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L'arte rinascimentale in Italia (secoli XIII-XVI).

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Caratteristiche dell'arte del Rinascimento in Italia.

L'arte del Rinascimento sorse sulla base dell'umanesimo (dal latino humanus - "umano") - una tendenza del pensiero sociale che ebbe origine nel XIV secolo. in Italia, e poi nella seconda metà del XV e nel XVI secolo. diffondersi in altri paesi europei. L'umanesimo proclamava il valore più alto dell'uomo e del suo bene. I seguaci di questa tendenza credevano che ogni persona avesse il diritto di svilupparsi liberamente come persona, realizzando le proprie capacità. Le idee dell'umanesimo erano incarnate in modo più completo e vivido nell'arte, il cui tema principale era una persona bella e armoniosamente sviluppata con possibilità spirituali e creative illimitate. Gli umanisti furono ispirati dall'antichità, che serviva per loro come fonte di conoscenza e modello di creatività artistica. Il grande passato d'Italia, che ricordava continuamente se stesso, era percepito allora come la più alta perfezione, mentre l'arte del medioevo sembrava inetta e barbara. Il termine "revival", sorto nel XVI secolo, significava la nascita di una nuova arte, facendo rivivere l'antica cultura classica. Tuttavia, l'arte del Rinascimento deve molto alla tradizione artistica del Medioevo. Il vecchio e il nuovo erano indissolubilmente legati e confrontati. Con tutta la contraddittoria diversità delle sue origini, l'arte del Rinascimento è segnata da una profonda e fondamentale novità. Ha gettato le basi della cultura europea dei tempi moderni. Tutte le principali forme d'arte - pittura e grafica, scultura, architettura - sono cambiate enormemente.
In architettura, i principi dell'antico rielaborati creativamente sistema degli ordini , sono emerse nuove tipologie di edifici pubblici. La pittura si arricchisce di una prospettiva lineare e aerea, della conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano. Il contenuto terreno è penetrato nei temi religiosi tradizionali delle opere d'arte. Maggiore interesse per la mitologia antica, la storia, le scene quotidiane, i paesaggi, i ritratti. Insieme alle pitture murali monumentali che ornavano le strutture architettoniche, apparve un dipinto; è nata la pittura a olio.
L'arte non ha ancora smesso di essere un mestiere, ma l'individualità creativa dell'artista, le cui attività in quel momento erano molto diverse, aveva già preso il primo posto. Il talento universale dei maestri del Rinascimento è sorprendente: spesso hanno lavorato contemporaneamente nel campo dell'architettura, della scultura e della pittura, combinando la loro passione per la letteratura, la poesia e la filosofia con lo studio delle scienze esatte. Il concetto di personalità creativamente ricca o "rinascimentale" divenne in seguito una parola familiare.
Nell'arte del Rinascimento, i percorsi di comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato conoscitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica; nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva alla meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.
La formazione della cultura rinascimentale in Italia avvenne in città economicamente indipendenti. Nell'ascesa e fioritura dell'arte rinascimentale, la Chiesa e le magnifiche corti dei sovrani senza corona - le famiglie benestanti regnanti, che erano i maggiori mecenati e clienti di opere di pittura, scultura e architettura, giocarono un ruolo importante. I principali centri della cultura rinascimentale furono dapprima le città di Firenze, Siena, Pisa, poi Padova, Ferrara, Genova, Milano e poi, nella seconda metà del Quattrocento, la ricca Venezia mercantile. Nel XVI sec. Roma divenne la capitale del Rinascimento italiano. Da allora, tutti gli altri centri di cultura, tranne Venezia, hanno perso la loro antica importanza.
Nell'era del Rinascimento italiano, è consuetudine distinguere diversi periodi:

Proto-rinascimentale (seconda metà dei secoli XIII-XIV),

Primo Rinascimento (XV secolo),

Alto Rinascimento (fine XV - primo terzo del XVI secolo)

Tardo Rinascimento (ultimi due terzi del XVI secolo).

Proto-rinascimentale

Nella cultura italiana dei secoli XIII-XIV. Sullo sfondo di tradizioni bizantine e gotiche ancora forti, cominciarono ad apparire i tratti di una nuova arte, che sarebbe poi stata chiamata l'arte del Rinascimento. Pertanto, questo periodo della sua storia è stato chiamato Proto-rinascimentale(dal greco "protos" - "primo", cioè preparato l'inizio del Rinascimento). Non c'è stato un periodo di transizione simile in nessuno dei paesi europei. Nella stessa Italia, l'arte protorinascimentale sorse e si sviluppò solo in Toscana e Roma.
Nella cultura italiana i tratti del vecchio e del nuovo erano intrecciati. L'ultimo poeta del medioevo e primo poeta della nuova era, Dante Alighieri (1265-1321), creò la lingua letteraria italiana. Ciò che Dante iniziò fu continuato da altri grandi fiorentini del XIV secolo: Francesco Petrarca (1304-1374), fondatore della poesia lirica europea, e Giovanni Boccaccio (1313-1375), fondatore del genere romanzo (racconto) nel mondo letteratura. Fiore all'occhiello dell'epoca sono gli architetti e scultori Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio e il pittore Giotto di Bondone .
Architettura
L'architettura italiana ha seguito a lungo le tradizioni medievali, che si sono espresse principalmente nell'uso di un gran numero di motivi gotici. Allo stesso tempo, lo stesso gotico italiano era molto diverso dall'architettura gotica del nord Europa: gravitava verso forme calme e grandi, anche leggere, divisioni orizzontali e ampie superfici murarie. Nel 1296 iniziò la costruzione a Firenze Cattedrale di Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio volle coronare l'altare della cattedrale con un'enorme cupola. Tuttavia, dopo la morte dell'architetto nel 1310, la costruzione fu ritardata, fu completata già nel periodo del Primo Rinascimento. Nel 1334, su progetto di Giotto, si iniziò la costruzione del campanile della cattedrale, il cosiddetto campanile, slanciata torre rettangolare con divisioni orizzontali per piani ed eleganti finestre gotiche, la cui forma ad arco a sesto acuto era conservato a lungo nell'architettura italiana.
Tra i palazzi cittadini più famosi c'è Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) a Firenze. Si ritiene che sia stato costruito da Arnolfo di Cambio. È un cubo pesante con un'alta torre, rivestita di bugnato in pietra dura. La facciata a tre piani è decorata con bifore iscritte in archi semicircolari, che danno all'intero edificio un'impressione di sobria austerità. L'edificio definisce l'aspetto del centro storico, invadendo la piazza con una mole ruvida.
Scultura
Prima che nell'architettura e nella pittura, le ricerche artistiche si delineano nella scultura, e soprattutto nella scuola pisana, il cui capostipite fu Niccolò Pisano (1220 circa - tra il 1278 e il 1284). Niccolò Pisano è nato in Puglia, nel sud Italia. Si ritiene che abbia studiato scultura nelle scuole meridionali, dove fiorì lo spirito della rinascita delle tradizioni classiche dell'antichità. Niccolò studiò senza dubbio la decorazione scultorea dei sarcofagi tardo romani e paleocristiani. La prima opera conosciuta dello scultore è un esagonale pulpito di marmo, da lui realizzato per il battistero di Pisa (1260), - divenne un'opera eccezionale della scultura rinascimentale e ebbe un enorme impatto sul suo ulteriore sviluppo. Il principale risultato dello scultore è che è riuscito a dare volume ed espressività alle forme e ogni immagine ha potere corporeo.
Dalla bottega di Niccolò Pisano provenivano i notevoli maestri della scultura del Proto-Rinascimento: il figlio Giovanni Pisano e Arnolfo di Cambio, noto anche come architetto. Arnolfo di Cambio (1245 circa - dopo il 1310) gravitava verso la scultura monumentale, in cui usava le sue osservazioni della vita. Una delle migliori opere che fece insieme al padre e al figlio Pisano - Fontana in Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, decorata con numerose statue e rilievi, è diventata l'orgoglio della città. Era vietato abbeverarne animali, portare acqua nelle botti di vino o in stoviglie non lavate. Il museo cittadino ha conservato frammenti di figure sdraiate realizzati da Arnolfo di Cambio per la fontana. In queste figure lo scultore è riuscito a trasmettere tutta la ricchezza dei movimenti del corpo umano.
La pittura
Nell'arte del Rinascimento italiano, la pittura murale occupava un posto dominante. È stato realizzato con la tecnica dell'affresco. Con pitture preparate all'acqua, si scriveva o su intonaco bagnato (in realtà un affresco) o su asciutto - questa tecnica è chiamata "a secco" (tradotto dall'italiano - "a secco"). Il principale legante dell'intonaco è la calce. Perché la calce impiega un po' di tempo per asciugarsi, l'affresco doveva essere eseguito rapidamente, spesso in parti tra le quali c'erano delle giunture di collegamento. Dalla seconda metà del XV sec. la tecnica dell'affresco cominciò ad essere integrata con la pittura a secco; quest'ultimo consentiva un lavoro più lento e consentiva la finitura delle parti. Il lavoro sui murales è stato preceduto dalla produzione di sinopie - disegni ausiliari applicati sotto l'affresco sul primo strato di intonaco. Questi disegni sono stati realizzati con ocra rossa, estratta dall'argilla vicino alla città di Sinop, situata sulla costa del Mar Nero. Secondo il nome della città, la pittura si chiamava Sinop, o sinopia, in seguito i disegni stessi iniziarono a essere chiamati allo stesso modo. La sinopia è stata utilizzata nella pittura italiana dal XIII alla metà del XV secolo. Tuttavia, non tutti i pittori hanno fatto ricorso all'aiuto della sinopia, ad esempio Giotto di Bondone, il rappresentante più in vista dell'era del Proto-Rinascimento, ne fece a meno. A poco a poco, la sinopia è stata abbandonata. Dalla metà del XV sec. I cartoni erano ampiamente utilizzati nella pittura: disegni preparatori realizzati su carta o su tessuto nelle dimensioni di opere future. I contorni del disegno sono stati trasferiti su intonaco bagnato con l'aiuto di polvere di carbone. È stato soffiato attraverso i fori praticati nel contorno e premuto nell'intonaco con uno strumento affilato. A volte la sinossi di uno schizzo si trasformava in un disegno monumentale finito e i cartoni acquisivano il valore di opere pittoriche indipendenti.

Il fondatore del nuovo stile pittorico italiano è Cimabue (in realtà Cenny di Pepo, c. 1240 - c. 1302). Cimabue era famoso a Firenze come maestro di solenni dipinti d'altare e icone. Le sue immagini sono caratterizzate da astrazione e staticità. E sebbene Cimabue seguisse nelle sue opere le tradizioni bizantine, nelle sue opere cercava di esprimere sentimenti terreni, addolcire la rigidità del canone bizantino.
Piero Cavallini (tra il 1240 e il 1250 - intorno al 1330) visse e operò a Roma. È autore dei mosaici della Chiesa di Santa Maria in Trastevere (1291), nonché degli affreschi della Chiesa di Santa Cecilia in Trastevere (1293 circa). Cavallini nelle sue opere ha dato volume e tangibilità alle forme.
Successi Cavallini ha adottato e continuato Giotto di Bondone(1266 o 1267 - 1337), il più grande artista del Proto-Rinascimento. Il nome di Giotto è associato a una svolta nello sviluppo della pittura italiana, alla sua rottura con i canoni artistici medievali e alle tradizioni dell'arte italo-bizantina del XIII secolo. Le opere più famose di Giotto sono i dipinti della Cappella dell'Arena a Padova (1304-06). Gli affreschi si distinguono per la chiarezza, la narrativa semplice, la presenza di dettagli quotidiani che conferiscono vitalità e naturalezza alle scene raffigurate. Rifiutando il canone ecclesiastico che dominava l'arte di quel tempo, Giotto ritrae i suoi personaggi come simili a persone reali: con corpi proporzionati e tozzi, facce rotonde (piuttosto che allungate), il taglio corretto degli occhi, ecc. I suoi santi non si librano sopra il suolo, ma vi stanno ben saldi con entrambi i piedi. Pensano più al terreno che al celeste, provando sentimenti ed emozioni completamente umani. Per la prima volta nella storia della pittura italiana, lo stato d'animo degli eroi di un dipinto è espresso dalle espressioni facciali, dai gesti, dalla postura. Invece del tradizionale sfondo dorato, gli affreschi di Giotto raffigurano paesaggi, interni o gruppi scultorei sulle facciate delle basiliche.
Nella seconda metà del XIV sec. emerge la pittoresca scuola senese. Il più grande e raffinato maestro della pittura senese del XIV secolo. fu Simone Martini (c. 1284-1344). Il pennello di Simone Martini è il primo nella storia dell'arte a rappresentare uno specifico evento storico con il ritratto di un contemporaneo. Questa immagine " Condottiero Guidoriccio da Fogliano"nella sala Mappamondo del Palazzo Publico (Siena), prototipo di numerosi futuri ritratti equestri. La pala d'altare L'Annunciazione di Simone Martini, oggi conservata alla Galleria degli Uffizi a Firenze, gode di una meritata fama.

Caratteristiche del Rinascimento. Proto-rinascimentale

Caratteristiche del Rinascimento

Primo Rinascimento

Nel XV secolo. l'arte d'Italia occupava una posizione dominante nella vita artistica d'Europa. A Firenze furono gettate le basi di una cultura umanistica secolare (cioè non ecclesiastica), che spinse Siena e Pisa in secondo piano. Il potere politico qui apparteneva a mercanti e artigiani, l'influenza più forte sugli affari cittadini era esercitata da diverse famiglie benestanti, che erano costantemente in competizione tra loro. Questa lotta terminò alla fine del XIV secolo. vittoria della banca medicea. Il suo capo, Cosimo de' Medici, divenne il tacito sovrano di Firenze. Scrittori, poeti, scienziati, architetti, artisti accorsero alla corte di Cosimo Medici. La cultura rinascimentale di Firenze raggiunse il suo apice sotto Lorenzo de' Medici, soprannominato il Magnifico. Lorenzo fu un grande mecenate delle arti e delle scienze, l'ideatore dell'Accademia platonica, dove si riunivano le menti illustri d'Italia, poeti e filosofi, dove si tenevano raffinati dibattiti che elevavano lo spirito e la mente.

Architettura

Sotto Cosimo e Lorenzo Medici avvenne una vera rivoluzione nell'architettura di Firenze: qui furono avviate vaste costruzioni, che cambiarono notevolmente il volto della città. L'antenato dell'architettura rinascimentale in Italia fu Filippo Brunelleschi(1377-1446) - architetto, scultore e scienziato, uno dei creatori della teoria scientifica della prospettiva. La più grande conquista ingegneristica del Brunelleschi fu la costruzione della cupola. Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze. Grazie al suo genio matematico e tecnico, Brunelleschi riuscì a risolvere il problema più difficile del suo tempo. La principale difficoltà che il maestro ha dovuto affrontare è stata causata dalla gigantesca campata della croce centrale (42 m), che ha richiesto sforzi particolari per facilitare la diffusione. Brunelleschi risolse il problema applicando un disegno ingegnoso: una leggera cupola cava costituita da due gusci, un sistema a telaio di otto nervature portanti collegate da anelli che le circondano, una lanterna leggera che chiudeva e caricava l'arco. La cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore divenne l'antesignana di numerose chiese a cupola in Italia e in altri paesi europei.

Brunelleschi è stato uno dei primi nell'architettura italiana a comprendere e interpretare in modo creativo l'antico sistema degli ordini ( Ospedale degli innocenti (Rifugio per trovatelli), 1421-44), segnò l'inizio della creazione di chiese a cupola basate sull'antico ordine ( Chiesa di San Lorenzo ). Un vero gioiello del primo Rinascimento fu realizzato dal Brunelleschi su commissione di una ricca famiglia fiorentina Cappella Pazzi(iniziato nel 1429). L'umanesimo e la poesia dell'opera del Brunelleschi, la proporzione armoniosa, la leggerezza e l'eleganza dei suoi edifici, mantenendo un legame con le tradizioni del gotico, la libertà creativa e la validità scientifica delle sue idee determinarono la grande influenza del Brunelleschi sul successivo sviluppo dell'architettura rinascimentale.

Una delle principali realizzazioni dell'architettura italiana del XV secolo. fu la creazione di un nuovo tipo di palazzi cittadini, il palazzo, che servì da modello per gli edifici pubblici di epoca successiva. Caratteristiche del palazzo quattrocentesco sono una netta suddivisione del volume chiuso dell'edificio in tre piani, un cortile aperto con arcate a pavimento estivo, l'uso della ruggine (pietra con superficie frontale grossolanamente smussata o convessa) per il rivestimento delle facciate, nonché una cornice decorativa fortemente estesa . Un esempio lampante di questo stile è la costruzione del capitello dell'allievo del Brunelleschi Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), architetto di corte della famiglia Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), che servì da modello per la costruzione di molti palazzi fiorentini. La creazione di Michelozzo è vicina Palazzo Strozzi(fondata nel 1481), a cui è legato il nome dell'architetto e scultore Benedetto da Maiano (1442-97).

Un posto speciale nella storia dell'architettura italiana è occupato da Leon Battista Alberti(1404-72). Un uomo dotato e ampiamente istruito, fu uno degli umanisti più brillanti del suo tempo. La gamma dei suoi interessi era insolitamente diversificata. Trattava moralità e diritto, matematica, meccanica, economia, filosofia, poesia, musica, pittura, scultura, architettura. Brillante stilista, Alberti ha lasciato numerose opere in latino e in italiano. In Italia e all'estero, Alberti si è guadagnato la fama di un eccezionale teorico dell'arte. Alla sua penna appartengono i famosi trattati “Dieci libri di architettura” (1449-52), “Sulla pittura”, “Sulla statua” (1435-36). Ma l'architettura era la vocazione principale di Alberti. Nel lavoro architettonico, Alberti gravitava verso soluzioni audaci e sperimentali, utilizzando in modo innovativo l'antico patrimonio artistico. Alberti creò un nuovo tipo di palazzo cittadino ( Palazzo Rucellai ). Nell'architettura religiosa, alla ricerca della grandezza e della semplicità, Alberti utilizzò i motivi degli archi e delle arcate di trionfo romani nella progettazione delle facciate ( Chiesa di Sant'Andrea a Mantova, 1472-94). Il nome Alberti è giustamente considerato uno dei primi tra i grandi artefici della cultura del Rinascimento italiano.

