Definizione di arte popolare. Arte popolare L'importanza dell'attività creativa nel mondo moderno

Attività creativa- attività umana creativa nel campo della scienza, della letteratura, dell'arte, a seguito della quale viene creata una nuova opera.

Folclore(dal folklore inglese - "saggezza popolare") – creatività popolare (più spesso orale), incarnata in un'opera d'arte, l'attività creativa collettiva delle persone, che è un riflesso specifico della loro vita, ideali, eventi.

Una delle tendenze importanti che possono essere chiaramente rintracciate nello sviluppo della creatività artistica nel corso di molti secoli è il potere sempre crescente del principio dell'autore personale. Nonostante il fatto che il principio individuale sia inerente a qualsiasi creatività, nel folklore è fortemente in sordina. Il folklore è un'espressione dell'arte popolare, dell'attività creativa artistica e collettiva delle persone, che riflette la loro vita, i punti di vista, gli ideali, creati dalle persone stesse ed esistenti tra le masse. Può essere poesia, musica, danza, arti visive e applicate. Di norma, le opere folcloristiche sono state diffuse attraverso il linguaggio, la presentazione orale, che è diventata tradizionale per questo tipo di arte. Molto spesso, il folklore viene presentato sotto forma di canzoni, poemi epici, leggende che riflettono il corso della vita delle persone: lavoro e riposo, dolore e gioia, eventi individuali e storici, rituali, ecc. Certo, le opere folcloristiche avevano i loro autori, tuttavia, la loro istituzione oggi è difficile. Le radici del folklore sono nella storia, nelle credenze pagane (Antica Rus). Dopo che il cristianesimo fu adottato in Russia, i testi delle opere subirono modifiche, ma l'antica forma melodica fu preservata. Le canzoni riflettevano tradizionalmente gli eventi nella vita delle persone e della società, gesta glorificate e personalità eccezionali.

Oltre alle canzoni, erano popolari anche varie leggende e fiabe. Erano divisi in magici (dove tra gli oggetti ci sono oggetti magici: tappeti volanti, tovaglie autoassemblate, scarponi da passeggio, che testimoniano la stregoneria pagana e il sogno delle persone di creare cose che alleviano le fatiche della vita) e satirici, che avevano un carattere morale, che descrive conflitti moderni, rivelando contraddizioni politiche (questo tipo di creatività fu in seguito ampiamente utilizzato dagli scrittori professionisti).

L'inizio individuale nella cultura antica si rifletteva principalmente nelle prestazioni, gli autori delle opere folcloristiche, di regola, rimanevano sconosciuti. Ciò, secondo i ricercatori, era dovuto alla mancanza di desiderio nell'espressione di sé delle persone attraverso l'arte, la visione soggettiva dell'autore non prevaleva nella cultura. E il sociale, il collettivo ha acquisito un significato sacro, l'artista aveva bisogno di esprimere idee generali, dando loro una rappresentazione ideale. Il predominio della mitologia e della coscienza religiosa ha portato l'antico autore alla convinzione che il vero creatore dell'opera sia lo spirito sociale o Dio.

Fin dall'antichità, essendo un fenomeno sintetico, l'arte è stata percepita come un mezzo di educazione, capace di fornire all'uomo anche uno specifico piacere spirituale, che va al di là delle sue capacità e della sua natura.

L'autocoscienza personale dell'autore si forma gradualmente come risultato dello sviluppo dell'attività lavorativa collettiva, della separazione del suo "Io" dal "Noi" collettivo, dell'emergere e della formazione della filosofia, della formazione della moralità e delle relazioni sociali, del rafforzamento dello stato, ecc.

Il principio personale ha raggiunto il suo massimo nello sviluppo dell'arte moderna, in cui l'irradiazione luminosa della personalità dell'autore conferisce un'originalità unica a un'opera artistica. A questo proposito, la personalità dell'autore, la forza del suo talento, la scala del suo pensiero, la capacità di penetrare profondamente nell'essenza dei processi che si svolgono nella società, nonché la conoscenza del mondo interiore di una persona sono acquistando sempre più importanza. La proprietà più importante dell'autore oggi è la capacità di dire qualcosa di nuovo, sconosciuto ad altre persone o non ancora formulato da loro, per rivelare la nuova essenza di questo o quel fenomeno.

Il talento della vera creatività artistica sta nel comprendere la dialettica dello sviluppo della società umana, con la consapevolezza di quegli alti fini per i quali una persona è chiamata a vivere. La conoscenza del presente è associata alla comprensione dell'autore delle prospettive per il futuro, con l'eterno sforzo di conoscere l'essenza.

La tendenza alla crescita dell'inizio dell'autore si è manifestata in modo pittoresco già nelle prime fasi dello sviluppo del cinema e della televisione. Uno dei rappresentanti più brillanti di quel tempo era Charlie Spencer Chaplin, attore, regista, sceneggiatore, produttore cinematografico, compositore di film, vincitore dell'Oscar, fondatore dello studio cinematografico United Artists. Le opere di Chaplin sono una sorta di specchio che riflette il suo talento poliedrico; è stato una delle persone più creativamente versatili e influenti del periodo del cinema muto.

Lo sviluppo del cinema d'autore nel nostro tempo sta diventando sempre più intenso. La creatività e la creazione sono sempre più subordinate all'intenzione dell'autore e le opere sullo schermo riflettono l'individualità dei loro autori.

Nella cinematografia d'autore, il lavoro dell'autore e del regista diventa un unico processo, dove la nascita di un'idea, la scrittura di una sceneggiatura, le riprese, si svolgono sotto un'unica opinione. Tale paternità esclusiva consente di trasmettere allo spettatore in modo altrettanto accurato e completo la visione creativa del creatore dell'opera, la sua visione del mondo, la sua visione dei fenomeni della realtà.

La caratteristica più importante dell'autore-regista è la capacità di creare nella sua immaginazione un film futuro, operare liberamente e facilmente con immagini sonore e visive. L'autore del film deve mantenere un'immagine immaginaria durante l'intero processo creativo. Il regista è obbligato a sentire l'intero ritmo dell'immagine, il suo concetto generale classico e ritmico, l'umore emotivo, l'atmosfera, ecc.

I registi sono oggi uno dei primi e più diffusi rappresentanti della cultura dello schermo.

Cultura dello schermo.

Cultura dello schermo- una sorta di cultura di massa, le cui opere sono riprodotte su uno speciale mezzo tecnico - uno schermo e al di fuori di esso non vengono percepite. Tipi di cultura dello schermo: cinema, televisione, video, immagini del computer, Internet, ecc.

Schermo- (dal francese ecran - schermo) - la superficie su cui viene proiettata l'immagine, nonché il dispositivo progettato per riprodurre l'immagine.

Cinema- la sfera dell'attività umana, che consiste inizialmente nella creazione di immagini in movimento con l'ausilio di dispositivi tecnici, successivamente accompagnate dal suono.

Internet- un sistema di unificazione mondiale dei sistemi e delle reti informatiche che formano uno specifico spazio informativo e tecnico, che ha la più ampia diffusione e applicazione.

Multimedia- l'interazione di effetti audiovisivi sotto il controllo di software interattivo con l'utilizzo diretto di strumenti tecnici, elettronici e software che riproducono immagini in rappresentazione digitale si distingue per una straordinaria prevalenza e applicabilità.

L'emergere della cultura dello schermo alla fine del XIX secolo era originariamente associato solo al cinema, che poteva sorgere solo a un certo livello di sviluppo culturale e tecnico della civiltà. La caratteristica più importante della cinematografia, oltre alla condizionalità tecnica, è la sua attenzione a un vasto pubblico, all'impatto di massa. La connessione delle condizioni sociali, tecniche, culturali è la qualità principale del cinema nascente. La cinematografia è diventata una nuova forma di realtà, diversa dalle rappresentazioni teatrali. Allo stesso tempo, le realtà della cinematografia hanno contribuito alla trasformazione delle realtà della realtà, introducendovi impercettibilmente immagini fittizie, artificiali, virtuali.

