Milliseid kunstnikke oskate autoportreesid nimetada? Kuulsate kunstnike parimad autoportreed

Vastus küsimusele – miks polnud suuri naiskunstnikke – peitub olemasoleva olemuses sotsiaalsed institutsioonid meeste maailm ja mida nad keelavad või julgustavad. Naised ei tohtinud õppida Maaliakadeemias, neil oli keelatud õppida inimese anatoomiat, neil oli keelatud ligipääs renessansiajast pärit aktimodellitele kuni peaaegu XIX lõpus c., kuigi hoolikas ja pikaajaline aktijoonistamisõpe oli iga noore kunstniku kunstipraktika aluseks, ei lubatud neil näitustel ja konkurssidel osaleda. Londoni Kuningliku Akadeemia naisüliõpilastel lubati alastijoonistustundidesse minna alles 1893. aastal ja hiljem, kui neil lubati, tuli modell "osaliselt drapeerida". Nad said õppida ainult kodus või sugulaste juures, mistõttu olid sellised silmapaistvad kunstnikud nagu Marietta Robusti, Lavinia Fontana, Artemisia Gentileschi, Elisabeth Charon, Madame Vigée-Lebrun ja Angelique Kaufmann eranditult kunstnike tütred. Näiteks Berthe Morisot oli Manetiga lähedane ja abiellus hiljem tema vennaga ning märkimisväärne osa Mary Cassatti loomingust põhineb tema stiilil. lähedane sõber Degas. Lisaks pidi naine tegelema igapäevaelu, laste, perekondlike kohustustega, ta ei saanud end täielikult kunstnikukarjäärile pühenduda, nagu mehed seda tegid.Ja kõigele sellele vaatamata saavutasid nad suurt edu ja nende hulgas oli palju väärikaid. head kunstnikud ja mõned neist, nagu Sofonisba Anguissola, Angelique Kaufman ja Elisabeth Vigée-Lebrun, kutsuti õukonda portreesid maalima.

"Lõbusa näite selle tabu kohta riietatud naise ja alasti mehe kohtumise vastu annab Zoffany 1772. aastal tehtud Londoni Kuningliku Akadeemia liikmete grupiportree. Zoffany akadeemikud on kogunenud valgusküllasesse saali kahe ees. alasti istujad: kohal on kõik akadeemia lugupeetud liikmed, välja arvatud üks märkimisväärne erand: siin on sündsuse huvides kohal ainus naisakadeemik, kuulus Angelika Kaufman oma seinal rippuva portree näol." Linda Nochlin

Sofonisba Anguissola Autoportree 1556 Hispaania – esimene teadaolev renessansiajastu kunstnik, pere kõik viis õde olid kunstnikud.

Artemisia Gentileschi. Autoportree. 1630 Itaalia

Rosalba Carriera autoportree 1715 Itaalia

Marietta Robusti (kuulsa Tintaretto tütar) Autoportree Itaaliast

Anna Vaser Autoportree. Šveits

Katharina van Hemesson Belgia

Elisabetta Sirani. Autoportree. Itaalia

(ta elas vaid 27 aastat, võeti vastu akadeemiasse, avas naiste kunstikooli)

Elisabeth Vigee – Libren. Autoportree õlgkübaraga 1782. a Prantsusmaa (tal on maalitud palju suurepäraseid autoportreesid erinevad aastad elu)

Maria Bracquemont Prantsusmaa

Eva Gonzalez Prantsusmaa

Giovanna Frantellini autoportree Itaalia

Angelika Kaufman Autoportree 1787 (oli paljude Euroopa kunstiakadeemiate liige)

Adelaide Labille – Giard. Autoportree kahe modelliga, 1785. Prantsusmaa

Rolinda Sharplesi (Chaplin) autoportree emaga 1820. aastal

Margarita Gerard. Autoportree kitarristiga 1803

Judith Leyster 1630 Holland

Rose Bonheur Prantsusmaa

Berthe Morisoti autoportree 1885 Prantsusmaa

Marie-Genevieve Boulliard Prantsusmaa

Louise Hollandina on Tšehhi Vabariigi kuninga tütar. Autoportree

Tove Jansson Soome

Frida Kahlo Mehhiko

Maria Baškirtseva - elas 23 aastat, kuulus rahvusvahelisse kunsti edetabelisse

Sofia Sukhovo-Kobylina on esimene naine, kes lõpetas akadeemia kuldmedaliga

Zinaida Serebryakova (palju autoportreesid)

Tamara de Lempicka Autoportree

Marianna Veryovkina

Natalia Gontšarova

Elizaveta Boehm

Olga Della-Vos-Kardovskaja

Elizaveta Kruglikova Autoportree

Maria Vorobjova-Stebelskaja (Marevna) Autoportree 1929

Natalia Agapeva Autoportree

Olen siin esitanud vaid väikese osa naiskunstnike autoportreedest, allpool on kahe lingi abil näha veel 223 autoportreed ja see pole muidugi kõigi kunstnike täielik nimekiri. Nagu näha, on naiskunstnikke kogu aeg olnud palju. Ja see on täiesti ebaõiglane, et nii paljud neist unustati, nende naisenimed maalikunsti ajaloost kustutatud ja nende loominguline pärand kadunud.

