Varane renessanss kunstis. Vararenessansi maalikunst

Iseloomulikud jooned renessansi kunstis

Perspektiiv. Oma töödele kolmemõõtmelise sügavuse ja ruumi lisamiseks laenasid renessansikunstnikud lineaarse perspektiivi, horisondijoone ja kadumispunkti mõisteid ja laiendasid neid oluliselt.

§ Lineaarne perspektiiv. Pilt koos lineaarne perspektiiv- Sa justkui vaataksid aknast välja ja joonistaksid täpselt seda, mida aknaklaasile näed. Pildil olevad objektid hakkasid sõltuvalt nende kaugusest saama oma suuruses. Need, mis olid vaatajast kaugemal, muutusid väiksemaks ja vastupidi.

§ Skyline. See on joon, mille kaugusel objektid on taandatud sama paksuse punktini kui see joon.

§ Kadumise punkt. See on punkt, kus paralleelsed jooned näivad koonduvat kaugele, sageli horisondijoonele. Seda efekti võib täheldada, kui seisate raudteel ja vaatate kaugusesse minevaid rööpaid. l.

Varjud ja valgus. Kunstnikud mängisid huviga, kuidas valgus langeb objektidele ja loob varje. Varjude ja valguse abil saab juhtida tähelepanu maali konkreetsele punktile.

Emotsioonid. Renessansikunstnikud soovisid, et vaataja teost vaadates tunneks midagi, kogeks emotsionaalset kogemust. See oli visuaalse retoorika vorm, kus vaataja tundis innustust milleski paremaks saada.

Realism ja naturalism. Lisaks perspektiivile püüdsid kunstnikud muuta objektid, eriti inimesed, realistlikumad. Uuriti inimese anatoomiat, mõõdeti proportsioone ja otsiti ideaali inimese kuju. Inimesed nägid välja tõelised ja näitasid üles ehedaid emotsioone, võimaldades vaatajal teha järeldusi, mida kujutatud inimesed mõtlevad ja tunnevad.

Renessanss jaguneb neljaks etapiks:

Protorenessanss (13. sajandi 2. pool – 14. sajand)

Vararenessanss (15. sajandi algus - 15. sajandi lõpp)

Kõrgrenessanss (15. sajandi lõpp – 16. sajandi esimesed 20 aastat)

Hilisrenessanss (16. keskpaik – 1590. aastad)

Protorenessanss

Protorenessanss on tihedalt seotud keskajaga, tegelikult tekkis see hiliskeskajal, Bütsantsi, romaani ja gooti traditsioonidega, see periood oli renessansi eelkäija. See jaguneb kaheks alaperioodiks: enne Giotto di Bondone surma ja pärast (1337). Itaalia kunstnik ja arhitekt, protorenessansi rajaja. Lääne kunstiajaloo üks võtmefiguure. Olles üle saanud Bütsantsi ikoonimaali traditsioonist, sai temast Itaalia maalikoolkonna tõeline rajaja ning ta töötas välja täiesti uue lähenemise ruumi kujutamisel. Giotto teosed olid inspireeritud Leonardo da Vincist, Raphaelist, Michelangelost. Giottost sai maalikunsti keskne kuju. Renessansikunstnikud pidasid teda maalikunsti reformijaks. Giotto tõi välja tee, mida mööda selle areng toimus: religioossete vormide täitmine ilmaliku sisuga, järkjärguline üleminek tasapinnalistelt piltidelt kolmemõõtmelistele ja reljeefsetele piltidele, realismi kasv, tutvustas maalikunsti kujundite plastilist mahtu ja kujutas interjööri. maalimises.

13. sajandi lõpus kerkis Firenzesse peatemplihoone - Santa Maria del Fiore katedraal, autoriks oli Arnolfo di Cambio, seejärel jätkas tööd Giotto.

Suured avastused, säravamad meistrid elavad ja töötavad esimesel perioodil. Teine segment on seotud Itaaliat tabanud katkuepideemiaga.

Protorenessansi varaseim kunst ilmus skulptuuris (Niccolò ja Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Maalimist esindavad kaks kunstikoolkonda: Firenze ja Siena.

Vararenessanss

Niinimetatud “vararenessansi” periood hõlmab Itaalias ajavahemikku 1420–1500. Kunst pole selle kaheksakümne aasta jooksul veel täielikult hüljanud lähimineviku (keskaja) traditsioone, vaid püüdnud neisse segada klassikalisest antiigist laenatud elemente. Alles hiljem, üha muutuvate elu- ja kultuuritingimuste mõjul, hülgavad kunstnikud täielikult keskaegsed vundamendid ja kasutavad julgelt antiikkunsti näiteid nii oma teoste üldises kontseptsioonis kui ka detailides.

Kui Itaalias kulges kunst juba resoluutselt klassikalise antiigi jäljendamise teed, siis teistes riikides järgis see kaua gooti stiili traditsioone. Alpidest põhja pool ja ka Hispaanias algab renessanss alles 15. sajandi lõpus ja selle algusperiood kestab umbes järgmise sajandi keskpaigani.

Vararenessansi kunstnikud

Selle perioodi üheks esimeseks ja säravamaks esindajaks peetakse õigusega Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), kuulsat itaalia maalikunstnikku, Firenze koolkonna suurimat meistrit, Quattrocento ajastu maalikunsti reformijat.

Oma loominguga aitas ta kaasa üleminekule gooti stiililt uuele kunstile, ülistades inimese ja tema maailma suurust. Masaccio panust kunsti uuendati 1988. aastal, mil tema peamine looming - Firenze Santa Maria del Carmine kirikus asuva Brancacci kabeli freskod- taastati algsel kujul.

– Theophiluse, Masaccio ja Filippino Lippi poja ülestõusmine

- Magi jumaldamine

- Ime staariga

Teised selle perioodi olulised esindajad olid Sandro Botticelli. suurepärane itaalia renessansi maalikunstnik, Firenze maalikooli esindaja.

- Veenuse sünd

- Veenus ja Marss

- Kevad

- Magi jumaldamine

Kõrgrenessanss

Renessansi kolmandat perioodi - tema stiili kõige suurejoonelisema arengu aega - nimetatakse tavaliselt "kõrgrenessansiks". See ulatub Itaalias umbes 1500–1527. Sel ajal kolis Itaalia kunsti mõjukeskus Firenzest Rooma tänu Julius II – ambitsioonika, julge, ettevõtliku mehe – paavstitroonile tõusmisele, kes meelitas oma õukonda Itaalia parimaid kunstnikke, lõbustades neid arvukalt. ja tähtsaid teoseid ja andes teistele eeskuju armastusest kunsti vastu. Selle paavsti ja tema vahetute järglaste juhtimisel saab Roomast justkui uus Periklese aegne Ateena: sinna ehitatakse palju monumentaalseid ehitisi, luuakse suurejoonelisi skulptuurseid teoseid, maalitakse freskosid ja maale, mida peetakse siiani Ateenaks. maalikunsti pärlid; samas käivad kõik kolm kunstiharu harmooniliselt käsikäes, üksteist abistades ja vastastikku mõjutades. Antiiki uuritakse nüüd põhjalikumalt, reprodutseeritakse suurema ranguse ja järjekindlusega; rahulik ja väärikus asendavad mängulist ilu, mis oli eelmise perioodi püüdlus; mälestused keskajast kaovad täielikult ja kogu kunstiloomingule langeb täiesti klassikaline jälg. Kuid iidsete jäljendamine ei uputa kunstnikes nende iseseisvust ning suure leidlikkuse ja kujutlusvõime erksusega töötavad nad vabalt ümber ja rakendavad oma töödele seda, mida nad peavad sobivaks vanast kreeka-rooma kunstist laenata.

Kolme suure Itaalia meistri looming tähistab renessansi tippu, see on Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci suurepärane itaalia renessansi maalikunstnik, Firenze maalikooli esindaja. Itaalia kunstnik (maalija, skulptor, arhitekt) ja teadlane (anatoom, loodusteadlane), leiutaja, kirjanik, muusik, üks suurimaid kunsti esindajaid Kõrgrenessanss, suurepärane näide "universaalsest inimesest"

Viimane õhtusöök,

Mona Lisa,

-Vitruviuse mees ,

- Madonna Litta

- Kaljude Madonna

-Madonna spindliga

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico Leonardo di Buonarroti Simoni. Itaalia skulptor, kunstnik, arhitekt [⇨], luuletaja [⇨], mõtleja [⇨]. . Renessansi [ ⇨ ] ja varajase baroki üks suurimaid meistreid. Tema töid arvestati kõrgeimad saavutused renessansiaegne kunst meistri enda eluajal. Michelangelo elas peaaegu 89 aastat, terve ajastu kõrgrenessansi perioodist kuni vastureformatsiooni tekkeni. Sel perioodil oli kolmteist paavsti - neist üheksa jaoks täitis ta korraldusi.

Aadama loomine

Viimane kohtuotsus

ja Raphael Santi (1483-1520). suurepärane itaalia maalikunstnik, graafik ja arhitekt, Umbria koolkonna esindaja.

