Podstawy kompozycji. Podstawy kompozycji w fotografii Sens kompozycji w fotografii

Zrozumienie kompozycji to rzecz, na którą każdy fotograf powinien poświęcić swój czas. Bez konieczności inwestowania w drogi sprzęt, zrozumienie elementów dobrej kompozycji niewątpliwie usprawni Twoją fotograficzną pracę. Rozwijanie widzenia fotograficznego jest dla niektórych czymś naturalnym, ale inni muszą poświęcić czas i wysiłek na doskonalenie swoich umiejętności i zdolności wizualnych. Oto wybór porad i wskazówek, które pomogą Ci ocenić i skomponować swoją pracę.

Jeśli masz czas, znajdź powód, aby skoncentrować się i ćwiczyć te umiejętności, i zdecydowanie staraj się o nich pamiętać przy następnym oddaniu strzału, może to pomóc ci poczuć różnicę między dobrym a świetnym strzałem.

Krok 1 - nie staraj się być doskonały

Ważne jest, aby zrozumieć, że nie ma czegoś takiego jak „idealna” kompozycja. Ponieważ jest to subiektywna forma sztuki, nigdy nie dojdziesz do punktu, w którym uzyskasz idealne ujęcie, ale całkiem możliwe jest zrobienie zdjęć o złej i dobrej kompozycji. Jest wiele elementów składu zdjęcia, które szczegółowo omówię w tym artykule. Każda z sekcji to tylko prosta wskazówka, która pomoże Ci uzyskać mocniejsze, bardziej angażujące obrazy.

Krok 2 - prostota

Jedną z głównych rzeczy, na które należy zwrócić uwagę, jest położenie elementów w ramie względem siebie. Na tej podstawie będziesz musiał zdecydować, co umieścić w ramce, a co z niej usunąć. Często kuszące jest, aby wypełnić kadr jak największą liczbą interesujących obiektów, ale jeśli chodzi o kompozycję, lepiej jest wybierać to, co zawierasz w kadrze i mieć na uwadze swoje wybory. Niektóre z najjaśniejszych fotografii mają bardzo proste, ale efektowne kompozycje, spojrzenie bez ingerencji podąża za obrazem, a widz otrzymuje wyraźne i efektowne ujęcie.

Krok 3 – zasada trójpodziału

Jedną z najprostszych zasad kompozycji jest zasada trójpodziału, która stała się bardzo powszechnym narzędziem dla fotografów amatorów i profesjonalnych. Metoda polega na podzieleniu klatki na trzy części, w pionie i poziomie (a więc w rzeczywistości są to dziewiąte) i użyciu tych linii, aby skutecznie podzielić obraz i oddzielić obszary obrazu. Punkty, w których linie się przecinają, są uważane za obszary kluczowe dla głównych obiektów w ramce.

Ta zasada, choć bardzo prosta, działa naprawdę dobrze, gdy jest stosowana prawidłowo. Na przykład w fotografii krajobrazowej horyzont może przecinać kadr wzdłuż dolnej poziomej linii, a szczyt grzbietu może przecinać górną poziomą linię. Podobnie w przypadku zdjęć portretowych, oczy można ustawić w punktach, w których górna pozioma linia przecina dwie pionowe linie.

Krok 4 – kompozycja krajobrazowa

Niezwykle ważne jest efektywne wykorzystanie kompozycji podczas pracy z krajobrazami. Dramaturgia świetnego pejzażu opiera się na kompozycji i strukturze. Zadaj sobie pytanie, o czym będzie Twój strzał. O wodzie, górach w oddali, horyzoncie, zachodzie słońca czy skałach na pierwszym planie? Jakie elementy chcesz podkreślić w kadrze? Stosując zasadę trójpodziału, postaraj się upewnić, że w kadrze są różne poziomy, upewnij się, że na pierwszym planie znajduje się interesujący obiekt, aby nadać obrazowi wrażenie głębi i skali, oraz że główny punkt ogniskowania w kadrze jest jasne ustalanie priorytetów.

Krok 5 - linie

Linie na obrazie to jeden z najskuteczniejszych sposobów rozjaśnienia kadru. Linie poziome i pionowe tworzą obraz o wyraźnej strukturze, a linie krzywe są bardziej zrelaksowane. Zastanów się, gdzie zaczyna się każda linia w kadrze i dokąd prowadzi. Bardzo efektywne jest posiadanie w kadrze linii prowadzącej oko np. od dolnego rogu przez obraz do przeciwległego rogu. Ścieżki, rzeki, tory kolejowe i drogi mogą służyć temu celowi, jeśli są właściwie używane.

Kiedy pracujesz z poziomymi i pionowymi liniami w ramce, upewnij się, że obraz jest wyraźny, a linie są proste. Wierzcie lub nie, ile zdjęć, które widziałem, zostało zepsutych przez lekko pochyloną linię, taką jak horyzont. Oczywiście istnieje możliwość postprocessingu kadru w celu poprawienia tych błędów, ale o wiele lepiej jest dobrze ćwiczyć i poprawnie ustawiać ją już podczas strzelania.

Krok 6 - Kształty

Gdy zrozumiesz rolę, jaką linie odgrywają w kompozycji obrazu, możesz docenić wpływ kształtów. Spróbuj zdystansować się od tego, na co patrzysz na konkretny obiekt przez wizjer i odnieść się do kształtu każdego elementu w kadrze. Ważne jest, aby zrozumieć, w jaki sposób formularze współdziałają ze sobą. Silne kształty, takie jak trójkąty i kwadraty, są znacznie łatwiejsze do kadrowania niż bardziej miękkie, zaokrąglone kształty, ale oceniając sposób uformowania każdego elementu, możesz wywrzeć bardzo silny wpływ, przedstawiając kształty i ich interakcje jako główny motyw ujęcia.

Krok 7 - kontrast

Jeśli chodzi o twój główny temat, rozważ go w kontekście i w odniesieniu do otoczenia. Jak kolory, kształty, tekstury i odcienie głównego punktu skupienia pasują do otaczającej przestrzeni? Jeśli istnieje silne połączenie między nimi, możesz się tym pobawić i sprawić, by obraz wyróżniał się kompozycją, łącząc obiekt z otoczeniem. Jeśli temat i środowisko bardzo się różnią, spróbuj użyć technik kompozycji, aby uwydatnić te różnice.

Krok 8 - kształtowanie ramy

Skuteczne kadrowanie to podstawa mocnej kompozycji. Naturalnym pragnieniem jest umieszczenie głównego punktu ostrości dokładnie pośrodku, ale często wygląda to dziwnie i nie na miejscu. Spróbuj umieścić go bliżej boku lub rogu, aby sprawdzić, czy możesz stworzyć kontekst i relacje. Warto jednak zauważyć, że portrety często wyglądają najbardziej żywo, gdy obiekt jest wyśrodkowany. Warto więc poeksperymentować, nie podejmuj jednej decyzji o kadrowaniu i nie poprzestawaj na tym, odkrywaj wszystkie swoje możliwości.

Krok 9 - ujemna przestrzeń

Ważne jest, aby wziąć pod uwagę negatywną przestrzeń na obrazie. Kiedy pracujesz z małymi przedmiotami, masz tendencję do umieszczania całego ogniska w kadrze. W rzeczywistości kompozycja obiektu makro jest znacznie jaśniejsza, jeśli albo wypełnisz kadr obiektem znajdującym się blisko siebie, albo wykorzystasz negatywną przestrzeń wokół niego, aby umożliwić obiektowi oddychanie i harmonijne dopasowanie do otoczenia.

Spróbuj poeksperymentować z czymś tak prostym jak muszla lub zobacz, jak możesz zmienić kompozycję, jeśli nie robisz zdjęć w zwykły sposób, ale starasz się zbliżyć lub, przeciwnie, oddalić się.

Krok 10 - narożnik

Pracując z obiektem, weź pod uwagę kąt, z którego robisz zdjęcie. Najczęściej najłatwiej jest sfotografować obiekt pod takim kątem, z jakiego go widzisz, ale podczas pracy nad kadrem badaj różne kąty i podejścia. Możesz znaleźć ciekawszy sposób na wyrażenie głównego tematu ujęcia.

Krok 11 - warstwy

Podobnie jak podczas pracy z warstwami na zdjęciach krajobrazowych, pamiętaj o uwzględnieniu w obrazach elementów głębi. Najłatwiejszym sposobem na zrobienie tego jest wyciągnięcie interesującego tematu na pierwszy plan, ale nawet użycie zygzakowatego obiektu doda poczucia głębi i poprowadzi wzrok głębiej w obraz.

Krok 12 - symetria i wzory

Skuteczne wykorzystanie symetrii i wzorców może pomóc w stworzeniu naprawdę potężnego ujęcia, zwłaszcza podczas pracy z obiektami, takimi jak architektura. Poświęć czas na zgłębianie tematu i rozpoznawanie wzorów i wzorów (zwracając uwagę na kształty i linie). Znajdź punkt środkowy i ustaw aparat dokładnie prostopadle do obiektu. Unikaj rozpraszających szczegółów, które łamią symetrię lub wzór i staraj się zmaksymalizować pożądany efekt.

Krok 13 - kadrowanie

W epoce przetwarzania końcowego, jeśli nagle wrócisz do domu i stwierdzisz, że nie skomponowałeś ujęcia tak, jak chcesz, nic nie stracone. Prawie wszystkie narzędzia do przetwarzania obrazu mają teraz narzędzie do przycinania, za pomocą którego można wyciąć nadmiar części zdjęcia. Możesz to zrobić przy zablokowanych proporcjach (większość dzisiejszych zdjęć to 3:2) lub możesz dowolnie przyciąć ramkę do pożądanego kształtu, na przykład do kwadratu, lub stworzyć panoramiczną ramkę krajobrazową, przycinając dolną i najwyższe poziomy.

Krok 14 - Ćwicz, ćwicz, ćwicz

Zbadaliśmy więc szereg zasad komponowania, które mogą naprawdę pomóc w tworzeniu mocniejszych, bardziej angażujących obrazów. Jak tylko nadarzy się okazja, przećwicz stosowanie tych sugestii. Niezależnie od tego, co fotografujesz — pejzaże, portrety, makro — zawsze jest miejsce na eksperymenty poprawiające kompozycję, szansa na zrobienie przynajmniej trochę, ale jaśniejszego ujęcia.

