Syn człowieczy (zdjęcie). Syn człowieczy, czyli historia o płaszczach i melonikach Rene magritte dziecko człowiecze

Wątek

Przy niskim płocie stoi mężczyzna w nieokreślonym wieku, w dobrze skrojonym, ale nijakim garniturze i meloniku. Za nim jest powierzchnia wody. Zamiast twarzy - jabłko. W tym surrealistycznym rebusie zaszyfrował kilka tematów, które przewijają się przez całą jego pracę.

Syn Człowieczy, 1964. (wikipedia.org)

Incognito w meloniku to obraz powstały na przeciwstawnym połączeniu namiętności Magritte'a. Z jednej strony przestrzegał reguł klasycznej burżuazji, wolał wyglądać niepozornie, być jak wszyscy inni. Z drugiej strony uwielbiałam kryminały, filmy przygodowe, zwłaszcza o Fantomach. Historia przestępcy, który podszywał się pod ofiary, aranżował mistyfikacje, oszukiwał policję i zawsze ukrywał się przed oskarżeniem, rozbudziła wyobraźnię Magritte'a.

Na styku pragnienia porządku i nieładu narodził się ten człowiek, który wydaje się szanowany, ale za którego przebraniem kryją się tajemnice nieznane nawet jemu samemu. Ten sam cichy basen z jego diabłami.

W tym samym kontekście można spojrzeć na aluzję do historii Upadku. Adam został wygnany z raju nie za to, że zgodził się zjeść owoc z zakazanego drzewa, ale za to, że nie mógł ponieść odpowiedzialności za wykroczenie, co oznacza, że ​​nie usprawiedliwił imienia człowieka jako boskiego stworzenia.

Innym motywem, który tak czy inaczej brzmi w wielu pracach, są wspomnienia matki, która popełniła samobójstwo, gdy Rene miał 14 lat. Utonęła w rzece, a gdy po chwili wyjęto jej ciało z wody, jej głowę zaplątała się w koszulę nocną. I chociaż Magritte powiedział później, że to wydarzenie w żaden sposób go nie wpłynęło, trudno w to uwierzyć. Po pierwsze, aby pozostać obojętnym na samobójstwo matki w wieku 14 lat, trzeba być z duszą atrofią (czego nie można z całą pewnością powiedzieć o Magritte'u). Po drugie, bardzo często na obrazach pojawiają się wizerunki albo wody, albo duszącej się draperii, albo kobiety w połączeniu z żywiołem wody. Tak więc w „Synie Człowieczym” za plecami bohatera jest woda, a oddzielająca od niej bariera jest niezwykle niska. Koniec jest nieunikniony, a jego nadejście nieprzewidywalne.

Kontekst

Zgodnie z definicją Magritte'a stworzył magiczny realizm: używając znajomych przedmiotów tworzył nieznane kombinacje, które budziły niepokój widza. Nazwiska większości - wszystkie te tajemnicze, spowijające sformułowania - zostały wymyślone nie przez samego artystę, ale przez jego przyjaciół. Po skończeniu kolejnej pracy Magritte zaprosił ich i zaproponował zorganizowanie sesji burzy mózgów. Sam artysta pozostawił dość szczegółowy opis filozofii swojej sztuki i postrzegania świata, jego rozumienia relacji między przedmiotem, jego obrazem i słowem.

Powielanie zabronione, 1937. (wikipedia.org)

Jednym z podręcznikowych przykładów jest obraz „Zdrada obrazów” z 1948 roku. Przedstawia znaną wszystkim fajkę, która sama w sobie nie wywołuje podniecenia w doskonale zorganizowanej duszy artystycznej natury. Gdyby nie podpis: „To nie jest fajka”. „Jeśli to nie jest fajka”, zastanawiała się publiczność, „kiedy jest zupełnie jasne, że to nie może być nic innego, jak tylko fajka”. Magritte odparł: „Czy możesz nadziać ją tytoniem? Nie, to tylko obraz, prawda? Więc gdybym napisał pod obrazkiem „To jest fajka”, kłamałbym!”

