Grafika współczesna. Znani malarze, rzeźbiarze, graficy. Dramat miłosny Josepha Lorasso

Grafika to najstarszy rodzaj sztuki wizualnej. Za pierwsze grafiki uważane są malowidła naskalne przedstawiające człowieka pierwotnego, odzwierciedlające jego pogląd na otaczający go świat. Księgi papirusowe starożytnych Egipcjan zawierały symbole graficzne (hieroglify) i ilustracje. Od czasów starożytnych przeszły do ​​nas wspaniałe przykłady grafiki w postaci malowideł na wazach i naczyniach ceramicznych.

Przez długi czas za grafikę uważano jedynie pismo i kaligrafię. W średniowieczu upowszechniła się grafika książkowa: ręcznie pisane księgi zdobiono wspaniałymi rysunkami i miniaturami, a tworzenie czcionek przekształciło się w hotelową strefę sztuki.

Wybitni graficy i ich godne uwagi prace

Największy mistrz zachodnioeuropejskiego renesansu Albrecht Durer jest jednym z twórców grawerunku. Jego najsłynniejsze miedziane dzieła to Rycerz, Śmierć i Diabeł (1513), Św. Hieronim w swojej celi "i" Melancholia "(1514).

Wielki włoski artysta i naukowiec renesansu Leonardo da Vinci był niepowtarzalnym rysownikiem. Jego bogate dziedzictwo graficzne obejmuje: rysunki przygotowawcze do malarstwa, wizerunki zwierząt i roślin, ilustracje do opracowań technicznych, rysunki do traktatów.

Technika i rodzaje grafiki

Rysunek to podstawa wszelkiego rodzaju grafiki. Zazwyczaj grafika rysowana jest na kartce papieru, która pełni rolę przestrzeni. Do tworzenia swoich prac artysta może wykorzystać cały arsenał narzędzi: ołówek, długopis, węgiel, atrament, atrament, sangwinę (czerwono-brązowe ołówki wykonane z kaolinu i tlenków żelaza), kredę kolorową, sos (jedna z odmian pastele), akwarela, gwasz.

Głównym instrumentem rysunku europejskiego późnego gotyku i renesansu było pióro. Pod koniec XVII wieku zaczęli używać ołówków grafitowych do tworzenia rysunków, rysunków, szkiców. W grafice płótno praktycznie nie jest używane, ponieważ akwarele i gwasz nie pasują do niego. Kolor w obrazach graficznych jest używany znacznie rzadziej niż w obrazach. Głównymi środkami graficznymi grafiki są linia, punkt, światłocień, kreska i punkt.

Grafika ma taką samą różnorodność gatunków jak malarstwo. Ale tutaj gatunek portretu i pejzażu jest bardziej powszechny, w mniejszym stopniu - martwa natura, historia, codzienność i inne. Tradycyjnie dzieli się grafikę na monumentalną (plakat, grafika ścienna), sztalugową (rysunek i grafika), książkową (ilustracje, pocztówki), a także grafikę komputerową, która jednak stoi na uboczu, gdyż nie wykorzystuje tradycyjnych materiałów.

Grafiki wyróżnia szeroka gama technik, które artysta stosuje w czystej postaci lub w różnych kombinacjach. W technice wyróżnia się dwa rodzaje grafiki: rysunek i grafika drukowana (grafika). Rysunek tworzony jest tylko w jednej kopii. W starożytności artyści posługiwali się papirusem, pergaminem, a od XIV wieku zaczęli rysować na papierze.

Wręcz przeciwnie, grafika drukowana istnieje w wielu egzemplarzach. Do replikacji używany jest grawer - rysunek na stałym materiale, który jest pokryty farbą, a następnie wydrukowany na kartce papieru. W zależności od materiału wyróżnia się różne rodzaje i techniki grawerowania: drzeworyt (drzeworyt), linoryt (rysunek rzeźbiony na linoleum), akwafortę (metaloryt), litografię (kamień). Wraz z nadejściem grawerowania pojawiła się książka drukowana i zaczęła rozwijać się grafika książkowa. Dziś rozwój grafiki nie ustaje, pojawiają się nowe gatunki i techniki, ale podobnie jak w czasach starożytnych grafika pozostaje ważnym elementem sztuk wizualnych w naszym życiu.

) w swoich ekspresyjnych, zamaszystych pracach potrafiła zachować przezroczystość mgły, lekkość żagla, płynne kołysanie statku na falach.

Jej obrazy uderzają głębią, objętością, nasyceniem, a faktura jest taka, że ​​nie sposób oderwać od nich wzroku.

Ciepła prostota Valentina Gubarev

Prymitywny artysta z Mińska Valentin Gubarev nie dąży do sławy i po prostu robi to, co kocha. Jego twórczość jest szalenie popularna za granicą, ale prawie nieznana jego rodakom. W połowie lat 90. Francuzi zakochali się w jego codziennych szkicach i podpisali z artystą kontrakt na 16 lat. Obrazy, które, wydawałoby się, powinny być zrozumiałe tylko dla nas, nosicieli „skromnego uroku nierozwiniętego socjalizmu”, spodobały się europejskiej publiczności, a wystawy rozpoczęły się w Szwajcarii, Niemczech, Wielkiej Brytanii i innych krajach.

Zmysłowy realizm Siergieja Marshennikova

Sergey Marshennikov ma 41 lat. Mieszka w Petersburgu i tworzy w najlepszych tradycjach klasycznej rosyjskiej szkoły portretu realistycznego. Bohaterkami jego płócien są łagodne i bezbronne kobiety w półnagości. Wiele z najsłynniejszych obrazów przedstawia muzę i żonę artysty, Natalię.

Krótkowzroczny świat Philipa Barlowa

We współczesnej erze obrazów w wysokiej rozdzielczości i rozkwicie hiperrealizmu prace Philipa Barlowa od razu przykuwają uwagę. Wymaga jednak pewnego wysiłku od widza, by zmusić się do spojrzenia na rozmyte sylwetki i jasne plamy na płótnach autora. Zapewne tak właśnie osoby z krótkowzrocznością widzą świat bez okularów i soczewek kontaktowych.

Słoneczne króliczki Laurenta Parselliera

Malarstwo Laurenta Parceliera to cudowny świat, w którym nie ma smutku ani przygnębienia. Nie znajdziesz z nim ponurych i deszczowych zdjęć. Na jego płótnach jest dużo światła, powietrza i jasnych kolorów, które artysta nakłada charakterystycznymi, rozpoznawalnymi pociągnięciami. Stwarza to wrażenie, że obrazy utkane są z tysiąca promieni słonecznych.

Dynamika miasta w twórczości Jeremy'ego Manna

Amerykański artysta Jeremy Mann maluje dynamiczne portrety nowoczesnej metropolii olejem na drewnianych panelach. „Abstrakcyjne kształty, linie, kontrast jasnych i ciemnych plam – wszystko to tworzy obraz, który przywołuje wrażenie, jakie człowiek odczuwa w tłumie i zgiełku miasta, ale może też wyrażać spokój, jaki można znaleźć, kontemplując spokojne piękno”, mówi Artystka.