"Mille kaudu ainult naine, kes on valinud, ei pea läbimakunstnikukarjäär, isegi andekas ja suur karjäär,silmapaistev talent? Ükskõik kui andekas ta ka poleks, jääb ta alati keskpärase kunstniku taha jaeelistab alati anda tellimuse kolmanda taseme kunstnikuleku kui ilmselge ja särava andega naine: kuidagi mittekavalalt... Teda võidakse isegi ajalehtedes kiita,nad räägivad sellest ja tunnevad seda kunstimaailmas,kuid keegi ei julge talle vastutusrikast tööd usaldada,nad püüavad seda saavutada sõbralike ja ühtsete jõupingutustega.kus mitte vahele jätta. Kui palju selliseid näiteid olen näinudelu! (...) Palju suurema talendiga naine saab edasi vaid ime läbi võiviisidel, millel pole kunstiga midagi pistmist, antakse talle iga samm ainult uskumatu pingutusegami... Ja kui paljud neist surevad või võitlevad terve elu vaesuses! " Maria Teniševa

Autoportree

(Kreeka autodest – tema ise, prantsuse portree,

alates lat. portatore - "kanda, rakendada, tarnida)

Autoportree on kunstniku enda tehtud graafiline, pildiline, skulptuurne kujutis, enamasti peegli abil. Autoportree väljendab kunstniku hinnangut tema isiksusele ja loomingulistele põhimõtetele. Kunstnik võib autoportrees püüda saavutada enesehinnangu objektiivsust, ennast tõsta või eksponeerida, esitleda end erinevates rõivastes, mütologiseerida oma kuvandit jne.

Meie jaoks on autoportree tänapäeval sama tuttav žanr kui kõik teised. Kuid vaid umbes 500–600 aastat tagasi Euroopas ja Venemaal veelgi vähem – 280 aastat tagasi – oli autoportree üksik ja uuenduslik nähtus, mis kinnitas loova isiksuse väärtust ja õigust järeltulijate mälestusele.

Selle žanri tekkimine ja areng on seotud ennekõike kunstniku staatuse ümberhindamisega 15. sajandil. Varjatud autoportreed eksisteerisid varemgi – kunstnik kujutas end stseenis alaealise ja anonüümse tegelase varjus või varustas väga spetsiifilise tegelase oma näojoontega. Keskaja lõpus ilmusid vaieldamatud autopoosid.portreed, st individualiseeritud näod, kõik arvukamad ja esindatud kõige rohkem mitmel erineval viisil. Sellega kaasneb kaks paralleelset nähtust: uued pildilised vahendid,lubatud Itaalia ja Hollandi kunstnikelekam kujutavad selgelt näojooni ja allkirja, mis juhib vaataja tähelepanu teose autorile. Ja paranemine japeeglite laialdane kasutamine, eriti Veneetsiataevas kes otsast peale XIV sajand olid väga kõrgelt hinnatud. Igal autoportreel, mida saab nimetada "a specchio" ("peegli abiga"), kujutatud kolmveerandvaates esitatud ja pilgu väljapoole suunatud, on kompositsioon olemuselt asümmeetriline.

Iseseisva žanrina ilmub autoportree aga renessansiajal, alates “Renessanss avastas inimese” (J. Burchard).

Autoportreed on mitut tüüpi:

1. “Sisestatud autoportree” - tutvustatakse kunstnikku rühmakoosseis, eristava märgiga või ilma selleta, mõnikord lahustub see olukorras(“peidetud autoportree”, näiteks “Adoration in S. Botticelli "lkhvo", K. Bryullovi "Pompei viimane päev") või sellest eraldatud tema (D. Velazquez “Las Meninas”).

2. „Esindus- või sümboolne autoportree" - annab kunstnik sellele oma näojoonedtoorika või muinasjutu tegelane, mõnikord viib see eelmise valemini või spetsiifikanikeemiline kompositsioon (Rogier van der Weyden "Püha Luukas maalimas Madonit"hästi") ja mõnikord lõpeb see lihtsa riiete vahetamisega.

3. “Grupiportree” - professionaal, peredny, meeldejääv (P. Rubens “Neli filosoofi”, “Autoportree Mantua sõpradega”).