Così, l'emergere del cinema, e successivamente della cultura dello schermo, ha portato all'emergere di un nuovo tipo di interazione comunicativa, nuove possibilità di influenzare la coscienza di massa e individuale.

Il prossimo grande successo della cultura dello schermo dopo la cinematografia è stata la televisione, che ha maggiori capacità comunicative, tra le quali individueremo: prevalenza quasi onnipresente, disponibilità di tempo, comfort delle condizioni di percezione, qualità del reportage e del documentario, scala di copertura di interessi e preferenze , differenziazione. Cioè, puoi osservare la combinazione di molti media e cultura in un fenomeno.

La continuazione dello sviluppo della cultura dello schermo può essere riconosciuta come l'emergere e la diffusione sicura della cultura del computer, che combina elementi di tutti i tipi sia dello schermo che di altre culture. Ha luogo la loro indistruttibile influenza e interazione reciproca, con un'influenza piuttosto potente della società praticamente illimitata sia da strutture spaziali che temporali. I partecipanti a questo tipo di interazione comunicativa possono assumere contemporaneamente vari ruoli (spettatore, ascoltatore, moderatore, regista, ecc., cioè un comunicatore attivo), il che comporta sicuramente un impatto emotivo abbastanza forte su una persona. Ci sono timori abbastanza giusti sui benefici di tale coinvolgimento nel mondo virtuale, l'emergere di dipendenza, sovraccarico emotivo, che può portare a disturbi della personalità. In tutta onestà, va notato che anche i primi film hanno fatto una forte impressione sul pubblico, influenzato la loro sfera emotiva. Questo fenomeno rimane in una forma alquanto modificata fino ad oggi. Del resto, è proprio l'appello alla sfera emotiva il fine e la vocazione per molti versi di ogni arte.

È lecito ritenere che l'ulteriore esistenza della cultura dello schermo sarà accompagnata dall'inevitabile interazione dei suoi elementi. Oggetti e opere della cultura dello schermo, che sono essenzialmente simulacri (cioè copie senza l'originale), i manufatti con l'aiuto dei moderni mezzi digitali ricevono una risoluzione quasi perfetta, in cui il pubblico crede quasi illimitatamente. Ma, allo stesso tempo, questo pubblico è in grado di creare i propri mondi virtuali e agire come uno degli elementi più importanti della comunicazione universale. E questo intreccio a mosaico dei legami della cultura dello schermo è l'essenza del nuovo paradigma della comunicazione, che si sta introducendo nelle forme tradizionali di interazione. Tuttavia, si dovrebbe tenere costantemente conto del fattore della realtà distorta, della mitizzazione degli oggetti di questa cultura, penetrando totalmente nella dimensione reale, manipolando la creazione delle persone. La realtà alterata trasforma il subconscio, deformando l'individuo e la società. Queste sono vere domande alle quali la civiltà deve trovare risposte adeguate.

Qual è il ruolo del produttore in questa situazione. Quali sono i suoi obiettivi? In quanto imprenditore, sotto la cui supervisione importanti risorse lavorative e collettivi svolgono le proprie attività creative e produttive, deve curare i benefici commerciali dei progetti realizzati. Questo è possibile se il prodotto è commercializzato con la massima efficienza. Ma l'attività del produttore non si esaurisce con il completamento della produzione, ma prosegue nella fase di post-produzione, la cui essenza, tra l'altro, sta nel manipolare la coscienza pubblica e personale al fine di realizzare il progetto nel modo più proficuo. Un produttore deve anche tenere conto dei valori umani universali nelle sue attività, essere responsabile dell'impatto culturale su milioni di telespettatori, del loro sviluppo morale e spirituale. Così, a volte il produttore si trova di fronte a compiti intrattabili, problemi veramente globali. E da come, con quali mezzi, con quali risultati il ​​produttore supererà queste difficoltà, le sue ulteriori attività, e la creatività della squadra, e la sfera della produzione, e l'economia, la politica e la cultura in generale, dipendono in gran parte. Pertanto, oltre a una conoscenza approfondita nel campo della produzione cinematografica, del business cinematografico, il produttore deve avere un alto livello di cultura umana ed essere responsabile dei risultati del proprio lavoro e delle attività della squadra. Questo dovrebbe interessarsi principalmente alla società e allo Stato, in quanto esponente di interessi pubblici.

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Note di lettura

(come manoscritto)

Abakan

CAPITOLO. L'arte popolare come base della cultura artistica della società.

Il concetto e l'essenza dell'arte popolare.

Arte popolare (arte popolare, folklore) - attività creativa collettiva artistica delle persone, che riflette la loro vita, punti di vista, ideali; è poesia, musica, teatro, danza, architettura, belle arti e arti e mestieri, creati dalla gente ed esistenti tra la gente.

Nella creazione artistica collettiva, le persone riflettono la loro attività lavorativa, la vita sociale e quotidiana, la conoscenza della vita e della natura.

Si possono distinguere i seguenti tipi e generi di arte popolare:

1. Arte popolare orale (folklore).

I generi fiaba, leggenda, leggenda, leggenda, epica, canzone storica, proverbi e detti, indovinelli, ecc. Appartengono al genere dell'epica.

I generi della canzone lirica, della canzone rituale, della famiglia, dell'amore, delle canzoni di protesta sociale, delle canzoncine, ecc. appartengono al genere dei testi.

Giochi di Natale, spettacoli rituali, teatro popolare Petrushka, raikas, ecc. - al genere del dramma.

La particolarità del folklore è la sua spiccata appartenenza regionale e concretezza storica. Il folklore si sviluppa insieme alla gente, assorbendo i più preziosi e riflettendo i nuovi cambiamenti sociali, gli eventi storici.

2. La musica popolare è una tradizione musicale che è sorta come accompagnamento ritmico al lavoro o come parte di un certo rituale, che ha il suo ideale sonoro e le sue forme modali. Presentato dalla creatività strumentale e vocale-strumentale delle persone. I principali generi di musica popolare sono canzoni, melodie da ballo, cori di danza, brani strumentali e melodie. La musica accompagnava tutta la vita lavorativa e familiare del contadino:

Festività del calendario (canti natalizi, vesnianki, canzoni di carnevale);

Lavoro sul campo (falciatura, canti del raccolto);

Nascita, matrimonio (ninne nanne, canti nuziali)

Morte (lamenti funebri).

3. Teatro popolare - un teatro che esiste tra la gente in forme organicamente associate all'arte popolare orale, ha avuto origine in tempi antichi: i giochi che accompagnavano la caccia e le vacanze agricole contenevano elementi di reincarnazione. La teatralizzazione dell'azione era presente nel calendario e nei riti familiari (vestizione natalizia, matrimonio). Poi arriva la commedia su Petruska. Il teatro popolare comprende anche spettacoli di farse e il cosiddetto paradiso (che mostra immagini in movimento accompagnate da un testo drammatizzato). Una caratteristica del teatro popolare è la convenzionalità dei costumi, dei movimenti e dei gesti, l'improvvisazione (gli attori hanno comunicato con il pubblico, che ha pronunciato osservazioni, è intervenuto nell'azione).

Danza popolare - una danza di una certa nazionalità, etnia o regione, è una forma di arte popolare che si è sviluppata sulla base delle tradizioni di danza popolare; caratterizzato da un proprio linguaggio coreografico ed espressività plastica.

La fonte primaria della danza popolare sono i movimenti e i gesti di una persona associati ai processi lavorativi e alle impressioni emotive del mondo che li circonda.

La danza è uno dei più antichi tipi di arte popolare. I popoli impegnati nella caccia, nell'allevamento di animali, si riflettono nella danza di osservare le abitudini degli animali (danza Yakut dell'orso). Ci sono danze sui temi del lavoro rurale (la danza lettone dei mietitori, ecc.) Il tema dell'amore (danza quadrata russa, kartuli georgiani, ecc.) occupa un posto importante nella danza popolare.Molte danze vengono eseguite con l'accompagnamento di strumenti popolari.