Iluzoryczny świat Neila Simona

Na obrazach brytyjskiego artysty Neila Simone wszystko nie jest tym, czym się wydaje na pierwszy rzut oka. „Dla mnie świat wokół mnie to seria kruchych i ciągle zmieniających się kształtów, cieni i granic” – mówi Simon. A w jego obrazach wszystko jest naprawdę iluzoryczne i powiązane. Granice są zmywane, a działki spływają jedna na drugą.

Dramat miłosny Josepha Lorasso

Z urodzenia Włoch, współczesny amerykański artysta Joseph Lorusso przenosi na płótno sceny, które podglądał w codziennym życiu zwykłych ludzi. Uściski i pocałunki, namiętne impulsy, chwile czułości i pragnienia wypełniają jego emocjonalne obrazy.

Życie na wsi Dmitrija Lyovina

Dmitry Levin jest uznanym mistrzem rosyjskiego krajobrazu, który dał się poznać jako utalentowany przedstawiciel rosyjskiej szkoły realistycznej. Najważniejszym źródłem jego sztuki jest przywiązanie do natury, którą bardzo kocha i której czuje się częścią.

Jasny wschód Walerego Błochina

Kolekcja grafiki rosyjskiej z przełomu XIX i XX wieku w Muzeum-Rezerwacie im. Siergiewa Posada jest niewielka, mniej systematyczna i kompletna niż jej zbiory obrazkowe z tego okresu. Ale ma swoje artystyczne znaczenie w ogólnym kompleksie muzealnym.
Specyfiką muzealnej kolekcji graficznej (podobnie jak i malarskiej) jest przewaga dzieł lokalnych artystów oraz pewne skupienie tematyczne związane z ikonografią Ławry Trójcy Sergiusz i miasta. Specjalną jej część stanowią pojedyncze arkusze (rzadko - cykle prac) słynnych mistrzów rosyjskiej sztuki plastycznej - I.I. Shishkina, B.M. Kustodiewa, K.S. Petrova-Vodkina, V.A. Favorsky, T.A. Mavrina i inni (około 80 prac).

Pierwsze kroki w kierunku powstania kolekcji poczyniono już na samym początku działalności muzeum - w latach 1920-1921: zakupiono z „Wystawy Motywów Architektonicznych TSL” ponad 30 grafik miejscowych artystów.
Najcenniejszą częścią kolekcji jest darowizna i zakup prac graficznych od osób prywatnych. W ten sposób dzieła I.I. Shishkina, B.M. Kustodiew, W.A. Favorsky, L.S. Bakst. „Imiona” (I. Repin, V. Makovsky, I. Shishkin, K. Korovin i inni) są „nazwane”, ale są reprezentowane przez pojedyncze prace. „Personalia” grafiki rosyjskiej w zbiorach muzealnych jest zasadniczo taka sama – T.A. Mavrina (kolekcja SPMZ umożliwia pokazanie jej prac w rozwoju, od lat 40. do 70. na przykładzie najlepszych prac). Niemniej jednak, jak na „prowincjonalną” kolekcję sztuki przełomu XIX i XX wieku, niezwykle cenne są pojedyncze dzieła artystów klasycznych.

Najwcześniejsze przykłady grafiki drukowanej w rozpatrywanym zespole prac pochodzą z lat 80. XIX wieku. Są one związane z jedną „osobowością” - znaczącą i znaczącą w historii rosyjskiego ryciny tego okresu - I.I. Szyszkin (1832 1898).
Przypomnijmy, że lata siedemdziesiąte XIX wieku były okresem przejścia i „przejścia” dla rosyjskiej grafiki drukowanej, czasem dominacji grawerowania tonalnego. Ale nawet w tym nienajbardziej twórczym okresie istnieli prawdziwi wirtuozi drzeworytu (V.V. Mate) i akwaforty (I.I.Shishkin). W naszej kolekcji znajdują się cztery akwaforty artysty, stworzone przez niego w latach 80. XIX wieku (okres szczególnie owocny w twórczości Szyszkina). Są to arkusze „Gurzuf” (1885), „Czarny Las” (1885), „Kwiecień” (1885), „Bagno na Kolei Warszawskiej” (1886), genialne w umiejętności wykonania i subtelności oddania stanu natury . W zbiorach muzeum znajdują się również rysunki słynnych rosyjskich malarzy, takich jak wędrowny artysta Władimir Egorowicz Makowski (1846-1920) i Walentin Aleksandrowicz Sierow (1865-1911). Portrety V.E. Makowski, wykonany na rysunku, jest tak samo nienaganny w kompozycji i kompletności jak jego obrazy olejne. Jako mistrz portretu, V.E. Makowski miał talent do prawidłowego przekazywania nie tylko zewnętrznego podobieństwa portretowanej osoby, ale także cech jego ruchów umysłowych, podkreślając te główne cechy charakteru, które determinują działania osoby, jej myśli i uczucia. Valentin Serov, jak każdy prawdziwy artysta, pracował wybitnie nie tylko w malarstwie olejnym, ale także po mistrzowsku opanował technikę rysowania. Wiele jego prac wykonanych ołówkiem i węglem cechuje ta sama żywość i dokładność w oddaniu postaci przedstawionych osób, ta sama perfekcja wykonania, co jego obrazy olejne.

Kolekcja muzeum zawiera kilka dzieł słynnych rosyjskich artystów z przełomu XIX i XX wieku. To przede wszystkim rysunek Michaiła Wrubla (1856-1910), największego przedstawiciela symbolizmu i secesji w rosyjskich sztukach pięknych. Wraz z arkuszami L.S. Bakst i mgr inż. Rozkwit grafiki rosyjskiej Vrubela na przełomie XIX i XX wieku oraz w latach dwudziestych XX wieku reprezentuje twórczość K.A. Korovin (1861–1939) - szkic do opery N.A. Rimski Korsakow „Sadko”. Szkic ten jest jedynym „zachowanym” przykładem grafiki teatralnej i dekoracyjnej. Stylistycznie nasz arkusz jest zbliżony do wielu dzieł teatralnych K. Korovina z przełomu XIX i XX wieku. Szkice K. Korovina do „Sadka” w latach 1906, 1914 wyróżniają się bardziej złożoną konstrukcją kompozycyjną, obejmują nie tylko wizerunek „Chóru”, ale także otwarty taras, przez przęsła którego pejzaż - „błękit morza " jest widoczny. Nasze prześcieradło ma dźwięk komorowy: przedstawia wnętrze izby z wysokim sklepieniem, małymi okienkami, piecem kaflowym i ławkami.
W muzealnej kolekcji grafiki znajduje się również mały rysunek Ilji Efimowicza Repina „Portret pisarza Leontjewa-Szczegłowa”. I.L. Leontiev-Shcheglov (1856-1911) - utalentowany rosyjski pisarz i dramaturg