„Zdrada obrazów”, 1928-1929 (wikipedia.org)

Każda z prac Magritte'a ma swoją logikę. To nie ciąg koszmarów i marzeń, ale system połączeń. Artysta był ogólnie sceptycznie nastawiony do gorliwości, z jaką surrealiści studiowali Freuda i gdy tylko się obudzili, starali się jak najdokładniej uchwycić to, co widzieli we śnie.

Artysta ma cykl prac - "perspektywy", w których giną bohaterowie obrazów wybitnych mistrzów. Oznacza to, że Magritte pojmuje tych przedstawionych na płótnach jako żywych ludzi, którzy prędzej czy później umrą. Na przykład Magritte wykonał portrety Madame Recamier autorstwa Davida i François Gerardów i oparł je na dwóch perspektywach. I nie można się spierać: bez względu na to, jak piękna była świecka lwica, czekał ją taki sam los, jak ostatnią małą dziewczynkę.

Magritte zrobił to samo z Balkonem Édouarda Maneta, gdzie zastąpił ludzi trumnami. Ktoś postrzega cykl „perspektyw” jako bluźnierstwo artystyczne, kogoś jako żart, ale jeśli się nad tym zastanowić, to jest to tylko trzeźwe spojrzenie na rzeczy.

Losy artysty

Rene Magritte urodził się w belgijskiej dziczy. Rodzina miała troje dzieci, nie było łatwo. W następnym roku po śmierci matki Rene poznał Georgette Berger. Po 9 latach spotkają się ponownie i nigdy się nie rozstają.

Po szkole i kursie w Królewskiej Akademii Sztuk Magritte poszedł malować róże na tapecie - dostał pracę jako artysta w fabryce. Potem zaangażował się w plakaty reklamowe. Magritte po ślubie z Georgette coraz więcej czasu poświęcał sztuce. (Chociaż od czasu do czasu musiał wracać do zamówień komercyjnych - nie było wystarczającej ilości pieniędzy, Georgette musiała od czasu do czasu pracować, co bardzo przygnębiło Rene - on, podobnie jak właściwy mieszczanin, uważał, że kobieta w ogóle nie powinna pracować .) Razem pojechali do Paryża, gdzie spotkali się z dadaistami i surrealistami, w szczególności André Bretonem i Salvadorem Dali.

Wracając do ojczyzny w latach 30., Magritte pozostał wierny swojemu ascetycznemu stylowi życia na standardy artystów. W jego domu nie było pracowni - pisał w swoim pokoju. Bez nieokiełznanego pijaństwa, skandali seksualnych, rozwiązłości bohemy. Rene Magritte prowadził życie niepozornego urzędnika. Nie mieli dzieci - tylko psa.

Stopniowo staje się coraz bardziej znany w Europie i USA, jest zapraszany do Wielkiej Brytanii i Stanów z wystawami i wykładami. Niepozorny burżuj zmuszony jest opuścić swój cichy kąt.

W latach wojny, chcąc pocieszyć współobywateli okupowanej ojczyzny, Magritte zwraca się ku impresjonizmowi. Posługując się Renoirem jako modelką, wybiera jaśniejsze kolory. Pod koniec wojny powróci do swoich zwyczajów. Ponadto rozpocznie eksperymenty w kinie: po zakupie aparatu fotograficznego w latach 50. Magritte z entuzjazmem kręci filmy krótkometrażowe z udziałem żony i przyjaciół.

W 1967 Magritte zmarł na raka trzustki. Jest jeszcze kilka niedokończonych projektów, nad którymi artysta pracował do ostatnich dni.