5. Le arti e i mestieri popolari sono l'incarnazione materiale della cultura spirituale del popolo, che si riflette nell'arredamento dei prodotti artistici (utensili domestici, piatti, mobili, armi, vestiti, ecc.)

In Russia, è rappresentato da intaglio artistico, pittura (Khokhloma, Gzhel), ceramica (giocattoli Dymkovo, Kargapolskaya, ecc.), Inseguimento, lavorazione del merletto, filatura e tessitura, ricamo, ecc.

Per tutti i generi di arte popolare, è caratteristico che i creatori di un'opera siano allo stesso tempo i suoi esecutori e la performance può essere la creazione di opzioni che arricchiscono la tradizione. Da notare anche l'unità dei vari generi: poesia, musica, danza, teatro, arti decorative fuse in spettacoli rituali popolari; nella dimora del popolo - architettura, intaglio, pittura, ceramica, ricamo creavano un insieme inseparabile.

L'arte popolare contemporanea è rappresentata dalle seguenti forme:

Creatività amatoriale (associazioni dilettantistiche e circoli di interesse);

Arti amatoriali - una forma di arte popolare, che include la creazione e l'esecuzione di opere d'arte da parte di dilettanti che si esibiscono collettivamente (cerchi, studi, collettivi, teatri popolari) o da soli;

I mestieri popolari sono attività per la creazione di prodotti artistici per scopi utilitaristici (applicati) o decorativi, basati sullo sviluppo collettivo e sullo sviluppo delle tradizioni popolari in una determinata area (Zhostovo, Palekh, Khokhloma, ecc.)

L'arte popolare è la base storica dell'intera cultura artistica mondiale, una fonte di tradizioni artistiche nazionali, un esponente della coscienza nazionale.

È necessario distinguere tra i concetti di "arte popolare" e "cultura dell'arte popolare". La cultura dell'arte popolare è l'incarnazione dei valori spirituali e morali e degli ideali di un ethnos, carattere nazionale, "immagini nazionali del mondo" (G. Gachev e altri)

La cultura dell'arte popolare di una società è un insieme di opere d'arte create e distribuite in una determinata società, nonché forme e metodi della loro conservazione, studio e trasmissione. Include l'arte come forma di riflesso della realtà nelle immagini artistiche utilizzando mezzi artistici speciali, ma non si limita ad essi. La struttura della cultura artistica della società comprende anche vari mezzi e forme di conservazione, studio e diffusione dei valori artistici. La cultura popolare ha un meccanismo importante per il funzionamento e la conservazione della cultura nel suo insieme; cementa e rafforza i fondamenti spirituali della vita della società.

L'etnologo russo S.V. Lurie considera la cultura popolare come una struttura che tiene insieme una data società e la protegge dal decadimento. Pertanto, si può sostenere che lo studio della cultura popolare è la conoscenza delle persone stesse.

COME. Kargin offre la seguente definizione delle principali formazioni strutturali della cultura dell'arte popolare.

1. Il folklore (orale-poetico, musicale-drammatico) è una filosofia spirituale domestica tradizionale per una cultura etno-estetica, che riflette la sua mentalità, formata come risultato di secoli di creatività collettiva attraverso la comunicazione orale, manifestata in un'infinita molteplicità di individui e opzioni personali.

2. Neofolklore: creazione artistica quotidiana di natura informale per il tempo libero, che include contemporaneamente forme di folklore, arte di massa e professionale, spettacoli amatoriali, caratterizzati da diversità estetica, instabilità di stile e genere e che agisce come la seconda ondata nella cultura popolare moderna.

3. Il folklorismo o folklore secondario è una forma teatrale di folklore, preparata e compresa tenendo conto delle leggi della dimostrazione agli spettatori, ascoltatori come fenomeno artistico.

4. Arti amatoriali - creatività socialmente organizzata incentrata sulla riproduzione e lo sviluppo di campioni esistenti (opere, prodotti) di cultura d'élite, di massa o folcloristica attraverso la formazione speciale di una parte della popolazione in abilità e abilità artistiche.

5. Arti decorative e applicate e applicate, folklore raffinato - uno strato materializzato e materializzato della cultura dell'arte popolare, che riflette in una forma figurativa ed estetica l'autocoscienza, la mentalità di un ethnos, che ha sia folklore che forme specializzate.

6. La cultura arcaica ha un'antica origine contadina ed è associata all'era del calendario agricolo.

7. La cultura tradizionale determina la qualità ei parametri più stabili e prevalenti (qualità, proprietà, caratteristiche) della cultura popolare che hanno mostrato il loro valore incondizionato; è una cultura che è diventata universalmente valida per tutti, o almeno per la maggior parte dei gruppi sociali.

8. La cultura autentica è lo strato di cultura più tipico che esiste in ogni area marginale. Questa è la cultura popolare primaria, originale e ha mantenuto la sua rilevanza, un modello e un simbolo dello strato di cultura esteticamente e spiritualmente più prezioso di qualsiasi gruppo sociale. Pertanto, possiamo parlare dell'autentica cultura dei contadini, dei lavoratori, dell'intellighenzia, ecc. I concetti di "autentico" e "tradizionale" sono strettamente correlati nelle caratteristiche della cultura popolare.

Dietro queste parole c'è un grande e importante fenomeno: poesia popolare e teatro, musica e danza, architettura e arti visive. L'arte popolare è la base su cui è cresciuta la costruzione della cultura artistica mondiale.

Questo articolo parla solo di arti e mestieri popolari. Ha avuto origine in tempi antichi e, come altri tipi di creazione artistica, all'inizio non era affatto inteso come arte. Era solo che le persone facevano le cose di cui avevano bisogno per la vita di tutti i giorni, creando, come stiamo dicendo ora, un ambiente soggetto: il design tradizionale della casa, un abito, utensili domestici, strumenti e armi militari. L'intero popolo lavoratore ha creato questo mondo oggettivo, riflettendo in esso la propria vita sociale e quotidiana, una peculiare percezione del mondo, idee di felicità e bellezza, un carattere nazionale unico.

La creatività collettiva è una caratteristica dell'arte popolare. Dopotutto, quasi tutto nel lavoro del maestro era dettato da una tradizione secolare: la scelta del materiale e dei metodi di lavorazione, la natura e il contenuto della decorazione.

Un grande conoscitore dell'arte popolare, VS Voronov, ha scritto bene sulla collettività dell'arte popolare: "Tutta la sua ricchezza formale è stata creata da ripetizioni costanti: il lento accumulo di parafrasi, aggiunte, emendamenti, cambiamenti ... e variazioni ... ha portato alla creazione di forme forti e ben consumate... Successo e originale, portato nell'arte dalla destrezza individuale e dalla vigilanza acuta, è stato innestato, sviluppato e portato in una forma finita; l'accidentale, mediocre e inverosimile non poteva resistere a ulteriori verifiche collettive, cadeva e scompariva ".

Si tratta di una collettività storica, strettamente legata alla trasmissione delle tradizioni da maestro a maestro, di generazione in generazione. Ma c'è anche un'opera collettiva di contemporanei, in cui si manifesta chiaramente il principio "corale" caratteristico dell'arte popolare. Da tempo immemorabile, il suo fondamento spirituale era una percezione comune del mondo, dei riti, dei costumi, del folklore. Una stessa immagine variava nell'opera di diversi maestri. Una nuova tecnica o motivo trovato da qualcuno divenne rapidamente proprietà comune. Di conseguenza, l'arte non di uno o più maestri si è sviluppata e arricchita, ma l'intero mestiere come un unico organismo creativo. E oggi, gli artisti di Palekh e Khokhloma, l'aul di Kubachi e Polkhovsky Maidan sono orgogliosi della loro appartenenza all'arte unica del loro mestiere nativo, insieme risolvono i problemi creativi che devono affrontare (vedi Arti e mestieri popolari).