Pamiętaj tylko, że nie ma szybkich i łatwych rozwiązań na świetne ujęcia. Powyższe techniki mogą ci pomóc, ale przekraczanie ich również nie jest zabronione. Kiedy zdecydujesz, że wiesz, jak skutecznie zastosować te zasady w praktyce, możesz zacząć łamać zasady i fotografować swoje obiekty w kreatywny sposób, który uważasz za najlepszy dla siebie.

Każda udana fotografia składa się z trzech głównych elementów: kompozycji, oświetlenia i oczywiście wyjątkowego momentu, który autorowi udaje się wyrwać z codzienności. Spójrz na dowolne słynne ujęcie reportażowe - znajdziesz wszystkie trzy elementy.

Drew Hopper, doświadczony australijski fotograf dokumentalny, podróżnik, znawca przyrody i kultury, uważa, że ​​struktura kompozycyjna na zdjęciu decyduje o nastroju i emocjonalności sceny. Dobrze skomponowane ujęcie jest zawsze skuteczne, w którym zwykła, codzienna sytuacja zamienia się w coś niezwykłego. Dlatego kompozycja ma ogromne znaczenie w oddaniu wyjątkowości chwili. Drew Hopper oferuje kilka swoich rozwiązań tym, którzy chcą poprawić swoje umiejętności. Jeśli skorzystasz z porad kreatora, możesz znacznie poprawić wyniki swojej pracy. A więc słowo do profesjonalisty.

Podstawy

„Spójrzmy prawdzie w oczy, ludzie nie będą patrzeć na zdjęcie, które nie ma się czym zainteresować i na co zwrócić uwagę. Aby zrozumieć, jak przyciągnąć widza, musisz wiedzieć, jak działa ludzki mózg. Praca kompozycyjna ogólnie odnosi się do rozmieszczenia elementów względem siebie w celu optymalnej percepcji. Wysokiej jakości zdjęcie od razu „przepycha” oko widza do centralnego punktu obrazu, lub do kilku – w ściśle określonej kolejności. Istnieje wiele czynników, które wpływają na to, jak ludzie postrzegają zdjęcie. Kadrowanie, pozycjonowanie, perspektywa, ogniskowa staną się narzędziami, które pomogą Ci je uwzględnić.

Możesz fizycznie przestawiać obiekty, zmieniać rozmieszczenie elementów sceny lub wizualizować możliwy wynik, wyprzedzając moment - to podejście jest odpowiednie. Reporterzy muszą działać, a co najważniejsze myśleć szybko, aby na ułamek sekundy przed upragnionym wydarzeniem byli gotowi na naciśnięcie spustu migawki. Umiejętność uchwycenia „momentu” jest umiejętnością niezbędną do pracy w środowisku ulicznym.

Pamiętaj o malowaniu

Fotografia i sztuka mają ze sobą wiele wspólnego. Obrazy, podobnie jak obrazy, przedstawiają rzeczywistość załamaną przez wyobraźnię i spojrzenie twórcy, który z góry wyobraża sobie, jak powinien wyglądać efekt. Różnica polega na tym, że artysta może zacząć od pustego płótna i dodać lub odjąć wszystko. Fotografowie działają w odwrotnej kolejności, zaczynając od sceny wypełnionej elementami i selektywnie usuwając z niej elementy niepotrzebne. Podobnie jak w malarstwie, źle skomponowany kadr bywa często nieprawdziwy, mylący, gorzej oddający sens sceny. W każdym razie potrzebne jest uważne oko, umiejętność dostrzegania szczegółów i wrażliwość kompozycyjna.

Stres wizualny

Oczywiście „przesłanie” migawki zależy od tego, co wybraliśmy jako jego power point, ale istnieją podstawowe zasady, które należy zawsze brać pod uwagę. Wyeliminuj fragmenty sceny - niech widz sam spróbuje wypełnić puste miejsca. Możesz przyciąć w innej ramce, aby zwrócić uwagę na główną część zdjęcia.

W mocnym zdjęciu z reguły są pewne semantyczne kamienie milowe, które kierują wzrokiem widza, który podąża za nimi, naturalnie poruszając się po scenie. Jeśli ramka zawiera tylko to, co potrzebne, widzowi łatwiej będzie śledzić narrację fotograficzną autora.

Odległość względna

Termin, jeśli chodzi o kompozycję, odnosi się do dystansu między kluczowym obiektem a resztą detali, a jego efekt jest podobny do dodawania napięcia. Podstawowa zasada jest taka sama – nie komplikować przekazu. Na przykład, jeśli dwie osoby idą w przeciwnych kierunkach, wygląda to bardziej atrakcyjnie niż przekraczanie ich w tym samym miejscu. Śledzenie względnych odległości między pierwszym planem a tłem jest ważne dla dobrego kadrowania. Konieczne jest, aby elementy tematyczne nie nakładały się na siebie, a akcenty w tle nie odciągały wzroku od głównego skupienia. Dobrą sztuczką jest zrobienie „celowniczego” ujęcia tła, a następnie poczekanie, aż pierwszy plan będzie odpowiedni. Może to zająć dużo czasu, ale to się opłaca.

Właściwe wypełnienie ramy

Znany fotograf Robert Capa powiedział kiedyś: „Jeśli twoje zdjęcie nie jest wystarczająco dobre, to nie jesteś wystarczająco blisko”. Autor nie musi jednak z całych sił uzbroić się w teleobiektyw i skalę. Musisz fizycznie się poruszyć, zbliżyć do obiektu, zanurzyć się w scenie. Takie podejście pomoże jednocześnie odciąć niepotrzebne szczegóły, skupić się na głównym elemencie i jego ramie. Prawidłowe wypełnienie kadru pomoże przekazać widzom przekaz fotograficzny, wzmocni dynamikę kadru i nada mu dramatyzmu. Na przykład portret w zbliżeniu jest znacznie bardziej intymny i znaczący niż portret pełnometrażowy, ponieważ modelka natychmiast patrzy w oczy widza. W fotografii ulicznej trik też się sprawdza.

Trzeba dać widzom poczucie obecności w kadrze, znaleźć odpowiedni kontrast między obiektem a tłem, aby obraz bardziej na niego wpłynął. Jeśli przesadzisz i odetniesz niezbędne elementy sceny, nie będziesz w stanie wypełnić kadru. Trzeba się ciągle ruszać, robić dużo zdjęć, sprawdzać, co w nich działa, by wzmocnić efekt. Unikaj używania obiektywów zmiennoogniskowych, nie bądź leniwy, lepiej polegaj na stopach. Dobra, szybka naprawa i własne nogi to najlepszy przyjaciel fotografa.

Staraj się nie przycinać ramki

Może ta opinia Drew Hoppera jest subiektywna, ale stara się unikać kadrowania. O wiele ciekawsze jest doskonalenie kompozycji poprzez bezpośrednią pracę z aparatem. To nie tylko oszczędza czas na komputerową obróbkę, ale także sprawia, że ​​fotograf jest bardziej spostrzegawczy. Oczywiście wszystko zależy od sytuacji, ale ćwiczenie doskonalenia składu i tak jest satysfakcjonującym zajęciem.

Wzory rytmiczne i powtórzenia

Ozdoby, jakie tworzą linie w kadrze, są estetyczne, ale lepiej, jeśli ich nieskończoność zostanie przerwana, a rysunek przerwany. Pod względem kompozycyjnym technika wzmocni oddziaływanie obrazu na widza. Kiedy ornament na zdjęciu jest rytmicznie powtarzany, buduje podstawę harmonii zdjęcia. Jeśli zaczniemy eksperymentować z liniami, obrazy na zdjęciach ożywają i stają się dynamiczne.

Istnieją dwa sposoby wykorzystania powtórzeń - wzory mogą być podkreślone lub łamane. Wypełnienie kadru rytmicznymi ornamentami zwraca uwagę widza na obraz. Pozwala to skupić się na głównym szczególe, nadać obrazowi głębię i złożoność. Na przykład powtórzenie dobrze sprawdza się w przypadku ściany z cegły, tak jak zrobił to Drew Hopper. Kiedy wzór zaczyna się łamać, w ramie narasta napięcie.

To świetna technika skupiania uwagi na głównym temacie sceny. Na przykład linia prosta, która gwałtownie zmienia kierunek, przenosi wzrok widza na środek kompozycji. Połączenie głównego tematu i przyciągającego uwagę wzoru pomaga zwiększyć uwagę odbiorców i sprawić, że przyjrzą się obrazowi z bliska.

Kiedy mówimy o tym, jak najlepiej fotografować, mamy na myśli to, jak robić DOBRE zdjęcia. W końcu każdy, kto bierze do ręki aparat, chce mieć DOBRE OPRAWY. Jak można to osiągnąć? Niestety, nie ma jednego uniwersalnego przepisu. Każdy odnajduje i idzie swoją własną drogą, ale tę drogę można znacznie skrócić, jeśli zamiast uczyć się na własnych „gorzkich doświadczeniach”, skorzystać z doświadczenia i wiedzy zgromadzonej przez stulecia doświadczeń artystów i kilku pokoleń fotografów.

Przejdźmy więc do drugiej lekcji fotografii i pierwszych warsztatów w pełnym formacie. W poprzednim numerze ze względu na brak miejsca nie byliśmy w stanie zmieścić wszystkiego, co było zamierzone. Począwszy od tego numeru czasopisma, każdy warsztat postaramy się podzielić na trzy części:
Zakończenie poprzedniego tematu, tym razem „Punkt i kąt strzału”.
Krótka wycieczka teoretyczna i najbardziej wizualne ujawnienie głównego tematu - „Światło w fotografii”.
Wizualna zapowiedź głównego tematu kolejnego numeru na przykładzie przykładów najczęstszych błędów popełnianych przez początkujących fotografów-amatorów - „Wybór właściwej ekspozycji”.