4. "Eraldi või loomulik autoportree" - näidatakse kunstnikku töölvõi ilma professionaalsete tarvikuteta, tausta võib ulatuda neutraalsest või töökoja interjöörist keerukama, mõnikord isegi fantastiline.

Kaks esimest tüüpi on iidsemad ja neid leidub sageli 15. ja 16. sajandil, kuid need ilmuvad Xia ja hiljem. Ülejäänud kaks tõusid sisse XV-XVI sajandil ning need töötati välja 18. ja 19. sajandil.

Esimene kunstnik, kelle jaoks autoportreest sai ikooniline žanr, oli Albrecht Durer (1471-1528). Tema autoportreed (Dürer loonud üle 50 autoportree)moodustavad ainulaadse sarja. Rembrandti juurde läänes Euroopa maalikunst Keegi teine ​​pole midagi sellist teinud.

Tema autoportreed peegeldasid renessansiaegset lähenemist kunstniku isiksuse tõlgendamisele, keda nüüdsest tuleks käsitleda mitte kui alandlikku käsitöölist, vaid kui kõrge sotsiaalse staatusega inimest. Need suundumused kulmineeruvad 1500. aasta autoportreega. Meister maalis end sellisena, nagu ta soovis, et teda nähakse, peegeldades kunstniku suurt kutsumust: pidulik eesmine poos ja näojoonte idealiseerimine, paljastades sarnasuse Kristusega.Selle autoportree mustale väljale kirjutas Dürer kaks kuldset kirja: vasakule pani ta kuupäeva ja allkirja monogrammi ning paremale, nendega sümmeetriliselt: "Mina, Albrecht Dürer, nürnberglane. , maalisin end sel moel igaveste värvidega.

Rembrandti looming eristubta (1606-1669), kes tegi üle 60 autoportree, mis nagu Dürer, on omamoodi kunstniku päevik ja saadavad kogu temaga loominguline elu. Kunstniku nägemus iseendast peegeldab tema kõiki etappe sisemine areng: eksperiment - tema varajasel Leideni perioodil, teatraalselt salajane - 1630. aastatel ja ausalt - oma elu lõpupoole. Tegelikult on ta ise tema lemmikteema, millega töötada, visandid teistele maalis ja graafikas loodud piltidele.

Üks autoportreede lemmikmotiive - kunstniku rahulik pilt ateljee interjööris, molberti ees - peegeldub paljude kunstnike loomingus. Naitäielikumalt ja samal ajal lihtsalt taasloodud J. Chari pooltden. Seda teemat tuleb palju kordi 19. sajandil korratud erinevate varjunditega. otse kuni P. Cezanne'ile ja A. Matisse'ile.

Alates 18. sajandist peaaegu kõik maalijad arvasid oma autoportreed oma stiili ja temperamendi omamoodi manifestina (Mengs, David, Ingres, Corot). Hiljem autoportree hakkas väljendama kunstniku kuvandit (Uistler, Böcklin, Meissonnier, Pissarro, Monet). AutosCourbet’ portreedes domineerib sotsiaalne paatos ja sisse pildid Van Goghist (“Autoportree äralõigatud kõrvaga”) ja kuni Korintose ja Beckmanni – psühholoogilised.

Viimased märkimisväärsed episoodid Euroopa autoportreede ajaloos klassikalises mõttes on seotud Paul Cézanne'i loominguga ja Henri Rousseau (“Autoportree-maastik”),kelle autoportreed on populaarsed, peaaegu vapustav tegelane.

Esimese maailmasõja eelõhtul sürrealistlikud kunstnikud ja “uue materiaalsuse” esindajad ty" pöördus taas autoportree poole, kuid tõlgendas teda kriitilisemas vaimus (grupiportreeMax Ernst "Sõprade kohtumine", 1922,Bellmeri ja Dixi autoportreed).

Siis pärast pikka unustust vanuse tõttu abstraktse esteetika mõjul ja soovil kujutada maalikunstis konstruktiivseid elementesina, autoportree ilmub taas 1960. aastatel. juures New Figurationi, Popkunsti ja erinevate maalikunstnikud realismid. Töös on märgata fotograafia mõjuE. Warholi ja Fromange'i Denias. Alates 1960. aastate lõpust on paljud kunstnikud pühendasid oma loovuse enda uurimisele individuaalsus (kehakunst ja „individuaalne mütoloogia"). Oma identiteedile mõeldes,oma keha, oma mineviku ja tuleviku, nad lõid loonud oma pilte, kasutades sageli fotograafiat.

Venemaal ilmus autoportree kui kunstižanr XVIII alguses V. Andrei Matvejevi “Autoportree naisega” aastast 1729 - tagasihoidlik pilt abielupaar- sai uuenduslikuks nähtuseks ja esimese venelasena kunstniku autoportree, kinnitades loova isiksuse väärtust ja õigust järeltulijate mälestusele ning eraisikut kujutava kammerliku tüüpi portreena.

