Trong hầu hết mọi công việc quan trọng nghệ thuật là một câu đố, một "đáy đôi" hoặc lịch sử bí mật mà bạn muốn tiết lộ.

Nhạc mông

Hieronymus Bosch, Khu vườn của những thú vui trần gian, 1500-1510.

Mảnh của một bộ phận của bộ ba

Tranh chấp về ý nghĩa và ý nghĩa ẩn tác phẩm nổi tiếng nhất của nghệ sĩ người Hà Lan đã không giảm bớt kể từ khi ra đời. Ở cánh bên phải của bộ ba mang tên "Âm nhạc địa ngục" được miêu tả là những tội nhân bị tra tấn trong thế giới ngầm với sự giúp đỡ của nhạc cụ... Một trong số chúng có các nốt in trên mông. Amelia Hamrick, sinh viên Đại học Cơ đốc giáo Oklahoma, người đã học hội họa, đã đưa ký hiệu thế kỷ 16 vào một nét hiện đại và ghi lại "một bài hát 500 năm tuổi từ địa ngục ra khỏi địa ngục."

Mona Lisa khỏa thân

"La Gioconda" nổi tiếng tồn tại trong hai phiên bản: phiên bản khỏa thân được gọi là "Monna Vanna", nó được viết một chút Nghệ sĩ nổi tiếng Salai, một học trò và là hình mẫu của Leonardo da Vinci vĩ đại. Nhiều nhà phê bình nghệ thuật chắc chắn rằng ông là hình mẫu cho các bức tranh của Leonardo "John the Baptist" và "Bacchus". Cũng có những phiên bản cải trang thành váy của phụ nữ Salai từng là hình ảnh của chính nàng Mona Lisa.

Lão ngư

Năm 1902, nghệ sĩ người Hungary Tivadar Kostka Chontvari đã vẽ bức tranh “ Lão ngư". Tưởng chừng như không có gì bất thường trong bức tranh, nhưng Tivadar đã gửi gắm vào đó một ẩn ý chưa bao giờ được tiết lộ trong suốt cuộc đời nghệ sĩ.

Ít ai có ý tưởng đặt một chiếc gương ở giữa bức tranh. Mỗi người có thể có cả Chúa (nhân đôi vai phải của Ông già) và Ác quỷ (nhân đôi vai trái của ông già).

Có một con cá voi?

"Cảnh trên bờ biển" của Hendrik van Antonissen.

Nó sẽ giống như một phong cảnh bình thường. Thuyền, người trên bờ và biển vắng. Và chỉ một nghiên cứu bằng tia X cho thấy mọi người tập trung trên bờ là có lý do - ban đầu, họ kiểm tra xác một con cá voi dạt vào bờ biển.

Tuy nhiên, nghệ sĩ quyết định rằng sẽ không ai muốn nhìn con cá voi chết và viết lại bức tranh.

Hai "Bữa sáng trên bãi cỏ"

Edouard Manet, Bữa sáng trên cỏ, 1863.

Claude Monet, Bữa sáng trên bãi cỏ, 1865.

Các nghệ sĩ Edouard Manet và Claude Monet đôi khi nhầm lẫn - xét cho cùng, họ đều là người Pháp, sống cùng thời và làm việc theo trường phái ấn tượng. Ngay cả tên của một trong những bức tranh nổi tiếng nhất của Manet "Bữa sáng trên cỏ" Monet đã mượn và viết "Bữa sáng trên cỏ" của mình.

Nhân đôi trong "Bữa tối cuối cùng"

Leonardo da Vinci, Bữa tối cuối cùng, 1495-1498.

Khi Leonardo da Vinci viết “ Bữa tối cuối cùng”, Ông nhấn mạnh đến hai nhân vật: Chúa Kitô và Giuđa. Anh ấy đã tìm kiếm hình mẫu cho chúng trong một thời gian rất dài. Cuối cùng, anh đã cố gắng tìm ra một hình mẫu cho hình ảnh của Chúa Giê-su Christ trong số các ca sĩ trẻ. Không thể tìm được hình mẫu cho Judas Leonardo trong ba năm. Nhưng một ngày nọ, anh ta tình cờ gặp một người say rượu trên phố, người đang nằm trong rãnh nước. Đó là một chàng trai đã già đi bởi cơn say không kiềm chế được. Leonardo mời anh ta đến một quán rượu, nơi anh ta ngay lập tức bắt đầu viết Judas từ anh ta. Khi người say tỉnh lại, anh ta nói với nghệ sĩ rằng anh ta đã tạo dáng cho anh ta một lần. Cách đây vài năm, khi anh ấy hát trong dàn hợp xướng của nhà thờ, Leonardo đã viết về Chúa Kitô từ anh ấy.

"Canh đêm" hay "Canh ngày"?

Rembrandt, Người gác đêm, 1642.

Một trong những bức tranh nổi tiếng nhất của Rembrandt "Màn trình diễn của đại đội súng trường của Đại úy Frans Banning Kok và Trung úy Willem van Ruutenbürg" được treo trong các phòng khác nhau trong khoảng hai trăm năm và chỉ được các nhà phê bình nghệ thuật phát hiện vào thế kỷ 19. Vì những hình vẽ dường như xuất hiện trên nền tối, nó được gọi là "Night Watch", và dưới cái tên này, nó đã đi vào kho tàng nghệ thuật thế giới.

Và chỉ trong quá trình trùng tu được thực hiện vào năm 1947, người ta phát hiện ra rằng trong hội trường bức tranh đã bị phủ một lớp bồ hóng, khiến màu sắc của nó bị biến dạng. Sau khi dọn sạch bức tranh gốc, cuối cùng người ta cũng tiết lộ rằng khung cảnh được giới thiệu bởi Rembrandt thực sự diễn ra vào ban ngày. Vị trí của cái bóng từ tay trái của Đại úy Kok cho thấy rằng hành động kéo dài không quá 14 giờ.

Thuyền ngược

Henri Matisse, Con thuyền, 1937.

Tại Bảo tàng New York nghệ thuật đương đại năm 1961 bức tranh "Con thuyền" của Henri Matisse được triển lãm. Chỉ sau 47 ngày, người ta mới nhận ra rằng bức tranh đang bị treo ngược. Bức tranh vẽ 10 đường màu tím và hai cánh buồm màu xanh lam trên nền trắng. Người nghệ sĩ vẽ hai cánh buồm là có lý do, cánh buồm thứ hai là sự phản chiếu của cánh buồm thứ nhất trên mặt nước.
Để không bị nhầm trong cách treo tranh, bạn cần chú ý đến các chi tiết. Cánh buồm lớn hơn nên ở trên cùng của bức tranh và đỉnh của bức tranh nên hướng về góc trên cùng bên phải.

Sự lừa dối trong bức chân dung tự họa

Vincent van Gogh, Chân dung tự họa bằng ống, 1889.

Có những truyền thuyết cho rằng van Gogh đã tự cắt tai của mình. Giờ đây, phiên bản đáng tin cậy nhất được coi là tai của van Gogh đã bị hỏng trong một cuộc ẩu đả nhỏ với sự tham gia của một nghệ sĩ khác - Paul Gauguin.

Bức chân dung tự họa thú vị ở chỗ nó phản ánh hiện thực dưới dạng méo mó: người nghệ sĩ được miêu tả với tai phải bị băng bó, vì anh ta đã sử dụng một chiếc gương trong quá trình làm việc của mình. Trên thực tế, tai trái đã bị ảnh hưởng.

Gấu lạ

Ivan Shishkin, "Buổi sáng trong rừng thông", 1889.

Bức tranh nổi tiếng không chỉ thuộc về bút vẽ của Shishkin. Nhiều nghệ sĩ vốn là bạn bè của nhau thường nhờ đến "sự giúp đỡ của một người bạn", và Ivan Ivanovich, người đã vẽ phong cảnh cả đời, sợ rằng việc chạm vào gấu sẽ không thành công như anh ấy cần. Vì vậy, Shishkin đã tìm đến họa sĩ động vật quen thuộc Konstantin Savitsky.