Źródła

1. musee-magritte-museum.be
2. Wykład Iriny Kulik „Rene Magritte – Christo”
3. Aleksander Tairow - o artystach. René Magritte
4. Zdjęcie ogłoszenia i ołowiu: wikipedia.org

belgijski surrealistyczny artysta Rene Magritte- jeden z najbardziej tajemniczych i kontrowersyjnych artystów, którego twórczość zawsze budziła wiele pytań. Jednym z jego najsłynniejszych dzieł jest: "Syn mężczyzny"... Dziś podejmowanych jest wiele prób interpretacji symbolicznych implikacji obrazu, które krytycy sztuki nazywają często prowokacją intelektualną.

Każdy obraz Magritte'a to rebus, który zmusza do zastanowienia się nad wieloma ukrytymi znaczeniami. Ich liczba zależy wyłącznie od wyobraźni i erudycji patrzącego: kombinacje obrazów i nazwy obrazów skłaniają widza do poszukiwania tropu, który w rzeczywistości może nie istnieć. Jak powiedział sam artysta, jego głównym celem jest skłonienie widza do myślenia. Wszystkie jego prace dają podobny efekt, dlatego Magritte nazwał siebie „magicznym realistą”.
Magritte jest mistrzem paradoksów, stawia zadania sprzeczne z logiką i pozostawia widzowi szukanie sposobów ich rozwiązania. Wizerunek mężczyzny w meloniku jest jednym z centralnych w jego twórczości, stał się symbolem samego artysty. Paradoksalny obiekt na zdjęciu to jabłko zawieszone w powietrzu tuż przed twarzą osoby. „Syn Człowieczy” jest kwintesencją koncepcji „magicznego realizmu” i szczytem twórczości Magritte'a. Każdy, kto patrzy na ten obraz, ma bardzo sprzeczne wnioski.
Obraz „Syn Człowieczy” Magritte namalowany w 1964 roku jako autoportret. Tytuł pracy nawiązuje do obrazów i symboli biblijnych. Jak pisali krytycy, „obraz zawdzięcza swoją nazwę wizerunkowi współczesnego biznesmena, który pozostał synem Adama, oraz jabłku, symbolizujące pokusy, które wciąż nawiedzają człowieka we współczesnym świecie”.
Po raz pierwszy wizerunek mężczyzny w płaszczu i meloniku pojawia się w Odbiciach samotnego przechodnia z 1926 roku, a później powtórzony jest w obrazie Sens nocy. W latach pięćdziesiątych. Magritte ponownie powraca do tego obrazu. Jego słynna „Golconda” symbolizuje jednolicowy tłum i samotność każdej znajdującej się w nim osoby. „Człowiek w meloniku” i „Syn człowieczy” kontynuują refleksje na temat utraty indywidualności przez współczesnego człowieka.

Twarz osoby na zdjęciu pokryta jest jabłkiem - jednym z najstarszych i niejednoznacznych symboli w sztuce. W Biblii jabłko jest owocem drzewa poznania dobra i zła, symbolem upadku człowieka. W folklorze ten obraz był często używany jako symbol płodności i zdrowia. W heraldyce jabłko symbolizuje spokój, moc i moc. Ale Magritte najwyraźniej odwołuje się do pierwotnych znaczeń, używając tego obrazu jako symbolu pokus, które prześladują człowieka. W szaleńczym rytmie współczesnego życia człowiek traci swoją indywidualność, wtapia się w tłum, ale nie może pozbyć się pokus, które jak jabłko na obrazie blokują realny świat.

Bella Adceeva

Belgijski artysta Rene Magritte, mimo niewątpliwej przynależności do surrealizmu, zawsze wyróżniał się w ruchu. Po pierwsze, był sceptycznie nastawiony do być może głównego hobby całej grupy André Bretona - psychoanalizy Freuda. Po drugie, same obrazy Magritte'a nie przypominają ani szalonych wątków Salvadora Dali, ani dziwacznych pejzaży Maxa Ernsta. Magritte posługiwał się głównie zwykłymi, codziennymi obrazami - drzewami, oknami, drzwiami, owocami, postaciami ludzi - ale jego obrazy są nie mniej absurdalne i tajemnicze niż prace jego ekscentrycznych kolegów z warsztatu. Nie tworząc fantastycznych przedmiotów i stworzeń z głębi podświadomości, belgijski artysta dokonał tego, co Lautréamont nazywał sztuką - zaaranżował "spotkanie parasola i maszyny do pisania na stole operacyjnym", nietypowo łącząc banalne rzeczy. Krytycy sztuki i znawcy wciąż proponują nowe interpretacje jego obrazów i ich poetyckich nazw, prawie nigdy nie kojarzonych z obrazem, co po raz kolejny potwierdza: prostota Magritte'a myli.

