزان قابل توجهی گسترش دهند. روسی، که به زودی، اگر نه اولین، پس یکی از اولین مکان ها در خلاقیت فرهنگی جهان (گلینکا، دارگومیژسکی، "کوچکیست ها"، چایکوفسکی)، لهستانی (شوپن، مونیوسکو)، چک (Smetana، Dvorak)، مجارستانی (Listzt) شد. ، سپس نروژی (گریگ)، اسپانیایی (پدرل)، فنلاندی (سیبلیوس)، انگلیسی (الگار) - همه آنها با ادغام در کانال کلی خلاقیت آهنگساز اروپایی، به هیچ وجه با سنت های باستانی تثبیت شده مخالفت نکردند. دایره جدیدی از تصاویر پدیدار شد که بیانگر ویژگی های منحصر به فرد ملی فرهنگ ملی است که آهنگساز به آن تعلق داشت. ساختار لحنی کار به شما امکان می دهد فوراً از طریق گوش متعلق به یک مدرسه ملی خاص را تشخیص دهید.

آهنگسازان لحن فولکلور قدیمی و عمدتاً دهقانی کشورهایشان را به زبان رایج موسیقی اروپایی تبدیل می‌کنند. آنها، همانطور که بود، آهنگ فولکلور روسی را از اپرای لاکی پاک کردند، آنها نوبت های آهنگ ژانرهای عامیانه را به سیستم لحن بین المللی قرن 18 وارد کردند. بارزترین پدیده در موسیقی رمانتیسم، که به ویژه در مقایسه با حوزه فیگوراتیو کلاسیک به وضوح درک می شود، غلبه اصل غزل و روانشناختی است. البته ویژگی بارز هنر موسیقی به طور کلی انکسار هر پدیده ای از طریق حوزه احساسات است. موسیقی همه ادوار تابع این الگو است. اما رمانتیک ها در معنای اصل غزل در موسیقی خود، در قدرت و کمال در انتقال اعماق دنیای درونی یک فرد، ظریف ترین سایه های خلق و خو، از همه پیشینیان خود پیشی گرفتند.

موضوع عشق در آن جایگاه غالبی دارد، زیرا این حالت ذهنی است که همه ژرفاها و ظرایف روان انسان را به طور جامع و کامل منعکس می کند. اما بسیار مشخص است که این موضوع به انگیزه های عشق به معنای واقعی کلمه محدود نمی شود، بلکه با گسترده ترین طیف پدیده ها شناخته می شود. تجربیات صرفاً غنایی قهرمانان در پس زمینه یک پانورامای تاریخی گسترده آشکار می شود. عشق یک فرد به خانه، به وطن، به مردمش - رشته ای پیوسته در کار همه آهنگسازان - رمانتیک ها می گذرد.

جایگاه عظیمی در آثار موسیقایی در اشکال کوچک و بزرگ به تصویر طبیعت داده شده است که به طور تنگاتنگ و جدایی ناپذیر با مضمون اعتراف غزل در هم آمیخته است. مانند تصاویر عشق، تصویر طبیعت حالت ذهنی قهرمان را به تصویر می کشد که اغلب با احساس ناهماهنگی با واقعیت رنگ آمیزی می شود.

مضمون فانتزی اغلب با تصاویری از طبیعت رقابت می کند که احتمالاً با میل به فرار از اسارت زندگی واقعی ایجاد می شود. برای رمانتیک‌ها، جستجوی دنیایی شگفت‌انگیز، درخشان با غنای رنگ‌ها، مخالفت با زندگی روزمره خاکستری، معمولی است. در این سال ها بود که ادبیات با افسانه ها، تصنیف های نویسندگان روسی غنی شد. برای آهنگسازان مکتب عاشقانه، تصاویر افسانه ای و خارق العاده رنگ ملی منحصر به فردی پیدا می کنند. تصنیف‌ها از نویسندگان روسی الهام گرفته شده‌اند و به لطف این، آثاری با طرحی خارق‌العاده خلق می‌شوند که به عنوان نمادی از جنبه درزدار ایمان، به دنبال شکستن ایده‌های ترس از نیروهای شر است.

بسیاری از آهنگسازان رمانتیک نیز به عنوان نویسندگان و منتقدان موسیقی ظاهر شدند (وبر، برلیوز، واگنر، لیست و غیره). کار نظری نمایندگان رمانتیسیسم مترقی سهم بسیار مهمی در توسعه مهمترین مسائل هنر موسیقی داشت. رمانتیسم در هنرهای نمایشی (ویولونیست پاگانینی، خواننده A. Nurri و غیره) نمود پیدا کرد.

معنای مترقی رمانتیسم در این دوره عمدتاً در فعالیت ها نهفته است فرانتس لیست... خلاقیت لیست، با وجود جهان بینی متناقض، اساساً مترقی و واقع گرایانه بود. یکی از بنیانگذاران و کلاسیک موسیقی مجارستان، یک هنرمند برجسته ملی.

در بسیاری از آثار لیست، مضامین ملی مجارستان به طور گسترده ای منعکس شده است. آهنگ های عاشقانه و زیبای لیست امکانات فنی و بیانی نوازندگی پیانو (کنسرت، سونات) را گسترش داد. ارتباط لیست با نمایندگان موسیقی روسی قابل توجه بود که او به طور فعال آثار آن را تبلیغ کرد.

لیست در همان زمان نقش مهمی در توسعه هنر موسیقی جهان داشت. پس از لیست "همه چیز برای پیانو ممکن شد". ویژگی های بارز موسیقی او بداهه نوازی، برانگیختن عاشقانه احساسات، ملودی رسا است. لیست به عنوان آهنگساز، نوازنده، چهره موسیقی قدردانی می شود. آثار اصلی آهنگساز: اپرا دون سانچو یا قلعه عشق"(1825)، 13 شعر سمفونیک" تاسو ”, ” پرومتئوس ”, “هملتو دیگران، آثار برای ارکستر، 2 کنسرتو برای پیانو و ارکستر، 75 رمانس، گروه کر و دیگر آثار نه چندان معروف.

یکی از اولین جلوه های رمانتیسیسم در موسیقی، خلاقیت بود فرانتس شوبرت(1797-1828). شوبرت به عنوان بزرگترین بنیانگذار رمانتیسیسم موسیقی و خالق تعدادی ژانرهای جدید در تاریخ موسیقی ثبت شد: سمفونی عاشقانه، مینیاتور پیانو، ترانه متن ترانه-عاشقانه (عاشقانه). بیشترین اهمیت را در کار او دارد ترانه،که در آن خصوصاً گرایشات نوآورانه بسیاری را نشان داد. در ترانه های شوبرت، دنیای درونی یک شخص از همه عمیق تر آشکار می شود، ارتباط با موسیقی محلی و روزمره برای او بیشتر قابل توجه است، یکی از شاخص ترین ویژگی های استعداد او به وضوح آشکار می شود - تنوع شگفت انگیز، زیبایی. ، جذابیت ملودی ها. بهترین آهنگ های دوره اولیه عبارتند از مارگاریتا در چرخ چرخان ”(1814) , “پادشاه جنگل". هر دو آهنگ با کلمات گوته سروده شده اند. در اولین آنها، دختر رها شده از محبوب خود یاد می کند. او تنها است و درد عمیقی دارد، آهنگش غمگین است. ملودی ساده و روح‌انگیز تنها با زمزمه یکنواخت نسیم طنین‌انداز می‌شود. "پادشاه جنگل" یک قطعه پیچیده است. این یک آهنگ نیست، بلکه صحنه‌ای دراماتیک است که در آن سه شخصیت در مقابل ما ظاهر می‌شوند: پدری که سوار بر اسبی در جنگل می‌دوزد، کودکی بیمار که با خود حمل می‌کند، و پادشاه جنگلی مهیبی که به پسری در یک جنگل ظاهر می‌شود. هذیان تب دار هر یک از آنها دارای زبان ملودیک خاص خود هستند. آهنگ های شوبرت "قزل آلا"، "بارکارولا"، "سرناد صبح" کمتر معروف و محبوب نیستند. این آهنگ‌ها که در سال‌های بعد نوشته شده‌اند، با ملودی ساده و گویا و رنگ‌های تازه متمایز می‌شوند.

شوبرت همچنین دو چرخه آهنگ نوشت - " آسیاب دوست داشتنی"(1823) و" مسیر زمستانی"(1872) - به سخنان شاعر آلمانی ویلهلم مولر. در هر یک از آنها، آهنگ ها با یک طرح متحد می شوند. آهنگ های چرخه "میلر زیبا" در مورد پسر جوانی می گوید. او به دنبال جویبار، راهی سفر می شود تا خوشبختی خود را بجوید. اکثر آهنگ های این چرخه دارای شخصیت سبک هستند. حال و هوای چرخه «مسیر زمستانی» کاملاً متفاوت است. جوان فقیر توسط عروس پولدار طرد می شود. او با ناامیدی زادگاهش را ترک می کند و به سرگردانی در دنیا می رود. همراهان او باد، کولاک، کلاغ های شومی هستند.

چند مثال ارائه شده در اینجا به ما اجازه می دهد تا در مورد ویژگی های ترانه سرایی شوبرت صحبت کنیم.

شوبرت به نوشتن علاقه زیادی داشت موسیقی برای پیانو... او برای این ساز آثار زیادی نوشت. کارهای پیانوی او مانند آهنگ ها به موسیقی روزمره نزدیک و به همان اندازه ساده و قابل فهم بود. ژانرهای مورد علاقه ساخته های او رقص ها، راهپیمایی ها و در سال های آخر زندگی او - بداهه بود.

والس و سایر رقص ها معمولاً با شوبرت در مراسم توپ و پیاده روی روستایی ظاهر می شد. در آنجا آنها را بداهه نواخت و در خانه ضبط کرد.

اگر قطعات پیانوی شوبرت را با آهنگ های او مقایسه کنید، شباهت های زیادی پیدا خواهید کرد. اول از همه، این یک بیان ملودیک عالی، لطف، کنار هم قرار دادن رنگارنگ ماژور و مینور است.

یکی از بزرگترین فرانسوی آهنگسازان نیمه دوم قرن 19 بود ژرژ بیزهخالق یک خلاقیت جاودانه برای تئاتر موزیکال - اپرا “کارمن"و موسیقی فوق العاده برای درام از آلفونس داودت" آرلسیان ”.