Arkusze graficzne B.M. Kustodiew w zbiorach Muzeum-Rezerwatu Siergiewa Posada - to trzy ryciny linoleum z 1926 r. (sygnowane, datowane przez autora), otrzymane w 1928 r. z prywatnej kolekcji. Grafika zajmowała ważne miejsce w twórczości artysty, choć był on w większości malarzem. W latach 20. Kustodiew wykonywał wiele ilustracji książkowych, plakatów i sztalug sztalugowych (drzeworyt, litografia, linoryt). W 1926 B.M. Kustodiev stworzył kilka kompozycji z „Kąpiącymi się” w technikach linorytu, drzeworytu i akwareli. We wpisach do pamiętnika z 1926 r. pierwszego biografa W. W. Kustodiewa. Wojnow (grafik, historyk sztuki, krytyk sztuki), temat pracy Borysa Michajłowicza nad linorytem „Kąpiący się” i „Kąpiący się” jest stale słyszalny. Stały model w ostatnich latach B.M. Kustodiev „do portretów, postaci na obrazach, okładek, grafik, ilustracji” służył swojej córce Irinie. Pozowała także ojcu do ryciny „Kąpiący się”.
Powyżej serii „Kąpiący się” B.M. Kustodiev pracował, w dosłownym tego słowa znaczeniu, do ostatnich dni swojego życia: ostatnią rycinę tego cyklu wykonał 4 maja 1927 r. (a 26 maja artysta zmarł).

Dzieło jednej z wybitnych postaci sztuki rosyjskiej XX wieku, klasyka drzeworytnictwa V.A. Favorsky'ego (1886-1964) reprezentuje w zbiorach muzealnych szesnaście arkuszy graficznych z różnych epok: prace sztalugowe, ilustracje książkowe, próbki jego „grafik chrzcielnych”.
Dobór arkuszy jest w dużej mierze przypadkowy, nie wszystkie z nich to pierwszorzędne czy kultowe dzieła mistrza. W 1919 1939 r. członkowie tej rodziny (w tym Władimir Andriejewicz Faworski) mieszkali w Siergiewie Zagorsku, byli zakorzenieni w jego życiu duchowym i kulturalnym, tworzyli tu wiele swoich dzieł, a V.A. Favorsky był jednym z organizatorów naszego muzeum.
Wśród nich - jedno z najsłynniejszych, znaczących dzieł tego okresu twórczości artysty - sztalugowy sztalugowy „Październik 1917” 1928 Drzeworyt ten powstał na mocy pierwszego rozkazu państwowego Rady Komisarzy Ludowych na 10. rocznicę Rewolucji Październikowej. Następnie Favorsky wymyślił cykl „Lata rewolucji”, w którym „rysunki ułożone w porządku chronologicznym miały odtwarzać całą historię państwa radzieckiego przez pierwsze 10 lat rok po roku”. Drzeworyt „Październik 1917” to szczegółowa narracja, a jednocześnie symboliczna, metaforyczna kompozycja z wieloma postaciami i kilkoma epizodami, dość organicznie ze sobą połączona.

Późny okres V.A. Favorsky w naszej kolekcji to ryciny z jego najlepszych, najsłynniejszych cykli z lat 50., za które artysta otrzymał Nagrodę Lenina w 1962 r. - ilustracje z 1950 r. do „Lay of Igor's Regiment” i do „Borysa Godunowa” 1955., przekazana do muzeum w 1965 roku.
Doskonale pokazują "późny styl" drzeworytów Favorsky'ego, gdzie większą uwagę zwraca się na wygląd postaci, scenografię, kostium, gdzie w naturalny sposób zmieniają się środki obrazowe: asceza rozwiązań graficznych z konturami i otwartym cieniowaniem zostaje zastąpiona przez pewna „malowniczość”. Epicka powaga i epicki charakter Świeckich wybrzmiewają w pełni w wielofigurowej kompozycji (Before the Battle), w której Favorsky zawiera wizerunki rosyjskich żołnierzy pod sztandarem bitewnym i Guslyara. Z różnorodności cykli graficznych V.A. Favorsky lat 50. do dramatu A.S. Puszkin („Borys Godunow”, „Małe tragedie”) w zbiorach muzeum jest tylko jedna ilustracja do tragedii „Borys Godunow” – „Pimen i Grigorij” 1955.

Zbiór dzieł wybitnej rosyjskiej grafiki i malarki Tatiany Aleksiejewnej Mawriny w Muzeum-Rezerwacie Siergiewa Posada pod względem objętości, poziomu dzieł, ich różnorodności gatunkowej można porównać tylko z największymi kolekcjami muzealnymi w kraju, które posiadają kolekcje grafiki XX wieku. (Muzeum Puszkina, Państwowa Galeria Tretiakowska, Państwowe Muzeum Rosyjskie). To 62 arkusze, które dotarły do ​​nas w 1977 1978 roku po tym, jak w muzeum odbyła się osobista wystawa autora. Czterdzieści pięć prac zaprezentował T.A. Mavrina w prezencie.
Chronologicznie zbiór prac Mavrina obejmuje duży okres twórczości artysty (ostatnie daty to 1944 i 1976; ponadto mniej więcej taka sama liczba kart dotyczy okresów lat 40., 50., 60. i 70.). Reprezentuje wystarczającą różnorodność technik graficznych, w których Mavrina owocnie pracowała: akwarele, gwasze, arkusze wykonane techniką mieszaną (tempera, gwasz lub tempera, gwasz, akwarela), rysunki ołówkiem, rysunki tuszem.

„Cykl Zagorski” T.A. Mavrina, żywo wyrażająca swoją postawę, priorytety w sztuce, swój niepowtarzalny styl, często i słusznie nazywana „Mavrinsky”, zaczęła nabierać kształtu w latach 40. XX wieku. „Seria fabularna” dzieł Mavrina z lat 50. - „bajecznie widziany” zespół Ławry, klasztor Piatnicki, stare miasto i życie jego mieszkańców - codzienne i świąteczne, ucieleśnione w specjalnym, metaforycznym i poetyckim kluczu związane z obrazowaniem sztuki ludowej i folkloru. Arkusze z lat 60. – 70. są równie wyraziste i swobodne, odważne w rysunku, kompozycji, kolorze. W kompozycji tematycznej wciąż dominują pejzaże rodzajowe, w których samych nazwach podkreśla się sprawność i codzienność. Klasycznym przykładem „portretu Mavrinsky'ego” w naszej kolekcji jest „Demidova” 1973. „Demidova” jest wspaniałym przykładem organicznego połączenia dwóch gatunków - „portretu w pejzażu”: duży, frontalny obraz w połowie długości „Stara Rosjanka” w białym szalu na tle wsi letniej pejzaż, w którym zgodnie z dawną tradycją ludowego malarstwa i popularnych druków, na samych obrazach znajdują się napisy.

