Saggio sul tema "Musica", Grado 7

Nel Medioevo si formò in Europa un nuovo tipo di cultura musicale: feudale, che combinava arte professionale, produzione musicale amatoriale e folklore. Poiché la chiesa domina in tutti i settori della vita spirituale, la base dell'arte musicale professionale è l'attività dei musicisti nelle chiese e nei monasteri. L'arte professionale profana era inizialmente rappresentata solo da cantanti che creavano ed eseguivano racconti epici a corte, nelle case della nobiltà, tra i guerrieri, ecc. (bardi, scaldi, ecc.). Nel tempo si svilupparono forme di musica cavalleresca amatoriale e semi-professionale: in Francia - l'arte dei trovatori e trovatori (Adam de la Halle, XIII secolo), in Germania - i cantautori (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII -XIII secolo), nonché artigiani urbani. Nei castelli e nelle città feudali si coltivano tutti i generi, generi e forme di canti (epica, "aurora", rondò, ballate, ecc.).

Nuovi strumenti musicali entrano nella vita di tutti i giorni, compresi quelli provenienti dall'Oriente (viola, liuto, ecc.), sorgono ensemble (di composizioni instabili). Il folclore fiorisce tra i contadini. Ci sono anche i "professionisti del folk": cantastorie, artisti itineranti (giocolieri, mimi, menestrelli, shpilman, buffoni). La musica svolge principalmente funzioni applicate e spirituale-pratiche. La creatività agisce in unità con la performance (di regola - in una persona) e con la percezione. La collettività domina sia nel contenuto della musica che nella sua forma; l'inizio individuale si sottomette al generale, senza staccarsene (il musicista-maestro è il miglior rappresentante della comunità). Il rigoroso tradizionalismo e la canonicità regnano ovunque. Il consolidamento, la conservazione e la diffusione di tradizioni e standard (ma anche il loro graduale rinnovamento) è stato facilitato dal passaggio dai neumi, che indicavano solo approssimativamente la natura del movimento melodico, alla notazione lineare (Guido d'Arezzo, XI secolo), che ha permesso di fissare con precisione l'altezza dei toni e quindi la loro durata.

A poco a poco, anche se lentamente, il contenuto della musica, i suoi generi, forme e mezzi espressivi si arricchiscono. In Europa occidentale dal VI-VII secolo. sta prendendo forma un sistema rigorosamente regolato di musica sacra monofonica (monodica) basato su modi diatonici (canto gregoriano), che combina la recitazione (salmodia) e il canto (inni). A cavallo tra il I e ​​il II millennio nasce la polifonia. Si stanno formando nuovi generi vocale (coro) e vocale-strumentale (coro e organo): organum, mottetto, direzione, poi messa. In Francia, nel XII secolo, si formò la prima scuola di compositori (creativa) presso la cattedrale di Notre Dame (Leonin, Perotin). A cavallo del Rinascimento (stile ars nova in Francia e in Italia, XIV secolo), nella musica professionale la monofonia fu sostituita dalla polifonia, la musica iniziò gradualmente a liberarsi dalle funzioni puramente pratiche (servizio dei riti ecclesiastici), l'importanza dei generi profani, compresi i generi di canzoni (Guillaume de Masho). Molti musicologi (tra cui Pierre Aubry) hanno dedicato le loro opere alla musica medievale d'Europa.

Per più di 1000 anni, l'arte musicale del Medioevo si è sviluppata. Questa è una fase tesa e contraddittoria nell'evoluzione del pensiero musicale - dalla monodia (monofonia) alla polifonia più complessa. Nel Medioevo furono migliorati molti strumenti musicali europei, si formarono generi di musica sacra e profana, si formarono famose scuole di musica europee: olandese, francese, tedesco, italiano, spagnolo, ecc.

Nel medioevo c'erano due direzioni principali nello sviluppo della musica: musica sacra e musica profana, divertente. Allo stesso tempo, la musica profana era condannata dalla religione, considerata una "ossessione diabolica".

La musica era uno degli strumenti della religione, un mezzo "improvvisato" al servizio degli scopi della chiesa, e anche una delle scienze esatte. La musica è stata affiancata alla matematica, alla retorica, alla logica, alla geometria, all'astronomia e alla grammatica. La chiesa sviluppò scuole di canto e composizione con un'enfasi sull'estetica musicale numerica (per gli scienziati di quell'epoca, la musica era una proiezione del numero sulla materia sonora). Questa fu l'influenza del tardo ellenismo, delle idee di Pitagora e di Platone. Con questo approccio, la musica non aveva un significato indipendente, era un'allegoria di una musica superiore e divina.

Quindi, la musica è stata divisa in 3 tipi:

• La world music è la musica delle sfere, dei pianeti. Secondo l'estetica musicale e numerica del Medioevo, ogni pianeta del sistema solare era dotato del proprio suono, tono e il movimento dei pianeti creava musica celeste. Oltre ai pianeti, anche le stagioni erano dotate del loro tono.
• Musica umana: ogni organo, parte del corpo, l'anima di una persona era dotata del proprio suono, che si formava in una consonanza armoniosa.
• La musica strumentale è l'arte di suonare gli strumenti, la musica per l'intrattenimento, il tipo più basso di gerarchia.

La musica sacra era vocale, corale e la musica profana era strumentale e vocale. La musica strumentale era considerata leggera, frivola e i teorici della musica di quell'epoca non la prendevano sul serio. Sebbene il mestiere del menestrello richiedesse grandi capacità esecutive da parte dei musicisti.

Il periodo di transizione dal Medioevo all'era dei tempi moderni in Europa, durato quasi due secoli e mezzo. Durante questo periodo si sono verificati cambiamenti significativi in ​​molti ambiti della vita; la scienza e l'arte fiorirono. Il periodo rinascimentale si articola in molte componenti e fasi di sviluppo. È anche associato a varie superstizioni, così saldamente radicate che ancora oggi sono necessari notevoli sforzi per confutarle.

• Il primo e, probabilmente, il principale malinteso è quello di considerare (come molti ideologi del Rinascimento) il Rinascimento proprio come la rinascita, la resurrezione della cultura e della civiltà, avvenuta dopo un lungo periodo di barbaro "Medioevo", un periodo oscuro , un periodo di divario nello sviluppo della cultura. Questo pregiudizio si basa su una totale ignoranza del Medioevo e su uno stretto legame tra esso e il Rinascimento; a titolo di esempio, basti citare due ambiti completamente diversi: la poesia e la vita economica. Dante visse nel XIII secolo, cioè al culmine del Medioevo, Petrarca - nel XIV. Quanto alla vita economica, il suo vero rinascimento cade anche nel XIII secolo, periodo di rapido sviluppo del commercio e delle banche. Si dice che siamo debitori al Rinascimento per la riscoperta di autori antichi, ma anche questa è una superstizione. È noto che in questo periodo furono scoperti solo due antichi manoscritti greci, il resto esisteva già in Occidente (principalmente in Francia), perché l'Europa occidentale conobbe un ritorno all'antichità, associato all'interesse per l'uomo e la natura, nel XII e XIII secoli.
• La seconda superstizione è connessa con la confusione di due componenti del Rinascimento, opposte tra loro, e cioè il cosiddetto umanesimo e la nuova scienza naturale. L'umanesimo è ostile a qualsiasi logica, a qualsiasi ragione, a qualsiasi scienza naturale, che considera il lavoro "meccanico", indegno di una persona colta, chiamata ad essere scrittore, retore, politico. La figura di un uomo rinascimentale, che unisce simultaneamente Erasmo da Rotterdam e Galileo, è mitica, e la fede in una certa immagine unitaria del mondo inerente al Rinascimento non è altro che superstizione.
• Il terzo pregiudizio consiste nel lodare la filosofia del Rinascimento come "grande" rispetto alla scolastica che l'ha preceduta.

Infatti, ad eccezione di Nicola da Cusa (lontano dallo spirito del Rinascimento) e Galileo (che visse alla fine del Rinascimento), i filosofi del Rinascimento, come giustamente sostiene Kristeller, non furono né buoni né cattivi: essi non erano affatto filosofi. Molti di loro erano scrittori eccezionali, scienziati, intenditori di testi antichi, famosi per la loro mente beffarda e acuta, abilità letteraria. Ma non avevano quasi nulla a che fare con la filosofia. Quindi, opporsi ai pensatori del Medioevo è pura superstizione.

• • Un altro equivoco è considerare il Rinascimento come una rivoluzione violenta, una rottura completa con il passato. In questo periodo, infatti, avvengono profondi cambiamenti, ma tutti sono organicamente legati al passato e, in ogni caso, le loro origini sono da ricercare nel medioevo. Questi cambiamenti sono così profondamente radicati nel passato che uno dei massimi esperti del Rinascimento, Huizinga, aveva tutte le ragioni per chiamare quest'epoca "l'autunno del Medioevo".

Infine, è anche una superstizione che le persone che vissero nel Rinascimento, almeno la maggior parte di loro, fossero protestanti, monisti, atei o razionalisti nel loro spirito. Infatti la stragrande maggioranza dei rappresentanti illustri del Rinascimento, e nel campo della filosofia, quasi tutti, da Leonardo e Ficino a Galileo e Campanella, erano cattolici, spesso zelanti sostenitori e difensori della fede cattolica. Così, Marsilio Ficino, all'età di 40 anni, accettò la fede cristiana e creò l'apologetica cattolica del New Age.

Il teorico musicale medievale Guido Aretinsky (fine del X secolo) definisce la musica come segue:

"La musica è il movimento dei suoni vocali."

In questa definizione, il teorico musicale medievale esprimeva l'atteggiamento verso la musica dell'intera cultura musicale europea di quell'epoca.

Generi musicali di chiesa e musica profana.

La fonte della musica sacra del medioevo era l'ambiente monastico. I canti venivano appresi ad orecchio nelle scuole di canto e diffusi nell'ambiente ecclesiastico. Vista l'apparizione di una grande varietà di canti, la Chiesa cattolica ha deciso di canonizzare e regolare i canti che riflettono l'unità della dottrina cristiana.

Così apparve un corale, che divenne la personificazione della tradizione musicale della chiesa. Sulla sua base si sono sviluppati altri generi, creati appositamente per determinate vacanze e servizi.