ویژگی کار بیزه دقت و وضوح فکر، تازگی و طراوت وسایل بیانی، کامل بودن و ظرافت فرم است. بیزه با تیزبینی تحلیل روانشناختی در درک احساسات و اعمال انسانی، مشخصه کار هموطنان بزرگ آهنگساز - نویسندگان بالزاک، فلوبر، موپاسان، مشخص می شود. جایگاه مرکزی در کار بیزه، از نظر ژانرهای متنوع، به اپرا تعلق دارد. هنر اپرایی این آهنگساز در خاک ملی پدید آمد و از سنت های خانه اپرای فرانسه تغذیه شد. بیزه معتقد بود که اولین وظیفه در کارش غلبه بر محدودیت‌های ژانری موجود در اپرای فرانسوی است که مانع توسعه آن می‌شود. اپرای "بولشوی" برای او یک ژانر مرده به نظر می رسد ، غزل - با اشک آلود بودن و تنگ نظری خود آزار دهنده است ، کمیک بیش از دیگران سزاوار توجه است. برای اولین بار در اپرای بیزه، زندگی روزمره شاداب و سرزنده و صحنه های شلوغی در اپرا ظاهر می شود که زندگی و صحنه های زنده را پیش بینی می کند.

موسیقی از Bizet به درام توسط Alphonse Daudet «آرلسیان"به طور عمده برای دو سوئیت کنسرت، متشکل از بهترین شماره های او شناخته شده است. بیزه از چند ملودی معتبر پروانسالی استفاده کرد : "مارش سه پادشاه"و "رقص اسب های فریسکی".

اپرا بیزه " کارمن«درامی موزیکال است که با حقیقتی قانع کننده و با نیروی هنری نفس گیر، داستان عشق و مرگ قهرمانانش را پیش روی تماشاگر می گذارد: خوزه سرباز و کارمن کولی. اپرا کارمن بر اساس سنت های تئاتر موزیکال فرانسوی ایجاد شد، اما در عین حال چیزهای جدیدی را به ارمغان آورد. بیزه با تکیه بر بهترین دستاوردهای اپرای ملی و اصلاح مهمترین عناصر آن، ژانر جدیدی را ایجاد کرد - درام موزیکال واقع گرایانه.

در تاریخ خانه اپرای قرن 19، اپرای "کارمن" یکی از اولین مکان ها را به خود اختصاص داده است. از سال 1876، راهپیمایی پیروزمندانه او در صحنه های خانه های اپرا در وین، بروکسل، لندن آغاز می شود.

تجلی رابطه شخصی با محیط در شاعران و موسیقیدانان عمدتاً در خودانگیختگی، "باز بودن" عاطفی و اشتیاق بیانیه، در تمایل به متقاعد کردن شنونده با کمک شدت بی وقفه لحن اعتراف یا اعتراف بیان می شد. اعتراف

این روندهای جدید در هنر تأثیر تعیین کننده ای بر ظاهر داشتند اپرای غنایی... این به عنوان نقطه مقابل اپرای «بزرگ» و کمیک به وجود آمد، اما نمی توانست فتوحات و دستاوردهای آنها را در زمینه نمایش اپرایی و ابزارهای بیان موسیقی نادیده بگیرد.

ویژگی متمایز ژانر اپرای جدید تفسیر غنایی هر طرح ادبی - در یک موضوع تاریخی، فلسفی یا معاصر است. قهرمانان اپرای غنایی دارای ویژگی های مردم عادی هستند، عاری از انحصار و برخی اغراق های مشخصه یک اپرای رمانتیک. شاخص ترین هنرمند در عرصه اپرا غنایی بود چارلز گونو.

در میان میراث نسبتاً متعدد اپرا گونود، اپرا " فاوست"جایگاه ویژه و شاید بتوان گفت استثنایی را به خود اختصاص داده است. شهرت و محبوبیت جهانی او با هیچ یک از اپرای دیگر گونود بی نظیر است. اهمیت تاریخی اپرا فاوست بسیار زیاد است زیرا نه تنها بهترین، بلکه اساساً اولین در میان اپرای این جهت جدید بود که چایکوفسکی در مورد آن نوشت: «نمی توان انکار کرد که فاوست نوشته شده است، اگر نگوییم درخشان، سپس با مهارت فوق العاده و بدون هویت قابل توجهی. تصویر فاوست تضاد حاد و "دوگانگی" آگاهی او را صاف می کند، نارضایتی ابدی ناشی از میل به شناخت جهان. گونود قادر به انتقال همه تطبیق پذیری و پیچیدگی تصویر مفیستوفل گوته، که روح انتقاد ستیزه جویانه آن دوران را تجسم می بخشید، نبود.

یکی از دلایل اصلی محبوبیت "فاوست" این بود که بهترین و اساساً جدیدترین ویژگی های ژانر جوان اپرای غنایی را در آن متمرکز کرد: انتقال مستقیم احساسی و واضح فردی از دنیای درونی قهرمانان اپرا. معنای عمیق فلسفی "فاوست" اثر گوته، که به دنبال آشکار کردن سرنوشت تاریخی و اجتماعی همه بشریت به عنوان مثال درگیری شخصیت های اصلی بود، توسط گونود در قالب درام غنایی انسانی مارگریت و فاوست تجسم یافت. .

آهنگساز، رهبر ارکستر، منتقد موسیقی فرانسوی هکتور برلیوزبه عنوان آهنگساز بزرگ رمانتیک، سازنده سمفونی برنامه، مبتکر در زمینه فرم موسیقی، هارمونی و به ویژه سازها وارد تاریخ موسیقی شد. آنها در کار او تجسم واضحی از ویژگی های ترحم و قهرمانی انقلابی یافتند. برلیوز با ام. گلینکا آشنا بود که از موسیقی او بسیار قدردانی می کرد. او با رهبران «مشت توانا» رابطه دوستانه داشت که با اشتیاق آثار و اصول خلاقانه او را پذیرفتند.

او 5 اثر موزیکال از جمله اپرا خلق کرد. بنونوتو سیلینی ”(1838), “ تروجان ها ”,”بئاتریس و بندیکت"(بر اساس کمدی شکسپیر" هیاهوی زیادی درباره هیچ"، 1862)؛ 23 اثر آوازی و سمفونیک، 31 رمان عاشقانه، گروه کر، او کتاب های "رساله بزرگ در مورد ساز و ارکستراسیون مدرن" (1844)، "شب ها در ارکستر" (1853)، "از طریق ترانه ها" (1862)، "کنجکاوی های موسیقی" را نوشت. " (1859)، "خاطرات" (1870)، مقالات، بررسی.

آلمانی آهنگساز، رهبر ارکستر، نمایشنامه نویس، روزنامه نگار ریچارد واگنردر تاریخ فرهنگ موسیقی جهان به عنوان یکی از بزرگترین پدیدآورندگان موسیقی و اصلاحگران اصلی هنر اپرا ثبت شد. هدف از اصلاحات او ایجاد یک اثر آوازی و سمفونیک برنامه ای ماندگار در قالب نمایشی بود که برای جایگزینی انواع موسیقی اپرا و سمفونیک طراحی شده بود. چنین اثری یک درام موزیکال بود که در آن موسیقی در یک جریان پیوسته جریان دارد و همه پیوندهای نمایشی را با هم ادغام می کند. واگنر پس از رها کردن آواز تمام شده، آنها را با نوعی تلاوت غنی از نظر احساسی جایگزین کرد. جایگاه مهمی در اپراهای واگنر را اپیزودهای ارکسترال مستقل اشغال می کنند که کمک ارزشمندی به موسیقی سمفونیک جهان است.

دست واگنر 13 اپرا دارد: هلندی پرنده (1843)، تانهاوزر (1845)، تریستان و ایزولد (1865)، طلای راین (1869)و غیره.؛ گروه های کر، قطعات پیانو، عاشقانه ها.

یکی دیگر از آهنگسازان برجسته آلمانی، رهبر ارکستر، پیانیست، معلم، چهره موسیقی بود فلیکس مندلسون بارتولدی... در سن 9 سالگی به عنوان نوازنده پیانو شروع به اجرا کرد، در 17 سالگی یکی از شاهکارها را خلق کرد - اورتور کمدی. سی او در یک شب تابستانی است"شکسپیر. در سال 1843 اولین هنرستان را در آلمان در لایپزیگ تأسیس کرد. در اثر مندلسون، «کلاسیک در میان رمانتیک‌ها»، ویژگی‌های رمانتیک با ساختار کلاسیک تفکر ترکیب می‌شود. ویژگی موسیقی او ملودی روشن، دمکراسی بیان، اعتدال احساسات، آرامش فکر، غلبه احساسات روشن، حالات غنایی، بدون لمس جزئی احساسات، بی عیب و نقص فرم ها، و مهارت درخشان است. شومان آن را "موتزارت قرن 19"، G. Heine - "معجزه موسیقی" نامید.

نویسنده سمفونی های عاشقانه منظره ("اسکاتلندی"، "ایتالیایی")، اورتورهای کنسرت برنامه، کنسرتو محبوب ویولن، چرخه قطعات برای پیانو "آهنگ بدون کلام"؛ اپرای "عروسی کاماچو." او موسیقی برای اجرای نمایشی "آنتیگون" (1841)، "ادیپ در کولون" (1845) اثر سوفوکل، "آتالیا" اثر راسین (1845)، "رویای یک شب نیمه تابستان" اثر شکسپیر (1843) نوشت. ) و دیگران؛ oratorios "Paul" (1836)، "Elijah" (1846); 2 کنسرتو برای پیانو و 2 کنسرتو برای ویولن.

V ایتالیاییفرهنگ موسیقی جایگاه ویژه ای به جوزپه وردی تعلق دارد - آهنگساز برجسته، رهبر ارکستر، ارگ نواز. حوزه اصلی کار وردی اپرا است. عمدتاً به عنوان نماینده احساسات قهرمانانه - میهنی و ایده های آزادیبخش ملی مردم ایتالیا عمل کرد. در سال‌های بعد، او به درگیری‌های دراماتیک ناشی از نابرابری اجتماعی، خشونت، ظلم و ستم توجه کرد و شر را در اپراهایش محکوم کرد. ویژگی های بارز کار وردی: ملیت موسیقی، خلق و خوی نمایشی، درخشندگی ملودیک، درک قوانین صحنه.