Od dawna planujemy dokonać oceny najdroższych prac na papierze artystów z orbity sztuki rosyjskiej. Najlepszym motywem okazał się dla nas nowy rekord w rosyjskiej grafice – 2,098 mln funtów za rysunek Kazimierza Malewicza 2 czerwca

Publikując nasze oceny, naprawdę lubimy kręcić się z różnego rodzaju zastrzeżeniami, aby ostrzec przed możliwymi pytaniami. A więc pierwsza zasada: tylko oryginalna grafika. Po drugie: według bazy danych serwisu wykorzystujemy wyniki aukcji otwartych dzieł artystów znajdujących się w orbicie sztuki rosyjskiej (być może sprzedaż w galeriach była po wyższych cenach). Po trzecie: oczywiście kuszące byłoby umieszczenie 3,7 miliona dolarów na pierwszym miejscu dla Husatonic Arshila Gorki. Jak wiecie, on sam starał się w każdy możliwy sposób być uważany za rosyjskiego artystę, nie stroniąc od mistyfikacji, przyjął pseudonim na cześć Maksyma Gorkiego itp .; w 2009 roku prace Gorkiego były pokazywane przez Muzeum Rosyjskie i Galerię Trietiakowską na wystawie „Amerykańscy artyści z Imperium Rosyjskiego”, włączyliśmy je do bazy AI wyników aukcji, ale począwszy od niej ocena rosyjskich grafik jest niesprawiedliwe ze względów formalnych. Po czwarte: jeden arkusz - jeden wynik. Do tej oceny wybraliśmy tylko prace składające się z jednego arkusza; formalne podejście zmusiłoby nas do wzięcia pod uwagę jeszcze trzech pozycji, z których każdy był sprzedawany jako jedna partia: 122 oryginalnych rysunków tuszem do „Księgi markizy” Konstantina Somowa, dwa foldery z 58 rysunkami i gwasze do „ Bracia Karamazow” FM Dostojewskiego Borysa Grigoriewa i część kolekcji Jakowa Peremeny. Po piąte: jeden autor - jedna praca. Gdybyśmy formalnie zdobyli pierwszą dziesiątkę pod względem ceny (z wyłączeniem wyników Gorki i partii prefabrykowanych), to byłoby pięć arkuszy Kandinsky'ego, trzy Chagalla i po jednym Malewicza i Serebriakowej. Nudy. Po szóste: analizujemy okres od 2001 roku do dnia dzisiejszego. Po siódme: ocena cen została skompilowana w dolarach, wyniki w innych walutach zostały przeliczone na dolary po kursie wymiany z dnia transakcji. Po ósme: wszystkie wyniki są podawane z uwzględnieniem prowizji sprzedającego.

Rysunek Kazimierza Malewicza „Chłopska głowa”, będący szkicem przygotowawczym do zaginionego obrazu „Chłopski pogrzeb” w 1911 r., dość oczekiwanie stał się najpopularniejszą partią rosyjskiej aukcji Sotheby 2 czerwca 2014 r. w Londynie. Prace Malewicza pojawiają się na rynku sztuki niezwykle rzadko, „Głowa chłopa” jest pierwszym dziełem wystawionym na aukcję od czasu sprzedaży „Kompozycji suprematystycznej” za 60 milionów dolarów w Sotheby's w 2008 roku i jedną z ostatnich znaczących rzeczy artysty w kolekcjach prywatnych. Szkic ten był jednym z 70 prac wystawionych przez artystę w Berlinie w 1927 roku, a następnie wywiezionych w Niemczech, aby ocalić ich przed zakazem i sztucznym zapomnieniem, które nieuchronnie czekały na nich w Rosji. Praca trafiła na aukcję w Sotheby’s z jakiejś potężnej niemieckiej prywatnej kolekcji rosyjskiej awangardy. Prawie wszystkie partie tej kolekcji przepadły z nadmiarem szacunków, ale rysunek Malewicza był po prostu poza konkurencją. Dla niego podali trzykrotnie więcej szacunków - 2,098 mln funtów. To zdecydowanie najdroższa praca graficzna rosyjskiego artysty.

Na liście najdroższych prac graficznych Wassily'ego Kandinsky'ego znajduje się aż 18 oryginalnych rysunków o wartości ponad miliona dolarów. Jego akwarele w swoim abstrakcyjnym przekazie w niczym nie ustępują obrazom. Przypomnijmy, że właśnie z pracy graficznej Kandinsky'ego – „Pierwszej akwareli abstrakcyjnej” z 1910 r. – zwyczajowo liczy się historię nowoczesnej sztuki abstrakcyjnej. Jak głosi legenda, niegdyś Kandinsky, siedząc w półmroku swojej pracowni w Monachium i patrząc na swoją figuratywną pracę, nie mógł na niej odróżnić niczego poza plamami barwnymi i kształtami. I wtedy zdał sobie sprawę, że musi porzucić obiektywność i spróbować uchwycić kolorem „ruch duszy”. W efekcie powstała praca pozbawiona jakiegokolwiek związku ze światem zewnętrznym – „Pierwsza abstrakcyjna akwarela” (Paryż, Centrum Georges Pompidou).

Płótna Kandinsky'ego są rzadkością na rynku i są bardzo drogie, ale grafika idealnie wpasuje się w każdą kolekcję i będzie się w niej prezentować dostojnie. Grafikę produkcyjną można sobie pozwolić na kilka tysięcy dolarów. Ale za oryginalny rysunek, który na przykład jest szkicem do słynnego obrazu, będziesz musiał zapłacić kilka razy więcej. Najdroższa akwarela Untitled (1922) została sprzedana podczas boomu artystycznego w 2008 roku za 2,9 miliona dolarów.

Marc Chagall był jak na swoje czasy niezwykle produktywnym artystą. Dziś Damienowi Hirstowi i Jeffowi Koonsowi towarzyszy armia asystentów, a Mark Zacharowicz samodzielnie stworzył tysiące oryginalnych prac graficznych przez 97 lat swojego życia, nie mówiąc już o pracach obiegowych. Nasza baza danych wyników aukcji Chagalla zawiera ponad 2000 oryginalnych prac na papierze. Ten artysta stale rośnie w cenie, a perspektywy inwestycyjne na zakup jego prac są oczywiste - najważniejsze jest to, że autentyczność dzieła potwierdza Komitet Chagalla. W przeciwnym razie dzieło może zostać prawie spalone (tym właśnie Komitet Chagalla grozi właścicielowi, który niedawno wysłał do Paryża obraz do oględzin, który okazał się podróbką). Zatem wybór powinien być dokonany tylko na korzyść bezwarunkowo autentycznej grafiki. Jego cena może sięgnąć 2,16 mln dolarów – tyle zapłacono w maju 2013 roku za rysunek „Jeźdźcy” (papier na tekturze, gwasz, pastel, kredki).

Pastel Lying Nude to nie tylko najdroższa praca graficzna Zinaidy Serebryakovej, ale także jej najdroższa praca w ogóle. Temat nagiego kobiecego ciała był jednym z głównych tematów w twórczości artystki. Akty Sieriebriakowej ewoluowały od wizerunków kąpiących się i rosyjskich piękności w łaźni w okresie rosyjskiej twórczości do leżenia nago, bardziej w duchu sztuki europejskiej okresu paryskiego. Patrząc na piękną, zmysłową, wyidealizowaną nagą Sieriebriakową, trudno sobie wyobrazić, jak tragiczny był los artystki – jej mąż zmarł na tyfus, zostawiając ją z czwórką dzieci w ramionach; Musiałem żyć od ręki do ust i w końcu wyemigrować do Paryża (jak się później okazało na zawsze), zostawiając dzieci w Rosji (wtedy tylko dwoje udało się przewieźć do Francji, pozostałe dwie musiały być w separacji od ponad 30 lat).