Üks neist kõige olulisemad põhjused Autoportree väheareng uue vene maalikunsti ajaloo varases staadiumis seisneb kunstniku positsioonis sotsiaalses süsteemis, tema olemasolu tingimustes ja sotsiaalse heaolu iseärasustes. 18. sajandi vene maalikunstnik oli justkui käsitööline, tal on keskaegse isiksuse kontseptsiooni jälg - korporatiivne, mis ei ilmnenud individuaalsetes püüdlustes, kaugel eneseväljenduse ideest. Vene maalikunstnik 18. sajandil ei tundnud õigust enda pärast muretseda.

Aga vene romantismis 19. sajandi esimesel poolel. autoportreest saab märgatav nähtus (O. Kiprensky, K. Brjullov). Kuid vene autoportree kõige võimsam õitseng toimus 19.-20. sajandi vahetusel, kui Euroopa autoportreepildis ei toimunud peaaegu midagi huvitavat.

See õitseng on seotud uus süsteem kunstiline mõtlemine, kus kunstniku enda roll on muutunud tohutuks, soov eneseväljenduseks on enneolematu ja individuaalse loomestiili järele tugevam kui kunagi varem. Kõik need asjaolud asetasid loomingulise akti keskmesse loominguline isiksus, mis paratamatult pidi autoportree taaselustama. Autoportree on omamoodi deklaratsioon, kunstniku loominguline platvorm. Näitusel on reproduktsioon N. Gontšarova autoportreest “Autoportree kollaste liiliatega”, 1907. aastal.Välimuse deformeerumine, vormi lihtsus ja jämedus, joonistuse tahtlik ebakorrapärasus, kõik see “inetus” kõlas väljakutsena stiliseeritud kunstile, protestina naisteportreedel sageli esineva salongiilu vastu.

Autoportrees imekombel autor ja teema, pildi subjekt ja selle sisu on segunenud, läbitungivad, alati äärmiselt rikas salajaste või ilmsete tähenduste poolest, milles on oluline iga element ning kujutatava isikupära avaldub isegi vastupidiselt kavatsustele. autorist. Sellest ka vaataja jätkuv huvi autoportree žanri vastu.

Medicite perekonna suurim kollektsionäär Leopoldo Cosimo II asus 1664. aastal koguma teadusliku süstemaatilisusega autoportreede kogu. Selleks ostis või sai ta kingituseks autoportreesid kuulsad meistrid, otsis agentide või sõprade kaudu kaasaegsete portreesid erinevad riigid, Euroopa kohtute valitsevad isikud, reisijad. Selle tulemusena sai kollektsiooni looja 11 aasta jooksul 80 maali. Kollektsioon kahekordistus tema järeltulija Cosimo III ajal, kes hoolitses selle paigutamise eest Firenze Uffizi galeriisse. Praegu on Uffizi galerii autoportreede kollektsioonis 2300 maali. See kogu sisaldab vene kunstnike autoportreesid (näiteks B. Kustodiev, M. Chagall).

portree, millel kunstnik kujutab iseennast, kasutades tavaliselt peeglit. Autoportree omapära seisneb ennekõike selles, et ta “rääkib” vaatajaga esimeses isikus - ajast ja iseendast; see on kunstniku monoloog: tema loomingulise kreedo intiimne ülestunnistus või aktiivne kinnitus, eneseiroonia või rahulik narratiiv. Legend ühest esimesest autoportreepildist on meieni jõudnud antiikajast: Vana-Kreeka skulptor Phidiast süüdistati jumalateotuses, sest ta julges Athena kuju kilbil kujutada end jumalana reljeefses stseenis lahingust amatsoonidega. Skulptuursetest autoportreedest on teada vaid üksikuid näiteid (tšehhi arhitekti ja skulptori P. Parleri autoportree Praha Püha Vituse katedraalis, 14. sajand). Valdav enamus autoportreepiltidest on maalid või graafikatööd.