Savitsky đã vẽ một số con gấu tốt nhất trong lịch sử Tranh nga, và Tretyakov đã ra lệnh xóa tên anh ta khỏi bức tranh, vì mọi thứ trong bức tranh “từ ý tưởng đến cách thực hiện, mọi thứ đều nói về cách vẽ tranh, oh phương pháp sáng tạođặc trưng của Shishkin. "

Câu chuyện ngây thơ của "Gothic"

Grant Wood, " Gothic Mỹ", 1930.

Tác phẩm của Grant Wood được coi là một trong những tác phẩm kỳ lạ và đáng buồn nhất trong lịch sử hội họa Mỹ. Bức tranh với người cha và cô con gái u ám được trang bị đầy đủ các chi tiết cho thấy mức độ nghiêm trọng, chủ nghĩa thuần túy và sự ngược đời của những người được miêu tả.
Trên thực tế, người nghệ sĩ không có ý định miêu tả bất kỳ nỗi kinh hoàng nào: trong một chuyến đi đến Iowa, anh ta nhận thấy một ngôi nhà nhỏ ở phong cách gothic và quyết định vẽ chân dung những người, theo ý kiến ​​của anh, lý tưởng nhất sẽ phù hợp với tư cách là cư dân. Em gái của Grant và nha sĩ của anh ta bất tử dưới dạng những nhân vật mà người dân Iowa đã xúc phạm.

Sự trả thù của Salvador Dali

Bức tranh "Hình bên cửa sổ" được vẽ vào năm 1925, khi Dali 21 tuổi. Khi đó Gala vẫn chưa bước vào cuộc đời nghệ sĩ, và em gái Ana Maria chính là nàng thơ của anh. Mối quan hệ giữa anh và em gái trở nên tồi tệ khi anh viết trong một trong những bức tranh "đôi khi tôi nhổ vào bức chân dung của mẹ tôi, và điều đó mang lại cho tôi niềm vui." Ana Maria không thể tha thứ cho cú sốc như vậy.

Trong cuốn sách năm 1949 của mình, Salvador Dali qua Đôi mắt của một người em gái, cô ấy viết về anh trai mình mà không có bất kỳ lời khen ngợi nào. Cuốn sách đã khiến El Salvador tức giận. Mười năm nữa sau đó, anh tức giận nhớ đến cô ở mọi cơ hội. Và như vậy, vào năm 1954, bức tranh "Một trinh nữ trẻ tuổi, say mê tội lỗi của Sô-lô-khốp với sự trợ giúp của cặp sừng trinh khiết của chính mình" xuất hiện. Tư thế của người phụ nữ, những lọn tóc của cô ấy, phong cảnh bên ngoài cửa sổ và cách phối màu của bức tranh rõ ràng là tương phản với "Hình bên cửa sổ". Có một phiên bản rằng Dali đã trả thù em gái của mình vì cuốn sách của cô ấy theo cách này.

Danae hai mặt

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Nhiều bí mật về một trong những bức tranh nổi tiếng nhất của Rembrandt chỉ được tiết lộ vào những năm 60 của thế kỷ XX, khi bức tranh được chiếu bằng tia X. Ví dụ, bức ảnh chụp cho thấy trong phiên bản đầu, khuôn mặt của công chúa, người có mối tình với thần Zeus, trông giống khuôn mặt của Saskia, vợ của họa sĩ, người đã chết vào năm 1642. Trong phiên bản cuối cùng của bức tranh, nó bắt đầu giống với khuôn mặt của Gertier Dierks, tình nhân của Rembrandt, người mà nghệ sĩ đã chung sống sau cái chết của vợ mình.

Phòng ngủ màu vàng của Van Gogh

Vincent Van Gogh, Phòng ngủ tại Arles, 1888 - 1889.

Vào tháng 5 năm 1888, Van Gogh mua lại một xưởng nhỏ ở Arles, miền nam nước Pháp, nơi ông chạy trốn khỏi các nghệ sĩ và nhà phê bình Paris, những người không hiểu ông. Ở một trong bốn phòng, Vincent đang sắp đặt một phòng ngủ. Vào tháng 10, mọi thứ đã sẵn sàng, và anh quyết định vẽ "Phòng ngủ của Van Gogh ở Arles". Đối với nghệ sĩ, màu sắc và sự ấm cúng của căn phòng là rất quan trọng: mọi thứ phải gợi sự thư giãn. Đồng thời, hình ảnh được duy trì ở tông màu vàng đáng báo động.

Các nhà nghiên cứu về tác phẩm của Van Gogh giải thích điều này là do nghệ sĩ này đã dùng bao tay cáo, một loại thuốc chữa bệnh động kinh, gây ra những thay đổi nghiêm trọng trong nhận thức của bệnh nhân về màu sắc: toàn bộ thực tế xung quanh được sơn bằng tông màu vàng xanh.

Hoàn hảo không răng

Leonardo da Vinci, "Chân dung của Madame Lisa del Giocondo", 1503-1519.

Ý kiến ​​thường được chấp nhận là Mona Lisa là sự hoàn hảo và nụ cười của cô ấy đẹp trong sự bí ẩn của nó. Tuy nhiên, nhà phê bình nghệ thuật người Mỹ (và nha sĩ bán thời gian) Joseph Borkowski cho rằng nếu xét theo biểu cảm trên gương mặt thì nhân vật nữ chính đã bị rụng rất nhiều răng. Khi xem xét các bức ảnh phóng to của kiệt tác, Borkowski cũng tìm thấy những vết sẹo xung quanh miệng của cô. “Cô ấy cười rất nhiều chính xác là vì những gì đã xảy ra với cô ấy,” chuyên gia nói. "Biểu hiện của cô ấy là điển hình của những người bị mất răng cửa."

Chuyên ngành kiểm soát khuôn mặt

Pavel Fedotov, The Major's Matchmaking, năm 1848.

Những khán giả lần đầu tiên nhìn thấy bức tranh “Cô bé bán diêm” đã bật cười đắc ý: họa sĩ Fedotov đã lấp đầy nó bằng những chi tiết mỉa mai mà người xem thời đó có thể hiểu được. Ví dụ, vị thiếu tá rõ ràng không quen thuộc với các quy tắc của nghi thức quý tộc: anh ta xuất hiện mà không có bó hoa theo yêu cầu cho cô dâu và mẹ cô. Và bản thân cô dâu đã được bố mẹ thương gia xuất viện vào buổi tối bóng áo choàng, mặc dù đó là ban ngày bên ngoài (tất cả các đèn trong phòng đều tắt). Cô gái rõ ràng là lần đầu tiên mặc một chiếc váy xẻ thấp, cô ấy xấu hổ và cố gắng chạy về phòng của mình.

Tại sao Freedom lại trần trụi

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberty on the Barricades, 1830.

Theo nhà phê bình nghệ thuật Etienne Julie, Delacroix đã vẽ khuôn mặt của một người phụ nữ từ nhà cách mạng nổi tiếng ở Paris - cô thợ giặt Anne-Charlotte, người đã đến can ngăn sau cái chết của anh trai mình dưới bàn tay của những người lính hoàng gia và giết chết 9 lính canh. Các nghệ sĩ đã miêu tả cô với bộ ngực trần. Theo kế hoạch của ông, đây là biểu tượng của sự dũng cảm và vị tha, cũng như chiến thắng của nền dân chủ: một bộ ngực trần cho thấy Freedom, giống như một người dân thường, không mặc áo nịt ngực.

Hình vuông không vuông

Kazimir Malevich, "Quảng trường Siêu nhân đen", năm 1915.