Scultura

Nel XV secolo. La scultura italiana, che ha acquisito un significato autonomo e indipendente dall'architettura, è fiorente. Cominciano ad entrare nella pratica della vita artistica gli ordini per la decorazione degli edifici pubblici; si tengono concorsi d'arte. Uno di questi concorsi - per la fabbricazione del bronzo delle seconde porte settentrionali del battistero fiorentino (1401) - è considerato un evento significativo che ha aperto una nuova pagina nella storia della scultura rinascimentale italiana. La vittoria fu conquistata da Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Una delle persone più istruite del suo tempo, il primo storico dell'arte italiana, un brillante disegnatore, Ghiberti dedicò la sua vita a un tipo di scultura: il rilievo. Il principio fondamentale della sua arte Ghiberti considerava l'equilibrio e l'armonia di tutti gli elementi dell'immagine. L'apice del lavoro di Ghiberti era porte est del battistero di Firenze (1425-52), che immortalò il nome del maestro. La decorazione delle ante prevede dieci composizioni quadrate in bronzo dorato (" Creazione di Adamo ed Eva”), con la loro insolita espressività che ricorda i dipinti pittoreschi. L'artista è riuscito a trasmettere la profondità dello spazio, saturo di immagini della natura, figure di persone, strutture architettoniche. Con la mano leggera di Michelangelo si cominciarono a chiamare le porte orientali del battistero fiorentino "Porte del paradiso".

La bottega Ghiberti divenne scuola per un'intera generazione di artisti, in particolare vi lavorò il famoso Donatello, il grande riformatore della scultura italiana. L'opera di Donatello (c. 1386-1466), che assorbì le tradizioni democratiche della cultura fiorentina nel XIV secolo, è una delle punte di sviluppo dell'arte del Primo Rinascimento. Incarnava la ricerca di nuovi mezzi realistici per rappresentare la realtà, caratteristica dell'arte del Rinascimento, una grande attenzione all'uomo e al suo mondo spirituale. L'influenza dell'opera di Donatello sullo sviluppo dell'arte rinascimentale italiana fu enorme.

La seconda generazione di scultori fiorentini gravitava verso un'arte più lirica, pacifica e profana. Il ruolo di primo piano in esso appartenne alla famiglia degli scultori della Robbia. Il capostipite, Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482), divenne famoso per l'uso della tecnica dello smalto nella scultura e nel rilievo tondo. La tecnica dello smalto (maiolica), nota fin dall'antichità ai popoli dell'Asia occidentale, fu introdotta nella Penisola Iberica e nell'isola di Maiorca nel Medioevo (da cui il nome), per poi diffondersi ampiamente in Italia. Lucca della Robbia realizzò medaglioni con rilievi su fondo azzurro intenso per edifici e altari, ghirlande di fiori e frutti, busti maiolicati della Madonna, Cristo e santi. L'arte allegra, elegante e gentile di questo maestro ha ricevuto un meritato riconoscimento dai suoi contemporanei. Grande perfezione nella tecnica della maiolica fu raggiunta anche dal nipote Andrea della Robbia (1435-1525) ( rilievi sulla facciata dell'Ospedale degli Innocenti).

La pittura

A Masaccio (1401-1428) in pittura spettava il grande ruolo che Brunelleschi ebbe nell'architettura del primo Rinascimento, e Donatello nella scultura. Masaccio morì giovane, prima di raggiungere i 27 anni, eppure riuscì a fare molto in pittura. Il famoso storico dell'arte Vipper disse: "Masaccio è uno dei geni più indipendenti e coerenti nella storia della pittura europea, il fondatore di un nuovo realismo ..." Proseguendo nella ricerca di Giotto, Masaccio rompe audacemente con le tradizioni artistiche medievali. In affresco "Trinità"(1426-27), realizzato per la chiesa di Santa Maria Novella a Firenze, Masaccio utilizza per la prima volta la prospettiva piena nella pittura murale. Nei murales della Cappella Brancacci della Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze (1425-28) - la creazione principale della sua breve vita - Masaccio dona alle immagini una vitalità senza precedenti, sottolinea la fisicità e la monumentalità dei suoi personaggi, trasmette magistralmente lo stato emotivo della profondità psicologica delle immagini. In Affresco "Cacciazione dal Paradiso" l'artista risolve il compito più difficile del suo tempo di raffigurare una figura umana nuda. L'arte aspra e coraggiosa di Masaccio ebbe un enorme impatto sulla cultura artistica del Rinascimento.

Lo sviluppo della pittura del primo Rinascimento fu ambiguo: gli artisti andarono per conto proprio, a volte in modi diversi. L'inizio secolare, il desiderio di una narrazione affascinante, il sentimento lirico terreno trovarono viva espressione nelle opere di fra Filippo Lippi (1406-69), monaco dell'ordine carmelitano. Maestro affascinante, autore di molte composizioni d'altare, tra le quali il dipinto è considerato il migliore « Adorazione del bambino » creato per la cappella di Palazzo Medici - Riccardi, Filippo Lippi è riuscito a trasmettere in loro il calore umano e l'amore poetico per la natura.

A metà del XV sec. la pittura del Centro Italia conobbe una rapida fioritura, di cui un esempio lampante è l'opera di Piero della Francesca(1420-92), il più grande artista e teorico dell'arte del Rinascimento. La creazione più notevole di Piero della Francesca - ciclo di affreschi nella chiesa di San Francesco ad Arezzo, che si basano sulla leggenda dell'albero della croce vivificante. Gli affreschi, disposti su tre ordini, ripercorrono la storia della croce vivificante fin dall'inizio, quando un albero sacro cresce dal seme dell'albero del paradiso della conoscenza del bene e del male sulla tomba di Adamo. ("Morte di Adamo") fino alla fine, quando l'imperatore bizantino Eraclio restituisce solennemente la reliquia cristiana a Gerusalemme (« Battaglia tra Eraclio e Cosroe » ). L'opera di Piero della Francesca andò oltre le scuole pittoriche locali e determinò lo sviluppo dell'arte italiana in generale.

Nella seconda metà del XV secolo molti artigiani di talento operavano nel nord Italia nelle città di Verona, Ferrara e Venezia. Tra i pittori di questo tempo, il più famoso è Andrea Mantegna (1431-1506) - maestro del cavalletto e della pittura monumentale, disegnatore e incisore, scultore e architetto. Il modo pittorico dell'artista si distingue per l'inseguimento di forme e disegni, il rigore e la veridicità delle immagini generalizzate. Grazie alla profondità spaziale e alla natura scultorea delle figure, Mantegna ottiene l'impressione di una scena reale congelata per un momento: i suoi personaggi sembrano così voluminosi e naturali. Mantegna visse gran parte della sua vita a Mantova, dove realizzò la sua opera più famosa - murale "Camera degli Sposi" nel castello di campagna del Marchese L. Gonzaga. Con la sola pittura creò qui un lussuoso interno rinascimentale, un luogo per ricevimenti cerimoniali e vacanze. L'arte del Mantegna, che godette di grande notorietà, influenzò l'intera pittura del nord Italia.

Un posto speciale nella pittura del primo Rinascimento appartiene a Sandro Botticelli(in realtà Alessandro di Mariano Filipepi), nato nel 1445 a Firenze nella famiglia di un ricco conciatore di pellami. Nel 1459-64. il giovane studia pittura con il famoso maestro fiorentino Filippo Lippi. Nel 1470 aprì una propria bottega a Firenze, e nel 1472 entrò a far parte dell'Arte di San Luca.

La prima creazione di Botticelli fu la composizione "Forza", che eseguì per la corte mercantile di Firenze. Il giovane artista conquistò rapidamente la fiducia dei clienti e guadagnò fama, che attirò l'attenzione di Lorenzo il Magnifico, il nuovo sovrano di Firenze, divenuto suo maestro di corte e favorito. Botticelli eseguì la maggior parte dei suoi dipinti per le case del duca e di altre famiglie nobili fiorentine, nonché per chiese, monasteri ed edifici pubblici a Firenze.

Seconda metà degli anni 1470 e 1480 divenne per Botticelli un periodo di fioritura creativa. Per la facciata principale della chiesa di Santa Maria Novella scrive la composizione " Adorazione dei Magi"- una sorta di ritratto di gruppo mitizzato della famiglia Medici. Pochi anni dopo, l'artista crea la sua famosa allegoria mitologica "La Primavera".

Nel 1481 papa Sisto IV ordinò a un gruppo di pittori, tra cui Botticelli, di decorare con affreschi la sua cappella, che in seguito ricevette il nome di "Sistina". Affreschi della Cappella Sistina del Botticelli Tentazione di Cristo », « Scene della vita di Mosè », « Punizione di Corea, Datan e Aviron". Negli anni successivi Botticelli completò una serie di 4 affreschi basati sui racconti del Decamerone di Boccaccio, realizzò le sue opere mitologiche più famose (“La nascita di Venere”, “ Pallade e Centauro”), oltre a diverse composizioni d'altare per chiese fiorentine (“ Incoronazione della Vergine Maria », « Altare di San Barnaba"). Molte volte si rivolse all'immagine della Madonna (" Madonna del Magnificat », « Madonna con melograno », « Madonna con un libro”), ha lavorato anche nel genere del ritratto (“ Ritratto di Giuliano Medici”, “Ritratto di giovane donna”, “Ritratto di giovane”).

Negli anni Novanta del Quattrocento, nel periodo dei movimenti sociali che sconvolse Firenze e delle prediche mistiche del monaco Savonarola, nell'arte del Botticelli compaiono note moralistiche e drammaticità (“Calunnia”, “ Compianto per Cristo », « natale mistico"). Sotto l'influenza del Savonarola, in un impeto di esaltazione religiosa, l'artista distrusse anche alcune sue opere. A metà degli anni Novanta del Quattrocento, con la morte di Lorenzo il Magnifico e l'espulsione del figlio Pietro da Firenze, Botticelli perse la fama di grande artista. Dimenticato, vive tranquillamente la sua vita nella casa del fratello Simon. Nel 1510 l'artista morì.

La squisita arte di Botticelli con elementi di stilizzazione (ovvero generalizzazione delle immagini con tecniche convenzionali - semplificazione del colore, della forma e del volume) è considerata uno degli apici dello sviluppo della pittura. L'arte di Botticelli, a differenza della maggior parte dei maestri del primo Rinascimento, era basata sull'esperienza personale. Eccezionalmente sensibile e sincero, Botticelli ha attraversato un percorso difficile e tragico di ricerca creativa - dalla percezione poetica del mondo in gioventù al misticismo e all'esaltazione religiosa in età adulta.

PRIMO RISVEGLIO

PRIMO RISVEGLIO

Alto Rinascimento

L'Alto Rinascimento, che ha dato all'umanità grandi maestri come Leonardo Da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione, Tiziano, Bramante, copre un periodo di tempo relativamente breve: la fine del XV e il primo terzo del XVI secolo. Solo a Venezia il fiorire dell'arte continuò fino alla metà del sec.

I cambiamenti fondamentali associati a eventi decisivi nella storia mondiale, i successi del pensiero scientifico avanzato, hanno ampliato all'infinito le idee delle persone sul mondo, non solo sulla terra, ma anche sullo spazio. La percezione del mondo e della personalità umana sembrava allargata; nella creatività artistica, ciò si rifletteva non solo nella scala maestosa delle strutture architettoniche, dei monumenti, dei cicli solenni di affreschi e dei dipinti, ma anche nel loro contenuto, nell'espressività delle immagini. L'arte dell'alto rinascimento è un processo artistico vivace e complesso con accese abbaglianti e crisi successive.

Donato Bramante.

Roma divenne il centro dell'architettura dell'Alto Rinascimento, dove si formò un unico stile classico sulla base di precedenti scoperte e successi. I maestri usarono in modo creativo l'antico sistema degli ordini, creando strutture la cui maestosa monumentalità era in sintonia con l'epoca. Donato Bramante (1444-1514) divenne il più grande rappresentante dell'architettura alto rinascimentale. Gli edifici del Bramante si distinguono per monumentalità e grandezza, armoniosa perfezione delle proporzioni, integrità e chiarezza delle soluzioni compositive e spaziali e uso libero e creativo delle forme classiche. Il massimo risultato creativo del Bramante è la ricostruzione del Vaticano (l'architetto realizzò infatti un nuovo edificio, includendo organicamente vecchi edifici sparsi al suo interno). Bramante è anche autore del progetto della Cattedrale di San Pietro a Roma. Con la sua opera Bramante determinò lo sviluppo dell'architettura nel XVI secolo.

Leonardo Da Vinci.

Nella storia dell'umanità non è facile trovare un'altra persona brillante come il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento. Leonardo Da Vinci(1452-1519). La completezza delle attività di questo grande artista, scultore, architetto, scienziato e ingegnere divenne chiara solo quando furono esaminati i manoscritti sparsi della sua eredità, che contavano oltre settemila fogli contenenti progetti, invenzioni e schizzi scientifici e architettonici. Difficile nominare l'area di conoscenza che il suo genio non avrebbe toccato. L'universalismo di Leonardo è così incomprensibile che il famoso biografo delle figure rinascimentali, Giorgio Vasari, non potrebbe spiegare questo fenomeno se non con l'intervento del cielo: "Qualunque cosa si rivolge quest'uomo, ogni sua azione porta l'impronta della divinità".

Nel suo famoso "Trattato sulla pittura" (1498) e in altre note, Leonardo prestò grande attenzione allo studio del corpo umano, alle informazioni sull'anatomia, alle proporzioni, al rapporto tra i movimenti, le espressioni facciali e lo stato emotivo di una persona. Leonardo si occupò anche dei problemi del chiaroscuro, della modellazione volumetrica, della prospettiva lineare e aerea. Leonardo ha reso omaggio non solo alla teoria dell'arte. Ha creato una serie di magnifiche pale d'altare e ritratti. Il pennello di Leonardo appartiene a una delle opere più famose della pittura mondiale: "La Gioconda" ("La Gioconda"). Leonardo creò immagini scultoree monumentali, progettò e costruì strutture architettoniche. Leonardo rimane una delle personalità più carismatiche del Rinascimento fino ad oggi. A lui è dedicato un numero enorme di libri, la sua vita è studiata nel modo più dettagliato. E, tuttavia, molto nel suo lavoro rimane un mistero e continua ad eccitare le menti delle persone.

Raffaele Santi.

Anche l'arte di Raffaello Santi (1483-1520) appartiene ai vertici del Rinascimento italiano. L'idea di sublime bellezza e armonia è associata all'opera di Raffaello nella storia dell'arte mondiale. È generalmente accettato che nella costellazione di brillanti maestri dell'Alto Rinascimento, fosse Raffaello il principale portatore di armonia. La ricerca incessante per un inizio luminoso e perfetto permea tutta l'opera di Raffaello, costituisce il suo significato interiore. Il suo lavoro è straordinariamente attraente nella sua naturale eleganza (" Madonna Sistina"). Forse è per questo che il maestro ha guadagnato una così straordinaria popolarità presso il pubblico e ha avuto molti seguaci tra gli artisti in ogni momento. Raffaello non fu solo un pittore straordinario, ritrattista, ma anche un muralista che lavorò nella tecnica dell'affresco, un architetto e un decoratore. Tutti questi talenti si manifestarono con particolare forza nei suoi dipinti degli appartamenti di papa Giulio II in Vaticano ("Scuola di Atene"). Nell'arte di un brillante artista è nata una nuova immagine di un uomo rinascimentale: bello, armonioso, perfetto fisicamente e spiritualmente.

Michelangelo Buonarroti.

Contemporaneo Leonardo Da Vinci e Rafael era il loro eterno rivale - Michelangelo Buonarroti, il più grande maestro dell'Alto Rinascimento - scultore, pittore, architetto e poeta. Questo titano del Rinascimento iniziò la sua carriera con la scultura. Le sue statue colossali sono diventate il simbolo di un uomo nuovo: un eroe e un combattente ("David"). Il maestro fece erigere numerose strutture architettoniche e scultoree, la più famosa delle quali è la Cappella Medicea a Firenze. Lo splendore di queste opere è costruito sulla colossale tensione dei sentimenti dei personaggi ( Sarcofago di Giuliano de' Medici). Ma particolarmente famosi sono i dipinti di Michelangelo in Vaticano, nella Cappella Sistina, in cui si dimostrò un pittore brillante. Forse nessuno nel mondo dell'arte, né prima né dopo Michelangelo, ha creato personaggi così forti nel corpo e nello spirito (" Creazione di Adamo"). L'enorme, incredibilmente complesso affresco del soffitto è stato realizzato dall'artista da solo, senza assistenti; rimane ancora oggi un'opera monumentale insuperabile della pittura italiana. Ma oltre ai murales del soffitto della Cappella Sistina, il maestro, già nella sua vecchiaia, creò il "Giudizio Universale" di grande ispirazione, un simbolo del crollo degli ideali della sua grande epoca.

Michelangelo lavorò molto e fruttuosamente nell'architettura, in particolare curò la costruzione della Basilica di San Pietro e dell'ensemble Piazza del Campidoglio A Roma. L'opera del grande Michelangelo costituì un'intera epoca ed era molto in anticipo sui tempi, svolse un ruolo colossale nell'arte mondiale, in particolare influenzò la formazione dei principi del barocco.

Giorgione e Tiziano.