La musica spirituale del Medioevo è rappresentata dai seguenti generi: Corale, gregoriano - canto religioso monofonico in latino, chiaramente regolato, eseguito dal coro, alcune sezioni - dal solista

• • • La Messa è il principale servizio divino della Chiesa cattolica, composto da 5 parti stabili (ordinarium) - I. Kyrie eleison (Signore, abbi pietà), II. Gloria (gloria), III. Credo (credo), IV. Sanctus (santo), V. Agnus Dei (agnello di Dio).
    • Liturgia, dramma liturgico - un servizio pasquale o natalizio, dove canti gregoriani si alternavano a melodie-tropi non canonizzate, le liturgie venivano eseguite dal coro, le parti dei personaggi (Maria, l'evangelista) erano solisti, a volte appariva qualche parvenza di costumi
    • Mistero - un dramma liturgico con un'azione scenica dettagliata, costumi
    • Rondel (rondo, ru) - un genere polifonico del tardo medioevo maturo, si basava sulla melodia dell'autore (in contrasto con il corale canonizzato), che veniva eseguita in modo improvvisato da solisti che entravano a turno (una prima forma di il canone)
    • Proprium - parte del genere della messa, che cambia a seconda del calendario della chiesa (in contrapposizione alla parte invariata della messa - l'ordinarium)
    • L'antifona è il genere più antico di musica sacra corale, basato sull'alternanza di feste di due gruppi corali.

Esempi di musica sacra:

1) Canta Kyrie Eleyson

2) Sequenza victimae Pashali

La musica profana del Medioevo era principalmente la musica di musicisti erranti e si distingueva per libertà, individualizzazione ed emotività. Inoltre, la musica profana faceva parte della cultura cortese e cavalleresca dei signori feudali. Poiché il codice prescriveva al cavaliere modi raffinati, generosità, generosità, doveri al servizio della Bella Dama, questi aspetti non potevano che riflettersi nei canti dei trovatori e dei mendicanti.

La musica profana era eseguita da mimi, giocolieri, trovatori o trovatori, menestrelli (in Francia), menestrelli, spielmans (nei paesi tedeschi), hoglars (in Spagna), buffoni (in Russia). Questi artisti non solo dovevano essere in grado di cantare, suonare e ballare, ma anche essere in grado di mostrare spettacoli circensi, trucchi di magia, scene teatrali e dovevano intrattenere il pubblico in altri modi.
Poiché la musica era una delle scienze e veniva insegnata nelle Università, i feudatari e i nobili che ricevevano un'istruzione potevano applicare le loro conoscenze nell'arte.
Pertanto, la musica si è sviluppata anche nell'ambiente di corte. In contrasto con l'ascesi cristiana, la musica cavalleresca cantava l'amore sensuale e l'ideale della Bella Signora. Tra la nobiltà come musicisti erano conosciuti - Guillaume - VII, Conte di Poitiers, Duca d'Aquitania, Jean di Brienne - Re di Gerusalemme, Pierre Moclair - Duca di Bretagna, Thibault di Champagne - Re di Navarra.

Le principali caratteristiche e caratteristiche della musica profana del Medioevo:

• • • basato sul folklore, eseguito non in latino, ma nei dialetti autoctoni,
    • la notazione non è usata tra gli artisti erranti, la musica è una tradizione orale (in seguito la scrittura musicale si sviluppa nell'ambiente di corte)
    • il tema principale è l'immagine di una persona in tutta la diversità della sua vita terrena, l'amore sensuale idealizzato
    • monofonia - come un modo per esprimere i sentimenti individuali in una forma poetica e cantata
    • performance vocale-strumentale, il ruolo degli strumenti non è ancora altissimo, gli strumentali erano prevalentemente introduzioni, intermezzi e codici
    • la melodia era varia, ma allo stesso tempo il ritmo veniva canonizzato: questo era influenzato dalla musica sacra, c'erano solo 6 varietà di ritmo (modi ritmici) e ognuno di essi aveva un contenuto rigorosamente figurativo

Trovatori, trovatori e menestrelli che suonano musica cortese e cavalleresca hanno creato i propri generi originali:

• • • Canzoni "Weaving" e "May".
    • Rondo - una forma basata su un ritornello ripetuto
    • Ballata - forma della canzone testo-musicale
    • Virelay - un'antica forma poetica francese con una strofa di tre versi (la terza riga è abbreviata), la stessa rima e con un ritornello
    • Epopea eroica ("La canzone di Roland", "La canzone dei Nibelunghi")
    • Songs of the Crusaders (Songs of Palestine)
    • Canzona (i Minnesingers la chiamavano Alba) è una canzone d'amore, lirica

Grazie allo sviluppo della cultura urbana nei secoli X - XI. l'arte secolare iniziò a svilupparsi più attivamente. I musicisti itineranti scelgono sempre più uno stile di vita sedentario, popolando interi isolati.

È interessante notare che i musicisti erranti dei secoli XII - XIII. ritorno alla spiritualità. Il passaggio dal latino alle lingue locali e l'enorme popolarità di questi artisti ha permesso loro di prendere parte a spettacoli spirituali nelle cattedrali di Strasburgo, Rouen, Reims. Cambrai. Nel tempo alcuni musicisti itineranti ricevettero il diritto di organizzare spettacoli nei castelli della nobiltà e presso le corti di Francia, Inghilterra, Sicilia e altri paesi.

Nel XII-XIII secolo, monaci in fuga, studiosi erranti, persone degli strati inferiori del clero - vagabondi e goliardi - apparvero tra i musicisti erranti.

Musicisti insediati formano interi laboratori musicali nelle città medievali: la Confraternita di St. Julien (Parigi, 1321), la Confraternita di San Nicola (Vienna, 1288). Gli obiettivi di queste associazioni erano la tutela dei diritti dei musicisti, la conservazione e il trasferimento delle tradizioni professionali.

Nei secoli XIII - XVI. si formano nuovi generi, che si sviluppano ulteriormente già nell'era dell'Ars Nova:

• • • Il mottetto (dal francese - "parola") è un genere polifonico, caratterizzato dalla dissomiglianza melodica di voci che intonavano contemporaneamente testi diversi, a volte anche in lingue diverse, potrebbero essere sia laici che spirituali
    • Madrigal (dall'italiano - "canzone nella lingua madre", cioè italiano) - canti d'amore, pastorali,
    • Kaccha (dall'italiano - "caccia") - un pezzo vocale sul tema della caccia.

Musica profana di trovatori e compositori professionisti.

Informazioni aggiuntive:

Nella nostra era dell'informazione, l'era dell'alta tecnologia, spesso dimentichiamo i valori spirituali duraturi. Uno di questi valori è la musica classica, l'eredità spirituale dei nostri antenati. Cos'è la musica classica, perché una persona moderna ne ha bisogno? Perché molte persone pensano che sia molto noioso? Cerchiamo di capire queste difficili domande: si sente spesso l'opinione che la musica classica sia quella che è stata scritta molto tempo fa. Non è così, poiché questo concetto significa tutto il meglio che è stato creato nel mondo della musica per tutto il tempo dell'esistenza della civiltà umana. La sonata di Beethoven, creata nel 18° secolo, e la storia d'amore di Sviridov, scritta 40 anni fa, sono tutti classici! La cosa principale è che questa musica ha resistito alla prova del tempo. Sia ai tempi di Beethoven che ora ci sono mercanti d'arte che producono un prodotto musicale di base. Questo prodotto si deteriora molto rapidamente e la vera arte diventa ogni giorno sempre più bella.

L'aspetto delle note

La scrittura, grande invenzione dell'uomo, ha permesso di accumulare e trasmettere pensieri, idee e impressioni alle generazioni future. Un'altra invenzione, non meno grande, la notazione musicale, ha permesso di trasmettere suoni e musica ai discendenti. Prima delle note nella musica europea, venivano usati segni speciali: i neumi.

L'inventore del moderno sistema di notazione musicale è il monaco benedettino Guido Aretinsky (Guido d'Arezzo) (990-1050). Arezzo è un piccolo paese della Toscana, non lontano da Firenze. Nel locale monastero, frate Guido insegnò ai coristi a eseguire gli inni della chiesa. Questo è stato un compito lungo e difficile. Tutte le conoscenze e le abilità sono state trasmesse oralmente in comunicazione diretta. I cantori, sotto la guida di un maestro e dalla sua voce, impararono successivamente ogni inno e ogni inno della Messa cattolica. Pertanto, l'intero "corso di studi" è durato circa 10 anni.

Guido d'Arettinsky iniziò a marcare i suoni con note (dalla parola latina nota - un segno). Note, quadrati ombreggiati, erano posti su un pentagramma, formato da quattro linee parallele. Ora sono cinque di questi versi, e le note sono rappresentate in cerchi, ma il principio introdotto da Guido è rimasto immutato. Le note più alte sono raffigurate su un righello più alto. Ci sono sette note, formano un'ottava.

Guido diede un nome a ciascuna delle sette note dell'ottava: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Queste sono le prime sillabe di S. John. Ogni riga di questo inno è cantata con un tono più alto del precedente.

Le note dell'ottava successiva hanno lo stesso nome, ma sono cantate con una voce più alta o più bassa. Quando ci si sposta da un'ottava all'altra, la frequenza del suono indicata dalla stessa nota aumenta o diminuisce della metà. Ad esempio, gli strumenti musicali sono accordati dalla nota la della prima ottava. Questa nota corrisponde a una frequenza di 440 Hz. La nota per l'ottava successiva, seconda, corrisponderà a una frequenza di 880 Hz.

I nomi di tutte le note, tranne la prima, terminano con un suono vocale, sono convenienti da cantare. La sillaba ut è chiusa ed è impossibile cantarla come le altre. Pertanto, il nome della prima nota dell'ottava, ut, fu sostituito nel Cinquecento con do (molto probabilmente dal latino Dominus - Signore). L'ultima nota dell'ottava, si, è un'abbreviazione di due parole dell'ultimo verso dell'inno, Sancte Ioannes. Nei paesi anglofoni il nome della nota "si" è stato sostituito da "tee", per non essere confuso con la lettera C, usata anche nella notazione musicale.

Inventando le note, Guido insegnò ai cantanti questo peculiare alfabeto e insegnò loro anche a cantare dalle note. Cioè, quello che nelle moderne scuole di musica si chiama solfeggio. Ora bastava scrivere l'intera messa in note e gli stessi coristi potevano già cantare la melodia desiderata. Non c'era bisogno di insegnare a ciascuno ogni canzone personalmente. Guido doveva solo supervisionare il processo. Il tempo di formazione per i coristi è stato ridotto di cinque volte. Invece di dieci anni - due anni.!