Trên thực tế, "Hình vuông đen" hoàn toàn không phải là màu đen và cũng không phải là hình vuông: không cạnh nào của hình tứ giác song song với bất kỳ cạnh nào khác của nó, và không một cạnh nào của khung hình vuông đóng khung bức tranh. MỘT màu tối- đây là kết quả của việc trộn các màu khác nhau, trong đó không có màu đen. Người ta tin rằng đây không phải là sơ suất của tác giả, mà là một quan điểm nguyên tắc, mong muốn tạo ra một hình thức năng động, di động.

Các chuyên gia của Phòng trưng bày Tretyakov đã phát hiện ra chữ khắc của tác giả trên bức tranh nổi tiếng Malevich. Chú thích có nội dung "Trận chiến của người da đen trong Hang tối." Cụm từ này đề cập đến tiêu đề của bức ảnh vui tươi của nhà báo, nhà văn và nghệ sĩ người Pháp Alphonse Allais "Trận chiến của người da đen trong hang tối trong đêm sâu", đó là một hình chữ nhật hoàn toàn màu đen.

Giai điệu về nàng Mona Lisa của Áo

Gustav Klimt, "Chân dung Adele Bloch-Bauer", 1907.

Một trong những bức tranh quan trọng nhất của Klimt vẽ vợ của ông trùm ngành đường người Áo Ferdinad Bloch-Bauer. Tất cả Vienna đang thảo luận Lãng mạn tràn ngập Adele và Nghệ sĩ nổi tiếng... Người chồng bị thương muốn trả thù tình nhân nhưng anh đã chọn rất cách bất thường: anh ta quyết định đặt hàng Klimt một bức chân dung của Adele và buộc anh ta phải thực hiện hàng trăm bức phác thảo, cho đến khi người nghệ sĩ bắt đầu quay lưng lại với cô ấy.

Bloch-Bauer muốn tác phẩm kéo dài vài năm, và người mẫu có thể thấy tình cảm của Klimt mất dần đi như thế nào. Anh đưa ra một lời đề nghị hào phóng cho nghệ sĩ mà anh không thể từ chối, và mọi chuyện diễn ra theo kịch bản của một người chồng bị lừa dối: công việc hoàn thành trong 4 năm, đôi tình nhân đã nguội lạnh với nhau từ lâu. Adele Bloch-Bauer không bao giờ phát hiện ra rằng chồng cô đã biết về mối quan hệ của cô với Klimt.

Bức tranh khiến Gauguin sống lại

Paul Gauguin, Chúng ta đến từ đâu? Chúng ta là ai? Chúng ta đi đâu ?, 1897-1898.

Nhiều nhất canvas nổi tiếng Gauguin có một điểm đặc biệt: nó được "đọc" không phải từ trái sang phải, mà từ phải sang trái, giống như các văn bản Kabbalistic mà nghệ sĩ quan tâm. Theo thứ tự này, câu chuyện ngụ ngôn về đời sống tinh thần và thể chất của một người được mở ra: từ sự ra đời của linh hồn (một đứa trẻ đang ngủ ở góc dưới bên phải) đến sự không thể tránh khỏi của giờ chết (một con chim với móng vuốt của thằn lằn. ở góc dưới bên trái).

Bức tranh được vẽ bởi Gauguin ở Tahiti, nơi họa sĩ nhiều lần chạy trốn khỏi nền văn minh. Nhưng lần này cuộc sống trên đảo không diễn ra như ý: hoàn toàn nghèo đói đã khiến anh ta bị trầm cảm. Sau khi hoàn thành tấm bạt, vật để trở thành vật chứng tinh thần của mình, Gauguin lấy một hộp thạch tín và đi lên núi để chết. Tuy nhiên, anh ta đã tính toán sai liều lượng và vụ tự tử không thành. Sáng hôm sau, bập bênh, anh lang thang về chòi và ngủ thiếp đi, khi tỉnh dậy anh cảm thấy khát sống quên lãng. Và vào năm 1898, công việc của ông trở nên khó khăn, và một thời kỳ tươi sáng hơn bắt đầu trong công việc của ông.

112 câu tục ngữ trong một bức tranh

Pieter Bruegel the Elder, Châm ngôn Hà Lan, 1559

Pieter Bruegel Sr. đã miêu tả một vùng đất sinh sống bằng những hình ảnh theo nghĩa đen của các câu tục ngữ Hà Lan thời đó. Có khoảng 112 thành ngữ dễ nhận biết trong bức tranh. Một số trong số đó được sử dụng cho đến ngày nay, chẳng hạn như: "bơi ngược dòng", "đập đầu vào tường", "vũ trang tận răng" và "một con cá lớn ăn một con nhỏ."

Những câu tục ngữ khác phản ánh sự ngu ngốc của con người.

Tính chủ quan của nghệ thuật

Paul Gauguin, Làng Breton trong tuyết, 1894

Bức tranh của Gauguin "Ngôi làng trong tuyết" của Gauguin đã được bán sau khi tác giả qua đời với giá chỉ bảy franc và hơn thế nữa, dưới cái tên "Thác Niagara". Người tiến hành cuộc đấu giá đã vô tình treo ngược bức tranh sau khi nhìn thấy một thác nước trong đó.

Hình ảnh ẩn

Pablo Picasso, Căn phòng màu xanh, 1901

Năm 2008, ánh sáng hồng ngoại cho thấy một hình ảnh khác ẩn dưới Căn phòng Xanh - chân dung một người đàn ông mặc vest thắt nơ và gối đầu lên cánh tay. “Ngay khi Picasso có ý tưởng mới, anh ấy lấy một cây bút lông và vẽ nó lên. Nhưng anh ấy không có cơ hội mua một tấm vải mới mỗi khi nàng thơ của anh ấy đến thăm anh ấy, ”giải thích lý do có thể nhà phê bình nghệ thuật này Patricia Favero.

Người Maroc không thể tiếp cận

Zinaida Serebryakova, khỏa thân, 1928

Một khi Zinaida Serebryakova nhận được lời đề nghị hấp dẫn- thực hiện một cuộc hành trình sáng tạo để khắc họa hình ảnh khỏa thân của các thiếu nữ phương Đông. Nhưng hóa ra chỉ đơn giản là không thể tìm thấy người mẫu ở những nơi đó. Người phiên dịch của Zinaida đã đến để giải cứu - anh ta đưa các chị em gái và cô dâu của mình đến với cô ấy. Không ai trước và sau điều này có thể nắm bắt được việc đóng cửa phụ nữ phương đông trần truồng.

Thông tin chi tiết tự phát

Valentin Serov, "Chân dung Nicholas II trong chiếc áo khoác", 1900

Thời gian dài Serov không thể vẽ chân dung sa hoàng. Khi nghệ sĩ bỏ cuộc hoàn toàn, anh ấy đã xin lỗi Nikolai. Nikolai có chút bực bội, ngồi xuống bàn, giang hai tay ra trước mặt ... Và rồi nó chợt nhận ra người nghệ sĩ - anh đây rồi! Một quân nhân giản dị trong chiếc áo khoác sĩ quan với đôi mắt trong veo và đượm buồn. Bức chân dung này được coi là hình ảnh đẹp nhất Hoàng đế cuối cùng.

Deuce một lần nữa

© Fedor Reshetnikov

Bức tranh nổi tiếng "Deuce Again" chỉ là phần thứ hai của bộ ba tác phẩm nghệ thuật.

Phần đầu tiên là "Đến để đi nghỉ". Một gia đình giàu có rõ ràng kỳ nghỉ đông, một sinh viên xuất sắc vui vẻ.

Phần thứ hai là "Deuce again". Một gia đình nghèo từ một vùng ngoại ô của tầng lớp lao động, ở giữa năm học, chán nản, choáng váng, một lần nữa chộp lấy một lần nữa. Ở góc trên bên trái, bạn có thể thấy hình ảnh “Đã đến để đi nghỉ”.

Phần thứ ba là "Tái khám". Một ngôi nhà nông thôn, mùa hè, mọi người đang đi dạo, một tên ngu dốt độc hại, người đã trượt kỳ thi hàng năm, buộc phải ngồi trong bốn bức tường và nhồi nhét. Ở góc trên bên trái, bạn có thể thấy bức tranh "Deuce again".