Punkt i kąt strzału

Mówiąc o punkcie fotografowania i kącie, rozumiemy, że nie ma znaczenia, kto się porusza – temat czy fotograf. W każdym razie zmiana położenia aparatu i obrazu fotograficznego pozwala na zbudowanie kadru, najważniejsze jest, aby wybrać odpowiedni moment na naciśnięcie przycisku… Wczoraj, dziś i zawsze wybór miejsca fotografowania, kąt, moment fotografowania i kadrowania to proces, który zapewnia konstrukcję kadru i stworzenie podstawy fotografii... Dlaczego podstawy? Bo wciąż jest światło – najpotężniejsze narzędzie, które tworzy obraz, a jest wiele aspektów technicznych, które zapewniają techniczną jakość fotografii.
Mając na uwadze konstrukcję ramy, często mówią o rysunku liniowym, o kompozycji, fabule, obrazie ... Istnieje wiele podejść do badania tego zagadnienia, z których każdy jest dobry na swój sposób. Skoncentrujemy się na praktycznej stronie procesu fotograficznego, zwracając uwagę na ważne punkty psychologiczne i tylko w razie potrzeby dotykając elementów „nagiej” teorii. Zanim przejdziemy dalej, zadajmy sobie pytanie: czym różni się dobra fotografia od złej? Dlaczego jeden obraz jest godny podziwu, a drugi nie?

Konwencjonalnie można wyróżnić trzy poziomy fotografii. Pierwszy poziom - film dokumentalny, kiedy początkujący fotograf-amator po prostu uchwyci odcisk rzeczywistości, którą obserwuje. To jest codzienny dokument: „Ja i moi przyjaciele; moja rodzina; Jestem na tle pomnika; świętujemy...; mój ulubiony kot". Tutaj z reguły nie warto nawet mówić o konstrukcji ramowej. Fotograf nie myśli jeszcze o kompozycji i fabule, zadaniem jest jej naprawienie „na pamiątkę”. W takich obrazach nie ma objętości, są płaskie i dwuwymiarowe. Kawałek życia 10×15, interesujący dla autora i uczestników zarejestrowanych wydarzeń.

Na drugim poziomie w przenośni, powstaje zrozumienie ramy. Zrozumienie, że dla widza wszystkie elementy uchwycone na fotografii oddziałują ze sobą, tworząc niezależny obraz, i RAZEM powinny nieść ładunek semantyczny. Fotograf nie tylko fotografuje ciekawe obiekty, tworzy kompozycję, w której pojawia się nowe piękno, rozpływające się w przestrzeni i niewidoczne dla zwykłego oka. Autor rozważa już skrót perspektywiczny, plan, perspektywę. Może jeszcze nie ma w fotografii tematu, który wywoła burzę emocji, ale obraz staje się interesujący przynajmniej z punktu widzenia: jak to się robi? Tutaj w płaskim druku pojawia się trzeci wymiar. I są dość proste techniki, które pomagają uzyskać zdjęcie wolumetryczne.
Trzeci poziom - wątek. Gdy w kadrze pojawia się nie tylko ciekawy obraz, ale pojawia się również ruch, wywołujący żywe emocje u większości widzów. Na płaszczyźnie pojawia się czwarty wymiar - odgaduje ruch czasu. Czujemy, co wydarzyło się przed momentem zdjęcia i co będzie po nim. Wielka fotografia to małe życie. Jednocześnie fotograf z reguły nie myśli już o stosowanych przez siebie technikach. Jego świadomość jest wolna i skupiona tylko na obrazie. Obchodzi go co, a nie jak.
Oczywiście nie da się od razu przejść z pierwszego poziomu na trzeci. Droga do mistrzostwa przebiega przez kilka etapów: wiedza, zrozumienie, umiejętności, umiejętności... Zadaniem naszego warsztatu jest pomoc w przejściu pierwszego i drugiego etapu. Reszta jest w Twoich rękach.

Aby więc nauczyć się fotografować, trzeba nauczyć się posługiwać środkami fotograficznymi. Biorąc pod uwagę wysoką inteligencję nowoczesnych aparatów, które oszczędzają wiele kłopotów, początkujący fotograf musi przede wszystkim zrozumieć, co włożyć w kadr, a czego nie: pod jakim kątem, pod jakim kątem, na jaka skala? Wszystko, co znajdzie się w kadrze, będzie składało się na kompozycję fotografii (Kompozycja - z łac. - kompozycja, kompozycja, aranżacja, ujednolicenie poszczególnych elementów w jedną harmonijną całość).
Albo nie. Możesz dostać tylko zestaw osobnych elementów, nawet jeśli zostały technicznie sfilmowane w wysokiej jakości. Kompozycja niestety nie istnieje obiektywnie i niezależnie od osoby, ma sens tylko w ramach światopoglądu, przede wszystkim estetycznego. Można więc mówić o zasadach i środkach kompozycji w oparciu o fizjologiczne podstawy percepcji i część subiektywnego doświadczenia, która jest wspólna dla większości ludzi. Przejdźmy jednak do rzeczy.

Naszym zadaniem jest zbudowanie czegoś z niczego. Dla jasności, prostoty, a co najważniejsze, dla powtarzalności naszych praktycznych badań, jako obiekt do strzelania wybraliśmy pewną liczbę monet i klapę ostryg (zwykłą muszlę). Arbitralnie połóż to wszystko na najzwyklejszym stole. Zdjęcie, jak widać (zdjęcie 1, widok z góry), nie należy do najatrakcyjniejszych.
Spróbujmy, nie ruszając się niczym, znaleźć punkt strzelecki i kąt, który da choć trochę kompozycji w kadrze.

SERIA 1. Pierwszą rzeczą do zrobienia jest „celowanie”, szukanie najlepszego kąta i punktu strzeleckiego. Poruszanie się po martwej naturze. Zwykle takich zdjęć oczywiście się nie robi, wystarczy spojrzeć przez wizjer, by zrozumieć, że ramka „nie jest zbudowana”.

Zdjęcie 2 (po lewej - na dole). Ogólnie rzecz biorąc, okazało się, że jest to ładny obrazek. Połysk monet, faktura muszli, wzór cienia. Plusem zdjęcia jest lokalizacja zlewu. „Utrzymuje się” w jednym z węzłów zgodnie z zasadą trzech trzecich*.
Monety zajmują pozostałe trzy węzły uwagi. Dzięki temu obraz odbierany jest jako stabilny i zrównoważony. Ale dalsza praca z tym zdjęciem jest bezużyteczna. Nie da się tu zbudować ujęcia wielopłaszczyznowego. Muszla i monety znajdują się prawie na tym samym poziomie w stosunku do widza. Ponadto taka kompozycja jest nieprzyjemna. Oba obiekty są w równowadze. Kłócą się ze sobą. W tym przypadku pytanie: „kto jest silniejszy?” - pozostaje bez odpowiedzi. Przenieśmy się jeszcze trochę.
Zdjęcie 3 (po prawej - na dole). Zlew znajduje się w prawym dolnym rogu. Zgodnie z zasadą lewej ręki **, ruch spojrzenia przechodzi od lewego górnego rogu do prawego dolnego i opiera się o muszlę. Ona trochę spowalnia oczy. Dodatkowo rama staje się niewyważona***.
Lewy górny róg jest pusty i skupiamy się na zlewie. Ale muszla z tej perspektywy nie jest na tyle ciekawa, by przyciągać uwagę. Na zdjęciu nie ma fabuły.
Zatrzymaliśmy się przy zdjęciu, na którym umywalka znajduje się w lewym górnym rogu. Spróbujmy teraz wzmocnić zmysł planowania, głębię obrazu. Należy pamiętać: im bliższy kątowi widzenia prostopadłej opuszczonej na płaszczyznę, tym mniej planów będzie na zdjęciu. Musisz szukać punktu widzenia, aby obiekty znajdowały się w różnych odległościach od siebie i fotografa.

SERIA 2. Jeśli wcześniej obracaliśmy się wokół obiektów zgodnie z ruchem wskazówek zegara, teraz kamera będzie poruszać się głównie wzdłuż warunkowej sfery niebieskiej oraz zbliżać się i oddalać w stosunku do obiektu.
Zdjęcie 1 (poszukiwanie głębi 1). Plus - zdjęcie zostało zrobione zgodnie z zasadą trzech trzecich. Dolna trzecia część to blat stołu, który tworzy wrażenie „powietrza” na zdjęciu. Górne dwie trzecie to monety i muszla. Monety, jeśli przyjrzysz się uważnie, tworzą dwa łuki, dwa fronty. Jest w tym pewien element rytmu*.
* Rytm w fotografii to harmonijne przeplatanie się geometrycznych kształtów, plam i linii. Służy do wyrażania ekspresji.
Głębia stała się nieco głębsza niż na poprzednich obrazach, ale wciąż niewystarczająca. Nie ma stabilności, równowagi. Spróbujmy zejść jeszcze niżej.

Zdjęcie 2 (poszukiwanie głębi 2). Nasiliło się poczucie perspektywy. Na blacie pojawił się blask monet i cień zlewu. Oczywiste strzały z pierwszego i drugiego planu oraz monety oddalające się w dal to strzały odległe. Ale teraz rama się nie wypełnia. Próbuję zmienić skalę.

Zdjęcie 3 (kupa. Zbliżenie 1). Podszedł, ale wydaje się zbyt silny. Wyraźna dominacja muszli i „zrzut” monet na pierwszym planie. Ten obraz nie budzi żadnych emocji. Ale jeśli zadaniem jest pokazanie nieporęczności pozornie małych przedmiotów, to punkt strzału, kąt, plan – wszystko jest dobrze dobrane. Nie dążyliśmy jednak do tego efektu, dlatego postaramy się zmniejszyć powłokę w oprawie i zwiększyć wagę monet.

Zdjęcie 4 (zbliżenie 2). Zbliżamy się. Mimo oczywistego przestrzegania zasady trzech trzecich, zdjęcie nie wygląda harmonijnie. Spróbujmy trochę zmienić kąt w tej samej skali.