- Ateena kool

- Sixtus Madonna

- Muutmine

- Suurepärane aednik

Hilisrenessanss

Hilisrenessanss Itaalias hõlmab ajavahemikku 1530. aastatest 1590. aastateni 1620. aastateni. IN Lõuna-Euroopa Vastureformatsioon võitis Vastureformatsioon(lat. Contrareformatio; alates kontra- vastu ja reformatio– ümberkujundamine, reformatsioon) – katoliku kirikupoliitiline liikumine Euroopas 16.–17. sajandi keskpaigas, mis oli suunatud reformatsiooni vastu ja mille eesmärk oli taastada roomakatoliku kiriku positsioon ja prestiiž.), mis suhtus ettevaatlikult igasugustesse vabadesse mõtlemine, sealhulgas laulmine Inimkeha ja antiikaja ideaalide kui renessansi ideoloogia nurgakivide taaselustamine. Maailmavaatelised vastuolud ja üldine kriisitunne tõid Firenzes kaasa väljamõeldud värvide ja katkendlike joonte “närvilise” kunsti – manerismi. Manerism jõudis Parmasse, kus Correggio töötas, alles pärast kunstniku surma 1534. aastal. Veneetsia kunstitraditsioonidel oli oma arenguloogika; Palladio (õige nimi) töötas seal kuni 1570. aastate lõpuni Andrea di Pietro). hilisrenessansi ja manierismi suurepärane itaalia arhitekt. Manerism(itaalia keelest maniera, viisil) – 16. sajandi Lääne-Euroopa kirjandus- ja kunstistiil – 17. sajandi esimene kolmandik. Iseloomustab renessansiaegse harmoonia kadumine füüsilise ja vaimse, looduse ja inimese vahel.) Palladianismi rajaja ( Palladianism või Pallaadiumi arhitektuur- klassitsismi varajane vorm, mis kasvas välja itaalia arhitekti Andrea Palladio (1508-1580) ideedest. Stiil põhineb sümmeetria rangel järgimisel, perspektiivi arvestamisel ja Vana-Kreeka ja Rooma klassikalise templiarhitektuuri põhimõtete laenamisel.) ja klassitsismil. Tõenäoliselt ajaloo mõjukaim arhitekt.

Esiteks iseseisev töö Andrea Palladio kui andekas disainer ja andekas arhitekt on Vicenza basiilika, kus ilmnes tema originaalne, jäljendamatu talent.

Maakodudest on meistri silmapaistvaim looming Villa Rotunda. Andrea Palladio ehitas selle Vicenzas ühele pensionile jäänud Vatikani ametnikule. See on tähelepanuväärne selle poolest, et see on esimene renessansiaegne ilmalik-kodune hoone, mis on püstitatud iidse templi kujul.

Teiseks näiteks on Palazzo Chiericati, mille ebatavalisus väljendub selles, et maja esimene korrus anti peaaegu täielikult avalikku kasutusse, mis oli kooskõlas tollase linnavõimu nõuetega.

Palladio kuulsatest linnahoonetest tuleb mainida amfiteatri stiilis kujundatud Teatro Olimpicot.

Tizian ( Tizian Vecellio) Itaalia maalikunstnik, suurim esindaja Veneetsia kool kõrg- ja hilisrenessansi ajastud. Tiziani nimi kuulub selliste renessansikunstnike hulka nagu Michelangelo, Leonardo da Vinci ja Raphael. Tizian maalis maale piibli- ja mütoloogilistel teemadel, sai kuulsaks ka portreemaalijana. Ta sai korraldusi kuningatelt ja paavstidelt, kardinalidelt, hertsogidelt ja printsidelt. Tizian ei olnud isegi kolmekümneaastane, kui ta tunnistati Veneetsia parimaks maalikunstnikuks.

Tema sünnikohast (Pieve di Cadore Belluno provintsis, Veneetsia Vabariigis) kutsutakse teda mõnikord jah Cadore; tuntud ka kui Tizian the Divine.

- Neitsi Maarja taevaminek

- Bacchus ja Ariadne

- Diana ja Actaeon

- Veenus Urbino

- Euroopa röövimine

kelle loomingul oli Firenze ja Rooma kunsti kriisiga vähe ühist.

Renessanss tõi maalikunstis suuri muutusi. Kunstnikud valdasid oskust anda peenelt edasi valgust ja varju, ruumi ning nende tegelaste poosid ja žestid muutusid loomulikuks. Suure osavusega kujutasid nad oma maalidel keerulisi inimlikke tundeid.

Vararenessansi ehk Quattrocento (15. sajand) maalil kõlavad tavaliselt suuremad noodid; seda eristavad puhtad värvid, tegelased on rivistatud ja kontuuritud tumedate kontuuridega, mis eraldavad neid taustast ja heledatest taustaplaanidest. Kõik üksikasjad on väga üksikasjalikud ja hoolikalt kirjutatud. Kuigi Quattrocento maal pole veel nii täiuslik kui kõrg- ja hilisrenessansi kunst, puudutab see oma puhtuse ja siirusega vaatajat hingepõhjani.

Vararenessansi esimene märkimisväärne maalikunstnik oli Masaccio. Kuigi kunstnik elas vaid 28 aastat, suutis ta jätta olulise panuse mitte ainult renessansi maalikunsti, vaid kogu maailma kunsti. Tema maale eristab sügav koloriit, figuurid mõjuvad tihedalt ja üllatavalt elusalt. Masaccio annab suurepäraselt edasi perspektiivi ja helitugevust ning valdab valgus- ja varjuefekte. Ta oli esimene vararenessansi maalikunstnikest, kes kujutas alasti inimkeha ning esitles oma kangelasi kaunite ja tugevate, austust ja imetlust väärivatena. Hiljem õppisid Masaccio teoseid (“Paradiisist väljasaatmine”, “Maksiga ime”) sellised kõrgrenessansi meistrid nagu Leonardo da Vinci, Michelangelo ja Raphael.

Sel perioodil lõid oma loomingut paljud imelised kunstnikud. Firenzes töötas Paolo Uccello, kes maalis lahingustseene ja oli kuulus oma oskuse poolest kujutada hobuseid ja ratsanikke keerukate nurkade ja poosidega. 16. sajandil elanud keskpärane kunstnik ja tähelepanuväärne biograaf ja kunstiteadlane Giorgio Vasari ütles, et Uccello ei saanud nädalateks või isegi kuudeks majast lahkuda, lahendades kõige keerulisemad perspektiiviprobleemid. Oma lähedastele, kes palusid tal need tegevused katkestada, vastas ta: "Jätke mind maha, pole midagi armsamat kui väljavaade."

Maalikunstnik Filippo Lippi töötas Firenzes. Nooruses oli ta munk vendade karmeliitide kloostris, kuid lahkus sealt peagi, pühendudes maalimisele. Tema elust on palju legende. Nad ütlevad, et kogu Firenze jälgis endise munga armulugusid huviga. Kunstnik röövis kloostrist oma tulevase naise Lucrezia Buti. Seejärel maalis ta teda rohkem kui korra Madonna kujutisele (“Maarja kroonimine”, 1447; “Looritud Madonna”). Filippo Lippi maalid on vaid formaalselt seotud religioossete teemadega: neil puudub draama ja paatos, neis puudub suursugusus ega monumentaalsus. Samas köidavad vaatajat oma sarmiga rõõmsameelsed lokkis inglid, kenad lapsed ja armsad naised. Kunstnik maalib suure osavusega hubaseid ja värskeid metsamaastikke, mis on piiblistseenide taustaks. Filippo Lippi teosed olid tema kaasaegsete seas väga populaarsed, ta oli tollal Firenze valitseja Cosimo de' Medici lemmikkunstnik.

Samal ajal töötas teine ​​Firenze meister, dominiiklaste munk ja San Marco kloostri abt Fra Beato Angelico, kelle teoseid täidavad sügavad religioossed tunded. Kogu mu elu Fra
Angelico pühendus kloostrite ikoonide ja freskode loomisele. Tema maale eristavad erksad ja puhtad värvid ning särav kullatus. Tema madonnade gooti piklikud figuurid tunduvad vaimustatud, kõigest maisest eraldatud. Üks Fra Angelico parimaid töid on altarikompositsioon “Maarja kroonimine” (umbes 1435-1436). Tema Jumalaema on poeetilise, puhta naiselikkuse, rõõmsa ja rahuliku kehastus. Firenze meistri maalis pole sünget müstikat; isegi viimse kohtupäeva teemalisel mitmefiguurilisel altaril kujutas kunstnik vasakul pool õndsat paradiisi kaunites riietes õnnelike inglite kujudega.

Sel ajal leiutati Hollandis õlivärvid, mis võimaldasid maalikunstnikel muuta värviüleminekud peenemaks ja kasutada värvide elavdamiseks vabamalt valgust. Samuti aitasid need saavutada ühtlast värvitooni. Esimene Itaalia kunstnikest õlivärvid Kirjutama hakkas Firenze koolkonna esindaja, sünnilt veneetslane Domenico Veneziano. Juba tema varastes töödes (“Maagide jumaldamine”, 1434) avaldub selgelt kunstniku koloristianne. Puhtad, peaaegu läbipaistvad, valgusega küllastunud värvid moodustavad ühtse toonivahemiku. Hilisemad tööd hämmastab valgus-õhukeskkonna meisterliku kujutamisega – arvatakse, et Domenico Veneziano oli üks esimesi, kes seda oma lõuenditel kujutas.

Kunstniku oskused väljendusid eriti hästi Firenze kuulsates Domenico Veneziano portreedes.

Kõige sagedamini kujutas ta naiste nägusid profiilis (enamiku modellide nimed pole kindlaks tehtud) hõbedase taeva või maastiku taustal. Püüdes värve puhtamaks ja säravamaks muuta, lisas kunstnik neile linaseemneõli.

Domenico Veneziano saavutusi arendas tema õpilane ja järgija Piero della Francesca, keda tema kaasaegsed pidasid "maalikuningaks". Toscana päritolu, kes töötas Firenzes, õppis Giotto, Masaccio ja Paolo Uccello teoseid. Ka Hollandi maalikunst avaldas talle teatud mõju. Mitte ainult kunstnik, vaid ka kuulus kunstiteadlane Piero della Francesca kirjutas teoreetilisi traktaate - "Perspektiivist maalikunstis" ja raamatu "Viie korrapärase keha kohta".

Piero della Francesca töid eristavad selge ja täpne kompositsioon, valgus-õhu keskkonna oskuslik esitamine ning puhtad ja värsked värvid. Tema maalidel olev mees on sellest ilma jäetud sisemine konflikt, mis ilmub hiljem hilisrenessansi ja baroki maalikunstis. Piero della Francesca kangelased on rahulikud, väärikad ja julged. Just need omadused on omased Urbino hertsogi ja hertsoginna – Federigo da Montefeltro ja tema naise Battista Sforza piltidele kuulsal paarisportreel.