Renessansist – isikliku eneseteadvuse ärkamise ajast – sai portree (ja sellega koos ka autoportree) kui iseseisva žanri sünniaeg. Sest Vararenessanss Iseloomustab peamiselt “varjatud autoportreed” püha ajaloo või mütoloogia teemadel (Masaccio, D. Ghirlandaio, S. Botticelli). Nende maalidel kujutatud kirjus rahvamassis paistab silma, vaadates pingsalt otse vaatajale otsa - see on kunstnik ise, sündmuse osaline ja tunnistaja. Kauni ja harmoonilise isiksuse ideaal Raphaeli "Autoportrees" (1510), piiritu mõttejõud Leonardo da Vinci (1514) graafilises "Autoportrees" - need on võtmepildid Kõrgrenessanss. Hilisrenessanss – eredate ideaalide kaotamise aeg – sünnitab võimsaid ja traagilisi pilte (Michelangelo autoportree aastal " Viimane kohtuotsus" seinal Sixtuse kabel, 1535–41), ebastabiilne ja muutlik (Parmigianino “Autoportree kumer peeglis”, u 1524) ja lausa šokeeriv (Caravaggio “Medusa”, 1598–1599, kus kunstnik annab autoportreele iseloomulikke jooni). maha lõigatud Gorgoni pea). Meistrid Põhja renessanss sageli "krüpteerivad" oma autoportree pilte. Jan van Eycki filmis "Arnolfini paar" on kunstniku kuju vaevu näha seinal rippuvas kumeras peeglis. Allpool on kiri: "Van Eyck oli siin." Saksa suurmeister A. Dürer oli üks esimesi, kes lõi terve autoportreede galerii (kuulsaim, 1500, maalitud Kristuse kujutiste ikonograafias).

17. sajandil ilmub uus autoportreeteema - kunstnik tööl (“Kunstniku töökoda”, või “Maali allegooria”, J. Wermeer of Delft, ca 1675). Velazquezi teoses Las Meninas (1656) areneb see teema tõeliseks hümniks maalile ja selle piiramatutele võimalustele. Autoportreed muutusid Rembrandti jaoks intiimseks vestluseks iseendaga, kes lõi üle 100 tema pildi. Soov mõista inimhinge selle dünaamikas ja muutlikkuses on päritud Rembrandtilt ja arendada oma kunstis romantismi meistrid (T. Gericault, E. Delacroix, O. A. Kiprensky, K. P. Bryullov). Autoportree põhimõte läbib P. A. Fedotovi loomingut. Kunstniku jooni võib ära tunda paljude tema maalide ja joonistuste tegelastes. Rändurite (V. G. Perov, I. N. Kramskoi) autoportreed ahvatlevad tungivalt vaataja kodanikutunnistusele. 19.–20. sajandi vahetus. - autoportree ereda õitsengu aeg. M. A. Vrubeli, V. A. Serovi, M. V. Nesterovi, I. I. Maškovi, K. S. Malevitši jt tööd kajastavad keeruline pilt selle aja kunstielu, intensiivne uue, ajastuga kooskõlas oleva pildikeele otsimine.

Loeng “Psühhoteraapia kunstis. Kunst psühhoteraapias" (esimene osa)

Suurte kunstiinimeste autoportreed

Kunstiteraapia efektiivsuses ei kahtle enam keegi.

Kunstiteraapia usub, et see, mida me loome kunstilised pildid peegeldavad alateadvuses toimuvaid protsesse. See sümboolne keel võimaldab teil vabalt väljendada oma hirme, soove, sisemised konfliktid, lapsepõlvemälestused, teostamata unistused. Neid sel viisil uuesti läbi elades saame neid uurida ja nendega katsetada.

Kunsti abil väljenduvad sügavad kogemused vabamalt ja kergemini kui ratsionaalse psühhoteraapia käigus.

AT-l on positiivne mõju mitte ainult tõsiste, vaimsed häired, kuid see muutub ka lahutamatu osa igasugused isikliku kasvu koolitused ja seminarid.

Tahan rääkida autoportree rollist psühholoogias ja isiksuse arengus. Ja esitlege autoportreed kui psühhoteraapia meetodit, eriti gestaltteraapiat.

AP on sellise suuna meetod nagu maskoteraapia, mille lõi psühhiaater Gagik Mikaelovitš Nazloyan.

Meetodi eksisteerimise jooksul on spetsialistid aidanud tuhandeid inimesi selliste häiretega nagu skisofreenia, orgaanilised ajuhaigused, epilepsia, neuroosid, reaktiivsed seisundid, psühhosomaatilised häired jm.

Nazloyan G.M. kasutas seda meetodit psühhiaatrias, Kravchenko S.A. maskiteraapiat edukalt kohandatud indiviidi ja inimgrupi psühholoogilise diagnoosi, nõustamise ja psühhoteraapiaga, Gestaltteraapias näen ka väga harmoonilist Autoportree meetodi adaptsiooni.

Esiteks väike autoportree ajalugu:

Autoportree on väga eriline loominguline toode. Olenemata sellest, kas see on valmis või visanditena, pakub AP loovuse uurijatele alati erilist huvi.

Erinevatel aastatel maalitud autoportreede seeria võib jätta mulje kunstniku elust ja peegeldada olulised verstapostid ja pöördepunktid. Neist saab omamoodi mälestusteraamat.