او 26 اپرا نوشت: نابوکو، مکبث، تروبادور، لا تراویاتا، اتللو، آیدا" و غیره . , 20 عاشقانه، گروه آواز .

جوان نروژی آهنگساز ادوارد گریگ (1843-1907)برای توسعه موسیقی ملی تلاش کرد. این نه تنها در کار او، بلکه در ترویج موسیقی نروژی نیز بیان شد.

گریگ در طول سال‌های اقامت در کپنهاگ، موسیقی زیادی نوشت: عکس های شاعرانه "و "طنز"سونات برای پیانو و اولین سونات ویولن، آهنگ. با هر اثر جدید، تصویر گریگ به عنوان یک آهنگساز نروژی واضح تر می شود. در غزلی لطیف «تصاویر شاعرانه» (1863)، ویژگی‌های ملی هنوز با ترس در حال رخنه کردن هستند. فیگور ریتمیک اغلب در موسیقی محلی نروژ یافت می شود. مشخصه بسیاری از ملودی های گریگ شد.

آثار گریگ گسترده و چندوجهی است. گریگ آثاری در ژانرهای مختلف نوشت. کنسرتو و تصنیف پیانو، سه سونات برای ویولن و پیانو و یک سونات برای ویولن سل و پیانو، کوارتت گواه ولع همیشگی گریگ برای فرم بزرگ است. در همان زمان، علاقه آهنگساز به مینیاتورهای دستگاهی بدون تغییر باقی ماند. به همان اندازه که پیانو، آهنگساز جذب مینیاتور آواز مجلسی شد - عاشقانه، آهنگ. برای گریگ اصلی نباشید، حوزه خلاقیت سمفونیک با شاهکارهایی مانند سوئیت مشخص شده است. هر گونود ”, “از زمان هولبرگ". یکی از انواع بارز کار گریگ، پردازش آهنگ‌ها و رقص‌های محلی است: در قالب قطعات ساده پیانو، یک چرخه سوئیت برای چهار دست پیانو.

زبان موسیقی گریگ متمایز است. فردیت سبک آهنگساز بیش از همه با ارتباط عمیق او با موسیقی محلی نروژ مشخص می شود. گریگ از ویژگی‌های ژانر، ساختار لحنی، فرمول‌های ریتمیک آهنگ‌های محلی و ملودی‌های رقص استفاده گسترده می‌کند.

تسلط چشمگیر در تنوع و توسعه انواع ملودی، مشخصه گریگ، ریشه در سنت های عامیانه تکرار مکرر ملودی با تغییرات آن دارد. من موسیقی محلی کشورم را ضبط کرده ام». در پس این سخنان نگرش محترمانه گریگ نسبت به هنر عامیانه و به رسمیت شناختن نقش تعیین کننده آن برای خلاقیت خود نهفته است.

7. نتیجه

با توجه به مطالب فوق می توان به نتایج زیر دست یافت:

ظهور رمانتیسیسم تحت تأثیر سه رویداد اصلی بود: انقلاب کبیر فرانسه، جنگ های ناپلئونی، ظهور جنبش آزادیبخش ملی در اروپا.

رمانتیسم به عنوان یک روش و جهت در فرهنگ هنری پدیده ای پیچیده و متناقض بود. در هر کشوری، او یک بیان ملی واضح داشت. رمانتیک ها موقعیت های اجتماعی و سیاسی مختلفی در جامعه داشتند. همه آنها علیه نتایج انقلاب بورژوایی شورش کردند، اما آنها به طرق مختلف قیام کردند، زیرا هر یک ایده آل خاص خود را داشتند. اما با وجود همه جانبه‌ها و تنوع‌ها، رمانتیسم ویژگی‌های پایداری دارد:

همه آنها ناشی از انکار روشنگری و قواعد خردگرایانه کلاسیک بود که ابتکار خلاق هنرمند را به بند کشید.

آنها اصل تاریخ گرایی را کشف کردند (روشنگران گذشته را به شیوه ای ضد تاریخ برای آنها "معقول" و "غیر معقول" قضاوت کردند). ما در گذشته شخصیت های انسانی را می دیدیم که بر اساس زمان خود شکل گرفته اند. علاقه به گذشته ملی باعث ایجاد آثار تاریخی زیادی شد.

علاقه به شخصیتی قوی که با تمام دنیای اطرافش مخالفت می کند و فقط به خودش متکی است.

توجه به دنیای درونی انسان.

رمانتیسیسم هم در اروپای غربی و هم در روسیه به طور گسترده توسعه یافت. با این حال، رمانتیسم در روسیه با اروپای غربی به خاطر یک موقعیت تاریخی متفاوت و یک سنت فرهنگی متفاوت متفاوت بود. دلیل واقعی پیدایش رمانتیسم در روسیه جنگ میهنی 1812 بود که در آن تمام قدرت ابتکار مردم آشکار شد.

ویژگی های رمانتیسم روسی:

رمانتیسم با روشنگری مخالفت نکرد. ایدئولوژی آموزشی ضعیف شد، اما مانند اروپا فروپاشید. آرمان یک پادشاه روشن فکر خود را تمام نکرده است.

رمانتیسیسم به موازات کلاسیک گرایی رشد کرد و اغلب با آن در هم آمیخت.

رمانتیسم در روسیه در انواع مختلف هنر به شکل های مختلف خود را نشان داده است. در معماری اصلاً او را نمی خواندند. در نقاشی - تا اواسط قرن نوزدهم خشک شد. این فقط تا حدی خود را در موسیقی نشان داد. شاید فقط در ادبیات رمانتیسیسم به طور مداوم خود را نشان داد.

در هنرهای تجسمی، رمانتیسیسم خود را به وضوح در نقاشی و گرافیک نشان داد، و کمتر در مجسمه سازی و معماری.

رمانتیک ها دنیای روح انسان را می گشایند، فردی، بر خلاف دیگران، اما صمیمانه و در نتیجه نزدیک به تمام بینش های نفسانی جهان. همان‌طور که دلاکروا می‌گوید لحظه‌ای بودن تصویر در نقاشی، و نه سازگاری آن در اجرای ادبی، تمرکز هنرمندان را بر پیچیده‌ترین انتقال حرکت تعیین می‌کند که به خاطر آن راه‌حل‌های رسمی و رنگی جدیدی پیدا می‌شود. رمانتیسم میراثی به نیمه دوم قرن نوزدهم بر جای گذاشت. همه این مشکلات و فردیت هنری، رهایی از قواعد آکادمیک. نمادی که رمانتیک ها باید ترکیب اساسی ایده و زندگی را در هنر نیمه دوم قرن نوزدهم بیان کنند. در چند صدایی تصویر هنری حل می شود و تنوع ایده ها و دنیای اطراف را به تصویر می کشد. رمانتیسم در نقاشی با احساسات گرایی ارتباط تنگاتنگی دارد.

به لطف رمانتیسم، بینش ذهنی شخصی هنرمند شکل یک قانون به خود می گیرد. امپرسیونیسم حصار بین هنرمند و طبیعت را کاملاً از بین خواهد برد و هنر را یک برداشت اعلام می کند. رمانتیک ها در مورد فانتزی هنرمند صحبت می کنند، "صدای احساسات او"، که اجازه می دهد کار را زمانی که استاد لازم بداند متوقف شود، و نه آن گونه که استانداردهای آکادمیک کامل بودن ایجاب می کند.

رمانتیسیسم یک دوره کامل را در فرهنگ هنر جهانی به جا گذاشت، نمایندگان آن عبارت بودند از: در ادبیات روسی ژوکوفسکی، آ. پوشکین، ام. لرمانتوف و غیره. در هنرهای زیبا E. Delacroix، T. Gericault، F. Runge، J. Constable، W. Turner، O. Kiprensky، A. Venetsianov، A. Orlorsky، V. Tropinin و دیگران. در موسیقی اف. شوبرت، آر. واگنر، جی. برلیوز، ن. پاگانینی، اف. لیست، اف. شوپن و دیگران. آنها ژانرهای جدیدی را کشف و توسعه دادند، به سرنوشت انسان توجه زیادی کردند، دیالکتیک را آشکار کردند. خیر و شر، اشتیاق انسانی را با استادی آشکار کرد و غیره.

اشکال هنری از نظر اهمیت کم و بیش برابری کردند و آثار هنری باشکوهی به وجود آوردند، اگرچه رمانتیک های نردبان هنر اولویت را به موسیقی می دادند.

رمانتیسم در روسیه به عنوان برداشتی از جهان در اولین موج خود از اواخر قرن 18 تا 1850 وجود داشت. خط رمانتیک در هنر روسیه در دهه 1850 به پایان نرسید. توسط رمانتیک ها برای هنر باز شد، موضوع وضعیت بعدها در میان هنرمندان "رز آبی" توسعه یافت. وارثان مستقیم رمانتیک ها بدون شک سمبولیست ها بودند. مضامین عاشقانه، انگیزه ها، تکنیک های بیانی وارد هنر سبک های مختلف، گرایش ها، انجمن های خلاقانه شد. نگرش یا جهان بینی عاشقانه یکی از پر جنب و جوش ترین، سرسخت ترین و پربارترین بود.

رمانتیسیسم به عنوان یک نگرش کلی، مشخصه عمدتاً جوانان، به عنوان تلاش برای آزادی ایده آل و خلاقانه، هنوز هم به طور مداوم در هنر جهان زندگی می کند.

8. مراجع

1. آممینسکایا A.M. الکسی گاوریلوویچ ونتسیانوف. - م: دانش، 1980

2. آتسارینا ای.ن. الکسدر اوسیپوویچ اورلوفسکی. - م: هنر، 1971.

3. بلینسکی وی.جی. ترکیبات. A. پوشکین. - م: 1976.

4. دایره المعارف بزرگ شوروی (سردبیر A. Prokhorov).- م: دایره المعارف شوروی، 1977.

5. واینکوپ ی.، گوسین آی. فرهنگ مختصر بیوگرافی آهنگسازان. - ل: موسیقی، 1983.

6. واسیلی آندریویچ تروپین (ویرایش توسط M.M. Rakovskaya)... - م: هنرهای زیبا، 1982.