Nella storia dell'arte dell'Alto Rinascimento, Venezia è entrata in una pagina luminosa, dove la pittura è al suo apice. Giorgione è considerato il primo maestro dell'Alto Rinascimento a Venezia. La sua arte è molto speciale. In esso regna lo spirito di chiara armonia e una speciale contemplazione intima e fantasticheria. Scriveva spesso deliziose bellezze, vere dee. Di solito questa è una finzione poetica: l'incarnazione di un sogno irrealizzabile, l'ammirazione per un sentimento romantico e una bella donna. Nei suoi dipinti c'è un accenno di passione sensuale, dolce piacere, felicità ultraterrena. Con l'arte del Giorgione la pittura veneziana acquisì un significato tutto italiano, affermando le sue caratteristiche artistiche.

Tiziano dentro passò alla storia dell'arte italiana come titano e capo della scuola veneta, come simbolo del suo periodo di massimo splendore. Nel lavoro di questo artista, il respiro di una nuova era si è manifestato con una forza speciale: tempestosa, tragica, sensuale. L'opera di Tiziano si distingue per una copertura eccezionalmente ampia e versatile di tipi e generi di pittura. Tiziano fu uno dei fondatori della pittura d'altare monumentale, del paesaggio come genere autonomo, di vari tipi di ritratti, tra cui quello solenne-cerimoniale. Nella sua opera, immagini ideali convivono con personaggi vividi, conflitti tragici con scene di gioia esultante, composizioni religiose con dipinti mitologici e storici.

Tiziano ha sviluppato una nuova tecnica pittorica che ha avuto un'influenza eccezionale sull'ulteriore sviluppo delle belle arti mondiali, fino al XX secolo. Tiziano appartiene ai più grandi coloristi della pittura mondiale. I suoi dipinti brillano d'oro e di una complessa gamma di vibranti tonalità luminose di colore. Tiziano, che visse per quasi un secolo, sopravvisse al crollo degli ideali rinascimentali, l'opera del maestro appartiene per metà al Tardo Rinascimento. Il suo eroe, che entra nella lotta contro le forze ostili, muore, ma conserva la sua grandezza. L'influenza della grande bottega di Tiziano influenzò tutta l'arte veneziana.

ALTO RISVEGLIO

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Tardo Rinascimento

Nella seconda metà del XVI sec. in Italia cresceva il declino dell'economia e del commercio, il cattolicesimo entrava in lotta con la cultura umanistica, l'arte era in profonda crisi. Rafforzò le tendenze antirinascimentali, incarnate nel manierismo. Il Manierismo quasi non influenzò però Venezia, che nella seconda metà del Cinquecento divenne il centro principale dell'arte del Tardo Rinascimento. In linea con l'alta tradizione umanistica rinascimentale nelle nuove condizioni storiche di Venezia, si sviluppò l'opera dei grandi maestri del tardo Rinascimento, arricchita di nuove forme: Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

L'opera dell'architetto del nord Italia Andrea Palladio (1508-80), basata su uno studio approfondito dell'architettura antica e rinascimentale, è uno dei massimi capolavori dell'arte del tardo Rinascimento. Palladio sviluppò i principi dell'architettura, che furono sviluppati nell'architettura del classicismo europeo dei secoli XVII-XVIII. e ricevette il nome di Palladianesimo. L'architetto ha delineato le sue idee nell'opera teorica Quattro libri sull'architettura (1570). Gli edifici del Palladio (principalmente palazzi e ville urbane) sono pieni di aggraziata bellezza e naturalezza, armoniosa completezza e rigoroso ordine, si distinguono per chiarezza e convenienza progettuale e un organico legame con l'ambiente ( Palazzo Chiericati). La capacità di connettere armoniosamente l'architettura con il paesaggio circostante si è manifestata con particolare forza nelle ville palladiane, intrise di un senso della natura elegiaco e illuminato e segnate dalla classica chiarezza e semplicità delle forme e della composizione ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio realizzò il primo edificio teatrale monumentale in Italia, il Teatro Olimpico. L'influenza del Palladio sullo sviluppo dell'architettura nei secoli successivi fu enorme.

Veronese e Tintoretto..

La natura festosa e vivificante del Rinascimento veneziano si manifestava più chiaramente nell'opera di Paolo Veronese. Artista monumentale, ha creato magnifici complessi decorativi di dipinti su pareti e soffitti con molti personaggi e dettagli divertenti. Veronese ha creato il suo stile: i suoi dipinti spettacolari e spettacolari sono pieni di emozioni, passione e vita, e gli eroi, la nobiltà veneziana, si trovano solitamente in palazzi patrizi o sullo sfondo di una natura lussureggiante. Si lasciano trascinare da grandiose feste o incantevoli feste (“Matrimonio di Cana”). Veronese fu il maestro dell'allegra Venezia, dei suoi trionfi, il poeta del suo splendore dorato. Veronese aveva un dono eccezionale come colorista. I suoi colori sono permeati di luce, intensi e non solo conferiscono colore agli oggetti, ma si trasformano essi stessi in un oggetto, trasformandosi in nuvole, tessuto, un corpo umano. Per questo motivo, la vera bellezza di figure e oggetti si moltiplica per la bellezza del colore e della trama, che produce un forte impatto emotivo sullo spettatore.

L'esatto opposto del Veronese fu il suo contemporaneo Tintoretto (1518-94), l'ultimo grande maestro del Rinascimento italiano. L'abbondanza di influenze artistiche esterne si dissolse nell'individualità creativa unica di Tintoretto. Nella sua opera era una figura gigantesca, creatore di temperamento vulcanico, passioni violente e intensità eroica. Il suo lavoro ebbe un enorme successo sia tra i contemporanei che tra le generazioni successive. Tintoretto si distingueva per una capacità di lavorare davvero disumana, di ricerca instancabile. Ha sentito la tragedia del suo tempo in modo più acuto e profondo della maggior parte dei suoi contemporanei. Il maestro si ribellò alle tradizioni consolidate nelle arti visive: l'osservanza della simmetria, il rigoroso equilibrio, la statica; ha ampliato i confini dello spazio, lo ha saturato di dinamiche, azioni drammatiche, ha iniziato a esprimere i sentimenti umani in modo più vivido. 1590 . L'arte del Manierismo si discosta dagli ideali rinascimentali della percezione armoniosa del mondo. L'uomo è in balia di forze soprannaturali. Il mondo appare instabile, traballante, in uno stato di degrado. Le immagini manieristiche sono piene di ansia, irrequietezza, tensione. L'artista si allontana dalla natura, si sforza di superarla, seguendo nel suo lavoro un'"idea interiore" soggettiva, la cui base non è il mondo reale, ma l'immaginazione creativa; il mezzo di esecuzione è la "bella maniera" come somma di certe tecniche. Tra questi ci sono l'allungamento arbitrario delle figure, il complesso ritmo serpentino, l'irrealtà dello spazio e della luce fantastici e talvolta i colori freddi e penetranti.

Jacopo Pontormo (1494-1556) fu il più grande e dotato maestro del manierismo, pittore dal complesso destino creativo. Nel suo famoso dipinto Discesa dalla Croce» la composizione è instabile, le figure sono pretenziosamente spezzate, i colori chiari sono nitidi. Francesco Mazzola, soprannominato Parmigianino (1503-40) amava stupire lo spettatore: scrisse ad esempio il suo " Autoritratto in uno specchio convesso". La deliberata deliberazione contraddistingue il suo famoso dipinto " Madonna dal collo lungo ».

Il pittore di corte mediceo Agnolo Bronzino (1503-72) è noto per i suoi ritratti cerimoniali. Riecheggiavano l'era delle sanguinose atrocità e del declino morale che attanagliava i più alti circoli della società italiana. I nobili clienti del Bronzino sono, per così dire, separati dallo spettatore da una distanza invisibile; la rigidità delle loro pose, l'impassibilità dei loro volti, la ricchezza dei loro vestiti, i gesti delle loro belle mani anteriori: tutto questo è come un guscio esterno che nasconde una vita interiore imperfetta. Nel ritratto di Eleonora di Toledo con suo figlio (1545 circa), l'inaccessibilità dell'immagine fredda e distaccata è rafforzata dal fatto che l'attenzione dello spettatore è completamente assorbita dal grande motivo piatto dei magnifici abiti di broccato della duchessa. Il tipo di ritratto di corte creato dai manieristi influenzò l'arte ritrattistica dei secoli XVI-XVII. in molti altri paesi europei.

L'arte del Manierismo era di transizione: il Rinascimento stava svanendo nel passato, era giunto il momento di un nuovo stile artistico tutto europeo: il barocco.

Arte del Rinascimento settentrionale.

I paesi del Nord Europa non hanno avuto il loro antico passato, ma nella loro storia spicca il periodo rinascimentale: dalla svoltaXV – XVIper il secondo tempoXVIIsecolo. Questa volta si distingue per la penetrazione degli ideali rinascimentali nelle varie sfere della cultura e il graduale cambiamento del suo stile. Come nella culla del Rinascimento, nell'arte del Rinascimento settentrionale, l'interesse per il mondo reale ha cambiato le forme della creatività artistica. Tuttavia, l'arte dei paesi del nord non è stata caratterizzata dal pathos della pittura italiana, glorificando il potere dell'uomo-titano. I borghesi (i cosiddetti cittadini ricchi) apprezzavano maggiormente l'integrità, la fedeltà al dovere e alla parola, la santità del voto matrimoniale e il focolare. Nei circoli borghesi, si stava sviluppando il loro ideale di persona: una persona chiara, sobria, pia e professionale. L'arte dei borghesi poeticizza la persona media ordinaria e il suo mondo: il mondo della vita quotidiana e delle cose semplici.

Maestri del Rinascimento nei Paesi Bassi.

Le novità dell'arte rinascimentale sono apparse principalmente nei Paesi Bassi, uno dei paesi più ricchi e industrializzati d'Europa. A causa dei suoi vasti collegamenti internazionali, i Paesi Bassi hanno adottato nuove scoperte molto più velocemente di altri paesi nordici.

Inaugurato lo stile rinascimentale nei Paesi Bassi Jan Van Eyck(1390-1441). La sua opera più famosa è Pala d'altare di Gand, su cui l'artista ha iniziato a lavorare con suo fratello, e ha continuato a lavorare da solo dopo la sua morte per altri 6 anni. L'altare di Gand, realizzato per la cattedrale della città, è un ovile a due livelli, su 12 tavole di cui sono raffigurate immagini della vita quotidiana, quotidiana (sulle tavole esterne, che erano visibili quando l'ovile era chiuso) e festosa, esultante, vita trasfigurata (sulle porte interne, che apparivano aperte durante le feste religiose). Questo è un monumento d'arte, che glorifica la bellezza della vita terrena. La sensazione emotiva di Van Eyck - "il mondo è come un paradiso", ogni particella del quale è bella - è espressa in modo chiaro e chiaro. L'artista ha fatto affidamento su molte osservazioni della natura. Tutte le figure e gli oggetti hanno volume e peso tridimensionali. I fratelli Van Eyck furono tra i primi a scoprire le possibilità della pittura a olio; da questo momento inizia il graduale spostamento della tempera da parte di essa.

Nella seconda metà di XVsecolo, pieno di conflitti politici e religiosi, nell'arte dei Paesi Bassi spicca un'arte complessa e peculiare Hieronymus Bosch(1450?-1516). Questo è un artista molto curioso con una straordinaria immaginazione. Viveva nel suo stesso e terribile mondo. Nei dipinti di Bosch c'è un condensato di rappresentazioni folcloristiche medievali, montaggi grotteschi del vivente e del meccanico, del terribile e del comico. Nelle sue composizioni, che non avevano un centro, non c'è un personaggio principale. Lo spazio in più strati è riempito da numerosi gruppi di figure e oggetti: rettili mostruosamente esagerati, rospi, ragni, creature terribili, in cui si combinano parti di diverse creature e oggetti. Lo scopo delle composizioni di Bosch è l'edificazione morale. Bosch non trova armonia e perfezione nella natura, le sue immagini demoniache ricordano la vitalità e l'onnipresenza del male del mondo, del ciclo della vita e della morte.

L'uomo nei dipinti di Bosch è patetico e debole. Quindi, nel trittico Trasporto di fieno» l'artista svela la storia dell'umanità. L'ala sinistra racconta la storia della caduta di Adamo ed Eva, quella di destra raffigura l'Inferno e tutti gli orrori che qui attendono i peccatori. La parte centrale dell'immagine illustra il proverbio popolare "Il mondo è un pagliaio, ognuno ne prende ciò che riesce ad afferrare". Bosch mostra come le persone combattono per un pezzo di fieno, muoiono sotto le ruote di un carro, cercano di arrampicarcisi sopra. In cima al carro, rinunciando al mondo, gli innamorati cantano e si baciano. Da una parte c'è un angelo e dall'altra il diavolo: chi vincerà? Creature inquietanti trascinano il carro negli inferi. Dietro tutte le azioni delle persone, Dio guarda con stupore. Uno stato d'animo ancora più cupo è intriso dell'immagine " Portare la Croce”: Cristo porta la sua croce pesante, circondato da persone disgustose con occhi sporgenti e bocche spalancate. Per loro il Signore si sacrifica, ma la sua morte in croce li lascerà indifferenti.

Bosch era già morto quando nacque un altro famoso artista olandese - Pieter Brueghel il Vecchio(1525-1569), soprannominato Muzhitsky per molti dipinti raffiguranti la vita dei contadini. Brueghel ha preso i proverbi popolari e le preoccupazioni quotidiane della gente comune come base per molte trame. La completezza delle immagini dei dipinti" matrimonio contadino" e " danza contadina"porta il potere degli elementi del popolo. Anche i dipinti di Brueghel su scene bibliche sono abitati dai Paesi Bassi e gli eventi della lontana Giudea si svolgono sullo sfondo di strade innevate sotto il cielo fioco del suo paese natale (“ Sermone di Giovanni Battista"). Mostrando apparentemente insignificante, minore, l'artista parla della cosa principale nella vita delle persone, ricrea lo spirito del suo tempo.

Una piccola tela Cacciatori nella neve” (gennaio) della serie “Le stagioni” è considerato uno dei capolavori insuperabili della pittura mondiale. I cacciatori stanchi con i cani tornano a casa. Insieme a loro, lo spettatore entra nella collina, da cui si apre il panorama di una piccola città. Rive del fiume innevate, alberi spinosi congelati nell'aria limpida e gelida, gli uccelli volano, si siedono sui rami degli alberi e sui tetti delle case, le persone sono impegnate nelle loro attività quotidiane. Tutte queste apparentemente sciocchezze, insieme al blu del cielo, agli alberi neri, al bianco della neve, creano nella foto un panorama del mondo che l'artista ama appassionatamente.

Il dipinto più tragico di Brueghel Parabola dei ciechi"Scritto dall'artista poco prima della sua morte. Illustra la storia del Vangelo "se i ciechi guidano i ciechi, allora entrambi cadranno nella fossa". Forse questa è un'immagine dell'umanità, accecata dai suoi desideri, in cammino verso la sua morte. Tuttavia, Brueghel non giudica, ma, comprendendo le leggi del rapporto delle persone tra loro, con l'ambiente, penetrando nell'essenza della natura umana, rivela alle persone stesse il loro posto nel mondo.

La pittura in Germania durante il Rinascimento.

Le caratteristiche del Rinascimento nell'arte della Germania compaiono più tardi che nei Paesi Bassi. Il periodo d'oro dell'umanesimo, delle scienze secolari e della cultura tedesca cade nei primi anniXVIv. Fu un breve periodo durante il quale la cultura tedesca diede al mondo il più alto valore artistico. Prima di tutto, dovrebbero includere le opere Albrecht Durer(1471-1528) - l'artista più importante del Rinascimento tedesco.

Durer è un tipico rappresentante del Rinascimento, fu pittore, incisore, matematico e ingegnere, scrisse trattati di fortificazione e teoria dell'arte. Sul autoritratti appare intelligente, nobile, concentrato, pieno di profonde riflessioni filosofiche. Nei dipinti, Dürer non si accontenta della bellezza formale, ma cerca di dare un'espressione simbolica di pensieri astratti.

Un posto speciale nell'eredità creativa di Dürer spetta alla serie Apocalypse, che comprende 15 grandi xilografie. Dürer illustra le predizioni dell'"Apocalisse di Giovanni il Teologo", ad esempio il foglio " quattro cavalieri"simboleggia terribili disastri: guerra, pestilenza, carestia, giudizio ingiusto. Il presagio di cambiamento, dure prove e disastri, espresso nelle incisioni, si rivelò profetico (presto iniziarono la Riforma e le guerre contadine e religiose che la seguirono).

Un altro grande artista di quel tempo era Lucas Cranach il Vecchio(1472-1553). L'Eremo ospita i suoi dipinti Madonna col Bambino sotto il melo" e " Ritratto femminile". In essi vediamo il volto di una donna, catturato in molti dipinti del maestro (viene addirittura chiamato "Cranach"): un piccolo mento, una stretta fessura di occhi, capelli dorati. L'artista scrive con cura gioielli e vestiti, i suoi dipinti sono una gioia per gli occhi. La purezza e l'ingenuità delle immagini ancora una volta ti fanno scrutare in questi dipinti. Cranach è stato un meraviglioso ritrattista, ha creato immagini di molti famosi contemporanei: Martin Lutero (che era suo amico), il duca Enrico di Sassonia e molti altri.

Ma il ritrattista più famoso del Rinascimento settentrionale può essere senza dubbio riconosciuto come un altro pittore tedesco. Hans Holbein il Giovane(1497-1543). Per lungo tempo fu pittore di corte del re d'Inghilterra EnricoVIII. Nel suo ritratto, Holbein esprime perfettamente la natura imperiosa del re, che non ha familiarità con il dubbio. Piccoli occhi intelligenti su un viso carnoso tradiscono in lui un tiranno. Ritratto di Heinrich VIII era così affidabile da spaventare le persone che conoscevano il re. Holbein dipinse ritratti di molti personaggi famosi dell'epoca, in particolare lo statista e scrittore Thomas More, il filosofo Erasmo da Rotterdam e molti altri.

