Muusikaline pilt

Muusikaline sisu avaldub muusikalistes kujundites, nende tekkimises, arengus ja koosmõjus.

Ükskõik kui ühtne muusikapala meeleolult ka poleks, on selles alati märgata igasuguseid muutusi, nihkeid ja kontraste. Uue meloodia ilmumine, rütmi- või tekstuurmustri muutumine või lõigu muutus tähendab peaaegu alati uue kujundi tekkimist, mis on mõnikord sisult sarnane, mõnikord otse vastupidine.

Nii nagu elusündmuste, loodusnähtuste või inimhinge liikumiste arengus on harva ainult üks joon, üks meeleolu, nii on ka muusikas areng lähtunud kujundlikust rikkusest, erinevate motiivide, seisundite ja kogemuste põimumisest.

Iga selline motiiv, iga riik annab oma panuse uus pilt, ehk täiendab ja üldistab peamist.

Üldiselt on muusikas harva ühel pildil põhinevaid teoseid. Vaid väikest näidendit või killukest võib selle kujundlikus sisus pidada ühtseks. Näiteks Skrjabini kaheteistkümnes etüüd esitab väga tervikliku kujundi, kuigi tähelepanelikul kuulamisel märkame kindlasti selle sisemist keerukust, erinevate olekute ja muusikalise arengu vahendite põimumist selles.

Samamoodi ehitatakse üles ka paljud teised väikesemahulised tööd. Reeglina on näidendi kestvus tihedalt seotud selle kujundliku ülesehituse iseärasustega: väikesed näidendid on tavaliselt ühe kujundliku sfääri lähedal, suured aga nõuavad pikemat ja keerukamat kujundlikku arendust. Ja see on loomulik: kõik peamised žanrid erinevates kunstiliikides seostatakse neid tavaliselt keerulise elu sisu kehastusega; need on omased suur hulk kangelased ja sündmused, samas kui väikesed on tavaliselt suunatud mõnele konkreetsele nähtusele või kogemusele. See muidugi ei tähenda, et suured teosed eristuvad ilmtingimata suurema sügavuse ja olulisusega, sageli on asi vastupidi: väike näidend, isegi selle individuaalne motiiv, võib mõnikord öelda nii palju, et nende mõju inimestele on veelgi tugevam ja sügavam. .

Muusikateose kestuse ja kujundilise ülesehituse vahel on sügav seos, mida leidub isegi teoste pealkirjades, näiteks “Sõda ja rahu”, “Spartacus”, “Aleksandr Nevski” viitavad mitmeosalisele teostusele. suuremõõtmelisel kujul (ooper, ballett, kantaat), samas kui “Kägu”, “Liblikas”, “Üksik lilled” on kirjutatud miniatuuridena.

Miks teosed, millel pole keerukat kujundlikku ülesehitust, vahel inimesi nii sügavalt liigutavad?

Võib-olla peitub vastus selles, et ühtainsale kujutlusvõimele keskendudes paneb helilooja väikesesse teosesse kogu oma hinge, kogu loomingulise energia, mille temas äratas kunstiline plaan? See pole juhus muusika XIX sajandil, romantismi ajastul, mis rääkis nii mõndagi inimesest ja tema varjatud tundemaailmast, saavutas just muusikaline miniatuur oma kõrgeima õitsengu.

Väga palju väikesemahulisi, kuid pildilt silmatorkavaid teoseid kirjutasid vene heliloojad. Glinka, Mussorgski, Ljadov, Rahmaninov, Skrjabin, Prokofjev, Šostakovitš ja teised silmapaistvad vene heliloojad lõid terve muusikaliste kujundite galerii. Tohutu kujutlusmaailm, tõeline ja fantastiline, taevane ja veealune, mets ja stepp, kehastus vene muusikasse, selle kavaliste teoste imelistesse nimedesse. Teate juba paljusid vene heliloojate näidendites kehastatud pilte - "Aragoonia Jota", "Kääbik", "Baba Yaga", " vana lukk", "Võlujärv"...

Mitte vähem rikas on kujundlik sisu mitteprogrammilistes teostes, millel pole erilist pealkirja.

Lüürilised kujundid

Paljudes meile prelüüdide ja mazurkadena tuntud teostes on peidus sügavaimad kujutlusrikkused, mis avanevad meile alles elavas muusikalises kõlas.

Üks nendest teostest on S. Rahmaninovi Prelüüd gis-moll. Tema meeleolu, samal ajal värisev ja melanhoolne, on kooskõlas vene muusikalise traditsiooniga kehastada kurbust ja hüvastijätt.

Helilooja ei andnud teosele pealkirja (Rahmaninov ei määranud ühtegi oma prelüüdi programmilise alapealkirjaga), kuid muusikas on tunda tabavat sügisest olekut: viimaste lehtede värisemine, tibutav vihm, madal hall taevas.

Prelüüdi muusikalist kujundit täiendab isegi helipilt: meloodilises ja tekstureeritud kõlas võib märgata midagi sarnast meie seast pikaks-pikaks talveks lahkuva kurgede hüvastijätulauluga.

Võib-olla sellepärast, et meie piirkonnas kestab külm nii kaua ning kevad tuleb aeglaselt ja vastumeelselt, tunneb iga vene inimene sooja suve lõppu eriti teravalt ja jätab sellega melanhoolse kurbusega hüvasti. Ja seetõttu on hüvastijätupildid tihedalt põimunud sügise teemaga, sügispiltidega, mida vene kunstis on nii palju: lendlevad lehed, vihmasadu, kraanakiil.

Kui palju luuletusi, maale, muusikapalad selle teemaga seotud! Ja kui ebatavaliselt rikas on sügise kurbuse ja hüvastijätmise fantaasiarikas maailm.

Siin nad lendavad, siin nad lendavad...Tehke kiiresti väravad lahti!
Tulge kiiresti välja ja vaadake oma pikki!
Nüüd on nad vait – ja jälle on hing ja loodus orvuks jäänud
Sest – jää vait! - keegi ei saa neid niimoodi väljendada...

Need on read Nikolai Rubtsovi luuletusest “Kraanad”, milles on nii läbitungivalt ja täpselt kujutatud vene hinge ja vene looduse kujundit, mis on kehastatud kurgede kõrges hüvastijätulennus.

Ja kuigi Rahmaninov loomulikult ei toonud oma loomingusse nii täpset pilti, tundub, et kraana motiiv prelüüdi kujundlikus struktuuris pole juhuslik. Kraanad on omamoodi sümboolne kujund, mis justkui hõljub prelüüdi üldise kujundliku pildi kohal, andes selle kõlale erilise kõrguse ja puhtuse.

Muusikalist kujundit ei seostata alati peente lüüriliste tunnete kehastamisega. Nagu teistegi kunstiliikide puhul, ei ole kujutised mitte ainult lüürilised, vaid mõnikord ka teravalt dramaatilised, väljendades kokkupõrkeid, vastuolusid ja konflikte. Suure elu sisu kehastus tekitab eepilisi pilte, mis on eriti keerulised ja mitmetahulised.

Mõelgem erinevat tüüpi kujundlik ja muusikaline areng seoses muusikalise sisu tunnustega.

Dramaatilised pildid

Dramaatilised kujundid, nagu ka lüürilised, on muusikas väga laialdaselt esindatud. Ühelt poolt tekivad need dramaatilistele kirjandusteostele tuginevas muusikas (nagu ooper, ballett ja muud lavažanrid), kuid palju sagedamini seostatakse “dramaatilise” mõistet muusikas selle iseloomu, muusikalise tõlgenduse iseärasustega. tegelastest, piltidest jne.

Dramaatilise teose näide on F. Schuberti ballaad “Metsakuningas”, mis on kirjutatud suure saksa poeedi J. V. Goethe luuletusele. Ballaad ühendab endas ka žanri-dramaatilisi jooni – kujutab see ju tervet stseeni erinevate tegelaste osalusel! - ja selle loo karakterile omane terav draama, mis on vapustav sügavuse ja jõu poolest.

Mida see ütleb?

Pangem kohe tähele, et ballaadi esitatakse reeglina originaalkeeles - saksa keeles, seetõttu vajavad selle tähendus ja sisu tõlkimist.

On selline tõlge - parim tõlge Goethe ballaad vene keelde, hoolimata sellest, et see on tehtud peaaegu kaks sajandit tagasi. Selle autor V. Žukovski, Puškini kaasaegne, ainulaadne, väga peen, sügavalt lüüriline luuletaja, andis järgmise tõlgenduse: “ Kohutav nägemus» Goethe.

Metsakuningas

Kes galopib, kes tormab külma pimeduse alla?
Rattur hilineb, tema väike poeg on kaasas.
Väike tuli värisedes isa lähedale;
Vanamees kallistab teda ja soojendab teda.

"Laps, miks sa minu külge nii arglikult klammerdud?"
"Kallis, metsakuningas säras mu silmis:
Ta kannab tumedat krooni ja paksu habet.
"Oh ei, udu on vee kohal valge."

“Laps, vaata ringi, kullake, minu poole;
Minu poolel on palju nalja:
Türkiissinised lilled, pärliga ojad;
Minu paleed on kullast."

"Kallis, metsakuningas räägib minuga:
See lubab kulda, pärleid ja rõõmu.
"Oh ei, mu kallis, sa kuulsid valesti:
Siis ärgates tuul raputas linasid.

„Tule minu juurde, mu kallis! Minu tammikus
Sa tunned ära mu kaunid tütred;
Kui käes on kuu, nad mängivad ja lendavad,
Mängib, lendab, paneb sind magama.

"Kallis, metsakuningas kutsus oma tütreid:
Ma näen, et nad noogutavad mulle tumedate okste vahelt.
"Oh ei, öö sügavuses on kõik rahulik:
Hallid pajud seisavad kõrval."

"Laps, mind võlus teie ilu:
Tahes-tahtmata või tahtmata jääd minu omaks."
“Kallis, metsakuningas tahab meile järele jõuda;
Siin see on: mul on kõht kinni, mul on raske hingata.

Arglik ratsanik ei galopi, ta lendab;
Laps igatseb, laps nutab;
Rattur tungib edasi, rattur kappab...
Tema kätes lebas surnud laps.

Võrreldes luuletuse saksa- ja venekeelseid versioone, märgib luuletaja Marina Tsvetajeva nende peamise erinevuse: Žukovskis ilmus poisile metsakuningas, Goethes ilmus ta tegelikult. Seetõttu on Goethe ballaad tõelisem, kohutavam, usaldusväärsem: tema laps ei sure mitte hirmust (nagu Žukovskis), vaid tõelisest metsakuningast, kes ilmub poisi ette kogu oma jõuga.

Saksa keeles ballaadi lugenud Austria helilooja Schubert annab edasi kogu metsakuninga loo kohutava reaalsuse: oma laulus on ta sama usaldusväärne tegelane kui poiss ja tema isa.

Metsakuninga kõne erineb märgatavalt jutustaja, lapse ja isa erutatud kõnest hellitava vihje, pehmuse ja ahvatluse poolest. Pöörake tähelepanu meloodia olemusele - järsk, küsimuste rohkuse ja tõusvate intonatsioonidega kõigi tegelaste osades, välja arvatud metsakuningas, tema jaoks on see sujuv, ümar, meloodiline.

Kuid mitte ainult meloodilise intonatsiooni olemus - metsakuninga ilmumisega muutub kogu tekstuur: meeletu hüppe rütm, mis läbib ballaadi algusest lõpuni, annab teed rahulikuma kõlaga akordidele, väga eufoonilistele. , õrn, suigutav.

Ballaadi episoodide vahel on isegi omapärane kontrast, nii ärevil ja ärevaks tegeva tegelaskuju kui terviku vahel, kus on vaid kaks pilku rahulikust ja eufooniast (kaks metsakuninga fraasi).

Tegelikult, nagu kunstis sageli juhtub, varitseb just sellises õrnuses kõige kohutavam: surmakutse, lahkumise parandamatus ja pöördumatus.

Seetõttu ei jäta Schuberti muusika meile illusioone: niipea, kui metsakuninga armsad ja kohutavad kõned lakkavad, puhkeb taas hobuse meeletu galopp (või südamepekslemine?), mis näitab meile oma kiirusega viimast tõuget. päästmise poole, kohutava metsa, selle pimedate ja salapäraste sügavuste ületamiseks.

Siin lõpeb ballaadi muusikalise arengu dünaamika: sest lõpus, kui liikumises peatub, kõlab viimane fraas nagu järelsõna: "Tema kätes lamas surnud beebi."

Seega näeme ballaadi muusikalises tõlgenduses mitte ainult selles osalejate kujundeid, vaid ka kujundeid, mis mõjutasid otseselt kogu muusikalise arengu ülesehitust. Elu, selle impulsid, selle vabanemispüüdlused – ja surm, hirmutav ja ligitõmbav, kohutav ja uinutav. Siit tuleneb muusikalise liikumise kahedimensioonilisus, realistlik ja kujundlik episoodides, mis on seotud hobuse galopiga, isa segaduses, lapse hingeldava häälega ning eemalt hellitav rahulikes, peaaegu hällilaulu meenutavates kõnedes. metsakuningas.

Dramaatilise kujundi kehastus nõuab heliloojalt ekspressiivsete vahendite maksimaalset kontsentreerimist, mis viib sisemiselt dünaamilise ja reeglina kompaktse teose (või selle fragmendi) loomiseni, mis põhineb dramaatilise karakteri kujundlikul arendusel. Seetõttu kehastuvad dramaatilised kujundid nii sageli vokaalmuusika vormidesse, sisse instrumentaalžanrid väikeses mahus, aga ka üksikute tsükliliste teoste fragmentidena (sonaadid, kontserdid, sümfooniad).

Eepilised pildid

Eepilised pildid nõuavad pikka ja kiirustamata arendamist, neid saab eksponeerida kaua ja aeglaselt areneda, viies kuulaja ainulaadse eepilise maitsega atmosfääri.

Üks eredamaid töid, läbi imbunud eepiline kujund, on N. Rimski-Korsakovi eepiline ooper “Sadko”. Just vene eeposed, millest said allikaks arvukad ooperi süžeefragmendid, annavad sellele eepilise iseloomu ja rahuliku muusikalise liikumise. Helilooja ise kirjutas sellest ooperi “Sadko” eessõnas: “Paljud kõned, aga ka maastike ja lavadetailide kirjeldused on laenatud täielikult erinevatest eepostest, lauludest, süžeedest, itkudest jne. Seetõttu on libreto säilitab sageli eepilise värsi koos sellele iseloomulike joontega."

Eepilise värsi tunnuste pitserit kannab mitte ainult libreto, vaid ka ooperi muusika. Tegevus algab kaugelt rahuliku orkestri sissejuhatusega nimega "Blue Ocean-Sea". Ocean-Sea on tegelaste nimekirjas kirjas kui Merekuningas ehk täiesti usaldusväärne, ehkki mütoloogiline tegelane. IN suur pilt Erinevate muinasjuttude kangelased, Merekuningas on samal kindlal kohal kui Metsakuningas – Schuberti ballaadi kangelane. Siiski, kui erinevalt need muinasjutu kangelased, mis esindab kaht täiesti erinevat tüüpi muusikalist kujundit!