Làm thế nào những kiệt tác được sinh ra

Joseph Turner, Mưa, Hơi nước và Tốc độ, 1844

Năm 1842, bà Simon đi du lịch bằng xe lửa ở Anh. Đột nhiên một trận mưa lớn như trút nước bắt đầu. Người đàn ông lớn tuổi ngồi đối diện với cô đứng dậy, mở cửa sổ, thò đầu ra ngoài và nhìn chằm chằm như vậy trong mười phút. Không kìm được sự tò mò, người phụ nữ cũng mở cửa sổ và bắt đầu nhìn về phía trước. Một năm sau, cô phát hiện ra bức tranh "Mưa, Hơi nước và Tốc độ" tại một cuộc triển lãm tại Học viện Nghệ thuật Hoàng gia và có thể nhận ra trong đó có cảnh tương tự trên chuyến tàu.

Bài học giải phẫu từ Michelangelo

Michelangelo, Sự sáng tạo của Adam, 1511

Một số chuyên gia giải phẫu thần kinh người Mỹ tin rằng Michelangelo thực sự đã để lại một số hình minh họa giải phẫu trong một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất của ông. Họ tin rằng ở phía bên phải của bức tranh là một bộ não khổng lồ. Đáng ngạc nhiên, thậm chí có thể tìm thấy các thành phần phức tạp như tiểu não, dây thần kinh thị giác và tuyến yên. Và dải ruy băng màu xanh lá cây bắt mắt hoàn toàn phù hợp với vị trí của động mạch đốt sống.

Bữa tối cuối cùng của Van Gogh

Vincent Van Gogh, Quán cà phê Terrace vào ban đêm, 1888

Nhà nghiên cứu Jared Baxter tin rằng sự cống hiến cho Bữa tối cuối cùng của Leonardo da Vinci được mã hóa trên bức tranh Terrace Cafe at Night của Van Gogh. Ở trung tâm của bức tranh là một người phục vụ với tóc dài và trong chiếc áo dài trắng gợi nhớ đến quần áo của Chúa Kitô, và xung quanh Ngài có đúng 12 vị khách đến quán cà phê. Baxter còn gây chú ý với cây thánh giá nằm ngay sau lưng người phục vụ màu trắng.

Hình ảnh ký ức của Dali

Salvador Dali, Sự bền bỉ của ký ức, 1931

Không có gì bí mật khi những suy nghĩ đã đến thăm Dali trong quá trình tạo ra những kiệt tác của ông luôn ở dạng những hình ảnh rất thực tế, mà sau đó người nghệ sĩ đã chuyển vào bức vẽ. Vì vậy, theo chính tác giả, bức tranh "Sự bền bỉ của ký ức" được vẽ là kết quả của những liên tưởng nảy sinh khi nhìn thấy pho mát đã qua chế biến.

Những gì Munch la hét về

Edvard Munch, Tiếng thét, 1893.

Munch nói về sự xuất hiện của ý tưởng về một trong những những bức tranh bí ẩn trong bức tranh thế giới: "Tôi đang đi trên con đường với hai người bạn - mặt trời đang lặn - đột nhiên bầu trời chuyển sang màu đỏ như máu, tôi dừng lại, cảm thấy kiệt sức và dựa vào hàng rào - tôi nhìn máu và ngọn lửa trên mặt trời xanh- vịnh đen và thành phố - những người bạn của tôi đã tiếp tục, còn tôi thì đứng, run lên vì phấn khích, cảm thấy một tiếng kêu không dứt xuyên qua thiên nhiên. " Nhưng loại hoàng hôn nào có thể khiến người nghệ sĩ sợ hãi như vậy?

Có một phiên bản cho rằng ý tưởng về "Tiếng thét" ra đời tại Munch năm 1883, khi một số vụ phun trào mạnh mẽ của núi lửa Krakatoa diễn ra - mạnh đến mức chúng đã làm thay đổi nhiệt độ của bầu khí quyển Trái đất một độ. Một lượng lớn bụi và tro lan tỏa khắp nơi toàn cầu thậm chí đến tận Na Uy. Trong nhiều buổi tối liên tiếp, hoàng hôn trông như thể ngày tận thế sắp đến - một trong số chúng đã trở thành nguồn cảm hứng cho người nghệ sĩ.

Nhà văn trong nhân dân

Alexander Ivanov, "Sự xuất hiện của Chúa Kitô đối với dân chúng", 1837-1857.

Hàng chục người trông nom Alexander Ivanov vì anh ấy hình ảnh chính... Một trong số họ được biết đến không kém chính nghệ sĩ. Ở phía sau, trong số những du khách và kỵ sĩ La Mã chưa nghe bài giảng của John the Baptist, bạn có thể thấy một nhân vật mặc áo dài korchin. Ivanov đã viết nó từ Nikolai Gogol. Nhà văn đã trao đổi chặt chẽ với họa sĩ ở Ý, đặc biệt là về các vấn đề tôn giáo, và cho anh ta những lời khuyên trong quá trình vẽ tranh. Gogol tin rằng Ivanov "đã chết từ lâu cho cả thế giới, ngoại trừ công việc của anh ta."

Michelangelo's gout

Raphael Santi, " Trường học athens", 1511.

Tạo ra bức bích họa nổi tiếng "Trường học Athens", Raphael đã biến bạn bè và người quen của mình trở thành bất tử trong hình ảnh của các triết gia Hy Lạp cổ đại. Một trong số họ là Michelangelo Buonarotti "trong vai" Heraclitus. Trong nhiều thế kỷ, bức bích họa lưu giữ bí mật về cuộc sống cá nhân của Michelangelo, và các nhà nghiên cứu hiện đại cho rằng đầu gối góc cạnh kỳ lạ của nghệ sĩ cho thấy sự hiện diện của bệnh khớp.

Điều này có thể xảy ra, dựa trên lối sống và điều kiện làm việc của các nghệ sĩ thời Phục hưng và thói quen làm việc kinh niên của Michelangelo.

Gương của Arnolfini

Jan van Eyck, "Chân dung cặp đôi Arnolfini", 1434

Trong tấm gương phía sau cặp đôi Arnolfini, bạn có thể nhìn thấy hình ảnh phản chiếu của hai người nữa trong phòng. Nhiều khả năng đây là những nhân chứng có mặt trong buổi giao kết hợp đồng. Một trong số đó là van Eyck, bằng chứng là dòng chữ Latinh, được đặt, trái với truyền thống, phía trên tấm gương ở trung tâm của bố cục: "Jan van Eyck đã ở đây." Đây là cách các hợp đồng thường được niêm phong.

Làm thế nào thiếu biến thành tài năng

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Bức chân dung tự họa ở tuổi 63, 1669.

Nhà nghiên cứu Margaret Livingston đã nghiên cứu tất cả các bức chân dung tự họa của Rembrandt và nhận thấy rằng nghệ sĩ mắc chứng lác mắt: trong ảnh, mắt ông nhìn theo các hướng khác nhau, điều này không thể quan sát được trong chân dung của người khác bởi chủ nhân. Căn bệnh dẫn đến việc nghệ sĩ có khả năng nhận thức thực tế ở hai chiều tốt hơn những người có thị lực bình thường. Hiện tượng này được gọi là "mù âm thanh nổi" - không có khả năng nhìn thế giới ở dạng 3D. Nhưng vì họa sĩ phải làm việc với hình ảnh hai chiều, nên khuyết điểm này của Rembrandt có thể là một trong những lời giải thích cho tài năng phi thường của ông.

Venus vô tội

Sandro Botticelli, Sự ra đời của thần Vệ nữ, 1482-1486.