Zinaida Serebryakova pielęgnowała w swoich pracach doskonałe, wieczne, klasyczne piękno. Pastel w pewien sposób jeszcze lepiej oddaje lekkość i zwiewność jej kobiecych obrazów, w których prawie zawsze jest coś z samej artystki i jej dzieci (córka Katia była jedną z jej ulubionych modelek).

Dość duży pastel Reclining Nude został zakupiony podczas boomu artystycznego w czerwcu 2008 roku za 1,07 miliona funtów (2,11 miliona dolarów). Żadna inna praca od tego czasu nie zdołała pobić tego rekordu. Co ciekawe, w 10 najlepszych aukcjach Zinaidy Serebryakovej tylko nago, a trzy prace to tylko pastele.

Na londyńskiej aukcji Sotheby’s 27 listopada 2012 r., poświęconej malarstwu i grafice rosyjskich artystów, na pierwszym miejscu nie był obraz, ale rysunek ołówkiem na papierze - „Portret Wsiewołoda Meyerholda” Jurija Annienkowa. Ośmiu uczestników opowiedziało się za pracą na hali i przez telefony. W rezultacie rysunek, szacowany na 30-50 tys. funtów, kosztował nowego właściciela kilkadziesiąt razy więcej niż kosztorys. Wynik 1,05 mln funtów (1,68 mln dolarów) z dnia na dzień uczynił „Portret Wsiewołoda Meyerholda” najdroższą grafiką autora i zajął trzecie miejsce na liście najwyższych cen aukcyjnych dzieł Annienkowa w ogóle.

Dlaczego zainteresowanie portretem było tak duże? Annenkov to genialny portrecista, który pozostawił wizerunki najlepszych postaci epoki - poetów, pisarzy, reżyserów. Ponadto był bardzo utalentowany w grafice: jego maniera łączyła techniki klasycznego rysunku z awangardowymi elementami kubizmu, futuryzmu, ekspresjonizmu.. Odniósł sukces jako artysta teatralny i filmowy, jako ilustrator książek. Uwagę publiczności z pewnością przyciągnęła osobowość przedstawionego na portrecie modela – słynnego reżysera Wsiewołoda Meyerholda. Na domiar złego ten rysunek pochodzi z kolekcji pochodzącego z Kremenczugu kompozytora Borisa Temkina, który wyemigrował do Stanów Zjednoczonych i stał się znanym amerykańskim kompozytorem, czterokrotnym zdobywcą Oscara za twórczość muzyczną w kino.

Jeden z głównych artystów stowarzyszenia World of Art, Lev (Leon) Bakst, oczywiście powinien znaleźć się na naszej liście grafików, którzy odnieśli największy sukces komercyjny. Jego znakomite dzieła teatralne – szkice kostiumów dla najlepszych tancerzy epoki, scenografie do spektakli – dają dziś wyobrażenie o tym, jakim wspaniałym spektaklem były „Rosyjskie Pory Roku” Diagilewa.

Najdroższe dzieło graficzne Baksta, Żółta sułtana, powstało w roku, w którym balet Diagilewa odbył pierwsze tournée po Stanach Zjednoczonych. W tym czasie Bakst był już znanym artystą, rozpoznawalny styl jego dzieł teatralnych stał się marką, jego wpływ jest zauważalny w modzie, wystroju wnętrz i biżuterii. Zmysłowa naga „Żółta sułtana”, która wyrosła z jego teatralnych szkiców, wywołała zaciekłą walkę między dwoma telefonami na aukcji Christie's 28 maja 2012 roku. W rezultacie liczba ta osiągnęła 937 250 funtów ( 1 467 810 dolarów) biorąc pod uwagę prowizję, mimo że szacunek wynosił 350-450 tys. funtów.

Świat szlacheckich gniazd, zamglonych parków dworskich i zgrabnych panien przechadzających się alejkami, odchodzących w zapomnienie, pojawia się w twórczości Wiktora Elpidiforowicza Borysowa-Musatowa. Niektórzy nazywają jego styl „elegią w malarstwie”, charakteryzuje go senność, cicha melancholia, smutek minionej epoki. Dla Borisowa-Musatowa majątki szlacheckie były światem teraźniejszości, ale w jego przedstawieniach tego świata jest coś nieziemskiego, te parki, werandy i stawy wydawały się wymarzone przez artystę. Wydawało się, że ma przeczucie, że wkrótce tego świata nie będzie, a on sam nie będzie (poważna choroba odebrała artystę w wieku 35 lat).

Victor Borisov-Musatov wolał pastele i akwarele od malarstwa olejnego, dawali mu niezbędną lekkość kreski i zamglenia. Pojawienie się na rosyjskiej aukcji Sotheby's w 2006 roku jego pasteli „Ostatni dzień” było wydarzeniem, ponieważ główne prace Borysowa-Musatowa znajdują się w muzeach, a tylko kilkanaście prac trafiło na otwartą aukcję dla wszystkich czas. Pastel „The Last Day” pochodzi z kolekcji V. Napravnika, syna rosyjskiego dyrygenta i kompozytora Eduarda Napravnika. Ten pastel został przedstawiony na „Portrecie Marii Georgievny Napravnik” Zinaidy Serebryakovej, przechowywanym obecnie w Muzeum Sztuki Czuwaski. W monografii „Borisov-Musatov” (1916) NN Wrangel wymienia „Ostatni dzień” w spisie dzieł artysty. Niewątpliwie więc, jak można się spodziewać, autentyczna rzecz osiągnęła rekordową cenę dla artysty w wysokości 702,400 funtów, czyli 1,314,760 dolarów.

Alexander Deineka był genialnym grafikiem, na początkowych etapach kariery grafika pociągała go jeszcze bardziej niż malarstwo, przede wszystkim potencjałem propagandowym. Artysta dużo pracował jako ilustrator książek i czasopism, tworzył plakaty. Później ta "magazynowo-plakatowa praca" zmęczyła go, zaczął coraz więcej pracować w malarstwie, w sztuce monumentalnej, ale nabyte umiejętności rysownika okazały się bardzo przydatne - np. przy tworzeniu szkiców przygotowawczych do obrazów. „Dziewczyna wiążąca wstążkę na głowie” - szkic do obrazu „Kąpiąca się” (1951, kolekcja Państwowej Galerii Trietiakowskiej). To najdroższe dziś dzieło Deineki należy do późnego okresu twórczości, kiedy styl artysty z poszukiwań awangardowych lat 20. i 30. silnie ewoluował już w kierunku socrealizmu. Ale Deineka była szczera w socrealizmie. Siła i piękno zdrowego ludzkiego ciała to jeden z ulubionych tematów Deineki. „Dziewczyna wiążąca wstążkę” odsyła nas do jego nagich, podobnych do greckich bogiń – sowieckich Wenus, które znajdują szczęście w pracy i sporcie. To jest rysunek podręcznika Deineka, dlatego nie dziwi fakt, że na aukcji Sovcom został sprzedany za rekordową kwotę 27 500 000 rubli (1012 450 dolarów).