Targa commemorativa ad Arezzo in Via Ricasolli sulla casa natale di Guido. Ha delle note quadrate.

C'è da dire che il monaco Guido di Arezzo non fu il primo ad avere l'idea di registrare la musica usando i segni. Prima di lui, nell'Europa occidentale esisteva già un sistema di neumi (dal greco "pneumo" - respiro), segni posti sopra il testo dei salmi per indicare l'ascesa o la diminuzione del tono del canto. In Russia, per lo stesso scopo, usavano il proprio sistema di "ganci" o "banner".

Le note quadrate di Guido Aretinsky, poste su quattro righe del pentagramma, si sono rivelate il sistema più semplice e conveniente per registrare la musica. Grazie a lei la notazione musicale si è diffusa in tutto il mondo. La musica lasciò la chiesa e andò prima nei palazzi dei signori e dei nobili, poi nei teatri, nelle sale da concerto e nelle piazze cittadine, divenendo proprietà comune.

Cos'è il tasto.

I tasti sono uno dei termini centrali nella teoria musicale. Comprendere come sono costruiti e usarli abilmente apre possibilità illimitate per il musicista. Ed è spesso impossibile spiegare esattamente come viene creata una transizione interessante in una particolare composizione, se una persona non capisce cos'è una modalità. Ma c'è un problema: gli stessi musicisti usano il termine “modalità”, spesso con un significato completamente diverso. Perché? E cosa va bene? La confusione derivava dal fatto che significati molto diversi sono stati dati a questa parola in epoche diverse.

Non ci rendiamo conto di quanto la nostra percezione sia allevata e legata alla musica classica. (Mentre il concetto di "musica moderna" è un allontanamento dai principi classici). L'era del classicismo è una grande rottura storica nella percezione umana del mondo. Dopo il Medioevo, le persone scoprono l'arte antica e ne rimangono affascinate. Qualsiasi opera di classicismo è costruita su canoni rigorosi, rivelando così l'armonia e la logica dell'universo stesso. Il classicismo ha creato un ordine strutturale: una chiara gerarchia di superiore e inferiore, principale e secondario, centrale e subordinato. Pertanto, ad esempio, partendo dai classici viennesi e dalla musica romantica, pensiamo nel sistema "maggiore-minore". Che cos'è e come influisce sulla nostra percezione?

Maggiore e minore sono modi tonali. La modalità tonale è un certo sistema di relazioni tra i toni. Cosa significa? Cos'è il tono? Proviamo a capirlo. Supponiamo di avere un pianoforte davanti a te: guarda la tastiera: il solito do-re-mi-fa-sol-la-si, 7 tasti bianchi e altri 5 tasti neri tra loro, in totale 12. La distanza tra ciascuno due di loro è un semitono. Tra bianco e nero adiacenti c'è sempre un semitono. Tra i bianchi adiacenti c'è un tono (ci sono eccezioni mi-fa e si-do sono semitoni).

Qualsiasi insieme di toni e semitoni è una scala. Nell'era del classicismo, iniziarono a costruirlo con una rigida subordinazione di tutti i toni al tonico: il tono principale. Questa è la scala maggiore o minore. Tutta la musica tonale (tutta la musica classica) si basa proprio sul rapporto tra le armonie principali e quelle subordinate. A orecchio, distinguiamo intuitivamente tra maggiore e minore dal modo in cui sono colorati: "con gioia" o "tristemente". Modalità variabile - questo è quando in un'opera ci sono sia le caratteristiche principali che quelle secondarie allo stesso tempo. Ma hanno un principio comune: tonale.

Tuttavia, questo principio non è l'unico possibile. Prima dell'era del classicismo, quando tutto era finalmente ordinato in un sistema coerente di chiavi, il pensiero musicale era diverso. Ionio, Dorico, Frigio, Lidio, Mixolidio, Eoliano, Locrese... Questi sono i modi di ottava dei Greci. E c'erano anche modi di chiesa di musica gregoriana. Queste sono tutte modalità modali. Hanno composto musica nell'antichità, nel Medioevo, nella tradizione musicale modale orientale (raga indiani o maqam arabo, per esempio). Anche la musica dell'Europa rinascimentale era dominata dalla modalità.

Qual è la principale differenza rispetto all'aspetto tonale a cui siamo abituati? Nei modi tonali c'è una rigida delimitazione delle funzioni delle armonie e degli accordi principali, mentre nella musica modale sono molto più sfumati. Per la modalità modale, la scala stessa è importante nel suo insieme e i significati e i colori che può portare alla musica. Ecco perché distinguiamo facilmente la musica indiana dai corali medievali a orecchio - per certe consonanze e mosse musicali.

Nel 20° secolo, i compositori sembrano aver provato tutte le varianti del suono nell'ambito della musica tonale. "Sono annoiato, demone!" Dissero, e alla ricerca di nuovi colori si rivolsero ai vecchi turni e mosse modali. Così è emersa una nuova modalità. Nella musica moderna sono apparse nuove modalità, ad esempio blues. Inoltre, è sorto un genere speciale: il jazz modale. Miles Davis, ad esempio, ha definito la musica modale "una deviazione dalla normale scala di sette note, in cui ogni nota è sfocata". E ha detto che "andando in questa direzione, vai all'infinito". La linea di fondo è che i principi tonali e modali non si escludono in alcun modo a vicenda. In una commedia, i loro segni possono essere mescolati. La modalità è, per così dire, un altro livello che si sovrappone al "maggiore / minore" a cui siamo abituati. E l'uso di diversi modi modali cambia il colore della musica: ad esempio, i giri del modo frigio sono cupi, perché la sua scala è composta principalmente da gradini più bassi. Conoscendo tali caratteristiche modali, puoi ottenere un suono interessante se scrivi musica.

Colore, umore, carattere: questi sono i segni di armonia che sentiamo, ma spesso non ce ne rendiamo conto. Spesso nelle canzoni siamo catturati dai turni modali, perché sono insoliti. L'orecchio, cresciuto con la musica classica, fa risaltare questo allontanamento dalla vita quotidiana. Tutto questo e molto altro si rivela quando si comprende il linguaggio della musica.

La musica del Medioevo è un periodo di sviluppo della cultura musicale, che copre un periodo di tempo dal V al XIV secolo d.C. circa.

Il medioevo è una grande epoca della storia umana, il tempo del dominio del sistema feudale.

Periodizzazione della cultura:

Alto Medioevo - V - X sec.

Medioevo maturo - XI - XIV sec.

Nel 395 l'Impero Romano si divise in due parti: occidentale e orientale. Nella parte occidentale sulle rovine di Roma nel V-IX secolo c'erano stati barbari: Ostrogoti, Visigoti, Franchi, ecc. Nel IX secolo, a seguito del crollo dell'impero di Carlo Magno, qui si formarono tre stati : Francia, Germania, Italia. La capitale della parte orientale era Costantinopoli, fondata dall'imperatore Costantino sul sito della colonia greca di Bisanzio, da cui il nome dello stato.

Nell'era del Medioevo in Europa si formò una cultura musicale di un nuovo tipo: feudale, che combinava arte professionale, produzione musicale amatoriale e folclore. Poiché la chiesa domina in tutti i settori della vita spirituale, la base dell'arte musicale professionale è l'attività dei musicisti nelle chiese e nei monasteri. L'arte professionale profana era inizialmente rappresentata solo da cantanti che creavano ed eseguivano racconti epici a corte, nelle case della nobiltà, tra i guerrieri, ecc. (bardi, scaldi, ecc.). Nel tempo si sono sviluppate forme di musica cavalleresca amatoriale e semiprofessionale: in Francia - l'arte dei trovatori e trovatori (Adam de la Halle, XIII secolo), in Germania - i menestrelli (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII secolo), e anche artigiani urbani. Nei castelli e nelle città feudali si coltivano tutti i generi, generi e forme di canti (epica, "aurora", rondò, le, virele, ballate, canzoni, laudas, ecc.).

Nuovi strumenti musicali entrano nella vita di tutti i giorni, compresi quelli provenienti dall'Oriente (viola, liuto, ecc.), sorgono ensemble (di composizioni instabili). Il folclore fiorisce tra i contadini. Ci sono anche i "professionisti del folk": cantastorie, artisti sintetici itineranti (giocolieri, mimi, menestrelli, shpilman, buffoni). Anche in questo caso la musica svolge principalmente funzioni applicate e spirituale-pratiche. La creatività agisce in unità con la performance (di solito in una persona).

A poco a poco, anche se lentamente, il contenuto della musica, i suoi generi, forme e mezzi espressivi si arricchiscono. In Europa occidentale dal VI-VII secolo. sta prendendo forma un sistema rigorosamente regolato di musica sacra monofonica (monodica) basato su modi diatonici (canto gregoriano), che combina la recitazione (salmodia) e il canto (inni). A cavallo tra il I e ​​il II millennio nasce la polifonia. Si stanno formando nuovi generi vocale (coro) e vocale-strumentale (coro e organo): organum, mottetto, direzione, poi messa. In Francia, nel XII secolo, si formò la prima scuola di compositori (creativa) presso la cattedrale di Notre Dame (Leonin, Perotin). A cavallo del Rinascimento (stile ars nova in Francia e in Italia, XIV secolo), nella musica professionale la monofonia fu sostituita dalla polifonia, la musica iniziò gradualmente a liberarsi dalle funzioni puramente pratiche (servizio dei riti ecclesiastici), l'importanza dei generi profani, compresi i generi di canzoni (Guillaume de Masho).

La base materiale del Medioevo erano le relazioni feudali. La cultura medievale si forma nelle condizioni di una tenuta rurale. In futuro, l'ambiente urbano - i borghesi - diventa la base sociale della cultura. Con la formazione degli stati si formano i ceti principali: il clero, la nobiltà, il popolo.

L'arte del medioevo è strettamente connessa con la chiesa. La dottrina cristiana è alla base della filosofia, dell'etica, dell'estetica, dell'intera vita spirituale di questo tempo. Piena di simbolismo religioso, l'arte aspira dal terreno, transitorio allo spirituale, eterno.