Pidage meeles Schuberti ballaadi algust. Tempokas tegevus köidab meid juba esimesest taktist. Kabjaplagin, mille vastu kõlab tegelaste põnevil kõne, annab muusikalisele liikumisele segaduse ja kasvava ärevuse iseloomu. See on dramaatiliste kujundite arengu seadus.

Ooper "Sadko", mõnes süžee motiivid omades sarnasusi "Metsakuningaga" (nagu poiss armus metsakuningasse ja viidi vägisi metsakuningriiki, nii armus Sadko Mereprintsessi ja vajus "ookeani mere" põhja ”), on teistsuguse iseloomuga, millel puudub dramaatiline teravus.

Ooperi muusikalise arengu ebadramaatiline, narratiivne iseloom ilmneb ka juba esimestes taktides. Sissejuhatuse “Sinine ookean-meri” muusikalises pildis ei esitata mitte süžee pikkust, vaid selle maagilise muusikapildi poeetiline ilu. Mäng mere lained kõlab intromuusikas: mitte ähvardav, mitte võimas, vaid lummavalt fantastiline. Aeglaselt, justkui oma värve imetledes, virvendab merevesi.

Ooperis "Sadko" seostatakse seda tema kuvandiga enamik süžeesündmused ja sissejuhatuse olemusest on selge, et need ei saa olema traagilised, teravate konfliktide ja kokkupõrgetega, vaid rahulikud ja majesteetlikud, rahvaeepose vaimus.

See on muusikaline tõlgendus erinevat tüüpi kujundlikkus, mis on iseloomulik mitte ainult muusikale, vaid ka teistele kunstiliikidele. Lüürilised, dramaatilised, eepilised kujundlikud sfäärid moodustavad oma tähenduslikud jooned. Muusikas väljendub see selle erinevates aspektides: žanri valik, teose mastaap, väljendusvahendite organiseeritus.

Muusikalise sisutõlgenduse põhijoonte unikaalsusest räägime õpiku teises osas. Sest muusikas, nagu üheski teises kunstis, on iga tehnika, iga löök, ka kõige väiksem, tähenduslik. Ja mõnikord võib väga väike muudatus – mõnikord üksik noot – radikaalselt muuta selle sisu, mõju kuulajale.

Küsimused ja ülesanded:

1. Kuidas pilt muusikateoses sagedamini avaldub - samaaegselt või mitmetahuliselt ja miks?
2. Kuidas on muusikalise kujundi olemus (lüüriline, dramaatiline, eepiline) seotud muusikalise žanri valiku ja teose mastaabiga?
3. Kas väike muusikapala võib väljendada sügavat ja keerukat kujundit?
4. Kuidas muusikaline väljendusrikkus edastada muusika kujundlikku sisu? Selgitage seda F. Schuberti ballaadi “Metsakuningas” näitel.
5. Miks kasutas N. Rimski-Korsakov ooperi “Sadko” loomisel autentseid eeposi ja laule?

Esitlus

Sisaldab:
1. Esitlus - 13 slaidi, ppsx;
2. Muusika helid:
Rahmaninov. Prelüüd nr 12 gis-moll, mp3;
Rimski-Korsakov. “Sinine ookean-meri” ooperist “Sadko”, mp3;
Schubert. Ballaad “Metsatsaar” (3 esituse versiooni - vene, saksa ja klaver ilma vokaalita), mp3;
3. Kaasartikkel, docx.

Eelvaade:

Esitluse eelvaadete kasutamiseks looge endale konto ( konto) Google'i ja logige sisse: https://accounts.google.com

Slaidi pealdised:

Üldtund teemal: “Muusikaline kuvand” Riigieelarvelise Õppeasutuse Lütseumi nr 419 muusikaõpetaja Kats A.V.

1. Leidke muusikalise kujundi definitsioon: A) Lugu imelistest maadest ja looduse igavesest poeesiast, sukeldudes meid kaugesse minevikku või unistusse tulevikust, loob kangelaste tegelased - isegi need, kes on meile juba tuttavad. kirjanduse ja kujutava kunsti teostest. B) Muusikas kehastunud elu, vähemalt väike osa sellest. Tunne, kogemus, mõte, peegeldus, tegu, inimese tegevus, looduse ilming, sündmus.

2. Valige, millised muusikateosed on programmilised: A) S. V. Rahmaninov - Prelüüd nr 12 B) N. A. Rimski-Korsakov. “Scheherazade” B) A. N. Skrjabin – Etüüd nr 12 D) C. Debussy – “Kuuvalgus” D) F. Chopin – valss nr 69

4 . Millise P. I. Tšaikovski teosega on seotud järgmised read: Ära vaata igatsevalt teed ja ära torma troikale järele, ja suru kiiresti igaveseks kurb ärevus oma südames! a) "Nukutõbi" b) "Oktoober. Sügislaul" B) "November On Troika"

B 5. Signeerige heliloojate portreed: A B

6. Tehke kindlaks, millised muusikalised kujundid eksisteerivad: a) eepilised b) dramaatilised c) poeetilised d) lüürilised e) meloodilised f) sümboolsed

7. Märkige: - helilooja nimi - muusikateose pealkiri - nimetage kujutis

8. Märkige: - helilooja nimi - muusikateose pealkiri - nimetage kujutis

9. Märkige: - helilooja nimi - muusikateose pealkiri - nimetage kujutis

10. Valige pakutud terminite hulgast muusika väljendusvahendid: a) tekstuur b) vokaal c) tempo d) helilooja e) rütm f) meloodia g) folkloor h) tämber i) harmoonia j) dünaamika

11. Kasutage noolte abil muusika väljendusvahendite nimede ühendamist nende määratlustega: Rütm Tempo Meloodia Tembre Dünaamika Harmoonia Tekstuur Meloodiat saatev akord Helitugevus Muusikaline mõte väljendatud monofooniliselt Muusikalise materjali esitusviis Heli kiirus Helide vaheldumine erinevad kestused Heli või hääle värv

Kasutage noolte abil muusika väljendusvahendite nimetuste ühendamist nende määratlustega: Rütm Tempo Meloodia Tembre Dünaamika Harmoonia Tekstuur Meloodiat saatev akord Helitugevus Muusikaline mõte väljendatud monofooniliselt Muusikalise materjali esitusviis Heli kiirus Erineva kestusega helide vaheldumine Heli või hääle värv

Kahju, et meie tund läbi sai, aga muusika jääb hinge. Ja me rõõmustasime teda kuulates ja kurvastasime taas, köitvad helid tõmbasid meid kaasa. Me jätame need tunded oma hinge igaveseks. Ja me ei unusta kunagi, mu sõber, võlukunsti imelist maailma!

Teemal: metoodilised arendused, ettekanded ja märkmed

Muusikatund 6. klassis "Muusikaline pilt"

Tunnis antakse muusikalise kujundi mõiste, lapsed kuulavad klassikalist muusikat, bardilaulu. muusikaline portree Anna German....

Muusikaline pilt

D. Šostakovitši 7. sümfooniast fašistliku sissetungi episoodi kuulates saavad õpilased tähele panna väljendusvahendeid, kujundi kujunemise tunnuseid sümfoonilises muusikas, võrrelda juba tuntud pro...

Tund peaks aitama õpilastel mõista muusikalise dramaturgia olemust, kasutades näiteks katkendit helilooja Otar Taktakishvili oratooriumist “Rustaveli jälgedes...”.

Sissejuhatus

Muusika kui elav kunst sünnib ja elab kõigi tegevusliikide ühtsuse tulemusena. Nendevaheline suhtlus toimub muusikaliste kujundite kaudu. Helilooja meelest, mõju all muusikalisi muljeid ja loov kujutlusvõime, sünnib muusikaline kujund, mis seejärel kehastub muusikateosesse. Muusikalise pildi kuulamine, - s.o. sisse kehastatud elu sisu muusikalised helid, määrab kõik muud muusikalise taju tahud.

Teisisõnu on muusikaline kujund muusikas kehastunud kujund (ühe või mitme inimese tunded, kogemused, mõtted, peegeldused, teod; mis tahes looduse ilming, sündmus inimese, inimeste, inimkonna elus jne. .)

Muusikaliste kujutiste tüübid

Muusikaline kujund on helilooja karakteri, muusikaliste ja väljendusvahendite, sotsiaal-ajalooliste loomistingimuste, ehituslike tunnuste ja stiili kombineeritud olemus.

Muusikalised pildid on:

• -lüüriline - tunnete, aistingute kujutised;
• -eepos - kirjeldus;
• -dramaatiline - konfliktide, kokkupõrgete kujutised;
• -muinasjutt - pildid-muinasjutud, ebareaalsed;
• -koomiline - naljakas jne.

Kasutades ära muusikakeele rikkalikke võimalusi, loob helilooja muusikalise kuvandi, milles ta kehastab teatud loomingulisi ideid, seda või teist elu sisu.

Lüüriline pilt

Sõna lüürika tuleneb sõnast "lüüra" - see on iidne pill, mida lauljad (rapsoodid) mängisid, jutustades erinevatest sündmustest ja kogetud emotsioonidest. Laulusõnad on kangelase monoloog, milles ta räägib oma kogemustest.

Lüüriline kujund avab looja individuaalse vaimse maailma. Erinevalt draamast ja eeposest pole lüürilises teoses sündmusi - on vaid lüürilise kangelase ülestunnistus, tema isiklik ettekujutus erinevatest nähtustest.

Sissejuhatus. Kujundlikkus kui muusikakunsti alus.

Peatükk 1. Kunstipildi mõiste muusikakunstis.

2. peatükk. Kujutised kui heliloojate loovuse alus.

§ 1 S. Rahmaninovi muusika kujundlik struktuur.

§ 2. F. Liszti muusika kujundlik struktuur.

§ 3. D. Šostakovitši muusika kujundlik struktuur.

3. peatükk. Üldised ideed muusikalise pildi mõistmise viiside kohta.

4. peatükk. Teema “Muusikaline pilt” avalikustamine keskkooli 7. klassi muusikatundides.

Muusikatunnid uues programmis on suunatud arendamisele muusikaline kultuurõpilased. Muusikakultuuri kõige olulisem komponent on muusika tajumine. Väljaspool taju pole muusikat, sest... see on muusika õppimise ja teadmiste põhilüli ja vajalik tingimus. See on aluseks komponeerimisele, esitamisele, kuulamisele, õpetamisele ja muusikalisele tegevusele.

Muusika kui elav kunst sünnib ja elab kõigi tegevusliikide ühtsuse tulemusena. Nendevaheline suhtlus toimub muusikaliste kujundite kaudu, sest Väljaspool pilte muusikat (kunstivormina) ei eksisteeri. Helilooja peas sünnib muusikamuljete ja loomingulise kujutlusvõime mõjul muusikaline kujund, mis seejärel kehastub muusikateosesse.

Muusikalise pildi kuulamine, - s.o. muusikalistes helides sisalduv elutähtis sisu määrab muusikalise taju kõik muud tahud.

Taju on subjektiivne kujutis objektist, nähtusest või protsessist, mis mõjutab otseselt analüsaatorit või analüsaatorite süsteemi.

Mõnikord tähistab mõiste taju ka tegevuste süsteemi, mille eesmärk on tutvuda meeli mõjutava objektiga, s.t. sensoorne uurimuslik vaatlustegevus. Kujutisena on taju objekti otsene peegeldus selle omaduste kogumina, objektiivses terviklikkuses. See eristab taju aistingust, mis on samuti otsene sensoorne peegeldus, kuid ainult objektide ja analüsaatoreid mõjutavate nähtuste üksikute omaduste peegeldus.

Pilt on subjektiivne nähtus, mis tekib objektiivse-praktilise, sensoorse-tajulise, vaimne tegevus, mis kujutab endast terviklikku reaalsuse peegeldust, milles põhikategooriad (ruum, liikumine, värv, kuju, tekstuur jne) esitatakse samaaegselt. Informatsiooni mõttes on pilt ümbritseva reaalsuse kujutamise ebatavaliselt mahukas vorm.

Kujundlik mõtlemine on üks peamisi mõtlemise liike, mida eristatakse visuaal-efektiivse ja verbaalse-loogilise mõtlemise kõrval. Kujutised-esitlused toimivad olulise tootena kujutlusvõimeline mõtlemine ja kuidas üks selle toimimisest.

Kujutlusvõimeline mõtlemine on nii tahtmatu kui ka vabatahtlik. Esimene tehnika on unenäod, unenäod. “-2. on inimese loometegevuses laialdaselt esindatud.

Kujundliku mõtlemise funktsioonid on seotud olukordade ja nendes toimuvate muutuste esitamisega, mida inimene soovib oma tegevuse, olukorra muutmise tulemusena esile kutsuda, üldsätete täpsustamisega.

Kujundliku mõtlemise abil taasluuakse täielikumalt kogu objekti erinevate faktiliste omaduste hulk. Pilt võib jäädvustada üheaegset nägemust objektist mitmest vaatenurgast. Väga oluline omadus kujundlik mõtlemine - ebatavaliste, "uskumatute" objektide ja nende omaduste kombinatsioonide loomine.

Kujundlikus mõtlemises kasutatakse erinevaid tehnikaid. Nende hulka kuuluvad: objekti või selle osade suurenemine või vähenemine, aglutinatsioon (uute ideede loomine ühe objekti osade või omaduste kinnitamisega kujunditasandil jne), olemasolevate piltide lisamine uude kontuuri, üldistamine.

Kujutlusvõimeline mõtlemine ei ole mitte ainult verbaalse-loogilise mõtlemise geneetiliselt varajane arengustaadium, vaid see on ka täiskasvanu iseseisva mõtlemise tüüp, mis areneb spetsiaalselt tehnilises ja kunstilises loovuses.

Individuaalsed erinevused kujundlikus mõtlemises on seotud domineeriva ideetüübiga ning olukordade ja nende transformatsioonide esitamise tehnikate arenguastmega.

Psühholoogias kirjeldatakse kujutlusvõimet mõnikord kui erifunktsiooni – kujutlusvõimet.

Kujutlusvõime - psühholoogiline protsess, mis seisneb uute kujundite (ideede) loomises varasemast kogemusest saadud tajude ja ideede materjali töötlemise teel. Kujutlusvõime on omane ainult inimesele. Kujutlusvõime on vajalik igat tüüpi inimtegevuses, eriti muusika ja "muusikalise pildi" tajumisel.

Eristatakse vabatahtlikku (aktiivset) ja tahtmatut (passiivset) kujutlusvõimet, samuti rekonstrueerivat ja loovat kujutlusvõimet. Kujutlusvõime taasloomine on protsess, mille käigus luuakse objektist kujutis selle kirjelduse, joonise või joonise põhjal. Loov kujutlusvõime nimetatakse iseseisvaks uute piltide loomiseks. See eeldab materjalide valikut, mis on vajalikud pildi konstrueerimiseks vastavalt enda disainile.

Eriline kujutlusvõime on unenägu. See on ka iseseisev kujundite loomine, aga unistus on ihaldatud ja enam-vähem kauge kujundi loomine, s.t. ei anna otseselt ja koheselt objektiivset toodet.