Zdjęcie 5 (zbliżenie 3). Powłoka przesunęła się nieco w prawo i wygląda jak dziób statku, który przecina „fale monet”. To pierwsza rzecz, jaka przychodzi mi do głowy. Nie jest to może najtrudniejsze skojarzenie, ale wystarczy, że fotografia pobudza wyobraźnię. Nie będziemy tu dalej szukać. Spróbujmy znaleźć nowy kąt.

Zdjęcie 6 (Plan większy). Usuń bałagan z pierwszego planu, przesuń go na bok. Trochę pomniejszony, aby pokazać powłokę. Ponownie pojawiła się różnorodność: monety z pierwszego planu przez środek idą za zlew. Ciekawa faktura. Pojawia się równowaga: lewy górny róg i prawy dolny róg zajmują zlew i monety. Między nimi tworzy się wizualny korytarz, który biegnie od lewej do prawej. Przy dużej liczbie plusów jest też znaczący minus: obraz faktycznie dzieli się na dwie równe części. Muszla i monety kłócą się między sobą.

Zdjęcie 7 (zbliżenie na lewo od 2.). Trochę zwiększamy plan. Zachowane jest planowanie ze względu na „łuk monety”. Spróbujmy znaleźć nowy kąt.

Zdjęcie 8 (nowy kąt 1). Całkowicie niezrozumiałe jest, co robi umywalka na zdjęciu. Zasada jest prosta: wszystko, co jest możliwe, należy usunąć z ramy. Jeśli zlew zniknie, nic się zasadniczo nie zmieni. Ale stoimy przed zadaniem usunięcia zarówno monet, jak i muszli - tak, aby wszystko grało.

Zdjęcie 9 (nowy kąt 2). Zwiększona obecność muszli. Są plany: przedni z odbiciem, środkowy z przedmiotami, tylny - "powietrze". Przestrzegana jest zasada trzech trzecich. Na blacie pojawiło się odbicie. Na muszli utworzyło się coś w rodzaju „drapieżnika”. Wydaje się, że pożera monety. Dominację muszli podkreśla skłonność do niej. Zwiększmy nieco ten efekt.

Zdjęcie 10 (całkowity tandem 1). W zasadzie tę migawkę można uznać za rodzaj podsumowania. Jest bardzo wyraźny obraz „agresywnej powłoki”.

Fot. 11 (łącznie tandem 2). Próbowaliśmy zmienić plon. Aby to zrobić, podnieśliśmy soczewkę, a zlew w ten sposób opadł. Dwie trzy są zajęte tematami. Na pierwszym planie blat z odbiciem. Rama nie wydaje się zatłoczona przedmiotami. On „oddycha”.

SERIA 3. W poprzednich seriach ujęć w niewielkim stopniu korzystaliśmy z pochylenia aparatu. Spróbujmy pobawić się tą możliwością. Wiele osób boi się obracać aparatem. I zupełnie na próżno. Czasami przechylanie może dać ciekawe rezultaty.

Zdjęcie 1 (nachylenie 1). Wszystko wypadło z kadru. Monety są prawie niewidoczne, nie jest jasne, jaka tekstura znajduje się po prawej stronie. Spróbujmy sprowadzić wszystko z powrotem do kadru i zachować pochylenie.

Zdjęcie 2 (nachylenie 2). Obiekty są wyraźnie przypisane w kadrze, ale ich nachylenie pokrywa się z przekątną naturalnego spojrzenia (zasada lewej ręki) i dlatego jest całkowicie nieczytelne. Nie ma więc dynamiki ruchu, jest poślizg. Gdybyśmy chcieli osiągnąć wrażenie poślizgu, to byłoby w porządku z tym ujęciem.

Zdjęcie 3 (nachylenie 3. Sugestia ruchu). Zmieniamy nachylenie na przeciwne. Ruch pojawił się, ale niezbyt wyraźny.

Zdjęcie 4 (pełzająca suma). Wzmocniono nieco nachylenie, wzmocniono również efekt ruchu. Muszla zamieniła się w żywe stworzenie, które stara się gdzieś odczołgać, a jednocześnie zostawia za sobą ślad monet. Nie można powiedzieć, że to arcydzieło, ale już ten obraz budzi pewne skojarzenia. Nie ma wierszy jako takich *, ale są zgadywane. Węzły uwagi są zaangażowane zgodnie z zasadą trzech trzecich.

* Wszelkie linie na obrazie są dobrym narzędziem do emocjonalnego oddziaływania na widza. Zakrzywione linie działają kojąco; linie przerywane działają drażniąco; pionowe linie oddają wielkość, siłę, moc; horyzontalny - spokój i pogoda ducha; przekątna - dynamika.
Zasadniczo możesz nadal pracować z ostatecznymi obrazami drugiej i trzeciej serii. Na przykład baw się światłem, cieniami, intensywnością lustrzanego odbicia powierzchni. Wszystko to stworzy dodatkową dynamikę. Praca ze światłem to kolejny temat naszych warsztatów.
A zanim skończymy z tym tematem, chcemy udzielić porady: „Patrząc przez wizjer, wyobraź sobie, co widzisz w oprawionym zdjęciu na ścianie swojego mieszkania. Jeśli jesteś zadowolony - śmiało, ale ostrożnie naciśnij przycisk "migawka", jeśli nie - kontynuuj wyszukiwanie kąta.

* Zasada trzech trzecich. W pionie i poziomie rama jest konwencjonalnie podzielona na trzy równe części. Wszelkie powierzchnie najlepiej układać w stosunku 1:2. Na przykład umieść niebo w górnej części obrazu. W dolnej dwójce - ziemia. Albo na odwrót. Taki układ pozwala określić, co dominuje na obrazie, na czym kładzie się nacisk. Ponadto na przecięciu dwóch pionowych i dwóch poziomych linii, które umownie dzielą obraz na części, powstają cztery „węzły” uwagi. Najlepiej umieszczać w nich przedmioty.
** Reguła lewej ręki. Większość ludzi najpierw spogląda w lewy górny róg obrazu, a następnie ich wzrok przesuwa się w prawy dolny róg. Jeśli na przykład musisz wybrać drogę na zdjęciu, lepiej zacząć od lewego dolnego rogu do prawego górnego rogu. W ten sposób na ścieżce naturalnego ruchu spojrzenia od lewej do prawej, „potknie się” o granicę jezdni i ją uwypukli. W przeciwnym razie droga po prostu zgubi się w obrazie.
*** W fotografii występują dwa rodzaje równowagi: formalna i nieformalna. Formalną równowagę uzyskuje się dzięki absolutnej symetrii po lewej i prawej stronie optycznego środka obrazu. Tak wyważona kompozycja podkreśla dostojeństwo, stabilność i konserwatyzm obrazu. Równowagę można osiągnąć w inny sposób, umieszczając elementy o różnych rozmiarach, kształtach, intensywności koloru w różnych odległościach od środka optycznego. To jest nieformalna równowaga. To sprawia, że ​​zdjęcie jest bardziej pomysłowe i bogate emocjonalnie.

_______________________

Każdy z nas nie raz spotkał fotografie, które uderzały swoim pięknem i oryginalnością: nie sposób oderwać od nich wzroku, mają bogatą historię tworzenia i dopracowane w najmniejszym szczególe. Wydaje się, że aby stworzyć takie dzieło sztuki, trzeba zaopatrzyć się w dobry aparat i zacząć fotografować, ale tak naprawdę to wcale nie wystarczy.

Lwia część sukcesu fotograficznego zależy od tego, jak dobrze mistrz dopracował szczegóły kompozycyjne i cechy swojej pracy. Czasem w tym momencie można kierować się ogólnie przyjętymi zasadami, które są znane każdemu artyście, ale często odchodzą od nich profesjonaliści w swojej dziedzinie, stosując niezwykłe techniki, dzięki którym fotografia staje się naprawdę genialna.

Rzeczywiście, kompozycja jest głównym sposobem na upiększenie zdjęcia lub odwrotnie - zrujnowanie wszystkiego w nim. Żadna, nawet najbardziej zaawansowana technika nie wystarczy, aby znaleźć odpowiednią kompozycję ramy - ten biznes wymaga skrupulatnego studiowania, eksperymentowania i nigdy nie przestawaj szukać kątów i opcji konstrukcji ramy. W tym artykule opowiemy Ci o wielu technikach kompozycyjnych, które pomogą Ci uczynić Twoje zdjęcie bardziej oryginalnym i profesjonalnym.

Zasada trójpodziału

Popularna zasada kompozycyjna „Prawo Trzecich” polega na podzieleniu kadru na sześć równomiernie rozmieszczonych linii, z których trzy są poziome, a trzy pionowe. To właśnie to prawo mówi nam, że nie powinniśmy próbować umieszczać fotografowanego obiektu dokładnie w środku - to zdezorientuje widza, ponieważ nie zrozumie, która połowa obrazu jest główna. Punkty, które tworzą się na przecięciu linii, są węzłami uwagi. To na nich należy umieszczać przedmioty i ludzi, skupiając na nich uwagę. Również w tym celu możesz wykorzystać same linie, a raczej wybrać jedną z nich.

Symetria i asymetria na zdjęciu

Czasami wyśrodkowanie kompozycji składającej się z małych uporządkowanych linii może być szczególnym pomysłem - wtedy kompozycja „wyśrodkowana”, o której mówiliśmy powyżej, będzie uzasadniona. Często takie zdjęcia zawierają obrazy mostów i schodów. Wtedy lepiej odejść od zasady tercjów i umieścić obiekt z punktem akcentowym na centralnej części – podkreślisz smukłą geometrię, nadasz określony rytm i stworzysz doskonale sprawdzone ujęcie.

Asymetria to bardzo popularna i „działająca” technika w fotografii. Można go znaleźć w pracach różnego typu: pejzaże miejskie, naturalne, portrety, martwe natury. Istotą metody jest prawidłowe umieszczenie obiektu w węźle uwagi, ale jednocześnie stłumienie innych szczegółów kadru.

Rozogniskowanie

Aby ułatwić widzowi umieszczanie akcentów w znaczeniu zdjęcia, można zastosować naprzemienne ogniskowanie i rozmycie obrazu. Każdy obiekt, który wymaga maksymalnej uwagi w kadrze, powinien być wyraźnie widoczny, a wszystko inne powinno być rozmazane. Może to być portret, migawka samochodu ścigającego się po drodze, konia w skoku i wiele więcej.