Komandör, poliitik ja filantroop, Urbino valitseja Federigo da Montefeltro oli kunstniku lähedane sõber. Piero della Francesca kujutas hertsogit teisel kuulsal maalil - "Madonna pühakute ja inglitega ning tellija Federigo da Montefeltroga".

Suurepäraselt perspektiivi edasi andes maalis Piero della Francesca suurepäraseid arhitektuurseid vedutaid (veduta on plaanimaal). ideaalne linn"), kellel oli suur mõju kaasaegsete arhitektide loomingule.

Kõrgrenessansi ajal hakkas Piero della Francesca kunst tunduma aegunud ja paavst kutsus Raffaeli maalima Vatikani seinu, mis on kaetud Piero della Francesca freskodega. Rafael nõustus ja tegi töö meisterlikult.

Hilise Quattrocento kõige eredamaid kunstiideaale esindas Umbria maalikooli meister Pietro Perugino. Tema rahulikud, mõtisklevad ja lüürilised maalid on täis hapraid ja graatsilisi kujutisi, mida ümbritsevad Umbria poeetilised künklikud maastikud. Perugino maalide selge harmoonia lähendab tema maali kõrgrenessansi kunstile (“Kristuse itk”, u 1494–1495; “Madonna ja pühakud, 1496”). Maalikunstnik
avaldas suurt mõju tema õpilasele – kuulsale Raffaelile.

Peaaegu igas Itaalia linnas oli oma identiteediga kunstikool.
Kuid nad kõik püüdsid oma kunstis näidata maa ja inimese ilu. Sellel ajastul üks olulisemaid kultuurikeskused seal oli Padova oma kuulsa ülikooliga. Selles linnas 15. sajandil. elas kunstigurmaan Francesco Squarcione. Ta kogus iidseid münte, medaleid ja bareljeefide fragmente nii Padova ümbruses kui ka linnast kaugel. Tema kirg kandus edasi Padova maalikunstnikele, skulptoritele ja kullasseppadele, kes teda ümbritsesid ja pidasid teda oma õpetajaks.

Squarcione kasvatas suure maalikunstniku Andrea Mantegna, kes tuli tema majja kümneaastase poisina. Pika eluea elanud Mantegna looming on tavatult mitmetahuline: lisaks maalimisele ja graveerimisele huvitasid teda geomeetria, optika ja arheoloogia. Olles veel Squarcione'i majas armunud Vana-Rooma kunsti (Itaalia renessansiajal nad veel Vana-Kreeka kunstist ei teadnud), kasutas maalikunstnik selle pilte oma töödes, andes neile kangelaslik-romantilisi jooni. Tema pühakud, valitsejad ja sõdalased, kes on maalitud sünge kivise maastiku taustale, jätavad mulje suurusest ja jõust. Paljud Mantegna teosed on läbi imbunud sügav draama. See on tema kuulus kompositsioon " Surnud Kristus”, mis hämmastas kaasaegseid oma emotsionaalsusega.

Mantegna sai kuulsaks ka andeka vasegravöörina. Ta oli esimene, kes muutis graveeringu kujutava kunsti võrdväärseks vormiks.

Protorenessansi maalikunst saavutas Botticelli loomingus haripunkti.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli elust ja tema teoste loomise ajaloost, millest said hiljem maailma kujutava kunsti pärlid, pole tänaseni palju teavet säilinud. Kunstikriitikud ja ajaloolased said suure meistri eluloost teada vaid mõne fakti.

Botticelli sündis 1444. Ta õppis maalimist Filippo Lippi kunstitöökojas. Varajane loovus Botticellit iseloomustab Lippi kunsti mõju, aga ka Lorenzo de' Medici õukonnas kujunenud ideed. Küll aga võime suure kindlusega väita, et suure kunstniku loodud kujundid olid mahukamad ja sisukamad kui Medici egiidi all tegutsevate maalikunstnike tööd.

Botticelli varased portreed kannavad jälgi Filippo Lippi, aga ka Andrea Verrocchio ja Pollaiuolo maalistiili mõjust. Hilisemates töödes avaldub meistri individuaalsus sügavamalt. Jah, edasi kuulus maal“Maagide jumaldamine” kujutab Medici perekonna liikmeid ja annab kunstniku autoportree. Kompositsiooni eristab selle rikkalikkus, heledus ja samal ajal värvide õrnus, samuti peen graatsia ja kergus. Botticelli loodud kujundid on täidetud lüürilisuse ja hinge sügavusest lähtuva erakordse iluga.

70ndatel XV sajand Ilmub esimene Botticelli maal, mis tõi maalikunstnikule kaasaegsete seas tohutu kuulsuse ja jättis meistri mälestuseks sajandeid. See maal on "Kevad", mida hoitakse praegu Firenze Uffizi galeriis. Teos kirjutati pärast seda, kui kunstnik oli lugenud ühe Poliziano luuletustest. Imelise metsamaastiku taustal esitatakse allegoorilisi pilte. Paradiisi meenutav aed hämmastab oma ebatavalisuse ja ebamaise iluga. Kompositsioonis on keskne koht Veenusele. Tema paremal küljel on Flora, mis puistab muinasjutulisi lilli, vasakul tantsivad graatsid, kerged ja õhulised, sarnased valgete, peaaegu läbipaistvate pilvedega. Dünaamika on loodud just tänu ringtantsus liikuvate graatsiate kujutisele.

Kogu pilti eristab erakordne ilu ja õrnus. Vaatamata sellele, et selle pealkiri on “Kevad”, tekib pilti vaadates kerge kurbustunne, millega me pole harjunud kevadet samastama. Iga inimese meelest on kevad maailma uuenemine, rõõm, rõõm. Botticellis mõeldakse ümber üldtunnustatud ja tuttavad kujundid.

1481. aastal läks Sandro Botticelli Rooma, kus ta maalis seinu Sixtuse kabel. Teiste freskode hulgas maalis ta kuulsa "Moosese elu".

Aastal 1482 asus kunstnik taas elama Firenzesse. Kunstikriitikud ja biograafid peavad seda aastat maalikunstniku loovuse kujunemise ja arengu jaoks kõige viljakamaks. Just siis ilmus kuulus maal "Veenuse sünd", nüüd Firenze Uffizi galeriis.

Pildil pole lamedat pilti – Botticelli esineb siin ruumiliste joonte edasiandmise meistrina.
Need loovad mulje sügavusest ja mahust, mis on loodud näitama liigutuste dünaamikat tegelased piltlik jutuvestmine. Lõuendi heledad pastelsed värvid ja oskuslikult kasutatud värvikombinatsioonid (läbipaistvad rohelised mereveed, sefiiride sinised keebid, Veenuse kuldsed juuksed, tumepunane kuub nümfi käes) tekitavad erakordse õrnuse tunde ja kõnetavad. kunstniku peenest värvimeelest.

Kompositsiooni keskne kuju on äsja sinise mere vetest välja tulnud Veenus. Ta on alasti. Tänu rahulikule ja hingelisele pilgule ei tunne vaataja end aga kohmetuna. Jumalanna on ilus, nii ilus, kui üks taevast laskunud ebamaine olend olla saab. Botticelli kuulsatel piiblimotiividel loodud maalidel on Veenuse kujutis kergesti äratuntav. Religioosse sisuga maalidest on silmapaistvamad “Madonna troonitud” (1484) ja “Madonna in Glory” (“Magnificat”).

Mõlemad asuvad praegu Firenze Uffizi galeriis. “Madonna in Glory” eristub oma piltide peene lüürilisuse poolest. Kompositsiooni dünaamika on loodud tänu pildi ümarale kujule, mille rütmid korduvad
liikuvate kujundite paigutuses. Kompositsiooni taustale toodud maastik loob mahu ja avaruse.

Ka suure maalikunstniku portreetööd on äärmiselt kaunid ja lüürilised. Nende hulgas pakuvad erilist huvi
Giuliano de' Medici portree ja "Noore mehe portree". Kuid praegu omistavad mõned kunstiajaloolased viimase teose autorsuse Sandro Botticelli õpilasele Filippino Lippile (Filippo Lippi poeg).

90ndad 15. sajand sai kunstnikule pöördepunktiks. Seda aega iseloomustas Medicite väljasaatmine ja võimuletulek
Savonarola, kelle religioossete jutluste eesmärk oli taunida paavsti ja jõukaid Firenze perekondi. Ta
Ta kritiseeris ka ilmalikku kunsti ning Savonarola sõnul seisid kõik kunstnikud ja poeedid pärast surma silmitsi tulise Gehennaga. Selle vältimiseks peate loobuma kunstist ja kahetsema oma patte...

Need jutlused mõjutasid oluliselt Botticelli maailmavaadet, mis ei saanud muud kui tema tööd. Kunstniku sel perioodil loodud teosed eristuvad ebatavaliselt sügava pessimismi, lootusetuse ja hukatuse poolest. Autor pöördub nüüd üha enam Kristlikud lood, unustades antiikaja. Selle aja iseloomulik teos Botticellile on "Hüljatud", mida hoitakse nüüd Roomas Pallavicini kollektsioonis. Pildi süžee on üsna lihtne: nuttev naine istub kivist astmetel vastu seina, mille värav on tihedalt suletud. Kuid vaatamata sisu lihtsusele on pilt väga ilmekas ja loob vaatajas masendava, kurva ja nukra meeleolu.

1490. aastatel XV sajand Ilmuvad Botticelli illustratsioonid Dante jumalikule komöödiale. Tänaseni on säilinud vaid 96 joonistust, mis on praegu Berliini ja Vatikani muuseumides. Kõik eskiisidel olevad pildid on ebatavaliselt haprad, õhulised ja kerged, mis on Botticelli kogu loomingu eripära.