Seega viitab muusikalise kujundi aktiivne tajumine kahe printsiibi – objektiivse ja subjektiivse – ühtsusele, s.t. mis on omane kunstiteosele endale ning need tõlgendused, ideed, assotsiatsioonid, mis sellega seoses kuulaja peas sünnivad. Ilmselgelt, mida laiem on selliste subjektiivsete ideede ring, seda rikkalikum ja täiuslikum on taju.

Praktikas, eriti laste puhul, kellel pole piisavalt muusikaga seotud kogemusi, ei ole subjektiivsed ideed alati muusikale endale adekvaatsed. Seetõttu on nii oluline õpetada õpilasi mõistma, mida muusika objektiivselt sisaldab ja mida nad tutvustavad; mis selles "omas" on muusikateosega määratud ja mis suvaline, väljamõeldud. Kui E. Griegi “Päikeseloojangu” hääbuvas instrumentaalses lõpuosas lapsed mitte ainult ei kuule, vaid näevad ka pilti päikeseloojangust, siis tuleb tervitada vaid visuaalset assotsiatsiooni, sest see tuleb muusikast endast. Aga kui Lelya kolmas laul ooperist “Lumetüdruk” N.A. Rimski-Korsakovi arvates märkas õpilane “vihmapiisku”, siis on nii selle kui ka sarnaste juhtumite puhul oluline mitte ainult öelda, et see vastus on vale, ebamõistlikult välja mõeldud, vaid ka koos kogu klassiga aru saada, miks see vale on, miks see on ebamõistlik, kinnitades teie mõtteid tõendeid, mis on lastele nende taju arengu selles etapis kättesaadavad.

Muusikale fantaseerimise olemus näib olevat juurdunud vastuolus inimese loomuliku soovi kuulda muusikas oma elu sisu ja võimetuse vahel seda teha. Seetõttu peaks muusikalise kuvandi taju arendamise aluseks olema muusika elulise sisu üha täielikum avalikustamine koos õpilaste assotsiatiivse mõtlemise aktiveerimisega. Mida laiemalt ja mitmetahulisemalt muusika ja elu seos tunnis ilmneb, seda sügavamalt tungivad õpilased autori kavatsusse, seda suurem on tõenäosus, et neil tekivad õiguspärased isikliku elu seosed. Selle tulemusena on autori kavatsuse ja kuulaja taju vaheline interaktsiooni protsess täisverelisem ja tõhusam.

Muusikaline pilt

Uue programmi raames toimuvad muusikatunnid on suunatud õpilaste muusikakultuuri arendamisele. Muusikakultuuri kõige olulisem komponent on muusika tajumine. Väljaspool taju pole muusikat, sest... see on muusika õppimise ja teadmiste põhilüli ja vajalik tingimus. See on aluseks komponeerimisele, esitamisele, kuulamisele, õpetamisele ja muusikalisele tegevusele.

Muusika kui elav kunst sünnib ja elab kõigi tegevusliikide ühtsuse tulemusena. Nendevaheline suhtlus toimub muusikaliste kujundite kaudu, sest Väljaspool pilte muusikat (kunstivormina) ei eksisteeri. Helilooja peas sünnib muusikamuljete ja loomingulise kujutlusvõime mõjul muusikaline kujund, mis seejärel kehastub muusikateosesse.

Muusikalise pildi kuulamine, - s.o. muusikalistes helides sisalduv elutähtis sisu määrab muusikalise taju kõik muud tahud.

Taju on subjektiivne kujutis objektist, nähtusest või protsessist, mis mõjutab otseselt analüsaatorit või analüsaatorite süsteemi.

Mõnikord tähistab mõiste taju ka tegevuste süsteemi, mille eesmärk on tutvuda meeli mõjutava objektiga, s.t. sensoorne uurimuslik vaatlustegevus. Kujutisena on taju objekti otsene peegeldus selle omaduste kogumina, objektiivses terviklikkuses. See eristab taju aistingust, mis on samuti otsene sensoorne peegeldus, kuid ainult objektide ja analüsaatoreid mõjutavate nähtuste üksikute omaduste peegeldus.

Pilt on subjektiivne nähtus, mis tekib objektiivse-praktilise, sensoor-tajulise, vaimse tegevuse tulemusena ja mis kujutab endast terviklikku reaalsuse peegeldust, milles põhikategooriad (ruum, liikumine, värv, kuju, tekstuur jne) on samaaegselt esindatud. Informatsiooni mõttes on pilt ümbritseva reaalsuse kujutamise ebatavaliselt mahukas vorm.

Kujundlik mõtlemine on üks peamisi mõtlemise liike, mida eristatakse visuaal-efektiivse ja verbaalse-loogilise mõtlemise kõrval. Kujundid-representatsioonid toimivad kujundliku mõtlemise olulise tootena ja selle ühe funktsioonina.

Kujutlusvõimeline mõtlemine on nii tahtmatu kui ka vabatahtlik. Esimene tehnika on unenäod, unenäod. “-2. on inimese loometegevuses laialdaselt esindatud.

Kujundliku mõtlemise funktsioonid on seotud olukordade ja nendes toimuvate muutuste esitamisega, mida inimene soovib oma tegevuse, olukorra muutmise tulemusena esile kutsuda, üldsätete täpsustamisega.

Kujundliku mõtlemise abil taasluuakse täielikumalt kogu objekti erinevate faktiliste omaduste hulk. Pilt võib jäädvustada üheaegset nägemust objektist mitmest vaatenurgast. Kujutlusvõimelise mõtlemise väga oluline tunnus on ebatavaliste, “uskumatute” objektide ja nende omaduste kombinatsioonide loomine.

Kujundlikus mõtlemises kasutatakse erinevaid tehnikaid. Nende hulka kuuluvad: objekti või selle osade suurenemine või vähenemine, aglutinatsioon (uute ideede loomine ühe objekti osade või omaduste kinnitamisega kujunditasandil jne), olemasolevate piltide lisamine uude kontuuri, üldistamine.

Kujutlusvõimeline mõtlemine ei ole mitte ainult verbaalse-loogilise mõtlemise geneetiliselt varajane arengustaadium, vaid see on ka täiskasvanu iseseisva mõtlemise tüüp, mis areneb spetsiaalselt tehnilises ja kunstilises loovuses.

Individuaalsed erinevused kujundlikus mõtlemises on seotud domineeriva ideetüübiga ning olukordade ja nende transformatsioonide esitamise tehnikate arenguastmega.

Psühholoogias kirjeldatakse kujutlusvõimet mõnikord kui erifunktsiooni – kujutlusvõimet.

Kujutlusvõime on psühholoogiline protsess, mis seisneb uute kujutluste (ideede) loomises, töödeldes varasemast kogemusest saadud tajude ja ideede materjali. Kujutlusvõime on omane ainult inimesele. Kujutlusvõime on vajalik igat tüüpi inimtegevuses, eriti muusika ja "muusikalise pildi" tajumisel.

Eristatakse vabatahtlikku (aktiivset) ja tahtmatut (passiivset) kujutlusvõimet, samuti rekonstrueerivat ja loovat kujutlusvõimet. Kujutlusvõime taasloomine on protsess, mille käigus luuakse objektist kujutis selle kirjelduse, joonise või joonise põhjal. Loov kujutlusvõime on uute piltide iseseisev loomine. See eeldab materjalide valikut, mis on vajalikud pildi konstrueerimiseks vastavalt enda disainile.

Eriline kujutlusvõime on unenägu. See on ka iseseisev kujundite loomine, aga unistus on ihaldatud ja enam-vähem kauge kujundi loomine, s.t. ei anna otseselt ja koheselt objektiivset toodet.

Seega viitab muusikalise kujundi aktiivne tajumine kahe printsiibi – objektiivse ja subjektiivse – ühtsusele, s.t. mis on omane kunstiteosele endale ning need tõlgendused, ideed, assotsiatsioonid, mis sellega seoses kuulaja peas sünnivad. Ilmselgelt, mida laiem on selliste subjektiivsete ideede ring, seda rikkalikum ja täiuslikum on taju.

Praktikas, eriti laste puhul, kellel pole piisavalt muusikaga seotud kogemusi, ei ole subjektiivsed ideed alati muusikale endale adekvaatsed. Seetõttu on nii oluline õpetada õpilasi mõistma, mida muusika objektiivselt sisaldab ja mida nad tutvustavad; mis selles "omas" on muusikateosega määratud ja mis suvaline, väljamõeldud. Kui E. Griegi “Päikeseloojangu” hääbuvas instrumentaalses lõpuosas lapsed mitte ainult ei kuule, vaid näevad ka pilti päikeseloojangust, siis tuleb tervitada vaid visuaalset assotsiatsiooni, sest see tuleb muusikast endast. Aga kui Lelya kolmas laul ooperist “Lumetüdruk” N.A. Rimski-Korsakovi arvates märkas õpilane “vihmapiisku”, siis on nii selle kui ka sarnaste juhtumite puhul oluline mitte ainult öelda, et see vastus on vale, ebamõistlikult välja mõeldud, vaid ka koos kogu klassiga aru saada, miks see vale on, miks see on ebamõistlik, kinnitades teie mõtteid tõendeid, mis on lastele nende taju arengu selles etapis kättesaadavad.

Muusikale fantaseerimise olemus näib olevat juurdunud vastuolus inimese loomuliku soovi kuulda muusikas oma elu sisu ja võimetuse vahel seda teha. Seetõttu peaks muusikalise kuvandi taju arendamise aluseks olema muusika elulise sisu üha täielikum avalikustamine koos õpilaste assotsiatiivse mõtlemise aktiveerimisega. Mida laiemalt ja mitmetahulisemalt muusika ja elu seos tunnis ilmneb, seda sügavamalt tungivad õpilased autori kavatsusse, seda suurem on tõenäosus, et neil tekivad õiguspärased isikliku elu seosed. Selle tulemusena on autori kavatsuse ja kuulaja taju vaheline interaktsiooni protsess täisverelisem ja tõhusam.

Mida tähendab muusika inimese elus?

Kõige iidsetest aegadest, mille algust ei suuda kindlaks teha ka kõige peenemad humanitaarteadused, primitiivne Algul proovisin puht sensuaalselt kohaneda, kohaneda, kohaneda rütmiliselt muutuva, areneva ja kõlava maailma rütmide ja režiimidega. See on kirjas kõige iidsemates esemetes, müütides, legendides, muinasjuttudes. Sama võib täheldada ka tänapäeval, kui jälgite tähelepanelikult, kuidas laps esimestest elutundidest sõna otseses mõttes käitub ja tunneb. On huvitav, kui märkame ühtäkki, et mõned helid muudavad lapse rahutuks, ebanormaalseks, erutuseks kuni karjumiseni ja nutmiseni, teised aga rahu, rahu ja rahulolu. Nüüd on teadus tõestanud, et lapseootel ema muusikaliselt rütmiline, rahulik, mõõdetud, vaimselt rikas ja mitmekülgne elu raseduse ajal avaldab soodsat mõju embrüo arengule ja selle esteetilisele tulevikule.

Inimene “idaneb” väga aeglaselt ja järk-järgult helide, värvide, liigutuste, plastilisuse maailma, hoomades kogu mitmetahulist ja lõpmatult mitmekesist maailma, et luua kunsti kaudu oma teadvuses selle maailma kujundlik peegeldusvorm.

Muusika iseenesest kui nähtus on nii tugev, et lihtsalt ei saa inimesest märkamatult mööda minna. Isegi kui lapsepõlves oli see tema jaoks suletud uks, siis teismeeas avab ta selle ukse ikkagi ja tormab roki- või popkultuuri, kus ta ahnelt küllastab end sellega, millest ta ilma jäi: metsiku, barbaarse, kuid ehtsa mina võimalusega. - väljendus. Kuid šokk, mida ta samal ajal kogeb, ei pruukinud juhtuda - "õitsva muusikalise mineviku puhul".

Seega sisaldab muusika tohutut potentsiaali inimese mõjutamiseks ja seda mõju on võimalik kontrollida, nagu on olnud kõigil möödunud sajanditel. Kui inimene käsitles muusikat kui imet, mis on antud suhtlemiseks kõrgema vaimse maailmaga. Ja selle imega sai ta pidevalt suhelda. Jumalateenistused saatsid inimest kogu tema elu, toitsid teda vaimselt ja samal ajal harisid ja kasvatasid. Kuid jumalateenistus on põhimõtteliselt sõnad ja muusika. Tohutu laulu- ja tantsukultuur on seotud kalendaarsete põllumajanduspühadega. Pulmatseremoonia kunstilises murdumises on terve eluteadus. Rahvapärased ringtantsud õpetavad geomeetriat, kasvatavad ruumilist mõtlemist, rääkimata kohtingukultuurist, suhtlemisest, kurameerimisest jne. Eepos – ja see on ajalugu – esitati muusikaliselt.

Vaatame Vana-Kreeka kooli aineid: loogika, muusika, matemaatika, võimlemine, retoorika. Sellest ilmselt piisas harmoonilise inimese kasvatamiseks. Mis sellest jääb tänaseks, kui meie saated sisaldavad kõikjal sõnu harmoonilisest isiksusest? Ainult matemaatika. Keegi ei tea, mis on koolis loogika ja retoorika. Kehaline kasvatus pole midagi muud kui võimlemine. Samuti pole selge, mida muusikaga peale hakata. Tänapäeval pole muusikatunnid peale 5. klassi enam kohustuslikud, kooli juhtkonna äranägemisel võib need asendada mis tahes “kunstiajaloo” ainega. Enamasti sõltub see õige õpetaja olemasolust ja kus ta on, seal muusikat õpetatakse. Aga kooli õppekavasse lisandus palju teisi aineid, kuid harmoonia, vaimne ja füüsiline tervis kadusid.

Aga ometi, mida võiks muusika kui nähtus anda inimesele kogu tema elu jooksul – alates juba väga varasest noorusest.

Koletis, millest tänapäeva laps tuleb päästa, on massikultuuri “tembeldav” keskkond. Ilustandard on “Barbie”, standardsed verd külmetavad “õudused”, standardne eluviis... - mida saab muusika sellele vastu panna? Mõttetu, lootusetu on õpilasele lihtsalt alternatiivina “kinkida” eeskujusid kõrgest ilust ja vaimsest eluviisist. Kasvatamata temas vaba inimest, kes suudab vastu seista kultuurilisele vägivallale. Mingit vaimset puhastust, sügavat muusika ja selle keeruliste, vastuoluliste kujundite tundmist ei toimu, kui lastele lihtsalt loetakse teavet muusika kohta (kes sellest aru saab), heliloojate kohta, "riputatakse kõrvadele" muusikateoste komplekt, millel on ilmselgelt tugev mõju. laste emotsioonide kohta, jätke pähe midagi muusikute elulugudest, populaarsete teoste nimedest jne. hankige "arvuti", et lahendada küsimusi "imede valdkonnas".

Seega õpetatakse ainet “muusika” keskkoolis (kui seda üldse on) analoogselt teiste humanitaarainetega - anna rohkem infot, klassifitseeri nähtusi, pane kõigele nimed...

Kuidas siis teha nii, et kõrge, imeline klassikaline muusika, selle parimad näited, puudutaks inimese hinge ja südame sügavamaid keeli, muutuks kättesaadavaks ja arusaadavaks ning aitaks ümbritseva reaalsuse peegeldusena mõista seda reaalsust ja iseennast. keerulistes elusuhetes.