Niekiedy kompozycja wymaga odwrotnego efektu – gdy ostrość słabnie. Szczególnie wyraziste są ujęcia z rozmytą sylwetką osoby, na tle pięknej ulicy lub stawu. Fotograf zaprasza widza, aby zobaczył nie tylko to, co widzi przez obiektyw, ale także obraz oczami fotografującego modela.

Oprawione zdjęcie

Ramka może być nie tylko w formie drewnianej ramy zdjęcia, ale również wewnątrz samego zdjęcia. Ta artystyczna technika nadaje głębi i wyrazistości. Sklepienia i łuki pięknych budynków, antyczne kolumny, a nawet okna i drzwi, a także naturalni „pomocnicy”: gałęzie drzew, pnącza itp. mogą stać się ramą.

Należy zauważyć, że elementy w tle powinny być ułożone zgodnie z zasadą trójpodziału.

Wybierz korzystny kąt, który pojemnie pokryje ramę i nada jej pożądaną symetrię. W przypadku fotografii pejzażowej rama bardzo mocno rozjaśnia kompozycję, nadając jej artystycznego posmaku.

Tworzenie linii

Jak wprowadzić widza w semantyczny akcent fotografii? Używanie linii, które wyraźnie wskazują kierunek, w którym należy się poruszać. Do tego biznesu nadają się wszystkie rzeczy o smukłym geometrycznym kształcie: drogi, ściany budynków, schody i mosty.

Jeśli widzisz przed sobą dużo poziomych linii, które składają się na ciekawą kompozycję, uczyń z nich podstawę fotografii, a na samym szczycie, trzecie miejsce – obiekt, który będzie ukoronowaniem kompozycji.

Praca z trójkątami i przekątnymi

Geometria w konstrukcji obrazu nadaje mu dynamikę, pogłębia go i pozwala urzeczywistniać kreatywne pomysły artystyczne. Zasada jest prosta: fotograf utrwala obiekty znajdujące się w metodzie promienia – kompozycja jest podzielona na trójkąty, które pokrywają całą strukturę zdjęcia. Idealny do łączenia małych i dużych przedmiotów: lewy, prawy, górny i dolny. Najważniejsze jest, aby uniknąć grupowania w centrum i nadać obrazowi niestandardową symetrię.

Struktura

Fotografując budynki, ciekawe obiekty architektoniczne, place, skwery, stare ulice, ważne jest oddanie atmosfery miejsca, podkreślenie jego osobliwości. Jedną z technik dodających zdjęciu szczególnego nastroju i estetyki jest nacisk na tekstury, ich dobór, a także powtarzanie drobnych elementów, które pomogą uatrakcyjnić kompozycję.

Techniki te są szczególnie dobrze i z powodzeniem stosowane na nietypowych nawierzchniach drogowych: kamienna ścieżka, kostka brukowa na drodze, niezwykła ozdoba z płytek, którą chcesz naprawić.

Parzysty i nieparzysty parzystość w fotografii

Jedno z praw fotografii mówi: w kadrze musi być nieparzysta liczba obiektów. Wynika to z faktu, że widzowi łatwiej jest dostrzec obraz z określonym akcentem kompozycyjnym. Jeśli zobaczysz przed sobą trzy osoby, uwaga automatycznie skupi się na centralnej postaci. Zgodnie z tą logiką, dwa obiekty lub osoba w kadrze dezorientują widza. Ale jeśli zrobisz zdjęcie z żywą historią, w której dwóch rozmówców znajduje się w centrum kadru, możesz odejść od reguły. Postaraj się żywo pokazać gesty ludzi, ich emocje i mimikę, elementy artykulacji - wtedy obraz będzie interesujący do oglądania przez długi czas.

Wypełnianie ramki

Podstawą techniki wypełniania jest zbliżenie pozbawione tła. Ludzka twarz, głowa zwierzęcia czy jakikolwiek inny obiekt, na przykład budynek o pięknej architekturze – wszystko, co jest godne uwagi i potrafi uchwycić szczegóły, może stać się centrum kompozycji kadru. Wystarczy trochę nieba na górze i na krawędziach, wystarczy dolna pozioma linia - i teraz obrazek jest poprawnie wypełniony. Odbiór jest szczególnie dobry w fotografii portretowej, gdzie ważne jest podkreślenie oczu.

Dodaj powietrze do ramy

Piękny obiekt na tle nieba, samotne drzewo na pustej działce, latarnia morska otoczona wodą, człowiek w środku krajobrazu – takie minimalistyczne podejście do tworzenia kompozycji i dużo wolnej przestrzeni sprawiają, że obraz jest „łatwiejszy” , dzięki czemu widz może łatwiej dostrzec informacje i je zinterpretować. Tworząc ujęcia z wolną przestrzenią i powietrzem, pozwalasz swojej pracy bardziej oddychać.

Stawiamy na wygląd

Jeśli chodzi o fotografowanie portretów, najważniejszą rzeczą, jaką należy wiedzieć o kompozycji, jest pamiętanie o oczach. Tylko w ten sposób, kładąc na nich główne akcenty, przekażesz wszystkie emocje i myśli człowieka, jego historię i obecny stan. Nie zapomnij o zasadzie trójpodziału: umieść linię oczu na górze oprawki. Nawiasem mówiąc, technika działa nie tylko na ludzi, ale także na zwierzęta.

Eksperymentowanie z kątami

Większość fotografii ludzkiej obejmuje kąt na poziomie oczu modela, w pozycji stojącej. Ta technika jest standardem i jest stosowana przez wielu mistrzów - w ten sposób najpoprawniej i naturalnie pokażesz proporcje sylwetki modelki. Warto jednak pamiętać, że zmiana symetrii linii i zabawa kątami może sprawić, że zdjęcie będzie oryginalne i niezwykłe – w takich przypadkach bardzo często udaje się przekazać ideę projektu.

Na przykład fotografując psa skaczącego z niskiego punktu, wizualnie zwiększasz odległość między ziemią a jego łapami, tworząc wyrazistość semantyczną. W przypadku pejzaży z dużą ilością interesujących obiektów nie bój się fotografować z góry. Bardzo ważne jest, aby zmienić pozycję kamery, aby znaleźć coś własnego, najbardziej odpowiedniego.

Praca z kolorem

Ważną rolę w kompozycji odgrywa również kolor. Za pomocą kolorów i ich umiejętnego połączenia oddasz nastrój oprawy i wszystkie emocje. Fotograf musi studiować kolorystykę, ale najpierw możesz użyć specjalnej tabeli kolorów, z której korzystają projektanci, artyści i inne kreatywne osoby. Umiejętność łączenia odcieni i tworzenia pełnego obrazu to ważna umiejętność, która przeniesie Twoje rzemiosło na wyższy poziom.

Tworzenie ruchu i wybór kierunku

Każdy ruch jest postrzegany przez osobę od lewej do prawej - tak jesteśmy stworzeni. Podczas fotografowania pamiętaj o tym szczególe i wykorzystuj go w swojej pracy. Np. po drodze pędzi samochód, a po leśnej ścieżce rower, człowiek biegnie, a jego pies próbuje dogonić latający kij - każdy ruch z dynamiką powinien być skierowany w prawą stronę.

Bardzo ważne jest, aby nie zapomnieć o pozostawieniu pustej przestrzeni z przodu, co pomoże lepiej zrozumieć dynamikę kompozycji i kierunek, w którym zmierza bohater obrazu. Dobrze dobrany i zbudowany kierunek ruchu potrafi zdziałać cuda z dynamiką fotografii.

Saldo

Jeśli przed Tobą ulica miejska z piękną latarnią, ułóż ją zgodnie z zasadą trójpodziału i umieść elementy drugorzędne w kadrze – powinny być w pewnej odległości: np. po drugiej stronie drogi. Ta technika zrównoważy obraz, zrównoważy go strukturalnie. W tym przypadku latarnia nadal będzie dominować, ale w kompozycji pojawi się organiczność, stanie się ona ciekawa artystycznie. Unikaj pojedynczych sylwetek, które przecinają zdjęcie.

Kontrast w kadrze

To jedna z najbardziej wyrazistych technik, która nadaje obrazowi niepowtarzalny klimat i odzwierciedla dwie strony rzeczywistości. Stare i nowe, czarno-białe, zabawne i smutne, dzieci i starzy, dynamika i statyka - kontrasty zawsze wygrywają i mają swój własny pomysł filozoficzny.

Wykorzystaj powyższe techniki kompozycyjne w swojej praktyce fotograficznej, a na pewno znajdziesz własne - takie, które dodadzą Twojej pracy zapału i oryginalności. Nie bój się patrzeć na świat przez obiektyw z różnych punktów, eksperymentuj z perspektywą i proporcjami, skupieniem i rozmyciem – to jedyny sposób, w jaki Twoja kreatywność będzie wyjątkowa.

Wyobraź sobie, że masz przed sobą płaszczyznę arkusza, absolutnie niezapełnioną żadnymi elementami obrazu. Mówiąc najprościej, pusta karta. Jak jest przez nas postrzegany? Oczywiście płaszczyzna prześcieradła nie niesie żadnych informacji, jest przez nas postrzegana jako bezsensowna, pusta, niezorganizowana. Ale! Wystarczy na nim nałożyć dowolne miejsce lub linię, obrys i ten samolot zaczyna ożywać. Oznacza to, że nasze elementy obrazowe, dowolne - plamka, kreska, kreska - wchodzą z nią w przestrzenne połączenie, tworząc swego rodzaju więź semantyczną. Mówiąc najprościej, samolot i dowolny element na nim zaczynają wchodzić w interakcje, prowadzić ze sobą dialog i zaczynają „opowiadać” nam o czymś.

Otrzymujemy więc najbardziej prymitywną kompozycję, którą nawet trudno tak nazwać, ale to jest to.