Trước khi xuất hiện "Sự ra đời của thần Vệ nữ", hình ảnh một cơ thể phụ nữ khỏa thân trong tranh chỉ là một ý tưởng nguyên tội... Sandro Botticelli là họa sĩ châu Âu đầu tiên không tìm thấy điều gì tội lỗi ở mình. Hơn nữa, các nhà phê bình nghệ thuật chắc chắn rằng nữ thần tình yêu ngoại giáo tượng trưng trên bức bích họa hình ảnh christian: sự xuất hiện của cô ấy là một câu chuyện ngụ ngôn về sự tái sinh của một linh hồn đã trải qua nghi thức rửa tội.

Người chơi đàn luýt hay người chơi đàn luýt?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, The Lute Player, năm 1596.

Trong một thời gian dài, bức tranh đã được triển lãm trong Hermitage với tiêu đề "The Lute Player". Chỉ vào đầu thế kỷ 20, các nhà phê bình nghệ thuật đồng ý rằng bức tranh vẫn còn mô tả một chàng trai trẻ (có thể là, bạn của anh ấy là nghệ sĩ Mario Minniti đã đóng giả Caravaggio): trên các nốt nhạc phía trước nhạc sĩ, bạn có thể thấy bản ghi phần âm trầm. của Madrigal Jacob Arcadelt "Bạn biết rằng tôi yêu bạn" ... Một người phụ nữ khó có thể đưa ra lựa chọn như vậy - nó chỉ khó cho cổ họng của cô ấy. Ngoài ra, đàn lute, giống như đàn vĩ cầm ở rìa bức tranh, được coi là một nhạc cụ nam giới trong thời đại của Caravaggio.

Các bức tranh của Ilya Efimovich Repin là di sản thực sự của hội họa Nga thế kỷ 19. Chúng có thể được xem hàng giờ, xem xét từng chi tiết. Nhiều tác phẩm của nghệ sĩ vẫn được bao phủ trong một vầng hào quang của những bí mật và bí ẩn. Trong số những bức tranh "bí ẩn" nổi tiếng nhất của Repin: "Ivan Bạo chúa và con trai Ivan vào ngày 16 tháng 11 năm 1581", "Cuộc họp trang trọng của Hội đồng Nhà nước", "Xà lan Haulers trên sông Volga." Nhưng mọi người ít biết về một bức tranh rất tai tiếng.

Ilya Repin, “Cuộc họp long trọng của Hội đồng Nhà nước ngày 7 tháng 5 năm 1901”, 1903

Đây là "Quán cà phê Paris", được viết bởi Ilya Efimovich vào năm 1874. Vào thời điểm đó, nghệ sĩ và gia đình của ông sống ở Paris, nơi ông được gửi đến với tư cách là sinh viên xuất sắc nhất của Học viện Nghệ thuật Hoàng gia. Lúc đầu, Repin đã trải qua một khó khăn cú sốc văn hóa: thủ đô của Pháp áp bức anh ta, và họa sĩ không thích tất cả mọi thứ ở đó, nhưng sau một thời gian anh ta vẫn yêu thành phố này, ngưỡng mộ cư dân của nó, ngoại hình và cách cư xử của họ.

"Trong khi đó, tôi vô cùng thích thú với Paris: hương vị, sự duyên dáng, nhẹ nhàng, tốc độ và vẻ đẹp sâu lắng trong sự đơn giản này. Đặc biệt là trang phục của phụ nữ Paris! Không thể nào diễn tả được điều này ..."

Trước sự ngưỡng mộ của anh ấy đối với Paris, nghệ sĩ quyết định viết bức tranh lớn, lấy làm cơ sở cho đám đông sôi nổi của một quán cà phê cũ trên Đại lộ de Clichy. Vì Repin đang hăng say làm việc trên một bức tranh mới và vẽ tất cả các nhân vật từ thiên nhiên, nên túi của anh ấy nhanh chóng cạn kiệt. Theo sự thừa nhận của chính nghệ sĩ, các người mẫu địa phương đã làm việc với kỹ năng của các diễn viên thực thụ, nhưng chúng rất đắt - 10 franc một ngày.

Ilya Repin, phác thảo cho bức tranh "Quán cà phê Paris", 1875

Ilya Efimovich đã cố gắng sửa chữa hoàn cảnh của mình bằng cách bắt đầu viết những bức tranh nhỏ, thể loại từ cuộc sống của người Paris, nhưng chúng không bán chạy. Sau đó, tìm hiểu về khó khăn tài chính nghệ sĩ, thương gia Tretyakov đã viết thư cho anh ta và đề nghị vẽ một bức chân dung của Alexei Konstantinovich Tolstoy. Một phần, đây không chỉ là một cử chỉ của người hảo tâm: Tretyakov từ lâu đã muốn có được một bức chân dung của người sau này. Đổi lại, Repin gợi ý về khả năng mua một bức chân dung của Turgenev từ anh ta, và Tretyakov đồng ý. Thật không may, người mua nổi tiếng không thích tác phẩm với Ivan Sergeevich và anh ta đã không chuyển 1.000 franc khác (vượt quá số tiền đã trả cho tác phẩm hiện tại). Nhưng ngay cả số tiền này cũng đủ để Ilya Efimovich và gia đình sống yên ổn, còn bản thân cậu chủ thì có thể làm việc.

Một vụ bê bối ở quy mô toàn cầu

Sau khi hoàn thành tác phẩm "Quán cà phê Paris", Ilya Repin quyết định trưng bày nó vào ngày khai mạc chính của Paris năm 1875. Người ta tò mò rằng có hơn năm nghìn tác phẩm tại triển lãm, và bức tranh của Repin được treo quá cao, nhưng sau 3 ngày, một người Mỹ đến thăm đã thích thú với nó. Anh sẵn sàng mua bức tranh nhưng giá họa sĩ yêu cầu quá cao.

Ilya Repin, "Quán cà phê Paris", 1875

Trong khi đó, Arkhip Kuindzhi xoay sở để thổi kèn ở St.Petersburg về bức tranh "thất bại" của Repin. Hầu hết những lời chỉ trích đều dành cho nghệ sĩ từ người bạn cũ kiêm giáo viên Kramskoy. Ivan Nikolaevich đã viết một bức thư tức giận cho Paris, trong đó ông gọi quan điểm của mình về nghệ thuật là mong manh và gần như phản bội liên quan đến phẩm giá quốc gia:

"Tôi sẽ không nói rằng đó không phải là một âm mưu. Còn gì nữa! Chỉ không dành cho chúng tôi: bạn cần lắng nghe chansonnet từ khi còn nhỏ, bạn cần thực hành làm những việc khác nhau vài thế hệ trước khi chúng ta chào đời. Nói một cách ngắn gọn, bạn phải là người Pháp ... "

Sau đó, Ivan Nikolaevich thậm chí sẽ đến Paris để cứu bạn của mình, nhưng họ sẽ không bao giờ đi đến một mẫu số chung.

Bí mật vẽ tranh

Bí mật chính của bức tranh nằm trong một bức tranh hồi tưởng tuyệt vời và đóng băng người thật... Như vậy, người ta biết rằng đối với trung tâm nhân vật nữ Một ngôi sao thực sự đã đóng giả cho "Parisian Cafe" - ca sĩ, ca sĩ và trưởng nhóm của "Théâtre des Bouffes-Parisiens" Anna Judik. Người nghệ sĩ đã viết lại diện mạo của nhân vật nữ chính của mình nhiều lần, thay đổi cả tư thế, nét mặt hoặc mức độ giống với bản gốc. Lần cuối cùngông đã thay đổi nó ngay trước khi bán vào năm 1916. Tại sao? Điều này vẫn còn là một bí ẩn.

Quay trở lại thế kỷ 15, Cornelius Agrippa ở Nettesheim đã viết: "Hãy coi chừng bàn chải của họa sĩ - bức chân dung của anh ấy có thể trở nên sống động hơn so với bản gốc." Khó ai có thể tranh luận rằng Ilya Efimovich Repin (1844-1930) là một trong những họa sĩ Nga vĩ đại nhất. Nhưng - hoàn cảnh kỳ lạ: nhiều người có vinh dự trở thành người trông nom ông đã sớm chết ...