Boris Dmitrievich Grigoriev wyemigrował z Rosji w 1919 roku. Za granicą stał się jednym z najsłynniejszych artystów rosyjskich, ale jednocześnie w ojczyźnie był zapomniany na wiele dziesięcioleci, a jego pierwsze wystawy w ZSRR odbyły się dopiero pod koniec lat 80. XX wieku. Ale dziś jest jednym z najbardziej poszukiwanych i cenionych autorów na rosyjskim rynku sztuki, jego prace, zarówno malarskie, jak i graficzne, są sprzedawane za setki tysięcy i miliony dolarów. Artysta był niezwykle pracowity, wierzył, że poradzi sobie z każdym tematem, każdym zleceniem.

Chyba najbardziej znane są jego cykle „Rasa” i „Twarze Rosji” – bardzo bliskie duchem i różniące się tylko tym, że pierwszy powstał przed emigracją, a drugi był już w Paryżu. W cyklach tych oglądamy galerię typów ("twarzy") rosyjskiego chłopstwa - starcy, kobiety, dzieci patrzą ponuro na widza, przyciągają wzrok i jednocześnie go odpychają. Grigoriew bynajmniej nie był skłonny idealizować czy upiększać tych, których pisał, wręcz przeciwnie, czasami doprowadza obrazy do groteski. Jedna z „twarzy”, wykonana gwaszem i akwarelami na papierze, stała się najdroższym dziełem graficznym Borysa Grigoriewa: w listopadzie 2009 r. Na aukcji Sotheby zapłacili za nią 986 500 USD.

I wreszcie dziesiąty autor na naszej liście najdroższych dzieł rosyjskiej grafiki - Konstantin Somow. Syn kuratora zbiorów Ermitażu i muzyka, miłość do sztuki i wszystkiego, co piękne, zaszczepiono od dzieciństwa, studiował w Akademii Sztuk u Repina, Somow wkrótce znalazł się w społeczeństwie World of Art, które promowało kult piękna blisko niego. Zwłaszcza to pragnienie dekoracyjności i „ładności” przejawiało się w jego licznych rysunkach opartych na wizerunkach epoki szarmanckiej, których zainteresowanie zaobserwowano w twórczości innych artystów światowych (Lancer, Benois). „Somovskie” markizy i dzielni dżentelmeni na potajemnych randkach, sceny towarzyskich przyjęć i maskarad z arlekinami i damami w perukach nawiązują do estetyki baroku i rokoka.

Ceny dzieł Somowa na rynku sztuki zaczęły rosnąć w fenomenalnym i nie zawsze zrozumiałym tempie od 2006 roku, niektóre z jego obrazów przekroczyły szacunki 5, a nawet 13 razy. Jego malarstwo kosztuje miliony funtów. Jeśli chodzi o grafikę, to tutaj najlepszy jak dotąd wynik Somowa to 620 727 dolarów - to tylko jeden z rysunków „dzielnej” serii „Masquerade”.

22 kwietnia 2010 r. w Sotheby’s w Nowym Jorku 86 prac - obrazów i rysunków - prawie dwudziestu autorów zostało sprzedanych jako jedna partia numer 349. Ta sprzedaż, nawiasem mówiąc, wprowadza zamieszanie w statystykach aukcji tych artystów, których prace znalazły się w tej partii. Tak, kolekcja jest sama w sobie bardzo cenna, ma długą, złożoną i tragiczną historię, a z jednej strony dobrze, że kolekcja trafiła w te same ręce. Ale z drugiej strony, jeśli pewnego dnia właściciel zdecyduje się na sprzedaż pojedynczych dzieł, to dla większości autorów żaden poziom cen po prostu nie istnieje. Po ogłuszającym „przygotowaniu artyleryjskim” poprzedzającym sprzedaż kolekcji mogła się pojawić, ale nie, a odsprzedana zadziałałaby z ogromnym minusem.

Uwaga! Wszystkie materiały znajdujące się w serwisie oraz baza wyników aukcji serwisu, w tym ilustrowane informacje referencyjne o dziełach sprzedawanych na aukcjach, przeznaczone są do użytku wyłącznie zgodnie z art. 1274 Kodeksu cywilnego Federacji Rosyjskiej. Wykorzystywanie do celów komercyjnych lub z naruszeniem zasad określonych w Kodeksie cywilnym Federacji Rosyjskiej jest niedozwolone. serwis nie ponosi odpowiedzialności za treść materiałów przesłanych przez osoby trzecie. W przypadku naruszenia praw osób trzecich administracja serwisu zastrzega sobie prawo do usunięcia ich z serwisu oraz bazy danych na podstawie wniosku uprawnionego organu.

Sztuka- figuratywne rozumienie rzeczywistości; proces lub wynik ekspresji świata wewnętrznego lub zewnętrznego (w stosunku do twórcy) w obrazie artystycznym; kreatywność skierowana w taki sposób, aby odzwierciedlała to, co interesuje nie tylko samego autora, ale także inne osoby.

Dziś pokrótce opowiemy o największych artystach i rzeźbiarzach z całego świata, a zaczniemy od artystów rosyjskich.

Aiwazowski Iwan Konstantinowicz(1817-1900), malarz marynistyczny. Członek akademii w Petersburgu, Amsterdamie, Rzymskiej, Florenckiej i Stuttgarcie. Stworzył około 6 tysięcy obrazów. Najsłynniejsze: „Dziewiąta fala”, „Bitwa chesme”.

Iwan Aiwazowski „Dziewiąta fala”

Antropow Aleksiej Pietrowiczu(1716-1795), portrecista. Zasłynął szeroko z dekoracyjnych obrazów pałaców w Petersburgu i na jego przedmieściach.

Antropow Aleksiej Pietrowicz - autoportret

Argunow Iwan Pietrowicz(1729-1802), portrecista. Malował portrety ceremonialne, które wyróżniał precyzyjny i wyraźny rysunek, powściągliwy kolor. Autorka „Portretu nieznanej chłopki w rosyjskim stroju” i innych.

Argunow Iwan - Portret nieznanej wieśniaczki w rosyjskim stroju

Arkhipow Abram Efimowicz(1862-1930), mistrz malarstwa plenerowego, szkiców i malarstwa rodzajowego. Dużo pracował nad portretami, głównie chłopskimi, tworzył afirmujące życie wizerunki swoich współczesnych.

Borysow-Musatow Wiktor Elpidiforowicz(1870-1905), artysta nowatorski. Zdjęcia: "Dziewczyna na balkonie", "Nad zalewem".

Borisov-Musatov Viktor Elpidiforovich - obraz „Nad zbiornikiem”

Borowikowski Władimir Łukich(1757-1825), portrecista. Zlecił wykonanie portretów najstarszych ówczesnych osób, członków rodziny cesarskiej. Najbardziej znane są portrety Arsenyeva, Lopukhina, Kurakino.