Lo sviluppo della cultura rinascimentale in Germania, nei Paesi Bassi e in alcuni altri paesi europei fu interrotto dalla Riforma e dalle guerre di religione che ne seguirono. In seguito, venne il momento per la formazione di nuovi principi nell'arte, che entrarono nella fase successiva del suo sviluppo.

introduzione

Il Rinascimento è uno dei periodi più luminosi nella storia dello sviluppo della cultura europea.

Rinascimento - un'intera era culturale nel processo di transizione dal Medioevo al nuovo tempo, durante il quale ha avuto luogo uno sconvolgimento culturale (una svolta, un cambiamento). I cambiamenti fondamentali sono associati allo sradicamento dell'antica visione del mondo mitologica cristiana. Nonostante l'origine del termine "Rinascimento", in senso stretto, non c'era e non poteva esserci una rinascita dell'antichità. L'uomo non può tornare al suo passato. Il Rinascimento, utilizzando le lezioni dell'antichità, introdusse innovazioni. Non ha riportato in vita tutti i generi antichi, ma solo quelli in sintonia con le aspirazioni del suo tempo e della sua cultura. Il Rinascimento unì una nuova lettura dell'antichità con una nuova lettura del cristianesimo. Il Rinascimento ha avvicinato questi due principi fondamentali della cultura europea.

Origini del Rinascimento

Il concetto di "Rinascimento" è sfaccettato. Coloro che ne hanno discusso non sono giunti a un'opinione comune. Alcuni lo considerano "paganesimo", "anticristianesimo", mentre altri, al contrario, vi vedono elementi cristiano-cattolici, cercando le sue radici nella cultura cristiana. L'atteggiamento verso questo problema rivela la visione del mondo degli stessi ricercatori. Il significato anticristiano nella cultura del Rinascimento è investito da coloro che identificano il cristianesimo con l'ascesi e la negazione del mondo.

Tra le definizioni del fenomeno culturale del Rinascimento non ce n'è una universalmente riconosciuta. Critici d'arte, storici, pensatori, scrittori offrono le loro spiegazioni per questo fenomeno, prestando attenzione a varie caratteristiche. Se raggruppiamo molte delle caratteristiche più comuni, possiamo comprendere il significato culturale del Rinascimento come:

Il fiorire della cultura;

Rivoluzione nella cultura;

Fase culturale di transizione;

Restauro dell'antichità.
Ciascuno di questi segni può manifestarsi indipendentemente dal Rinascimento, ma solo il loro complesso costituisce una fase qualitativamente nuova della cultura. Rinascimento europeo - un periodo di potente fioritura culturale e restauro di molte tradizioni culturali dell'antichità greco-romana; una decisa ristrutturazione culturale e una tappa di transizione verso un nuovo tempo nella storia della civiltà europea.

Il periodo di massimo splendore è caratterizzato dalla maggiore energia dell'attività culturale, dalla creazione e dall'attuazione di nuovi incentivi per la creatività culturale. In questo senso, il Rinascimento può essere paragonato nella storia della cultura mondiale al "miracolo greco" dell'VIII-V secolo. AVANTI CRISTO. Il confronto si basa su:

La particolare intensità della vita culturale, l'esistenza di molti dei suoi centri;

Varietà di manifestazioni di creatività, libertà creativa;

Combinazione di vitalità ed estetica;

Eccesso di energia spirituale;

Una straordinaria concentrazione su un piccolo intervallo spazio-temporale di grandi persone, universalmente dotate, che hanno scelto nuove strade di creatività. I nomi di Petrarca, Boccaccio, Brunelleschi, Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo possono essere proclamati simboli della cultura rinascimentale.

BASI DEL RINASCIMENTO
CULTURE

La cosa principale nel Rinascimento è la promozione e l'affermazione della personalità umana nella cultura e nella società, che si traduce in varie forme di antropocentrismo revivalistico.

È in essa che si formano le fondamenta del Nuovo Europeo
sentimenti di una personalità - una personalità individualistica autonoma, consapevole del proprio valore, attiva e bisognosa di libertà. Da questo momento la personalità umana, e non il mondo, non il tutto, diventa per la prima volta il punto di partenza per la formazione di un sistema di percezione del mondo. Questa grandiosa svolta culturale avviene proprio nel Rinascimento: un nuovo modo di vedere il mondo si sta formando in Italia nella prima metà del XV secolo. C'è un'affermazione della personalità umana nella cultura. Per la prima volta c'è stato un isolamento di questa personalità, la sua separazione dal mondo.

Di conseguenza, ci fu una disintegrazione del mondo intero in cose individualizzate separate che iniziarono a chiudersi su se stesse. Tuttavia, nel Rinascimento questo processo non era ancora completato, essendo limitato principalmente all'uomo e molto meno diffuso ad altre cose nel mondo.

Il risultato è stato il movimento di una persona al centro del mondo materiale, che gradualmente cresce e oscura il mondo celeste e, di conseguenza, il mondo materiale viene portato in primo piano e la persona stessa diventa una forza creativa attiva in esso. L'antropocentrismo nella prima metà del XV secolo. portato alla ribalta non solo una persona, ma una persona come principio attivo, attivo.

A questo proposito si poneva nettamente il problema della dignità della persona, che si afferma nel suo quadro in maniera del tutto intransigente proprio sul piano materiale. Uno dei principali valori del revival era il concetto di "gloria" come obiettivo verso il quale una persona dovrebbe muoversi.

Come risultato di tutta questa affermazione di un principio materiale creativo e attivo, iniziò gradualmente ad emergere una nuova immagine di una persona, un nuovo tipo di lui - "homofaber" - "creatore di uomini", "creatore di uomini", "uomo -produttore”, la cui essenza è sfociata infine in una formula aforistica capiente: “l'uomo è il fabbro della propria felicità”.

L'umanità ha una sua biografia: infanzia, adolescenza e maturità. L'epoca, che è chiamata Rinascimento, è molto probabilmente paragonabile al periodo dell'inizio della maturità con il suo intrinseco romanticismo, la ricerca dell'individualità, la lotta contro i pregiudizi del passato. Senza il Rinascimento non ci sarebbe la civiltà moderna. L'arte del Rinascimento è nata sulla base dell'umanesimo (dal lat. -
"umano") - una corrente del pensiero sociale che ebbe origine nel XIV secolo in Italia, e poi durante la seconda metà del XV-XVI secolo. diffondersi in altri paesi europei. Qualunque cosa
i principali tipi di arte - pittura, grafica, scultura, architettura - sono cambiati enormemente.

Nell'architettura furono stabiliti principi rivisti in modo creativo dell'antico sistema di ordini e si formarono nuovi tipi di edifici pubblici. La pittura si arricchisce di una prospettiva lineare e aerea, della conoscenza dell'anatomia e delle proporzioni del corpo umano. Il contenuto terreno è penetrato nei temi religiosi tradizionali delle opere d'arte. Maggiore interesse per la mitologia e la storia antica. scene di tutti i giorni, paesaggio, ritratto. Insieme ai dipinti murali monumentali che adornano le strutture architettoniche, è apparso un quadro, è nata la pittura ad olio.

L'arte non si è ancora completamente staccata dal mestiere, ma l'individualità creativa dell'artista, la cui attività in quel momento era estremamente diversificata, ha già preso il primo posto. Il talento universale dei maestri del Rinascimento è sorprendente: hanno spesso lavorato nel campo dell'architettura, della scultura, della pittura, hanno unito la loro passione per la letteratura.

poesia e filosofia con lo studio delle scienze esatte
Il concetto di una personalità creativamente ricca, o "personalità rinascimentale", divenne successivamente una parola familiare.

Nell'arte del Rinascimento, i percorsi di comprensione scientifica e artistica del mondo e dell'uomo erano strettamente intrecciati. Il suo significato conoscitivo era indissolubilmente legato alla sublime bellezza poetica; nella sua ricerca della naturalezza, non scendeva alla meschina quotidianità. L'arte è diventata un bisogno spirituale universale.

La formazione della cultura rinascimentale in Italia avvenne in città economicamente indipendenti. Nell'ascesa e fioritura dell'arte rinascimentale, la Chiesa e le magnifiche corti dei sovrani senza corona (famiglie facoltose regnanti) - i maggiori mecenati e committenti di opere di pittura, scultura e architettura - hanno svolto un ruolo importante.
I principali centri della cultura rinascimentale furono dapprima le città di Firenze, Siena, Pisa, poi Padova. Ferrara, Genova. Milano e poi, nella seconda metà del 1400, fu la ricca Venezia mercantile. Roma divenne la capitale del Rinascimento italiano nel XVI secolo. Da quel momento, centri d'arte locali. fatta eccezione per Venezia, hanno perso il loro antico significato.

PROTORENESSENZA

Nella cultura italiana dei secoli XIII-XIV. sullo sfondo delle tradizioni bizantine e gotiche ancora forti, iniziarono ad apparire le caratteristiche di una nuova arte: l'arte futura del Rinascimento. Pertanto, questo periodo della sua storia fu chiamato Proto-Rinascimento (cioè preparò l'offensiva del Rinascimento: da greco"protos" - "primo").

Non c'è stato un periodo di transizione simile in nessuno degli europei
Paesi. Nella stessa Italia esisteva solo l'arte protorinascimentale
in Toscana e Roma.

Nella cultura italiana i tratti del vecchio e del nuovo erano intrecciati. "L'ultimo poeta del medioevo" e primo poeta della nuova era, Dante Alighieri ha creato la lingua letteraria italiana. Ciò che Dante iniziò fu continuato da altri grandi fiorentini del XIV secolo: Francesco Petrarca (1304-1374), fondatore della poesia lirica europea, e Giovanni Boccaccio (1313-1375), fondatore del genere romanzo (racconto) nel mondo letteratura. L'orgoglio dell'epoca sono
architetti e scultori Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfodi Kam-
bio e pittore Giotto di Bondone.

ARCHITETTURA

L'architettura italiana segue da tempo le tradizioni medievali,
che si esprimeva principalmente nell'uso di molti motivi gotici.
Allo stesso tempo, lo stesso gotico italiano non assomigliava al gotico settentrionale: gravitava verso forme calme, grandi, anche leggere, orizzontali
articolazioni dell'architettura, ampie superfici delle pareti. La Chiesa di Santa Croce, una delle più grandi di Firenze, fu iniziata da Arnolfo di Cambio alla fine del XIII secolo. (la facciata è stata realizzata nel XIX secolo). Il tempio si distingue per ampie campate, un unico luminoso spazio interno, invece di complesse volte gotiche, utilizza un soffitto ligneo. Nel 1296 a
Firenze iniziò a costruire la Cattedrale di Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio volle coronare l'altare della cattedrale con un'enorme cupola. Tuttavia, dopo la morte dell'architetto nel 1310, la costruzione fu ritardata, fu completata solo nel primo Rinascimento. Nel 1334, su progetto di Giotto, si iniziò la costruzione del campanile della cattedrale, il cosiddetto campanile, slanciata torre rettangolare con divisioni orizzontali per piani e belle finestre gotiche, di forma ad arco a sesto acuto
che sono stati a lungo conservati nell'architettura italiana.

Tra i palazzi cittadini più famosi c'è il Palazzo della Signoria a Firenze. Si ritiene che sia stato costruito da Arnolfo di Cambio. Questo è un cubo pesante con una torre alta, rivestita di pietra grezza. Sulla facciata - finestre di diverse dimensioni, sul lato si trova un ingresso poco appariscente. L'edificio definisce l'aspetto del centro storico, invadendo la piazza con una mole ruvida. Il possente palazzo fungeva da simbolo dell'indipendenza di Firenze.

SCULTURA

Prima che nell'architettura e nella pittura, nuove ricerche artistiche si delineano nella scultura, e soprattutto nella scuola pisana, il cui capostipite fu Niccolò Pisano (circa 1220 - tra il 1278 e il 1284). La sua opera si sviluppò sotto l'influenza della tradizione antica, studiò senza dubbio la decorazione scultorea dei sarcofagi tardo romani e paleocristiani. Il pulpito marmoreo esagonale (1260), da lui realizzato per il battistero di Pisa, divenne un'eccezionale realizzazione della scultura rinascimentale e ne influenzò l'ulteriore formazione. Il pulpito, in marmo bianco, rosa-rosso e verde scuro, è un'intera struttura architettonica, facilmente visibile da tutti i lati.

Niccolò Pisano qui utilizzò trame e motivi tradizionali, ma il pulpito appartiene a una nuova era. Il principale risultato dello scultore è che lui gestito dare volume alle forme e
espressività, e ogni immagine ha potere corporeo. Le immagini di Pisano sono statiche, maestose e impassibili. La Madre di Dio ricorda la dea romana Giunone, un'allegoria della Forza nella forma di un atleta nudo: l'antico eroe Ercole.

Un posto speciale nella storia della scultura italiana tra la fine del XIII e l'inizio del XIV secolo. appartiene a Giovanni Pisano (1245 o 1250 - dopo il 1314). Allievo e assistente di Nicolò Pisano, divenne un maestro molto più famoso del famoso padre. Nelle opere di Giovanni c'erano molte cose nuove e insolite. Quasi coetaneo di Giotto, era l'esatto opposto della saggia moderazione del suo contemporaneo fiorentino.

I più famosi sono i pulpiti realizzati da Giovanni Pisano nel Duomo di Pisa e la Chiesa di Sant'Andrea a Pistoia, oltre a statue di santi, profeti, Madonne.

Rilievi complessi a più figure che decorano il pulpito della cattedrale
I Pisas e le chiese di Sant'Andrea a Pistoia sono in un turbinio di traffico. Le figure, avendo perso la calma delle immagini di Niccolò Pisano, sembrano sforzarsi di uscire dalla pietra. I loro gesti sono naturali, i loro volti sono espressivi. Particolarmente espressive sono scene drammatiche come la Crocifissione e la Strage degli Innocenti.

PRIMO RISVEGLIO

Nel XV secolo. l'arte d'Italia occupava una posizione dominante nella vita artistica d'Europa. A Firenze furono gettate le basi di una cultura umanistica secolare (cioè non ecclesiastica), che spinse Siena e Pisa in secondo piano. Firenze di quel tempo era chiamata “il fiore d'Italia, rivale della gloriosa città di Roma. da cui è scaturito e di cui imita la grandezza. Il potere politico qui apparteneva ai mercanti e
artigiani, alcune delle famiglie più ricche hanno avuto un'influenza speciale sugli affari della città. Hanno gareggiato costantemente tra loro. Questa lotta terminò alla fine del XIV secolo. vittoria della banca medicea. Il suo capo, Cosimo de' Medici, divenne il tacito sovrano di Firenze. Alla Corte di Cosimo
I Medici (e poi suo nipote Lorenzo, soprannominato il Magnifico) accorrevano scrittori, poeti, scienziati, architetti e artisti. In quell'epoca avvenne una vera rivoluzione nell'architettura. La vasta costruzione si è svolta a Firenze, cambiando il volto della città davanti ai nostri occhi.

ARCHITETTURA

Originario di Firenze fu Philippe Brunelleschi (1377-1446), il fondatore dell'architettura rinascimentale in Italia, uno dei creatori della teoria scientifica della prospettiva (costruì edifici sulla base di accurati calcoli matematici). Versatile dotato, ampiamente
di formazione umanistica, lavorò inizialmente come scultore e partecipò (ma non vinse) a un concorso nel 1401 per il miglior disegno di rilievi in ​​bronzo per le porte del battistero fiorentino. Il primo edificio del Brunelleschi è la cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze; questo è un esempio di una brillante soluzione plastica (spaziale) e ingegneristica. Brunelleschi dovette bloccare l'enorme campata della cupola (diametro della base quarantadue metri) senza erigere impalcature. L'architetto inventò un progetto insolitamente complesso per il suo tempo: una leggera cupola cava aveva un doppio guscio e una cornice di otto nervature,
che erano circondati da anelli. La grandiosa cupola, ricoperta di tegole rosso scuro, legata da robuste nervature bianche e coronata da un elegante lucernario in marmo bianco, svetta solenne sulla città come un'immagine maestosa di Firenze. Il grande architetto italiano Leon Battista Alberti, dedicando al Brunelleschi il suo trattato sulla pittura, scrisse che questo "grande edificio che sale al cielo adombra tutte le terre toscane". La creazione del Brunelleschi è antesignana di numerosi templi a cupola in Italia e in altri paesi europei.

Brunelleschi iniziò la creazione di un tempio a cupola
base dell'antico ordine. Nel 1421-1428. fece costruire la cappella laterale della Chiesa di San Lorenzo a Firenze. I principi architettonici utilizzati dal Brunelleschi in questo edificio furono ulteriormente sviluppati nella sua famosa Cappella dei Pazzi (1429-1443), vera perla del primo Rinascimento. Situato nel profondo
angusto cortile della Chiesa di Santa Croce, la cappella della ricca famiglia fiorentina dei Pazzi accoglie il grazioso porticato in ingresso a sei colonne con ampia apertura ad arco centrale. Secondo recenti dati archivistici, il portico eretto dal Brunelleschi è stato successivamente ricostruito. Tuttavia, è difficile presumere che la nuova struttura non riflettesse il figurativo generale
idea di un grande architetto. La stessa Cappella dei Pazzi, inondata di luce, è piccola, a pianta rettangolare e affascina per la bellezza delle proporzioni, l'equilibrio delle parti e la purezza delle linee. I piani delle pareti grigio perla sembrano essere rivestiti da strisce di aste architettoniche di pietra grigio scuro, rettangoli, cerchi, archi di archi. La decorazione delle pareti è percepita come un elemento architettonico, dando l'impressione di leggerezza e spiritualità.