Trong số các "nạn nhân" của nghệ sĩ có Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, diễn viên người Ý Mercy d'Arzhanto. Ngay sau khi họa sĩ cầm lên bức chân dung của Fyodor Tyutchev, anh ta cũng chết ... Đúng, trong mọi trường hợp đều có một số lý do khách quan dẫn đến cái chết, nhưng đây là một sự trùng hợp ... Người ta nói rằng "Xà lan Haulers trên sông Volga" đã sớm ban cho Chúa linh hồn của họ ...

Rất giống nhau câu chuyện rùng rợnđã xảy ra với bức tranh "Ivan Bạo chúa và con trai Ivan vào ngày 16 tháng 11 năm 1581", mà ở thời đại chúng ta được biết đến nhiều hơn với cái tên "Ivan Bạo chúa giết con trai mình." Ngay cả những người cân bằng, khi nhìn vào tấm bạt, cũng cảm thấy khó chịu: cảnh giết người được viết quá chân thực, có quá nhiều máu trên tấm bạt, có vẻ như thật ...

Khi bức tranh được triển lãm tại Tretyakov Gallery, nó bắt đầu tạo được ấn tượng kỳ lạ đối với du khách. Một số người đang khóc trước bức tranh, những người khác rơi vào trạng thái sững sờ, và những người khác lại lên cơn cuồng loạn. Và họa sĩ biểu tượng trẻ tuổi Abram Balashov vào ngày 16 tháng 1 năm 1913, đã cắt tấm vải bằng một con dao ... Vải đã được khôi phục.

Được biết, Repin đã đắn đo rất lâu trước khi chụp ảnh Ivan Bạo chúa. Và vì lý do chính đáng. Nghệ sĩ Myasoyedov, người đã sớm vẽ hình ảnh của nhà vua,

trong cơn tức giận, ông ta suýt giết chết đứa con trai nhỏ của mình, tên là Ivan, cũng như hoàng tử bị sát hại. Hình ảnh sau này được viết từ nhà văn Vsevolod Garshin, người sau đó đã phát điên và tự sát bằng cách ném mình xuống cầu thang máy bay ...

Nhân tiện, câu chuyện rằng Ivan Bạo chúa là một kẻ giết người chỉ là một huyền thoại. Người ta tin rằng Ivan Bạo chúa đã giết con trai mình trong cơn tức giận bằng cây gậy trong đền thờ. Lý do của các nhà nghiên cứu khác nhau là khác nhau: từ những cuộc cãi vã hàng ngày đến những xích mích chính trị. Trong khi đó, không có nguồn nào trực tiếp nói rằng hoàng tử và người thừa kế ngai vàng đã bị giết bởi chính cha mình!

Vì vậy, trong "Biên niên sử Piskarevsky" có nói rằng: "vào lúc 12 giờ đêm mùa hè tháng 11 năm 7090 vào ngày thứ 17 ... sự thay thế của Tsarevich John Ioannovich." Biên niên sử thứ tư của Novgorod tường thuật: "Cùng năm (7090), Tsarevich John Ioannovich qua đời tại Matins ở Sloboda ..." Nguyên nhân cái chết không được nêu tên.

Vào những năm 60 của thế kỷ trước, những ngôi mộ của Ivan Bạo chúa và con trai của ông đã được mở ra. Hộp sọ của hoàng tử không bị tổn thương do chấn thương sọ não. Hậu quả là không có vụ giết người nào ?! Nhưng truyền thuyết về anh ta từ đâu ra?

Có một phiên bản mà tác giả của nó là tu sĩ Dòng Tên Possevin. Sau đó được cử đến Moscow với tư cách là đại sứ từ Đức Giáo hoàng. Anh ấy đề nghị Nhà thờ Chính thống giáođi dưới sự cai trị của Vatican, nhưng không tìm thấy sự ủng hộ từ sa hoàng Nga. Trong khi đó, Possevin chứng kiến ​​một vụ bê bối gia đình. Vị vua giận dữ với cô con dâu đang mang thai, vợ của con trai Ivan, vì "ngoại hình xấu xí" - hoặc cô ấy quên thắt dây lưng, hoặc cô ấy chỉ mặc một chiếc áo trong khi lẽ ra phải mặc bốn chiếc. . Trong lúc nóng nảy, ông bố chồng đã ra tay đánh người phụ nữ bất hạnh bằng nhân viên của mình. Hoàng tử đứng ra bênh vực vợ: trước đó, cha anh đã gửi hai người vợ đầu tiên của mình đến tu viện, người không thể thụ thai từ anh ta, và John the Younger sợ rằng anh ta sẽ mất người thứ ba, vì cha anh ta đơn giản. giết cô ta. Anh ta lao đến chỗ thầy tế lễ, và trong cơn tức giận, anh ta đã dùng cây quyền trượng của mình tấn công và xuyên thủng đền thờ của con trai mình ...

Nhân tiện, trong quá trình khai quật, phần còn lại của chất độc được tìm thấy trong các mô xương của hoàng tử, điều này có thể cho thấy rằng John the Younger đã chết vì trúng độc (điều này không phải là hiếm trong những ngày đó), chứ không phải vì một cú đánh bằng vật rắn!

Tuy nhiên, nó là phiên bản của chất giết người được thể hiện trong bức tranh của Repin. Và nó được trình bày với sự hợp lý phi thường đến mức bạn vô tình tin rằng mọi thứ đã thực sự xảy ra. Do đó, rõ ràng, và năng lượng "giết người".

Một lần Repin được lệnh vẽ một bức tranh hoành tráng khổng lồ "Cuộc họp nghi lễ của Hội đồng Nhà nước." Bức tranh được hoàn thành vào cuối năm 1903. Và vào năm 1905, cuộc cách mạng Nga đầu tiên nổ ra, trong đó những người đứng đầu các quan chức nhà nước được khắc họa trên tấm vải bay. Một số mất bài viết và chức danh, trong khi những người khác phải trả giá bằng mạng sống của mình. Vì vậy, Bộ trưởng V.K. hân hạnh và Đại công tước Sergei Alexandrovich, cựu toàn quyền Matxcơva, đã bị bọn khủng bố giết chết.

Năm 1909, họa sĩ, được ủy quyền bởi Duma thành phố Saratov, đã vẽ một bức chân dung của Thủ tướng Stolypin. Anh ta chưa kịp hoàn thành công việc của mình thì Stolypin bị bắn chết ở Kiev.

Ai biết được - có lẽ, nếu Ilya Repin không quá tài năng, hậu quả bi thảm như vậy có lẽ đã không xảy ra ...

Các ấn phẩm trong phần Bảo tàng

Bí mật về những bức tranh nổi tiếng

Các tác phẩm nghệ thuật thường đặc biệt nổi tiếng nếu chúng là huyền thoại hoặc nếu chúng đột nhiên không giống như thoạt nhìn. "Kultura.RF" tiết lộ bí mật của những bức tranh Nga nổi tiếng - và không phải vậy.

"Nun" của Ilya Repin

Ilya Repin. Ni cô. 1878. Phòng trưng bày State Tretyakov / Chân dung dưới tia X

Một cô gái trẻ trong trang phục tu hành khắc khổ đang trầm ngâm nhìn người xem từ bức chân dung. Hình ảnh cổ điển và quen thuộc - nó có lẽ sẽ không khơi dậy được sự quan tâm của các nhà phê bình nghệ thuật, nếu không có hồi ký của Lyudmila Shevtsova-Spore, cháu gái của vợ Repin. Một câu chuyện thú vị đã được tiết lộ trong họ.