Non è questa l'origine della straordinaria allegria dell'arte popolare - dalla coscienza della propria forza! Dopotutto, dietro ogni cosa - che sia un filatoio intagliato o un asciugamano ricamato, un cucchiaio dipinto o una tovaglia tessuta - c'è il talento, il lavoro e l'unanimità di molte persone, idealmente, di un'intera nazione! E la bellezza è anche da questa fonte. E, naturalmente, dalla natura nativa, da cui il maestro impara instancabilmente. E prende colori, ritmi e forme - per ricordare almeno i secchi tipici del nord russo a forma di uccello galleggiante. Come la natura, l'arte popolare seleziona solo il meglio e lo lucida per secoli, creando tecnologia, forme, ornamenti, colori davvero perfetti. Tutto questo assume nel tempo il carattere di una tradizione: una volta raggiunto il bello, va preservato: questa è la richiesta della gente. Ecco perché parlano di opere d'arte popolare come monumenti di storia e cultura.

Oggi acquistiamo la ciotola Khokhloma "dorata" non perché è necessaria in fattoria. Ci incanta con la nobiltà della forma, la grazia della pittura. Per questa bellezza, liberiamo la cosa dall'esecuzione della sua funzione diretta e la mettiamo sullo scaffale come decorazione d'interni. Oggi, il lato decorativo inizia a dominare sempre di più in un'opera d'arte popolare.

Facendo qualsiasi cosa necessaria in casa, il maestro riproduceva l'immagine del mondo come lo immaginava nel linguaggio convenzionale dell'ornamento. Uno dei più grandi ricercatori di arte popolare, V.M. Vasilenko, ha recentemente "letto" il simbolismo di un mestolo di legno dalla regione della città di Kozmo-Demyansk. Sbirciando nella paletta, puoi facilmente vedere la testa di un cigno. Sopra - un cerchio e un rombo decorati con intagli radiali. Questi sono motivi molto antichi, che rappresentano il più delle volte il sole. E la statuina di un cavallo incorona l'intero prodotto. Sta in piedi solenne, come su un piedistallo. Senza dubbio, questo non è un normale cavallo contadino, ma un vero "cavallo da tiro"! Per rendere comprensibile il simbolismo della cosa, ricordiamo che per secoli il popolo ha avuto l'idea poetica che di giorno ci fosse un luminare nella carrozza trainata da cavalli, e di notte fosse trapiantato in una barca, che veniva trainata l'oceano sotterraneo da cigni o anatroccoli.

Questo significato, spesso incomprensibile per noi ora, ha reso una cosa completamente ordinaria parte integrante non solo della vita quotidiana, ma anche della visione del mondo delle persone associate alle peculiarità della loro visione del mondo e dei loro ideali etici. Anche altri aspetti di un'opera d'arte popolare sono inseparabili: utilitaristici ed estetici. Nel corso dei secoli si sono sviluppate regole peculiari, che i maestri hanno sempre seguito. Ad esempio, la forma di un oggetto è dettata dal suo scopo, quindi è idealmente semplice e ponderato. Inoltre, qualsiasi forma è il risultato delle proprietà speciali del materiale. Una brocca di terracotta avrà una configurazione, una di legno della stessa dimensione sarà completamente diversa, anche una di rame avrà la sua. Infine, la forma dell'oggetto e il suo decoro devono corrispondere.

Avendo avuto origine in tempi antichi, l'arte popolare è stata a lungo una proprietà comune delle persone. La situazione è cambiata con lo sviluppo della società di classe.La divisione del lavoro ha dato origine a un nuovo tipo di attività artistica: l'arte professionale che soddisfa le esigenze spirituali ed estetiche delle classi dominanti. Al centro c'era l'individualità creativa con la sua percezione unicamente personale del mondo circostante. All'inizio del periodo capitalista, l'arte popolare nei paesi industrialmente sviluppati fu universalmente trasformata nell'arte delle masse lavoratrici delle campagne e delle città. Sempre più spesso viene valutato come “gente comune” e “obsoleto”. Gli sforzi dei mecenati che cercano di salvare i "cari vecchi tempi" non potevano cambiare il destino di un artigiano popolare, condannato a competere con una fabbrica che lancia sul mercato milioni di cose senza volto ma a buon mercato. Entro la fine del XIX secolo. nella maggior parte dei paesi europei è stato praticamente risolto.

Nei paesi che hanno intrapreso in seguito il percorso di sviluppo capitalista, il divario tra arte popolare e arte professionale non era così evidente. Soprattutto dove, come in Russia, elementi folkloristici sono penetrati profondamente nella cultura degli strati superiori della società. Non è un caso che i mestoli d'oro, decorati con un leggero ornamento d'erba, che ora sono conservati nell'Armeria, siano molto simili alle loro controparti in legno, che erano usate dalla gente comune.

L'arte popolare della Russia era prevalentemente contadina, quindi rifletteva chiaramente la visione dell'agricoltore sul mondo che lo circondava. Quali concetti sono centrali in una simile visione del mondo? Sole, terra, acqua. E, naturalmente, tutto ciò che cresce sulla terra. Di qui i principali "personaggi" dell'arte popolare: il sole, che il più delle volte veniva raffigurato come croce, rombo o rosetta; cavalli e uccelli; sirene fortemente associate all'elemento acqua; il mitico Albero della Vita, che simboleggiava la crescita infinita dei frutti della terra; infine, Mother-Cheese-Earth, la cui immagine gli scienziati riconoscono nelle donne ricamate su asciugamani con le mani alzate al cielo, come se gli chiedessero pioggia e raggi benedetti del sole, e nei giocattoli di argilla di varie regioni della Russia - una donna con un bambino al seno e lungo l'orlo - "soli" luminosi.

Ma la vita è cambiata e anche l'arte popolare è cambiata con essa. In fondo, la forza della tradizione sta proprio nel fatto che è sensibile ai cambiamenti della realtà, contribuendo a imprimersi nella nuova arte. Altrimenti, l'arte popolare si trasformerebbe molto tempo fa in stilizzazione fredda. Ma oggi ci rende felici! A poco a poco, il significato mitologico degli antichi simboli fu dimenticato, la loro connessione con i rituali agricoli si indebolì. Alla fine del XIX secolo. il maestro spesso non sapeva più cosa significassero certe immagini, eppure non vi rinunciava: coronava il tetto con un colmo, rosoni solari scolpiti sulle persiane. È vero, gradualmente gli antichi simboli hanno acquisito un carattere decorativo sempre più evidente, ma qualcosa di importante per le persone dal loro significato originale è sempre stato preservato.

Nei secoli XVII-XIX. molti nuovi motivi sono entrati nell'arte del popolo: le fonti erano il barocco, il classicismo, gli stili dell'impero. Tuttavia, queste immagini sono diventate l'espressione di una visione del mondo puramente popolare, acquisendo spesso anche una nuova veste. Quindi, i leoni sui davanzali delle capanne di Nizhny Novgorod riecheggiano chiaramente i leoni di pietra delle tenute nobili. Ma quanto sono bonari: spesso un animale del genere assomiglia a un cane o a un gatto. L'arte popolare non copia mai, rimane sempre se stessa. Si può dire che non c'è alcun cambiamento di stile in esso, che è così caratteristico dell'arte professionale. Tutti gli strati storici, a cominciare dai più antichi, convivono nell'arte popolare, così come sono inseparabili nella memoria del popolo. Questo è un chiaro esempio della saggia accumulazione di valori culturali.

L'arte popolare conobbe una rinascita nell'URSS e nei paesi socialisti con l'ingresso nell'arena storica di larghe masse popolari. Molto è stato fatto durante gli anni del potere sovietico. Molti mestieri d'arte estinti furono rianimati, sorsero nuovi mestieri di arte popolare, ad esempio miniature in lacca degli ex pittori di icone di Palekh, Mstera e Kholuy. Le opere di artisti locali sono sature di immagini della realtà sovietica, portano un nuovo contenuto, che l'arte popolare pre-rivoluzionaria non conosceva (vedi Palekh, Lacca miniatura).