Nei primi anni '30. 15 ° secolo Brunelleschi, insieme al suo amico,
scultore Donatello. ha visitato Roma. Nelle prime fasi di
nascita, conoscenza della società italiana con la cultura antica
avvenne grazie allo studio dei monumenti architettonici sopravvissuti dell'antichità e dei manoscritti scoperti: furono raccolti, studiati e copiati. Durante il viaggio Brunelleschi e Donatello parteciparono a scavi, misurarono, esaminarono e classificarono monumenti antichi. L'influenza dei classici romani si rifletteva nei successivi grandi edifici del Brunelleschi: le chiese fiorentine di San Lorenzo (1442-1444) e Santo Spirito (iniziate da lui nel 1444; completate dopo la sua morte nel 1487.

Creazione di un nuovo tipo di palazzi cittadini, che serviva da modello
per gli edifici pubblici di epoche successive, divenne uno dei compiti principali dell'architettura italiana del Quattrocento.

SCULTURA

Nel XV secolo. La scultura italiana fiorì. Ha acquisito
indipendente, indipendente dal significato dell'architettura, in essa apparvero nuovi generi. La pratica della vita artistica iniziò a comprendere ordini di ricchi mercanti e artigiani per decorare edifici pubblici; i concorsi d'arte acquisirono il carattere di ampi eventi pubblici. L'evento che
apre un nuovo periodo nello sviluppo della scultura rinascimentale italiana, si ritiene che il concorso indetto nel 1401 per la fabbricazione di
bronzi delle seconde porte settentrionali del battistero fiorentino. Tra i partecipanti al concorso c'erano giovani maestri - Philippe Brunelleschi e Lorenzo Ghiberti (circa 1381-1455).

Il geniale disegnatore Ghiberti ha vinto il concorso. Una delle persone più istruite del suo tempo, il primo storico dell'arte italiana, Ghiberti, nel cui lavoro la cosa principale era l'equilibrio e l'armonia di tutti gli elementi dell'immagine, dedicò la sua vita a un tipo di scultura: il rilievo. La sua ricerca ha raggiunto l'apice
nella fabbricazione delle porte orientali del battistero fiorentino (1425-1452), che Michelangelo chiamò le "Porte del Paradiso". le dieci composizioni quadrate in bronzo dorato che le fanno trasmettere la profondità dello spazio in cui si fondono figure, natura e architettura. Ricordano dipinti espressivi pittoreschi. La bottega di Ghiberti è diventata una vera e propria scuola per un'intera generazione di artisti. Nella sua bottega lavora come assistente il giovane Donatello, il grande riformatore della scultura italiana.

Donato diNiccolodiBettoBardi, detto Donatello
(circa 1586-1466), nacque a Firenze nella famiglia di un pettinatore
lana. Ha lavorato a Firenze. Siena, Roma, Padova. Tuttavia, l'enorme fama non ha cambiato il suo modo di vivere semplice. Si diceva che il disinteressato Donatello appendesse una borsa con del denaro alla porta della sua officina, e che i suoi amici e studenti prendessero dalla borsa quanto avevano bisogno.

Da un lato, Donatello desiderava la verità della vita nell'arte. D'altra parte, ha dato alle sue opere i tratti di un sublime eroismo. Queste qualità apparivano già nelle prime opere del maestro - statue di santi destinate alle nicchie esterne delle facciate della Chiesa di Or San Michele a Firenze, e i profeti dell'Antico Testamento del campanile fiorentino. Le statue erano in nicchie, ma hanno subito attirato l'attenzione con l'espressività dura e la forza interiore delle immagini.
Particolarmente famoso è "San Giorgio" (1416) - un giovane guerriero con uno scudo
volume in mano. Ha uno sguardo concentrato e profondo; sta fermo
terra con le gambe divaricate. Nelle statue dei profeti c'è soprattutto Donatello
sottolineava con forza i loro tratti caratteristici, a volte rozzi, sfavorevoli
dipinto, anche brutto, ma vivo e naturale. I profeti di Donatello Geremia e Abacuc sono nature complete e spiritualmente ricche. I loro
figure forti sono nascoste da pesanti pieghe di mantelli. La vita ha solcato il viso sbiadito di Avvakum con profonde rughe;
pelato, per il quale a Firenze era soprannominato Zuccone.

Nel 1430 Donatello creò "David" - la prima statua di nudo in
Scultura italiana del Rinascimento. La statua era destinata ad una fontana nel cortile di Palazzo Medici. Il pastore biblico, vincitore del gigante Golia, è una delle immagini preferite del Rinascimento. Raffigurando il suo corpo giovanile, Donatello procedeva senza dubbio da campioni antichi, ma li rielaborava secondo lo spirito del suo tempo. David premuroso e calmo con un cappello da pastore che lo fa ombra
faccia, calpestando con il piede la testa di Golia e come se non fosse consapevole dell'impresa che aveva ancora compiuto.

Un viaggio a Roma con Brunelleschi ampliò notevolmente le possibilità artistiche di Donatello, il suo lavoro si arricchì di nuove immagini e tecniche, che influirono sull'influenza dell'antichità.
Un nuovo periodo è iniziato nel lavoro del maestro. Nel 1433 completò il pulpito marmoreo del duomo fiorentino. L'intero campo del pulpito è occupato da una gioiosa danza rotonda di ballerini putti - qualcosa come antichi amorini
e insieme angeli medievali in forma di fanciulli nudi,
a volte alato, raffigurato in movimento. Questo è un motivo preferito nella scultura del Rinascimento italiano, che poi si è diffuso
arte dei secoli XVII-XVIII.

Per quasi dieci anni Donatello ha lavorato a Padova, l'antica città universitaria, uno dei centri di cultura umanistica, la patria
profondamente venerato nella Chiesa Cattolica di Sant'Antonio da Padova. Per la cattedrale cittadina dedicata a Sant'Antonio, Donatello completò nel 1446-1450. un enorme altare scolpito con molte statue e rilievi. Il posto centrale sotto il baldacchino era occupato dalla statua della Madonna col Bambino, ai lati della quale si trovavano sei statue di santi. Alla fine del XVI sec. l'altare fu demolito. Solo una parte di esso è sopravvissuta fino ad oggi, e ora è difficile immaginare come fosse originariamente.

Quattro rilievi d'altare esistenti raffiguranti le gesta miracolose di Sant'Antonio permettono di apprezzare le insolite tecniche utilizzate dal maestro. Questo è un tipo di appartamento, come se fosse appiattito
sollievo. Le scene affollate sono presentate in un unico movimento in un'ambientazione di vita reale. Sullo sfondo sono grandi città
edifici e portici. Attraverso il trasferimento della prospettiva, sorge l'impressione della profondità dello spazio, come
nei dipinti.

Negli ultimi anni trascorsi a Firenze, Donatello visse una crisi spirituale, le sue immagini divennero sempre più drammatiche. Creò un complesso ed espressivo gruppo "Giuditta e Oloferne" (1456-1457); statua di "Maria Maddalena" (1454-1455)
nella forma di una vecchia decrepita, un eremita emaciato in una pelle di animale; rilievi per la chiesa di San Lorenzo, di umore tragico, già ultimati dai suoi allievi della bottega, e dai suoi amici e allievi presero dalla borsa quanto avevano bisogno.

Da un lato, Donatello desiderava la verità della vita nell'arte. D'altra parte, ha dato alle sue opere i tratti di un sublime eroismo.

LA PITTURA

Un posto speciale nella pittura del primo Rinascimento spetta a Sandro Botgicelli, contemporaneo di Leonardo da Vinci e del giovane Michelangelo.

Alessandro Filipepi, detto Botticelli (1445-1510), nacque a Firenze. Ha studiato pittura con Filippo Lippi, ha frequentato
bottega del famoso scultore e pittore Verrocchio, dove si riunì
Xia con Leonardo, che fu anche allievo del Verrocchio.

Il suo nome divenne noto grazie al dipinto "L'Adorazione dei Magi"

(1476), che attirò l'attenzione della famiglia Medici. Sul dipinto
furono raffigurate tre generazioni di questi sovrani senza corona di Firenze. Botticelli iniziò a lavorare alla corte dei Medici.

La squisita arte di Botticelli con elementi di stilizzazione, cioè la generalizzazione delle immagini con tecniche convenzionali - semplificazione di forma, colore e volume, riscosse un grande successo tra i fiorentini altamente istruiti. Nell'arte del Botticelli, a differenza della maggior parte dei maestri del primo Rinascimento, prevaleva l'esperienza personale del maestro. Eccezionalmente sensibile e sincero, l'artista ha attraversato un percorso difficile e tragico di ricerca creativa, da una percezione poetica del mondo in gioventù al doloroso pessimismo in età adulta.

I suoi famosi dipinti del periodo maturo "Primavera" (circa 1477-
1478) e La Nascita di Venere (1483-1484) si ispirano ai poemi dell'eminente umanista Angelo Poliziano, poeta di corte dei Medici. Il dipinto allegorico "La Primavera", scritto per decorare la Villa Medicea, è una delle opere più complesse di Botticelli.

Sullo sfondo del verde scuro di un fantastico giardino, figure flessibili e snelle appaiono come sagome aggraziate. Il prato fiorito sotto i loro piedi ricorda un tappeto luminoso. Nelle profondità della composizione, Venere in un vestito elegante si erge con malinconia pensosa. È circondata da un seguito d'obbligo: un amorino con un inchino aleggia sul suo capo, tre giovani grazie conducono una danza rotonda, una ninfa corre da un boschetto inseguita da un fauno. In primo piano è la primavera, o la dea Flora, in
una ghirlanda e un vestito intessuto di fiori marcia veloce e così facile,
che tocca a malapena terra a piedi nudi. Nell'angolo sinistro c'è la figura di un giovane, che di solito viene chiamato Mercurio. Il ritmo delle linee fluide
unisce la composizione in un unico insieme, crea una sofisticata armonia cromatica. L'artista applicò una tecnica che era arcaica per il suo tempo - la più fine sfumatura con l'oro di alcuni dettagli, tra cui - fiori, frutti, raggi, corone, motivi di tessuti. Le singole figure e i gruppi sono deliziose, in particolare le tre grazie danzanti. Conquista il fascino dei contorni delle loro figure, degli abiti, come se fossero tessuti dall'aria, dei movimenti delle mani, dei tocchi delle dita.
Permeata dal ritmo musicale della danza, dal tremore dei versi, l'immagine delle tre grazie glorifica la prossima primavera, celebrazione della natura e dei sentimenti umani. Ma nel dipinto di Botticelli si avverte una sfumatura di tristezza, un distacco freddo, caratteristico della sua arte. I personaggi sono egocentrici, internamente soli.

Più direttamente percepito è il dipinto "La nascita di Venere", che non è così fortemente associato a sfumature allegoriche. Questa è una delle creazioni più accattivanti della pittura mondiale. Il dipinto raffigura Venere, la dea dell'amore e della bellezza, che galleggia su una grande conchiglia. La "barca" viene portata a riva dal dio e dalla dea del vento, volando, intrecciata tra le loro braccia. Sulla riva, una ninfa attende Venere, che si affretta a gettare sulle spalle un leggero velo cremisi intessuto di fiori. Il maestro indora i capelli mossi dal vento di Venere, e questo conferisce al suo aspetto femminile qualcosa di soprannaturale. L'aspetto di una divinità lontana dalla realtà si riflette anche nella gamma di colori freddi, trasparenti e chiari.

Nella pittura del primo Rinascimento, tra i tanti volti - belli e quasi brutti, ma sempre significativi - sono immediatamente riconoscibili le immagini di donne, ragazze, ragazzi e bambini, appartenenti al pennello di Botticelli. Si distinguono non per la correttezza classica dei lineamenti, non per la bellezza, ma per il fascino della purezza senza peccato, dell'indifesa, della tristezza inespressa. L'immagine di Venere è la più alta incarnazione di questo ideale. Quattro secoli dopo, le persone scrutano i suoi lineamenti chiari e trovano qualcosa di eccitante in loro.
e attraente. Nei primi anni '90. XV secolo nell'opera del Botticelli si ebbe una svolta decisiva. Fu fortemente influenzato dalle prediche appassionate del monaco domenicano Savonarola, che denunciava il papato, l'aristocrazia, la cultura ricca e umanistica.

ALTO RISVEGLIO

L'Alto Rinascimento, che ha dato all'umanità grandi maestri come Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione, Tiziano, Bramante, copre un periodo relativamente breve, dalla fine del XV secolo. fino alla fine del secondo decennio del XVI sec. Solo a Venezia il fiorire dell'arte continuò fino alla metà del sec.

I cambiamenti fondamentali associati a eventi decisivi nella storia mondiale, i successi del pensiero scientifico avanzato, hanno ampliato all'infinito le idee delle persone sul mondo, non solo sulla terra, ma anche sul Cosmo. La percezione del mondo e della personalità umana sembrava allargata; nella creatività artistica, ciò si rifletteva non solo nella scala maestosa delle strutture architettoniche, dei monumenti, dei cicli solenni di affreschi e dei dipinti, ma anche nel loro contenuto, nell'espressività delle immagini. Il linguaggio pittorico, che, secondo la definizione di alcuni studiosi, nel primo Rinascimento poteva sembrare troppo "loquace", divenne generalizzato e trattenuto. L'arte dell'alto rinascimento è un processo artistico vivace e complesso, con sbalorditivi e luminosi aumenti e successive crisi.

LEONARDO DA VINCI

Nella storia dell'umanità non è facile trovarne un'altra altrettanto brillante
personalità come il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento Leonardo
da Vinci (1452-1519). La natura globale delle attività di questo grande artista e scienziato divenne chiara solo quando furono esaminati i manoscritti sparsi della sua eredità. La letteratura colossale è dedicata a Leonardo. la sua vita è stata studiata nei minimi dettagli. Tuttavia, molto nel suo lavoro rimane misterioso e continua ad eccitare le menti delle persone.

Tra le sue prime opere c'è il dipinto "Madonna con un fiore" (1472). A differenza dei maestri del XV secolo. Leonardo ha rifiutato la narrativa, l'uso di dettagli che distraggono l'attenzione dello spettatore, saturo di immagini di sfondo. L'immagine è percepita come una scena semplice e innocente della gioiosa maternità della giovane Maria. Due grandi figure riempiono l'intero spazio dell'immagine, solo fuori dalla finestra nel muro scuro puoi vedere un cielo azzurro e freddo. Viene catturato un momento specifico: la madre, lei stessa ancora una ragazza affettuosa e vivace, porge un fiore al suo bambino, sorridendo, e osserva come un bambino serio esamina attentamente un oggetto sconosciuto. Il fiore unisce le due figure.

Donatello e Il monumento di Verrocchio fu soprannominato il Grande Colosso.

I dipinti di Leonardo del periodo milanese sono sopravvissuti fino ai nostri giorni. La prima pala d'altare dell'Alto Rinascimento fu Madonna nella Grotta (1483-1494). Il pittore si discostava dalle tradizioni del XV secolo, nei cui dipinti religiosi prevaleva la rigidità solenne.Ci sono poche figure nella pala d'altare di Leonardo: la femminile Maria, il Cristo Bambino che benedice il piccolo Giovanni Battista e un angelo inginocchiato, come se guardasse fuori la foto. Le immagini sono perfettamente belle, naturalmente connesse con il loro ambiente. Si tratta di una specie di grotta tra scure rocce basaltiche con un varco nel fondo - paesaggio tipico di Leonardo: in generale, fantasticamente misterioso, ma in particolare - a immagine di ogni pianta, di ogni fiore tra l'erba fitta - realizzato con un accurato conoscenza delle forme naturali. Figure e volti sono avvolti da una foschia ariosa, conferendo loro una morbidezza speciale. Gli italiani chiamarono questa tecnica Leonardo sfumato.

A Milano, a quanto pare, il maestro realizzò la tela "Madonna col Bambino" ("Madonna Litta"). Qui, a differenza della Madonna con un Fiore, lui
cercava una maggiore generalizzazione e idealità dell'immagine. Descrive non un certo momento, ma una sorta di stato di calma gioia a lungo termine, in cui è immersa una giovane e bella donna, che allatta un bambino. Espressiva la chiarezza della composizione equilibrata con due finestre disposte simmetricamente, tra le quali è inscritta una silhouette vivace e flessibile di una semifigura femminile. Una luce fredda e chiara illumina il suo viso sottile e delicatamente scolpito e un sorriso leggero, appena percettibile. Il quadro è dipinto a tempera, dando sonorità ai toni del mantello azzurro e della veste rossa di Maria. I soffici capelli ricci dorati scuri del bambino sono scritti in modo sorprendente, il suo sguardo attento rivolto allo spettatore non è infantilmente serio.

Un diverso, drammatico stato d'animo contraddistingue il monumentale dipinto di Leonardo "L'ultima cena", da lui eseguito nel 1495-1497. commissionato da Lodovico Moro per la chiesa refettorio di Santa Mariadella Grazie a Milano. Il destino di questa celebre opera di Leonardo è tragico. Di più durante la vita del maestro, la vernice iniziò a sgretolarsi. Nell'HUL una porta fu sfondata nel muro del refettorio, che distrusse parte della composizione, e nel XVIII secolo. L'edificio è stato trasformato in un fienile. Restauri inefficaci hanno causato gravi danni all'affresco. V
Nel 1908 furono eseguiti lavori per ripulire e rafforzare il murale.
Durante la seconda guerra mondiale, il soffitto e la parete sud del refettorio furono distrutti da una bomba. Il restauro intrapreso nel 1945 salvò il dipinto da ulteriori distruzioni, i resti del dipinto di Leonardo furono identificati e messi in sicurezza. Tuttavia, ora si può formare solo l'idea più generale sulla grande creazione del maestro.