Dalej. Ty i ja mamy jedno uniwersalne narzędzie dane nam przez naturę, to nasze oczy, nasza wizja. Tak więc nasze oko widzi i postrzega otaczający nas świat w proporcjach i proporcjach. Co to znaczy? Nasza wizja potrafi wyczuć harmonię i to, co nie jest harmonijne. Nasze oko jest w stanie znaleźć różnicę między rozbieżnością między rozmiarami poszczególnych części a całością lub odwrotnie, aby zobaczyć pełną korespondencję. Wzrok jest w stanie wyczuć kombinacje kolorystyczne, które nie podrażniają oczu lub odwrotnie – mogą być zupełnie nieharmonijne. Powiem więcej, nasz naturalny instynkt od samego początku, czy ci się to podoba, czy nie, dąży do poczucia harmonii we wszystkim. A podświadomie zobowiązuje uczuciem do komponowania przedmiotów i ich części tak, aby ani jedna część kompozycji nie okazała się obca lub nieproporcjonalna. Po prostu potrzebujesz naucz się słuchać swoich uczuć i zrozumieć, jak osiągnąć harmonię, czyli zrobić dobrą kompozycję. Każdy.

Pójść dalej. Przyjmijmy jakąś formę, na przykład okrąg i spróbujmy umieścić go w różnych miejscach na płaszczyźnie arkusza. Widzimy, czujemy, że w niektórych przypadkach zajmie stabilniejszą pozycję, w innych będzie niestabilny. Rysunek po lewej: zobacz jak działa nasza wizja - wydawałoby się, że najbardziej stabilnym miejscem dla okręgu jest zbieżność jego środka z geometrycznym środkiem płaszczyzny arkusza (rysując ukośne linie od rogu do rogu arkusza, możemy uzyskaj środek arkusza na przecięciu tych linii). To jednak nie wszystko. Ze względu na złudzenie optyczne (oko nieznacznie przecenia górną część płaszczyzny, a zaniża dolną część), okrąg jest postrzegany jako lekko przesunięty w dół. Czy czujesz, jak koło jest przyciągane do podstawy kwadratu? Krąg nie jest wyraźnie wyczuwalny ani pośrodku, ani poniżej, a to powoduje niezrozumienie jego położenia, odczuwa się dysharmonię. Jak osiągnąć harmonię? W jakiej pozycji powinien znajdować się okrąg, abyśmy mogli go harmonijnie postrzegać w płaszczyźnie prześcieradła? Oczywiście trzeba go trochę przesunąć. Zobacz zdjęcie po prawej. Czy krąg jest stabilny? Zajmuje dokładnie swoje miejsce na placu. Dzięki temu nasza najprostsza kompozycja będzie bardziej harmonijna, a przez to bardziej poprawna.
Zrozumienie: płaszczyzna i przedmiot tworzą rodzaj warunkowego połączenia przestrzennego, które możemy skorygować.

Nasz samolot początkowo ma pewną strukturę warunkową, nawet jeśli nie ma na nim jeszcze ani jednego elementu. Płaszczyznę można podzielić na osie - poziomą, pionową, ukośną. Otrzymujemy strukturę - spójrz na obrazek po lewej. W centrum płaszczyzny (środek geometryczny) wszystkie siły tej ukrytej struktury są w stanie równowagi, a środkowa część płaszczyzny jest odbierana aktywnie, a niecentralna pasywnie. Tak się czujemy. To postrzeganie przestrzeni warunkowej, więc nasza wizja szuka spokoju. To zrozumienie jest raczej arbitralne, ale prawdziwe.

Oko szuka harmonii w tym, co obserwuje - determinuje centrum naszej kompozycji, która wydaje mu się bardziej aktywna, wszystko inne jest bardziej pasywne. Oto, co może nam dać tylko przestudiowanie jednej pustej płaszczyzny arkusza. Co więcej, to może nam dać tylko badanie jednego kwadratowego kształtu, płaszczyzny arkusza. Ale zasada jest taka sama. Chodzi o strukturę płaszczyzny arkusza.

Ale rozczłonkowanie płaszczyzny lub skomponowanie kompozycji jednego elementu na arkuszu byłoby zupełnie niewystarczające. Jest nudny i nie potrzebuje nikogo, ani ciebie, ani widza. Zawsze jest więcej, bardziej urozmaiconych i dużo ciekawszych.

Spróbujmy teraz skomponować inną kompozycję, ale z kilkoma uczestnikami. Zobacz zdjęcie po lewej. Co widzimy, co czujemy? I czujemy, że nasza kompozycja nie jest harmonijna, bo poszczególne jej części nie są zrównoważone. Tematy są mocno przesunięte w lewo, pozostawiając po prawej stronie pustą, niepotrzebną, nieużywaną przestrzeń w kompozycji. A oko zawsze dąży do zrównoważenia wszystkiego i osiągnięcia harmonii. Co musimy tutaj zrobić? Naturalnie zrównoważ poszczególne części kompozycji tak, aby harmonijnie tworzyły jedną dużą kompozycję i były częścią jednej całości. Musimy upewnić się, że nasza wizja jest wygodna.

Spójrz na zdjęcie po prawej. Czy tak czujesz się bardziej harmonijnie? Myślę, że tak. Co to znaczy? W wizualnej percepcji elementów i płaszczyzny arkusza oraz w analizie ich połączeń: odczuwalny jest wpływ sił wewnętrznych konstrukcji płaszczyzny na zachowanie elementów figuratywnych. Co to znaczy? Nasze elementy uczestniczące w kompozycji współgrają z warunkowymi ukośnymi, pionowymi i poziomymi osiami płaszczyzny. Udało nam się osiągnąć stabilną równowagę wizualną wszystkich elementów kompozycji względem geometrycznego środka. Nawet jeśli żadna postać nie znajduje się tutaj pośrodku, to one równoważą się, tworząc razem środek tam, gdzie oczekuje tego wizja, dlatego wygodniej jest patrzeć na ten rysunek niż na poprzedni.

A jeśli dodasz jeszcze kilka elementów, to w tym przypadku powinny one być nieco słabsze pod względem wielkości lub odcienia (lub koloru) i w określonym miejscu, aby nie zburzyć wizualnie geometrycznego środka kompozycji, w przeciwnym razie będziesz miał zmienić układ elementów, aby ponownie uzyskać harmonię, czyli harmonijną percepcję. Dotyczy to koncepcji- geometryczny środek kompozycji, które teraz wprowadziliśmy do badania.

Zawsze należy dążyć do stabilnej równowagi wizualnej wszystkich elementów kompozycji w różnych jej kierunkach - w górę iw dół, w prawo i w lewo, po przekątnej. A kompozycja powinna być harmonijna z każdej pozycji, w dowolnym obrocie - odwróć kompozycję do góry nogami, czyli o 90 stopni, powinna też być przyjemna dla oka, bez cienia dyskomfortu. I łatwiej założyć, że geometryczny środek kompozycji znajduje się na przecięciu ukośnych linii lub nieco wyżej, to właśnie w tym miejscu oczy, po obejrzeniu samej kompozycji, jakakolwiek by ona nie była, w końcu zatrzymują się i znajdują” odpoczynek”, uspokaja się w tym miejscu, nawet jeśli nie ma na nim żadnego przedmiotu. To jest miejsce warunkowe. A harmonijna kompozycja jest uważana za taką, gdy nie jest już wymagane wprowadzanie nowych elementów lub usuwanie ich. Wszyscy aktorzy biorący udział w całej kompozycji podporządkowani są jednej wspólnej idei.

Podstawy kompozycji - równowaga statyczna i równowaga dynamiczna

Kompozycja powinna być harmonijna, a jej poszczególne obszary zrównoważone. Idziemy dalej i analizujemy następujące pojęcia:

Równowaga statyczna oraz równowaga dynamiczna... To sposoby na zbalansowanie kompozycji, sposoby na tworzenie harmonii. Metody są różne, ponieważ w różny sposób wpływają na naszą wizję. Powiedzmy, że mamy dwie kompozycje. Patrzymy na rysunek po lewej: co mamy? Mamy kompozycję, w której bierze udział koło i paski. To pokazuje równowagę statyczną koła i pasków. Jak to się dzieje? Po pierwsze, jeśli spojrzysz na ukrytą strukturę arkusza kompozycji, możesz zrozumieć, że jest on zbudowany głównie wzdłuż osi poziomej i pionowej. Więcej niż statyczny. Po drugie: stosowane są elementy statyczne - okrąg i paski, okrąg jest zrównoważony paskami i nie wylatuje z płaszczyzny, a warunkowe geometryczne centrum wizualne znajduje się na przecięciu przekątnych, kompozycję można również oglądać ze wszystkich stron , bez powodowania dysharmonii.
Teraz spójrzmy na zdjęcie po prawej. Widzimy dynamiczną równowagę kilku półokręgów i okręgów z podkreśleniem dominującego koloru. Jak osiąga się równowagę dynamiczną? Jeśli spojrzysz na ukrytą strukturę arkusza, to oprócz poziomej i pionowej osi budowania kompozycji, możesz wyraźnie zobaczyć użycie osi ukośnej. Jego obecność, użycie, daje czerwone koło, które w tej kompozycji jest dominującym, dominującym punktem, obszarem, na który oko zwraca uwagę w pierwszej kolejności. Przedstawiamy koncepcję centrum kompozycji.

Centrum kompozycji. Dominujący

Centrum kompozycyjne, dominanta, jak to rozumieć: w kompozycji po lewej stronie znajduje się pewne centrum kompozycyjne, dominanta, które jest punktem wyjścia kompozycji i któremu podporządkowane są wszystkie inne elementy. Można powiedzieć więcej: wszystkie inne elementy potęgują znaczenie dominanty i „bawią się” z nią.

Mamy dominujący główny bohater i drugorzędne elementy. Pomniejsze elementy można również podzielić na kategorie według ich ważności. Bardziej znaczące - akcenty, a mniej znaczące - drobne elementy. O ich znaczeniu decyduje tylko treść opowieści, fabuła kompozycji, a więc wszystkie elementy kompozycji są ważne i muszą być sobie podporządkowane, „skręcone” w jedną całość.