Insieme alla cultura ecclesiastica ufficiale (alta) c'era una cultura secolare (di base) - folklore (strati sociali inferiori) e cavalleria (cortese).

I principali centri di musica professionale dell'alto medioevo - cattedrali, scuole di canto ad esse annesse, monasteri - gli unici centri di educazione dell'epoca. Hanno studiato greco e latino, aritmetica e musica.

Il principale centro della musica sacra nell'Europa occidentale nel Medioevo era Roma. Alla fine del VI - inizio VII sec. si sta formando la principale varietà di musica sacra dell'Europa occidentale: il canto gregoriano, dal nome di papa Gregorio I, che realizzò la riforma del canto in chiesa, riunendo e razionalizzando vari inni religiosi. Il canto gregoriano è un canto cattolico monofonico, in cui si sono fuse le tradizioni canore secolari di vari popoli mediorientali ed europei (siriani, ebrei, greci, romani, ecc.). Era il regolare svolgimento monofonico di un'unica melodia che doveva personificare un'unica volontà, al centro dell'attenzione dei parrocchiani secondo i principi del cattolicesimo. La natura della musica è rigorosa, impersonale. Il corale è stato eseguito dal coro (da cui il nome), alcune sezioni dal solista. Prevale il movimento graduale basato sui modi diatonici. Il canto gregoriano ha consentito molte gradazioni, che vanno dalla salmodia corale severamente lenta agli anniversari (canto melismatico della sillaba), richiedendo abilità vocali virtuose per la loro esibizione.

Il canto gregoriano allontana l'ascoltatore dalla realtà, provoca umiltà, conduce alla contemplazione, al distacco mistico. A questo contribuisce anche il testo in latino, incomprensibile per la maggioranza dei parrocchiani. Il ritmo del canto era determinato dal testo. È vago, indefinito, per la natura degli accenti della recitazione del testo.

I diversi tipi di canto gregoriano sono stati riuniti nel principale servizio di culto della Chiesa cattolica - la Messa, in cui sono state stabilite cinque parti stabili:

Kyrie eleison (Signore, abbi pietà)

Gloria (gloria)

Credo (credo)

Sanctus (santo)

Agnus Dei (Agnello di Dio).

Nel tempo, elementi della musica popolare iniziano a penetrare nel canto gregoriano attraverso inni, sequenze e tropi. Se la salmodia era eseguita da un coro professionale di cantanti e clero, gli inni all'inizio venivano eseguiti dai parrocchiani. Erano inserti nel culto ufficiale (avevano caratteristiche della musica popolare). Ma presto le parti dell'inno della messa iniziarono a soppiantare quelle salmodiche, il che portò alla comparsa di una messa polifonica.

Le prime sequenze erano un sottotesto alla melodia dell'anniversario in modo che un suono della melodia avesse una sillaba separata. La sequenza diventa un genere diffuso (i più diffusi sono Veni, sancte spiritus, Dies irae, Stabat mater). "Dies irae" era usato da Berlioz, Liszt, Tchaikovsky, Rachmaninov (molto spesso come simbolo di morte).

I primi campioni di polifonia provengono da monasteri: organum (movimento in quinte o quarte parallele), gimel, foburdon (accordi di sesta parallela), direzione. Compositori: Leonin e Perotin (12-13 sec. - Cattedrale di Notre Dame).

I portatori della musica popolare profana nel Medioevo erano mimi, giocolieri, menestrelli in Francia, spierman nei paesi di cultura tedesca, hoglar in Spagna, buffoni in Russia. Questi artisti erranti erano maestri universali: combinavano il canto, la danza, il suono di vari strumenti con la magia, l'arte circense e il teatro delle marionette.

L'altro lato della cultura secolare era la cultura cavalleresca (cortese) (la cultura dei signori feudali secolari). Quasi tutti i nobili erano cavalieri, dai poveri guerrieri ai re. Si sta formando uno speciale codice cavalleresco, secondo il quale un cavaliere, insieme al coraggio e al valore, doveva avere modi raffinati, essere educato, generoso, magnanimo, servire fedelmente la Bella Signora. Tutti gli aspetti della vita cavalleresca si riflettono nell'arte musicale e poetica dei trovatori (Provenza - Francia meridionale), dei trovatori (Francia settentrionale), dei cantori (Germania). L'arte dei trovatori è associata principalmente ai testi d'amore. Il genere più popolare di testi d'amore era la canzone (tra i Cantori del Mentore - "Canzoni del mattino" - albs).

I trovatori, sfruttando ampiamente l'esperienza dei trovatori, hanno creato i propri generi originali: "canti di tessitura", "canzoni di maggio". Un'area importante dei generi musicali di trovatori, trovatori e cantautori erano i generi di canzoni e balli: rondo, ballad, virele (forme di ritornello), così come l'epopea eroica (epopea francese "Song of Roland", tedesco - "Song of the Nibelunghi"). Le canzoni dei crociati erano comuni tra i cantori di mensa.

Segni caratteristici dell'arte dei trovatori, trovatori e cantori:

Monofonia - è una conseguenza della connessione inscindibile tra la melodia e il testo poetico, che deriva dall'essenza stessa dell'arte musicale e poetica. La monofonia corrispondeva anche all'atteggiamento verso l'espressione individualizzata delle proprie esperienze, a una valutazione personale del contenuto dell'affermazione (spesso l'espressione delle esperienze personali era incorniciata dalla rappresentazione di immagini della natura).

Per lo più performance vocale. Il ruolo degli strumenti non era significativo: si riduceva all'esecuzione di introduzioni, intermezzi e postludi che inquadravano la melodia vocale.

È ancora impossibile parlare di arte cavalleresca come professionale, ma per la prima volta nelle condizioni del fare musica secolare è stata creata una potente direzione musicale e poetica con un complesso sviluppato di mezzi espressivi e una scrittura musicale relativamente perfetta.

Una delle importanti conquiste del medioevo maturo, a partire dai secoli X-XI, fu lo sviluppo delle città (cultura borghese). Le caratteristiche principali della cultura urbana erano l'anti-chiesa, l'orientamento amante della libertà, il legame con il folklore, il suo carattere comico e carnevalesco. Lo stile architettonico gotico si sviluppa. Si stanno formando nuovi generi polifonici: dal XIII-XIV secolo al XVI secolo. - mottetto (dal francese - “parola”. Per mottetto, tipica dissomiglianza melodica di voci che intonavano contemporaneamente testi diversi - spesso anche in lingue diverse), madrigale (dall'italiano - “canzone nella lingua materna”, cioè italiano Testi amorosi-lirici, pastorali), caccha (dall'italiano - "caccia" - brano vocale basato su un testo raffigurante la caccia).

I musicisti folk erranti si stanno spostando da uno stile di vita nomade a uno sedentario, popolando interi isolati e formando una sorta di "bottega di musicisti". A partire dal 12° secolo, ai musicisti folk si unirono vaganti e goliardi, persone declassate di classi diverse (studenti, monaci fuggiaschi, chierici erranti). A differenza dei giocolieri analfabeti - rappresentanti tipici dell'arte della tradizione orale - i vagabondi e i goliardi erano alfabetizzati: conoscevano la lingua latina e le regole della versificazione classica, la musica composta - i canti (la gamma delle immagini è associata alla scienza scolastica e alla vita studentesca) e anche composizioni complesse come direttori e mottetti.

Le università sono diventate un importante centro di cultura musicale. La musica, più precisamente - l'acustica musicale - insieme all'astronomia, alla matematica, alla fisica faceva parte del quadrium, cioè un ciclo di quattro discipline studiate nelle università.

Così, nella città medievale esistevano centri di cultura musicale, diversi per carattere e orientamento sociale: associazioni di musicisti popolari, musica di corte, musica di monasteri e cattedrali, pratica musicale universitaria.

La teoria musicale del Medioevo era strettamente connessa con la teologia. Nei pochi trattati di teoria musicale che ci sono pervenuti, la musica era considerata un "servitore della chiesa". Tra i trattati di spicco dell'alto medioevo, spiccano 6 libri “Sulla musica” di Agostino, 5 libri di Boezio “Sullo stabilimento della musica”, ecc. Un ampio posto in questi trattati è stato dato a questioni scolastiche astratte, la dottrina del ruolo cosmico della musica, ecc.

Il sistema di tasti medievali è stato sviluppato da rappresentanti dell'arte musicale professionale della chiesa, quindi il nome "modi della chiesa" è stato assegnato ai tasti medievali. Ionio ed Eoliano si affermarono come modi principali.

La teoria musicale del medioevo proponeva la dottrina degli esacordi. In ogni tasto sono stati utilizzati in pratica 6 passaggi (ad esempio: do, re, mi, fa, salt, la). Xi è stato quindi evitato, perché. formò, insieme al fa, un passaggio a un quarto ingrandito, che era considerato molto dissonante e figurato era chiamato il "diavolo nella musica".

La notazione non obbligatoria è stata ampiamente utilizzata. Guido Aretinsky ha migliorato il sistema di notazione musicale. L'essenza della sua riforma era la seguente: la presenza di quattro linee, una relazione terziana tra le singole linee, un segno chiave (originariamente letterale) o la colorazione della linea. Introdusse anche le sillabe per i primi sei passi del modo: ut, re, mi, fa, salt, la.

Fu introdotta una notazione mensurale, dove ad ogni nota veniva assegnata una certa misura ritmica (latino mensura - misura, misura). Nomi delle durate: maxim, longa, brevis, ecc.

Il XIV secolo è il periodo di transizione tra il Medioevo e il Rinascimento. L'arte della Francia e dell'Italia del XIV secolo era chiamata "Ars nova" (dal latino - arte nuova), e in Italia aveva tutte le proprietà del primo Rinascimento. Caratteristiche principali: rifiuto di utilizzare esclusivamente generi di musica sacra e orientamento verso generi laici vocali e strumentali da camera (ballata, kachcha, madrigale), riavvicinamento al canto quotidiano, uso di vari strumenti musicali. Ars nova è l'opposto del cosiddetto. ars antiqua (lat. ars antiqua - arte antica), intendendo l'arte della musica anteriore all'inizio del XIV secolo. I maggiori rappresentanti dell'ars nova furono Guillaume de Machaux (XIV secolo, Francia) e Francesco Landino (XIV secolo, Italia).