È impossibile immaginare che Leonardo da Vinci possa vivere e creare in un'altra epoca. Eppure la sua personalità ha trasceso il suo tempo, si è innalzato al di sopra di esso. L'opera di Leonardo prima di Vinci è inesauribile. La scala e l'unicità del suo talento possono essere giudicate dai disegni del maestro, che occupano uno dei posti d'onore nella storia dell'arte mondiale. Con i disegni di Leonardo da Vinci sono indissolubilmente legati schizzi, schizzi, diagrammi, non solo manoscritti dedicati alle scienze esatte, ma anche opere sulla teoria dell'arte.

L'arte di Leonardo da Vinci, la sua ricerca scientifica e teorica, l'unicità della sua personalità hanno attraversato l'intera storia della cultura mondiale e su di essa hanno avuto un enorme impatto.

L'idea di sublime bellezza e armonia è associata all'opera di Raffaello (1483-1520) nella storia dell'arte mondiale.
È generalmente accettato che nella costellazione di brillanti maestri dell'Alto Rinascimento, in cui Leonardo personificava l'intelletto e Michelangelo personificava il potere, fosse Raffaello il principale portatore di armonia. Naturalmente, in un modo o nell'altro, ognuno di loro possedeva tutte queste qualità. Non c'è dubbio, tuttavia, che la ricerca incessante di un inizio luminoso e perfetto permea tutta l'opera di Raffaello e ne costituisce il significato interiore.

Rafael ha studiato inizialmente ad Urbino con il padre, poi con il locale
il famoso pittore Timoteo Vite. Nel 1500 si trasferì a Perugia, capoluogo dell'Umbria, per continuare la sua formazione nella bottega del famoso
esimo pittore, capo della scuola umbra Pietro Perugino. Il giovane maestro superò rapidamente il suo maestro.

L'immagine preferita di Raffaello è la Madonna col Bambino. Nella storia dell'arte, la "Madonna Sistina" è un'immagine di perfetta bellezza. Questo
un grande quadro d'altare raffigura non solo la Divina Madre
con il Divin Bambino, e il miracolo dell'apparizione della Regina Celeste,
zuppa al popolo di suo Figlio come sacrificio espiatorio. Incorniciato dal verde
Su nubi luminose sta Maria con il Bambino in braccio. Lo sguardo dei suoi occhi scuri e senza luce è diretto oltre e, per così dire, attraverso lo spettatore. Quello sguardo è disponibile. ciò che è nascosto agli altri. Nell'immagine di Cristo, un bambino grande e bello, si intuisce qualcosa che non è infantilmente teso e visionario. Qui l'artista ha raggiunto un raro equilibrio dinamico: apparente chiara semplicità, tratti di idealità astratta, la divinità di un miracolo e il peso reale delle forme si intrecciano, si completano e si arricchiscono a vicenda.
amico. A sinistra della Madonna, papa Sisto IV in tenerezza di preghiera
contempla un miracolo. Santa Barbara, abbassando riverentemente lo sguardo, che, come Maria, appartiene al cielo, si libra facilmente tra le nuvole. Due angeli, appoggiati al parapetto, alzano lo sguardo e riportano l'attenzione dell'osservatore sull'immagine centrale.

Michelangelo

Michelangelo Bounarroti (1475-1564) - il più grande maestro dell'Alto Rinascimento, che creò eccezionali opere di scultura, pittura, architettura. Michelangelo eseguì una colossale statua in marmo del David. La statua raggiunge i cinque metri e mezzo di altezza. Lei personifica il potere illimitato dell'uomo. David si sta solo preparando a colpire il nemico con una pietra lanciata da una fionda, ma si sente già che questo futuro un conquistatore, pieno di coscienza della sua forza fisica e spirituale. Il volto dell'eroe esprime una volontà irremovibile.

Realizzata per ordine della Repubblica Fiorentina, la statua fu collocata all'ingresso di Talazzo Vskchio. L'inaugurazione del monumento nel 1504 si trasformò in una festa nazionale. "David" ha decorato la piazza per più di tre secoli e mezzo. Nel 1873 il monumento fu collocato nella Galleria dell'Accademia di Belle Arti di Firenze. Nell'antico luogo dove lo stesso Michelangelo depose la statua, oggi si trova una copia in marmo.

IL SIGNIFICATO DELLA CULTURA
L'ETÀ DEL RINASCIMENTO

Così, nel tentativo di apprendere la cultura del Rinascimento, i segreti della sua arte, è necessario analizzare le tradizioni non solo dell'Italia, ma anche di altri paesi occidentali, perché solo una tale associazione, legata dalle stesse idee e viste, darà un quadro completo del Rinascimento.

Il significato rivoluzionario del Rinascimento è importante per tutti i tempi successivi, poiché fu durante questo periodo che furono poste le principali visioni umanistiche, il cui sviluppo è rilevante per tutta l'umanità oggi.

Nei periodi culminanti dello sviluppo della cultura, un esempio del quale è il Rinascimento, di regola si rivelano profonde contraddizioni, superando le quali sorgono nuove tradizioni e tecniche. E accanto alle rivendicazioni più rivoluzionarie nel campo del pensiero e della volontà, che hanno portato ai postulati più audaci nel campo della morale, della scienza e dell'arte, accanto all'audacia sconfinata nel distruggere il vecchio e nel creare il nuovo, dando talvolta l'impressione di qualcosa di molto moderno, le sopravvivenze di vecchie visioni.

E i pensieri più creativi e produttivi vengono messi alla prova proprio nel miglioramento e nello sviluppo di vecchie idee.

Il Rinascimento ha inaugurato un'era di un uomo completamente nuovo nella storia della civiltà europea. Ciò si rifletteva principalmente nella visione del mondo, nelle convinzioni, in tutte le aree dell'attività dell'individuo, nonché nella sfera dei suoi sentimenti ed emozioni. In quest'epoca volontà e azione si unirono, vecchio e nuovo, unendosi, diedero vita a idee, immagini e opere geniali; la perfezione della creatività di un individuo era significativa quanto le attività delle scuole e dei periodi. Pensatori umanisti, persone d'arte si sono dati compiti eroici e li hanno risolti con successo. Coloro che vedevano la soluzione di tutti i problemi nel miglioramento delle idee di organizzazione sociale, andarono alla morte e alla privazione per il bene comune dell'umanità e crearono le premesse per l'attività grandiosa delle generazioni successive.

Nel campo della filosofia e delle scienze (sia umanitarie che matematiche) si registra un significativo salto di sviluppo, caratterizzato da idee umanistiche, un nuovo sguardo sull'uomo e le sue capacità.

Nel campo dell'arte, i compiti di una persona sono stati lasciati in eredità al futuro in una forma fatiscente, poiché le tecniche e i principi di base ci sono chiari, ma come si ottiene l'impressione generale di un'opera è un mistero, soprattutto nel campo artistico raffigurazione di una persona, della sua bellezza e sublimità.

Fu questa era che diede all'umanità un numero enorme di personalità complete, titaniche e misteriose: Petrarca, Shakespeare, Giotto, Raffaello, Tiziano, Michelangelo, sono necessari secoli per comprendere la loro creatività e personalità umana.

L'antropocentrismo del Rinascimento si manifesta nuova colorazione semantica microcosmicità - che una persona trasforma nel macrocosmo in uno dei più vivo e forze attive. Pertanto, non dimenticare che il Rinascimento non è solo l'era di Leonardo e Michelangelo, ma anche l'epoca Paracelso(1493-1541) e Nostradamus (1503-1566).

Conclusione

Risultato principale e principale conquista Rinascimento - affermazione di una personalità umana attiva, il suo potenziale ottimistico e la sua creatività, che hanno portato a molte grandi conquiste dell'umanità, servizi, comfort e migliore qualità della vita - entro la fine del XV secolo. non concorda bene con i fondamenti tradizionali della cultura e della vita medievali, minaccia di trasformarsi in un forte conflitto con essa e in una rottura totale con l'insieme medievale.

Tutto ciò ha ulteriormente esacerbato le contraddizioni del Rinascimento, trasformandole in un acuto conflitto sia all'interno della personalità stessa del Rinascimento che tra gli strati culturali dell'epoca, ma allo stesso tempo, il Rinascimento è stato l'impulso per la creazione di una nuova cultura - la cultura del New Age.

Il Rinascimento è un periodo significativo nella storia dell'umanità. Questo è un momento di cambiamento nella coscienza delle persone, il passaggio dal dominio medievale del culto divino al desiderio di far rivivere antichi ideali, di concentrarsi sullo sviluppo di una persona come persona. Questo è un periodo di straordinaria ascesa della pittura. Questa epoca ci ha dato maestri come Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Santi e altri grandi artisti. Fino ad ora, persone da tutto il mondo vengono nelle gallerie per vedere i dipinti di questi eccezionali maestri. C'è anche un'impennata nella scienza, che è associata ai nomi di Nicolaus Copernicus, Giordano Bruno e Galileo Galilei.

Pittura e scienza del Rinascimento

Le principali idee del Rinascimento (umanesimo, antropocentrismo, volgersi all'antichità) trovarono la loro espressione nell'arte del Rinascimento (Rinascimento).

Le grandi scoperte geografiche hanno ampliato la comprensione del mondo da parte degli europei. C'erano prove della sfericità della Terra, della conoscenza di altre culture. Questa volta è caratterizzata dalla crescita delle città, dallo sviluppo delle manifatture. Tutto ciò ha contribuito allo sviluppo della scienza.

Eventi

Fine dei secoli XIII-XIV.- Proto-rinascimentale

15 ° secolo- Primo Rinascimento

Fine XV - inizio XVI secolo- Alto Rinascimento

Metà - seconda metà del XVI secolo.- Tardo Rinascimento

Caratteristiche

belle arti del Rinascimento:

Costruzione di una composizione tridimensionale (tridimensionalità)
. applicare la prospettiva lineare
. naturalismo, imitazione della natura. Interesse per l'anatomia umana
. cambiamento nella condizione dell'artista. L'artista cessa di essere un anonimo artigiano
. l'immagine pittorica sostituisce l'icona. C'è un appello agli oggetti esterni visibili dalla visione fisica (a differenza dell'icona, per la quale il significato invisibile, "nascosto" è fondamentale)
. compaiono generi profani, in particolare il ritratto
. appare rotonda (separata dal muro e destinata alla visione da tutti i lati) e scultura nuda

scienze del Rinascimento:

Sviluppo delle scienze umane
. sviluppo della matematica e delle scienze naturali
. passaggio dalla pura speculazione all'esperienza
. collegamento con la pratica (sviluppo della navigazione, cartografia, tecnologie varie)

Membri

Leonardo Da Vinci:

Sandro Botticelli:

Michelangelo Buanarroti:

Raffaele Santi:

Pieter Brueghel:

Albrecht Durer:

Lucas Cranach il Vecchio:

Conclusione

Cultura rinascimentale, originariamente formata in Italia, nel XVI secolo. diffuso in tutta Europa. Il passaggio al Rinascimento significò una nuova estetica, un nuovo sguardo sull'arte, sulla scienza e sull'uomo stesso. Le idee del Rinascimento hanno influenzato l'intera cultura europea dei tempi moderni.

In questa lezione parleremo di pittura e scienza del Rinascimento.

La fondazione del Rinascimento fu umanesimo. Questa tendenza ideologica ha portato l'essere umano alla ribalta. Antropocentrismo ( visione idealistica, secondo la quale l'uomo è il centro dell'universo e l'obiettivo di tutti gli eventi che hanno luogo nel mondo) si oppose teocentrismo ( concetto filosofico, che si basa sulla comprensione di Dio come essere assoluto, perfetto, supremo, fonte di ogni vita e di ogni bene) del Medioevo. Il centro del Rinascimento fu Italia.

Nello sviluppo dell'arte italiana del Rinascimento, ci sono più fasi:

Proto-rinascimentale (fine XIII-XIV secolo)

Primo Rinascimento (XV secolo)

Alto Rinascimento (fine XV - primo terzo del XVI secolo)

Tardo Rinascimento (metà e seconda metà del XVI secolo)

I primi artisti, precursori del Rinascimento, apparvero in Italia alla fine del XIII secolo. Durante la creazione di tele artistiche di temi religiosi tradizionali, hanno iniziato a utilizzare nuove tecniche artistiche: costruire una composizione tridimensionale, utilizzando un paesaggio sullo sfondo. Questo li distingueva nettamente dalla precedente tradizione iconografica, caratterizzata da convenzioni nell'immagine. Per riferirsi al loro lavoro, è consuetudine usare il termine - proto-rinascimentale.

Giotto di Bondone Pittore e architetto rinascimentale. Tra le prime opere di Giotto si segnalano gli affreschi della Chiesa Superiore di San Francesco, realizzati tra il 1290-1299. Poiché gli affreschi sono stati realizzati da un gruppo di maestri, è estremamente difficile determinare le opere autentiche di Giotto. Alcuni ricercatori generalmente negano la sua paternità. Intorno al 1310 fu affrescata la chiesa inferiore, al cui dipinto prese parte anche Giotto. Nel periodo dal 1304 al 1306. Giotto creò la sua opera più importante: il dipinto della cappella del Arena di Padova (Fig. 1). I murales disposti su tre livelli raccontano in ordine cronologico la vita di Maria e di Cristo. La soluzione del tema sotto forma di una serie di trame drammatiche, la semplicità delle situazioni, l'espressività plastica dei gesti e la leggera colorazione fanno dei murales un capolavoro della pittura protorinascimentale in Italia.

Riso. 1. Giotto di Bondone - dipinto della Cappella dell'Arena a Padova ()

Il periodo di massimo splendore della pittura rinascimentale cade nel primo quarto del XVI secolo. Questo periodo è chiamato Alto Rinascimento. tema principale la pittura del Rinascimento si fece uomo. Inoltre, la pittura di quest'epoca è caratterizzata dal desiderio di un'immagine naturalistica dell'originale, dall'interesse per l'anatomia umana, dall'aspetto di immagini di nudi, nonché dall'emergere e dalla diffusione di generi secolari: paesaggio, pittura quotidiana e ritratto. Anche nell'arte religiosa, il dipinto sostituisce l'icona.

Il più grande genio del Rinascimento fu Leonardo Da Vinci(Fig. 2) (1452-1519), conoscitore di anatomia e fisica, disegnatore e architetto, scultore e artista, musicista e scrittore. Divenne l'incarnazione dell'ideale umanistico di una personalità completamente sviluppata. Ha disegnato un sottomarino, un aereo e un paracadute. Tra le opere d'arte di Leonardo da Vinci, il più famoso ritratto della "Monna Lisa" o "La Gioconda" (Fig. 3). Questo ritratto è uno dei migliori esempi del genere ritrattistico dell'Alto Rinascimento. Ad oggi, il dipinto è dentro Louvre(Parigi, Francia). Ha anche guadagnato fama "Uomo vitruviano" (Fig. 4), disegno di Leonardo da Vinci. Oltre ai dipinti sono stati conservati alcuni grandiosi affreschi del maestro. Immagine "L'ultima Cena"(Fig. 5) ornava la parete di uno dei monasteri milanesi. Questo dipinto raffigura una leggenda secondo la quale, poco prima di morire, Gesù radunò i suoi discepoli e disse loro: "Uno di voi mi tradirà". L'immagine mostra gli studenti stupiti da queste parole. Rabbia, disperazione, paura e sfiducia sui loro volti. Solo Gesù è calmo e triste.

Riso. 2. Autoritratto di Leonardo da Vinci ()

Riso. 3. Leonardo da Vinci - Monna Lisa (Gioconda) ()

Riso. 4. Leonardo da Vinci - Uomo Vitruviano, Galleria dell'Accademia, Venezia ()

Riso. 5. Leonardo da Vinci - L'Ultima Cena ()

Michelangelo Buonarroti - coetaneo più giovane di Leonardo, pittore, scultore, ingegnere militare e poeta. L'ingegnosa creazione di Michelangelo come artista è Soffitto dipinto della Cappella Sistina in Vaticano(Fig. 6) raffigurante scene bibliche. Fu costruito dal 1508 al 1512. Su una superficie di 600 mq. m. l'artista, in piedi sull'impalcatura, dipinse centinaia di figure umane piene di dramma. La sezione principale del ciclo è composta da nove scene del libro della Genesi, il primo libro della Bibbia. I dipinti sono divisi in 3 gruppi. Il tema del primo gruppo di immagini è la creazione della Terra e del Cielo da parte di Dio, il secondo - la creazione di Adamo ed Eva, la caduta, la cacciata dal paradiso, il terzo - la sofferenza che colpì l'umanità attraverso la storia di Noè. La sequenza degli episodi è organizzata in modo tale che lo spettatore, entrando nella cappella, inizi a vedere le scene dalla parete dell'altare. Molti anni dopo, Michelangelo tornò a dipingere la Cappella Sistina, realizzando un grandioso affresco "Giudizio Universale"(Fig. 7).

Riso. 6. Michelangelo Buonarroti - soffitto dipinto della Cappella Sistina in Vaticano ()

Riso. 7. Michelangelo Buonarroti - Giudizio Universale ()

Raffaele Santi- il grande artista e architetto italiano dell'Alto Rinascimento, contemporaneo di Leonardo. Rafael ha svolto vari lavori. Per ordine del Papa dipinse camere e sale per un ricevimento solenne in Vaticano, progettato a Roma Cattedrale di San Paolo, si occupava di decorare gli interni di chiese e palazzi nobiliari. Un posto speciale nella sua pittura è occupato da immagini femminili. Madonna Sistina(Fig. 8) - fu scritto da Raffaello nel 1512-1513. per l'altare della chiesa del monastero di S. Sisto. Il dipinto fu commissionato da papa Giulio II in onore della vittoria sui francesi che invasero l'Italia. Il dipinto raffigura la Madonna col Bambino, circondata da papa Sisto II e Santa Barbara, oltre a due angeli sottostanti. Le figure formano un triangolo e le tende aperte sottolineano solo la costruzione geometrica della composizione. La bravura dell'artista sta anche nel fatto che lo sfondo, che a prima vista sembra essere delle nuvole, a un esame più attento risulta essere teste di angeli. Questo dipinto è attualmente in Galleria di Dresda in Germania.