7. Vorotnikov A.A.، Gorshkovoz O.D.، Yorkina O.A. تاریخ هنر. - من: ادبیات، 1997.

8. زیمنکو وی. الکساندر اوسیپوفچ اورلوفسکی. - م: انتشارات دولتی هنرهای زیبا، 1951.

9. ایوانف S.V. M.Yu. Lermontov. زندگی و خلقت. - م: 1989.

10. ادبیات موسیقی کشورهای خارجی (به سردبیری B. Levik).- م: موسیقی، 1984.

11. E.A. Nekrasova ترنر. - م: هنرهای زیبا، 1976.

12. اوژگوف S.I. فرهنگ لغت زبان روسی. - م: انتشارات دولتی لغت نامه های خارجی و روسی، 1953.

13. اورلووا ام. جی. پاسبان. - م: هنر، 1946.

14. هنرمندان روسی. A.G. Venetsianov. - م: انتشارات دولتی هنرهای زیبا، 1963.

15. سوکولوف A.N. تاریخ ادبیات روسیه قرن نوزدهم (نیمه 1). - م: دبیرستان، 1976.

16. تورچین V.S. اورست کیپرنسکی. - م: دانش، 1982.

17. تورچین V.S. تئودور جریکولت. - م: هنرهای زیبا، 1982.

18. فیلیمونوا اس.و. تاریخ فرهنگ هنر جهان - مزیر: باد سفید، 1376.

رمانتیسم در هنرهای تجسمی به شدت بر ایده های فیلسوفان و نویسندگان متکی بود. در نقاشی، مانند سایر اشکال هنر، رمانتیک ها مجذوب همه چیز غیرعادی و ناشناخته بودند، خواه کشورهای دوردست با آداب و رسوم و لباس های عجیب و غریبشان (دلاکروا)، دنیای بینش های عرفانی (بلیک، فردریک، پیش رافائل) و رویاهای جادویی. (Runge) یا ناخودآگاه اعماق تاریک (Goya, Füsli). میراث هنری گذشته منبع الهام بسیاری از هنرمندان شد: شرق باستان، قرون وسطی و رنسانس اولیه (نازاری، پیش رافائلی).

برخلاف کلاسیک گرایی، که قدرت روشن عقل را تعالی می بخشید، رمانتیک ها احساسات پرشور و طوفانی را سرودند که کل فرد را تسخیر می کند. اولین پاسخ به روندهای جدید پرتره و منظره است که در حال تبدیل شدن به ژانرهای مورد علاقه نقاشی رمانتیک هستند.

شکوفا شدن ژانر پرتره با علاقه رمانتیک ها به فردیت درخشان انسانی، زیبایی و ثروت دنیای معنوی او همراه بود. زندگی روح انسان در یک پرتره عاشقانه بر علاقه به زیبایی ظاهری، در شکل پذیری حسی تصویر غالب است.

یک پرتره عاشقانه (دلاکروآ، جریکال، رانژ، گویا) همیشه منحصر به فرد بودن هر فرد را نشان می دهد، پویایی، ضربان شدید زندگی درونی، اشتیاق سرکش را منتقل می کند.

رمانتیک ها نیز به تراژدی یک روح شکسته علاقه دارند: قهرمانان آثار اغلب بیماران روانی هستند (جریکول "دیوانه که از اعتیاد به قمار رنج می برد" ، "دزد کودکان" ، "دیوانه که خود را فرمانده تصور می کند" ).

چشم انداز رمانتیک ها آن را تجسم روح جهان می دانند. طبیعت، مانند روح انسان، در پویایی، تغییر مداوم ظاهر می شود. مناظر منظم و نجیب شده مشخصه کلاسیک با تصاویری از طبیعت خودانگیخته، سرکش، قدرتمند و همیشه در حال تغییر جایگزین شد که مطابق با سردرگمی احساسات قهرمانان رمانتیک است. رمانتیک ها به خصوص عاشق نوشتن طوفان ها، رعد و برق ها، فوران های آتشفشانی، زلزله ها، کشتی های غرق شده بودند که می تواند تأثیر عاطفی شدیدی بر بیننده داشته باشد (گریکولت، فردریش، ترنر).

شاعرانه شدن ویژگی شب رمانتیسیسم - دنیایی عجیب و سورئال که طبق قوانین خود زندگی می کند - منجر به شکوفایی "ژانر شب" شد که در نقاشی رمانتیک به ویژه در میان هنرمندان آلمانی در حال تبدیل شدن به محبوبیت است.

یکی از اولین کشورهایی که رمانتیسم در هنرهای تجسمی آن شکل گرفتآلمان .

خلاقیت تأثیر قابل توجهی در توسعه ژانر منظره رمانتیک داشتکاسپار دیوید فردریش (1774-1840). میراث هنری آن تحت سلطه مناظری است که قله‌های کوه، جنگل‌ها، دریا، ساحل دریا، و همچنین ویرانه‌های کلیساهای قدیمی، صومعه‌های متروکه، صومعه‌ها ("صلیب در کوه"، "کلیسای جامع"، "ابی در میان درختان بلوط" را به تصویر می‌کشد. "). آنها معمولاً از آگاهی از دست دادن غم انگیز یک شخص در جهان احساس غم و اندوه تغییر ناپذیری دارند.

این هنرمند آن حالت های طبیعت را که بیشتر با درک رمانتیک آن مطابقت دارد دوست داشت: صبح زود، غروب غروب خورشید، طلوع ماه ("دو نفر در حال تفکر در ماه"، "قبرستان صومعه"، "منظره با رنگین کمان"، "طلوع ماه بر فراز دریا"، " سنگ های گچی در جزیره روگن "، در یک قایق بادبانی "، بندرگاه در شب ").

شخصیت های ثابت آثار او رویاپردازانی تنها و غوطه ور در تعمق در طبیعت هستند. با نگاهی به فواصل بی‌پایان و ارتفاعات بی‌پایان، به اسرار ابدی هستی می‌پیوندند، به دنیای شگفت‌انگیز رویاها می‌روند. فردریک این دنیای شگفت انگیز را با کمک نور درخشان جادویی منتقل می کند- تابش خورشیدی یا قمری مرموز.

کار فردریک تحسین معاصرانش از جمله من را برانگیخت.دبلیو گوته و وی. ژوکوفسکی، به لطف او بسیاری از نقاشی های او توسط روسیه به دست آمد.

نقاش، گرافیست، شاعر و نظریه پرداز هنرفیلیپ اتو رانج (1777-1810) عمدتاً خود را وقف ژانر پرتره کرد. او در آثار خود، تصاویر مردم عادی، اغلب - از عزیزانش را شاعرانه می کرد ("ما سه نفریم" - خودنگاره ای با عروس و برادر، باقی نمانده است؛ "فرزندان خانواده هولسنبک"، "پرتره از والدین هنرمند، "خود پرتره"). دینداری عمیق رونگ در نقاشی هایی مانند "مسیح در ساحل دریاچه طبریا" و "آرامش در پرواز به مصر" (تمام نشده) بیان شد. این هنرمند تاملات خود را در مورد هنر در رساله نظری "کره رنگ" خلاصه کرد.

میل به احیای مبانی مذهبی و اخلاقی در هنر آلمان با فعالیت خلاقانه هنرمندان همراه است مدرسه ناصری (اف. اووربک، فون کارلسفلد،L. Vogel، I. Gottinger، J. Zutter،P. von Cornelius). ناصری ها که در نوعی برادری دینی ("اتحاد سنت لوقا") متحد شدند، به الگوی جامعه رهبانی در رم زندگی می کردند و در موضوعات مذهبی نقاشی می کشیدند. آنها نقاشی ایتالیایی و آلمانی را الگویی برای جستجوهای خلاقانه خود می دانستند.چهاردهم - Xvقرن ها (پروژینو، رافائل اولیه، ا.دورر، اچ. هالبین جوان، ال.کراناچ). در نقاشی "پیروزی دین در هنر" اوربک مستقیماً از "مدرسه آتن" رافائل تقلید می کند و کورنلیوس در "سواران آخرالزمان" - حکاکی به همین نام توسط دورر.

اعضای اخوان فضیلت اصلی این هنرمند را خلوص معنوی و ایمان خالصانه می دانستند و معتقد بودند که "تنها کتاب مقدس رافائل را یک نابغه ساخته است". آنها با داشتن یک زندگی منزوی در سلول های یک صومعه متروک، خدمات خود را به هنر در دسته خدمات معنوی ارتقا دادند.

"نازاری ها" به سمت اشکال بزرگ یادبود جذب شدند و سعی کردند با کمک تکنیک تازه احیا شده فرسکو، آرمان های عالی را تجسم بخشند. برخی از نقاشی های دیواری توسط آنها با هم اجرا شده است.

در دهه‌های 1820 و 30، اعضای اخوان عازم آلمان شدند و مناصب رهبری را در آکادمی‌های هنری مختلف دریافت کردند. فقط اوربیک تا زمان مرگش در ایتالیا زندگی کرد، بدون اینکه به اصول هنری خود خیانت کند. بهترین سنت های "نازاری ها" برای مدت طولانی در نقاشی تاریخی حفظ شد. جستجوی ایدئولوژیک و اخلاقی آنها بر پیشرافائلیت های انگلیسی و همچنین آثار استادانی مانند شویند و اسپیتزوگ تأثیر گذاشت.

موریتز شویند (1804-1871)، اتریشی الاصل، در مونیخ کار می کرد. او در آثار سه‌قلوی عمدتاً سیما و زندگی شهرهای قدیمی استانی آلمان را با ساکنانشان به تصویر می‌کشد. این کار با شعر و غزل عالی، با عشق به قهرمانانشان انجام می شود.

کارل اسپیتزوگ (1808-1885) - نقاش مونیخی، گرافیست، نقشه کش درخشان، کاریکاتوریست، همچنین نه بدون احساسات، اما با طنز عالی در مورد زندگی شهری می گوید ("شاعر فقیر"، "قهوه صبح").

Schwind و Spitzweg معمولاً با یک گرایش فرهنگی در آلمان به نام Biedermeier مرتبط هستند.بیدرمایر - این یکی از محبوب ترین سبک های عصر (عمدتا در زمینه زندگی روزمره، بلکه در هنر) است. ... او بورگرها را به منصه ظهور رساند، یک مرد معمولی در خیابان. موضوع اصلی نقاشی Biedermeier زندگی روزمره یک فرد است که به طور ناگسستنی با خانه و خانواده او پیوند خورده است. علاقه بیدرمایر نه به گذشته، بلکه به زمان حال، نه به بزرگ، بلکه به کوچک، به شکل گیری یک روند واقع گرایانه در نقاشی کمک کرد.