Selle probleemi lahendamiseks on õpetajal õpilasega suhtlemiseks sisuliselt vaid kaks kanalit: visuaalne ja kuuldav. Nägemisest lähtuvalt saab kasvatada vaba ja iseseisvat, selgelt ja selgelt mõtlevat inimest (näiteks maalide, skulptuuride, laudade, visuaalsete vahendite jms tajumisel). Kuulmine paistab meile peauksena inimese alateadvuse maailma tema mobiilsesse maailma – nagu muusika! - hinged. See on helide taaselustamises, nendes lühike eluiga, selle kulg, suremine, sünd. Ja kas see pole muusika, et harida inimest sügavalt ja peenelt, vabalt tundes?

Ühine muusika mängimine - mängimine orkestris, ansamblis, kooris laulmine, muusikalised etteasted - lahendab suurepäraselt paljud suhtlemise psühholoogilised probleemid: häbelik laps võib-olla tunnete end sellises muusikalises etteastes osaledes elu keskmes; A loominguline laps- näitab praktikas oma kujutlusvõimet. Lapsed tunnetavad kõigi väärtust ühises asjas.

Orkester on kunstimudelühiskond. Erinevad tööriistad orkestris on need erinevad inimesed, kes saavutavad vastastikuse mõistmisega rahu ja harmoonia. Kunstipildi kaudu kulgeb tee mõistmiseni sotsiaalsed suhted. Erinevad instrumendid tähendavad maailmas erinevaid rahvaid. See ja erinevad hääled loodusnähtused, mis sulanduvad üheks tervikuks orkestriks.

Muusika mängimise terapeutiline toime on hämmastav, muusikariistad inimese käes on isiklik psühhoterapeut. Pillimäng ravib hingamishäireid, sh nüüdseks laialt levinud astmat, koordinatsioonihäireid, kuulmiskahjustusi ning õpetab meie ajal nii vajalikku keskendumis- ja lõõgastusvõimet.

Seega peaksid lapsed muusikatundide ajal pidevalt kogema rõõmu, mis on loomulikult õpetaja hoolika hoolitsuse teema. Siis tuleb tasapisi rahulolutunne saavutatud eesmärk, huvitavast suhtlemisest muusikaga, rõõmu tööprotsessist endast. Ja isikliku edu tulemusena avaneb “väljapääs ühiskonda”: ​​võimalus olla õpetaja - õpetada vanematele, õdedele, vendadele lihtsat muusikamängu, liites seeläbi ühistegevuse kaudu perekondlikke suhteid. Peresuhete tugevus sõltus minevikus suuresti ühistest tegevustest, olgu selleks töö või vaba aeg; Nii oli see talupoegade, käsitööliste ja maaomanike peredes.

Kas praegu on veel mõni aine, mis muusikaga samal määral võiks võtta lahenduse kaasaegse ühiskonna probleemidele?

Ja ilmselt pole juhus, et taevast kujutatakse alati muusikaliselt: inglikoorid, tromboonid ja harfid. Ja nad räägivad ideaalsest ühiskonnakorraldusest muusikalises keeles: harmoonia, harmoonia, kord.

Ideaalne olukord on siis, kui kõik muusika võimalused on nõutud ja ühiskonna poolt aktsepteeritud. On oluline, et inimesed mõistaksid, et muusika on ideaal, et astuda samme ideaali suunas.

Muusikaga tuleb elada, mitte seda õppida. Helisev, muusikat loov keskkond ise hakkab harima ja õpetama. Ja lõpuks ei saa inimene nõustuda sellega, et ta on "musikaalne".

Pea Moskva oblasti koolide uurimisinstituudi muusikalaboratoorium Golovina usub, et muusikatunnis muutub põhimõtteliselt oluliseks: kas õpetaja realiseerib hariduse peamise eesmärgi - elu avastamist, enda avastamist selles maailmas. Kas muusikatund on lihtsalt teist tüüpi tegevuse valdamine või on see õppetund, mis moodustab inimese moraalse tuuma, mille aluseks on ilu, headuse, tõeihalus – see, mis inimest ülendab. Seetõttu on õpilane tunnis inimene, kes otsib ja omandab pidevalt maapealse elu mõtet.

Muusikaliste tegevuste mitmekesisus tundides ei ole sugugi vaimse elu sügavuse näitaja. Pealegi võib muusikaline tegevus osutuda vaimse tegevusega täiesti mitteseotuks selles mõttes, et kunst võib laste jaoks toimida objektina, vaid omamoodi loomingulise tulemusena, mis levib väljapoole, naasmata iseendasse. Seetõttu on hädavajalik, et muusikaline tegevus ei muutuks eesmärgiks omaette, vaid et kunsti sisust saaks lapse “sisu”, vaimsest tööst saaks tema mõtete ja tunnete avameelne tegevus. Ainult sel juhul suudavad õpetaja ja laps leida kunstitegevuses isikliku tähenduse ning sellest saab tõeliselt viljakas “muld” vaimse maailma viljelemiseks, otsimiseks. parimad viisid moraalne eneseväljendus. Sellest järeldub, et muusika pole mitte muusiku, vaid inimese haridus. Muusika on vaimse suhtluse allikas ja teema. Tuleb püüda laiendada ja süvendada kooliõpilaste terviklikku muusikataju, kui kunstiteoste vaimset valdamist, suhtlemist vaimsete väärtustega; arendada huvi elu vastu läbi kire muusika vastu. Muusika ei peaks olema kunstitund, vaid kunstitund, inimeseõpetuse tund.

Klassiruumis tuleb arendada kunstilist ja kujutlusvõimelist mõtlemist, et laps saaks omal moel vaadelda ümbritseva maailma nähtusi ja protsesse tervikuna ning tunnetaks selle kaudu oma vaimset maailma sügavamalt. Kunstilisus on ennekõike selline väljendusvahendite korraldus, mis mõjub vahetult tunnetele ja muudab neid tundeid. Tunni kunstiline materjal annab reaalse tee muusikast kaunite kunstide, kirjanduse, ellu ja kaugemalegi, maailma üle mõtisklemise ja lapse tagasipöördumise kaudu iseenda, oma sisemise väärtustunde, suhete jne juurde.

Muusikakunsti, hoolimata kogu selle ainulaadsest eripärast, ei saa viljakalt omandada ilma teiste kunstiliikide toetuseta, sest ainult nende orgaanilises ühtsuses saab tunnetada maailma terviklikkust ja ühtsust, selle arenguseaduste universaalsust kogu meeleliste aistingute rikkuses, helide, värvide ja liigutuste mitmekesisuses.

Terviklikkus, kujundlikkus, assotsiatiivsus, intonatsioon, improvisatsioon – need on alused, millele saab rajada koolinoortele muusika tutvustamise protsessi.

Organisatsioon muusikaline haridus lähtudes ülaltoodud põhimõtetest, avaldab see soodsat mõju kasvava inimese põhivõime – kunstilise ja kujutlusvõimelise mõtlemise – arengule. See on eriti oluline nooremate kooliõpilaste jaoks, kellel on suurem eelsoodumus maailma piltide kaudu mõista.

Millised tehnikad on olemas kunstilise ja kujutlusvõimelise mõtlemise arendamiseks?

Esiteks peaks küsimuste ja ülesannete süsteem, mis aitab lastele muusikakunsti kujundlikku sisu paljastada, sisuliselt moodustama dialoogi ja andma lastele võimaluse muusikateoste loominguliseks lugemiseks. Küsimus muusikatunnis eksisteerib mitte ainult ja mitte niivõrd vertikaalses (verbaalses) vormis, kuivõrd žestis, enda esituses, õpetaja ja laste reaktsioonis esinemiskvaliteedile, loomingulisele tegevusele. Küsimust saab väljendada muusikateoste omavahelise võrdluse ja muusikateoste võrdlemise kaudu teiste kunstiliikide teostega. Küsimuse suund on oluline: see peab suunama lapse tähelepanu mitte üksikute väljendusvahendite isoleerimisele (valju, vaikne, aeglane, kiire - tundub, et iga normaalne laps kuuleb seda muusikas), vaid suunab selle oma sisemaailma poole. , pealegi tema teadlikele ja teadvustamata tunnetele, mõtetele, reaktsioonidele, muljetele, mis tema hinges on antud muusika mõjul.

Sellega seoses on võimalikud järgmist tüüpi küsimused:

Kas mäletate muljeid, mis sellest muusikast viimases tunnis saite?

Mis on laulus tähtsam, muusika või sõnad?

Mis on inimeses tähtsam: mõistus või süda?

Mida sa tundsid, kui see muusika mängis?

Kus võiks see elus kõlada, kellega koos seda kuulata tahaksid?

Mida koges helilooja seda muusikat kirjutades? Milliseid tundeid ta tahtis edasi anda?

Kas selline muusika on teie hinges kõlanud? Millal?

Milliseid sündmusi oma elus võiksite selle muusikaga seostada?

Oluline on mitte ainult esitada lastele küsimus, vaid ka kuulda vastust, sageli originaalset, mittestereotüüpset, sest pole midagi rikkalikumat kui lapse ütlused.

Ja kuigi selles võib mõnikord olla ebakõlasid ja alahinnanguid, on selles individuaalsust ja isikupärast värvingut – seda peaks õpetaja kuulma ja hindama.

Järgmine pedagoogiline tehnika on seotud laste muusikalise tegevuse korraldamisega klassiruumis polüfoonilise protsessina. Selle olemus on luua tingimused, et iga laps saaks samal ajal lugeda sama muusikalist kujundit, lähtudes tema individuaalsest nägemisest, kuulmisest, tundest. kõlav muusika. Ühes lapses kutsub see esile motoorse reaktsiooni ja ta väljendab oma olekut käe, keha plastilisuses või mõnel muul viisil. tantsuline liikumine; teine ​​väljendab oma arusaama muusika kujunditest joonistades, värvides, joones; kolmas laulab kaasa, mängib kaasa pillimängu, improviseerib; ja keegi teine ​​“ei tee midagi”, vaid lihtsalt kuulab mõtlikult, tähelepanelikult (ja tegelikult võib see olla kõige tõsisem loominguline tegevus). Kogu pedagoogilise strateegia tarkus ei seisne antud juhul mitte selle hindamises, kes on parem või halvem, vaid oskuses seda mitmekesisust säilitada. loomingulised ilmingud, et seda mitmekesisust julgustada. Tulemuseks ei ole see, et kõik lapsed tunnevad, kuulevad ja esitavad muusikat ühtemoodi, vaid see, et laste muusika tajumine tunnis omandab kunstilise "partituuri", milles lapsel on oma hääl, individuaalne. , ainulaadne ja toob sellesse enda oma. ainulaadne originaal.

Kogume teadmisi muusikakunstist läbi loomeprotsessi modelleerimise. Lapsed asetatakse autori (luuletaja, helilooja) positsiooni, püüdes luua kunstiteoseid endale ja teistele. Sellise muusika mõistmise korralduse paljud variatsioonid on selged. Kõige optimaalsem tundub olevat muusikalis-semantiline dialoog, kui tähenduselt tähenduseni liikudes teose kujundi arengut jälgides „leivad lapsed ise üles” vajalikud intonatsioonid, mis suudavad muusikalist mõtet kõige selgemini väljendada. Sellise lähenemise korral ei anta lapsele muusikapala valmis kujul, kui jääb üle see lihtsalt meelde jätta, kuulata ja korrata. Lapse kunstilise ja kujutlusvõimelise arengu jaoks on palju väärtuslikum jõuda teose juurde oma loovuse tulemusena. Siis saab “elatuks” kogu muusika kujundlik sisu, kogu muusikalise kanga korraldus ja järjestus, mille valivad välja lapsed ise.

Tuleb rõhutada veel ühte punkti: neid intonatsioone, mida lapsed oma loovuse käigus leiavad, ei tohiks tingimata "kohandada" autori originaalile võimalikult lähedale. Oluline on sattuda meeleolu, teose emotsionaalsesse ja kujundlikku sfääri. Siis saab laste läbielatu, nende endi loodud taustal autori originaal üheks võimaluseks kehastada üht või teist antud muusikalises kujundis väljendatud elusisu. Seega lähenevad koolinoored filosoofilise ja esteetilise seisukoha mõistmisele kunsti võimalusest pakkuda vaimset suhtlust just tänu oma ainulaadsele võimele, kui ühise elu sisu olemasolul väljendub see tõlgenduste, esitamise ja kuulamise paljusus. näidud.

Iga õpetaja teab, kui oluline ja samas kui raske on lapsi muusika tajumiseks ette valmistada. Praktika näitab, et parimad tulemused saavutatakse siis, kui muusika tajumise ettevalmistav etapp vastab taju enda kõige olulisematele nõuetele, kui see on sama elav, kujutlusvõimeline ja loominguline.

Muusikatunnid, nagu õpetas kooli austatud õpetaja Margarita Fedorovna Golovina, on elutunnid. Tema tunde iseloomustab soov iga hinna eest "kõigini jõuda"; pane sind mõtlema elu keerukuse üle, vaata endasse. Muusika on eriline kunst - leida mis tahes programmi teemast sellesse põimitud moraalne tuum ja teha seda koolilastele kättesaadaval tasemel, ilma probleemi keerulisemaks muutmata, kuid mis veelgi olulisem, ilma seda lihtsustamata. Golovina M.F. püüdleb selle poole, et kõik vajalikud teadmised, võimed ja oskused oleksid keskendunud aktuaalsetele moraalsetele ja esteetilistele probleemidele vastavalt laste vanusele ja muusikakogemusele, et mõtisklused muusikast oleksid tõeliselt peegeldused (nagu L.A. Barenboim: „... Vanakreeka keeles tähendab sõna peegeldama: kanna alati südames...").

Golovina tundides olete veendunud uue programmi põhiidee asjakohasuses - igasugune laste muusika õpetamise vorm peaks olema suunatud muusikalise kuvandi tajumise ja selle kaudu erinevate aspektide tajumise arendamisele. elu. Samas on oluline, et lapsed imbuksid võimalikult varakult tunnetama ja teadvustama muusikakunsti kui oma olemuselt ekspressiivse kunsti spetsiifikat. Golovin ei kasuta peaaegu kunagi küsimust: "Mida see muusika esindab?" Ta usub, et tüütu küsimus: "Mida muusika esindab?" - viitab sellele, et muusika peab tingimata midagi kujutama, harjutab neid konkreetse "süžeelise" mõtlemisega, fantaseerides muusika saatel.

Nendest positsioonidest pöörab Golovina suurt tähelepanu muusikalisele sõnale, see peaks olema särav, kujutlusvõimeline, kuid äärmiselt täpne ja peen, nii et ilma lapsele oma teose tõlgendust peale surumata saaks ta oskuslikult suunata oma taju, kujutlusvõimet, tema loominguline fantaasia muusika poole, mitte sellest eemale: „Tunnistan,“ ütleb T. Venderova, „Golovina tundides tekkis rohkem kui korra mõte: kas tasub kulutada nii palju aega, et teada saada, mida õpilased muusikast kuulsid. Kas pole lihtsam öelda ise teose kava ja suunata laste muusikalist mõtlemist rangelt määratletud suunas? Jah,“ vastas Golovina, „kahtlemata teeksin oma elu palju lihtsamaks, ümbritsedes muusika taju kogu rikkaliku muusikaloome sisu ja ajalooga seotud teabega. Ja ma arvan, et teeksin seda eredalt, põnevalt, et poisid kuulaksid. Kõik see on muidugi vajalik, kuid mitte praegu. Sest nüüd on mul teine ​​ülesanne – näha, kui võimelised on poisid ise põhisisu kuulma ilma igasuguse selgituseta muusikas endas. Mul on vaja, et nad selle ise välja mõtleksid. Nad kuulsid seda muusikas endas ega surunud süžeesse seda, mida nad ajaloost teadsid, televiisorist nägid, raamatutest lugesid.