Riso. 8. Raffaello Santi - Madonna Sistina ()

Rinascimento settentrionaleè un termine usato per descrivere il Rinascimento nel Nord Europa o in tutta Europa al di fuori dell'Italia. Nell'arte del Rinascimento settentrionale, il ruolo principale spetta alla pittura. A differenza dell'Italia, la pittura del Rinascimento settentrionale ha preservato a lungo le tradizioni dell'arte gotica, prestando meno attenzione all'eredità antica e allo studio dell'anatomia umana. Tra i principali pittori tedeschi del Rinascimento settentrionale - Lucas Cranach il Vecchio, la sua famosa opera è ritratto di Martin Lutero (Fig. 9). Anche tra gli eccezionali artisti tedeschi di quest'epoca c'è Albrecht Durer. Pittore poliedrico e massimo maestro dell'incisione, studiò la prospettiva ei canoni del corpo umano, cercando di comprendere le leggi della bellezza. La più famosa delle sue incisioni della serie "Apocalisse".

Riso. 9. Lucas Cranach il Vecchio - Ritratto di Martin Lutero ()

Il Rinascimento influenzò anche l'art Paesi Bassi, Spagna e Francia.

Le grandi scoperte geografiche ampliarono i confini delle terre esplorate, confermarono l'ipotesi della forma sferica del nostro pianeta e diedero nuove conoscenze su altre culture. La crescita delle città, lo sviluppo della produzione manifatturiera, il rafforzamento delle relazioni commerciali tra i paesi hanno richiesto lo sviluppo delle scienze esatte. I maggiori progressi sono stati fatti astronomia.

Il grande astronomo polacco (Fig. 10) propose eliocentrico sistema del mondo - l'idea che il Sole sia il corpo celeste centrale attorno al quale ruotano la Terra e altri pianeti. Osservò i corpi celesti per 30 anni e giunse alla conclusione che La terra gira intorno al solee attorno al proprio asse. Il suo sistema eliocentrico ha sostituito il primo - geocentrico- un'idea della struttura dell'universo, secondo la quale la posizione centrale nell'Universo è occupata da una Terra immobile, attorno alla quale ruotano il Sole, la Luna, i pianeti e le stelle.

Riso. 10. Niccolò Copernico ()

Era l'era della lotta della ragione e dei dogmi religiosi. fu seguace di Copernico Giordano Bruno. Egli, per decisione del tribunale dell'Inquisizione, fu bruciato sul rogo. Quasi incontrato la stessa sorte Galileo Galilei, tuttavia, il tribunale dell'Inquisizione riuscì a costringerlo a rinunciare alle sue opinioni scientifiche.

astronomo tedesco Giovanni Keplero Ha formulato la legge del moto dei pianeti nelle loro orbite. Ogni pianeta del sistema solare si muove in un'ellisse con il sole in uno dei suoi fuochi. Ogni pianeta del sistema solare si muove su un piano che passa per il centro del sole.

In questo momento, in matematica si distinguono trigonometria e geometria analitica.. Grazie alle opere e alle opere di Andreas Vesalius, il fondatore dell'anatomia scientifica William Harvey, il fondatore dell'embriologia e della fisiologia Miguel Servet, la medicina e l'anatomia si fecero avanti.

frontieraXVI- XVIIsecoli chiamato l'inizio della rivoluzione delle scienze naturali.

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Compiti a casa

1. Elenca le caratteristiche principali del Rinascimento, manifestate nella pittura.
2. Quali sono i periodi del Rinascimento?
3. Quali famosi artisti del Rinascimento conosci? Che quadri hanno dipinto? Hai già visto qualcuna di queste immagini?
4. Descrivere lo sviluppo della scienza durante il Rinascimento.

Cultura rinascimentale
Introduzione:
1. Prerequisiti per l'emergere di una nuova cultura
2. Caratteristiche generali della grande epoca
3. Fasi di sviluppo del Rinascimento
4. Il pensiero umanistico ei rappresentanti del Rinascimento
5. La filosofia naturale del Rinascimento
introduzione
Rinascimento - un'era nella storia della cultura e dell'arte, che riflette inizio del passaggio dal feudalesimo al capitalismo. Nelle forme classiche, il Rinascimento prese forma nell'Europa occidentale, principalmente in Italia, ma processi simili ebbero luogo nell'Europa orientale e in Asia. In ogni paese, questo tipo di cultura aveva le sue caratteristiche associate alle sue caratteristiche etniche, alle tradizioni specifiche e all'influenza di altre culture nazionali. rinascita associato al processo di formazione della cultura secolare, della coscienza umanistica. Gli umanisti italiani del XV secolo si sono concentrati rinascita della cultura antica, i cui principi ideologici ed estetici furono riconosciuti come un ideale degno di imitazione. In altri paesi, un tale orientamento verso il patrimonio antico potrebbe non essere stato, ma l'essenza del processo di liberazione dell'uomo e l'affermazione di forza, intelligenza, bellezza, libertà dell'individuo, unità dell'uomo e della natura caratteristica di tutte le culture di tipo rinascimentale.
Nello sviluppo della cultura rinascimentale si distinguono le seguenti fasi: primo rinascimento, i cui rappresentanti furono Petrarca, Boccaccio, Donatello, Botticelli, Giotto; Alto Rinascimento, rappresentato da Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello, Francois Rabelais e Tardo Rinascimento quando si rivela una crisi dell'umanesimo (Shakespeare, Cervantes).
La caratteristica principale del Rinascimento è l'integrità e la versatilità nella comprensione dell'uomo, della vita e della cultura. Il forte aumento dell'autorità dell'arte non ha portato alla sua opposizione alla scienza e all'artigianato, ma è stato percepito come l'equivalenza e la parità di diritti delle varie forme di attività umana. In quest'epoca, le arti applicate e l'architettura raggiunsero un livello elevato, combinando la creatività artistica con il design tecnico e l'artigianato. La particolarità dell'arte rinascimentale è che ha un pronunciato carattere democratico e realistico, al centro di esso ci sono l'uomo e la natura. Bellezza, armonia, grazia sono considerate proprietà del mondo reale.
Durante il periodo del tardo Rinascimento, molte delle sue norme cambiarono, furono rivelati i tratti della crisi. C'era un divario tra arte e scienza, bellezza e utilità, tra la vita spirituale e fisica di una persona.
L'umanesimo tardo rinascimentale si arricchì consapevolezza delle contraddizioni della vita, visione del mondo tragica, che si è manifestata nelle opere di Shakespeare, Michelangelo.
Incarnato nell'arte del Rinascimento l'ideale di un'esistenza umana armoniosa e libera, che ne alimentasse la cultura.
1. Prerequisiti per l'emergere della cultura
I produttori diretti nel tardo medioevo erano in una posizione difficile. Gran parte del prodotto prodotto veniva sequestrato a persone che dipendevano personalmente dal proprietario della terra.
L'oppressione sociale, il costante conflitto civile, una terribile epidemia di peste che ha causato la morte di un terzo della popolazione europea: tutto questo spiazza le ultime speranze per l'organizzazione della vita terrena e l'idea di salvezza. Ciò contribuisce a spostare il riconoscimento del valore dell'esistenza terrena, ereditato dal cristianesimo dalle religioni d'Oriente, l'idea di una vita lunga e felice come premio della virtù.
Preparò il terreno per la diffusione dell'idea del Rinascimento e della Riforma Il misticismo tedesco, rafforzando le tendenze individualistiche nel cristianesimo, superando ampiamente i principi comuni dell'organizzazione ecclesiastica. Il misticismo è spesso interpretato in senso magico, come una reale opportunità per una persona di influenzare i processi universali poiché fa parte di questi processi, è un microcosmo. Nell'ideologia della Riforma, la mistica, di conseguenza, è intesa solo come un impulso divino, un'espressione della volontà dello Spirito Santo rivolta a un individuo.

2. Caratteristiche generali della grande epoca.
L'era del Rinascimento (Rinascimento), che copre il periodo dal XIV all'inizio del XVII secolo, cade sugli ultimi secoli del feudalesimo medievale. Il Rinascimento ha avuto una grande influenza sull'ulteriore sviluppo della cultura e della filosofia.
Le stesse figure del Rinascimento contrapponevano la nuova era al Medioevo come periodo di oscurità e ignoranza. Ma l'originalità di questo tempo non è piuttosto il movimento della civiltà contro la ferocia, la cultura contro la barbarie, il sapere contro l'ignoranza, ma manifestazione di un'altra civiltà, di un'altra cultura e di altre conoscenze.
Il Rinascimento è una rivoluzione, prima di tutto, nel sistema dei valori, nella valutazione di tutto ciò che esiste e in relazione ad esso. C'è la convinzione che una persona è il valore più alto. Questa visione dell'uomo ha determinato la caratteristica più importante della cultura del Rinascimento: lo sviluppo dell'individualismo nella sfera della visione del mondo e la manifestazione globale dell'individualità nella vita pubblica.
Uno dei tratti caratteristici dell'atmosfera spirituale di questo tempo era un notevole risveglio degli umori secolari.
Il carattere laico è anche inerente a un fenomeno così luminoso della cultura rinascimentale come l'umanesimo. Nel senso ampio della parola l'umanesimo è un modo di pensare che proclama l'idea del bene dell'uomo come obiettivo principale dello sviluppo sociale e culturale e difende il valore dell'uomo come individuo. Ha origine durante il Rinascimento.
Il Rinascimento si riferisce all'antichità, in particolare agli insegnamenti tardoantichi pieni di idee di umanità. Ma la comprensione stessa dell'umanità è significativamente reinterpretata. Il mondo antico valutava l'individuo non come un individuo, ma come portatore di qualcosa di universale, ad esempio la virtù, ma l'antichità ravvivata vedeva nell'individuo come individuo un'espressione unica dell'universo, ad es. qualcosa di unico, insostituibile e infinitamente significativo. L'uomo, come un microcosmo, è di per sé una fonte di conoscenza che contiene alcune idee innate. L'idea dell'uomo come piccolo cosmo è espressa da Anassimene, Eraclito, Democrito, Platone. Ma l'uomo dei filosofi greci non è uguale e non è identico al cosmo. Fa piuttosto parte dell'ordine cosmico.
La rinascita dell'antichità, infatti, ha dato il nome all'intera epoca, perché il "rinascimento" è tradotto come "rinascita".
Artisti e scultori hanno lottato nel loro lavoro per la naturalezza, per una ricreazione realistica del mondo e dell'uomo. Sono state studiate le statue classiche e l'anatomia umana. Gli artisti iniziarono a usare la prospettiva, abbandonando l'immagine planare.
Le scoperte scientifiche e tecnologiche, come l'invenzione della macchina da stampa, hanno contribuito alla diffusione di nuove idee. A poco a poco, nuove idee si impadronirono dell'intera Europa.
La filosofia occupa un posto speciale nella cultura spirituale di questo tempo e ha tutte le caratteristiche che sono state menzionate sopra. La caratteristica più importante della filosofia del Rinascimento - orientamento antiscolastico delle opinioni e degli scritti dei pensatori di questo tempo. La sua altra caratteristica è creazione di una nuova immagine panteistica del mondo, identificando Dio e la natura.
Infine, se la filosofia del Medioevo è teocentrica, allora lo è un tratto caratteristico del pensiero filosofico del Rinascimento antropocentrismo. L'uomo non è solo l'oggetto più importante della considerazione filosofica, ma anche l'anello centrale dell'esistenza cosmica.. Il cristianesimo era anche antropocentrico, nel senso che il mondo intero era inteso come creato da Dio principalmente per l'uomo. Tuttavia, una caratteristica specifica della visione religiosa monoteistica del mondo era l'idea della deificazione, intesa nello spirito del misticismo cristiano. Il misticismo consisteva nel fatto che l'unione con Dio avviene come risultato dell'indulgenza della grazia divina, la percezione delle energie divine come risultato dell'umore dello spirito.
L'umanesimo ha cambiato punto di vista. L'uomo è stato posto al centro come un essere come un dio a causa delle sue stesse capacità creative.. Antropocentrismo significava la sostituzione del concetto di deificazione con il concetto di deificazione dell'uomo, la sua massima convergenza con Dio sulle vie dell'attività creatrice.
3. Fasi di sviluppo del Rinascimento
Primo Rinascimento
Il Rinascimento è considerato un periodo di transizione dal Medioevo al New Age. Durante questo periodo, ci sono cambiamenti nella vita economica e culturale.
Le idee dell'umanesimo uniscono la cultura dei vari popoli europei. Principio umanesimo, cioè il più alto sviluppo culturale e morale delle capacità umane, esprime nel modo più completo il principale orientamento della cultura europea dei secoli XIV-XVI. Le idee dell'umanesimo catturano tutti gli strati della società: i circoli mercantili, le sfere religiose, le masse. Sta emergendo una nuova intellighenzia laica. L'umanesimo afferma la fede nelle possibilità illimitate dell'uomo. La personalità, potente e bella, diventa il centro della sfera ideologica.
Durante il periodo di massimo splendore dell'umanesimo, la scienza, la poesia, l'architettura e le arti visive raggiunsero una scala senza precedenti. Molti governanti divennero mecenati delle arti. Queste persone spesso combinavano le caratteristiche di mostruosi cattivi e sottili intenditori di bellezza; bene e male nel Rinascimento si intrecciarono nel modo più bizzarro.
L'arte del Rinascimento era una sorta di sintesi di antica bellezza fisica e spiritualità cristiana.
La cultura rinascimentale ha origine in Italia. Il Rinascimento italiano si articola in quattro fasi: Protorinascimentale (Prerinascimentale) - seconda metà del XIII - XIV secolo; Primo Rinascimento - XV secolo; Alto Rinascimento - la fine del XV - il primo terzo del XVI secolo; Tardo Rinascimento - fine del XVI secolo.
Alto Rinascimento
Nel XVI secolo in Italia l'arte rinascimentale entra in una fase della sua massima fioritura. L'arte dell'Italia in questo momento è complessa e contraddittoria. In questo momento si verifica la più alta ascesa dell'arte basata sulle tradizioni della cultura umanistica. E allo stesso tempo sono sorti nuovi fenomeni artistici, che esprimono il crollo degli ideali umanistici, dando origine al manierismo, che si sta diffondendo in molti paesi europei.
I maestri dell'Alto Rinascimento cercarono di realizzare nelle loro opere una sintesi armonica degli aspetti più belli della realtà.
Nel periodo in cui l'Italia entrò nella fase più alta della prosperità, inizia il Rinascimento settentrionale. La base filosofica del Rinascimento settentrionale era il panteismo, che dissolse Dio nella natura e lo dotò di attributi divini. I panteisti credevano che ogni pezzo di natura fosse degno di un'immagine, poiché contiene una particella di Dio.
Tardo Rinascimento. Crisi dell'umanesimo
Il tardo Rinascimento è caratterizzato dalla crisi dell'idea di umanesimo e dalla consapevolezza della natura prosaica della società borghese emergente. La delusione degli umanisti deriva dalla grandiosa discrepanza tra la realtà e le idee rinascimentali sull'uomo.. Entro la fine del XVI secolo. questa frustrazione si è diffusa. La crisi dell'umanesimo maturò gradualmente, sorgendo nelle sue profondità. L'aspirazione umanistica si esprimeva in risultati inaspettati per gli stessi umanisti. Quindi, nella prima metà del XVI secolo. Viene pubblicato il lavoro di Copernico sul sistema eliocentrico. La terra non è più il centro dell'universo. L'uomo divenne piccolo e si perse nell'universo infinito.
La crisi dell'umanesimo si è espressa anche nella creazione di utopie.
Nell'arte dell'Europa occidentale, i tratti della crisi dell'umanesimo si riflettevano nell'emergere dell'accademismo e del manierismo. C'era un divario tra arte e scienza, bellezza e utilità, tra la vita spirituale e fisica di una persona. Nelle opere degli artisti vengono violati i principi di equilibrio e armonia inerenti all'arte dell'Alto Rinascimento. Questa direzione è chiamata Manierismo. Il manierismo maturo è caratterizzato dal desiderio di isolarsi dalla vita, di porre l'arte al di sopra della realtà.
4. Il pensiero umanistico ei rappresentanti del Rinascimento
Il termine "umanesimo" deriva dal latino "humantias", che significa "umanità". Questo termine è stato utilizzato nel I secolo. AVANTI CRISTO e. famoso oratore romano Cicerone. Humantias per lui è l'educazione e l'educazione di una persona, che contribuisce in primo luogo alla sua esaltazione. Nel migliorare la natura spirituale dell'uomo, il ruolo principale è stato assegnato a un complesso di discipline, costituito da grammatica, retorica, poesia, storia ed etica. Furono queste discipline che iniziarono a essere chiamate "umanitarie" nel Rinascimento, e sono tali fino ad oggi.
Il fondatore dell'umanesimo è unanimemente considerato il poeta e filosofo Francesco Petrarca (1304-1374). Nella sua opera - l'inizio di molti modi in cui è andato lo sviluppo della cultura rinascimentale in Italia. Nel suo trattato Sull'ignoranza di se stessi e di molti altri, rifiuta risolutamente l'insegnamento scolastico inerente al Medioevo.
eccetera.................

Il mondo della cultura artistica del Rinascimento

Obiettivi: caratterizzare le tendenze nello sviluppo dell'arte europea nei secoli XVI-XVII; determinare le somiglianze e le differenze nel metodo creativo dei creatori dell'arte dell'Alto Rinascimento; formare e sviluppare la capacità di lavorare con varie fonti storiche, di utilizzarle nella preparazione di messaggi e presentazioni.