Samadel 90ndatel. Suur meister lõi lõuendi "Laim", mida hoitakse Firenze Uffizi galeriis. Maal on tähelepanuväärne selle poolest, et siin maalistiil mõnevõrra muutub. Pilte loovad jooned muutuvad teravamaks ja teravamaks. Kompositsiooni täidab teiste teostega võrreldes paatos, emotsionaalsus ja suurem kujundiselgus.

Kunstniku religioosse fanatismi väljendus tipp oli maal pealkirjaga "Kristuse itk". Praegu hoitakse lõuendi versioone Milanos Poldi Pezzoli muuseumis ja Müncheni Alte Pinakothekis. Siin pakuvad erilist huvi Kristuse lähedaste kujutised, mis on täidetud sügava kurbuse ja igatsusega. Traagika muljet suurendab kunstniku kontrastsete, mõnikord tumedate, mõnikord erksate värvide kasutamine. Vaataja ei näe enam kehatuid, peaaegu kaalutuid ja nähtamatuid kujundeid, vaid pigem konkreetseid ja selgeid figuure.

Üks silmatorkavamaid teoseid, mis pärinevad Botticelli loomingu hilisest perioodist, on lõuend "Stseenid Püha Zenobiuse elust", mida praegu hoitakse Saksamaal Dresdeni kunstigaleriis. Muistsete altarikabelite maalimisstiilis tehtud kompositsioon on omamoodi kollaaž, mis koosneb üksikutest pühaku elust jutustavatest maalidest. Vaatamata sarnasusele iidse kunstiga on maal siiski selgelt näha loominguline individuaalsus maalikunsti meistrid. Tema pildid on kindlad ja selged. Need ei ole paigutatud abstraktsesse ruumi, vaid konkreetse maastiku taustale. Botticelli aktsiooni asukoht on selgelt määratletud: enamasti on need tavalised linnatänavad, kus kaugelt paistab ilus mets.

Eriti huvitavad on maalija kasutatud värvikombinatsioonid. Maalimisviis on sellest vaatenurgast paljuski sarnane iidsete ikoonide maalimise tehnikaga, mille koloriit ei põhine eredal kontrastil, vaid rahulike, värvilähedaste toonide valikul.

Sandro Botticelli suri 17. mail 1510. Tema looming avaldas suurt mõju mitte ainult 15.-16. sajandi meistritele, vaid ka paljudele hilisemate ajastute maalikunstnikele.

Protorenessansi ajastul sellised imelised kunstnikud nagu Duccioga samal ajal elanud Siena maalikunstnikud, vennad Ambrogio ja Pietro Lorenzetti; Florentine Masolino ja Benozzo Gozzoli, Umbrian Gentile de Fabriano; maalikunstnik ja medalist Pisanello; Florentine Filippino Lippi (Filippo Lippi poeg) ja Piero di Cosimo. Umbria koolkonna esindajad olid maalikunstnikud Luca Signorelli, Pinturicchio, Melozzo da Forli. Ferraras töötasid Cosimo Tura, Ercole Roberti, Francesco del Cossa, Lorenzo Costa.

15. sajandil Teine maaližanr oli Firenzes väga populaarne. Paljudel peredel olid elegantsed laekad (cassones), milles tüdrukud hoidsid oma kaasavara. Käsitöölised katsid need osavate nikerduste ja elegantsete maalidega. Kõige sagedamini kasutasid kunstnikud maalide jaoks mütoloogilisi teemasid.

Veneetsia maalikunst

Veneetsial on Quattrocento kunstis eriline koht. Hämmastav linn, mis asus sajal kaheksateistkümnel saarel, mida eraldas üksteisest sada kuuskümmend kanalit, oli sel ajal linnriik. Veneetsia, kaupmeeste vabariik, mis kaupleb Egiptuse, Kreeka, Türgi, Süüria, Bagdadi, India, Araabiaga, Põhja-Aafrika, Saksamaal ja Flandrias, oli avatud teiste kultuuride tungimisele.

Veneetsia maalikunsti eesmärk oli jäädvustada selle suurepärase linna kogu ilu, rikkus ja hiilgus. Oma haripunkti saavutas see 15. sajandi teisel poolel. Veneetsia meistrite tööd, värvilised ja pidulikult dekoratiivsed, kaunistatud templid, paleed ja erinevate avalike asutuste ruumid, rõõmustavad valitsejaid ja tavakodanikke.

Ilmekas näide Veneetsia maalist on Vittore Carpaccio looming. Tema lihtsad jutustavad kompositsioonid kujutavad poeetiliselt Veneetsiat tseremooniate ajal (“Saadikute vastuvõtt”). Kunstnik kujutab ja igapäevane elu kodulinn; ta kirjutab stseene pühast ajaloost, tõlgendades neid kaasaegsest vaatenurgast. Need on tema “Life of St. Ursula" (1490. aastad), "Stseenid Maarja elust", "Püha elu Stefan" (1511-1520).

Vararenessansi Veneetsia maalikunsti realistlikud tendentsid kajastusid Antonello da Messina loomingus. Üks tema kuulsamaid maale on “St. Sebastian" (1476). Püha märtrisurma teema. Ristiusuvastase Diocletianuse ohvriks langenud Sebastian oli renessansikunstnike seas laialt levinud, kuid Antonello da Messina tõlgendab seda erilisel viisil: Sebastiani kujundis pole seda kannatust ülendamist, mis on omane kirikule kirjutatud teostele. sama teema teiste selle teemaga maalijate poolt. Kunstnik paneb vaataja imetlema inimkeha ilu ning imetlema kauni noormehe julgust ja meelekindlust. Rahulik maastik, mille taustal Sebastianit on kujutatud, on õhust ja valgusest läbi imbunud. Tema selja taga kõrguvad majesteetlikud linnahooned ja tema jalge ees lebab antiikne sammas.

Antonello da Messina on suurepärane portreemeister, selle žanri parimad tööd on nn. “Autoportree” (u 1473), “Condottiere”, “ Mehe portree"(1470ndad). Neid töid iseloomustab vaoshoitus ja üldistus, omadused, mida kunstniku kaasaegsed hindasid. Meistri portreefoto aimas Giovanni Bellini loomingut.

Veneetsia Quattrocento suurt meistrit Giovanni Bellinit peetakse üheks kõrgrenessansi rajajaks. Tema teoseid “Madonna ja pühakud” (1476) ja “Kristuse itk” (1475) iseloomustab traagiline suurus. Tähelepanu köidab tema salapärane "Järve Madonna" (umbes 1500), mis on inspireeritud prantsuse luuletusest.
kuldajastust "Hinge palverännak". Sellel pildil on ühendatud kaunid pildid antiikajast ja unistused kristlikust paradiisist.

Siiani pole uurijad lõpuni aru saanud, mida kunstnik tahtis öelda, kujutades tavalisi inimesi Neitsi Maarja, apostlite ja pühakute kõrval.

Bellini maalis mitu imelist portreed (“Poiss”, “Doož Leonardo Loredano portree” jne), millest sai alguse portreekunsti õitseng Veneetsias. Kunstniku oskus looduse kujutamisel, mis on lahutamatu osa kõigist tema töödest (“Püha Franciscus”, 1470. aastad) avaldas suur mõju paljudele järgnevate põlvkondade Veneetsia maastikumaalijatele. Bellini õpilased olid sellised kuulsad maalikunstnikud nagu Giorgione ja Tizian.

Giorgione

Giorgione, mitte ainult suurepärane maalikunstnik, vaid ka andekas muusik ja poeet, paistab Veneetsia maalikunstnike seas selgelt silma. Vasari kirjutas, et "tema lautomängu ja laulmist peeti jumalikuks". Siit on ilmselt pärit Giorgione maalide eriline musikaalsus ja poeesia – selles pole tal võrdset mitte ainult itaalia, vaid ka maailma kunstis.

Giorgione elu kohta on vähe teavet. Tema tegelik nimi on Giorgio Barbarelli da Castelfranco. Nagu Vasari kirjutab,
Kunstnik sai hüüdnime Giorgione ("Suur Giorgio") "oma vaimu ülevuse eest".

Giorgione sündis umbes 1478. aastal Castelfrancos. Varases nooruses jõudis ta Veneetsiasse, kus astus Giovanni Bellini töökotta. Sellest ajast peale ei lahkunud maalikunstnik peaaegu kunagi Veneetsiast, kus ta 1510. aastal katkuepideemia ajal suri.

Üks Giorgione kuulsamaid maale on kuulus "Judith", mida hoitakse Ermitaažis. Legend räägib, et kaunis Judith sisenes vaenlase armee juhi Holofernese telki ja võrgutas ta. Kui Holofernes magama jäi, lõi tüdruk tal pea maha.

Vene kunstnik A. Benois kirjutas selle salapärase maali kohta: "Kummaline maal, sama "mitmetähenduslik" ja "salakaval" nagu Leonardo maalid. Kas see on Judith? - Tahaksin küsida selle karmi kurva Dresdeni Veenuse näoga kaunitari kohta, kes nii rahulikult oma maharaiutud pead trampib. Tõepoolest, selles maalis on peidus mingisugune vastuolu ja salapära: halastamatu piibellik Judith ilmub Giorgione teoses aastal. poeetiline pilt unistav tüdruk rahuliku ja vaikse looduse taustal.

Ja see pole Giorgione loomingu ainus mõistatus.

Mis saladus on peidus maalil “Äike”, millel tormise taeva all, puude ja antiiksete sammaste kildude vahel näeme istuvat noort naist, kes toidab last, ja eemal kõndivat noormeest? Samuti jääb ebaselgeks, mida kunstnik öelda tahtis, kui ta kujutas lõuendil pealkirjaga “Maakontsert” kahte alasti naist kahe muusiku seltsis, kes paiknesid puu varjus. Tema viimases töös “Rural Concert” ei olnud Giorgionel aega taustal maastikku täiendada ja Tizian tegi seda tema eest. Juba teisel ajastul kasutas kompositsiooni ideed E. Manet oma kuulsas “Luncheon on the Grass”.