مدرسه رمانتیک فرانسوی

منسجم ترین مکتب رمانتیسم در نقاشی در فرانسه شکل گرفته است. این به عنوان مخالفت با کلاسیک گرایی به وجود آمد که به آکادمیک گرایی سرد و منطقی تنزل یافت و استادان بزرگی را مطرح کرد که تأثیر مسلط مکتب فرانسوی را در سراسر قرن نوزدهم تعیین کردند.

نقاشان رمانتیک فرانسوی به سمت طرح‌هایی پر از درام و ترحم، تنش درونی، به دور از «زندگی روزمره کسل‌کننده» گرایش داشتند. آنها با تجسم آنها وسایل تصویری و بیانی را اصلاح کردند:

اولین موفقیت های درخشان رمانتیسم در نقاشی فرانسوی با این نام مرتبط استتئودور جریکولت (1791-1824)، که زودتر از دیگران، توانست احساسی کاملاً عاشقانه از درگیری در جهان را بیان کند. از هم اکنون در اولین آثار او می توان تمایل به نمایش وقایع دراماتیک زمان ما را مشاهده کرد. به عنوان مثال، نقاشی‌های «افسر تفنگداران سواره که به حمله می‌روند» و «کویراسیه زخمی» بازتاب عاشقانه دوران ناپلئون بودند.

نقاشی ژریکولت "کلک مدوسا" که به یک رویداد اخیر در زندگی مدرن - غرق شدن یک کشتی مسافربری به دلیل تقصیر شرکت کشتیرانی اختصاص یافته بود، طنین بسیار زیادی داشت. ... Gericault یک بوم غول پیکر به ابعاد 7 × 5 متر خلق کرد که روی آن لحظه ای را به تصویر کشید که مردم در آستانه مرگ یک کشتی نجات را در افق دیدند. تنش شدید با یک طرح رنگی خشن و غم انگیز، یک ترکیب مورب تأکید می شود. این نقاشی به نمادی از فرانسه مدرن جریکول تبدیل شد، که مانند مردمی که از یک کشتی غرق شده فرار می کنند، هم امید و هم ناامیدی را تجربه می کند.

این هنرمند موضوع آخرین نقاشی بزرگ خود را پیدا کرد - "مسابقه اسب دوانی در اپسوم" در انگلستان. این اسب‌ها را در حال پرواز مانند پرندگان به تصویر می‌کشد (تصویر مورد علاقه Gericault که در نوجوانی سوارکاری عالی شد). احساس تند با تکنیک خاصی تقویت می شود: اسب ها و جوکی ها بسیار با دقت نوشته شده اند و پس زمینه گسترده است.

پس از مرگ جرکو (او به طرز غم انگیزی در اوج قدرت و استعداد خود درگذشت)، دوست جوان او رئیس شناخته شده رمانتیک های فرانسوی شد.یوجین دلاکروا (1798-1863). دلاکروا بسیار با استعداد بود، استعداد موسیقی و ادبی داشت. خاطرات او، مقالاتی درباره هنرمندان جالب ترین اسناد آن دوران است. مطالعات نظری او در مورد قوانین رنگ تأثیر شگرفی بر امپرسیونیست های آینده و به ویژه بر وی. ون گوگ گذاشت.

اولین تصویر دلاکروا که برای او شهرت به ارمغان آورد - "دانته و ویرژیل" ("قایق دانته") که در طرح "کمدی الهی" نوشته شده است. او معاصران خود را با ترحم پرشور، قدرت رنگ تیره شگفت زده کرد.

اوج کار این هنرمند "آزادی بر روی موانع" ("آزادی رهبری مردم") بود. قابل اعتماد بودن یک واقعیت واقعی (تصویر در بحبوحه انقلاب ژوئیه 1830 در فرانسه ایجاد شده است) در اینجا با رویای عاشقانه آزادی و نمادگرایی تصاویر ادغام می شود. زن جوان زیبا به نماد فرانسه انقلابی تبدیل می شود.

نقاشی قبلی "قتل عام در خیوس" که به مبارزه مردم یونان علیه حاکمیت ترکیه اختصاص یافته بود نیز پاسخی به رویدادهای مدرن بود. .

دلاکروا پس از بازدید از مراکش، دنیای عجیب و غریب شرق عرب را کشف کرد که نقاشی ها و طرح های زیادی را به آن اختصاص داد. در «زنان الجزایری» جهان حرمسرای مسلمانان برای اولین بار در برابر تماشاگران اروپایی ظاهر شد.

این هنرمند همچنین یک سری پرتره از نمایندگان روشنفکر خلاق که بسیاری از آنها دوستان او بودند (پرتره های N. Paganini، F. Chopin، G. Berlioz و غیره) خلق کرد.

در اواخر دوره کار خود، دلاکروا به سمت موضوعات تاریخی گرایش پیدا کرد، به عنوان یک یادگار نویس (نقاشی در مجلس نمایندگان، سنا) و به عنوان یک گرافیست (تصویرگری برای آثار شکسپیر، گوته، بایرون) کار کرد.

نام نقاشان انگلیسی دوران رمانتیک - R. Benington، J. Constable، W. Ternera - با ژانر منظره مرتبط است. در این زمینه، آنها واقعاً صفحه جدیدی را باز کردند: طبیعت بومی آنها بازتاب گسترده و دوست داشتنی در کار آنها یافت که در آن زمان هیچ کشور دیگری نمی شناخت.

جان کنستبل (1776-1837) یکی از اولین کسانی بود که در تاریخ منظر اروپایی طرح هایی را به طور کامل از طبیعت ترسیم کرد و به مشاهده مستقیم طبیعت روی آورد. نقاشی‌های او از نظر انگیزه ساده هستند: روستاها، مزارع، کلیساها، نواری از رودخانه یا ساحل دریا: "گاری یونجه"، دره دثام، "کلیسای جامع سالزبری از باغ اسقف". آثار پاسبان به عنوان انگیزه ای برای توسعه منظره ای واقع گرایانه در فرانسه عمل کرد.

ویلیام ترنر (1775-1851) - نقاش دریایی ... او توسط دریای طوفانی، باران، رعد و برق، سیل، گردباد جذب شد: "آخرین سفر کشتی" شجاع"، رعد و برق بر فراز پیاتزتا. جست‌وجوهای رنگارنگی جسورانه، جلوه‌های نوری کمیاب، گاهی نقاشی‌های او را به منظره‌های خیالی درخشان تبدیل می‌کنند: «آتش پارلمان لندن»، «طوفان برفی». کشتی بخار بندر را ترک می کند و هنگامی که در آب کم عمق قرار می گیرد سیگنال های ناراحتی می دهد. .

ترنر دارای اولین تصویر در نقاشی یک لوکوموتیو بخار است که روی ریل در حال حرکت است - نماد صنعتی شدن. در Rain, Steam and Speed، یک لوکوموتیو بخار در امتداد تیمز از میان باران مه آلود حرکت می کند. به نظر می رسد همه اشیاء مادی در یک تصویر سراب ادغام می شوند که کاملاً حس سرعت را منتقل می کند.

مطالعه منحصر به فرد ترنر در مورد جلوه های نور و رنگ تا حد زیادی اکتشافات نقاشان امپرسیونیست فرانسوی را پیش بینی کرد.

در سال 1848 در انگلستان وجود داشتاخوان پیش از رافائل (از لات. prae - "پیش از" و رافائل) که هنرمندانی را که جامعه معاصر و هنر مکتب آکادمیک را قبول ندارند متحد می کند. آنها ایده آل خود را در هنر قرون وسطی و اوایل رنسانس (از این رو نام) می دیدند. اعضای اصلی اخوان هستندویلیام هولمن هانت، جان اورت میلز، دانته گابریل روستی. این هنرمندان در کارهای اولیه خود به جای امضا از علامت اختصاری PB استفاده می کردند. .

با رمانتیک ها، پیش رافائلی ها با عشق به دوران باستان ارتباط داشتند. آنها به موضوعات کتاب مقدس ("نور جهان" و "شوپان بی وفا" اثر دبلیو اچ هانت، "کودکی مریم" و "بشارت" توسط دی جی روزتی)، صحنه هایی از تاریخ قرون وسطی و نمایشنامه های دبلیو. شکسپیر ("افلیا" نوشته میلز).

پیش رافائل‌ها برای اینکه پیکرها و اشیاء انسان را در اندازه واقعی خود نقاشی کنند، اندازه بوم‌ها را افزایش دادند و طرح‌های منظره‌ای را از طبیعت ساختند. شخصیت های نقاشی هایشان در میان افراد واقعی نمونه های اولیه داشتند. به عنوان مثال، DG Rossetti تقریباً در تمام آثار خود، الیزابت سیدال محبوب خود را به تصویر کشید، و مانند یک شوالیه قرون وسطایی، همچنان به معشوق خود وفادار ماند، حتی پس از مرگ نابهنگام او (لباس ابریشم آبی، 1866).

ایدئولوگ پیشا رافائل بودجان راسکین (1819-1900) - نویسنده انگلیسی، منتقد هنری و نظریه پرداز هنر، نویسنده مجموعه معروف کتاب "هنرمندان معاصر".

آثار پیش رافائل‌ها به‌طور چشمگیری بر بسیاری از هنرمندان تأثیر گذاشت و به پیش‌نمایش نمادگرایی در ادبیات (W. Pater، O. Wilde) و هنرهای تجسمی (O. Beardsley، G. Moreau و غیره) تبدیل شد.

نام مستعار "ناصری" ممکن است از نام شهر ناصره در جلیل، جایی که عیسی مسیح در آن متولد شد، گرفته شده باشد. بر اساس نسخه دیگری، آن را با قیاس با نام جامعه مذهبی عبری ناصریان بوجود آمد. همچنین ممکن است نام این گروه از نام سنتی مدل مو "Alla Nazarena" گرفته شده باشد، که در قرون وسطی رایج بود و از خودنگاره A. Dürer شناخته شده بود: نحوه پوشیدن موهای بلند، جدا شده در وسط توسط یک جدایی، توسط Overbeck دوباره معرفی شد.