© Zdjęcie: Rene MagritteRené Magritte'a. "Terapeuta". 1967

Sam Rene Magritte nazwał swoją sztukę nawet nie surrealizmem, lecz realizmem magicznym iz wielką nieufnością podchodził do wszelkich prób interpretacji, a tym bardziej poszukiwania symboli, argumentując, że z obrazami jedyne, co ma do czynienia, to ich badanie.

© Zdjęcie: Rene MagritteRené Magritte'a. „Refleksje samotnego przechodnia”. 1926

Od tego momentu Magritte co jakiś czas powracał do obrazu tajemniczego nieznajomego w meloniku, przedstawiającego go teraz na piaszczystym wybrzeżu, raz na miejskim moście, raz w zielonym lesie lub w obliczu górskiego krajobrazu. Mogło być dwóch lub trzech nieznajomych, stali plecami do widza lub półbokami, a czasem – jak np. na obrazie High Society (1962) (można przetłumaczyć jako „High Society” – przyp. red.) - artysta wyznaczył jedynie sylwetkę mężczyzn w meloniku, wypełniając go chmurami i liśćmi. Najsłynniejszymi obrazami przedstawiającymi nieznajomego są „Golconda” (1953) i oczywiście „Syn Człowieczy” (1964) - najbardziej powielone dzieło Magritte'a, parodie i aluzje, do których tak często można znaleźć, że obraz już żyje niezależnie od jego twórcy. Początkowo Rene Magritte namalował obraz jako autoportret, gdzie postać mężczyzny symbolizowała współczesnego człowieka, który stracił swoją indywidualność, ale pozostał synem Adama, który nie mógł oprzeć się pokusom - stąd jabłko zakrywające jego twarz.

© Zdjęcie: Volkswagen / Agencja reklamowa: DDB, Berlin, Niemcy

"Zakochani"

Rene Magritte często komentował jego obrazy, ale jeden z najbardziej tajemniczych - "Kochankowie" (1928) - odszedł bez wyjaśnienia, pozostawiając miejsce na interpretacje krytyków i fanów sztuki. Ci pierwsi ponownie zobaczyli na zdjęciu odniesienie do dzieciństwa artystki i przeżyć związanych z samobójstwem matki (kiedy jej ciało wyjęto z rzeki, głowę kobiety zakrywał rąbek koszuli nocnej - przyp. red.). . Najprostsza i najbardziej oczywista z dotychczasowych wersji – „miłość jest ślepa” – nie budzi zaufania specjalistów, którzy coraz częściej interpretują obraz jako próbę oddania izolacji między ludźmi, którzy nie są w stanie przezwyciężyć wyobcowania nawet w chwilach namiętności. Inni widzą tu niemożność zrozumienia i rozpoznania bliskich do końca, inni rozumieją „Kochanków” jako urzeczywistnioną metaforę „utraty głowy od miłości”.

W tym samym roku Rene Magritte namalował drugi obraz zatytułowany "Kochankowie" - na nim twarze mężczyzny i kobiety również są zamknięte, ale zmieniły się ich pozy i tło, a ogólny nastrój zmienił się z napiętego w spokojny.

Tak czy inaczej, „Lovers” pozostaje jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów Magritte'a, którego tajemniczy klimat zapożyczyli dzisiejsi artyści – na przykład okładka debiutanckiego albumu brytyjskiego zespołu Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep in Rozmowa (2003) odnosi się do tego.