Processi simili hanno avuto luogo nella scultura in osso di Kholmogory, nella miniatura in lacca di Fedoskino, nella scultura in osso di Tobolsk, nella corteccia di betulla di Shemogorsk intagliata. Un fenomeno sorprendentemente fresco è la pittura murale ucraina, che si è ritrovata nell'arte da cavalletto. Lo stesso si può dire delle ceramiche del Kosovo, dei piatti uzbeki dipinti, delle ceramiche georgiane e armene e dell'arte dei popoli del nord. L'arte popolare sovietica non conosceva un semplice restauro delle antiche tradizioni. Sulla base di loro, è stata creata una nuova arte decorativa e applicata, intrisa di una genuina nazionalità.

Oggi esiste in due forme principali. Da un lato è ancora viva l'arte tradizionale del paese, legata al modo di vivere unico di questo o quel popolo, alle peculiarità della natura circostante. D'altra parte, si stanno sviluppando arti e mestieri popolari, molti dei quali hanno una ricca storia. Il decreto del Comitato centrale del PCUS "Sulle arti e sui mestieri popolari" (1974) sottolinea l'importante ruolo dell'arte popolare nella cultura di una società socialista.

E oggi, le opere d'arte popolare ci danno tutti quei valori spirituali ed estetici che le persone hanno accumulato per secoli. Ecco la storia del paese, il suo presente e il futuro. Perché l'arte ricca e varia del popolo è la garanzia della sua forza creativa, salute morale e longevità storica.

Arte popolare - artistica, arte popolare, folklore, attività artistica creativa del popolo; poesia, musica, teatro, danza, architettura, belle arti applicate e decorative create dal popolo ed esistenti tra le masse. Nella creazione artistica collettiva, le persone riflettono le loro attività lavorative, le società e la vita quotidiana, la conoscenza della vita e della natura, i culti e le credenze. Nell'arte popolare, che si è sviluppata nel corso della pratica del lavoro sociale, sono incarnati i punti di vista, gli ideali e le aspirazioni delle persone, la loro fantasia poetica, il mondo più ricco di pensieri, sentimenti, esperienze, sogni di giustizia e felicità. Avendo assorbito l'esperienza secolare delle persone, l'arte popolare si distingue per la profondità dell'assimilazione artistica della realtà, la veridicità delle immagini, il potere della generalizzazione creativa.

Folklore - arte popolare orale: fiaba, epica eroica, proverbi e detti, indovinelli, filastrocche, canzoni, ecc.

La particolarità del folklore è la sua spiccata appartenenza regionale e concretezza storica. Il folklore come forma storicamente concreta di cultura popolare non rimane invariato, ma si sviluppa insieme alle persone, assorbendo tutto ciò che di prezioso esisteva prima e riflettendo i nuovi cambiamenti sociali. Pertanto, il folklore è sempre originale e moderno. È per questo motivo che ha mantenuto la sua funzione educativa e può ora essere utilizzata nel processo educativo, come ai tempi delle nostre bisnonne.

La ricchezza di generi, temi, immagini, poetiche del folklore è dovuta alla diversità delle sue funzioni sociali e quotidiane, nonché alle modalità di esecuzione (solo, coro, coro e solista), alla combinazione di testo con melodia, intonazione, movimenti (cantare, cantare e ballare, raccontare, recitare, dialogare, ecc.). Nel corso della storia, alcuni generi hanno subito cambiamenti significativi, sono scomparsi, ne sono apparsi di nuovi. Nel periodo più antico, la maggior parte dei popoli aveva leggende ancestrali, canti di lavoro e rituali, cospirazioni. Più tardi, ci sono la magia, i racconti di tutti i giorni, i racconti di animali, le forme pre-statali (arcaiche) dell'epica. Durante la formazione dello stato, si è formata un'epopea eroica classica, quindi sono nate canzoni e ballate storiche. Anche più tardi, si formarono la canzone lirica non rituale, il romanticismo, la canzoncina e altri piccoli generi lirici e, infine, il folklore di lavoro.

Nonostante la brillante colorazione nazionale delle opere folcloristiche di diversi popoli della Russia, molti motivi, immagini e persino trame in esse sono simili.

Nell'arte popolare, il racconto è probabilmente il più grande miracolo. Leggendo le favole, noi stessi, senza accorgercene, ci troviamo in balia della finzione. Le fiabe raccontano sempre qualcosa di incredibile, improbabile, ma allo stesso tempo la finzione porta con sé una certa idea, solitamente materializzata in immagini iperboliche: il bene e il male sono in continua lotta. Il racconto invita alla lotta contro il male, contro i nemici della Patria, per difendere il bene e la giustizia. In esso, l'affermazione della legge morale della vita, i principi morali, le norme, gli ideali estetici sono espressi molto chiaramente. Una fiaba aiuta a credere nel potere del bene, che non vince da solo, ma superando le difficoltà e combattendo il male.

In un racconto satirico, le persone mettono in ridicolo l'ozio, il desiderio di ottenere facilmente le benedizioni della vita, l'avidità e altre carenze umane. E viceversa, elogia la fortuna, l'intraprendenza, l'assistenza reciproca e l'amicizia.

Si scopre che una fiaba è allo stesso tempo verità e finzione. "Una fiaba è una bugia, ma contiene un suggerimento: un bravo ragazzo - una lezione".

Il racconto ha uno stile linguistico specifico, che è caratterizzato dalla melodia, dalla ripetizione di varie frasi (vissute ed esistite; in un certo regno, in uno stato lontano, ecc.). Il linguaggio delle fiabe è molto bello: melodioso e poetico, contiene molte metafore, confronti, nonché proverbi e detti adatti e istruttivi. Tutte queste caratteristiche rendono la fiaba uno strumento indispensabile per l'educazione e l'educazione dei bambini di diverse età.

L'epopea eroica ricorda molto una fiaba, ma a differenza di essa, l'epopea non contiene eroi immaginari, ma reali (Ilya-Muromets, Sadko, ecc.). Nell'epopea, le persone glorificano il coraggio, il coraggio, l'amore per la Patria. Un breve viaggio nell'epopea eroica farà conoscere ai bambini gli eventi storici degli anni passati, con gli eroi di questi eventi. I bambini impareranno come i nostri antenati hanno trattato questi eventi, perché il lavoro riflette sempre l'anima dell'autore.

Aforismi, proverbi, detti sono la fonte della saggezza popolare. Riflettono la vita quotidiana, i costumi, molto spesso si sovrappongono alle fiabe. Questa è una forma di conservazione delle edificazioni, ammonimenti morali, insegnamenti, comandamenti tra la gente, verificata da millenni.

I proverbi non sono l'antichità, non il passato, ma la voce viva del popolo. Le persone conservano nella loro memoria solo ciò di cui hanno bisogno oggi, domani. Se un proverbio parla del passato, è valutato dal punto di vista del presente e del futuro, è condannato o approvato a seconda della misura in cui il passato corrisponde agli ideali e alle aspettative popolari.

Il proverbio contiene la valutazione della vita delle persone, le osservazioni della mente delle persone, vengono affermati i valori umani universali. Proverbi e detti decorano e arricchiscono il discorso di una persona, espandono il vocabolario, sviluppano l'immaginazione. Infatti, per usare i proverbi o i detti più semplici, il bambino deve valutare abbastanza rapidamente la situazione, come applicarlo al proverbio, confrontare nuovamente la loro corrispondenza e solo allora esprimere il suo giudizio.

L'accuratezza del pensiero e la brevità della presentazione ti consentono di imparare rapidamente proverbi e detti fin dalla tenera età, per percepirli non come desideri, ma come una norma nella vita.