Selline žanr nagu autoportree ilmub alles 16. sajandil. Kunstnikel oli võimalik mitte ainult kujutada religioosseid teemasid, vaid ka jäädvustada oma nägu ja kajastada oma sügavaimaid kogemusi autoportreedel.

Vajadus luua oma portreed on võimalus hallata oma elulugu, elu ja saatust.

Albrecht Dürer oli esimene Saksa (ja üldiselt kogu Euroopa) maalikunsti ajaloos, kes alustas autoportreede maalimisega. Vaadati üle kronoloogiline järjestus, nad moodustavad ainulaadne lugu inimeste teadmised iseendast, loodusest ja Jumalast.

Albrecht Dürer (1471-1528) maalis oma noorusajast autoportreesid.

Üks varasemaid on kirjutatud 13-aastaselt, hiljem tehti järelsõna: "Nii joonistasin end peeglisse 1484. aastal, kui olin veel laps." 13-aastane Dürer ei näinud ühtegi näidist, samuti ei osanud ta ette kujutada, et kunagi tänu temale Euroopa kunst selline žanr kehtestab end - autoportree.

Loodusteadlase huvides, mis on renessansile nii iseloomulik, salvestas Albrecht lihtsalt teda huvitanud objekti – oma näo – ega püüdnud end kaunistada, heroiseerida ega riietada (nagu ta küpsedes teeks).

Noorusportreedelt loevad kunstikriitikud "mure, põnevust, enesekindlust". Neis on juba ilmne emotsionaalne joon, mis jääb kunstniku kõikidesse hilisematesse autoportreedesse: ühelgi neist ei kujutanud ta end rõõmsana ega isegi naeratuse varjus. See oli osaliselt austusavaldus pilditraditsioonile (in keskaegne maal keegi ei naera), peegeldas osaliselt Düreri enda tegelast.

IN sel juhul, huvi enda vastu, oma peegelduse ja olemuse otsimine peeglist iseloomustab Düreri edasist tööd: tema uuenduslikkust ja tehnika originaalsust, portreede psühholoogilisust ja individuaalsust.

“Autoportree Hollyga” See on esimene Dureri õlivärviga maalitud autoportree. Neist on teada kolm: esimene asub Louvre'is, teine ​​asub Prados (Madridis) ja kolmas ja kõige kuulsam on Müncheni Alte Pinakothekis.

Dürer on siin 22-aastane. Esmakordselt autoportreel ei ole tema ülesandeks mitte tunda ennast, vaid näidata end teistele, “esitada” oma välimust ja isiksust maailmale.

“Suurepärane Dürer”: autoportree Pradost “Ma maalisin selle iseendast. Olin 26-aastane. Albrecht Durer." Kahe autoportree – selle ja eelmise – vahele jäi vaid viis aastat ning need olid Düreri eluloos väga olulised aastad.

Nende viie aasta jooksul Dürer mitte ainult ei abiellunud, vaid sai ka kuulsaks, mitte ainult ei küpsenud, vaid suutis end ka suure kunstnikuna tunnustada,

universaalne isiksus, kelle jaoks on piirid kitsaks jäänud kodulinn, kuna nüüd vajab Dürer kogu maailma. Selles Pradost tehtud autoportrees on Düreri enda pilgus, tema rahulikus ja enesekindlas poosis ning selles, kuidas ta käed parapetil toetuvad, erilist, teadlikku väärikust.

Uus autoportree on omamoodi deklaratsioon, et Dürer ei ole enam käsitööline (ja tema sünnimaal Nürnbergis peetakse kunstnikke endiselt käsitööklassi esindajateks) - ta on kunstnik ja seega ka Jumala valitud.

Dürer ei nõustu enam pidama end provintsi käsitööliseks, keda piiravad aja ja ruumi kokkulepped.

Autoportree karusnahaga ääristatud riietes (“Autoportree 28-aastaselt”, “Autoportree kasukas”).

Seesama kalduvus vaadelda kunstnikku mitte kui lihtsat käsitöölist, vaid universaalset isiksust, jõuab Dürer maalil, millest sai hiljem tema autoportree kuulsaim, oma loogilise äärmuseni.

Väikeste tähtedega on kiri: "Nii ma, Albrecht Durer Nürnbergist, maalisin end 28-aastaselt igavestes värvides."

Esimest korda kujutab Dürer end mitte kolmveerandi laiali, vaid rangelt frontaalselt – nii ei olnud kombeks maalida ilmalikke portreesid, vaid pühakuid.

Düreri joonistust surnud Jeesuse tahapoole visatud peaga peavad mõned autoportreeks, mitte põhjuseta.

Nad ütlevad, et umbes "Kristuse vanuses" jäi Dürer väga haigeks ja oli surma lähedal. Mitu päeva raputas teda palavik, Dürer lamas kurnatud, kuivade huulte ja sissevajunud silmadega.