Samuti tuleb juba esimestest sammudest peale õpetada sisukat, südamlikku laulmist. T. Venderovaa kirjutab, et jälgides neid tundide hetki, mil õpiti lugu või töötati selle kallal, meenuvad tahes-tahtmata tüüpilisemad tunnid, mil mõte muusika väljendusrikkusest, muusika seostest eluga kuidagi märkamatult haihtub konkreetse vokaal- ja kooritöö algusega, tundub muutuvat tarbetuks, üleliigseks. Golovinil on tõelise muusiku kvaliteet, nad püüdlesid muusika esituses orgaanilise, kunstilise ja tehnilise ühtsuse poole. Pealegi erinevad meetodid ja tehnikad olenevalt tööst, laste vanusest ja konkreetsest teemast. "Läbusin silbirütmi tähistusest juba ammu eemale," ütleb Golovina, "ma usun, et need on rohkem mehaanilised, sest mõeldud rütmiliste mustrite esitamiseks, milles kas puudub muusikaline kujund või kõige elementaarsem, sest kogu algrelatiivsus on üles ehitatud elementaarsele.

Golovina püüdleb selle poole, et lapsed "läbiksid" mis tahes laulu. Peame otsima laule, mis avavad meile tänapäeva probleeme, peame õpetama lapsi ja teismelisi lauldes mõtlema ja mõtisklema.

"Püüan," ütleb Margarita Fedorovna, "avaldada lastele, kuidas elu ise on lõputult muutuv, võimeline muutuma, olema salapärane. Kui see on tõeline kunstiteos, on võimatu seda täielikult mõista. Golovina püüab inimesena, muusikaõpetajana teha kõik endast oleneva, et sundida lapsi ühinema kõrgete ideaalidega, tõsiste eluprobleemidega, kunsti meistriteostega. Margarita Feodorovna õpilased näevad, kuidas ta otsib sügavat vaimset tähendust mis tahes žanri kunstiteoses. M.F. Golovina ise neelab aktiivselt kõike, mis tema ümber toimub, ega lase lastel end tunni raames isoleerida. See toob nad võrdluste, paralleelide, kõrvutusteni, ilma milleta ei saa olla arusaama meid ümbritsevast maailmast ja iseendast selles. See äratab mõtteid ja erutab hinge. Ta ise näib kehastavat hämmastavaid muusika- ja elutunde, mida ta lastele annab.

L. Vinogradov leiab, et "muusikaõpetaja peab olema ainulaadne spetsialist, et avaldada lapsele muusikat selle terviklikkuses." Mida tuleb teha, et lapsel tekiks tõeliselt terviklik arusaam muusikast?

Muusikal on üldised seadused: liikumine, rütm, meloodia, harmoonia, vorm, orkestratsioon ja palju muud, mis on seotud üldise arusaamaga sellest, mis muusika on. Neid seadusi omandades liigub laps üldisest konkreetse juurde, konkreetsete teoste ja nende autorite juurde. Ja muusikaõpetaja juhatab teda samm-sammult mööda teed. Seega on vaja haridusprotsessi üles ehitada mitte konkreetselt üldisele, vaid vastupidi. Ja mitte rääkida muusikast, vaid teha seda, ehitada, mitte õppida, vaid luua omaette eraldi elemendil. Siin on paslik täita suurte muusikute tahet - kõigepealt tuleb lapsest pillimees teha ja alles siis pill kätte võtta. Aga kas igast lapsest saab muusik? Jah, saab ja peab. V. Hugo rääkis kolmest kultuuri “keelest” - tähtede, numbrite ja nootide keelest. Nüüd on kõik veendunud, et kõik oskavad lugeda ja arvestada. Lev Vjatšeslavovitš Vinogradov ütleb, et aeg on kätte jõudnud, et igaüks saaks muusikuks. Sest muusika kui esteetiline subjekt ei kujunenud väljavalitutele, vaid kõigile, kuid selleks, et tõeliselt muusikaliseks saada, on vaja midagi erilist, mida nimetatakse muusikaliseks tunnetuseks.

Kuulus vene pianist A. Rubinstein mängis suure eduga kõigil oma kontsertidel, isegi kui tema mängus oli vigu ja väga märgatavaid. Üks teine ​​pianist andis ka kontserte, kuid mitte nii edukalt, kuigi mängis ilma vigadeta. A. Rubinsteini edu kummitas teda: "Võib-olla on see kõik suure meistri vigades?" - ütles pianist. Ja ühel kontserdil otsustasin mängida vigadega. Teda vilistati. Rubinsteinil oli vigu, aga tal oli ka muusikat.

Positiivne emotsioon on muusika tajumisel väga oluline. Kirovis suitsumänguasjade töökodades märkad, et kõik käsitöönaised on meeldivate säravate nägudega (kuigi nende töötingimused jätavad soovida). Nad vastavad, et juba töötubadele lähenedes seavad nad end positiivsetele emotsioonidele, sest savi ei saa petta, kui halva tujuga purustate, osutub mänguasi vastikuks, defektseks, kurjaks. Lapsega on samamoodi. Täiskasvanu karm pilk, rahulolematu nägu ei tee tuju heaks.

Laps, keda piinavad vanemad, õpetajad ja teised täiskasvanud, tuleb tundidesse halva tujuga. Selleks peab ta "tühjendama". Ja alles pärast tühjendamist rahunege ja asuge reaalse asja juurde. Kuid lastel on sellest olukorrast väljapääs. Ja selle väljapääsu peaks organiseerima täiskasvanu. “Tundides mängin kõik need olukorrad lastega läbi,” kirjutab L. Vinogradov. Näiteks sülitamine on sündsusetu ja laps teab seda. Kuid meie tunnis pean seda tegema hingamisharjutusena. (Muidugi sülitame "kuivale"). Tunnis saab ta seda kartmata teha. Ta võib karjuda ja vilistada nii palju kui tahab, ja närida, haukuda ja ulguda ja palju muud. Ja kõike seda kasutab L. Vinogradov sihipäraselt, tunni hüvanguks, muusikaga täielikuks suhtlemiseks, selle terviklikuks tajumiseks.

Väga oluliseks peab L. Vinogradov ka rütmilist korraldust Inimkeha. Rütmiline organiseeritus on osavus, koordinatsioon, mugavus. Nendel tingimustel on lihtsam õppida. L. Vinogradov pakub lastele ka näiteks ülesandeid: kujutada kehaga, kuidas lehed langevad. “Või,” ütleb Vinogradov, “pesame põrandat, jälgides, mis kaltsuga juhtub, kuidas see paindub, kuidas välja väänatakse, kuidas sealt vett tilgub jne, ja siis kujutame... põrandalappi. ” Pantomiimi kasutatakse laialdaselt lastega tundides, s.t. Lapsed saavad ülesande kujutada mingisugust elusituatsiooni (võta lõng ja nõel ning õmble nööp peale jne). Paljud lapsed saavad väga hästi hakkama. Ja seda näitab kasina elukogemusega, objektiivsete tegudega piiratud laps? Kui ta keha liigub vähe, siis on tema mõtlemine laisk. Pantomiim on huvitav ja kasulik igas vanuses lastele, eriti kehva kujutlusvõimega lastele. Vinogradovi õppesüsteem aitab lastel sügavamale muusika "saladustesse" tungida.

Muusika tajumise ettevalmistamist saab läbi viia erineval viisil. Peatugem üksikasjalikumalt muusikalise kujutise kui teise kunsti kujutise tajumise ettevalmistamisel.

Muusika tajumise kujundliku ettevalmistuse tendents avaldub kõige selgemalt siis, kui see ettevalmistus põhineb teise kunsti kuvandil. Paralleelid nagu K. Paustovski lugu “Vana kokk” ja V. Mozarti sümfoonia “Jupiter” teine ​​osa, V. Vasnetsovi maal “Bogatõrid” ja A. Borodini “Kangelassümfoonia”, Perovi maal “Troika” ja Mussorgski romanss “Vaeslaps” .

Muusikalise kujundi tajumise ettevalmistamisel teise kunsti kujutises on mitmeid vaieldamatud eelised: seab lapsed muusika elavaks, kujutlusvõimeliseks tajumiseks, moodustab kunstilisi assotsiatsioone, mis on väga oluline igasuguse kunsti, sealhulgas muusika tajumisel. Muusikalise kujutise tajumise ettevalmistamine teise kunsti kujutise abil ei tohiks olla muusika hilisema tajumise programmi olemus. Enne muusika kuulamist loetud lugu ei jutusta seda ümber, nii nagu pärast lugu mängitav muusika ei järgne loo ümberjutustamisele. Pilt, mida näidatakse enne muusika kuulamist, ei värvi muusikat, nii nagu pärast pildi vaatamist mängitud muusika ei värvi pilti. Meenutage A. Rubljovi säravat “Kolmainsust”. Kolm inimest istuvad kolmel pool trooni koos ohvrisöögiga. Neljas trooni pool on tühi, see on meie poole. "...Ja ma lähen tema juurde, kes on loonud mulle, ja einestan koos temaga ja tema minuga." Lapse muusikasse astumise olemus keskkoolis peaks olema sama: sõna intonatsioonist ("Alguses oli sõna") muusika intonatsioonistruktuurini, selle tuumani, põhipildini. Ja seal, tema sees, proovige paljastada oma hing. Mitte professionaalne, muusikaloogiline uurimus, mitte mingi muusikapala terminiteks ja pealkirjaridadeks jaotamine, vaid selle terviklik tajumine. Muusika mõistmine ja teadlikkus sellest, kuidas sina, täpselt sina, saad otsustada igavesed probleemid inimese olemasolu: hea ja kuri, armastus ja reetmine. Sest see on adresseeritud teile ja teie jaoks on selles koht jäetud. "Ja ma lähen tema juurde, kes mind lõi."

Kogemus näitab, et 5.-7. klassi laste jaoks on üsna tõsine kultuurilõhe muusikalis-ajaloolise mõtlemise põhialuste puudumine. Koolilastel ei kujune alati piisavalt selget ettekujutust teatud muusikaliste meistriteoste ajaloolisest järgnevusest, sageli puudub neil historitsism muusika, kirjanduse ja maalikunsti seotud nähtuste koostamisel, kuigi kaasaegne programm võimaldab õpetajal luua teiste humanitaarainetega võrreldes sügavamalt interdistsiplinaarseid seoseid, näidata muusika ja teiste kunstide sisemist sugulust.

Sellega seoses tuletan meelde, et muusika kui kunstiliik arenes ajalooliselt koos teiste kunstitegevuse liikidega, sealhulgas tants, teater, kirjandus ja tänapäeval - kino jne. Kõik suhted teiste kunstiliikidega on geneetiline ja roll kunstilises süsteemis kultuur - sünteesimine, mida tõendavad arvukad muusikažanrid, esiteks - ooper, romantika, kava sümfoonia, muusikaline jne. Need muusika tunnused pakuvad rohkelt võimalusi selle uurimiseks ajastute, stiilide ja erinevate rahvuslike koolkondade kaupa kogu kunstikultuuri ja selle ajaloolise arengu kontekstis.

Tundub oluline, et muusikapiltide endi tajumise, mõistmise ja analüüsi kaudu tekiks koolilastel assotsiatsioone teiste kunstiliikidega, mis põhinevad kunstikultuuri ajaloolisel arengul. Tee selleni, ütleb kooli muusikaõpetaja L. Ševtšuk. Nr 622 Moskva Riiklik Ülikool, - spetsiaalselt korraldatud õppekavavälises tegevuses.

On vaja, et klassiväline töö oleks üles ehitatud selliselt, et mineviku kunstikultuuri pilte tajuksid lapsed mitte “tasafotograafiliselt”, vaid ruumiliselt, oma sisemise loogikaga. Soovin, et lapsed tunnetaksid konkreetse ajastu kunstilise mõtlemise iseärasusi, mille kontekstis sündisid muusikakunsti, luule, maali ja teatri teosed.

Sellise “Reisi” põhilised metoodilised võtted olid kaks. Esiteks on vaja „sukelduda ajastusse, ajalukku, vaimsesse õhkkonda, mis soodustab suurte kunstiteoste sündi. Teiseks on vaja naasta modernsusse, meie päevadesse, s.t. möödunud ajastute teoste sisu tuntud aktualiseerimine kaasaegses universaalses kultuuris.

Näiteks saate korraldada reisi "Iidsesse Kiievisse". Kunstilise materjali hulka kuulusid eeposed, iidsete Kiievi kirikute reproduktsioonid, kellahelinad ja salvestused monofoonilisest lipulaulust. Tunni stsenaarium koosnes 3 osast: esiteks lugu varakeskaegsest vene kultuurist, kristlikust kirikust ja selle ainulaadsest arhitektuurist, kellamängust ja koorilaulust, linnaväljaku tähendusest, kus jutuvestjad - guslarid esitasid oma eeposte ja rahvast. paganliku kultuse jälge kandvad mängud. Selles tunniosas mängitakse laule, mida lapsed siis kooris laulavad. Teine osa on pühendatud eepostele. Väidetavalt on need laulud muinasajast (rahvasuus kutsutud antiikajast), mis ilmusid väga kaua aega tagasi ja kandusid edasi suust suhu. Paljud said kuju Kiievi Venemaal. Poisid loevad katkendeid oma lemmikeepostest ning Svjatogorist, Dobrõnjast, Ilja Murometsast jt. “Rännaku” viimane fragment kannab nime “Muistne Venemaa teiste ajastute kunstnike pilgu läbi”. Siin on katkendid S. Rahmaninovi “Vespritest”, A. Gavrilini “Kelladest” ning kasutatud V. Vasnetsovi ja N. Roerichi reproduktsioone.

Kunst tekkis tsivilisatsiooni koidikul inimese tunnete ja mõtete peegeldusena. Elu ise oli selle allikas. Inimest ümbritses tohutu ja mitmekesine maailm. Ümberringi juhtunud sündmused mõjutasid tema iseloomu ja eluviisi. Kunst pole kunagi eksisteerinud elust lahus, pole olnud midagi illusoorset, see on ühte sulanud inimeste keele, kommete ja temperamentsete omadustega.

Alates 1. klassi esimesest tunnist oleme mõelnud muusika kohale inimeste elus, selle võimele peegeldada inimese hinge kõige tabamatuid seisundeid. Iga aastaga tajuvad lapsed muusikamaailma sügavamalt, täis tundeid ja kujundeid. Ja milliseid tundeid valdab inimene, kui ta õmbleb endale ülikonna, kaunistab selle tikandiga, ehitab kodu ja komponeerib muinasjuttu? Kas neid rõõmutunde või sügavat kurbust ja kurbust saab väljendada pitsi- ja savitoodetes? Kas muusika kui elu peegeldus kõigis selle ilmingutes suudab väljendada samu tundeid ja muuta mõne ajaloosündmuse eeposeks, lauluks, ooperiks, kantaadiks?