Pertanto, la cultura musicale del Medioevo, nonostante i mezzi relativamente limitati, rappresenta un livello superiore rispetto alla musica del mondo antico e contiene i presupposti per il magnifico fiorire dell'arte musicale nel Rinascimento.

musica medioevo trovatore gregoriano

Musica epoca medievale - periodo di sviluppocultura musicale, che copre un periodo di tempo da circa Dal V al XIV secolo d.C .
Durante il medioevo in Europa sta emergendo un nuovo tipo di cultura musicale - feudale che unisce arte professionale, musica amatoriale e folclore. Dal momento che la chiesa domina in tutti i settori della vita spirituale, la base dell'arte musicale professionale è l'attività dei musicisti in templi e monasteri . L'arte professionale profana era inizialmente rappresentata solo da cantanti che creavano ed eseguivano racconti epici a corte, nelle case della nobiltà, tra i guerrieri, ecc. ( bardi, scaldi e così via.). Nel tempo si sviluppano forme di produzione musicale amatoriali e semi-professionali. cavalleria: in Francia - l'arte dei trovatori e trovatori (Adam de la Halle, XIII secolo), in Germania - i menestrelli ( Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, XII - XIII sec ), oltre che urbano artigiani. Nei castelli feudali e nelle città si coltivano generi di ogni genere, generi e forme di canzoni (epica, "aurora", rondò, le, virele, ballate, canzoni, laudas, ecc.).
Nuove persone prendono vitastrumenti musicali, compresi quelli di provenienza Oriente (viola, liuto ecc.), sorgono ensemble (di composizioni instabili). Il folclore fiorisce tra i contadini. Ci sono anche i "professionisti delle persone": cantastorie , artisti sintetici itineranti ( giocolieri, mimi, menestrelli, shpilman, buffoni ). Anche in questo caso la musica svolge principalmente funzioni applicate e spirituale-pratiche. La creatività agisce in unità conprestazione(di solito in una persona).
E nel contenuto della musica, e nella sua forma, domina collettività ; l'inizio individuale obbedisce al generale, senza distinguersi da esso (il musicista-maestro è il miglior rappresentante comunità ). Regno rigoroso in tutto tradizione e canonicità . Consolidamento, conservazione e diffusione tradizioni e standard.
A poco a poco, anche se lentamente, il contenuto della musica, il suo generi, forme , mezzo di espressione. V Europa occidentale dal VI al VII secolo . un sistema rigorosamente regolamentato monofonico (monodico ) a base di musica sacra modi diatonici ( Canto gregoriano), combinando recitazione (salmodia) e canto (inni ). A cavallo tra il I e ​​il II millennio, il polifonia . Nuovo vocale (corale ) e vocale-strumentale (coro e organo) generi: organum, mottetto, condotta, poi messa. La Francia nel XII secolo il primo scuola di compositore (creativa) a Cattedrale di Notre Dame(Leonin, Perotin). A cavallo del Rinascimento (stile ars nova in Francia e in Italia, XIV sec.) in musica professionalela monofonia viene espulsa polifonia , la musica comincia gradualmente a liberarsi dalle funzioni puramente pratiche (servizio della chiesa riti ), aumenta il valore secolare generi, compresa la canzone Guillaume de Machaux).

Rinascimento.

La musica nel periodo dei secoli XV-XVII.
Nel Medioevo, la musica era prerogativa della Chiesa, quindi la maggior parte delle opere musicali erano sacre, erano basate su inni ecclesiastici (canto gregoriano), che facevano parte della religione fin dall'inizio del cristianesimo. All'inizio del XVII secolo furono infine canonizzate le melodie di culto, con la partecipazione diretta di papa Gregorio I. Il canto gregoriano è stato eseguito da cantanti professionisti. Dopo che la musica sacra ha imparato la polifonia, il canto gregoriano è rimasto la base tematica delle opere di culto polifoniche (messe, mottetti, ecc.).

Il Medioevo fu seguito dal Rinascimento, che fu per i musicisti un'era di scoperta, innovazione ed esplorazione, una rinascita di tutti gli strati dell'espressione culturale e scientifica della vita, dalla musica e dalla pittura all'astronomia e alla matematica.
Sebbene la musica sia rimasta in gran parte religiosa, l'indebolimento del controllo della chiesa sulla società ha aperto una maggiore libertà per compositori e artisti di mostrare i propri talenti.
Con l'invenzione della macchina da stampa, è diventato possibile stampare e distribuire spartiti, e da quel momento inizia quella che chiamiamo musica classica.
Durante questo periodo apparvero nuovi strumenti musicali. I più popolari erano gli strumenti su cui gli amanti della musica potevano suonare facilmente e semplicemente, senza richiedere abilità particolari.
Fu in questo momento che apparve la viola, il predecessore del violino. I tasti (strisce di legno sulla tastiera) lo rendevano facile da suonare e il suono era silenzioso, delicato e suonava bene in piccoli locali.
Anche gli strumenti a fiato erano popolari: flauto dolce, flauto e corno. La musica più complessa è stata scritta per il clavicembalo di nuova creazione, virginale (clavicembalo inglese, caratterizzato da piccole dimensioni) e organo. Allo stesso tempo, i musicisti non hanno dimenticato di comporre musica più semplice, che non richiedeva abilità elevate. Allo stesso tempo, ci furono cambiamenti nella scrittura musicale: pesanti cliché in legno furono sostituiti da lettere mobili di metallo inventate dall'italiano Ottaviano Petrucci. Le opere musicali pubblicate sono andate rapidamente esaurite, sempre più persone hanno iniziato a unirsi alla musica.
La fine del Rinascimento fu segnata dall'evento più importante della storia della musica: la nascita dell'opera. Un gruppo di umanisti, musicisti e poeti si riunì a Firenze sotto gli auspici del loro condottiero, il conte Giovanni De Bardi (1534 - 1612). Il gruppo si chiamava "kamerata", i suoi componenti principali furono Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (padre dell'astronomo Galileo Galilei), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri e Ottavio Rinuccini in gioventù.
Il primo incontro documentato del gruppo avvenne nel 1573, e gli anni più attivi di lavoro"Camerata fiorentina "erano il 1577 - 1582. Credevano che la musica fosse "viziata" e cercavano di tornare alla forma e allo stile dell'antica Grecia, credendo che l'arte della musica potesse essere migliorata e, di conseguenza, anche la società sarebbe migliorata. Camerata ha criticato la musica esistente per uso eccessivo della polifonia a scapito dell'intelligibilità del testo e della perdita della componente poetica dell'opera e proposero la creazione di un nuovo stile musicale in cui il testo in stile monodico fosse accompagnato da musica strumentale. Le loro sperimentazioni portarono alla creazione di una nuova forma vocale-musicale - recitativa, usata prima da Emilio de Cavalieri, poi direttamente collegata allo sviluppo dell'opera.
Il primo ufficialmente riconosciutomusica lirica , corrispondente a canoni moderni, fu l'opera "Daphne" (Daphne), presentata per la prima volta nel 1598. Gli autori di "Daphne" furono Jacopo Peri e Jacopo Corsi, su libretto di Ottavio Rinuccini. Questa opera non è sopravvissuta. La prima opera sopravvissuta è "Euridice" (1600) degli stessi autori - Jacopo Peri e Ottavio Rinuccini. Questa unione creativa ha creato ancora molte opere, la maggior parte delle quali sono andate perdute.

Musica del primo barocco (1600-1654)

La creazione del compositore italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) del suo stile recitativo e il consistente sviluppo dell'opera italiana possono essere considerati un punto di passaggio condizionale tra l'epoca barocca e quella rinascimentale. L'inizio delle rappresentazioni liriche a Roma e soprattutto a Venezia significò già il riconoscimento e la diffusione del nuovo genere in tutto il paese. Tutto questo era solo una parte di un processo più ampio che catturava tutte le arti, e soprattutto si manifestava chiaramente nell'architettura e nella pittura.
I compositori rinascimentali prestavano attenzione all'elaborazione di ogni parte di un'opera musicale, prestando poca o nessuna attenzione alla giustapposizione di queste parti. Separatamente, ogni parte poteva suonare eccellente, ma il risultato armonioso dell'aggiunta era più una questione di casualità che di regolarità. L'aspetto del basso figurato indicava un cambiamento significativo nel pensiero musicale - vale a dire, quell'armonia, che è "l'aggiunta di parti in un tutto", è importante quanto le parti melodiche (polifonia) stesse. Sempre di più, la polifonia e l'armonia sembravano due facce della stessa idea di comporre musica euforica: quando si componevano sequenze armoniche, la stessa attenzione veniva prestata ai tritoni quando si creava la dissonanza. Il pensiero armonico esisteva anche tra alcuni compositori dell'epoca precedente, ad esempio Carlo Gesualdo, ma in epoca barocca divenne generalmente accettato.
Quelle parti delle opere in cui è impossibile separare chiaramente la modalità dalla tonalità, le ha contrassegnate come miste maggiori o miste minori (in seguito per questi concetti ha introdotto rispettivamente i termini "monale maggiore" e "monale minore"). La tavola mostra come l'armonia tonale già nel primo barocco soppianta quasi l'armonia dell'epoca precedente.
L'Italia diventa il centro di un nuovo stile. Il papato, sebbene catturato dalla lotta contro la Riforma, ma pur disponendo di enormi risorse finanziarie reintegrate dalle campagne militari degli Asburgo, cercava opportunità per diffondere la fede cattolica attraverso l'espansione dell'influenza culturale. Con lo splendore, la grandezza e la complessità dell'architettura, delle belle arti e della musica, il cattolicesimo, per così dire, discusse con il protestantesimo ascetico. Anche le ricche repubbliche e principati italiani gareggiarono vigorosamente nelle belle arti. Uno dei centri importanti dell'arte musicale fu Venezia, che a quel tempo era sotto il patrocinio sia secolare che ecclesiastico.
Figura significativa del primo barocco, la cui posizione si schiera dalla parte del cattolicesimo, in opposizione alla crescente influenza ideologica, culturale e sociale del protestantesimo, fu Giovanni Gabrieli. Le sue opere appartengono allo stile dell'"Alto Rinascimento" (il periodo di massimo splendore del Rinascimento). Tuttavia, alcune delle sue innovazioni nel campo della strumentazione (l'assegnazione di compiti specifici a un determinato strumento) indicano chiaramente che fu uno dei compositori che influenzò l'emergere di un nuovo stile.
Uno dei requisiti imposti dalla Chiesa alla composizione della musica sacra era che i testi delle opere vocali fossero leggibili. Ciò ha richiesto un allontanamento dalla polifonia verso le tecniche musicali, dove le parole venivano alla ribalta. La voce è diventata più complessa, ornata rispetto all'accompagnamento. Così si è sviluppata l'omofonia.
Monteverde Claudio(1567-1643), compositore italiano. Niente lo attraeva tanto quanto l'esposizione del mondo interiore e spirituale di una persona nelle sue drammatiche collisioni e conflitti con il mondo esterno. Monteverdi è il vero fondatore della drammaturgia conflittuale del piano tragico. È un vero cantante di anime umane. Ha costantemente cercato la naturale espressività della musica. "La parola umana è la padrona dell'armonia, e non la sua serva."
"Orfeo" (1607) - La musica dell'opera è focalizzata sulla rivelazione del mondo interiore dell'eroe tragico. La sua parte è straordinariamente sfaccettata, in essa si fondono diverse correnti emotive ed espressive e linee di genere. Chiama con entusiasmo le sue foreste e le sue coste native o piange la perdita della sua Euridice in canti popolari ingenui.