Điều này không ngăn cản họa sĩ vẽ nhiều lần chân dung Sophia. Đối với một trong số họ, cô gái tạo dáng trong một chiếc váy dạ hội trang trọng: ánh sáng váy đẹp, tay áo ren, kiểu tóc vấn cao. Trong khi thực hiện bức tranh, Repin đã có một cuộc cãi vã nghiêm trọng với người mẫu. Như bạn đã biết, ai cũng có thể xúc phạm nghệ sĩ, nhưng ít ai có thể trả thù một cách tài tình như Repin đã làm. Người nghệ sĩ bị xúc phạm đã “mặc quần áo tu viện” cho Sophia trong bức chân dung.

Câu chuyện, tương tự như một giai thoại, đã được xác nhận bằng chụp X-quang. Các nhà nghiên cứu đã may mắn: Repin đã không làm sạch lớp sơn ban đầu, điều này có thể kiểm tra chi tiết trang phục ban đầu của nhân vật nữ chính.

"Park Alley" của Isaac Brodsky

Isaac Brodsky. Ngõ công viên. 1930. Bộ sưu tập riêng / Isaac Brodsky. Ngõ công viên ở Rome. 1911

Không ít câu đố thú vịđã được để lại cho các nhà nghiên cứu bởi Isaac Brodsky, sinh viên của Repin. Phòng trưng bày Tretyakov có bức tranh "Park Alley" của ông, thoạt nhìn thì không có gì nổi bật: Brodsky đã có rất nhiều tác phẩm về chủ đề "công viên". Tuy nhiên, càng vào sâu trong công viên, các lớp màu càng nhiều.

Một trong những nhà nghiên cứu đã thu hút sự chú ý của thực tế là bố cục của bức tranh giống một cách đáng ngờ với một tác phẩm khác của nghệ sĩ - "Ngõ công viên ở Rome" (Brodsky đã keo kiệt với tên ban đầu). Trong một thời gian dài, bức tranh này bị coi là thất lạc và bản sao của nó chỉ được xuất bản trong một phiên bản hiếm Năm 1929 trong năm. Với sự trợ giúp của tia X, một con hẻm La Mã đã biến mất một cách bí ẩn đã được tìm thấy - ngay dưới thời Liên Xô. Các nghệ sĩ đã không làm sạch hình ảnh hoàn thành và chỉ đơn giản là thực hiện một số thay đổi đơn giản đối với nó: ông thay quần áo của những người qua đường theo phong cách của những năm 30 của thế kỷ XX, “lấy đi” những chiếc áo cerso của lũ trẻ, dỡ bỏ những bức tượng bằng đá cẩm thạch và thay đổi một chút cây cối. Vì vậy, công viên đầy nắng của Ý, với một vài chuyển động nhẹ của bàn tay, đã biến thành một công viên Xô Viết mẫu mực.

Khi được hỏi tại sao Brodsky quyết định giấu con hẻm La Mã của mình, họ không tìm ra câu trả lời. Nhưng có thể cho rằng việc miêu tả "sự quyến rũ khiêm tốn của giai cấp tư sản" vào năm 1930 theo quan điểm hệ tư tưởng đã không còn phù hợp. Tuy nhiên, trong số tất cả các tác phẩm phong cảnh hậu cách mạng của Brodsky, "Hẻm Công viên" là tác phẩm thú vị nhất: bất chấp những thay đổi, bức tranh vẫn giữ được vẻ sang trọng quyến rũ của Art Nouveau, điều mà không tồn tại trong chủ nghĩa hiện thực Liên Xô.

"Buổi sáng trong rừng thông" của Ivan Shishkin

Ivan Shishkin và Konstantin Savitsky. Buổi sáng trong rừng thông... 1889. Phòng trưng bày State Tretyakov

Cảnh rừng với đàn con đang chơi trên cây đổ có lẽ là cảnh đẹp nhất công việc nổi tiếng họa sĩ. Nhưng ý tưởng về phong cảnh đối với Ivan Shishkin lại được gợi ý bởi một nghệ sĩ khác - Konstantin Savitsky. Chính ông là người đã viết thư cho con gấu với ba chú gấu con: chuyên gia rừng Shishkin đã không thành công với những con gấu.

Shishkin rất thông thạo về hệ thực vật rừng, nhận thấy những sai sót nhỏ nhất trong các bức vẽ của các học sinh của mình - hoặc vỏ cây bạch dương được mô tả sai, hoặc cây thông trông giống như một cây giả. Tuy nhiên, con người và động vật trong các tác phẩm của ông luôn là một thứ hiếm có. Tại đây Savitsky đã ra tay cứu giúp. Nhân tiện, anh ấy đã để lại một số bản vẽ chuẩn bị và phác thảo với đàn con - tìm kiếm tư thế phù hợp. “Buổi sáng trong rừng thông” ban đầu không phải là “Buổi sáng”: bức tranh được gọi là “Gia đình nhà gấu trong rừng”, và chỉ có hai con gấu trên đó. Với tư cách là đồng tác giả, Savitsky đã đưa chữ ký của mình lên khung vẽ.

Khi bức tranh được giao cho thương gia Pavel Tretyakov, anh ta đã phẫn nộ: anh ta trả tiền cho Shishkin (đặt hàng tác phẩm của tác giả), và nhận Shishkin và Savitsky. Shishkin, là một người đàn ông trung thực, không đặt quyền tác giả cho bản thân. Nhưng Tretyakov đã tuân theo nguyên tắc này và dùng nhựa thông xóa chữ ký của Savitsky khỏi bức tranh một cách vô tội vạ. Savitsky sau đó thẳng thừng từ chối bản quyền, và trong một thời gian dài, những con gấu được gán cho Shishkin.

"Portrait of a Chorus Girl" của Konstantin Korovin

Konstantin Korovin. Chân dung một cô gái hát hò. 1887. Phòng trưng bày State Tretyakov / Xuống dưới Chân dung

Ở mặt sau của bức tranh, các nhà nghiên cứu tìm thấy một thông điệp từ Konstantin Korovin trên bìa cứng, hóa ra gần như thú vị hơn chính bức tranh:

“Năm 1883 ở Kharkov, một bức chân dung của một cô gái đồng ca. Viết trên một ban công trong một khu vườn thương mại công cộng. Repin nói khi Mamontov S.I. cho anh ta xem bản phác thảo này rằng anh ta, Korovin, đang vẽ và tìm kiếm thứ khác, nhưng nó dùng để làm gì - đây là tranh chỉ để vẽ. Serov vẫn chưa vẽ chân dung vào thời điểm này. Và bức tranh của bản phác thảo này đã được tìm thấy không thể hiểu nổi ?? !! Vì vậy, Polenov đã yêu cầu tôi xóa bản phác thảo này khỏi cuộc triển lãm, vì cả các nghệ sĩ và các thành viên - ông Mosolov và những người khác đều không thích nó. Người mẫu là một người phụ nữ xấu xí, thậm chí có phần xấu xí. "

Konstantin Korovin

“Bức thư” bộc lộ tính trực diện và thách thức táo bạo của nó đối với toàn thể cộng đồng nghệ thuật: “Lúc đó Serov vẫn chưa vẽ chân dung” - nhưng ông, Konstantin Korovin, đã viết chúng. Và ông được cho là người đầu tiên sử dụng các kỹ thuật đặc trưng của phong cách mà sau này được gọi là trường phái ấn tượng Nga. Nhưng tất cả những điều này hóa ra chỉ là một huyền thoại mà người nghệ sĩ đã cố tình tạo ra.

Lý thuyết mảnh mai "Korovin - tiền thân của chủ nghĩa ấn tượng Nga" đã bị phá hủy không thương tiếc bởi những nghiên cứu kỹ thuật và công nghệ khách quan. Trên mặt của bức chân dung, họ tìm thấy chữ ký của nghệ sĩ bằng sơn, thấp hơn một chút - bằng mực: "1883, Kharkov". Tại Kharkov, nghệ sĩ đã làm việc vào tháng 5 - tháng 6 năm 1887: ông viết khung cảnh cho các buổi biểu diễn của vở opera tư nhân Mamontov của Nga. Ngoài ra, các nhà phê bình nghệ thuật phát hiện ra rằng "Chân dung của một cô gái hợp xướng" đã được thực hiện trong một phong cách nghệ thuật- một la prima. Kỹ thuật này tranh sơn dầuđược phép vẽ một bức tranh trong một phiên. Korovin chỉ bắt đầu sử dụng kỹ thuật này vào cuối những năm 1880.