Riddle è un genere di arte popolare, che, come proverbi e detti, si riferisce anche a piccole forme folkloristiche. Il valore degli enigmi risiede nelle loro immagini, abilità artistica e poesia. Immagini artistiche luminose, concrete e colorate di enigmi aiutano a guardare il mondo che ci circonda in un modo nuovo, sviluppano una visione poetica della realtà, la capacità di analizzarla e, quindi, pensare in modo logico. Grazie a tali mezzi poetici usati negli indovinelli come metafora, metonimia, personificazione, iperbole, avvengono trasformazioni magiche con gli oggetti più semplici: una spiga di grano diventa una torre, una carota diventa una ragazza con una falce. Sottolineando questa caratteristica degli enigmi, M.A. Rybnikova ha scritto: "Un indovinello è la chiave di un'immagine verbale, un granello di poesia, una metafora".

La metafora e il confronto negli indovinelli differiscono dalle metafore e dai confronti in altri generi letterari e folcloristici in quanto sono presentati qui sotto forma di un divertente problema di gioco e l'attenzione dell'ascoltatore o del lettore è specificamente diretta alla necessità di risolvere, giustapporre e confronto. Di conseguenza, la stessa specificità artistica dell'enigma è il gradino che porta una persona su per la scala che porta alla comprensione dell'immagine poetica, allo sviluppo del pensiero artistico e della creatività.

Gli enigmi nel loro contenuto riflettono la storia della formazione e dello sviluppo delle culture popolari. Questo è il loro valore speciale. Formano le prime idee sull'unità del mondo e sulle sue leggi. A differenza di proverbi e detti, mirano a trovare l'identità o la somiglianza di vari oggetti e fenomeni.

Gli enigmi contribuiscono allo sviluppo della memoria del bambino, al suo pensiero figurativo e logico, alle reazioni mentali. L'enigma insegna al bambino a confrontare i segni di vari oggetti, a trovare in essi un terreno comune e quindi forma la sua capacità di classificare gli oggetti, di scartare i loro segni insignificanti. In altre parole, con l'aiuto dell'enigma, si formano le basi del pensiero creativo teorico.

Nel lavoro educativo con i bambini, puoi anche utilizzare altre piccole forme di folklore che hanno specifiche funzioni evolutive ed educative: scioglilingua, scioglilingua puri, utilizzati per sviluppare un discorso corretto, foneticamente puro; rime (elemento del gioco); barkers (tipo di canzoni).

Musica popolare (folklore musicale) - creatività collettiva vocale (canzone), strumentale e vocale-strumentale del popolo. Essendo proprietà di tutto il popolo, il folklore musicale esiste grazie all'arte performativa di pepite talentuose (kobzar , guslar, buffone, ecc.). Le origini della musica popolare sono molto antiche. Le tradizioni musicali delle diverse società e formazioni sono eccezionalmente stabili e tenaci. In ogni epoca storica convivono opere musicali più o meno antiche, e sulla base di esse di nuova creazione. Insieme formano il folklore musicale tradizionale.

Il tipo principale di folklore musicale sono le canzoni, le leggende epiche (epopea russa), le melodie di danza, i cori di danza (canzoncine russe), i brani strumentali e le melodie (segnali, danze). Ogni brano del folklore musicale è rappresentato da un intero sistema di varianti stilisticamente e semanticamente correlate che caratterizzano i cambiamenti nella musica popolare nel processo della sua esecuzione.

La ricchezza del genere della musica popolare è il risultato della diversità delle sue funzioni vitali. La musica accompagnava tutta la vita lavorativa e familiare del contadino:

festività del calendario del circolo agricolo annuale (canti natalizi, fiori primaverili, Maslenitsa, canzoni di Kupala);

lavoro sul campo (falciatura, canti del raccolto);

nascita, matrimonio (ninne nanne e canti nuziali);

morte (lamenti funebri).

Più tardi, i generi lirici hanno ricevuto il massimo sviluppo nel folklore, dove semplici e brevi melodie di lavoro, rituali, danze ed epiche canzoni o melodie strumentali sono state sostituite da improvvisazioni musicali dettagliate e talvolta complesse - vocali (canzone persistente russa) e strumentali.

La canzone ha una serie di vantaggi rispetto ad altre opere d'arte popolare. Esprime i sentimenti nella sua forma più pura, il movimento dell'anima non è simulato. Un'altra virtù della canzone è la sua universalità. Qualsiasi canzone popolare consente al suo interprete di apportare modifiche ad essa, correlandola con una varietà di situazioni.

Molte canzoni sono state create dalla gente: post-racconti e filastrocche, ninne nanne, canti, scherzi, favole. E le loro funzioni educative sono diverse. Ma ciò che è in comune è l'influenza estetica della musica e delle parole, l'influenza morale del contenuto, l'educazione al collettivismo e la sensibilità emotiva.

Il teatro popolare, esistente in forme organicamente associate all'arte popolare orale, ha origine in tempi antichissimi: i giochi che accompagnavano le vacanze di caccia e di agricoltura contenevano elementi di reincarnazione. La teatralizzazione dell'azione era presente nel calendario e nei riti familiari (vestizione natalizia, matrimoni, ecc.). Nel processo di sviluppo in azioni drammatiche, l'inizio creativo e giocoso è migliorato: appaiono giochi e spettacoli che parodiano la cerimonia nuziale (il gioco comico russo "Pakhomushka"). Tali eventi sono serviti come base per l'ulteriore sviluppo del teatro popolare e del teatro.

Nel teatro popolare viene fatta una distinzione tra un teatro di attori dal vivo e un teatro di marionette, spesso intitolato all'eroe dello spettacolo (Petrushka in Russia, Punch in Inghilterra, Pulcinella in Italia, Kasparek nella Repubblica Ceca, ecc.). Il teatro russo di Petruska era vicino al presepe ucraino, la batleyka bielorussa. La varietà di forme del teatro delle marionette popolari era determinata dalla differenza nei tipi di bambole, dai loro sistemi di controllo (bambole di canna, burattini - bambole su fili, ecc.). I teatri di burattini popolari rappresentavano spettacoli che raccontavano fiabe e leggende, mettevano in scena "trame erranti".

Il teatro popolare comprende anche spettacoli di farse e il cosiddetto paradiso (che mostra immagini in movimento accompagnate da un testo drammatizzato).

La caratteristica più caratteristica del teatro popolare (così come dell'arte popolare in generale) è la convenzione aperta di costumi e oggetti di scena, movimenti e gesti; Durante le esibizioni, gli attori comunicavano direttamente con il pubblico, che poteva pronunciare commenti, intervenire nell'azione, dirigerla e talvolta prenderne parte (cantare insieme al coro degli artisti, ritrarre personaggi minori nelle scene di folla). Il teatro popolare, di regola, non aveva né palcoscenico né scenografia. L'interesse principale in esso si concentra non sulla profondità della rivelazione dei personaggi dei personaggi, ma sulla natura tragica o comica di situazioni e posizioni.

Il teatro popolare fa conoscere ai giovani spettatori il folklore verbale, sviluppa la memoria, il pensiero immaginativo. I personaggi comici si prendono gioco dei vizi delle persone, quelli drammatici insegnano l'empatia. Partecipando alle loro semplici esibizioni, il bambino impara a parlare in modo corretto e bello, a pronunciare un discorso davanti al pubblico, a superare la timidezza.

La danza popolare è uno dei più antichi tipi di arte popolare. La danza faceva parte di spettacoli folkloristici in occasione di festival e fiere. L'apparizione di danze rotonde e altre danze rituali è associata a rituali popolari (danze rotonde slave associate ai rituali di arricciare una betulla, intrecciare ghirlande, accendere fuochi). Allontanandosi gradualmente dalle azioni rituali, le danze rotonde si sono riempite di nuovi contenuti, esprimendo nuove caratteristiche della vita quotidiana. I popoli impegnati nella caccia, nell'allevamento di animali, riflettevano l'osservazione sul mondo animale nella danza. Il carattere e le abitudini di animali, uccelli, animali domestici sono stati trasmessi in modo figurato ed espressivo: la danza Yakut dell'orso, la gru russa, il papero, ecc. Ci sono danze sui temi del lavoro rurale: la danza lettone dei mietitori, la danza Hutsul dei taglialegna, la danza estone dei calzolai, il lianok bielorusso, il poame (uva) moldavo. La danza popolare riflette spesso lo spirito militare, il valore, l'eroismo, vengono riprodotte scene di battaglia (khorumi georgiano, berikaoba, danze cosacche, ecc.). Il tema dell'amore occupa un posto importante nell'arte della danza popolare: danze che esprimono la nobiltà dei sentimenti, un atteggiamento rispettoso nei confronti di una donna (kartuli georgiani, danza di piazza russa Baynovskaya).