Musica del barocco maturo (1654-1707)

Il periodo di centralizzazione del potere supremo in Europa è spesso chiamato assolutismo. L'assolutismo raggiunse il suo apice sotto il re francese Luigi XIV. Per tutta l'Europa, la corte di Louis è stata un modello. Compresa la musica eseguita a corte. La maggiore disponibilità di strumenti musicali (soprattutto tastiere) diede impulso allo sviluppo della musica da camera.
Il barocco maturo si differenzia dal primo barocco per l'ubiquità del nuovo stile e per la maggiore separazione delle forme musicali, soprattutto nell'opera. Come in letteratura, l'avvento della stampa in streaming di opere musicali ha portato a un'espansione del pubblico; si intensificò lo scambio tra i centri della cultura musicale.
Fu un eccezionale rappresentante dei compositori di corte della corte di Luigi XIV Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Già all'età di 21 anni ricevette il titolo di "compositore di musica strumentale di corte". Fin dall'inizio, il lavoro creativo di Lully è stato strettamente connesso al teatro. In seguito all'organizzazione della musica da camera di corte e alla composizione di "airs de cour", iniziò a scrivere musica per balletto. Lo stesso Luigi XIV danzò nei balletti, che allora erano l'intrattenimento preferito della nobiltà di corte. Lully era un'eccellente ballerina. Gli capitò di partecipare a produzioni, ballando con il re. È noto per la sua collaborazione con Molière, di cui ha scritto musica per le opere teatrali. Ma la cosa principale nel lavoro di Lully era ancora scrivere opere. Sorprendentemente, Lully ha creato un tipo completo di opera francese; la cosiddetta tragedia lirica in Francia (fr. tragedie lyrique), e raggiunse un'indubbia maturità creativa nei primissimi anni del suo lavoro al teatro dell'opera. Lully usava spesso il contrasto tra il suono maestoso della sezione orchestrale ei semplici recitativi e arie. Il linguaggio musicale di Lully non è molto complesso, ma sicuramente nuovo: la chiarezza dell'armonia, l'energia ritmica, la chiarezza dell'articolazione della forma, la purezza della trama parlano della vittoria dei principi del pensiero omofonico. In larga misura, il suo successo è stato anche facilitato dalla sua capacità di selezionare i musicisti per l'orchestra, e il suo lavoro con loro (diretto lui stesso le prove). Un elemento integrante del suo lavoro era l'attenzione all'armonia e allo strumento solista.
In Inghilterra, il barocco maturo fu segnato dal genio geniale di Henry Purcell (1659-1695). Morì giovane, all'età di 36 anni, dopo aver scritto un gran numero di opere e diventando ampiamente noto durante la sua vita. Purcell conosceva il lavoro di Corelli e di altri compositori barocchi italiani. Tuttavia, i suoi mecenati e clienti erano di un tipo diverso rispetto alla nobiltà laica ed ecclesiastica italiana e francese, quindi gli scritti di Purcell sono molto diversi dalla scuola italiana. Purcell ha lavorato in una vasta gamma di generi; dai semplici inni religiosi alla musica da marcia, dalle composizioni vocali di grande formato alla musica in scena. Il suo catalogo contiene oltre 800 opere. Purcell è diventato uno dei primi compositori di musica per tastiera, la cui influenza si estende fino ai giorni nostri.
A differenza dei suddetti compositori, Dietrich Buxtehude (1637-1707) non era un compositore di corte. Buxtehude lavorò come organista, prima a Helsingborg (1657-1658), poi a Elsinore (1660-1668), e poi dal 1668 a St. Maria a Lubecca. Non guadagnava soldi pubblicando le sue opere, ma eseguendole, e preferiva comporre musica ai testi di chiesa ed eseguire le proprie opere d'organo al patrocinio della nobiltà. Sfortunatamente, non tutte le opere di questo compositore sono state conservate. La musica di Buxtehude è in gran parte costruita sulla scala delle idee, della ricchezza e della libertà della fantasia, un debole per il pathos, il dramma e l'intonazione in qualche modo oratoria. Il suo lavoro ha avuto una forte influenza su compositori come J. S. Bach e Telemann.

Musica tardo barocca (1707-1760)

L'esatto confine tra maturo e tardo barocco è oggetto di dibattito; si trova da qualche parte tra il 1680 e il 1720. Gran parte della complessità della sua definizione è il fatto che in diversi paesi gli stili sono cambiati fuori sincrono; innovazioni già accettate come regola in un luogo erano nuove scoperte in un altro
Le forme scoperte dal periodo precedente hanno raggiunto maturità e grande variabilità; il concerto, la suite, la sonata, il concerto grosso, l'oratorio, l'opera e il balletto non avevano più caratteristiche nazionali nettamente espresse. Schemi di opere generalmente accettati sono stati stabiliti ovunque: una forma ripetuta in due parti (AABB), una semplice forma in tre parti (ABC) e un rondò.
Antonio Vivaldi (1678-1741) - Compositore italiano, nato a Venezia. Nel 1703 ricevette il grado di sacerdote cattolico. A questi generi strumentali ancora in sviluppo (sonata barocca e concerto barocco) Vivaldi diede il suo contributo più significativo. Vivaldi compose oltre 500 concerti. Ha anche dato titoli programmatici ad alcune delle sue opere, come il famoso Le quattro stagioni.
Domenico Scarlatti (1685-1757)è stato uno dei principali compositori e interpreti per tastiere del suo tempo. Ma forse lo era il compositore di corte più famoso Georg Friedrich Händel (1685-1759). Nato in Germania, studiò per tre anni in Italia, ma lasciò Londra nel 1711, dove iniziò la sua carriera brillante e di successo commerciale come compositore d'opera indipendente, eseguendo commissioni per la nobiltà. Dotato di instancabile energia, Handel rielaborò materiale di altri compositori e rielaborò costantemente le proprie composizioni. Ad esempio, è noto per aver rielaborato così tante volte il famoso oratorio "Messia" che ora non esiste una versione che possa essere definita "autentica".
Dopo la sua morte, fu riconosciuto come uno dei principali compositori europei e fu studiato da musicisti dell'era classica. Handel ha mescolato nella sua musica le ricche tradizioni dell'improvvisazione e del contrappunto. L'arte degli ornamenti musicali ha raggiunto un altissimo livello di sviluppo nelle sue opere. Ha viaggiato in tutta Europa per studiare la musica di altri compositori, e quindi ha avuto una cerchia molto ampia di conoscenze tra compositori di altri stili.
Johann Sebastian Bach Nato il 21 marzo 1685 a Eisenach, in Germania. Durante la sua vita, ha composto oltre 1.000 opere in vari generi, ad eccezione dell'opera. Ma durante la sua vita non ottenne alcun successo significativo. Muovendosi più volte, Bach cambiò posizione non troppo alta dopo l'altra: a Weimar fu musicista di corte presso il duca di Weimar Johann Ernst, poi divenne custode dell'organo nella chiesa di S. Bonifacio ad Arnstadt, alcuni anni dopo accettò l'incarico di organista nella chiesa di S. Vlasia a Mühlhausen, dove lavorò solo per circa un anno, dopodiché tornò a Weimar, dove prese il posto di organista di corte e organizzatore di concerti. Ha ricoperto questa posizione per nove anni. Nel 1717, Leopoldo, duca di Anhalt-Köthen, assunse Bach come maestro di cappella e Bach iniziò a vivere e lavorare a Köthen. Nel 1723 Bach si trasferì a Lipsia, dove rimase fino alla sua morte nel 1750. Negli ultimi anni della sua vita e dopo la morte di Bach, la sua fama di compositore iniziò a declinare: il suo stile era considerato antiquato rispetto al nascente classicismo. Era più conosciuto e ricordato come interprete, insegnante e padre dei Bach Jr., principalmente Carl Philipp Emmanuel, la cui musica era più famosa.
Solo l'esecuzione della Passione secondo Matteo di Mendelssohn, 79 anni dopo la morte di JS Bach, ha ravvivato l'interesse per il suo lavoro. Ora J.S. Bach è uno dei compositori più popolari
Classicismo
Il classicismo è uno stile e una tendenza nell'arte del XVII - inizio XIX secolo.
Questa parola deriva dal latino classicus - esemplare. Il classicismo si basava sulla credenza nella razionalità dell'essere, nel fatto che la natura umana è armoniosa. Hanno visto il loro ideale dei classici nell'arte antica, che era considerata la più alta forma di perfezione.
Nel diciottesimo secolo inizia una nuova fase nello sviluppo della coscienza sociale: l'età dell'Illuminismo. Il vecchio ordine sociale viene distrutto; le idee di rispetto per la dignità umana, la libertà e la felicità sono di fondamentale importanza; la persona acquisisce indipendenza e maturità, usa la mente e il pensiero critico. Gli ideali dell'epoca barocca con i suoi fasti, magniloquenza e solennità vengono sostituiti da un nuovo stile di vita basato sulla naturalezza e semplicità. Sta arrivando il momento per le visioni idealistiche di Jean-Jacques Rousseau, che chiedono un ritorno alla natura, alle virtù naturali e alla libertà. Insieme alla natura, l'antichità è idealizzata, poiché si credeva che fosse durante l'antichità che le persone riuscissero a incarnare tutte le aspirazioni umane. L'arte antica è chiamata classica, è riconosciuta come esemplare, la più veritiera, perfetta, armoniosa e, a differenza dell'arte dell'epoca barocca, è considerata semplice e comprensibile. Al centro dell'attenzione, insieme ad altri aspetti importanti, ci sono l'educazione, la posizione della gente comune nella struttura sociale, il genio come proprietà di una persona.