بیدرمایر(به آلمانی «شجاع مایر»، فیلیسین) نام خانوادگی یک شخصیت خیالی از مجموعه شعر شاعر آلمانی لودویگ آیکرود است. آیکرود یک تقلید از یک شخص واقعی ایجاد کرد - ساموئل فردریش ساتر، معلم قدیمی که شعر ساده لوحانه می نوشت. آیکرود در کاریکاتور خود بر بدوی بودن تفکر بیدرمایر که به نوعی نماد تقلید آمیز آن دوران تبدیل شد، تأکید کرد.ضربه های قلم موی گسترده ای از رنگ های سیاه، قهوه ای و مایل به سبز، خشم طوفان را منتقل می کند. نگاه بیننده انگار در مرکز یک گرداب است، کشتی انگار بازیچه امواج و باد است.

رمانتیسم در نقاشی یک گرایش فلسفی و فرهنگی در هنر اروپا و آمریکا در اواخر قرن 18 - نیمه اول قرن 19 است. احساسات گرایی در ادبیات آلمان، زادگاه رمانتیسم، به عنوان پایه ای برای توسعه این سبک عمل کرد. این جهت در روسیه، فرانسه، انگلستان، اسپانیا و سایر کشورهای اروپایی توسعه یافت.

تاریخ

علی‌رغم تلاش‌های اولیه پیشگامان ال گرکو، الشایمر ​​و کلود لورن، سبکی که ما به‌عنوان رمانتیسیسم می‌شناسیم تقریباً تا پایان قرن هجدهم، زمانی که عنصر قهرمان نئوکلاسیک نقش عمده‌ای در هنر آن زمان ایفا کرد، شتاب پیدا نکرد. نقاشی ها شروع به بازتاب ایده آل قهرمانانه-عاشقانه بر اساس رمان های آن زمان کردند. این عنصر قهرمانانه، همراه با ایده آلیسم انقلابی، احساساتی بودن، در نتیجه انقلاب فرانسه به عنوان واکنشی در برابر هنر آکادمیک محدود ظاهر شد.

پس از انقلاب فرانسه در سال 1789، تغییرات اجتماعی قابل توجهی در طی چندین سال رخ داد. اروپا با بحران های سیاسی، انقلاب ها و جنگ ها تکان خورده است. هنگامی که رهبران در کنگره وین برای بررسی طرحی برای سازماندهی مجدد امور اروپا پس از جنگ های ناپلئونی گرد هم آمدند، روشن شد که امیدهای مردم برای آزادی و برابری محقق نشده است. با این وجود، در طول این 25 سال، ایده های جدیدی شکل گرفت که در ذهن مردم فرانسه، اسپانیا، روسیه، آلمان ریشه دوانید.

احترام به فرد، که قبلاً یک عنصر کلیدی در نقاشی نئوکلاسیک بود، توسعه یافت و ریشه دوانید. نقاشی های هنرمندان به دلیل احساساتی بودن، حسی بودن در انتقال تصویر فرد متمایز بود. در اوایل قرن 19، سبک های مختلف شروع به نشان دادن ویژگی های رمانتیسیسم کردند.

اهداف

اصول و اهداف رمانتیسم عبارت بودند از:

• بازگشت به طبیعت - نمونه ای از آن تاکید بر خودانگیختگی در نقاشی است که نقاشی ها نشان می دهد.
• اعتقاد به مهربانی انسانیت و بهترین صفات فردی؛
• عدالت برای همه - این ایده در روسیه، فرانسه، اسپانیا، انگلستان گسترده بود.

اعتقاد راسخ به قدرت احساسات و عواطف حاکم بر ذهن و عقل.

ویژگی های خاص

ویژگی های بارز سبک:

1. ایده آل سازی گذشته، تسلط مضامین اساطیری به خط پیشرو در خلاقیت قرن 19 تبدیل شد.
2. رد عقل گرایی و جزم گرایی های گذشته.
3. افزایش بیان از طریق بازی نور و رنگ.
4. تصاویر، دیدگاهی غنایی از جهان را منتقل می کردند.
5. افزایش علاقه به موضوعات قومیتی.

نقاشان و مجسمه سازان رمانتیک تمایل دارند در مقابل محدودیت ها و ارزش های جهانی ترویج شده توسط هنر نئوکلاسیک، واکنشی احساسی به زندگی شخصی خود بیان کنند. قرن نوزدهم آغاز توسعه رمانتیسیسم و ​​معماری بود، همانطور که توسط ساختمان های نفیس ویکتوریایی گواه است.

نمایندگان اصلی

در میان بزرگترین نقاشان رمانتیک قرن نوزدهم نمایندگانی مانند آی. فوسلی، فرانسیسکو گویا، کاسپار دیوید فردریش، جان کنستبل، تئودور جریکولت، یوجین دلاکروا بودند. هنر رمانتیک جایگزین سبک نئوکلاسیک نشد، بلکه به عنوان تعادلی در برابر جزم اندیشی و سختگیری سبک دوم عمل کرد.

رمانتیسم در نقاشی روسی با آثار V. Tropinin، I. Aivazovsky، K. Bryullov، O. Kiprensky نشان داده شده است. نقاشان روسی سعی کردند تا جایی که ممکن است طبیعت را به صورت احساسی منتقل کنند.
ژانر مورد علاقه در بین رمانتیک ها منظره بود. طبیعت به عنوان آینه روح در نظر گرفته می شد، در آلمان نیز به عنوان نماد آزادی و بی حد و حصر دیده می شود. هنرمندان تصاویری از مردم را در پس زمینه حومه یا شهری، دریا قرار می دهند. در رمانتیسم در روسیه، فرانسه، اسپانیا، آلمان، تصویر یک شخص غالب نیست، بلکه تکمیل کننده طرح تصویر است.

نقوش محبوب وانیتاس شامل درختان مرده و ویرانه های بیش از حد رشد شده است که نمادی از گذرا و طبیعت متناهی زندگی است. نقوش مشابه پیش از این در هنر باروک اتفاق افتاده بود: هنرمندان آثاری با نور و پرسپکتیو در نقاشی‌های مشابه را از نقاشان باروک قرض گرفتند.

اهداف رمانتیسم: هنرمند دیدگاهی ذهنی از جهان عینی را نشان می‌دهد و تصویری را نشان می‌دهد که از درون احساسات خود فیلتر شده است.

در کشورهای مختلف

رمانتیسم آلمانی قرن 19 (1800 - 1850)

در آلمان، نسل جوان هنرمندان با فرآیندی از درون نگری به زمان در حال تغییر واکنش نشان دادند: آنها به دنیای احساسات عقب نشینی کردند، آنها از آرزوهای عاطفی برای آرمان های گذشته الهام گرفتند، در درجه اول دوران قرون وسطی، که اکنون به عنوان دیده می شود. زمانی که مردم در هماهنگی با خود و جهان زندگی می کردند. در این زمینه، نقاشی های شینکل، مانند کلیسای جامع گوتیک روی آب، معرف و مشخصه آن دوره است.

هنرمندان رمانتیک در جذابیت خود به گذشته بسیار به نئوکلاسیک ها نزدیک بودند، با این تفاوت که تاریخ گرایی آنها جزم های خردگرایانه نئوکلاسیک را مورد انتقاد قرار می داد. هنرمندان نئوکلاسیک چنین وظایفی را تعیین کردند: آنها به گذشته نگاه کردند تا غیرمنطقی و احساساتی بودن خود را توجیه کنند، سنت های آکادمیک هنر را در انتقال واقعیت حفظ کردند.

رمانتیسیسم اسپانیایی قرن 19 (1810 - 1830)

فرانسیسکو دی گویا رهبر بلامنازع جنبش هنر رمانتیک در اسپانیا بود، نقاشی های او ویژگی های مشخصی را نشان می دهد: تمایل به غیرمنطقی، فانتزی، احساسات. در سال 1789، او نقاش رسمی دربار سلطنتی اسپانیا شد.

در سال 1814، به افتخار قیام اسپانیایی ها علیه نیروهای فرانسوی در پوئرتا دل سول، مادرید، و تیراندازی به اسپانیایی های غیرمسلح مشکوک به همدستی، گویا یکی از بزرگترین شاهکارهای خود، 3 می را خلق کرد. آثار قابل توجه: «فجایع جنگ»، «کاپریچوس»، «ماجا برهنه».

رمانتیسیسم فرانسوی قرن 19 (1815 - 1850)

پس از جنگ های ناپلئونی، جمهوری فرانسه دوباره به سلطنت تبدیل شد. این منجر به رونق عظیم رمانتیسیسم شد، که تا به حال به دلیل تسلط نئوکلاسیک ها مهار شده است. نقاشان فرانسوی دوران رمانتیک خود را به ژانر منظره محدود نکردند، آنها در ژانر هنر پرتره کار کردند. برجسته ترین نمایندگان سبک E. Delacroix و T. Gericault هستند.

رمانتیسم در انگلستان (1820 - 1850)

نظریه پرداز و برجسته ترین نماینده این سبک، آی فسلی بود.
جان کنستبل به سنت رمانتیسیسم انگلیسی تعلق داشت. این سنت در جستجوی تعادل بین حساسیت عمیق به طبیعت و پیشرفت در علم نقاشی و طراحی بوده است. پاسبان ترسیم جزمی طبیعت را رها کرد، نقاشی ها به لطف استفاده از لکه های رنگی برای انتقال واقعیت قابل تشخیص هستند، که کار پاسبان را به هنر امپرسیونیسم نزدیک می کند.

نقاشی های ویلیام ترنر، یکی از بزرگترین نقاشان رمانتیسیسم انگلیسی، ولع تماشای طبیعت را به عنوان یکی از عناصر خلاقیت منعکس می کند. حال و هوای نقاشی‌های او نه تنها با آنچه که او به تصویر کشیده است، بلکه با روشی که هنرمند رنگ و دیدگاه را منتقل می‌کند، ایجاد می‌شود.

اهمیت در هنر

سبک رمانتیک نقاشی قرن نوزدهم و ویژگی‌های خاص آن باعث پیدایش مکاتب متعددی شد، مانند: مدرسه باربیزون، مناظر طبیعی، مدرسه نقاشان نورویچ. رمانتیسم در نقاشی بر توسعه زیبایی شناسی و نمادگرایی تأثیر گذاشت. تأثیرگذارترین نقاشان جنبش پیش رافائلی را خلق کردند. در روسیه و کشورهای اروپای غربی، رمانتیسیسم بر توسعه آوانگارد و امپرسیونیسم تأثیر گذاشت.