© Zdjęcie: Atlantic, Mighty Atom, FerretAlbum Funeral For a Friend, „Casually Dressed & Deep in Conversation”

„Zdrada obrazów”, czyli To nie jest…

Nazwy obrazów Rene Magritte'a i ich związek z obrazem to temat na osobne opracowania. „Szklany Klucz”, „Spełnienie Niemożliwego”, „Ludzki Przeznaczenie”, „Przeszkoda Pustki”, „Wspaniały Świat”, „Imperium Światła” są poetyckie i tajemnicze, prawie nigdy nie opisują tego, co widz widzi na płótnie.Jakie znaczenie artysta chciał nadać nazwie, w każdym przypadku można się tylko domyślać. „Nazwy są dobrane w taki sposób, aby nie pozwalały mi umieścić moich obrazów w sferze znanej, gdzie automatyzm myśli z pewnością zadziała, aby zapobiec niepokojowi” – ​​wyjaśnił Magritte.

W 1948 roku stworzył obraz „Zdrada obrazów”, który stał się jednym z najsłynniejszych dzieł Magritte'a dzięki napisowi na nim: z niekonsekwencji artysta zaprzeczył, pisząc „To nie jest fajka” pod obraz rury. "Ta słynna fajka. Jak ludzie mi nią zarzucali! A jednak można ją nadziać tytoniem? Nie, to tylko obrazek, prawda? Więc gdybym napisał "To jest fajka" pod obrazkiem, to bym kłamać!” - powiedział artysta.

© Zdjęcie: Rene MagritteRené Magritte'a. „Dwa tajemnice”. 1966

© Zdjęcie: Allianz Insurances / Agencja reklamowa: Atletico International, Berlin, Niemcy

Niebo Magritte'a

Niebo z unoszącymi się na nim chmurami jest tak codziennym i używanym obrazem, że wydaje się niemożliwym uczynienie z niego „wizytówki” konkretnego artysty. Nie można jednak pomylić nieba Magritte'a z cudzym - częściej ze względu na to, że w jego obrazach okazuje się, że odbija się ono w dziwacznych lustrach i wielkich oczach, wypełnia kontury ptaków i wraz z linią horyzontu z pejzażu, niepostrzeżenie przechodzi do sztalugi (seria „Ludzkie przeznaczenie”). Pogodne niebo służy jako tło dla nieznajomego w meloniku (Decalcomania, 1966), zastępuje szare ściany pokoju (Wartości osobiste, 1952) i załamuje się w wolumetrycznych lustrach (Elementary Cosmogonia, 1949).

© Zdjęcie: Rene MagritteRené Magritte'a. „Imperium światła”. 1954

Wydaje się, że słynne „Imperium światła” (1954) wcale nie jest podobne do dzieł Magritte'a - w wieczornym pejzażu na pierwszy rzut oka nie było miejsca na niezwykłe przedmioty i tajemnicze kombinacje. A jednak jest takie połączenie i sprawia, że ​​obraz „Magritte” – czyste dzienne niebo nad jeziorem i dom pogrążony w ciemności.

Mój ulubiony surrealista może pochwalić się wieloma arcydziełami, skromnie wiszącymi w muzeum jego imienia w Brukseli. Powszechnie znany jest dzięki dwóm ściągniętym kawałkiem materiału głowom, siedzącym trumnom, wizerunkowi fajki, a także organicznie dopasowanym do twarzy żeńskim narządom płciowym. I oczywiście dzięki niemu - synowi człowieczemu.

Obraz mężczyzny w płaszczu i meloniku przebiega jak czerwona nić przez wszystkie prace Magritte'a. Po raz pierwszy narysował podobną sylwetkę w 1926 roku, nazywając obraz „Refleksją samotnego przechodnia”. Niektórzy badacze jego twórczości uważają, że obraz powstał pod wrażeniem śmierci matki artysty. (Popełnił samobójstwo, skacząc z mostu.)