Vene inimestele on alati meeldinud puidust mänguasjade valmistamine. Iga kalanduse päritolu ulatub tagasi äärmuslik antiikaeg, ja me ei tea, kes oli esimene, kes lõi mänguasja, mis andis elu Bogorodskaja nikerdamise käsitööle. Venemaal nikerdasid kõik poisid puitu, see on ümberringi – käsi ise ulatub välja. Võib-olla teenis käsitööline pikka aega sõjaväes ja hakkas eaka mehena naastes naabruskonna laste rõõmuks meisterdama naljakaid mänguasju ja loomulikult peegeldus neis elu. Nii kõlab laiade, laiaulatuslike liigutustega meloodias ja ereda allalöögiga laul “Sõdurid” puust sõduri nikerdamise konarlikku ja teravat viisi. See võrdlus aitab paremini mõista vene iseloomu tugevust, taiplikkust, kindlust ja muusika päritolu.

Tunni täpsed, eredad, ülevaatlikud omadused, huvitav visuaalne materjal aitab lastele näidata, et vene muusika ja teiste rahvaste muusika on eluga tihedalt seotud. Muusika peegeldab elu, loodust, kombeid, ajaloolisi sündmusi, tundeid ja meeleolusid.

Traditsiooni kohaselt antakse iga kunst kooliõpilastele eraldi, seotuna lõdvalt nende üldiste teadmiste, ideede ja tegevustega. Halvasti arenenud ja üldine teooria kunstiline haridus ja lapse isiksuse kujunemine kunstide mõjul, sealhulgas nende suhtlemise protsessis.

Väljatöötatud metoodilised võtted on rohkem mõeldud kunstilise professionaalsuse kui kujutlusvõimelise mõtlemise ja ümbritseva maailma sensoorse taju arendamiseks. Kuid uurimiskogemus ja minu enda praktika,“ kirjutab Leedu laste loomingulise ühenduse „Muusa“ kooli-labori õpetaja Yu. Antonov, „kinnitavad, et kitsale professionaalsusele keskendumine ei aita kaasa laste loomingulise mõtte arengule, eriti oma haridustee alguses.

Sellega seoses tekkis idee luua struktuur, kus kunst eesotsas muusika ja kujutava kunstiga suhtleb. Tunnid viidi läbi nii, et kogu töö tuumaks oli muusika, selle sisu, emotsionaalne koloriit ja kujundite ulatus. Just muusika andis tõuke leidlikkusele ja plastilisusele, see andis edasi tegelaste olekut. Tunnid hõlmasid erinevat tüüpi kunstilist loovust alates graafikast ja maalist kuni koreograafia ja teatrietenduseni.

Nagu poisid ise hiljem ütlesid, kirjutab Yu. Antonov, mobiliseeris keskendumine sisu väljendamisele joonte ja värvidega erinevalt kuulama ning edaspidi väljendus sama muusika liikumises kergemini ja vabamalt.

Lastemuusikakooli õpetaja L. Bural kirjutab kunstikogukonna üle mõtiskledes: „Sain aru, et väga oluline on mõelda materjali esitamisele. Mõnikord on vestluse või analüüsi asemel paslik lisada mõni poeetiline sõna, kuid see sõna peab olema väga täpne, teemaga kooskõlas, mitte segama ega muusikat ära võtma.

K. Ushinsky väitis, et õpetaja, kes tahab midagi laste teadvusesse kindlalt juurutada, peab tagama, et päheõppimise aktist võtaks osa võimalikult palju meeli.

Paljud õpetajad kasutavad kooli muusikatundides fotosid ja kaunite kunstiteoste reproduktsioone. Kuid nad kõik mäletavad, et pildi tajumine, emotsionaalne reaktsioon iga lapse hinges sõltub sellest, kuidas õpetaja esitab helilooja reproduktsiooni või portree, millises formaadis, värvitoonis ja esteetilises vormis. Korramatu, räbal reproduktsioon, painutatud, kulunud servadega, poolläbipaistva tagakülje tekstiga, rasvaste plekkidega, ei tekita õiget reaktsiooni.

Muusika, luule ja kujutava kunsti kombinatsioon annab õpetajale lõputult võimalusi muuta tund õpilaste jaoks lõbusaks ja huvitavaks.

Võite kasutada näiteks A. Beethoveni loomingut uurides luuletuse Vs ridu. Roždestvenski:

Kust ta need sünged helid võttis?

Läbi paksu kurtuse loori?

õrnuse ja piina kombinatsioon,

Sobib noodidesse!

Lõvikäpaga õigete klahvide puudutamine

Ja raputades oma paksu lakki,

Mängiti ainsatki nooti kuulmata

Tumedas öös on tuba tühi.

Tunnid voolasid ja küünlad kustusid,

Saatuse vastu trotsides oli julgust

Ja ta on kogu inimese piinamise südametunnistus

Ütlesin ainult endale!

Ja ta veenis ennast ja uskus võimsalt,

Mis puutub nendesse, kes on maailmas üksi,

On teatud valgus, mis pole asjata sündinud,

Ja muusika on surematuse võti!

Suur süda kahiseb ja kriuksub

Juhtige oma vestlust pooleldi unes,

Ja nad kuulsid avatud aknast pärnapuid

Kõik, mida ta ei kuulnud.

Kuu tõuseb linna kohal kõrgemale

Ja mitte tema pole kurt, vaid see maailm tema ümber,

Kes ei kuuleks selliseid asju nagu muusika,

Sündinud õnnes ja piinade tiiglis!

S. V. Rahmaninovil on märkimisväärne anne heliloojana ja võimas anne kunstnik-esinejana: pianist ja dirigent.

Rahmaninovi loominguline kuvand on mitmetahuline. Tema muusika kannab endas rikkalikku elulist sisu. Selles on sügava vaimse rahu kujundeid, mida valgustab helge ja südamlik tunne, täis õrna ja kristallselget lüürikat. Ja samal ajal on mitmed Rahmaninovi teosed täidetud terava draamaga; siin on kuulda tuima, valusat melanhoolia, tunda traagiliste ja kohutavate sündmuste paratamatust.

Sellised teravad kontrastid pole juhuslikud. Rahmaninov oli 19. sajandi lõpu ja 20. sajandi alguse vene kunstile suuresti iseloomulike romantiliste tendentside väljendaja. Rahmaninovi kunsti iseloomustab emotsionaalne elevus, mida Blok defineeris kui "ahne soovi elada kümnekordset elu..." Rahmaninovi loomingu eripära on juurdunud vene keele keerukuses ja pingelisuses. avalikku elu, tohututes murrangutes, mida riik koges viimase 20 aasta jooksul enne Oktoobrirevolutsiooni. Helilooja maailmavaate määravad tegurid olid: ühelt poolt kirglik janu vaimse uuenemise järele, lootus tulevastele muutustele, nende rõõmus ootus (mida seostati kõigi ühiskonna demokraatlike jõudude jõulise tõusuga 2010. aasta eelõhtul). esimese Vene revolutsiooni aastad) ja teisalt eelaimdus lähenevast ähvardavast elemendist, proletaarse revolutsiooni elemendist, mille olemus ja ajalooline tähendus jäi tollase vene intelligentsi enamusele arusaamatuks. Just perioodil 1905–1917 hakkasid Rahmaninovi loomingus sagenema traagilise hukatuse meeleolud... Ma arvan, et viimaste põlvkondade inimeste südames oli püsiv katastroofitunne; - Blok kirjutas sellest ajast.

Äärmiselt oluline koht Rahmaninovi loomingus on Venemaa ja tema kodumaa piltidel. Muusika rahvuslik iseloom avaldub sügavas sidemes vene rahvalauluga, linnaromantika – 19. sajandi lõpu ja 20. sajandi alguse argikultuuriga, Tšaikovski ja heliloojate loominguga. Võimas kamp" Rahmaninovi muusikas peegeldus rahvalaulusõnade poeesia, rahvaeepose kujundid, idamaised elemendid ja vene looduse pildid. Ehedat rahvatemaatikat ta aga peaaegu ei kasutanud, vaid arendas seda ülimalt vabalt ja loovalt.

Rahmaninovi anne on loomult lüüriline. Lüüriline printsiip väljendub eelkõige laia, veniva meloodia domineerivas rollis looduses. “Meloodia on muusika, kogu muusika põhialus. "Meloodiline leidlikkus selle sõna kõrgeimas tähenduses on helilooja peamine eesmärk," kinnitas Rahmaninov.

Rahmaninovi kui interpreedi kunst on tõeline loovus. Ta tõi teiste autorite muusikasse paratamatult midagi uut, oma, Rahmaninovi oma. “Laulmise” meloodia, jõud ja täius – need on esimesed muljed tema pianismist. Meloodia valitseb kõige üle. Meid ei raba mitte tema mälu, mitte tema sõrmed, mis ei jäta tähelepanuta ühtki detaili tervikust, vaid tervik, need inspireeritud kujundid, mida ta meile taastab. Tema hiiglaslik tehnika, tema virtuoossus on ainult nende kujundite selgitamiseks,” nii iseloomustas Rahmaninovi pianistliku kunsti olemust sügavalt ja õigesti tema sõber, helilooja N. K. Medtner.

Esimesena tunnustati ja said tuntuks helilooja klaveri- ja vokaalteosed ning palju hiljem sümfoonilised teosed.

Rahmaninovi romansid konkureerivad oma populaarsuselt tema klaveriteostega. Rahmaninov kirjutas umbes 80 romanssi 19. sajandi teise poole ja 20. sajandi vahetuse vene lüüriliste poeetide tekstide põhjal ning vaid veidi rohkem kui kümmekond 19. sajandi esimese poole luuletajate sõnade põhjal. (Puškin, Koltsov, Ševtšenko venekeelses tõlkes).

“Sirel” (sõnad E. Beketova) on Rahmaninovi laulusõnade üks hinnalisemaid pärleid. Selle romantika muusikat iseloomustab erakordne loomulikkus ja lihtsus, lüüriliste tunnete ja looduspiltide märkimisväärne suland, mis väljendub peente muusikaliste ja pildiliste elementide kaudu. Kogu romantika muusikaline kangas on meloodiline, meloodiline, vokaalfraasid voolavad loomulikult üksteise järel.

"Salajase öö vaikuses" (A.A. Feti sõnad) - väga iseloomulik pilt armastuse laulusõnad. Domineeriv sensuaalne ja kirglik toon on määratud juba instrumentaalses sissejuhatuses. Meloodia on meloodiline, deklamatiivne ja ilmekas.

“Armusin oma kurbusse” (T. Ševtšenko värsid, tõlkinud A. N. Pleštšejev). Laulu sisuks on romantika

seotud värbamisteemaga ning stiililt ja žanrilt - itkudega. Meloodiat iseloomustavad leinalised pöörded meloodiafraaside lõpus ja dramaatilised, pisut südantlõhestavad laulud haripunktides. See suurendab intiimsust vokaalne osa hädaldamiseks – nutan. “Guseli” arpegeeritud akordid laulu alguses rõhutavad selle rahvalikku iseloomu

Franz Liszt (1811-1866) - geniaalne ungari helilooja ja pianist, suurim kunstnik- Ungari rahva muusik. Liszti loomingulise tegevuse edumeelne, demokraatlik suund on suuresti seotud ungari rahva vabadusvõitlusega. Rahva rahvuslik vabadusvõitlus Austria monarhia ikke vastu. Ühinetud võitlusega feodaal-mõisniku süsteemi vastu Ungaris endas. Kuid revolutsioon 1848–1849 sai lüüa ja Ungari sattus taas Austria ikke alla.

Märkimisväärne osa Franz Liszti loomingust kasutab ungari muusikalist folkloori, mis eristub suure rikkuse ja originaalsusega. Ungari rahvamuusikale iseloomulikud rütmid, modaalsed ja meloodilised pöörded ning isegi ehedad meloodiad (peamiselt linnalikud, nagu “verbunkos”) said loomingulise teostuse ja käsitluse paljudes Liszti teostes, nende muusikalistes kujundites. Liszt ei pidanud kaua Ungaris ise elama. Tema tegevus toimus peamiselt väljaspool kodumaad - Prantsusmaal, Saksamaal, Itaalias, kus tal oli silmapaistev roll arenenud muusikakultuuri arendamisel.

Liszti tihedast sidemest Ungariga annab tunnistust tema raamat Ungari mustlaste muusikast, aga ka see, et Liszt määrati Budapesti riikliku muusikaakadeemia esimeseks presidendiks.

Liszti loomingu ebajärjekindlus tekkis ühelt poolt programmilisuse, muusika konkreetse kujundlikkuse ihaluses, teisalt aga ka selle probleemi lahendamise abstraktsuses. Teisisõnu oli mõne Liszti teose programmiline olemus abstraktne, filosoofiline (sümfooniline poeem “Ideaalid”).

Loomingut ja muusikalist iseloomustab hämmastav mitmekülgsus sotsiaalsed tegevused Liszt: geniaalne pianist, kes kuulus 19. sajandi suurimate interpreetide hulka; suurepärane helilooja; ühiskonna- ja muusikategelane ja organisaator, kes seisis muusikakunsti progressiivse liikumise eesotsas, võideldes programmimuusika eest põhimõteteta kunsti vastu; õpetaja – terve galaktika imeliste muusikute – pianistide kasvataja; kirjanik, muusikakriitik ja publitsist, kes võttis julgelt sõna kunstnike alandava positsiooni vastu kodanlikus ühiskonnas; dirigent - selline on Liszt, mees ja kunstnik, loominguline välimus ja intensiivne kunstiline tegevus mis esindavad üht silmapaistvamat nähtust 19. sajandi muusikakunstis.

Tohutu mitmekesisuse hulgas klaveriteosed Liszti ühe olulisema teose hulka kuuluvad tema 19 rapsoodiat, mis on virtuoossed seaded ja fantaasiad ungari ja mustlaste rahvalaulude ja -tantsude teemadel. Liszti Ungari rapsoodiad vastasid objektiivselt Ungari rahva rahvusliku eneseteadvuse kasvule nende võitluse perioodil riikliku iseseisvuse eest. See on nende demokraatia, see on nende populaarsuse põhjus nii Ungaris kui ka välismaal.

Enamasti sisaldab iga Liszti rapsoodia kahte vastandlikku teemat, arendades sageli välja variatsioone. Paljudele rapsoodiatele on omane dünaamika ja tempo järkjärguline tõus: märgilise iseloomuga kirglikult retsitatiivne teema muutub järk-järgult kiiremaks muutuvaks tantsuks, mis lõpeb ägeda, kiire, tulise tantsuga. Need on eelkõige 2. ja 6. rapsoodia. Paljudes klaveritekstuuritehnikates (proovid, hüpped, erinevat tüüpi arpedžod ja figuratsioonid) taastoodab Liszt Ungari rahvapillidele iseloomulikke helisid.