در آغاز قرن 18 و 19، فرهنگ اروپایی و از جمله آمریکایی تولدی را تجربه کرد که کاملاً متفاوت از دوره اندیشه و فلسفه روشنگری - مرحله رمانتیسم - بود. رمانتیسم با نفوذ تدریجی از آلمان به فرهنگ و هنر انگلستان، فرانسه، روسیه و دیگر کشورهای اروپایی، دنیای هنری را با رنگ‌ها، خطوط داستانی و شجاعت برهنگی جدید غنی کرد.

نام روند جدید از درهم آمیختگی نزدیک چندین معنی از کلمات یک صدا از کشورهای مختلف - رمانتیسم (فرانسه)، عاشقانه (اسپانیا)، رمانتیک (انگلیس) متولد شد. متعاقباً، نام این گرایش ریشه دوانید و به عنوان رمانتیک به روزهای ما رسید - چیزی بسیار عجیب، فوق العاده زیبا، که فقط در کتاب ها وجود دارد، اما نه در واقعیت.

ویژگی های عمومی

رمانتیسیسم جایگزین دوران روشنگری و مصادف با انقلاب صنعتی می شود که با ظهور ماشین بخار، لوکوموتیو بخار، قایق بخار، عکاسی و حومه کارخانه مشخص شده است. اگر مشخصه روشنگری کیش عقل و تمدن مبتنی بر اصول آن باشد، رمانتیسیسم کیش طبیعت، احساسات و امر طبیعی را در انسان مطرح می کند.

در دوران رمانتیسم بود که پدیده های گردشگری، کوهنوردی و پیک نیک شکل گرفت که برای بازگرداندن وحدت انسان و طبیعت طراحی شده بود. تصویر یک "وحشی نجیب" مسلح به "خرد عامیانه" که توسط تمدن خراب نشده است مورد تقاضا است. یعنی رمانتیک ها می خواستند در شرایط غیرعادی یک فرد غیرعادی را نشان دهند. به طور خلاصه، رمانتیست ها با تمدن مترقی مخالف بودند.

رمانتیسم در نقاشی

عمق تجارب و افکار شخصی خود آن چیزی است که نقاشان از طریق تصویر هنری خود که با کمک رنگ، ترکیب بندی و لهجه ساخته شده است، منتقل می کنند. کشورهای مختلف اروپایی ویژگی های خاص خود را در تفسیر تصویر عاشقانه داشتند. همه اینها با روند فلسفی و همچنین وضعیت اجتماعی-سیاسی مرتبط است که هنر تنها پاسخ زنده به آن بود. نقاشی نیز از این قاعده مستثنی نبود.

آلمان در آن زمان به دوک نشین ها و شاه نشین های کوچک تقسیم شد و تحولات شدید عمومی را تجربه کرد. نقاشان قهرمان تایتان ها را به تصویر نمی کشیدند، بوم های یادبودی نمی ساختند؛ در این مورد، دنیای معنوی عمیق یک فرد، جستجوی اخلاقی، عظمت و زیبایی او شور و شوق را برانگیخت. بنابراین، رمانتیسم در نقاشی آلمانی تا حد زیادی در مناظر و پرتره ارائه می شود.

استاندارد سنتی این ژانر آثار اتو رانج است. در پرتره‌های این نقاش، با پرداختن به چهره و چشم‌ها، از طریق تضاد سایه و نور، غیرت هنرمند برای نشان دادن ماهیت متناقض شخصیت، عمق و قدرت احساس آن منتقل می‌شود. به لطف چشم انداز، تصویری اغراق آمیز و تا حدی شگفت انگیز از درختان، پرندگان و گل ها. اتو رانگ همچنین سعی کرد تطبیق پذیری شخصیت انسان، شباهت آن با طبیعت، ناشناس و متفاوت را کشف کند.

سلف پرتره "ما سه نفر"، 1805، فیلیپ اتو رانگ

در فرانسه، رمانتیسیسم در نقاشی بر اساس اصول مختلف توسعه یافت. زندگی اجتماعی طوفانی و نیز تحولات انقلابی در نقاشی با جاذبه نقاشان برای به تصویر کشیدن موضوعات نفس گیر و تاریخی، همچنین با هیجان و ترحم «عصبی» که با تضاد رنگی خیره کننده، برخی هرج و مرج، بیان حرکات به دست می آمد، تجلی می یابد. و همچنین خودانگیختگی ترکیبات.

در آثار T. Gericault، ایده های رمانتیک به وضوح ارائه شده است. نقاش با استفاده حرفه ای از نور و رنگ، عمق تپنده ای از احساسات خلق کرد و انگیزه ای عالی برای آزادی و مبارزه را به تصویر کشید.

دربی در اپسوم، 1821، تئودور جریکولت

"افسر تکاوران اسب گارد امپراتوری، در حال حمله به حمله"، 1812

دوران رمانتیسم نیز بازتاب خود را در بوم‌های هنرمندانی یافت که ترس‌ها، انگیزه‌ها، عشق و نفرت درونی را در تضادهای روشنی از نور، سایه و نیم‌تن‌ها آشکار می‌کردند. بدن‌های سفید رنگ GI Fuesli همراه با فانتاسماگوریای هیولاهای خیالی، بدن‌های لمس برهنه زن E. Delacroix در پس زمینه آوار و دود غم‌انگیز، تصاویری که با قدرت جادویی قلم مو نقاش اسپانیایی F. Goya نقاشی شده‌اند. طراوت آرامش و تاریکی طوفان I. Aivazovsky - از اعماق قرون گوتیک و رنسانس به سطح چیزی که قبلاً به طرز ماهرانه ای توسط قوانین عمومی پذیرفته شده پوشانده شده بود کشیده شد.

کابوس، 1781، اثر یوهان هاینریش فوسلی

آزادی رهبری مردم، 1830، یوجین دلاکروا

رنگین کمان، ایوان آیوازوفسکی

اگر نقاشی قرن سیزدهم و چهاردهم خسیسی از احساسات بود و در سیصد سال بعد از شکل گیری هنر رنسانس اولیه و عالی با غلبه بر دینداری و ایمان کور به چیز دیگری یا دوره روشنگری، که به «شکار جادوگر» پایان داد، سپس نمایش هنری روی بوم‌های رمانتیسم اجازه داد به دنیایی متفاوت از دنیای واقعی نگاه کنیم.

برای انتقال احساسات، هنرمندان به استفاده از رنگ های غنی، ضربه های روشن و اشباع نقاشی ها با "جلوه های ویژه" متوسل شدند.

بیدرمایر

یکی از شاخه های رمانتیسیسم در نقاشی سبک است بیدرمایر... ویژگی اصلی بیدرمایر ایده آل گرایی است. در نقاشی، صحنه های روزمره غالب است، در حالی که در ژانرهای دیگر نقاشی ها طبیعتی صمیمی دارند. نقاشی تلاش می‌کند تا ویژگی‌های جذابی را در دنیای مرد کوچک بیابد. این گرایش به‌ویژه در شیوه زندگی ملی آلمان، به‌ویژه شهرنشینان، ریشه دارد.

کرم کتاب، تقریبا 1850، K. Spitzweg

یکی از مهم ترین نمایندگان نقاشی بیدرمایر، کارل اسپیتزوگ، فیلیست های عجیب و غریب را که در آلمان به آنها فیلیستین می گفتند، نقاشی کرد.

البته قهرمانان او محدودند، اینها مردم کوچک استان هستند، گلاب آبیاری در بالکن، پستچی، آشپز، کاتب. در نقاشی های اسپیتزوگ طنز وجود دارد؛ او به شخصیت هایش می خندد، اما بدون بدخواهی.

به تدریج مفهوم "بیدرمایر" به مد، هنر کاربردی، گرافیک، طراحی داخلی، مبلمان گسترش یافت. در هنرهای کاربردی، نقاشی روی چینی و شیشه بیشتر توسعه یافته است. در سال 1900، این کلمه به معنای "روزهای خوب قدیم" نیز درآمد.

بیدرمایر یک سبک استانی است، اگرچه هنرمندان کلان شهرها نیز در برلین و وین به این سبک کار کردند. بیدرمایر نیز وارد روسیه شد. تأثیر او در آثار استادان روسی، A. G. Venetsianov و V. A. Tropinin است. تعبیر "بیدرمایر روسی" وجود دارد، اگرچه مضحک به نظر می رسد.

چوپان خفته، 1823-24، A.G. Venetsianov

پرتره خانوادگی کنتس مورکوف، 1813، V.A.Tropinin

در روسیه، بیدرمایر زمان پوشکین است. مد بیدرمایر مد روزگار پوشکین است. اینها یک ژاکت، یک جلیقه و یک کلاه بالا برای مردان، یک عصا، یک شلوار تنگ با نوار است. گاهی اوقات - یک دمپایی. زنان لباس هایی با کمر باریک، یقه پهن، دامن های زنگوله ای پهن و کلاه می پوشیدند. همه چیز ساده و بدون تزئینات پیچیده بود.

فضای داخلی در سبک Biedermeier با صمیمیت، نسبت های متعادل، سادگی فرم ها و رنگ های روشن مشخص می شود. محل سبک و جادار بود، به همین دلیل است که فضای داخلی نسبتاً ساده، اما از نظر روانی راحت تلقی می شد. دیوار اتاق هایی با طاقچه های پنجره عمیق به رنگ سفید یا رنگ های روشن دیگر رنگ آمیزی می شد و با کاغذ دیواری راه راه برجسته چسبانده می شد. الگوی پرده های پنجره و اثاثه یا لوازم داخلی یکسان بود. این یراق آلات داخلی پارچه ای رنگی بود و دارای طرح هایی بود که گل ها را به تصویر می کشید.