Nella danza popolare, domina sempre il principio ritmico, che è enfatizzato dal ballerino (calpestare, battere le mani, suonare le campane). Molte danze vengono eseguite con l'accompagnamento di strumenti popolari che i ballerini tengono spesso in mano (fisarmonica, balalaika). Alcuni balli vengono eseguiti con accessori per la casa (sciarpa). Il costume ha una grande influenza sul carattere della performance: per esempio, un abito lungo che copre le piante dei piedi aiuta la fluidità del movimento dei ballerini russi; un movimento caratteristico nella danza maschile russa è battere sulla sommità di stivali duri.

La danza ti consente di sviluppare plasticità, coordinazione speciale dei movimenti, tecniche per correlare il movimento con la musica. I bambini imparano a muoversi ritmicamente, a comunicare tra loro in movimento (danza rotonda, gocciolamento).

I mestieri popolari più importanti in Russia includono la ceramica, la tessitura, l'intaglio artistico, la pittura decorativa (Gzhel, Khokhloma), la forgiatura, la fusione artistica, l'incisione, l'inseguimento, ecc.

In alcune caratteristiche dell'arte popolare, vengono tracciate le norme del lavoro e della vita, della cultura e delle credenze. L'elemento più comune è l'ornamento, che nasce nell'antichità, che contribuisce a realizzare un'unità organica della composizione ed è profondamente interconnesso con la tecnica di esecuzione, il senso dell'oggetto, la forma plastica e la bellezza naturale del Materiale. L'idea di una cosa nell'artigianato popolare di solito non è fissata in un modello preparatorio o in un disegno, ma vive nella mente e nella mano del maestro; allo stesso tempo, i risultati della sua ingegnosità individuale, che portano allo sviluppo dei metodi di lavoro più razionali, devono essere accettati dalla collettività popolare. Per questo la tradizione, fissata da secolare selezione, subisce continui, ma solo parziali, specifici mutamenti. Gli oggetti più antichi (ad esempio mestoli di legno a forma di anatra) possono essere estremamente vicini alla natura; in seguito, pur conservando la forma generale e la base figurativa, le combinano con i metodi secolari di generalizzazione, stilizzazione decorativa, con l'uso razionale di mezzi tecnici e materiali.

Gli artigiani sono stati molto apprezzati per molto tempo. I segreti delle loro abilità sono stati tramandati di generazione in generazione, di padre in figlio, unendo la saggezza e l'esperienza del passato e le scoperte del presente. I bambini fin dalla tenera età si sono uniti al lavoro, aiutando i loro genitori.

Il lavoro congiunto aiuta i bambini a padroneggiare meglio il mestiere, ad adottare l'esperienza di un mentore (genitori) e infonde diligenza.

In questo modo, le immagini, i temi, i motivi, le forme più ricche dell'arte popolare sorgono nella complessa unità della creatività individuale (sebbene, di regola, anonima) e della coscienza artistica collettiva. Da secoli le persone selezionano, migliorano e arricchiscono le soluzioni trovate dai singoli artigiani. La natura collettiva dell'arte popolare, che ne costituisce la base permanente e la tradizione imperitura, si manifesta nel corso dell'intero processo di formazione delle opere o dei loro tipi. Questo processo, che comprende l'improvvisazione, il suo consolidamento nella tradizione, il successivo miglioramento, arricchimento e talvolta rinnovamento della tradizione, risulta essere estremamente lungo nel tempo. È tipico di tutti i generi di arte popolare che i creatori di un'opera siano allo stesso tempo i suoi esecutori e la performance, a sua volta, può essere la creazione di opzioni che arricchiscono la tradizione. Importante è anche il contatto più stretto degli artisti con le persone che percepiscono l'arte, che possono agire esse stesse come partecipanti al processo creativo. Va inoltre rilevato che la perdurante indivisibilità, l'unità altamente artistica dei vari generi: poesia, musica, danza, teatro, arti decorative fuse in azioni rituali popolari; nell'abitazione del popolo, l'architettura, l'intaglio, la pittura, la ceramica, il ricamo creavano un tutto inscindibile; la poesia popolare è strettamente correlata alla musica e al suo ritmo, musicalità e natura dell'esecuzione della maggior parte delle opere, mentre i generi musicali sono solitamente associati alla poesia, ai movimenti sindacali, alle danze. Le opere e le abilità della cultura popolare vengono tramandate di generazione in generazione.

È quasi impossibile immaginare la vita di una persona senza creatività. Anche nell'età della pietra, le persone erano attratte da tutto ciò che era bello e creavano oggetti che diventavano parte integrante della cultura. L'umanità ha fatto molta strada: dalle pitture rupestri allo sviluppo delle più alte tecnologie. L'attività creativa non è solo nuove scoperte e creazione di valori unici. Questo è qualcosa senza il quale è impossibile immaginare il pianeta Terra.

Che cos'è l'attività creativa?

Questo termine si riferisce alla creazione da parte di una persona di un nuovo prodotto precedentemente inesistente. Tali attività includono non solo musica, pittura o poesia, ma anche un'enorme varietà di altre aree. Ogni persona è in grado di impegnarsi in attività creative, indipendentemente dalle proprie capacità professionali. Questa può essere la partecipazione passiva alla ricerca o agli esperimenti scientifici. Chiunque entri in empatia o esprima altre emozioni può dire con sicurezza di essere impegnato in attività creative. Questo fatto vale non solo per gli esseri umani, anche gli animali sono in grado di dimostrare i propri talenti attraverso opportunità uniche.

Tipi di attività creativa

Nonostante tutti i fattori negativi della vita umana, i geni sono nati e hanno creato le loro creazioni imperiture. Anche nella prigionia e nella povertà, le persone non potrebbero vivere senza portare nulla di nuovo in questo mondo. Ogni persona nasce un creatore e ha la stoffa del genio. L'ulteriore sviluppo dei talenti dipende solo dall'individuo stesso.

Questa attività creativa ha sempre occupato un posto speciale nella vita dell'umanità. Le opere degli artisti sono considerate patrimonio culturale e sono oggetto di un'attenta analisi. Sono conservati in stanze con una certa temperatura e spesso in cornici speciali che impediscono la distruzione della tela. I più grandi creatori hanno lasciato un segno indelebile nell'arte. Il sorriso di "Mona Lisa" è ossessionato da tutti gli intenditori dell'opera di Leonardo da Vinci da 5 secoli. Forse il dipinto più famoso al mondo evoca molte chiacchiere e pettegolezzi. Qualcuno paragona una donna misteriosa a un predatore prima di saltare. Per alcuni, sembra essere l'ideale della bellezza. E c'è chi non vede nulla di insolito in lei e non capisce il clamore intorno a questo ritratto.

Grazie agli artisti, le persone moderne possono immaginare come vivevano e apparivano le persone diversi secoli e persino millenni fa. I dipinti più significativi non sono in vendita, ma anche le opere meno importanti di autori famosi a volte costano una fortuna. Gli intenditori sono pronti a dare un sacco di soldi per il diritto di possedere un'opera d'arte. La stessa "Monna Lisa" è stimata in un miliardo di dollari, ma non sarà mai possibile vederla all'asta. Da Vinci non era il solo a creare capolavori. Dipinti di Monet, Rembrandt, Tiziano, Goya, Salvador Dalì. Renoir, Van Gogh fanno parte del patrimonio culturale mondiale e non vengono mai messi in vendita.