La ragione regna anche nell'art. Volendo sottolineare l'alto scopo dell'arte, il suo ruolo sociale e civile, il filosofo ed educatore francese Denis Diderot scrisse: "Ogni opera di scultura o pittura dovrebbe esprimere una grande regola di vita, dovrebbe insegnare".

Il teatro era allo stesso tempo un libro di testo della vita e della vita stessa. Inoltre, nel teatro l'azione è molto ordinata, misurata; si articola in atti e scene, che, a loro volta, si suddividono in repliche separate di personaggi, creando un ideale d'arte tanto caro al Settecento, dove ogni cosa è al suo posto ed è soggetta a leggi logiche.
La musica del classicismo è estremamente teatrale, sembra copiare l'arte del teatro e imitarla.
La divisione di una sonata classica e di una sinfonia in grandi sezioni - parti, in ognuna delle quali ci sono molti "eventi" musicali, è come dividere un'opera teatrale in azioni e scene.
Nella musica dell'età classica è spesso implicita una trama, una certa azione che si svolge davanti al pubblico nello stesso modo in cui l'azione teatrale si svolge davanti al pubblico.
L'ascoltatore deve solo accendere l'immaginazione e riconoscere i personaggi di una commedia classica o di una tragedia in "abiti musicali".
L'arte del teatro aiuta a spiegare i grandi cambiamenti nell'esecuzione della musica avvenuti nel XVIII secolo. In precedenza, il luogo principale in cui risuonava la musica era il tempio: in esso, una persona era al di sotto, in uno spazio enorme, dove la musica sembrava aiutarlo a guardare in alto e dedicare i suoi pensieri a Dio. Ora, nel 18° secolo, la musica si sente in un salotto aristocratico, nella sala da ballo di una tenuta nobiliare o in una piazza cittadina. L'ascoltatore dell'Età dei Lumi sembra trattare la musica "per te" e non sperimenta più la gioia e la timidezza che gli ispirava quando suonava nel tempio.
Il suono potente e solenne dell'organo non è più nella musica, il ruolo del coro è diminuito. La musica in stile classico suona leggera, ha molti meno suoni, come se "pesasse meno" della musica pesante e stratificata del passato. Il suono dell'organo e del coro è stato sostituito dal suono di un'orchestra sinfonica; arie sublimi lasciarono il posto a musiche leggere, ritmiche e da ballo.
Grazie alla fiducia sconfinata nelle possibilità della mente umana e nel potere della conoscenza, il XVIII secolo iniziò a essere chiamato l'Età della Ragione o l'Età dell'Illuminismo.
Il periodo di massimo splendore del Classicismo arriva negli anni '80 del XVIII secolo. Nel 1781, J. Haydn creò diverse opere innovative, tra cui il suo Quartetto per archi op. 33; la prima dell'opera di V.A. il "Rapimento dal serraglio" di Mozart; Vengono pubblicati il ​​dramma di F. Schiller "Robbers" e "Critique of Pure Reason" di I. Kant.

I rappresentanti più brillanti del periodo classico sono i compositori della Vienna Classical School Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven. La loro arte si diletta con la perfezione della tecnica compositiva, l'orientamento umanistico della creatività e il desiderio, particolarmente evidente nella musica di W. A. ​​Mozart, di mostrare la perfetta bellezza per mezzo della musica.

Il concetto stesso della Scuola Classica di Vienna sorse poco dopo la morte di L. Beethoven. L'arte classica si distingue per un delicato equilibrio tra sentimento e ragione, forma e contenuto. La musica del Rinascimento rifletteva lo spirito e il respiro della sua epoca; in epoca barocca, gli stati umani divennero oggetto di riflessione in musica; la musica dell'era del Classicismo canta le azioni e le azioni di una persona, le emozioni ei sentimenti da lui vissuti, la mente umana attenta e olistica.

Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Compositore tedesco, spesso considerato il più grande compositore di tutti i tempi.
Il suo lavoro è attribuito sia al classicismo che al romanticismo.
A differenza del suo predecessore Mozart, Beethoven compose con difficoltà. I taccuini di Beethoven mostrano come gradualmente, passo dopo passo, da schizzi incerti emerga una composizione grandiosa, segnata da convincenti logiche di costruzione e di rara bellezza. È la logica la principale fonte della grandezza di Beethoven, della sua incomparabile capacità di organizzare elementi contrastanti in un insieme monolitico. Beethoven cancella le cesure tradizionali tra le sezioni della forma, evita la simmetria, fonde parti del ciclo, sviluppa costruzioni estese da motivi tematici e ritmici che a prima vista non contengono nulla di interessante. In altre parole, Beethoven crea lo spazio musicale con il potere della sua mente, con la sua stessa volontà. Anticipò e creò quelle correnti artistiche che divennero decisive per l'arte musicale dell'Ottocento.

Romanticismo.
copre condizionalmente 1800-1910
I compositori romantici hanno cercato di esprimere la profondità e la ricchezza del mondo interiore di una persona con l'aiuto di mezzi musicali. La musica diventa più impressa, individuale. I generi di canzoni si stanno sviluppando, inclusa la ballata.
I principali rappresentanti del romanticismo in musica sono: in Austria - Franz Schubert ; in Germania - Ernest Theodor Hoffmann, Carlo Maria Weber, Richard Wagner , Félix Mendelssohn, Robert Schumann , Ludwig Spohr ; v
eccetera.................

Musica del medioevo

La cultura musicale del Medioevo è un fenomeno storico estremamente voluminoso e versatile, collocato cronologicamente tra le epoche dell'antichità e del Rinascimento. È difficile immaginarlo come un unico periodo, perché in diversi paesi lo sviluppo dell'arte ha seguito percorsi particolari.

Una caratteristica specifica del Medioevo, che segnò allora il segno in tutte le sfere della vita umana, fu il ruolo di primo piano della Chiesa nella politica, nell'etica, nell'arte, ecc. Anche la musica non sfuggì a un simile destino: non fu tuttavia separato dalla religione ed era principalmente funzione spirituale. Il suo contenuto, le sue immagini, tutta la sua essenza estetica incarnavano la negazione dei valori della vita terrena per motivi di punizione dopo la morte, la predicazione dell'ascesi, il distacco dalle benedizioni esterne. L'arte popolare, che ha continuato a portare l'impronta delle credenze pagane, è stata spesso attaccata dall'arte "ufficiale" della Chiesa cattolica.

Il primo periodo - l'alto medioevo - è solitamente calcolato dall'epoca successiva alla caduta dell'Impero Romano, cioè dal VI secolo d.C. e. A quel tempo esistevano e migrarono sul territorio europeo molte tribù e popoli in diverse fasi dello sviluppo storico. Tuttavia, i monumenti superstiti dell'arte musicale di questo periodo sono solo la musica della chiesa cristiana (soprattutto in notazioni successive), ereditando, da un lato, la cultura dell'Impero Romano, dall'altro, la musica del Est (Giudea, Siria, Armenia, Egitto). Si presume che le tradizioni esecutive del canto cristiano - antifona (opposizione di due gruppi corali) e responsori (alternanza di canto solistico e "risposte" del coro) - si siano sviluppate sulla base di schemi orientali.

Nell'VIII secolo, nei paesi europei si formò gradualmente una tradizione di canto liturgico, la cui base era il canto gregoriano, un insieme di canti corali monofonici sistemati da papa Gregorio I. Qui bisognerebbe soffermarsi più in dettaglio sulla personalità dello stesso Gregorio, al quale, per l'importanza della sua figura nella storia, fu conferito il titolo di Grande.

Nacque a Roma nel 540 da una famiglia di nobili origini, che non ebbe difficoltà economiche. Dopo la morte dei genitori, Gregorio ricevette una ricca eredità e poté fondare diversi monasteri in Sicilia e uno a Roma, sul colle Celio, nella sua casa di famiglia. L'ultimo monastero, chiamato il monastero di Sant'Andrea Apostolo, lo scelse come luogo in cui vivere.

Nel 577 Gregorio fu ordinato diacono, nel 585 fu eletto abate del monastero da lui fondato, nel 590, per decisione unanime del Senato romano, del clero e del popolo, fu eletto al soglio pontificio, che mantenne fino alla morte , che seguì nel 604. .

Anche durante la sua vita, Gregorio godette di grande rispetto in Occidente e non fu dimenticato nemmeno dopo la sua morte. Ci sono molte storie sui miracoli compiuti da lui. Divenne famoso anche come scrittore: i biografi lo identificano in questo senso con i grandi filosofi e saggi. Inoltre, Gregorio Magno è una delle figure più importanti nello sviluppo della musica sacra. È accreditato di aver ampliato il sistema di modalità Ambro-Rosian e di aver creato una scuola di canto speciale chiamata cantus gregorianus.

Gregorio raccolse per molti anni arie di varie chiese cristiane, per poi farne una raccolta denominata Antifonario, che fu incatenata all'altare della Chiesa di San Pietro a Roma come esempio di canto cristiano.

Il Papa introdusse un sistema di ottava per sostituire il sistema greco dei tetracordi, e designò i nomi dei precedenti toni greci con le lettere latine A, B, C, ecc., Con l'ottavo tono che riceveva ancora il nome del primo. L'intera scala di Gregorio Magno era composta da 14 toni: A, B, c, d, e, f, g, a, b, c 1, d 1, e 1, f 1, g 1. La lettera B (b) aveva un doppio significato: B tonda (B rotundum) e B quadrata (B quadratum), cioè si bemolle e si becar, a seconda della necessità.

Ma torniamo a papa Gregorio, il quale, tra l'altro, divenne il fondatore della scuola di canto a Roma, ne seguì con zelo la formazione e imparò anche da autodidatta, punendo severamente gli allievi per negligenza e pigrizia.