مفهوم "اتاق تمیز" ظاهر می شود، یعنی اتاقی که در روزهای هفته استفاده نمی شد. این "اتاق یکشنبه" معمولاً بسته فقط برای پذیرایی از مهمانان استفاده می شد. مبلمان رنگ آمیزی شده با رنگ های گرم و آبرنگ های دیواری، حکاکی ها، و همچنین تعداد زیادی تزیینات و سوغاتی، آرامش بیشتری به فضای داخلی مسکونی می بخشد. همانطور که در مورد ترجیحات سبک، Biedermeier عملی تنها اثاثیه‌ای را انتخاب می‌کند که با ایده آنها در مورد عملکرد و راحتی مطابقت دارد. پیش از این هرگز مبلمان به اندازه این دوره به طور کامل به هدف خود نرسیده بود - تزئینات در پس زمینه محو می شوند.

در آغاز قرن بیستم، بیدرمایر شروع به ارزیابی منفی کرد. او را «مبتذل، فاسد» می دانستند. او واقعاً دارای ویژگی هایی مانند صمیمیت، صمیمیت، احساساتی بودن، شاعرانه بودن اشیا بود که منجر به چنین ارزیابی شد.

رمانتیسم در ادبیات

رمانتیسیسم از نظر کلمات نیز با روشنگری مخالفت کرد: زبان آثار عاشقانه، تلاش برای طبیعی بودن، "ساده" بودن، در دسترس بودن برای همه خوانندگان، چیزی مخالف کلاسیک ها با مضامین اصیل و "عالی" خود بود، برای مثال، ویژگی، از تراژدی کلاسیک

قهرمان رمانتیک- شخصیت پیچیده، پرشور، که دنیای درونی آن به طور غیرمعمول عمیق، بی پایان است. این یک جهان کامل پر از تضاد است. رمانتیک ها به همه هوس های بالا و پایین علاقه مند بودند که مخالف یکدیگر بودند. شور بالا عشق است در تمام مظاهر آن، شور کم حرص، جاه طلبی، حسادت است. علاقه به احساسات قوی و واضح، احساسات همه جانبه، به حرکات مخفی روح - اینها ویژگی های رمانتیسم است.

در میان رمانتیک های متأخر اروپای غربی، بدبینی نسبت به جامعه ابعاد کیهانی پیدا می کند، به «بیماری قرن» تبدیل می شود. قهرمانان بسیاری از آثار عاشقانه (F.R. Chateaubriand، A. Musset، J. Byron، A. Vigny، A. Lamartin، G. Heine و غیره) با حالات ناامیدی و ناامیدی مشخص می شوند که شخصیت انسانی جهانی پیدا می کنند. کمال برای همیشه از دست می رود، جهان توسط شیطان اداره می شود، هرج و مرج باستانی دوباره زنده می شود. موضوع "دنیای ترسناک" که مشخصه تمام ادبیات رمانتیک است، به وضوح در به اصطلاح "ژانر سیاه" و همچنین در آثار بایرون، سی. برنتانو، ایتا هافمن، ای.پو و ن تجسم یافت. هاثورن

در عین حال، رمانتیسم مبتنی بر ایده هایی است که «دنیای وحشتناک» را به چالش می کشد - بالاتر از همه، ایده های آزادی. ناامیدی از رمانتیسم در واقعیت ناامید کننده است، اما پیشرفت و تمدن تنها یک طرف آن است. طرد این طرف، عدم ایمان به امکانات تمدن، راه دیگری را فراهم می کند، راهی به سوی آرمان، به ابد، به مطلق. این مسیر باید همه تضادها را حل کند، زندگی را کاملاً تغییر دهد. این همان راه کمال است، «به هدفی که توضیح آن را باید در آن سوی مرئی جست» (A. de Vigny).

برای برخی از رمانتیک ها، جهان تحت سلطه نیروهای نامفهوم و مرموز است، که باید از آنها اطاعت کرد و سعی نکرد سرنوشت را تغییر دهد (شاعران "مکتب دریاچه"، شاتوبریاند، V.A. Zhukovsky). برای دیگران، "بد جهانی" اعتراضی را برانگیخت، خواستار انتقام و مبارزه شد. (J. Byron، P.B. Shelley، S. Petofi، A. Mitskevich، اوایل A.S. پوشکین). وجه مشترک همه آنها این بود که همه آنها یک جوهر واحد را در انسان می دیدند که وظیفه اش اصلاً به حل مسائل روزمره خلاصه نمی شود. برعکس، رمانتیک ها بدون انکار زندگی روزمره، با اعتماد به احساس مذهبی و شاعرانه خود، به دنبال کشف رمز و راز وجود انسان بودند.

به هر حال، به لطف ژوکوفسکی است که یکی از ژانرهای مورد علاقه رمانتیک های اروپای غربی وارد ادبیات روسیه می شود - تصنیف... به لطف ترجمه های ژوکوفسکی، خوانندگان روسی با تصنیف های گوته، شیلر، برگر، ساوتی، دبلیو اسکات آشنا شدند. «مترجم در نثر برده است، مترجم در نظم رقیب است».، این کلمات متعلق به خود ژوکوفسکی است و نشان دهنده نگرش او نسبت به ترجمه های خودش است.

پس از ژوکوفسکی، بسیاری از شاعران به ژانر تصنیف روی آوردند - A.S. Pushkin ( آهنگ اولگ نبوی, غرق شده)، M.Yu. Lermontov ( کشتی هوایی, پری دریایی)، A.K. تولستوی ( واسیلی شیبانوف)و غیره.

عصر کلاسیک گرایی و روشنگری که به مدت دو قرن در فلسفه، ادبیات و هنر تسلط داشت، پایان یافت که ایده های مترقی آن به سرعت به وحشت خونین، اعدام ها و بی حوصلگی ایدئولوژیک انحطاط یافت. پاسخ به چنین تضادهای ملموسی بین ایده های بلند و واقعیت بسیار ناپسندی که آنها پدید آوردند، ظهور یک پدیده فرهنگی بسیار گسترده و فراگیر بود - رمانتیسم - آخرین گرایش تاریخ هنر در گستره و عمق ایده های آن. که در ادبیات، موسیقی و نقاشی بیان روشنی یافت...

رمانتیسم در ادبیات و هنر به بالاترین نقطه ایده های اومانیسم تبدیل شد که در دوره رنسانس ظاهر شد. در آن زمان بود که توجه دقیق به انسان زمینی به وجود آمد، او با کمبودها و ضعف هایش معیار همه آنچه هست شد. نتایجی که باعث ایجاد تضادهای شدید در ذهن جوانان شد و ناهماهنگی کامل ایده های روشنگری را نشان داد، دوباره مجبور شد به دنیای درونی فرد توجه کند، به اصالت و عمق آن، رد اجتماعی عقلانی. - ایده های سیاسی هماهنگی و رفاه جهانی.

رمانتیسم در ادبیات و هنر، دنیای اطراف انسان را به عنوان یک معما و رمز و راز معرفی می کرد که تنها با احساسات، عواطف و قلب قابل درک است. واقعیت عقلانی جای خود را به دنیاهای خارق العاده ای می دهد که با عقل قابل شناخت نیستند. فقط احساسات قوی قادر به مقاومت در برابر جهان هستند و از نظر قدرت و عمق به اندازه جهان قدرتمند هستند.

قهرمان رمانتیک همیشه جسورانه دنیای اطراف خود را به چالش می کشد ، او کاملاً از انحصار خود آگاه است ، به او افتخار می کند ، در حالی که می داند مرگ او اجتناب ناپذیر است ، زیرا او نه با افراد یا شرایط اجتماعی ، بلکه با کل جهان در تضاد است. رمانتیسم در ادبیات و هنر عمیقا و با عشق فراوان قهرمان، تجربیات عاطفی قوی او را به تصویر می کشد. علاوه بر این، این تجربیات بی پایان هستند، زیرا قهرمانان رمانتیک یک توپ فشرده از تضاد هستند. برخی از آنها با شورش در برابر دنیای ناقص به سمت بالا می شتابند و سعی می کنند به کمال برابر با خدا برسند ، برخی دیگر برعکس در عمق وحشتناک شر و رذیلت فرو می روند.

رمانتیسیسم در ادبیات به شیوه‌های متفاوتی شکل می‌گیرد. برخی از نویسندگان رمانتیک سعی می‌کنند در قرون وسطی ایده‌آلی بیابند، جایی که زمان تمیزتر و بی‌دردسر را می‌بینند، برخی دیگر آرمان‌شهر طراحی می‌کنند و مدل‌هایی ایده‌آل از آینده خلق می‌کنند. اما همه آنها در تلاشند تا از زمان حال دور شوند، جایی که چیزی جز یک واقعیت بورژوایی فلاکت بار وجود ندارد.

رمانتیسیسم در ادبیات بنیانگذار اشکال جدید شد و وظایف جدیدی را تدوین کرد که امروزه نیز مرتبط هستند. نویسندگان رمانتیک محتوای جدیدی ایجاد کرده اند، مطالب جدیدی را پیشنهاد کرده اند، جایی که اصلی ترین چیز به شورش در برابر کسل کننده و معمولی تبدیل می شود و قهرمان به فردی یکپارچه و هماهنگ تبدیل می شود و با شخصیت غیرمعمول و قدرتمند خود نه تنها قوانین وجود زمینی را درک می کند و در آغوش می گیرد. ، بلکه آرمان های آسمانی است.

رمانتیسم در هنر و ادبیات، اصول ملیت و تاریخ گرایی را شکل داد که در توسعه بیشتر هنر اساسی شد. یکی دیگر از اقدامات جالب در این راستا، نظریه کنایه رمانتیک بود که توسط نظریه پرداز، فیلسوف آلمانی F. Schlegel تدوین شد. او نقش بزرگ هنر را به عنوان ابزاری کامل برای شناخت و دگرگونی جهان اعلام کرد، به ترتیب هنرمندان رمانتیسیسم خالقان بزرگی هستند که همتای خدا هستند. اما این نیز واضح بود که هر هنرمند، حتی با استعدادترین، فقط یک شخص است و نگاه او به جهان ذهنی و محدود است. نظریه کنایه رمانتیک پاسخی بود به این تضاد بین آرمان در هنر رمانتیک و واقعیت. شلگل استدلال می کرد که کنایه باید در دیدگاه هنرمند نه تنها در دنیای اطرافش، بلکه در خود او، در فرآیند خلاقیت و در نتیجه آن وجود داشته باشد. بنابراین، خالق به نقص خود و عدم امکان ایجاد آرمان اعتراف می کند، زیرا قادر به حل معمای جهان و جهان نیست.