Sel hetkel arvasid kõik, et vaga kunstnik saadab preestri järele. Aga ta nõudis toomist suur peegel, asetas selle rinnale ja leides vaevu jõudu oma pead tõsta, piilus pikka aega tema peegelpilti. See ehmatas Düreri sugulasi: võib-olla arvasid nad, et ta on haiguse mõjul hulluks läinud, sest keegi polnud kunagi mõelnud end surivoodil peeglist imetleda. Kui Dürer paranes, tegi ta selle joonise nähtu põhjal.

Frida Kahlo

Autor püüab analüüsida ja mõista oma minevikku, mõista teatud sündmuste olulisust – ja seda mitte maailmale edastamiseks, vaid iseenda jaoks. Seda tüüpi biograafia näide on Frida Kahlo (1907–1954) arvukad autoportreed. Need tööd peegeldavad loomingulist arusaama ja kogemust oma elukogemustest.

Frida Kahlo ei ole mitte ainult geniaalne kunstnik, kelle töödest enamik on autoportreed, vaid ka esimene latiino, kes on psühhoanalüütikute kontorites püsikunde.

Nii nagu valu ja ilu eksisteerisid selles hämmastavas naises koos, nii on tema maalidel, mis reeglina on pühendatud kunstniku elusündmustele, reaalsus läbi põimunud sümbolitega.

Tema autoportreed, kirjeldused hämmastavatest ja raske elu, millesse kunstnik pani kogu oma kogemuste mitmekesisuse ja vastuolud.

Ta hakkas joonistama 18-aastaselt, pärast seda, kui ta sattus kohutavasse õnnetusse. Tema keha oli tugevalt katki: vigastada saanud selgroog, murdunud vaagnaluud, rangluu, ribid, ainuüksi ühel jalal oli üksteist luumurdu. Frida elu oli tasakaalus, kuid noor neiu suutis võita ja kummalisel kombel aitas teda selles joonistamine. Isegi haiglatoas pandi talle suur peegel ette ja Frida joonistas ise.

Peaaegu kõikidel autoportreedel kujutas Frida Kahlo end karmi ilmega tõsise, sünge, justkui tardunud ja külmana. pokkerinägu kunstniku kõiki emotsioone ja emotsionaalseid läbielamisi on aga tunda teda ümbritsevates detailides ja figuurides. Iga maal sisaldab tundeid, mida Frida koges teatud hetk aega.

Autoportree abil näis ta püüdvat ennast mõista, paljastada sisemaailm, et vabaneda tema sees möllavatest kirgedest.

Fridat piinasid peaaegu kogu elu pidevad ja tugevad valud. Ja see kogemus on sümboolselt kehastatud tema autoportreedel.

Enda mõistmine üksikasjalik analüüs tema keha ja saatus on maalide taustal tabavalt ja lakooniliselt edasi antud.

Autoportreedel vilksatab mööda kogu inimese elu - liiklusõnnetus, aastad haiglates, abielu Diego Riveraga, kirg oma saatuse loova mõistmise vastu, eneseuurimine, mehe truudusetuse kogemused, olulised kohtumised, suutmatus lapsi saada, aina keerulisemad operatsioonid, hukatus pidevalt korsetis puuris olla, kirg, ilu sisseelamine. Elusündmuste intensiivsust ja tugevaid emotsionaalseid kogemusi annab edasi mitmetahuline autoportreede seeria – Frida Kahlo saatuse peegeldus.

Vincent Van Gogh

Vincent Van Goghist on palju autoportreesid. Lisaks äralõigatud kõrvaga “karismaatilisele” autoportreele jättis kunstnik rohkem kui kaks tosinat enda portreed, millest igaüks on iseloomulik konkreetsele autori eluperioodile ja peegeldab vaimuhaiguse kulgu.

Esiteks tahaksin märkida, et need teosed on mõnevõrra "kinnisideeks". Van Gogh viitab järjekindlalt samadele nurkadele - poolprofiil paremal või vasakul küljel ja samad tarvikud - müts ja toru.

Võib-olla on see tõsiasi võrreldav Van Goghi kirjadega oma vennale Theole, kus ta kurdab endas toimuvate muutuste aimamist ja kardab lähenevat haigust. Ja selles mõttes toimisid tema autoportreed - see tähendab tema pildi fikseerimine teatud meediumile - omamoodi reaalsusega suhtlemise vahendina, hoidsid kunstnikku kinni, ei lasknud tema ideedel iseendast kokku kukkuda.

Van Goghi autoportreed
Lõppude lõpuks kujuneb elu näiliselt tähtsusetute atribuutide taustal kuju ja mälu kasutab neid juhiste või vihjetena. Ja kellelegi kirjeldades võõras, iseloomustame teda tema harjumuste, pisiasjade, näiteks piibu või mütside eelistamise kaudu teistele mütsidele.