Puud, künkad, eredad kaugused Giorgione teostes ei ole ainult taust, millel kujutatakse inimfiguure. Maastik on lahutamatult seotud Veneetsia meistri teoste tegelaste ja ideega. Nii kujutavad kompositsioonis “Kolm filosoofi” iidsetes rüüdes vanamees, idamaises turbanis keskealine mees ja looduse tundmise eri etappe kehastav noormees sellega ühtset tervikut: ühe terviku õrna rohelust. mäeorg, kivine mass, kahvatu taevas, mida valgustavad tuhmid päikesekiired.

Sama idee inimese ja looduse vahelisest harmooniast kajastus ühes Giorgione meistriteoses - maal "Magav Veenus". Unne uppunud kaunitari sensuaalne ja samas karske alastusest sai veetleva ja samas lihtsa Itaalia maastiku kehastus, mille kuldkollased toonid korduvad Veenuse keha soojades varjundites. Hiljem kasutasid “Magava Veenuse” motiivi Titian (“Urbino Veenus”), seejärel D. Velazquez (“Veenus enne peeglit”), F. Goya (“Mach”) ja E. Manet (“Olümpia”). ”).

Giorgione sügav huvi maastiku kui iseseisva kompositsioonielemendi vastu valmistas Itaalia maalikunstis ette uue žanri – maastiku – tekkimise.

Giorgione loomingul oli oluline mõju mitte ainult Veneetsia, vaid ka kogu Itaalia maalikunstile. Imeline kunstnik sai kõrgrenessansi kunsti üheks rajajaks. Seejärel kajastusid tema kunsti Giorgione põhimõtted ja ideed tema õpilase Tiziani töödes.

Varajase Itaalia renessansi kunsti esindasid uus maalikunst, skulptuur ja arhitektuur. Esimesed suuremad maalimeistrid olid Firenze kunstnikud Giotto (1266-1337) ja Masaccio (1401-1428). Nad maalisid kiriku-religioossetel teemadel (kirikute seinte freskomaal), kuid andsid oma piltidele realistlikke jooni. Giotto oli esimene kunstnik, kes vabastas Itaalia maalikunsti Bütsantsi ikoonimaali mõjust.

Selle perioodi suurim skulptor oli Donatello (1386-1466). Vararenessansi suurim arhitekt oli Brunelleschi (1377-1445). Taaselustamine toimus mitmetähenduslikult: kunstnikud läksid oma, mõnikord ka teistsuguseid radu. Ilmalik printsiip, iha põneva narratiivi järele ja lüüriline maise tunne leidsid elava väljenduse karmeliitide ordu munga Fra Filippo Lippi (1406-1469) loomingus. Võluv meister, paljude altarikompositsioonide autor, millest parimaks peetakse Palazzo Medici kabeli jaoks loodud maali “Lapse kummardamine”. 15. sajandi lõpuks. uue kunsti põhimõtted, vormid ja kujundid said kogu Itaalia omandiks. Vundamendid on paigas uus süsteemžanrid, on kogunenud hulgaliselt kogemusi kunstiteadmistes inimesest ja teda ümbritsevast maailmast. Itaalia uue kunsti mõju hakkas levima ka teistesse Euroopa riikidesse. Varajase renessansi etapp lõppes, valmistades ette kõigi kunstiliikide võimsa tõusu kõrgrenessansi ajal.

PILET nr 13

Renessansi kolmandat perioodi - tema stiili kõige suurejoonelisema arengu aega - nimetatakse tavaliselt "kõrgrenessansiks". See ulatub Itaalias umbes 1500–1527. Sel ajal kolis Itaalia kunsti mõjukeskus Firenzest Rooma, tänu Julius II astumisele paavstitroonile - ambitsioonikas, julge ja ettevõtlik mees, kes meelitas oma õukonda Itaalia parimaid kunstnikke, hõivas nad. arvukate ja tähtsate töödega ning andis teistele eeskuju kunstiarmastusest . Selle paavsti ja tema vahetute järglaste juhtimisel saab Roomast justkui uus Periklese aegne Ateena: sinna ehitatakse palju monumentaalseid ehitisi, luuakse suurejoonelisi skulptuurseid teoseid, maalitakse freskosid ja maale, mida peetakse siiani Ateenaks. maalikunsti pärlid; samas käivad kõik kolm kunstiharu harmooniliselt käsikäes, üksteist abistades ja vastastikku mõjutades. Antiiki uuritakse nüüd põhjalikumalt, reprodutseeritakse suurema ranguse ja järjekindlusega; rahulik ja väärikus asendavad mängulist ilu, mis oli eelmise perioodi püüdlus; mälestused keskajast kaovad täielikult ja kogu kunstiloomingule langeb täiesti klassikaline jälg. Kuid iidsete jäljendamine ei summuta kunstnikes nende iseseisvust ning nad töötavad suure leidlikkuse ja kujutlusvõimega vabalt ümber ja rakendavad oma töödele seda, mida nad peavad sobivaks vanast kreeka-rooma kunstist laenata.

Kolme suure Itaalia meistri tööd tähistavad renessansi tippu: Leonardo da Vinci (1452 - 1519), Michelangelo Buonarotti (1475 - 1564) ja Raphael Santi (1483 - 1520).

Renessansiajastu titaanid

Itaalia renessansi titaanid on kunsti kolm tippu: Leonardo da Vinci, Raphael ja Michelangelo. Miks me kutsume neid "titaaniteks"? Antiikmütoloogias olid titaanid need, kes julgesid jumalatele väljakutseid esitada, soovides võrrelda võimu jumalatega. Kuid Olümpose jumalad karistasid uhkeid julmalt ja kukutasid nad Tartarosesse. Üks titaanidest oli Prometheus, kes kutsus ka jumalaid inimkonda aitama. Ta andis inimestele tuld, kuid ta ise langes jumalate kättemaksu ohvriks: ta oli aheldatud kivi külge ja tuulelohe nokitses tema maksa.
Renessansiajastu titaanid, nagu iidsed pooljumalad, esitasid väljakutse taevale. Erinevalt keskaegne etendus Inimese tähtsusetuse, nõrkuse ja patuse kohta kõikvõimsa Jumala ees kinnitasid nad inimese suurust, tema võimete piiramatust ja talentide rikkust, ja mitte edasi. sõnades, aga tegudes, enda eeskujul. Raske on isegi ette kujutada, kui palju andeid ühes inimeses peitus!
Leonardo da Vinci ühendas teadlase (matemaatika, mehaanika, optika, füüsika, bioloog, anatoom jne), kunstniku (joonistaja, maalikunstnik, skulptori ja arhitekt), filosoofi ja kirjaniku anded. Michelangelo oli samaaegselt skulptor, maalikunstnik, arhitekt ja luuletaja. Raphael ei pruukinud olla nii mitmetahuline, kuid tema kunstianne oli nii täiuslik, et juba tema eluajal kutsuti teda Santiks, see tähendab "jumalikuks".
Heitke pilk Leonardo hilisele autoportreele. Näeme inimest, kes on elus palju kogenud. Juuksed ja habe voolavad mööda ta nägu, andes talle targa nõia välimuse, kes on paljastanud lihtsurelikele kättesaamatuid saladusi. Läbitungiv pilk, huulenurgad on langetatud, mis väljendab pettumust. Meenuvad kuningas Saalomoni read Koguja raamatust. Vana Testament: "Teadmised suurendavad kurbust." Leonardo da Vinci on kunstnik-targa kuju. Tema stipendium püüab tungida igasse maailma nurka. Ta tahab isegi kompassi ja joonlaua abil ilu teada ja mõõta. Ja tal see õnnestub. Looduse sisemiste saladuste mõistmine on Leonardo hing.
Raffael on särav geenius, renessansiajastu ingel. Kõik tuli tal lihtsalt. Ta ei kannata, ta mõistus ei torma tõde otsima. Tõde ise ilmutab end talle – ilus ja ta kehastab seda nii täiuslikult, et sellest ajast peale pole keegi suutnud teda ületada. See särav renessansi geenius suri varakult. 38-aastaselt peaaegu nagu Puškin. Tema surma leinas kogu Rooma. Vasari ütles, et inimesed nagu Raphael, kellel on rikkalikult ilu ja talent, õrn iseloom, tagasihoidlikkus ja graats, ei ole inimesed, vaid surelikud jumalad. Michelangelo on tõeline titaan. Alati võitluses iseenda, maailma ja Jumalaga. Kolossaalne impulss, usk inimesesse. Ta ise ütles: "Maailmas pole veel sündinud inimest, kes nagu mina oleks nii kaldu inimesi armastama." Michelangelo koges renessansi ideaalide tõusu ja nende traagilist kokkuvarisemist.
Selliste tähelepanuväärsete isiksuste nagu Leonardo da Vinci, Raphael ja Michelangelo ilmumine kultuuri ei olnud juhuslik. See andis tunnistust sügavatest muutustest suhtumises kunsti üldiselt ja konkreetselt kunstnikesse.
Keskajal polnud kunstniku isiksus oluline. Kunstiteose loomisel pidas meister end vaid instrumendiks Jumala käes. Töid ei allkirjastatud, kuna arvati, et nende tõeline autor on Jumal ise.
Kunstiteoste loojat ei nimetatud kunstnikuks selles kõrges tähenduses, nagu me sellesse sõna tänapäeval paneme. Ikoonimaalijad, katedraaliehitajad jne. peeti lihtsalt käsitöölisteks. Need vaated püsisid pikka aega.
Kui Michelangelo otsustas hakata skulptoriks, keelas isa tal seda teha, pidades sellist ametit kuulsusrikkale Buonar Roti perekonnale väärituks; ta lihtsalt ei näinud vahet skulptoril ja kiviraiduril.

PILET nr 15

REVIVAL PÕHJAS Põhjarenessanss on termin, mida kasutatakse renessansi kirjeldamiseks aastal Põhja-Euroopa, või üldisemalt – kogu Euroopas väljaspool Itaaliat, Alpidest põhja pool.