Musica

È la più grande fonte di ispirazione e parte integrante della vita di ogni persona. I matrimoni si concludono con l'accompagnamento della musica e le persone salutano il loro ultimo viaggio, senza di essa è impossibile immaginare una vacanza o una serata romantica. Il tipo di questa attività creativa è in grado di evocare una varietà di emozioni, dall'odio all'amore. Non per niente i compositori scrivevano musica per le marce, sotto le quali i soldati andavano in guerra. Ha evocato non solo sentimenti patriottici, ma ha anche dato fiducia nella vittoria. Nel mondo moderno, sempre più musica suona nelle sale operatorie e aiuta i chirurghi durante operazioni complesse. Nei lungometraggi, le composizioni possono sintonizzare lo spettatore nel modo giusto e persino avvertire su cosa accadrà nella scena successiva.

Come artisti, compositori e musicisti trasmettono lo stato d'animo attraverso la loro creatività. L'ascoltatore può facilmente immaginare la situazione che è diventata fonte di ispirazione per l'autore. I testi possono influenzare più fortemente le emozioni umane. Melodie di tipo drammatico ed epico hanno le loro proprietà, ma le corde nell'anima toccano leitmotiv sensuali. Va notato che la musica è in grado di influenzare non solo una persona. Alcuni animali percepiscono le melodie e reagiscono persino ad esse a livello fisico.

Letteratura

L'umanità tratta questa attività creativa con una trepidazione speciale. La lettura è sempre stato uno dei modi migliori per trascorrere il tempo libero. Sviluppa l'immaginazione e ti fa provare una varietà di emozioni. Scrittori e poeti sono in grado di attingere con il loro talento in un mondo senza precedenti di avventura, amore o enigmi investigativi. Creatori di anime umane, insegnanti ed educatori, fin dall'infanzia instillano l'amore per la lettura, perché la letteratura può cambiare qualsiasi persona. L'amore per la poesia viene instillato per fare di una piccola persona un membro sensuale e spiritualmente sviluppato della società. Molti romanzi, gialli e altre opere letterarie possono fornire al lettore l'esperienza di vita necessaria.

Cinema

La cinematografia è recentemente diventata parte integrante della vita. Il desiderio di mostrare alle persone ciò che leggono nei libri ha portato allo sviluppo di attività creative nel campo delle arti visive. Al momento, i lungometraggi e l'animazione sono la destinazione di intrattenimento numero uno al mondo. Da più di cento anni le persone vanno al cinema per immergersi in un altro mondo e vivere momenti indimenticabili. Grazie a questo tipo di attività creativa, l'umanità può essere facilmente trasportata nel passato o guardare al futuro, oltre a conoscere i dettagli di importanti eventi storici. La cinematografia può sviluppare sentimenti umani come l'intuizione, la compassione, l'amore, l'odio e molti altri.

arti e mestieri

Una parte altrettanto importante dell'attività creativa comprende un'enorme varietà di componenti: cucito, ricamo, lavoro a maglia, tessitura, bruciatura, intaglio, mosaico, vetrate, decoupage, modellazione, scultura, tessitura, pittura. Una persona si trova di fronte a questo tipo di arte in ogni momento. Tutta la vita è piena di modelli su materiali di finitura, piatti, vestiti, articoli per la casa. Particolare attenzione dovrebbe essere prestata a questo tipo di scultura. I monumenti, che simboleggiano eventi importanti per il paese e per il mondo, nonché personaggi significativi della storia, hanno sempre occupato un posto importante nella vita della società. Alcuni secoli fa, la scultura era la forma d'arte più popolare, ammirata da tutti, dalla gente comune ai re. Ci sono altre priorità ora, ma ha ancora il suo peso nella cultura.

Perché è importante essere creativi?

Nel corso dei secoli, l'arte ha svolto un ruolo importante nella vita umana. La brama di tutto ciò che è bello ha portato al fatto che lo sviluppo dell'attività creativa nei bambini è diventato enorme. Ci sono un gran numero di gruppi di hobby e varie sezioni in ogni paese. Il bambino ha la possibilità di scegliere cosa vuole fare nel tempo libero. La scelta è davvero enorme, e questo ha influenzato significativamente lo sviluppo di molte industrie negli ultimi decenni. Fin dall'infanzia, un bambino deve imparare e svilupparsi in diverse direzioni, oltre al curriculum scolastico. Ciò contribuirà a raggiungere il successo in futuro, perché queste persone saranno in grado di esprimere la propria individualità.

Bambini e arte

L'attività creativa dei bambini aiuta a rivelare tutti gli aspetti della personalità del bambino. Non dovresti riporre grandi speranze sul bambino e aspettarti capolavori da lui: per un adulto, queste creazioni potrebbero non avere alcun valore. Ma è proprio dal lavoro dei bambini che si può facilmente determinare il loro stato d'animo e aiutare nella scelta di una professione in età avanzata. Non dovresti mettere alcun compito davanti al bambino nel processo di attività creativa. Solo la fantasia e l'immaginazione dovrebbero accompagnarli nel cammino verso l'arte. Per i bambini, il risultato finale non è importante: sono interessati al processo stesso. Come in qualsiasi altro aspetto della vita, devi lodare il bambino per qualsiasi risultato e risultato. Ispira e dà forza per nuovi traguardi.

Più che un hobby

È importante che ogni genitore organizzi attività creative. Anche a casa, puoi sempre trovare un'attività interessante per il bambino. Qualsiasi gioco può sviluppare l'immaginazione e rivelare facilmente i talenti del bambino. Il disegno è in grado di determinare nei primi anni dopo la nascita se tuo figlio ha talento per questa forma d'arte. I giochi di sviluppo possono fornire una risposta alla domanda su quale area il bambino avrà più successo.

Scuole

Una grande responsabilità ricade sulle spalle di educatori e insegnanti. Dipende da loro quanto il bambino sarà sviluppato e in grado di capire il mondo che lo circonda. La maggior parte delle istituzioni educative ha gruppi di hobby e le lezioni di musica sono incluse nel curriculum scolastico. Inoltre, si tengono eventi festivi in ​​cui i bambini possono rivelare appieno il loro talento in spettacoli, scenette e spettacoli musicali. Le lezioni di chimica e fisica comprendono esercizi pratici ed esperimenti, e anche questo è parte integrante dell'attività creativa. La lingua e la letteratura russa sviluppano l'immaginazione attraverso presentazioni e saggi su determinati argomenti. È stato a lungo dimostrato che assolutamente ogni bambino ha la capacità di attività creative e il compito degli insegnanti è vederli e aiutarli a svilupparli. Non dimentichiamo che le attività scelte e imposte dai genitori possono nuocere e allontanare i figli dall'art.

Il valore dell'attività creativa nel mondo moderno

L'inizio del nuovo secolo capovolse l'idea di cultura. Guardando le persone creative moderne, un uomo comune per strada valuta le loro attività in modo ambiguo. L'idea che questi siano fannulloni che semplicemente non vogliono lavorare fisicamente e quindi diventare scrittori, attori, musicisti e stilisti si è rafforzata nelle loro menti. Ma allo stesso tempo, queste persone consumano felicemente il prodotto della loro creatività: film, canzoni, vestiti e molto altro. Il 20° secolo è stato saturo di guerre e la prospettiva dell'umanità è cambiata. Tuttavia, anche nei momenti più difficili, era l'arte che permetteva alle persone di affrontare dolori e problemi.

Nel nuovo millennio l'attività creativa umana è diventata una necessità. Tutti ora hanno l'opportunità di fare ciò che amano e ottenere una vocazione nella professione scelta. Senza creatività, le persone vivrebbero ancora nell'età della pietra. Solo l'interesse e la curiosità hanno reso una persona un essere intelligente. Tutte le invenzioni e le scoperte facevano parte del processo creativo. Per non accontentarsi di quanto già realizzato e continuare a migliorare la qualità della vita, è necessario andare costantemente avanti e dare libero sfogo all'immaginazione e alla fantasia. Dopotutto, quello che cinquant'anni fa veniva descritto nei romanzi di fantascienza ed era considerato un'incredibile invenzione, ora è alla portata di chiunque!