Risultati pianificati: conoscere le conquiste culturali del Rinascimento; farsi un'idea delle opere d'arte dell'epoca studiata; valutare l'influenza delle idee degli umanisti sull'opera di figure culturali del Rinascimento; fornire caratteristiche dettagliate delle personalità storiche; imparare a giustificare i propri giudizi; lavorare con ulteriori fonti di informazioni, creare presentazioni; sviluppare connessioni interdisciplinari con il corso della letteratura, la cultura artistica mondiale.

Relazione , i valori , impostazioni interne: valutare le attività dei creatori dell'arte del Rinascimento, i valori morali che li guidavano; per esprimere il loro atteggiamento verso le opere d'arte del Rinascimento.

Attrezzatura: mappa "L'Europa nei secoli XVI-XVII", apparecchiature multimediali, ritratti di personaggi culturali del Rinascimento, riproduzioni di dipinti, un pacchetto con compiti di prova.

Tipo di lezione: lezione metodologica generale.

Durante le lezioni

Organizzare il tempo

Aggiornamento delle conoscenze di base

Messaggi degli studenti sulla vita e le opinioni degli umanisti della New Age.

(Discussione collettiva dei messaggi. Completamento delle attività di test.)

Erasmo da Rotterdam appartiene al Perù scrivendo:

"Elogio della saggezza" 3) "Elogio degli stolti"

"Elogio della stupidità" 4) "Elogio dei folli"

F. Rabelais 3) M. Montaigne

T. More 4) J. Morelli

Il romanzo "Gargantua e Pantagruel" scriveva:

M. Cervantes 3) T. More

M. Montaigne 4) F. Rabelais

Traduzione letterale della parola "utopia":

posto migliore 3) terra del futuro

nuovo posto 4) un luogo che non esiste

Il dipinto della Cappella Sistina in Vaticano è stato commissionato da:

Michelangelo

Leonardo Da Vinci

Raffaello

Hans Holbein il Giovane

Il Lord Cancelliere d'Inghilterra era:

Erasmo da Rotterdam 3) F. Rabelais

T. Altro 4) M. Montaigne

Il termine "utopia" è stato introdotto da:

T. Altro 3) F. Campanella

F. Rabelais 4) N. Machiavelli

Tommaso Moro visse a:

Germania 3) Paesi Bassi

Francia 4) Inghilterra

(Controllo dell'esecuzione dei compiti.)

Fase motivazionale-target

XVI-XVII secoli fu l'era dell'umanesimo. Gli ideali degli scienziati umanisti si riflettevano anche nelle opere di cultura artistica del Rinascimento. Questo periodo fu chiamato l'era dei titani. Quale contributo diedero i creatori del Rinascimento alla cultura artistica mondiale? Lo scopriremo nella nostra lezione. Tema della lezione: "Il mondo della cultura artistica del Rinascimento". Piano di lezione

L'età dei Titani.

Rinascimento settentrionale. "Pittore maschio".

Leonardo da Vinci dalla Germania.

Sulla via dell'immortalità Lavora sull'argomento della lezione

"Che miracolo della natura è l'uomo!"

Presentazione degli studenti sulle figure culturali del Rinascimento (W. Shakespeare e M. Cervantes).

Lavorando dal § 8-9 del libro di testo (pag. 75-77), completa la tabella.

Fattore

Paese

Opere d'arte

Il contenuto della creatività

William

Shakespeare

(1564-1616)

Inghilterra

Romeo e Giulietta, Amleto, Otello, Re Lear, ecc.

Le commedie di Shakespeare stupiscono per la loro vivacità e frizzante spirito. Ci sono molte persone belle, sagge e fiere nelle sue tragedie. Gli eroi amano e soffrono, commettono errori, rimangono delusi, combattono per la loro felicità e molto spesso perdono in questa lotta.

Miguel

Cervantes

(1547-1616)

Ispa

nia

"Don Chisciotte"

Dietro le azioni esteriormente ridicole del folle Don Chisciotte - saggezza, nobiltà e umanità; l'ultimo cavaliere del bene in un mondo di ingiustizia aiuta le persone a diventare un po' migliori

L'età dei Titani

Leonardo Da Vinci

Un vero e proprio monumento a ciò che Leonardo è come artista, come scienziato, come inventore, come ingegnere, sono i suoi appunti. Queste note contengono un numero enorme di schizzi, disegni, schizzi, contengono una scorta inesauribile di idee scientifiche e concetti tecnici.

Si può affermare senza esagerare che non esiste un solo ramo della scienza in cui Leonardo non avrebbe tracciato nuove strade. La sua mente inquisitrice penetrava ovunque. In tutti i rami della scienza, ha tentato di dare una nuova strada a ciò che era stato fatto prima di lui. Ma l'umanità ha approfittato di una minima parte di ciò che Leonardo pensava, perché tutto ciò che ha scritto è rimasto sepolto nei suoi appunti.

Il suo patrimonio letterario, costituito da un ingente numero di codici e fogli, passò dopo la sua morte al suo allievo Francesco Melzi, che scelse dalla scrittura di Leonardo parte di ciò che riguardava la pittura, e ne fece il libro che oggi è conosciuto sotto il titolo "Trattati di pittura. Dopo la morte di Francesco, i preziosi fogli di Leonardo rimasero a lungo abbandonati nel sottotetto della stessa Villa Vaprio, dove Leonardo trascorse tanti giorni felici nel 1506-1512. Poi furono saccheggiati. Per secoli questi manoscritti, codici interi e singoli fogli, hanno fatto il giro del mondo. Ora sono concentrati in diversi impianti di stoccaggio europei. Alcuni di loro sono già stati pubblicati e tutti sono studiati attentamente. Ma mentre erano nascosti, il pensiero scientifico ha continuato a funzionare e la maggior parte delle scoperte e delle invenzioni di Leonardo ha glorificato altri scienziati.

Solo una piccola parte della sua eredità si rivelò un contributo diretto alla scienza, caduta accidentalmente nelle mani di persone esperte negli anni successivi alla sua morte. Vesalio conosceva le registrazioni anatomiche di Leonardo, se non per intero, allora alcune di esse. Allo stesso modo, il famoso matematico Girolamo Cardano seppe trarre vantaggio da alcune idee matematiche di Leonardo.

Leonardo ha negato ogni tipo di autorità. Rifiutò completamente i criteri religiosi che a quel tempo dominavano ancora il campo scientifico. Ha insistito sul fatto che ogni posizione scientifica deve essere verificata dall'esperienza, e questa era la sua principale tesi metodologica. L'esperienza ai suoi occhi era l'unico test decisivo della verità scientifica. Pertanto, la scienza onora giustamente in Leonardo non solo uno dei più grandi pittori, ma anche uno dei primi pionieri dei veri metodi scientifici.

(Jivelegov A. "Leonardo Da Vinci")

Sul David di Michelangelo Buonarroti

Michelangelo scolpì un modello in cera, progettando di raffigurarvi come emblema di palazzo il giovane David con una fionda in mano, così che, proprio come David difendeva il suo popolo e lo governava equamente, i governanti di questa città [Firenze! fu coraggiosamente difeso e giustamente governato... Il marmo era già stato deturpato e mutilato dal maestro Simone, e in alcuni luoghi non bastò a Michelangelo fare ciò che aveva progettato. Sulla superficie del marmo dovette lasciare i primi tagli del maestro Simone, in modo che ancora oggi alcuni di essi siano visibili, e, naturalmente, Michelangelo compì un vero miracolo, resuscitando ciò che era morto.

Intanto capitava che Pier Soderini, alzando gli occhi verso la statua, che gli piaceva molto, disse a Michelangelo, che in quel momento la stava finendo in alcuni punti, che, secondo lui, aveva il naso grosso: Michelangelo, notando che il gonfaloniere stava in piedi sotto il più gigantesco e il punto di vista lo ingannò, salì per compiacerlo sull'impalcatura alle spalle della statua e, facendo leva con uno scalpello, che teneva nella mano sinistra, un po' di polvere di marmo del piattaforma dell'impalcatura, iniziò a spruzzare gradualmente la polvere, lavorando come con altri scalpelli, ma senza toccarsi il naso. Poi, chinandosi verso il Gonfaloniere, che lo osservava, disse: "Dai, guardalo ora". "Ora mi piace di più," disse il gonfaloniere, "l'hai dato vita." Michelangelo scese poi dal ponte, ridendo di lui tra sé e compiangendo persone che, volendo mostrarsi esperti, dicono cose che loro stessi non capiscono. Quando la statua fu finalmente installata, la aprì e, davvero una creazione, oscurò tutte le statue conosciute, nuove e antiche, greche o romane ... Michelangelo la terminò con tale proporzione e bellezza, con così buona qualità.

Sulla pittura della Cappella Sistina

Quando l'opera fu portata a metà, il papa [Giulio II], che più volte aveva salito le scale con l'aiuto di Michelangelo per guardarla, chiese che fosse aperta, poiché era naturalmente frettoloso e impaziente e non vedeva l'ora , quando è completato, cioè, come si suol dire, l'ultimo tratto del pennello.

E, appena aperta, si radunò tutta Roma a guardarla, e in primo luogo il papa, che non vedeva l'ora che la polvere si posasse dopo la rimozione delle impalcature. Vedendola, Raffaello d'Urbinskij, che la imitava benissimo, cambiò subito modi e subito scrisse, per far vedere di che cosa era capace, i profeti e le sibille in Santa Maria della Ritmo; poi Bramante ha cercato di assicurarsi il secondo tempo il papa consegnò le cappelle a Raffaello... Ma il papa, che ogni giorno si convinceva sempre più delle capacità di Michelangelo, volle che continuasse la sua opera; poiché, vedendo l'opera aperta, ragionava che la seconda metà di Michelangelo avrebbe potuto venire ancora meglio: e anzi, in venti soli mesi portò a perfezione l'opera, anche senza l'aiuto di coloro che avrebbero molato le sue pitture. Tuttavia Michelangelo a volte doveva lamentarsi di come suo padre lo affrettasse con richieste fastidiose quando avrebbe finito, non permettendogli di finire a modo suo, come avrebbe voluto. E ad una delle numerose richieste, una volta rispose che la fine sarebbe stata quando lui stesso sarebbe stato soddisfatto della sua arte. [Michelangelo] ha dovuto scrivere a testa alta, e si è rovinato così tanto la vista che per diversi mesi non ha potuto leggere ciò che c'era scritto e guardare i disegni... In fondo, accendendosi ogni giorno sempre di più con la voglia di creare, accumulando e migliorando quanto creato, non si accorgeva della fatica e non badava al comfort.

(Vasari J. "Vite dei più famosi pittori, scultori e architetti")

"Madonna Sistina" di Raffaello

La "Madonna Sistina" fu commissionata da Raffaello come pala d'altare per la cappella del monastero di San Sisto a Piacenza. Questo è il dipinto più famoso di Raffaello. L'artista lo creò nel 1515-1519. Sembra che il sipario si sia appena aperto e una visione celeste si sia aperta agli occhi dei credenti: la Vergine Maria che cammina leggera su una nuvola con il bambino Gesù in braccio. La misura regna nella foto. Equilibrio e armonia. Si distingue per le linee morbide e arrotondate, il motivo morbido e melodico, la ricchezza e la succosità del colore. La Madonna stessa trasuda energia e movimento. Con quest'opera Raffaello creò l'immagine più sublime e poetica della Madonna nell'arte del Rinascimento. Va dalle persone, giovani e maestose, con qualcosa di ansioso nell'anima; il vento scompiglia i capelli del bambino, ei suoi occhi guardano a noi, al mondo con tanta potenza e con tale illuminazione, come se vedesse il proprio destino e il destino dell'intera razza umana. Il suo sguardo, diretto attraverso lo spettatore, è carico di inquietante previsione del tragico destino di suo figlio. Il volto della Madonna è l'incarnazione dell'antico ideale di bellezza unito alla spiritualità dell'ideale cristiano. Questa non è la realtà, ma uno spettacolo. Non c'è da stupirsi che l'artista stesso abbia aperto un pesante sipario davanti al pubblico nella foto. Uno spettacolo che trasforma la realtà nella grandezza delle cose, saggezza e bellezza, uno spettacolo che eleva l'anima con la sua assoluta armonia, conquista e nobilita.

Le battute entusiastiche di scrittori e critici così diversi come V.A. Zhukovsky, V.G. Belinsky, NP Ogarev. Due grandi scrittori russi, L.N. Tolstoj e F.M. Dostoevskij, aveva nei loro uffici riproduzioni della "Madonna Sistina". "Una foto volevo essere per sempre uno spettatore ..." - ha detto Pushkin di lei. Dostoevskij vedeva nella Madonna Sistina la misura più alta della nobiltà umana, la più alta manifestazione del genio umano.

Fattore

Paese

Opere d'arte

Il contenuto della creatività

Leonardo da Vinci (1452-1519)

Italia

"Madonna Litta", "Gioconda", "Ultima Cena", ecc.

Leonardo fu un pittore brillante e un astuto ricercatore. Esperimenti a lungo termine gli hanno insegnato a rappresentare il volume con le sfumature più fini, i giochi di luce. Sapeva mostrare il mondo, inaccessibile all'immaginazione di un semplice mortale

Fattore

Paese

Opere d'arte

Il contenuto della creatività

Mikel

angelo

Buonarroti

(1475-1564)

Italia

"Davide", "Mosè", "Pietà", il dipinto della Cappella Sistina, la cupola della Chiesa di San Pietro a Roma IT. D.

Considerava la scultura "la prima delle arti", soprattutto glorificando una persona, la sua bellezza. "David" avrebbe dovuto ricordare alle autorità la giusta amministrazione e la coraggiosa difesa della città. Il dipinto sulla cupola della Cappella Sistina rappresenta alcune scene del Libro della Genesi

Raffaello

Santi

(1483-1520)

Italia

"Madonna Co-

instabile",

"Sistina

Madonna,

"Ateniese

scuola”, ecc.

Il mondo nei dipinti di Raffaello sembra perfetto e bello, armonioso e calmo.

Rinascimento settentrionale. "Pittore maschio"

Presentazione degli studenti sulle figure culturali del Rinascimento (Pietro Brueghel il Vecchio).

Fattore

Paese

Opere d'arte

Il contenuto della creatività

Pieter Brueghel il Vecchio (contadino) (tra il 1525 e il 1530-1569)

Nieder

terre

"Peasant Dance", una serie di "Seasons" ("Harvest", "Return of the hunters")

Soprannominato Muzhitsky per il suo amore per la rappresentazione di gente comune e scene popolari. Nei movimenti goffi e nelle figure goffe dei personaggi di Brueghel il Vecchio, i loro volti rustici, si può intuire la forza e il potere del popolo

4. Leonardo da Vinci dalla Germania

Presentazione degli studenti sulle figure culturali del Rinascimento (Albrecht Dürer).

- Lavorando con§ 8-9 del libro di testo (pag. 83-85), compilare la tabella.

Fattore

Paese

Opere d'arte

Il contenuto della creatività

Alberto

Durer

(1471-1528)

germe

nia

Autoritratto, serie Apocalisse

Approvata una comprensione umanistica dell'individuo, l'autostima, il desiderio di vedere negli artisti non artigiani, ma pensatori

Lavorando con § 8-9 del libro di testo (pag. 81-83), completa la tabella Sulla via dell'immortalità

Contenuto approssimativo della risposta

Come nella pittura e nella scultura, nella musica, le opere cominciarono a fare appello ai sentimenti umani. Le opere secolari sono ampiamente sviluppate e diffuse. Le regole delle buone maniere prescrivevano ai giovani di famiglie benestanti di poter suonare strumenti musicali.

Pittori della verità

Presentazione degli studenti sulle figure culturali del Rinascimento (Hans Holbein il Giovane, Rembrandt, Velazquez).

Completando la tabella, partendo dai § 8-9 del libro di testo (pp. 87-90).

Fattore

Paese

Opere d'arte

Il contenuto della creatività

Hans

Holbein

Jr

(1497-1543)

germe

nia

Ritratti di HeinrichVIII, Erasmo da Rotterdam, illustrazioni per "Elogio della stupidità"

Dietro l'impenetrabilità e l'equilibrio delle immagini delle persone, emergono chiaramente l'individualità, la complessità e l'incoerenza della natura umana.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669)

Nieder

terre

"Il ritorno del figliol prodigo", "Ritratto di vecchio in rosso", ecc.

Rembrandt ha cercato di trasmettere sulla tela lo stato d'animo di una persona, i lineamenti abilmente notati, i gesti e le pose caratteristici.

Diego

Velasquez

(1599-1660)

Ispa

nia

ritratti

spagnolo

aristocrazia,

"Colazione",

"Spinner"

L'artista riproduce fedelmente i dettagli dell'abbigliamento, le posture della nobiltà di corte, il carattere dei suoi personaggi. I dipinti dedicati alla gente comune riflettono la nobiltà dei lavoratori

Consolidamento del materiale studiato

Controlliamo quanto bene hai imparato il nuovo materiale.

Nomina le opere letterarie della prima età moderna.("Romeo e Giulietta", "Amleto", "Otello", "Re Lear", "Don Chisciotte » e così via.)

Perché il Rinascimento è chiamato l'Età dei Titani? ( La natura ha generosamente dotato molti artisti di questo periodo di talenti universali.)

Per cosa era noto Lorenzo il Magnifico? (Lorenzo il Magnifico componeva allegre melodie di danza per le feste popolari. Perché Pieter Brueghel il Vecchio si fece soprannome di "Pittore Contadino"? (Per amore di ritrarre gente comune e scene popolari.)

Riassumendo la lezione

Il Rinascimento ha dato un enorme contributo alla cultura artistica mondiale. Le opere dei grandi maestri della letteratura, della pittura, della scultura e della musica sono diventate un modello e una fonte per la creatività delle generazioni future. Costituiscono il tesoro dell'umanità.