Kaasaegses kunstiajaloos aktsepteeritud nimetus Põhja-Itaalias asuvate riikide kultuurilise ja ideoloogilise arengu perioodiks (peamiselt Holland, Saksamaa ja Prantsusmaa 15.–16. sajandi 1. kolmandikul; üksikud riigid on oma periodiseering), üleminek alates keskaegne kultuur uute aegade kultuurile. Erinevalt Itaalia renessansist ( cm. REVIVAL (Renessanss)), põhjarenessansi iseloomustab keskaegsete traditsioonide suur püsivus, huvi inimese ja tema keskkonna (sh interjöör, natüürmort, maastik) individuaalse unikaalsuse vastu. Põhjarenessansi suurimad esindajad: Van Eyck ( cm. VAN EYCK), H. Bosch ( cm. BOSH Hieronymus), P. Bruegel vanem ( cm. BRUEGEL Pieter vanem) - Hollandis; A. Durer ( cm. DURER Albrecht), M. Niethard ( cm. NITHARDT Mathis), L. Cranach vanem ( cm. CRANACH Lucas vanem), H. Holbein noorem ( cm. HOLBEIN Hans noorem) - Saksamaal; J. Fouquet( cm. FOUQUET Jean), F. Clouet ( cm. CLOUE), J. Goujon ( cm. GOUJON Jean) - Prantsusmaal.

17. sajandi arhitektuur Lorenzo Bernini (1598-1680) - sai paavstide ametliku liini dirigendiks barokiajastu kunstis, positsioneeris end kui universaalne meister, mis on võimeline ühtviisi viljakalt tegelema maali, arhitektuuri ja skulptuuriga. Kuid ta osutus nõrgaks kunstnikuks ja arhitektuuris jäi ta andekaks amatööriks, kes on võimeline välja töötama idee, teose programmi, jättes kogu arvutuste, inseneritoetuse ja tegeliku teostuse suure skulptorite armee hooleks. tema enda Rooma töökoja abiarhitektid. Ta jättis endale tohutud honorarid ja kuulsuse.

· Francesco Borromini (1599-1667) – tegeles ainult arhitektuuriga. Ta on virtuoosne praktiseeriv arhitekt ja joonistusmeister, mida ta viljakalt harjutas veel Milanos. Borromini joonistused olid 17. sajandi Itaalias professionaalsete tipptasemete poolest võrreldamatud. Rooma arhitektuuripraktika äärealale surutuna sai temast kloostriordude arhitekt. Seetõttu on tema töö põhjendamatult tagasihoidlik. Kuid Boromini tööde märkimisväärne kunstiline väärtus ja populaarsus ulatub üle Itaalia piiride ning leiab tõelisi järeltulijaid ja järeltulijaid loomingulistes isiksustes, sealhulgas Nicolo Michetti (Constantinuse palee, Strelna, Vene impeerium) või Jan Blazej Santini Aihl (Tšehhi).

·

Sant'Ivo alla Sapienza kiriku plaan

·

Sant'Ivo alla Sapienza hoov

Sant'Ivo, antiikne gravüür aastast 1695

Sant'Ivo palee ja kiriku koosseis.

Itaalia barokk-aed

Villa Aldobrandini.

Itaalia tüüpi barokk-aed on renessansiaia loogiline jätk. Renessansiaegsed aiad olid endiselt väikesed ja neil puudus hiilgus. Nad kasutasid skulptuuriga purskkaevu, pinke ja sidrunipuudega potte. Palee või villa domineeris kõiges. Terrassid ei ole veel allutatud ühele kunstilisele kontseptsioonile, üksteisele ja paleele. Ehitiste tihedus linna kindluse müüride vahel ei võimaldanud linnades aedu luua ja need tekkisid äärealadele (Boboli aiad Firenzes) või maale.

Itaalia kunst 18. sajandil

[redigeeri] Hilisbarokk

Itaalias sündinud ja küpsenud barokk jäi sisse rahvuslik kunst kauem kui teistes Euroopa riikides. Tasapisi hakkavad temasse kogunema kriisiomadused ja väsimus. Juba Carlo Maratta (1625-1713) loomingus kaotab barokkmaal väärikuse ja tõepärasuse, mis asenduvad bravuursuse ja ebasiira paatosega. Uurija J. Argan märkis kibedalt: "Tema maal valitsejate teenistuses sümboliseerib banaalseid asju, peites end Raffaeli ja Tiziani autoriteedi taha." Kuid barokkmaal ei olnud Itaalias veel kaotanud võimet end uuendada ja rääkida loodusest, ajaloost ja inimeste tundemaailmast nii provintsimeistrite (Crespi, Vittore Ghislandi) kui dekoratiivmaali (Giovanni Battista Tiepolo) loomingus. Hääbuv barokk säilitab veel kaua oma positsiooni Itaalia ja paljude Euroopa riikide teatri- ja dekoratiivkunstis (Andrea Pozzo, Ferdinando Bibiena, Giuseppe Valeriani).

Kuid kunstiliste otsingute keskus Euroopas kolib lõpuks Prantsusmaale.

·

Crespi. Sibyl Kumskaya, Aeneas ja praamimees Charon, 1705

Giacomo Ceruti. "Kolm kerjust", 1736

Lorenzo Tiepolo. Cecilia Guardi portree

·

Vittore Ghislandi. Noor kunstnik, 1732

PILET nr 17

Caravaggio ja karavaggism

Caravaggio (Caravaggio; tegelikult Merisi da Caravaggio, Merisi da Caravaggio) Michelangelo (28.9.1573, Caravaggio, Lombardia, - 18.7.1610, Porto Ercole, Toscana), itaalia maalikunstnik. aastal realistliku liikumise rajaja Euroopa maalikunst 17. sajandil

Ta õppis Milanos (1584-88) S. Peterzano juures. Aastatel 1589–1593 tuli ta Rooma, kus töötas aastani 1606, seejärel Napolis (1607 ja 1609–1010), Malta saarel ja Sitsiilias (1608–09). K. looming, kes ei kuulunud ühtegi konkreetsesse kunstikooli, tekkis vastandina 16. sajandi lõpu ja 17. sajandi alguse Itaalia kunsti domineerivatele suundumustele. (maneerilisus ja akadeemilisus).

K. varased teosed (1592–1598) paljastavad oma heliseva värvi ja läbipaistva chiaroscuroga seose 16. sajandi Põhja-Itaalia maalikunsti traditsioonidega. (G. Savoldo, L. Lotto, A. Moretto jt). Samas ilmub neis juba mitmeid oluliselt uusi funktsioone. K. vastandab pildi idealiseerimise printsiipi konkreetse mudeli individuaalsele ekspressiivsusele (“Väike haige Bacchus”, Galleria Borghese, Rooma) ja süžee allegoorilisele tõlgendusele erapooletu looduseuurimine lihtsas igapäevases motiivis ( "Noor mees puuviljakorviga", Galleria Borghese, Rooma). Polemiseerides manerismi ja akadeemilisuse kunstikontseptsioonidega, kehastab K. iidses süžees (Bacchus, 1592–1593, Uffizi galerii, Firenze) pidulikku, mängulist, rahvalikku printsiipi, jõuab domineeriva žanrisüsteemi eitamiseni ja aitab kaasa uut tüüpi maalikunsti - - natüürmortide loomine ("Fruit Basket", umbes 1596, Pinacoteca Ambrosiana, Milano) ja igapäevane žanr("Fortune Teller", Louvre, Pariis). Religioosne maal saab temalt uue, intiimse psühholoogilise tõlgenduse (“Puhka Egiptuse lennul”, Doria Pamphili galerii, Rooma). 1590. aastate lõpuks. moodustub algupärane pildisüsteem K. Valgusvihuga eredalt valgustatud esiplaanil maal paistab silma tihedasse varju sukeldatud taustal, mis saavutab pildi rõhutatud optilise selguse ja loob mulje selle vahetust lähedusest vaatajale (“Lutist”, Ermitaaž, Leningrad). K. küpsed tööd (1599-1606) on kompositsiooniliselt monumentaalsed maalid, millel on erakordne dramaatiline jõud. Valguse ja varju võimsad kontrastid, väljendusrikas žestide lihtsus, energiline plastiline modelleerimine ja kõlav, rikkalik värv peegeldavad emotsionaalset pinget, mis tekib ideaalse ülevuse ootamatust avaldumisest inimeste igapäevaelus või inimese vaimse vastasseisu hetkedel. vaenulik keskkond ("Apostel Matteuse kutsumine" ja "Apostel Matteuse piin", 1599-1600, San Luigi dei Francesi kirik, "Apostel Peetruse ristilöömine" ja "Sauluse pöördumine", 1600-01 , Santa Maria del Popolo kirik, "Madonna di Loreto", umbes 1603-06, Sant'Agostino kirik, - kõik Roomas; "Haudamine", 1602-04 (vt joonist), Pinacoteca, Vatikan; "Maarja surm" , umbes 1605–1606, Louvre, Pariis). Tüübi rõhutatud ühisosa ja demokraatlike kunstiideaalide jaatamise otsustavus K. maalides tekitas ametliku kunsti pooldajates teravat vastuseisu. Paljud kunstniku tööd lükkasid kliendid tagasi. K. hilisemates töödes, mis on loodud Lõuna-Itaalia eksirännakutel (1606-10), realistlike suundumuste edasiarendus, haarde laiendamine. elunähtused(“Seitse halastuse tegu”, 1607, Pio Monte della Misericordia kirik, Napoli) saadab süvenev maailmavaateline tragöödia. Koos leinava eemaldumise nootidega avaldub neis üleva stoitsismi vaim (“Ristija Johannese hukkamine”, 1609, San Giovanni katedraal, La Valletta; “Püha Lucia matmine”, 1608, Santa kirik Lucia, Syracuse). K. käsitleb inimeste üksinduse teemat tohutus maailmas, teda köidab pilt tihedalt seotud inimkollektiivist, mida ühendab perekondliku läheduse õhkkond ja õhkkond. soojust. Valgus K. hilisematel maalidel muutub pehmeks ja vibreerivaks, värvilahendus graviteerub tonaalse ühtsuse poole ("Karjaste jumaldamine", 1609, Rahvusmuuseum, Messina). Esitusmaneeril on vaba improvisatsiooni tunnused. K. uuenduslik kunst leidis järgijaid Itaalias ja teistes Euroopa riikides, mõjutades realistlike liikumiste arengut paljudes Euroopa riikides. kunstikoolid(Karavaggism).