Centrum kompozycyjne zależy od:

1. Jego wielkość i wielkość pozostałych elementów.

2. Pozycje w samolocie.

3. Kształt elementu, który różni się od kształtu pozostałych elementów.

4. Tekstura przedmiotu, która różni się od tekstury innych przedmiotów.

5. Kolory. Przez zastosowanie kontrastu (kolor przeciwny) do koloru elementów drugorzędnych (jasny kolor w neutralnym środowisku i odwrotnie, lub kolor chromatyczny wśród elementów achromatycznych lub ciepły kolor z ogólną zimną gamą elementów drugorzędnych lub ciemny kolor wśród jasnych ...

6. Rozwój. Główny element, dominanta, jest bardziej rozbudowany niż drugorzędne.

Kompozycyjne i geometryczne środki kompozycji

Kontynuacja... Ta dominanta, rzucający się w oczy element aktywny, wcale nie znajduje się w środku liścia, ale jej ciężar i działanie jest podtrzymywane przez wiele elementów drugorzędnych położonych dalej po przekątnej, naprzeciw tej dominanty. Jeśli narysujesz kolejną przekątną, to po obu jej stronach „waga” kompozycji będzie warunkowo taka sama. Kompozycja jest zrównoważona zarówno w pionie, jak i poziomie oraz po przekątnej. Wykorzystywane są elementy różniące się aktywnością od poprzedniej kompozycji - są bardziej aktywnie zlokalizowane i bardziej aktywne w kształcie. Wprawdzie rozmieszczone są elementarnie, wzdłuż konwencjonalnej siatki, a struktura kompozycji jest prosta, ale poza tym kompozycja ma równowagę dynamiczną, ponieważ prowadzi widza po określonej trajektorii.

Uwaga: kompozycja po prawej nie jest bynajmniej tworzona farbami na papierze, ale bardzo mi się podobała iw zasadzie się nie zmienia, to też jest kompozycja. Kontyntynuj ...

Mówisz, gdzie jest geometryczny środek kompozycji? Odpowiedź brzmi: geometryczny środek kompozycji jest tam, gdzie powinien. Początkowo może się wydawać, że znajduje się tam, gdzie znajduje się dominanta. Ale dominanta jest raczej akcentem, punktem wyjścia kompozycji, czyli centrum kompozycyjnym. Nie zapominamy jednak, że istnieje również ukryta struktura kompozycji, której geometryczny środek znajduje się jak w kompozycji po lewej stronie. Widz kieruje swoje pierwsze spojrzenie na centrum kompozycji, dominujący, ale po zastanowieniu się, a potem po przejrzeniu całej kompozycji, oko wciąż się zatrzymało geometryczny środek, Prawidłowy? Sprawdź sam, podążaj za swoimi odczuciami. Znalazł tam „spokój”, najwygodniejsze miejsce. Od czasu do czasu ponownie przygląda się kompozycji, zwracając uwagę na dominantę, ale potem znów uspokaja się w geometrycznym centrum. Dlatego taki balans nazywa się dynamicznym, wprowadza ruch – uwaga wizualna nie jest rozrzucona równomiernie po całej kompozycji, ale podąża określonym torem, który wykreował artysta. Twoje oko znajdzie ruch w centrum kompozycyjnym, ale nie będzie w stanie się tam uspokoić. I właśnie dzięki udanej konstrukcji kompozycji, a mianowicie prawidłowemu wykorzystaniu geometrycznego środka, jest ona harmonijnie widoczna z każdego zakrętu. I centrum kompozycyjne - z niego kompozycja zaczyna prowadzić dialog z widzem, jest to część kompozycji, która pozwala kontrolować uwagę widza i skierować ją we właściwym kierunku.

Kompozycja statyczna i kompozycja dynamiczna

Tutaj dochodzimy do następujących terminów, które musimy wziąć pod uwagę. Terminy te różnią się znaczeniem od równowagi statycznej i dynamicznej, czyli: dowolną kompozycję można zrównoważyć na różne sposoby. Więc co jest kompozycja statyczna? Jest to stan kompozycji, w którym zrównoważone elementy jako całość sprawiają wrażenie swojej stabilny bezruch.

1. Skład, na podstawie którego można wizualnie wyraźnie zaobserwować wykorzystanie ukrytej struktury arkusza do budowy. W kompozycji statycznej istnieje warunkowa kolejność budowania.

2. Tematy do statycznej kompozycji są wybierane bliżej kształtu, wagi, tekstury.

3. W rozwiązaniu tonalnym jest pewna miękkość.

4. Kolorystyka oparta jest na niuansach - zbliżonej kolorystyce.

Kompozycja dynamiczna, odpowiednio, można zbudować w odwrotny sposób. Jest to stan kompozycji, w którym zrównoważone względem siebie elementy sprawiają wrażenie bycia ruch i dynamika wewnętrzna.

Powtarzam: ale jakakolwiek jest kompozycja, zawsze trzeba dążyć do stabilnej wizualnej równowagi wszystkich składników kompozycji w jej różnych kierunkach - w górę iw dół, w prawo i w lewo, po przekątnej.

A kompozycja powinna być harmonijna z dowolnej pozycji, w dowolnym obrocie - odwróć kompozycję do góry nogami, czyli o 90 stopni, z ogólnymi masami i plamami barwnymi/tonalnymi, powinna być również przyjemnie oglądana, bez cienia dyskomfortu.

Podstawy kompozycji - ćwiczenia

Dodatkowe ćwiczenia można wykonać z gwaszem, jak aplikacja, kredki i inne materiały, z którymi serce chce pracować. Możesz wykonać od ćwiczenia, które wydaje ci się najłatwiejsze lub najbardziej interesujące, do najtrudniejszego.

1. Zrównoważ kilka elementów o prostych kształtach na kwadratowej płaszczyźnie. Postępuj zgodnie z tą samą zasadą, aby skomponować prosty motyw krajobrazu.

2. Z prostych stylizowanych motywów form naturalnych wykonaj szkic kompozycji zamkniętej (nie wykraczającej poza obraz), ujęty w arkuszu. Zamknięta kompozycja - akcja jest skręcona tylko w przestrzeni, z której korzystasz, pełna kompletność. Kompozycje mają ruch kołowy.

3. Uporządkuj kilka trójkątów i okręgów zgodnie z zasadą kompozycji dynamicznej (asymetryczne ułożenie figur na płaszczyźnie), zmieniając kolorystykę, lekkość postaci i tła.

4. Stosując zasadę podziału elementów kompozycji, zrównoważ kilka kształtów o różnych konfiguracjach w formacie prostokątnym. Postępuj zgodnie z tą zasadą, aby wykonać prostą kompozycję na dowolny temat.

5. Od prostych stylizowanych motywów form naturalnych, stosując zasadę artykulacji elementów, szkicuj kompozycję otwartą. Otwarta kompozycja to kompozycja, którą można dalej rozwijać - wszerz i na wysokość.

6. Podziel płaszczyznę arkusza na strukturę warunkową zgodnie z uczuciem i skomponuj na jej podstawie kompozycję: rozwiązanie jest czarno-białe.

Wyraziste środki kompozycji

Wyraziste środki kompozycyjne w sztuce zdobniczej i użytkowej to linia, punkt, plama, kolor, faktura... Środki te są jednocześnie elementami kompozycji. W oparciu o postawione zadania i cele oraz uwzględniając możliwości danego materiału, artysta posługuje się niezbędnymi środkami wyrazu.

Linia jest głównym elementem kształtującym, który najdokładniej oddaje charakter konturów o dowolnym kształcie. Linia pełni podwójną funkcję, będąc zarówno środkiem przedstawienia, jak i środkiem wyrazu.

Istnieją trzy rodzaje linii:

Linie proste: pionowe, poziome, ukośne
Krzywe: koła, łuki
Krzywe o zmiennym promieniu krzywizny: parabole, hiperbole i ich odcinki

Ekspresja skojarzeniowego postrzegania linii zależy od charakteru ich konturu, brzmienia tonalnego i barwnego.

Linie transmitują:

Pionowo - aspiracja w górę

Pochylony - niestabilność, upadek

Linie - ruch zmienny

Falisty - równy, płynny ruch, huśtawka

Spirala - spowolnienie ruchu obrotowego, przyspieszenie w kierunku środka

Okrągły - zamknięty ruch

Owal - dążenie formy do skupienia.

Grube linie wysuwają się do przodu, a cienkie linie cofają się w głąb samolotu. Wykonując szkice kompozycji, tworzą kombinacje pewnych linii, plam, które stymulują manifestację jej właściwości plastycznych i kolorystycznych.

Punkt jest szeroko stosowany jako jeden ze środków wyrazu w wielu dziełach sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Pomaga odsłonić teksturę obrazu, przenieść przestrzeń warunkową.

Miejsce to służy do rytmicznej organizacji nieobrazowych motywów zdobniczych. Plamy o różnych konfiguracjach, ułożone w określoną kompozycję, nabierają artystycznej wyrazistości i oddziałując emocjonalnie na widza, wywołują w nim odpowiedni nastrój.

Artyści w swoich pracach często wykorzystują jako elementy obrazowe figury geometryczne: koło, kwadrat, trójkąt. Kompozycje z nich mogą symbolizować ruch czasu, rytmy ludzkiego życia.

Rytmiczna organizacja motywów ornamentalnych z elementów niegraficznych (plamy abstrakcyjnych konfiguracji, sylwetki figur geometrycznych), łączonych w struktury kompozycyjne, staje się środkiem wyrazu artystycznego.

Więcej narzędzi do kompozycji

1. Podporządkowanie: osoba w pierwszej sekundzie zaczyna postrzegać kompozycję jako obraz sylwetki na pewnym tle: obszar sylwetki, rysunek linii konturowej, stopień zwartości, ton, kolor, fakturę powierzchni , i tak dalej.

2. Symetria i asymetria: Skutecznym środkiem do osiągnięcia równowagi w kompozycji jest symetria - regularny układ elementów formy względem płaszczyzny, osi lub punktu.