Rok później w twórczości Magritte'a powraca motyw melonika i płaszcza. „Znaczenie nocy”. Sens nocy jest oczywiście we śnie.

Magritte ponownie przywołuje ten obraz dopiero w 1951 roku, tworząc obraz „Puszka Pandory”. Przypuszczalnie biała róża jest symbolem nadziei pozostającej na dnie pudełka.

W 1953 Magritte maluje słynny deszcz ludzi „Golconda”. Sam Rene twierdził, że ten obraz uosabia jednolicowość tłumu i samotność znajdującej się w nim jednostki, która może dotknąć prawdziwego życia - ponownie - tylko we śnie.

W 1954 ukazały się „Wielkie stulecie” i „Nauczyciel”.

„Wielkie stulecie”

„Nauczyciel w szkole”

W 1955 roku z różnych stron otwiera się mężczyzna w płaszczu i meloniku. Trzy postacie, trzy księżyce, trzy rzeczywistości. „Arcydzieło lub tajemnica horyzontu”

W 1956 alter ego Magritte'a traci formę i naśladuje horyzont – praca „Poeta odtworzony”

W 1957 Magritte zainspirował się Botticellim, umieszczając Spring na plecach mężczyzny w płaszczu. "Gotowy bukiet"

Po trzyletniej przerwie, w 1960 roku płaszcz wraca do wdzięcznego widza. Przynosi ze sobą jabłko. "Pocztówka"

Jak również przedstawiciele fauny. Ważny szczegół - mężczyzna w płaszczu i meloniku odwraca się do nas. "Obecność umysłu"

W 1961 Gagarin poleciał w kosmos, a Magritte namalował „Portret Stefi Lang”, gdzie nie omieszkał umieścić dwóch zestawów „melonik”.

"Elita".

"Duch przygody"

W 1963 Magritte ponownie trochę poeksperymentował z formą.

„Niekończące się uznanie”

„Zwolennik porządku”

W 1964 artysta namalował prekursora Syna Człowieczego. „Mężczyzna w meloniku”

I wreszcie dotarliśmy do chyba najsłynniejszego obrazu Magritte'a. Syn Człowieczy został pomyślany jako autoportret artysty, symbolizujący współczesnego człowieka, który utracił swoją indywidualność, ale nie pozbył się pokus.

W tym samym roku powstała wariacja „Syna Człowieczego” – „Wielka Wojna”

Dwa lata po "Synie Człowieczym" Magritte wrócił do meloników. "Dekalkomania" i "Muzeum Królewskie" pochodzą z 1966 roku.

„Dekalkomania”

„Muzeum Królewskie”

Na tym Magritte zakończył swój związek z melonikami, ale było już za późno - obraz trafił do mas. Figlarne rączki fanów Apple odegrały znaczącą rolę w wulgaryzacji obrazu.

Nie należy jednak winić tylko zwolenników zepsutego jabłka – z reguły adaptacja idei przez społeczeństwo jest często dla autora bolesna.

Apoteozą tego procesu jest przemiana „syna człowieczego” w nowego bohatera postępowej młodości. Czuję się, jakby Magritte właśnie wpadł na gwóźdź w swojej trumnie.

Co mamy na końcu? Jeden z kluczowych obrazów artysty zostaje zwulgaryzowany i skomercjalizowany. Z drugiej strony, czy nie jest to dowód światowej sławy?

W ciągu swojego życia Magritte namalował około 2000 obrazów, z których na 50 pojawia się kapelusz. Artysta namalował ją w latach 1926-1966 i stała się znakiem rozpoznawczym twórczości Rene.

Wcześniej melonik nosili zwykli mieszczanie, którzy nie chcieli szczególnie wyróżniać się z tłumu. „Melonik… nie jest zaskakujący” – powiedział Magritte w 1966 roku. „To nakrycie głowy, które nie jest oryginalne. Mężczyzna w meloniku jest po prostu człowiekiem z klasy średniej [ukrytym] w swojej anonimowości. Ja też to noszę. Nie staram się wyróżniać.”