Karavaggism:

1) iseloomulik kunstiliste vahendite süsteem esialgne etapp realismi kujunemine Euroopa maalikunstis 17. sajandil. ja sai Itaalia maalikunstniku Caravaggio loomingus kõige eredama kehastuse. K. iseloomustab demokraatia
kunstiideaal, huvi looduse vahetu reprodutseerimise vastu, pildi tegeliku objektiivsuse kõrgendatud tunnetus, valguse ja varju kontrastide aktiivne roll pildi pildilises lahenduses, soov žanrimotiive monumentaliseerida. Nikerdamistehnikate poole pöördumine oli oluline samm paljude 17. sajandi juhtivate meistrite loomingulises arengus. (P.P. Rubene, Rembrandt), kuigi mitmel juhul ei olnud see Caravaggio ja tema järgijate (F. Ribalta, D. Vslaskes, Georges de Latour) kunsti otsese mõju tagajärg.

2) liikumine 17. sajandi Euroopa maalikunstis, mida esindasid Caravaggio järgijad. Itaalias, kus maalikunsti tendentsid säilitasid oma tähtsuse kuni 17. sajandi lõpuni, tungisid need kõikidesse olulistesse kunstikeskustesse ja avaldasid eriti tugevat mõju Rooma, Genova ja Napoli maalikunstis. Caravaggio pärand sai kõige originaalsema ja sõltumatuma tõlgenduse O. Borgianni, O. Jeptileschi, C. Saraceni ja G. B. Caracciolo teostes. Caravaggio väljendas end mitmete meistrite pealiskaudselt vormitehnikate ja süžeemotiivide laenamises Caravaggio kunstist (L. Spada, B. Manfredi jt teosed). K. välisesindajatest on olulisemad: Hollandis - H. Terbruggen, G. Honthorst, D. van Baburen, Flandrias - T. Rombouts, A. Janssens, Prantsusmaal - J. Valentin, S. Vuz, Hispaanias - X Ribera, Saksamaal - A. Elsheimer.

PILET nr 18

Prantsusmaa kunst. Arhitektuur.Prantsusmaa 18. sajandi arhitektuur jaguneb traditsiooniliselt kaheks perioodiks, mis vastavad kahele arhitektuuristiilile: 18. sajandi esimesel poolel. Domineeriva positsiooni hõivab rokokoo, teises - neoklassitsism. Need stiilid on üksteisele täiesti vastandlikud, mistõttu üleminekut rokokoolt neoklassitsismile nimetatakse sageli "mässuks".

Rokokoo stiil eemaldus ranged reeglid 17. sajandi klassitsism; tema meistreid tõmbasid rohkem sensuaalsed, vabad vormid. Rokokoo-arhitektuur, isegi jõulisemalt kui barokk, püüdis muuta hoonete piirjooni dünaamilisemaks ja nende kaunistust dekoratiivsemaks, kuid see lükkas tagasi baroki pidulikkuse ja selle tiheda seose katoliku kirikuga.

Juba sõna "neoklassitsism" 18. sajandil. ei olnud veel olemas. Kriitikud ja kunstnikud kasutasid teisi määratlusi - "tõeline stiil" või "kunsti renessanss". Huvi antiigi vastu XVIII sajand omandas teadusliku iseloomu: arheoloogid alustasid muinasmälestiste metoodilisi väljakaevamisi, arhitektid hakkasid teostama säilinud kildude ja varemete täpseid mõõtmisi ja jooniseid. Neoklassitsistide jaoks oli arhitektuur viis maailma ümberstruktureerimiseks. Ilmusid utoopilised projektid, mis kehastasid valgustusajastu ideaale; hiljem said nad nime "rääkiv arhitektuur".

ROKOKO ARHITEKTUUR

Rokokoo tekkis kuningas Louis XIV (1643-1715) valitsusaja viimastel aastatel, kuid erinevalt kõigist sellele eelnenud Prantsuse arhitektuuristiilidest ei olnud see õukonnakunst. Enamik rokokoohooneid olid Prantsuse aristokraatia eramajad: rikkad linnamõisad (Prantsusmaal kutsuti "hotellideks") ja maapaleed.

Üldjuhul eraldas häärberit linnast kõrge tara, mis varjas majaomanike elu. Hotellitubades olid sageli kumerad piirjooned; need ei olnud paigutatud anfilaadisse, nagu 17. sajandi häärberites tavaks, vaid moodustasid väga elegantsed asümmeetrilised kompositsioonid. Keskuses oli tavaliselt pidusaal, nn salong. Toad olid palju väiksemad kui klassikaliste paleede saalid ja madalamate lagedega. Ja aknad nendes häärberites tehti väga suureks, peaaegu põrandast. Rokokoohoonete interjööre kaunistasid skulptuuri- ja nikerdatud kaunistused, fantastilise teemaga maalid ja paljud peeglid.

Pariisi hotell Soubise ehitati prints de Soubise'ile aastatel 1705–1709. kujundas Pierre Alexis Delamere (1675-1745). Nagu teisedki häärberid, on see piirnevatest tänavatest aiaga piiratud kõrge müüriga, millel on luksuslik sissepääsuvärav.

Pilet nr 19

17. sajandi Hispaania arhitektuur ja kunst Araablased tõid Hispaania kunstisse arenenud ornamentkultuuri ja jätsid maha hulga suurepäraseid mauride stiilis arhitektuurimälestisi, sealhulgas mošee Cordobas (8. sajand) ja Alhambra palee Granadas (13.–15. sajand). 11.-12.sajandil. Hispaanias areneb romaani stiil arhitektuuris, mille tähelepanuväärne monument on Santiago de Compostela linna majesteetlik katedraal. 13. - 15. sajandi esimesel poolel. Hispaanias, nagu kõikjal Lääne-Euroopa, on moodustatud Gooti stiil. Hispaania gootika laenab sageli mauride jooni, mida tõendavad Sevilla, Burgose ja Toledo majesteetlikud katedraalid (üks Euroopa suurimaid). Eriline kunstinähtus on nn. stiilis<мудехар>, mis kujunes välja gooti elementide sulandumise tulemusena arhitektuuris ning hilisem renessanss koos mauride araablastega tõi Hispaania kunstisse arenenud ornamentkultuuri ja jättis maha hulga suurepäraseid mauride stiilis arhitektuurimälestisi, nende hulgas mošee aastal. Cordoba (8. sajand) ja Alhambra palee Granadas (13. sajand).-15. sajand. 11.-12.sajandil. Hispaanias areneb romaani stiil arhitektuuris, mille tähelepanuväärne monument on Santiago de Compostela linna majesteetlik katedraal. 13. - 15. sajandi esimesel poolel. Hispaanias, nagu kogu Lääne-Euroopas, kujunes gooti stiil. Hispaania gootika laenab sageli mauride jooni, mida tõendavad Sevilla, Burgose ja Toledo majesteetlikud katedraalid (üks Euroopa suurimaid). Eriline kunstinähtus on nn. stiilis<мудехар>, mis kujunes välja gooti ja hilisema renessansi elementide sulandumise tulemusena arhitektuuris mauride pärandiga.

<платереск> <эрререско>

<Золотым веком> <эрререско> <чурригуреско>.

<гением модерна>

16. sajandil Itaalia kunsti mõjul tekkis Hispaanias manerismikoolkond: selle silmapaistvad esindajad olid skulptor Alonso Berruguete (1490-1561), maalikunstnikud Luis de Morales (umbes 1508-1586) ja suur El Greco (1541-). 1614). Õukonnaportreekunsti rajajad olid kuulsad maalikunstnikud Alonso Sanchez Coelho (umbes 1531-1588) ja tema õpilane Juan Pantoja de la Cruz (1553-1608). 16. sajandi ilmalikus arhitektuuris. kujundatud dekoratiivstiil<платереск>, mis asendati sajandi lõpus külma stiiliga<эрререско>, mille näiteks on Madridi lähedal asuv El Escoriali klooster-palee, mis ehitati aastatel 1563-1584 Hispaania kuningate residentsiks.

<Золотым веком>Hispaania maalikunsti nimetatakse 17. sajandiks, mil töötasid suured kunstnikud Jusepe Ribera (1588-1652), Bartolome Esteban Murillo (1618-1682), Francisco Zurbaran (1598-1664) ja Diego de Silva Velazquez (1599-1660). Arhitektuuris vaoshoitud<эрререско>17. sajandi teisel poolel. asendatud liiga dekoratiivse stiiliga<чурригуреско>.

Ajavahemik 18-19 sajandit. üldiselt iseloomustab Hispaania kunsti allakäik, mis on lukustatud imiteerivasse klassitsismi ja hiljem pealiskaudsesse kostumbrismisse. Sellel taustal paistab eriti selgelt silma Francisco Goya (1746-1828) looming.

Suure Hispaania traditsiooni taaselustamine toimub 20. sajandi esimesel poolel. Uusi teid maailma kunstis sillutas algne arhitekt Antonio Gaudi (1852-1926), keda kutsuti nn.<гением модерна>, sürrealismi rajaja ja silmapaistev esindaja maalikunstis, Salvador Dali (1904-1989), üks kubismi rajajaid Juan Gris (1887-1921), abstraktne kunstnik Joan Miro (1893-1983) ja Pablo Picasso (1881-1973). ), kes aitas kaasa mitme kaasaegse kunsti suuna arengule.