Teine rapsoodia kuulub kõige iseloomulikumate ja paremate sedalaadi teoste hulka. Lühike retsitatiivne ja improvisatsiooniline sissejuhatus tutvustab rapsoodia sisuks olevate helgete värviliste rahvaelupiltide maailma. Graatsilised noodid on ungari rahvamuusikale iseloomulikud helid, mis meenutavad lauljate – jutuvestjate laulu. Graatsiliste nootidega saateakordid taastoodavad rahvapillide keelpillide kõlisemist. Sissejuhatus läheb tantsuelementidega maksa, millest saab siis variatsiooniarendusega kerge tants.

Kuues rapsoodia koosneb neljast selgelt piiritletud osast. Esimene osa on Ungari marss ja sellel on piduliku rongkäigu iseloom. Rapsoodia teine ​​osa on kiiresti lendav tants, mida elavdavad sünkoonid igas neljandas taktis. Kolmas osa – laul ja retsitatiiviimprovisatsioon, mis taasesitab lauljate – jutuvestjate, graatsiliste nootidega varustatud ja rikkaliku ornamentika – eristub vaba rütmi, fermaatide rohkuse ja virtuoossete lõikude poolest. Neljas osa on kiire tants, maalides pilti rahvalikust melust.

A.D. Šostakovitš on üks meie aja suurimaid heliloojaid.

Šostakovitši muusikat eristab sügavus ja kujundliku sisu rikkus. Inimese suur sisemaailm oma mõtete ja püüdlustega, kahtlused, vägivalla ja kurjuse vastu võitlev inimene - see on Šostakovitši peateema, mis on kehastatud mitmel viisil, nii üldistatud lüürikas - filosoofilised teosed, ja konkreetse ajaloolise sisuga teostes.

Šostakovitši loomingu žanriline ulatus on suurepärane. Ta on sümfooniate ja instrumentaalansamblite, suurte ja kammerlike vokaalvormide autor, muusikaliselt lavatööd, muusika filmidele ja teatrilavastustele.

Ükskõik kui suur Šostakovitši meisterlikkus vokaalsfääris ka poleks, on helilooja loomingu aluseks instrumentaalmuusika ja eelkõige sümfoonia. Sisu tohutu ulatus, mõtlemise üldistus, konfliktide (sotsiaalsete või psühholoogiliste) tõsidus, muusikalise mõtte arengu dünaamilisus ja range loogika - kõik see määrab Šostakovitši kui helilooja-sümfonistina välimuse.

Šostakovitšit iseloomustab erakordne kunstiline originaalsus. Tema mõtlemises mängivad suurt rolli polüfoonilise stiili vahendid. Kuid sama oluline on helilooja jaoks ka konstruktiivselt selgete homofoonilis-harmoonilist laadi konstruktsioonide väljendusrikkus. Šostakovitši sümfoonia oma sügava filosoofilise ja psühholoogilise sisu ning intensiivse draamaga jätkab Tšaikovski sümfoonia liini; vokaalžanrid oma lavalise reljeefiga arendavad Mussorgski põhimõtteid.

Loovuse ideoloogiline skaala, autori mõtete aktiivsus, olenemata sellest, millist teemat ta puudutas - kõige selle juures meenutas helilooja vene klassikute ettekirjutusi.

Tema muusikat iseloomustab avatud publitsistika ja aktuaalsed teemad. Šostakovitš toetus mineviku parimatele kodu- ja väliskultuuri traditsioonidele. Nii ulatuvad tema kangelasliku võitluse kujundid Beethovenini, kujundid ülevast meditatsioonist, moraalsest ilust ja visadusest – J.-S. Bach, siirad kujundid Tšaikovskilt, lüürilised pildid. Teda tõi Mussorgskile lähemale realistlike rahvategelaste ja traagiliste mõõtmetega populaarsete stseenide loomise meetod.

Sümfoonia nr 5 (1937) on helilooja loomingus erilisel kohal. See tähistas küpse perioodi algust. Sümfoonia paistab silma filosoofilise kontseptsiooni sügavuse ja terviklikkuse ning küpse meisterlikkuse poolest. Sümfoonia keskmes on inimene kõigi oma kogemustega. Keerukus sisemaailm Kangelast inspireeris ka sümfoonia tohutu sisuspekter: filosoofilisest mõtisklusest žanri visanditeni, traagilisest paatosest groteskini. Üldiselt näitab sümfoonia kangelase teed traagilisest suhtumisest võitluse kaudu elujaatuse kaudu võitluse rõõmuni elujaatuseni. I ja III osas on lüürilised ja psühholoogilised kujundid, mis paljastavad sisemiste kogemuste draama. II osa lülitub teisele sfäärile – see on nali, mäng. IV osa tajutakse valguse ja rõõmu võidukäiguna.

I osa. Peamine pidu annab edasi sügavat, kontsentreeritud mõtet. Teema on kanooniliselt läbi viidud, iga intonatsioon omandab erilise tähenduse ja väljendusrikkuse. Kõrvalpidu on rahulik sisu ja unistuste väljendus. Seega puudub näitusel kontrastne võrdlus põhi- ja kõrvalparteide vahel. I osa põhikonflikt on toodud ekspositsiooni ja arengu võrdluses, mis peegeldab võitluse kuvandit.

II osa on mänguline, humoorikas skertso. II osa roll on kontrastiks I osa keerulisele draamale. See põhineb igapäevastel, kiiresti tuhmuvatel piltidel ja seda tajutakse maskide karnevalina.

III osa väljendab lüürilisi ja psühholoogilisi kujundeid. Siin pole konflikti inimese ja tema suhtes vaenuliku jõu vahel. Põhiosa väljendab kontsentreeritud vabadust - see on kodumaa teema kehastus muusikas, ülistades põlislooduse poeetilist piirkonda. Kõrvalmäng kujutab elu ilu inimese ümber.

Finaal. Seda tajutakse kogu sümfoonia edasiarendusena, mille tulemusena saavutatakse valguse ja rõõmu võidukäik. Peaosa on marsilaadse iseloomuga ning kõlab võimsalt ja kiirelt. Kõrvalosa kõlab nagu laia hingamise hümn. Kooda on pidulik, majesteetlik apoteoos.

„Muusika õppimise protsessi kui pedagoogilise probleemi uurimisel jõudsime järeldusele,“ kirjutab A. Pilychausk oma artiklis „Muusika tundmine pedagoogilise probleemina“, „et püstitatud eesmärk – inimese harimine – peab vastama muusikateose eriteadmised, mida nimetasime kunstilisteks teadmisteks " Selle omadused on selgemalt esile tõstetud võrreldes teiste, tuttavamate muusikaga suhtlemise tüüpidega.

Traditsiooniliselt on välja kujunenud mitut tüüpi muusikateadmisi. Muusika teadusliku, muusikateoreetilise käsitluse toetajad näevad peamise ülesandena inimese kasvatamist teose struktuurilist poolt puudutavate teadmistega, muusikaline vorm selle sõna laiemas tähenduses (konstruktsioon, väljendusvahendid) ja vastavate oskuste arendamine. Samas praktikas vormi tähendus sageli absolutiseeritakse, sellest saab tegelikult peamine tunnetusobjekt, samuti kõrvaga raskesti tajutav objekt. Sarnane lähenemine on omane kutseõppeasutustele ja lastemuusikakoolidele, kuid selle “kaja” on tunda ka keskkoolide metoodilistes soovitustes.

Mitteprofessionaalidele sobivamaks peetakse teist tüüpi tunnetust – lihtsalt muusika kuulamist ja selle ilu nautimist. Tõepoolest, just nii juhtub sageli kontserdisaalis muusikaga suheldes, kui kuulaja “intonatsioonisõnavara” vastab teose intonatsioonilisele struktuurile. Enamasti on seda tüüpi tunnetus tüüpiline publikule, kes juba armastab tõsist muusikat (konkreetset stiili, ajastut või piirkonda). Nimetagem seda tinglikult passiivseks amatöörtunnetuseks.

Keskkoolide muusikatundides praktiseeritakse kõige sagedamini aktiivset amatöörtunnetust, mil põhiülesandeks on muusika „meeleolu”, selle iseloomu määramine koos tagasihoidliku püüdega mõista väljendusvahendeid. Nagu praktika näitab, tüdivad koolilapsed peagi stereotüüpsetest väidetest muusika “meeleolu” kohta ja nad kasutavad sageli standardseid omadusi isegi teost kuulamata.

Peaasi, et kõik seda tüüpi teadmised ei suuda õpilase isiksust otseselt mõjutada ei esteetiliselt ega moraalselt. Millisest muusika sihipärasest kasvatuslikust mõjust saab õigupoolest rääkida juhul, kui esile kerkib teadlikkus teose vormist või selle meeleolu omadustest?

Muusika kunstiteadmistes on õpilase (kuulaja või esitaja) ülesanne erinev: mõista neid emotsioone ja neile sümpaatseid mõtteid, mis tekivad temas muusikaga suhtlemise protsessis. Ehk siis teose isikliku tähenduse mõistmises.

Selline lähenemine muusikale aktiveerib õpilaste tegevust ja tugevdab selle tegevuse väärtus-olulist motiivi.

Muusikalise kujundi tajumise protsessi soodustab mitte ainult seos teiste kunstiliikidega, vaid ka õpetaja elav poeetiline sõna.

"Sõna ei suuda kunagi täielikult selgitada kogu muusika sügavust," kirjutas V. A. Sukhomlinsky, "kuid ilma sõnata on võimatu sellele tunnete tundmise peenele sfäärile lähemale jõuda."

Iga sõna ei aita kuulajat. Ühe olulisema nõude avalausele võib sõnastada järgmiselt: aitab kunstiline sõna- särav, emotsionaalne, kujutlusvõimeline.

Õpetaja jaoks on väga oluline leida iga konkreetse vestluse jaoks õige intonatsioon. L. Beethoveni kangelaslikust ja P. Tšaikovski laulusõnadest, A. Hatšaturjani muusika tantsuelementidest ja I. Dunajevski rõõmsast marsivaimust on võimatu rääkida ühesuguse intonatsiooniga. Ekspressiivsed näoilmed, žestid, isegi õpetaja kehahoiak aitavad luua teatud meeleolu, seega peaks õpetaja sissejuhatav kõne olema just sissejuhatav sõna, mis viib muusika põhitajuni.

Raamatus "Kuidas õpetada lastele muusikat?" D.B.Kabalevski kirjutab, et enne kuulamist ei tasu esitusele tulevat tükki detailselt puudutada. Olulisem on seada kuulaja teatud lainepikkusele jutuga ajastust, heliloojast või teose ajaloost, sellest, mida Dmitri Borisovitš nimetab "teose biograafiaks". Selline vestlus loob kohe meeleolu tajuda tervikut, mitte üksikuid hetki. Tekivad ootused ja hüpoteesid. Need hüpoteesid juhivad edasist tajumist. Neid saab kinnitada, osaliselt muuta, isegi tagasi lükata, kuid igal neist juhtudel on taju terviklik, emotsionaalne ja semantiline.

Ühel muusikaalase töökogemuse kokkuvõtte tegemisele pühendatud konverentsil tehti ettepanek: enne uue muusika kuulamist tutvustada õpilastele (kesk- ja gümnaasiumiastmetele) põhiteadmisi. muusikaline materjal, analüüsida muusikalisi väljendusvahendeid.

Samuti tehti ettepanek anda õpilastele enne kuulamist konkreetsed ülesanded: jälgida konkreetse teema arengut, jälgida konkreetse väljendusvahendi arengut. Kas mainitud tehnikad taluvad kriitikat muusikalise kuvandi loomingulise taju arendamise seisukohalt?

Individuaalsete teemade näitamine enne esmast tajumist, aga ka konkreetsed ülesanded, mille eesmärk on tabada teose ühte külge, võtavad hilisema terviklikkuse tajumise, mis kas järsult vähendab või kaob täielikult muusika esteetilist mõju.

Näidates üksikuid teemasid enne esialgset terviklikku taju, loob õpetaja omamoodi "tornid", mis aitavad õpilastel võõras essees navigeerida. Selline õpilase abistamise vorm tundub aga õigustatud vaid esmapilgul. Süstemaatilisel kasutamisel tekitab see koolilastes omamoodi "kuulmissõltuvuse". Muusika eelselgitus enne kuulamist näib õpilast etteantud teost kuulates relvastavat, kuid ei õpeta teda võõrast muusikast ise aru saama, ei valmista ette muusikat väljaspool klassiruumi tajuma. Järelikult ei valmista see teda muusika loominguliseks tajumiseks ette.

Muusika tervikliku tajumise ennetamise puhul õpetaja analüütiliste juhiste järgi muutub reaalseks oht analüüsida muusikalisi väljendusvahendeid kui tehnoloogilist mudelit. Peame püüdlema selle poole, et kõik tunnis puudutatud analüütilised probleemid lähtuksid õpilaste tajutavast muusika elulisest sisust. Analüüs, mida lapsed õpetaja abiga tunnis teevad, peaks põhinema terviklikul tajul, selle või teise töö terviklikul mõistmisel.

Kas üldiselt on õige keelduda õpilastele teose muusikalise materjaliga eelnevast tutvumisest? Esialgsel tajumisel tuginemine muusikalisele materjalile, mida õpetaja on näidanud vahetult enne kuulamist, uus programm vastandab toetumist aastatepikkusele muusika tervikliku tajumise kogemusele. Esialgne tutvus muusikalise materjaliga toimub alati enam-vähem iseseisvate muusikapiltide näol.

Paljude lugude, üsna terviklike meloodiate ja detailsemate struktuuride kuulamine ja esitamine valmistab õpilasi ette tajuma suuri kompositsioone või nende üksikuid osi, kus varem kuuldud muusikapildid saavad osaks mitmetahulisemast muusikapildist ja hakkavad suhtlema teiste muusikapiltidega.

Mis puudutab eriülesandega muusika tajumise legitiimsust, siis sellest tehnikast ei tohiks samuti loobuda, sest Eriülesandega muusika kuulamine võimaldab mõnikord lastel kuulda midagi, mis ilma sellise ülesandeta võib nende tähelepanust lihtsalt mööda minna. Kuid seda tehnikat, nagu programmis öeldud, tuleks kasutada ainult siis, kui ilma selleta pole võimalik hakkama saada: kooliõpilaste poolt tajutava muusikateose sisu teatud tahkude sügavamaks avalikustamiseks. Selle tehnika kasutamine ainult kuulmisharjutuste (mitte rohkem) nimel on välistatud.

Niisiis peaks kooliõpilaste muusikalise kuvandi tajumine olema pedagoogiliselt korraldatud. Samas on õpetaja jaoks kõige olulisem juhend muusika emotsionaalne ja kujundlik sfäär, mille originaalsust arvestades peab ta oma töö lülidest kaugemale ehitama, et arendada lastes adekvaatset, peent ja sügavat muusikataju. .

Õpetaja peaks pöörama erilist tähelepanu laste ettevalmistamisele uue muusikalise kompositsiooni tajumiseks. Apellatsioon muusikaga seotud kunstiliikidele, õpetaja elav poeetiline sõna muusikast on vahendid, mis aitavad lahendada kooli muusikahariduse keskset probleemi - muusikalise taju kultuuri kujunemist kooliõpilaste seas.