Borovikovsky Vladimir Lukich - Portret A. i V. Gagarinów 1802

Bruni Fedor (Fidelio) Antonowicz(1799-1875). Zdjęcia: „Śmierć Kamili, siostry Horacego”, „Miedziany wąż” i inne, obrazy soboru św. Izaaka w Petersburgu.

Bryulłow Karol Pawłowicz(1799-1852). Malował szkice i obrazy o tematyce historycznej i mitologicznej, ale zyskał sławę bardziej jako portrecista. Zdjęcia: „Jeżniczka”, „Yu. P. Samoiłow z małym arapchonem ”,„ Batszeba ”,„ Włoskie południe ”itp. Jednym z najlepszych jest portret Y. P. Samoilovej z córką.

Najsłynniejszy obraz Bryulłowa - Yu P. Samoilov z córką

Wasniecow Wiktor Michajłowicz(1848-1926), wędrowiec, autor obrazów o tematyce historycznej i baśniowej. Najsłynniejsze płótna „Po rzezi Igora Światosławowicza z Połowcami”, „Alyonushka”. Najbardziej ambitnym dziełem jest obraz „Bohaterowie”.

Wasniecow Wiktor Michajłowicz - obraz „Bohaterowie”

Aleksiej Venetsianov(1780-1847), jeden z twórców gatunku w malarstwie rosyjskim. Namalował wiele portretów chłopskich i scen z życia wsi. Zdjęcia: „Blewisko”, „Śpiący pasterz”, „Na ziemi ornej. Wiosna ”,„ Głowa starego chłopa ”.

Obraz „Śpiący pasterz” - Alexey Venetsianov

Vereshchagin Wasilij Wasiliewicz(1842-1904), mistrz gatunku bitewnego. Napisał cykl obrazów o tematyce religijnej. Zdjęcia: „Apoteoza wojny”, „Na Szipce wszystko jest spokojne”.

„Apoteoza wojny” – obraz rosyjskiego artysty Wasilija Vereshchagin

Vrubel Michaił Aleksandrowicz(1856-1910). Zajmował się malarstwem sztalugowym, monumentalnym malarstwem kościołów. Zdjęcia: „Siedzący demon”, „Wróżka”, „Pan”, „Liliowy”, „Pokonany demon” itp.

Vrubel Michaił Aleksandrowicz - Demon pokonany 1902

Ge Nikolay Nikolaevich(1831-1894), jeden z założycieli Towarzystwa Wędrowców, pejzażysta, portrecista. Obraz „Saul u czarodziejki Endor”, „Tajne spotkanie”, „Piotr I przesłuchuje carewicza Aleksieja Pietrowicza w Peterhofie”.

Kramskoj Iwan Nikołajewicz(1837-1887), jeden z założycieli Towarzystwa Wędrowców. Zdjęcia: „Nieznany”, „Mina Moiseev”, „Drwal”, „Kontemplator”.

Niestierow Michaił Wasiliewicz(1862-1942), portrecista, mistrz malarstwa monumentalnego i pejzażu lirycznego. Najsłynniejsze obrazy: „Ofiara przyjaciół”, „Ekspert”, „Przed suwerennymi petentami”, „Pustelnik”.

Niestierow Michaił Wasiliewicz - obraz „Ofiara przyjaciół”

Repin Ilja Efimowicz(1844-1930). Portrety współczesnych (Stasow, Pisemsky, Tołstoj, Delvig). Ogromną sławę zyskały obrazy: „Nie spodziewali się”, „Woźnice nad Wołgą”, „Kozacy piszą list do sułtana tureckiego”, „Iwan Groźny i jego syn Iwan”.

Repin Ilya Efimovich - obraz „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana”

Surikow Wasilij Iwanowicz(1848-1916), mistrz malarstwa historycznego. Zdjęcia: „Boyarynya Morozova”, „Rano egzekucji ulicznych”, „Przeprawa Suworowa przez Alpy”, „Stepan Razin”.

Surikov Wasilij Iwanowicz - obraz „Rano egzekucji Strelets”

Chagalla Marc(1887-1985), malarz i grafik. Tworzył prace surrealistyczne, często o tematyce folklorystycznej i biblijnej („Potrzebujemy miasta”), witraże i ilustracje.

Szyszkin Iwan Iwanowicz(1832-1898), pejzażysta. Zdjęcia: „Południe. W okolicach Moskwy ”,„ Żyto ”,„ Lesnye Dali ”,„ Wśród równinnej doliny ”,„ Poranek w sosnowym lesie ”.

Szyszkin Iwan Iwanowicz - „Ship Gaj”

Artyści zagraniczni

Bosch (Szef van Aken) Hieronim(ok. 1460-1516), malarstwo holenderskie. Najsłynniejszy: „Kuszenie św. Antonio ”, tryptyki„ Przewóz siana ”i„ Ogród rozkoszy ”.

Botticelli Sandro(1445-1510), włoski malarz, mistrz szkoły florenckiej. Utwory o tematyce religijnej i biblijnej: „Alegoria Władzy”, „Powrót Judyty”, „Madonna z Dzieciątkiem z Aniołami”. Kompozycje mitologiczne: „Wiosna”, „Narodziny Wenus”.

Sandro Botticelli „Madonna z Dzieciątkiem z Aniołami”

Piotr Bruegel(między 1525 a 1535-1569), malarz holenderski. Zdjęcia: „Bitwa pod Maslenicą i Wielki Post”, „Szalona Greta”, „Taniec chłopski”.

Van Gogh Vincent(1853-1890), malarz holenderski, przedstawiciel postimpresjonizmu. Obrazy: „Chłopka”, „Zjadacze ziemniaków”, „Wzgórza Montmartre”, „Pejzaż w Auvers po deszczu”.

Vincent van Gogh – „Pejzaż w Auvers po deszczu”

Van Dyck Anthony(1599-1641), malarz flamandzki. Ceremonialne portrety arystokratyczne i intymne („Karol I na polowaniu”), kompozycje religijne i mitologiczne utrzymane w duchu baroku.

Velazquez (Rodriguez de Silva Velazquez) Diego(1599-1660), malarz hiszpański. Zdjęcia: „Śniadanie”, „Śniadanie dwojga młodzieńców”, „Chrystus w domu Marty i Marii”. Portrety rodu szczególnie królewskiego: Infantki Marii Teresy, Infantki Małgorzaty.

Veronese Paolo(1528-1588), włoski malarz renesansowy, przedstawiciel szkoły weneckiej. Ukończono freski w Willi Barbara Volpi w Maser. Najsłynniejszym obrazem jest „Wesele w Kanie”.

Gauguin Paul(1848-1903), artysta francuski, przedstawiciel postimpresjonizmu. Zdjęcia: „Dwie Tahitańskie kobiety”, „Ach, jesteś zazdrosna?”, „Żona króla”, Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?".

Paul Gauguin - Tahitańskie kobiety 1891.

Goya Francisco(1746-1828), malarz hiszpański. Malował obrazy o tematyce codziennej i historycznej, mitologicznej i religijnej, portrety, malował ściany (freski). Obrazy: „Parasol”, „Sprzedawca zastawy stołowej”, Seria akwafort „Caprichos”.