Asymetria - trudniej osiągnąć harmonię asymetrycznej kompozycji, opiera się ona na wykorzystaniu kombinacji różnych wzorów konstrukcji kompozycji. Jednak kompozycje oparte na zasadach asymetrii w niczym nie ustępują pod względem estetycznym kompozycjom symetrycznym. Pracując nad jego przestrzenną strukturą, artysta łączy symetrię i asymetrię, skupiając się na dominującej prawidłowości (symetria lub asymetria), wykorzystuje asymetrię do podkreślenia głównych elementów kompozycji.

3. Proporcje to ilościowe powiązanie poszczególnych części kompozycji ze sobą iz całością, podlegające pewnemu prawu. Uporządkowana proporcjami kompozycja jest postrzegana znacznie łatwiej i szybciej niż niezorganizowana wizualnie masa. Proporcje dzielą się na modułowe (arytmetyczne), gdy wzajemne powiązanie części i całości dodaje się powtarzając jeden zadany rozmiar, oraz geometryczne, które opierają się na równości relacji i przejawiają się w geometrycznym podobieństwie podziałów form.

4. Niuans i kontrast: relacje niuansów to niewielkie, słabo wyrażone różnice w rozmiarze, wzorze, teksturze, kolorze, położeniu w przestrzeni arkusza. Jako środek kompozycji niuanse mogą przejawiać się w proporcjach, rytmie, relacjach kolorystycznych i tonalnych oraz w tworzywach sztucznych.
Kontrast: polega na wyraźnej opozycji elementów kompozycji. Kontrast sprawia, że ​​obraz jest zauważalny, wyróżnia się na tle innych. Występują kontrasty: kierunki ruchu, wielkość, masa warunkowa, kształt, kolor, światło, struktura czy faktura. Z kontrastem kierunkowym, w poziomie i w pionie, przechylaj od lewej do prawej - przechylaj od prawej do lewej. W przeciwieństwie do rozmiaru, wysoki kontra niski, długi kontra krótki, szeroki kontra wąski. Z kontrastem masy, wizualnie ciężki element kompozycji znajduje się w pobliżu płuc. Z kontrastem kształtu, „twarde”, kanciaste, kontrastują z „miękkimi”, zaokrąglonymi. Przy jasnym kontraście jasne obszary powierzchni kontrastują z ciemnymi.

6. Rytm to pewna kolejność tych samych charakterystycznych elementów kompozycji, tworzona przez powtarzanie elementów, naprzemienne ich zwiększanie lub zmniejszanie. Najprostszym schematem, na podstawie którego budowana jest kompozycja, jest powtarzanie elementów i odstępy między nimi, zwane rytmem modularnym lub repetycją metryczną.

Szeregi metryczne mogą być proste, składające się z jednego elementu formy, powtarzające się w regularnych odstępach w przestrzeni (a) lub złożone.

Złożona seria metryczna składa się z grup identycznych elementów (c) lub może zawierać poszczególne elementy, które różnią się od głównych elementów serii kształtem, rozmiarem lub kolorem (b).

Połączenie kilku rzędów metrycznych, połączonych w jedną kompozycję, znacząco ożywia formę. Ogólnie rzecz biorąc, porządek metryczny wyraża statyczny, względny odpoczynek.

Kompozycji można nadać pewien kierunek, tworząc dynamiczny rytm, który jest zbudowany na prawach proporcji geometrycznych poprzez zwiększanie (zmniejszanie) wielkości podobnych elementów lub przez regularne zmienianie odstępów między tymi samymi elementami serii (a - mi). Bardziej aktywny rytm uzyskuje się przy jednoczesnej zmianie wielkości elementów i odstępów między nimi (e).
Wraz ze wzrostem stopnia rytmu dynamika kompozycyjna formy wzrasta w kierunku kondensacji serii rytmicznej.

Aby stworzyć serię rytmiczną, możesz użyć regularnej zmiany intensywności kolorów. W warunkach powtórzeń metrycznych iluzja rytmu powstaje w wyniku stopniowego zmniejszania lub zwiększania intensywności barwy elementu. Gdy zmieniają się rozmiary elementów, kolor może zintensyfikować rytm, jeśli wzrost jego intensywności następuje jednocześnie ze wzrostem rozmiaru elementów, lub wizualnie zrównoważyć rytm, jeśli intensywność koloru maleje wraz ze wzrostem rozmiaru elementów. Organizacyjna rola rytmu w kompozycji zależy od względnej wielkości elementów tworzących serię rytmiczną oraz od ich liczby (aby stworzyć serię, trzeba mieć co najmniej cztery do pięciu elementów).

Ciepłe jasne kolory służą wydobyciu aktywnych elementów kompozycji. Zimne kolory wizualnie je usuwają. Kolor aktywnie oddziałuje na ludzką psychikę, jest w stanie wywoływać różnorodne uczucia i doświadczenia: sprawiać przyjemność i smucić, pobudzać i uciskać. Kolor oddziałuje na człowieka niezależnie od jego woli, gdyż aż 90% informacji otrzymujemy wzrokiem. Badania eksperymentalne pokazują, że najmniejsze zmęczenie oczu występuje podczas obserwowania koloru związanego ze środkową częścią widma (obszar żółto-zielony). Kolory w tym obszarze dają bardziej stabilną percepcję barw, a skrajne części widma (fiolet i czerwień) powodują największe zmęczenie oczu i podrażnienie układu nerwowego.

W zależności od stopnia wpływu na psychikę człowieka wszystkie kolory dzielą się na aktywne i pasywne. Aktywne kolory (czerwony, żółty, pomarańczowy) działają pobudzająco, przyspieszają procesy życiowe organizmu. Kolory pasywne (niebieski, fioletowy) działają odwrotnie: uspokajają, powodują relaksację, spadek wydajności. Maksymalna wydajność jest obserwowana po zastosowaniu koloru zielonego.

Naturalną ludzką potrzebą jest: harmonia kolorów = podporządkowanie wszystkich kolorów kompozycji jednemu pomysłowi kompozycyjnemu... Całą różnorodność harmonii kolorystycznych można podzielić na zniuansowane kombinacje oparte na zbieżności (tożsamość tonalności, jasności lub nasycenia) oraz zestawienia kontrastowe oparte na opozycji.

Istnieje siedem opcji harmonii kolorów opartych na podobieństwach:

1. to samo nasycenie przy różnej jasności i odcieniu koloru;

2. ta sama jasność z różnym nasyceniem i odcieniem koloru;

3. ten sam odcień koloru przy różnym nasyceniu i jasności;

4. ta sama jasność i nasycenie z różną tonacją barw;

5. ten sam odcień i jasność koloru z różnym nasyceniem;

6. ten sam odcień i nasycenie koloru przy różnej jasności;

7. jednakowa tonacja kolorystyczna, lekkość i nasycenie wszystkich elementów kompozycji.

Przy zmieniającej się tonacji harmonię można osiągnąć poprzez połączenie dwóch kolorów głównych i pośrednich (na przykład żółtego, zielonego i musztardowego) lub poprzez kontrastowanie tonacji. Kontrastowe kombinacje składają się z kolorów dopełniających (na przykład czerwony z chłodną zielenią, niebieski z pomarańczowym, fioletowy z żółtym ...) lub z triad kolorów, które są w równej odległości na kole barw (na przykład żółty, magenta, zielony- niebieski, czerwony, zielony i niebiesko-fioletowy). Harmonię kolorystyczną tworzą nie tylko kombinacje kolorów chromatycznych, ale także nasycone chromatyczne z achromatycznym (niebieskim i szarym, brązowym i szarym itd.).

Ćwiczenia więcej...

1. Naszkicuj naturalny motyw linią i kropką

2. Wykonać kompozycję tematyczną za pomocą graficznych środków wyrazu – linia, punkt, punkt

3. Z dowolnie rozmieszczonych w przestrzeni obiektów skomponuj zrównoważoną kompozycję martwej natury, bez uciekania się do skrótów perspektywicznych obiektów i planów przestrzennych

8. Rozbij płaszczyznę koła wpisanego w kwadrat (rozwiązanie czarno-białe) i skomponuj kompozycję rappoport z rozczłonkowanych okręgów. To samo możesz zrobić z innymi kształtami geometrycznymi.

Artysta i kompozycja

Teraz nie chodzi o to, jak skomponować kompozycję, ale raczej o siły, które skłaniają do jej tworzenia. Siły te są znacznie silniejsze i wydajniejsze niż byś dogłębnie i spędzał wiele godzin na studiowaniu technicznych aspektów ich tworzenia, ale oszczędnie wkładaj w ten proces przynajmniej trochę swojej duszy. To silna motywacja, siła motywująca. Jesteś artystą, niezależnie od tego, jaką wiedzę i umiejętności posiadasz i na jakim etapie rozwoju jesteś. Jesteś ARTYSTĄ, osobą kreatywną. Zanim stworzysz kompozycję, ktoś pielęgnujesz ideę, myślisz, odczuwasz emocje, obserwujesz jej tworzenie wciąż w sobie. Niektórzy z nas śnią o tym we śnie, niektórzy są codziennie pod wpływem tego magicznego procesu, czasami po prostu uniemożliwia nam to życie jak wszyscy zwykli ludzie, ponieważ tworzymy go od samego początku w sobie. Każda kompozycja, każda kreacja jest sublimacją tych doznań i przeżyć, które towarzyszą artyście i narastają w nim, w jego umyśle. A potem, pewnego dnia, w pewnym momencie, zrozumiesz, że oto jest stworzenie, teraz może narodzić się na świecie i wreszcie zrozumiałeś, co powinieneś zrobić. I tak narodziła się kompozycja. Teraz nic nie może zatrzymać Twojego procesu twórczego. I ogólnie rzecz biorąc, kompozycja jest nastrojem artysty, myślami, samą ideą, którą rzuca na martwą płaszczyznę prześcieradła lub płótna, zmuszając ich do ŻYCIA własnym, osobliwym życiem, jak wszyscy inni. I nawet jeśli artysta nie jest zbyt dobry w studiowaniu praw komponowania kompozycji na kartce, twórcza moc tworzenia jest wielokrotnie silniejsza, wszystko inne to dochodowy biznes. Nie bój się wyrażać swoich myśli i uczuć. Odważne i proste, tajemnicze i złe, radosne i fantastyczne… nikt nie może lepiej opowiedzieć o Twoich myślach, tylko Ty.