Va notato che gradualmente il canto gregoriano, composto da canti di due tipi: salmodia (recitazione misurata del testo della Sacra Scrittura, principalmente alla stessa altezza del suono, in cui c'è una nota del canto per sillaba del testo ) e inni-anniversari (canti liberi delle sillabe della parola "Alleluia"), spodestò il canto ambrosiano dalla chiesa. Differiva da quest'ultimo in quanto era pari, indipendente dal testo. Questo, a sua volta, ha permesso alla melodia di fluire in modo naturale e regolare e il ritmo musicale d'ora in poi è diventato indipendente, il che è stato l'evento più importante nella storia della musica.

L'impatto del canto corale sui parrocchiani è stato accresciuto dalle possibilità acustiche delle chiese con le loro volte alte, che riflettono il suono e creano l'effetto della presenza divina.

Nei secoli successivi, con il diffondersi dell'influenza della Chiesa di Roma, il canto gregoriano fu introdotto (talvolta forzato) nei servizi di culto in quasi tutti i paesi europei. Di conseguenza, alla fine dell'XI secolo, l'intera Chiesa cattolica era unita da forme di culto comuni.

La scienza musicale in quel periodo si sviluppò in stretta connessione con la cultura monastica. Nei secoli VIII - IX, sulla base del canto gregoriano, si formò un sistema di modi ecclesiastici del medioevo. Questo sistema è associato a un magazzino musicale monofonico, con monodia, e rappresenta otto scale diatoniche (dorico, ipodorico, frigio, ipofrigio, lidio, ipolidiano, misolidiano, ipomixolidico), ognuna delle quali era percepita dai teorici e professionisti medievali come una combinazione di alcune possibilità espressive (il primo tasto - "destro", il secondo - "serio", il terzo - "rapido", ecc.).

Nello stesso periodo inizia a formarsi la notazione, dapprima rappresentata dai cosiddetti neumi - segni che mostravano chiaramente il movimento della melodia verso l'alto o verso il basso. I segni musicali si sono successivamente sviluppati dai neumi. La riforma della notazione musicale fu attuata nel secondo quarto dell'XI secolo dal musicista italiano Guido D'Arezzo, nato nel 990. Poco si sa della sua infanzia. Giunto in età matura, Guido divenne monaco del monastero benedettino di Pomposa vicino a Ravenna.

Guido D'Arezzo

La natura lo ha generosamente dotato di vari talenti, che gli hanno permesso di superare facilmente i suoi compagni nell'apprendimento. Quest'ultimo invidiava il suo successo e quanto bene si mostrasse Guido come insegnante di canto. Tutto ciò comportò un atteggiamento fortemente negativo, e in parte persino ostile, degli altri nei confronti di Guido, che alla fine fu costretto a trasferirsi in un altro monastero, ad Arezzo, dal cui nome prese il soprannome di Aretinsky.

Quindi, Guido è stato uno dei musicisti eccezionali del suo tempo e le sue innovazioni nel campo dell'insegnamento del canto spirituale hanno dato risultati brillanti. Attirò l'attenzione sulla notazione e inventò un sistema a quattro righe, su cui localizzava accuratamente i semitoni (da loro dipendevano le caratteristiche dell'uno o dell'altro modo, così come la melodia basata su questo modo, che cadeva tra i gradini dei modi gregoriani).

Nel tentativo di registrare la melodia nel modo più accurato possibile, Guido inventò varie regole che organizzò in un sistema complesso e intricato con nuovi nomi di tono: ut, re, mi, fa, sol, la. Nonostante le varie difficoltà causate dall'uso di un tale sistema, durò molto a lungo, e se ne trovano tracce tra i teorici del Settecento.

È interessante notare che in un primo momento Guido D'Arezzo fu perseguitato per le sue innovazioni. Ma poiché il sistema di un valente musicista facilitava molto la registrazione e la lettura delle melodie, il Papa lo restituì con gli onori al monastero di Pomposa, dove Guido D'Arezzo visse fino alla sua morte, cioè fino al 1050.

Nei secoli XI-XII si delinea una svolta nello sviluppo della cultura artistica del Medioevo, a causa dei nuovi processi storico-sociali (la crescita delle città, le crociate, la promozione di nuovi strati sociali, tra cui la cavalleria, la formazione dei primi centri di cultura secolare, ecc.). Nuovi fenomeni culturali si diffondono in tutta Europa. C'è una piegatura e una distribuzione del romanzo medievale, lo stile gotico nell'architettura, lo sviluppo della scrittura polifonica nella musica, la formazione di testi musicali e poetici secolari.

La caratteristica principale dello sviluppo dell'arte musicale in questo periodo fu l'istituzione e lo sviluppo della polifonia, basata sul canto gregoriano: i cantori aggiungevano una seconda voce alla melodia principale della chiesa. Nei primi esempi di due voci, registrati in campioni musicali del IX-XI secolo, le voci si muovono parallelamente in un unico ritmo (a intervalli di un quarto, di una quinta o di un'ottava). Successivamente compaiono esempi di movimenti di voci non paralleli ("Un cantante guida la melodia principale, l'altro vaga abilmente attraverso altri suoni", scrive il teorico Guido D'Arezzo). Questo tipo di due e polifonia è chiamato organo dal nome della voce allegata. Successivamente, la voce allegata iniziò a essere decorata con melismi, iniziò a muoversi più liberamente in senso ritmico.

Lo sviluppo di nuove forme di polifonia fu particolarmente attivo a Parigi e Limoges nel XII-XIII secolo. Questo periodo è entrato nella storia della cultura musicale come "l'epoca di Notre Dame" (dal nome del monumento architettonico famoso in tutto il mondo, dove lavorava la cappella cantante). Tra gli autori di cui la storia ha conservato i nomi ci sono Leonin e Perotin, autori di organum e altre opere polifoniche. Leonin ha creato il "Big Book of Organums", progettato per il ciclo annuale del canto in chiesa. Il nome di Perotin è associato al passaggio a tre e quattro voci, ulteriore arricchimento della scrittura melodica. Allo stesso tempo, va notato che il significato della scuola di Notre Dame è significativo non solo per la Francia, ma per tutta l'arte europea dell'epoca.

La formazione di generi secolari durante questo periodo è stata preparata dal lavoro di musicisti popolari itineranti: giocolieri, menestrelli e shpilmans. Respinti e persino perseguitati dalla chiesa ufficiale, i musicisti erranti furono i primi portatori di liriche profane, oltre che di una tradizione puramente strumentale (usavano vari strumenti a fiato e ad arco, arpa, ecc.).

A quel tempo, gli artisti erano attori, artisti circensi, cantanti e strumentisti tutti insieme. Viaggiavano di città in città, si esibivano in occasione di feste alle corti, ai castelli, alle fiere, ecc. Ai giocolieri, stalloni e menestrelli si unirono anche vagabondi e goliardi - sfortunati studenti e monaci fuggiaschi, grazie ai quali l'ambiente "artistico" diffondere l'alfabetizzazione. A poco a poco, la specializzazione emerse in questi circoli, artisti itineranti iniziarono a formare laboratori e stabilirsi nelle città.

Nello stesso periodo si avanza una sorta di strato “intellettuale”: la cavalleria, tra la quale (durante i periodi di tregua) divampa anche l'interesse per l'arte. Nel XII secolo nacque in Provenza l'arte dei trovatori, che divenne la base di uno speciale movimento creativo. I trovatori per la maggior parte provenivano dalla più alta nobiltà ed erano letterati in musica. Hanno creato opere musicali e poetiche di forma complessa, in cui hanno cantato le gioie terrene, l'eroismo delle crociate, ecc.

Il trovatore era principalmente un poeta, ma la melodia veniva spesso da lui presa in prestito dalla vita quotidiana e ripensata creativamente. A volte i trovatori assumevano menestrelli per fornire accompagnamento strumentale al loro canto e coinvolgevano i giocolieri nell'esecuzione e nella composizione di musica. Tra i trovatori i cui nomi ci sono pervenuti attraverso il velo dei secoli ci sono Juafre Rudel, Bernart de Ventadorn, Bertrand de Born, Rambout de Vaqueiras e altri.

La poesia dei trovatori ha avuto un'influenza diretta sulla formazione della creatività dei trovatori, che era più democratica, poiché la maggior parte dei trovatori proveniva dai cittadini. Alcuni trovatori hanno creato pezzi su ordinazione. Il più famoso di loro fu Adam de la Alle, originario di Arras, poeta, compositore, drammaturgo francese della seconda metà del XIII secolo.

L'arte dei trovatori e dei trovatori si diffuse in tutta Europa. Sotto la sua influenza in Germania un secolo dopo (XIII secolo) si formarono le tradizioni della scuola dei menestrelli, i cui rappresentanti, musicisti e compositori dotati, prestavano principalmente servizio alle corti.

Il XIV secolo può essere considerato una sorta di passaggio al Rinascimento. Questo periodo in relazione alla musica francese è comunemente indicato come "Ars Nova" ("Nuova Arte") dal nome di un'opera scientifica creata intorno al 1320 dal teorico e compositore parigino Philippe de Vitry.

Si noti che elementi fondamentalmente nuovi compaiono realmente nell'arte al momento indicato: ad esempio, si afferma (anche a livello teorico) di nuovi principi di divisione ritmica e guida vocale, nuovi sistemi modali (in particolare, alterazioni e gravitazioni tonali - cioè "diesis" e "bemolle"), nuovi generi, raggiungendo un nuovo livello di abilità professionale.

Oltre a Philippe de Vitry, che creò mottetti sui propri testi, bisogna annoverare Guillaume de Machaux, nato a Machaux, in Champagne, intorno al 1300, tra i più grandi musicisti del XIV secolo.

Guillaume de Machaux un tempo prestò servizio alla corte di Giovanna di Navarra, moglie di Filippo il Bello, in seguito divenne segretario personale del re di Boemia, Giovanni di Lussemburgo, e alla fine della sua vita fu alla corte di Carlo V della Francia. I contemporanei hanno venerato il suo straordinario talento musicale, grazie al quale non era solo un brillante interprete, ma anche un eccellente compositore che ha lasciato un enorme numero di opere: i suoi mottetti, ballate, rondò, canoni e altre forme di canto (canto e danza) hanno scendi fino a noi.

La musica di Guillaume de Machaux si distingue per raffinata espressività, grazia e, secondo i ricercatori, è un'espressione dello spirito dell'era dell'Ars Nova. Il merito principale del compositore è di aver scritto la prima messa d'autore della storia in occasione dell'ascesa al trono di Carlo V.

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