Holbein Hans Młodszy(1497 lub 1498-1543), niemiecki malarz i grafik, przedstawiciel renesansu. Prace: „Martwy Chrystus” i „Morette”.

Dali Salvador(1904-1989), hiszpański malarz, przedstawiciel surrealizmu. Najsłynniejsze obrazy-fantasmagoria „Płonąca żyrafa” i „Trwałość pamięci”.

Dali Salvador - obraz "Sen"

Daumier Honore(1808-1879), francuski grafik, malarz i rzeźbiarz, mistrz rysunku satyrycznego i litografii. Sławę zyskały karykatury rządzącej elity i burżuazji („Ulica Transnonen”, seria „Kind Bourgeois”).

Dürer Albrecht(1471-1528), artysta niemiecki, przedstawiciel niemieckiego renesansu. Zdjęcia: „Dom nad stawem”, „Widok na Innsbruck”, „Portret Oswalda Krela”.

Konstabl John(1776-1837), angielski pejzażysta, przedstawiciel impresjonizmu. Obrazy; Flatford Mill, Katedra w Salisbury z Bishop's Garden, Bread Field.

Leonardo da Vinci(1452-1519), włoski malarz. Pod względem uniwersalności swoich talentów przewyższał wszystkich swoich poprzedników i nauczycieli. Obrazy: „Ostatnia Wieczerza”, „La Gioconda”, „Madonna Litta”, „Dama z gronostajem”, „Madonna w grocie” i wiele innych.

Leonardo da Vinci (1452-1519) - „Ostatnia wieczerza”

Masaccio(1401-1428), malarz włoski, przedstawiciel szkoły florenckiej, jeden z twórców sztuki renesansu. Stworzył freski kaplicy Brancaccich w kościele Santa Maria del Carmine we Florencji.

Maneta Edwarda(1832-1883), francuski malarz i grafik, twórca impresjonizmu. Obrazy: „Śniadanie na trawie”, „Olympia”, „Bar w Folies Bergeres”.

Modigliani Amadeo(1840-1920), francuski artysta pochodzenia włoskiego. Obrazy: „Pablo Picasso”, „Madame Pompadour”, „Dama z czarnym krawatem”, „Nude” itp.

Monet Claude Oscar(1840-1926), twórca francuskiego impresjonizmu. Zdjęcia: „Śniadanie na trawie”, „Bez w słońcu”, „Impresja. Wschód słońca ”,„ Gare Saint-Lazare ”.

Murillo Bartolome Esteban(1618-1682), artysta hiszpański, przedstawiciel malarstwa barokowego. Obrazy: „Święta rodzina z ptakiem”, „Ucieczka do Egiptu”, „Pokolenie pasterzy”, „Madonna z Dzieciątkiem” itp.

Picasso Pablo(1881-1973), jeden z największych artystów XX wieku. Obrazy: „Arlekin”, „Portret żony”, „Jacqueline z czarnym szalikiem”, „Stary gitarzysta”, „Obiad niewidomych”, „Dziewczyna na balu”, Trzech muzyków” itp.

Poussin Mikołaj(1594-1665), malarz francuski, przedstawiciel klasycyzmu. Obrazy: Tankred i Herminia, Pasterze Arkadyjscy.

Rafał Santi(1483-1665), włoski malarz, jeden z największych mistrzów renesansu florencko-rzymskiego. Centralne miejsce w jego twórczości zajmuje temat Madonny: „Madonna Conestabile”, „Madonna Sulli”, „Madonna Terranova”, „Madonna in the Green”, „Madonna Sykstyńska”. itd.

Raphael Santi - Św. Hieronim wspierający dwoje straconych

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(1606-1669), malarz holenderski. Obrazy; „Anatomia Doktora Tulpy”, „Danae”, „Straż nocna”, „Święta Rodzina”, „Dziewczyna przy oknie”.

Rembrandt - „Danae”.

Renoir Pierre Augustin(1841-1919), francuski artysta, przedstawiciel impresjonizmu. Zdjęcia: „Portret Alfreda Sisleya z żoną”, „Kąpiel w Sekwanie”, „Ścieżka w wysokiej trawie”, „Koniec śniadania”, Pierwszy wieczór w operze”, Portret aktorki Samari.

Saryan Martiros Siergiejewicz(1880-1972), malarz ormiański. Zdjęcia: „Armenia”, „Dolina Araratu”, „Jesienna martwa natura”.

Cezanne Paul(1839-1906), artysta francuski, przedstawiciel postimpresjonizmu. Obrazy: „Dziewczyna przy fortepianie”, Droga do Pontoise ”,„ Bukiet kwiatów w wazonie ”,„ Pierrot i arlekin ”,„ Dama w błękicie ”itp.

Zurbaran Francisco(1598-1664), malarz hiszpański. przedstawiciel szkoły sewilskiej. Jego cykl obrazów z życia św. Bonawentura.

Turner Joseph Melord William(1775-1851), malarz angielski, przedstawiciel impresjonizmu, mistrz romantycznego pejzażu. Jego płótna odzwierciedlają tematy mitologiczne i historyczne ("Hannibal przekraczający Alpy w zamieci", "Ulisses i Polifem"). Obrazy: „Gwiazda wieczorna”, „Deszcz, para i prędkość”, „Like i Calais”.

Tintoretto Jacopo(1518-1594), włoski artysta, przedstawiciel szkoły weneckiej. Znany jest z dużych, łączonych w pary kompozycji „Ostatnia Wieczerza”, popularność przyniósł obraz „Cud św. Marka”. W cyklu scen biblijnych najważniejszymi płótnami są: „Stworzenie zwierząt”, „Stworzenie Adama i Ewy”, Salomona i królowej Saby” itp.

Tycjan Vecellio(ca 1476/77 lub 1489/90 - 1576), włoski malarz, mistrz weneckiej szkoły renesansu. Zdjęcia: „Flora”, „Miłość ziemska i niebiańska”, „Madonna z wiśniami”, „Opłakanie Chrystusa”, „Gwałt Europy”.

Toulouse-Lautrec Henri Marie Raymond de(1864-1901), artysta francuski, przedstawiciel postimpresjonizmu. Obrazy: „Hrabina Toulouse-Lautrec na śniadaniu w Malrome”, „Praczka”, „W kawiarni”, Taniec w Moulin Rouge itp.

Hals Franz(1581 lub 85-1666), malarz holenderski, główny reformator portretu żydowskiego. Zdjęcia: „Śpiewający flecista”, „Dzieci z kubkiem”, „Cygan”, „Uśmiechnięty pan”, „Wesoły towarzysz picia”.

El Greco Domenico(1541-1614), hiszpański artysta pochodzenia greckiego.

Ingres Jean Auguste Dominique(1780-1867), francuski artysta, jeden z najlepszych portrecistów XIX wieku, zwolennik tradycji klasycyzmu.

Najwięksi malarze, rzeźbiarze, graficy na całym świecie aktualizacja: 18 lutego 2017 r. przez autora: Strona