Sau khi phân tích hai điểm mâu thuẫn này, các nhân viên của Phòng trưng bày Tretyakov đã đi đến kết luận rằng bức chân dung chỉ được vẽ vào năm 1887, và hơn thế nữa buổi sớm Korovin nói thêm để nhấn mạnh sự đổi mới của chính mình.

"Người đàn ông và cái nôi" của Ivan Yakimov

Ivan Yakimov. Người đàn ông và cái nôi.1770. Phòng trưng bày State Tretyakov / Phiên bản đầy đủ của tác phẩm

Trong một thời gian dài, bức tranh "Người đàn ông và cái nôi" của Ivan Yakimov đã gây hoang mang cho giới phê bình nghệ thuật. Và vấn đề thậm chí không phải là kiểu phác thảo hàng ngày này hoàn toàn không điển hình cho bức tranh thế kỷ XVIII kỷ - con ngựa bập bênh ở góc dưới bên phải của bức tranh có một sợi dây bị kéo căng quá mức bất thường, về mặt logic nó sẽ nằm trên sàn. Và còn quá sớm để một đứa trẻ chơi với những món đồ chơi như vậy từ khi còn trong nôi. Ngoài ra, lò sưởi không nằm gọn nửa trên tấm bạt, trông rất lạ.

Tình huống "được khai sáng" - theo nghĩa đen - một biểu đồ roentgenogram. Cô ấy cho thấy rằng tấm vải đã được cắt từ bên phải và trên cùng.

V Phòng trưng bày Tretyakov bức tranh được đưa ra sau khi bán bộ sưu tập của Pavel Petrovich Tugogo-Svinin. Ông sở hữu cái gọi là "Bảo tàng Nga" - một bộ sưu tập tranh, tác phẩm điêu khắc và đồ cổ. Nhưng vào năm 1834, do vấn đề tài chính, bộ sưu tập phải được bán - và bức tranh "Người đàn ông và cái nôi" cuối cùng đã được đưa vào Phòng trưng bày Tretyakov: không phải tất cả, mà chỉ còn lại một nửa của nó. Rất tiếc, bức bên phải đã bị mất, nhưng bạn vẫn có thể xem toàn bộ tác phẩm, nhờ một triển lãm độc đáo khác của Phòng trưng bày Tretyakov. Phiên bản đầy đủ của tác phẩm Yakimov được tìm thấy trong album “Tuyển tập các tác phẩm xuất sắc Nghệ sĩ Nga và những món đồ cổ gây tò mò của Nga ”, trong đó có các bức vẽ từ hầu hết các bức tranh nằm trong bộ sưu tập của Svinin.

Sự phát triển của hội họa ở Nga từ thế kỷ 10 đến giữa thế kỷ 20

Năm 1910, nghệ sĩ nổi tiếng Ilya Repin mời bạn mình là nhà văn K chưởng Chukovsky để vẽ chân dung cho mình. Nhưng Chukovsky kinh hoàng từ chối. Vào thời điểm đó, nhiều người đã biết về sự nổi tiếng xấu của các tác phẩm của Repin.

"Ivan Bạo chúa và Con trai" và những người trông nom họ

Một trong những bức tranh nổi tiếng"Ivan Bạo chúa và con trai Ivan" của Repin, theo thời gian mọi người bắt đầu gọi đơn giản là "Ivan Bạo chúa giết chết con trai mình", ngay từ khi nó được tạo ra chỉ mang lại bất hạnh cho những người trông nom. Vì vậy, ngay sau khi viết ra kiệt tác, nghệ sĩ Myasoyedov, người đóng giả Repin trong lốt nhà vua, trong một cơn thịnh nộ đã suýt giết chết con đẻ của mình. Nhân tiện, tên của con trai Myasoedov, giống như tsarevich, là Ivan.
Cuộc đời của chàng Vsevolod Garshin đẹp trai, người mà Repin vẽ nên hoàng tử, cũng kết thúc một cách bi thảm. Anh ta đã tự tử bằng cách nhảy xuống một cầu thang máy bay. Trên cùng một ngôi đền, nơi không lâu trước khi cô qua đời, Alela sơn thường, bây giờ có máu thật.
Ngoài ra, khi bức tranh được trưng bày trong phòng trưng bày, nhiều khán giả phàn nàn rằng việc chiêm ngưỡng kiệt tác khiến họ cảm thấy khó chịu: tức giận, buồn bã và thậm chí là cuồng loạn. Và vào năm 1913, họa sĩ biểu tượng Balashov đã đến triển lãm với một con dao. Ông đã cắt bức tranh để mất nhiều thời gian phục chế. Balashov bị tuyên bố là mất trí và được đưa đến bệnh viện dành cho người bệnh tâm thần. Ở đó anh ta chết.

"Nạn nhân" của Repin

Có rất nhiều "nạn nhân" của Repin brush khiến nó thực sự kinh hoàng. Trong số đó có nhà thơ Nga Fyodor Tyutchev. Ngay sau khi Repin hoàn thành công việc của mình, Tyutchev lâm bệnh nặng và sớm qua đời. Thứ duy nhất chân dung trọn đời nhà soạn nhạc Mussorgsky, nghệ sĩ đã vẽ chỉ trong 4 buổi. Mussorgsky chết 10 ngày sau đó. "Chân dung nhà văn Alexei Pisemsky" là một trong những công việc tốt nhất Repin. Tuy nhiên, thành công này của người nghệ sĩ đã phải trả giá đắt cho những người trông nom ông. Bức tranh được hoàn thành vào năm 1880, và năm 1881 Pisemsky qua đời. Nghệ sĩ piano người Bỉ Louise de Mercy-Argento qua đời vì bệnh ung thư vào năm Ilya Repin vẽ chân dung của cô.
Ngoài ra, một số phận khôn lường đã đến với các nhân vật trong bức tranh của Repin "Cuộc họp trang trọng của Hội đồng Nhà nước." Sau 2 năm, nhiều người trong số họ đã trở thành nạn nhân của cuộc cách mạng đầu tiên. Vậy là Toàn quyền Mátxcơva và Bộ trưởng Plehve đã chết dưới tay bọn khủng bố.

Câu trả lời có đơn giản không?

Bất chấp số phận đáng buồn của nhiều người trông nom Repin, hầu hết các chuyên gia không nhìn thấy sự sáng tạo nghệ sĩ xuất sắc không có gì thần bí. Thực tế là nhà sưu tập đồ vật nghệ thuật Pavel Tretyakov đã giới thiệu cho Repin những đồ vật hội họa. Anh ta biết rõ về các chẩn đoán của một số người nổi tiếng, và do đó, anh ta đã vội vàng để bất tử hóa hình ảnh của họ trên các bức tranh sơn dầu. Một ví dụ điển hìnhĐiều này được phục vụ bởi bức chân dung của Mussorgsky. Mussorgsky được họa sĩ miêu tả trong thời gian bị bệnh, bằng chứng là bộ áo choàng bệnh viện mà nhà soạn nhạc đang mặc. Và bức ảnh chụp nghệ sĩ piano Louise de Mercy-Argento ốm yếu, được gọi là "Trên giường bệnh". Ngoài ra, Ilya Repin vẫn thuyết phục người bạn Kornei Chukovsky chụp ảnh chân dung mà không có chuyện gì khủng khiếp xảy ra với họ.
nhưng cái chết vô lý Bác sĩ phẫu thuật người Nga Pirogov, những người hoài nghi không thể giải thích. Sau khi được Repin vẽ chân dung của mình, Pirogov, 70 tuổi đã đến phòng nha khoa, nơi ông bị nhiễm trùng và bác sĩ phẫu thuật sau đó đã tử vong.