“S.V. Rahmaninovi teoste lehekülgede kaudu”

Kunstniku või kunstnike koolkonna mis tahes kunstiteose mõistmiseks on vaja täpselt ette kujutada selle aja üldist vaimse ja moraalse arengu seisundit, millesse see kuulub. Siin peitub peamine põhjus, mis määras kõik muu.

Hippolytos I.

(Õppetunnis kasutatakse Yu. Nagibini lugu “Rahmaninovi”, sest poeetiline sõna võib laste mõtetes esile kutsuda teatud visuaalse jada ja võimaldab lastel avastada Rahmaninovi loovuse maagilise jõu saladuse kui tema loomingu peamise printsiibi. mõtlemine.

Klassikaunistus: S. Rahmaninovi portree, kirjandusliku pärandi ja kirjadega raamatud, noodid ja sirelioksake.

Täna ootab meid ees vapustav kohtumine vene helilooja Sergei Vassiljevitš Rahmaninovi muusikaga. Lähedased, kes teda hästi tundsid, meenutasid, et ta ei rääkinud enda ja oma teoste kohta peaaegu midagi sõnadega, uskudes, et on oma teoste kaudu kõik öelnud. Ja seetõttu peate helilooja loomingu mõistmiseks kuulama tema muusikat. (Peludia g-moll, op. 32, nr 12, esitaja S. Richter).

Rahmaninovi loomingut peeti vene muusika eredaimaks leheküljeks nii Venemaal kui ka läänes. Kuid 1917. aasta sai heliloojale saatuslikuks.

Raamatust: “Varasügis 1917. a. Rahmaninov sõitis autoga Ivanovkasse. Teeservades on koristamata viljapõllud, umbrohtunud kartulipõllud, tatar, hirss. Sambad paistavad igavalt välja kohas, kus kaetud elektrivool oli ära võetud. Auto sõitis kinnistule. Ja siin on märgatavad hävimisjäljed. Maja lähedal vehkisid mõned mehed kätega ja teised kandsid vaase, tugitoole, kokkurullitud vaipu ja erinevaid riistu. Kuid see polnud see, mis Rahmaninovit vapustas: teise korruse laiad aknad avanesid, sinna ilmus midagi suurt, musta, sädelevat, liikus aknalauale, ulatus välja ja kukkus ootamatult alla. Ja alles siis, kui see vastu maad põrutas ja katkiste keelpillidega ulgudes, paljastas oma olemuse seinaklaverina.

Rahmaninov jalgu lohistades nagu kõleda vanamees, rändas maja poole. Mehed märkasid teda, kui ta oli klaveri surnukeha kõrval, ja tardus. Neil polnud Rahmaninovi vastu mingit isiklikku vihkamist ja kui tema äraolekul sai temast "peremees", "maaomanik", tuletas tema elav pilt talle meelde, et ta pole lihtsalt härrasmees, mitte üldse härrasmees, vaid midagi muud, kaugel. olla nende vastu nii vaenulik.

"Ei midagi, jätka," ütles Rahmaninov hajameelselt ja peatus mustade läikivate laudade kohal, kelle kõrvus kõlas endiselt surelik ulgumine.

Ta vaatas... ikka veel värisevaid nööre, laiali pillutatud võtmeid... ja mõistis, et ta ei unusta seda hetke kunagi.

Millest see lõik räägib?

Asjaolu, et 1917. aastal Venemaal valitsenud rahutu ja pingeline olukord tõi heliloojale südamelähedase Ivanovka nimel kaasa konflikti Rahmaninoavi ja vaeste talupoegade organite vahel.

See on õige ja üldiselt suhtus Rahmaninov kõike, mis Venemaal, mitte ainult Ivanovkas juhtus, negatiivselt, kui üleriigilist katastroofi.

Rahmaninov kirjutab oma reisi kohta Tambovi juurde: "...peaaegu saja miili jooksul pidin mööda sõitma konvoidest jõhkrate metsikute nässudega, mis tervitasid auto möödumist hõiskamise, vile ja autole mütsi viskamisega." Saamata toimuvast aru, otsustas Rahmaninov ajutiselt Venemaalt lahkuda. Ja ta lahkub raske tundega, teadmata veel, et lahkub igaveseks ja et ta kahetseb mitu korda, et selle sammu astus. Teda ootas ees igatsus kodumaa järele. (Kuulatakse katkend prelüüdist g-sšauur).

Venemaalt lahkununa näis Rahmaninov olevat oma juured kaotanud ja pikka aega Ta ei komponeerinud midagi, tegeledes ainult kontserttegevusega. Talle avati New Yorgi, Philadelphia, Peterburi, Detroidi, Clevelandi ja Chicago parimate kontserdisaalide uksed. Ja Rahmaninovile oli suletud ainult üks koht - tema kodumaa, kus parimatel muusikutel paluti tema teoseid boikoteerida. Ajaleht Pravda kirjutas: "Sergei Rahmaninov, endine laulja Vene kaupmehed ja kodanlus, antud kurnatud heliloojale, jäljendajale ja reaktsioonilisele, endisele maaomanikule – valitsuse vannutatud ja aktiivsele vaenlasele. “Rahmaninoviga maha! Maha Rahmaninovi kummardamine! - Izvestija helistas.

(raamatust):

Vana Ivanovkat meenutas Šveitsi villas vaid üks asi: kunagi Venemaalt toodud sirelipõõsas.

Jumala eest, ärge rikkuge juuri! - anus ta vana aedniku käest.

Ärge muretsege, härra Rahmaninov.

Ma ei kahtle, et kõik saab korda. Kuid sirel on õrn ja vastupidav taim. Kui kahjustate juuri, on kõik kadunud.

Rahmaninov armastas Venemaad ja Venemaa armastas Rahmaninovit. Ja seetõttu jäi Rahmaninovi muusika kõigist keeldudest hoolimata kõlama, sest seda oli võimatu keelata. Vahepeal hiilis Rahmaninovile vaikselt ligi ravimatu haigus – kopsu- ja maksavähk.

(raamatust:)

Nagu tavaliselt, range, tark; laitmatus frakis ilmus ta lavale, tegi lühikese kummarduse, sirgendas mantlid, istus maha, proovis jalaga pedaali - kõike, nagu alati, ja ainult lähimad inimesed teadsid, mis iga liigutus talle maksma läks, kui raske on tema kõnnak oli ja millise ebainimliku tahtepingutusega ta varjas ta avalikkuse eest kannatab. (Heliseb prelüüd cis-moll S. Rahmaninovi esituses).

(Raamatust:) ...Rahmaninov lõpetab eelmängu säravalt. Publiku ovatsioon. Rahmaninov üritab püsti tõusta, kuid ei suuda. Ta ajab end kätega tabureti istmelt maha – asjata. Talumatust valust väänatud selgroog ei lase sirguda.

Kardin! Kardin! - kuuldi lava taga

Kanderaam! - nõudis arst

Oota! Pean tänama publikut... Ja hüvasti jätma.

Rahmaninov astus kaldteele ja kummardas... Läbi orkestriauku lennates langes tema jalge ette luksuslik kimp valgeid sireleid. Neil õnnestus kardin alla lasta, enne kui ta platvormile kukkus.

1943. aasta märtsi lõpus, veidi pärast valmimist Stalingradi lahing, mille tulemuse üle jõudis rõõmustada Sergei Vassiljevitš, kes võttis Venemaa sõja raskused ja kannatused endale lähedale, tõusis mustadest valjuhäälditest 8 algusakordi teise sissejuhatusest ilma tavapärase teadustaja teateta. klaverikontsert(esitatakse klaveril). Pärast seda öeldi, et Sergei Vassiljevitš Rahmaninov suri USA-s. (Kuulatakse fragment kontserdi nr 2 teisest osast klaverile ja orkestrile).

Rahmaninov suri, kuid tema muusika soojendas jätkuvalt sõjast räsitud kaasmaalaste hinge:

Ja iga noot sellest karjub: - Vabandust!

Ja rist üle mäe hüüab: - Anna andeks!

Ta oli võõral maal nii kurb!

Ta viibis ainult võõral maal...

Kirjanikul peaks olema

saada nagu salakaubavedaja selleks

edastage lugejale oma

I. Turgenev.

Tahvlil on satiiriline joonistus.

U: Sügava satiirilise teose loomiseks peate nägema ühiskonda justkui väljastpoolt, selle elu igakülgselt ja seda saavad teha ainult suured loojad. Neil inimestel oli reeglina ettehoolduse kingitus. Kelle nendest inimestest nimetaksite? (Vastused).

Nad, nagu kroonikud, kajastavad oma loomingus aega, selle pulssi ja metamorfoose. See oli D. Šostakovitš. Te kõik tunnete heliloojat tema Leningradi sümfooniast. See on hiiglane, kes peegeldas ajastut oma loomingus. Kui Seitsmes sümfoonia kõlab võimsalt fašismi destruktiivset teemat, sellevastase võitluse teemat, siis sõjajärgsel perioodil loodud Kaheksas lõpeb ühtäkki mitte apoteoosiga, vaid sügava filosoofilise mõtisklusega. Kas sellepärast kritiseerib ja kiusab selle autor seda sümfooniat? Ja üheksas sümfoonia, tundub, on särav, muretu, rõõmus... Aga see on ainult esmapilgul. Kuulake sümfoonia esimest osa ja proovige vastata:

Kas Šostakovitš kirjutab esimeses isikus või vaatab ta maailma justkui väljastpoolt? (Üheksanda sümfoonia 1. osa kõlab)

D: Helilooja näib vaatlevat maailma väljastpoolt.

W: Kuidas ta tema ette ilmub?

D: Seal on justkui kaks pilti: üks on särav, rõõmus ja teine ​​on rumal, sarnane laste sõjamängudega. Need pildid pole millegipärast päris, vaid mänguasjad. (Mõnikord võrdlevad lapsed seda osa I. Stravinski süidiga, kus tegelased “hüppavad” nagu nukud, kuid erinevalt süidist pole sümfoonia karikatuur, vaid mingi vaatlus).

D: Muusika muutub järk-järgult moonutatud, algul helilooja naeratab ja siis tundub, et mõtleb. Need pildid pole lõpuks enam nii ära hellitatud, vaid veidi koledad.

U: Kuulame II osa (jätk kõlab) mis intonatsioone siin kuulda on?

D: Rasked ohked. Muusika on kurb ja isegi valus. Need on helilooja enda kogemused.

W: Miks tekib selline kurbus ja raske mõtlemine pärast nii pingevaba esimest osa? Kuidas sa seda seletad?

D: Mulle tundub, et helilooja esitab neid vempe vaadates endale küsimuse: kas need on nii kahjutud? Sest lõpuks muutuvad mänguasjade sõjalised signaalid nagu päris.

U: Meil ​​on väga huvitav tähelepanek, võib-olla esitab helilooja endale küsimuse: "Kas ma olen seda juba kuskil näinud, see on juba juhtunud, juhtus...?" Kas need intonatsioonid ei meenuta sulle midagi muust muusikast?

D: Ma tahan Cipollinolt prints Lemonit. Ja see on minu jaoks natuke invasioon, ainult koomilises vormis.

U: Aga sellised vempud puudutavad meid alguses, aga vahel manduvad need oma vastandiks. Kas mitte sellistest naljadest ei sündinud Hitlerjugend? Mulle meenub film “Tule ja vaata”. Meie ees liiguvad pildid: julmused, Hitlerjugendist pärit teismelised ja lõpuks laps oma ema süles. Ja see laps on Hitler. Kes teadis, milleni laste naljad kaasa toovad. (Võib võrrelda “Joaquina Murrieta” sõduritega, faktidega alates kaasaegne ajalugu). Mis järgmisena juhtub? (Kuula 3., 4., 5. osa).

3. osa mõjub närvilise pingelise elurütmina, kuigi selle väline kiirus tekitab esialgu lõbusa tunde. Tähelepanelikult kuulates ei tõuse esiplaanile mitte geniaalne traditsiooniline skertso, vaid valus, intensiivne draama.

4. ja 5. osa on omapärane järeldus: esmalt meenutab trompeti kõla traagilist kõneleja monoloogi - tribüüni, prohveti kuulutajat. Tema ennustus sisaldab resignatsiooni ja valupalli. Aeg on peatunud, nagu filmikaader, kuulda on sõjaliste sündmuste kajasid, selgelt on tunda järjepidevust seitsmenda sümfoonia intonatsiooniga (“Invasiooniteema”).

5. osa on seatud 1. osa intonatsioonidele, aga kuidas need on muutunud! See pühkis läbi päevade keerises nagu hingetu pööris, ei tekitanud meis naeratusi ega kaastunnet. Vaid korra ilmuvad neis algkujutise tunnused, justkui võrdluseks, mälu jaoks.

W: Kas sellel sümfoonial on ajalooline tähendus? Kuidas suhtute Šostakovitši ennustusse?

D: See, et ta nägi tolleaegset julmust enne teisi ja peegeldas seda oma muusikas. See oli raske periood riigi elus, kui kurjus võidutses ja ta paistis muusikas hoiatavalt.

W: Kuidas ta ise toimuvasse suhtus?

D: Ta hakkab vanaks jääma ja kannatab. Ja väljendab oma tundeid muusikas.

Loeme uuesti tunni epigraafi, mõtiskleme selle üle, võrdleme Šostakovitši tööd joonistusega - satiir inimeste ühiskonnast, kes on hammasrattad, kes ei mõtle, kes alluvad pimesi kellegi tahtele.

7., 8., 9. sümfoonia on triptühhon, mida ühendab sama loogika, ühtne dramaturgia ja 9. sümfoonia ei ole samm tagasi, mitte taganemine tõsisest teemast, vaid kulminatsioon, triptühhoni loogiline järeldus.

Seejärel esitatakse B. Okudzhava laulu, mille sõnad “Hoiame, sõbrad, käest kinni, et üksi ei hukkuks” kõlavad tunni sisuka lõpetusena. (Pakutud materjal võib saada 2 õppetunni aluseks).

Bibliograafia

Antonov Y. “Kunst koolis” 1996 nr 3

Baranovskaja R. Nõukogude muusikaline kirjandus - Moskva “Muusika”, 1981

Buraya L. “Kunst koolis”, 1991

Vendrova T. “Muusika koolis”, 1988 nr 3

Vinogradov L. “Kunst koolis” 1994 nr 2

Gorjunova L. “Kunst koolis” 1996

Zubatševskaja N. “Kunst koolis” 1994

Kljaštšenko N. “Kunst koolis” 1991 nr 1

Krasilnikova T. Metoodiline käsiraamat õpetajatele - Vladimir, 1988

Levik B. “Välisriikide muusikakirjandus” - Moskva: Riiklik Muusikakirjastus, 1958.

Maslova L. “Muusika koolis” 1989 nr 3

Mihhailova M. "Vene muusikaline kirjandus" - Leningrad: "Muusika" 1985

Osenneva M. “Kunst koolis” 1998 nr 2

Piliciauskas A. “Kunst koolis” 1994 nr 2

Psühholoogiline sõnaraamat - Moskva: Pedagoogika, 1983.

Rokitjanskaja T. “Kunst koolis” 1996 nr 3

Ševtšuk L. “Muusika koolis” 1990 nr 1

Noore muusiku entsüklopeediline sõnaraamat - Moskva: “Pedagoogika” 1985

Jakutina O. “Muusika koolis” 1996 nr 4