Vincent Van Goghi autoportreed
Nii püüab Van Gogh, hullumeelsuse äärel, oma haigusest aru saades, mitte kaotada vähemalt iseennast koos oma harjumuste ja omadustega. Autoportreedes säilitab ta oma harjumused ja need omadused, mille järgi võiks teda hinnata.

Jaspers kirjutab Van Goghi töö analüüsi kokku võttes: „Arengupiir saabub 1888. aasta alguses, mis langeb kokku psühhoosi algusega. Teosed, mis on meile ja meie ajale nii suurt mõju avaldanud, pärinevad aastatest 1888-1890. Sel ajal oli see kirjutatud rohkem pilte kui kõigil eelnevatel aastatel." Kuid aastate jooksul kõige rohkem suur hulk autoportreed.

Miks just kriisihetkedel, hirmul läheneva hullumeelsuse ees, pöördub kunstnik iseenda kujutamise poole? Tõenäoline vastus on püüdlus kinnitada oma tervet, kontrollitud ja autentset mina. Van Gogh kartis eksida haigustesse, kaotada oma "mina" kuvandit. Tema autoportreesid võrreldes annab talle kindlustunnet nende sarnasus. Tema kätes on illusioon oma mõistuse ja iseenda valitsemisest.
"Põhimõtteliselt kuulub minu töö teile. - kirjutab ta oma vennale. "Ma panin sellesse oma elu ja pool oma mõistusest läks sellesse..." Kuid ta hoiab oma autoportreed käes ja võib tunda end terviklikuna, ühtsena, mitte hävitatuna.

A.S. Puškin

Erilise koha Puškini joonistustes on tema autoportreed. "Ta tegi endast kolm korda rohkem pilte kui kõik tema kaasaegsed kokku," märkis Efros (rohkem kui 60 autoportreed).

OLEN. Efros lähenes Puškini autoportreedele kui "autobiograafiatele joonistustes"
"Tema tähelepanu oma välimusele oli püsiv ja see oli täis suurt tähendust," uskus kriitik

Nii eristas Efros kahte tüüpi Puškini autoportreesid – tema välisilme kallal töötades (siia hulka kuuluvad pildid endast vuntsidega, vuntsideta, külgpõletiga, mis ilmusid siis mõne aasta pärast luuletaja välimuses) või – sisemaailma.

Efrose sõnul on Puškini autoportreedel tohutu dokumentaalne väärtus. See on kõige usaldusväärsem tõend Puškini välimuse tunnuste ja tunnuste kohta. Efrosega nõustub ka Lia Pevzner, kes usub, et Puškini enda portreejoonistused pole "mitte ainult minevikudokument", vaid ka "osa poeedi eluloost".

Kriitiku analüüs luuletaja autoportreegraafika kohta hõlmab alati tema eluloo põhjalikku uurimist ja hoolikat tööd arhiiviandmetega.

Efros ei võrdle lihtsalt geeniuse minapilte nende kõrvale loodud ridade sisuga, vaid uurib just luuletaja eluperioodi ja temaga seotud meeleolusid ning alles sellest lähtudes proovib psühholoogilist seletust. autoportree välimusest ja selle graafilistest omadustest, mis on väga edukas.

Nii saab ta uurimise käigus teada, et Puškini esimene pilt endast ilmub mitte varem kui "saatuslikust kuupäevast, aastast 1820, mis tõi talle esimese katastroofi". Seega teie esimesele lingile.

Puškin, kes kujutas arvukalt näitlejannade, valvurite ja kamraadide profiile, ei jäädvusta oma välimust.

Tähelepanu välismaailmale võitnud tähelepanu endale. Püsiv mõte iseendast tekib lõunapaguluse perioodil, mil luuletaja "saustas enda jaoks peamiseks rahutuste teemaks".

See püsiv huvi oma isiksuse vastu kestab kuni 1831. aastani, kuni poeedi abiellumiseni ja on Efrose sõnul sisuliselt "graafiline ülestunnistus" ja need minapildid on alati "puhtalt intiimsed".

Autoportreede taga on soov mõjutada tegelikkust, oma elulugu ja sisemaailma iseärasusi.

Kirjandus:

1. Eilne Anna Durer: Autoportreed kui inimteadmised
2. Artikkel Autoportreed A.S. Puškini kriitikas A.M. Efros
3. Efros A.M. Puškini autoportreed
4. Efros A.M. Erinevate ajastute meistrid.
5. Shalina O. S. Enesehinnangu ja peegelpildi kogemuse suhe

See on sissejuhatav osa loengust „Psühhoteraapia kunstis. Kunst psühhoteraapias"