René Magritte'a. 1938 rok

Meloniki zostały wprowadzone specjalnie dla brytyjskiej klasy średniej w drugiej połowie XIX wieku. Na początku XX wieku melonik stał się jednym z najpopularniejszych kapeluszy. Nakrycie głowy zostało uznane za nieformalne i jednocześnie praktyczne, przez co stało się nieodzowną częścią męskiej garderoby.

To prawda, że ​​w latach dwudziestych zdarzały się również epizody, w których akcesorium pojawiało się w karierze Magritte'a. W tamtych czasach artysta porzucił pracę jako ilustrator do katalogu mody. Wczesne obrazy zawierają odniesienia do popkultury, kojarzonej wówczas z melonikiem. Magritte, który był zagorzałym miłośnikiem powieści kryminalnych, pracował nad Zabójcą w niebezpieczeństwie, w którym dwóch detektywów ubranych w meloniki przygotowuje się do wejścia do pokoju, w którym dokonano morderstwa.

Zabójca jest w niebezpieczeństwie. 1927 rok

Następnie artysta zrezygnował z motywu „kapeluszu”, nie używając go przez kilkadziesiąt lat. Kapelusze pojawiły się ponownie na płótnie w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych, stając się ważną częścią późniejszej kariery René. Do tego czasu skojarzenia z mężczyzną w kapeluszu zmieniły się diametralnie: od wyraźnego odniesienia do zawodu (głównie detektywów) do symbolu klasy średniej.

Ale tak jak powinno być w twórczości Magritte'a - wszystko nie jest takie, jak nam się wydaje. „Gra z tym uczuciem:„ Myślimy, że wiemy, kim jest ta osoba, ale czy wiemy? ” – mówi Kaitlin Haskell, organizatorka wystawy René Magritte w San Francisco. „Istnieje poczucie intrygi, mimo że sama postać jest stereotypowo burżuazyjna i nie jest szczególnie interesująca”.

Arcydzieło, czyli sekrety horyzontu. 1955 rok

„Jeśli weźmiesz geniusz Magritte'a i musisz opowiedzieć o nim jednym zdaniem:„ Dlaczego Magritte jest tak ważny? Dlaczego jego obrazy są integralną częścią wyobraźni i świadomości społecznej?” Dzieje się tak dlatego, że tworzy niezwykle wyraźne i wyraźne obrazy, które nie mają jasnego znaczenia ”- mówi Anne Umland, kuratorka malarstwa i rzeźby w nowojorskim Museum of Modern Art. „Melonik działa w ten sposób”.

Istnieje teoria, że ​​kapelusz działał jako „anonimizator” samego Rene. Mniej więcej w czasie, gdy na obrazach ponownie pojawiły się kapelusze, Magritte zaczął nosić kapelusz na sesje zdjęciowe. Niewykluczone, że dzielni panowie z obrazów to autoportrety samego Rene.

Ilustruje to obraz „Syn człowieczy”, będący autoportretem artysty. Rene rysuje melonik i duże jabłko unoszące się przed jego twarzą, przysłaniając jego prawdziwą tożsamość.

Syn mężczyzny. 1964 rok

Jednak w latach 50. ulice miasta przestały być pełne meloników. Akcesorium stało się staromodne, a podążający za trendami mieszczanie musieli go porzucić. Wtedy namalowane w realistycznym stylu kapelusze Magritte'a (u szczytu ekspresjonizmu abstrakcyjnego) stały się symbolem anonimowości. Na obrazach René wyszły na pierwszy plan, zamiast zniknąć w pozbawionym twarzy tłumie.

W rzeczywistości meloniki stały się ikonograficzną sygnaturą Magritte'a. Okazuje się to zabawna ironia: artysta wybrał detal, który zapewniałby nierozpoznawalność, ale wszystko działało na odwrót. Teraz melonik jest jednym z głównych przedmiotów twórczości legendarnego Rene Magritte'a.