17. sajandil Hollandi kunsti kunstitraditsioonid jätkusid Flandrias ja Hollandis. Nende põhjal tekkisid omavahel seotud, kuid omanäolised flaami ja hollandi maalikoolid. Selle jagunemise põhjuseks oli dramaatiline lugu Madalmaad 16. sajandi teisel poolel.

Tol ajal oli Hollandis laialt levinud protestantism – usutunnistus, mis lükkas tagasi ikoonide kui ebajumalakummardamise ja hüljati kirikukunsti. 1566. aastal pühkis üle riigi ikonoklasmilaine. Mõne päevaga hävisid paljud kirikud ja kloostrid, hävitati pühakute kujud, altarid ja ikoonid. Hispaania kuningas Philip II, kes toona valitses Hollandit, saatis riiki suure armee, et taastada katoliku kiriku domineeriv positsioon. Hispaanlased surusid rahutused julmalt maha, kümneid tuhandeid hollandlasi tapeti. Vastuseks vägivallale puhkes relvastatud ülestõus.

Riigi põhjaosas, kus protestandid moodustasid suurema osa elanikkonnast, kuulutati 1581. aastal välja uus riik – Ühendprovintside Vabariik. Juhtroll selles kuulus Hollandile ja üsna pea hakati kogu riiki nii kutsuma.

Lõuna-Hollandis võitsid hispaanlased. 1585. aastal alistus mässuliste viimane tugipunkt Antwerpeni linn.

Philip II andis 1598. aastal üle Lõuna-Madalmaade oma armastatud tütrele Infanta Isabellale (1566-1633). Värskelt moodustatud riiki nimetati ametlikes dokumentides katoliiklikuks Hollandiks, teaduslikes töödes Belgiaks ja tavakeeles Flandriaks, samuti selle moodustavatest provintsidest kõige arenenumaks. See sõltus täielikult Hispaaniast.

Võitluses religioossete ideede eest sai kultuur lüüa: protestandid hävitasid paljud kaunid kunstimälestised, kuid isegi katoliiklikes provintsides pidid nad algse kunstitraditsiooni pikaks ajaks unustama. katoliku kirik suhtus kahtlustavalt Vana-Hollandi kunsti vapustavasse mitmekesisusse. Kunstnikud, kes püüdsid piiblilugusid omal moel tõlgendada, riskisid saada süüdistatuna ketserluses. Kirikukunst on muutunud. Nüüdsest ei pidanud see koguduseliikmetele Pühakirja mitte ainult selgitama, vaid neid sõna otseses mõttes köitma, allutades nende teadvuse Kiriku autoriteedile. Seda teenisid orelimuusika, templite veider arhitektuur ja religioossed maalid. Kui keskajal peeti templit kooliks, siis 17. sajandil. see oli rohkem nagu teater.

Seotud Informatsioon.

Föderaalne Haridusagentuur

Peterburi Riiklik Arhitektuuri- ja Ehitusinseneriülikool

Ajaloo osakond

Distsipliin: kultuuriteadused

Titaanid ja renessansikultuuri meistriteosed

Õpilasrühm 1 ES 2

E. Yu. Nalivko

Juhendaja:

k.i. Sc., õpetaja

I. Yu. Lapina

Peterburi

Sissejuhatus………………………………………………………3

Vararenessansi kunst……………………………..4

Kõrgrenessansi periood……………………………….5

Sandro Botticelli………………………………………….5

Leonardo Da Vinci……………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………

Michelangelo Buonarroti ……………………………… 10

Raffaello Santi…………………………………………….13

Järeldus………………………………………………………………..15

Kasutatud kirjanduse loetelu……………………………..16

Sissejuhatus

Renessanss on maailma kultuuris oluline periood. Algselt paistis uus nähtus Euroopa kultuurielus naasmisena antiikkultuuri unustatud saavutuste juurde teaduse, filosoofia ja kirjanduse vallas. Renessansi fenomen seisneb selles, et iidne pärand muutus relvaks kirikukaanonite ja keeldude kukutamiseks. Sisuliselt tuleb rääkida suurejoonelisest kultuurirevolutsioonist, mis kestis kaks ja pool sajandit ning lõppes uut tüüpi maailmavaate ja uut tüüpi kultuuri loomisega. Väljaspool Euroopa piirkonda ei täheldatud tol ajal midagi sellist. Sellepärast see teemaäratas minus suure huvi ja soovi seda perioodi lähemalt uurida.

Oma essees tahan sellistele keskenduda silmapaistvad inimesed, nagu Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raffaello Santi. Nendest said Itaalia renessansi peamiste etappide silmapaistvamad esindajad.

1. Vararenessansi kunst

15. sajandi esimestel kümnenditel toimus Itaalia kunstis otsustav pöördepunkt. Renessansi võimsa keskuse tekkimine Firenzes tõi kaasa kogu Itaalia kunstikultuuri uuenemise.

Donatello, Masaccio ja nende kaaslaste looming tähistab renessansirealismi võitu, mis erines oluliselt hilis Trecento gooti kunstile omasest “detailide realismist”. Nende meistrite tööd on läbi imbunud humanismi ideaalidest. Nad heroiseerivad ja ülendavad inimest, tõstes ta igapäevaelu tasemest kõrgemale.

Oma võitluses gooti traditsiooniga otsisid vararenessansi kunstnikud toetust antiikajast ja protorenessansi kunstist. See, mida protorenessansi meistrid otsisid vaid intuitiivselt, puudutuse teel, põhineb nüüd täpsetel teadmistel.

15. sajandi Itaalia kunst eristub suure mitmekesisusega. 15. sajandi alguses arenenud Firenzes triumfeerinud uus kunst ei pälvinud kohe tunnustust ega levinud teistes riigi piirkondades. Kui Bruneleschi, Masaccio ja Donatello töötasid Firenzes, olid Bütsantsi ja gooti kunsti traditsioonid Põhja-Itaalias veel elus, renessanss tõrjus alles järk-järgult välja.

Vararenessansi peamine keskus oli Firenze. 15. sajandi esimese poole ja keskpaiga Firenze kultuur on mitmekesine ja rikkalik. Alates 1439. aastast, alates Firenzes peetud oikumeenilisest kirikukogust, kuhu saabusid koos suurejoonelise saatjaskonnaga Bütsantsi keiser John Palaiologos ja Konstantinoopoli patriarh, ning eriti pärast Bütsantsi langemist 1453. aastal, mil paljud idast põgenenud teadlased. leidnud varjupaiga Firenzes, saab sellest linnast üks peamisi keskusi Itaalias, kus uuritakse kreeka keelt, aga ka Vana-Kreeka kirjandust ja filosoofiat. Ja ometi kuulus Firenze esimese poole ja 15. sajandi keskpaiga kultuurielus juhtiv roll kahtlemata kunstile. 1

2. Kõrgrenessansi periood

See ajaperiood tähistab renessansi apogeed. See oli lühike periood, mis kestis umbes 30 aastat, kuid kvantiteedi ja kvaliteedi poolest oli see ajavahemik nagu sajandeid. Kõrgrenessansi kunst on kokkuvõte 15. sajandi saavutustest, kuid samas on see uus kvalitatiivne hüpe nii kunstiteoorias kui selle elluviimises. Selle perioodi erakordne “tihedus” on seletatav sellega, et üheaegselt (ühel ajalooperioodil) tegutsevate säravate kunstnike arv on omamoodi rekord isegi kogu kunstiajaloos. Piisab, kui nimetada selliseid nimesid nagu Leonardo da Vinci, Raphael ja Michelangelo.

3. Sandro Botticelli

Sandro Botticelli nimi on kogu maailmas tuntud kui üks tähelepanuväärsemaid Itaalia renessansi kunstnikke.

Sandro Botticelli sündis 1444. aastal (või 1445. aastal) päevitaja, Firenze kodaniku Mariano Filippepi perekonnas. Sandro oli Filippepi noorim, neljas poeg. Kahjuks pole peaaegu midagi teada selle kohta, kus ja millal Sandro kunstikoolituse läbis ning kas ta, nagu vanad allikad teatavad, tõesti õppis esmalt ehtekunsti ja alles siis hakkas maalima. 1470. aastal oli tal juba oma töökoda ja ta täitis iseseisvalt saadud tellimusi.

Botticelli kunsti võlu jääb alati veidi salapäraseks. Tema tööd tekitavad tunde, mida teiste meistrite tööd ei tekita.

Botticelli jäi paljudele 15. sajandi kunstnikele alla, ühed julge energia, teised detailide tõepärase täpsuse poolest. Tema piltidel (väga harvaesinevate eranditega) puudub monumentaalsus ja draama, nende liialdatult haprad vormid on alati pisut konventsionaalsed. Kuid nagu ükski teine ​​15. sajandi maalikunstnik, oli Botticellile antud võime mõista kõige peenemat poeetilist elu. Esimest korda suutis ta edasi anda inimlike kogemuste peeneid nüansse. Rõõmus elevus asendub tema maalidel melanhoolse unenäolisusega, lõbupuhangutega - valutava melanhooliaga, rahuliku mõtisklusega - ohjeldamatu kirega.

Botticelli uus kunstisuund sai oma äärmusliku väljenduse tema tegevuse viimasel perioodil, 1490. aastate ja 1500. aastate alguse loomingus. Siin muutuvad liialduse ja dissonantsi võtted peaaegu väljakannatamatuks (näiteks “Püha Zenobiuse ime”). Kunstnik kas sukeldub lootusetu kurbuse kuristikku (“Pieta”) või alistub valgustatud ülendusele (“Püha Hieronymuse osadus”). Tema maalistiil on lihtsustatud peaaegu ikonograafiliste tavadeni, eristub mingi naiivse keelepruugiga. Tasapinnalisele lineaarrütmile alluvad täielikult nii oma lihtsuses viimse piirini viidud joonistus kui ka lokaalsete värvide teravate kontrastidega värv. Kujutised näivad kaotavat oma tõelise maise kesta, toimides müstiliste sümbolitena. Ja ometi selles, läbi ja lõhki religioosne kunst inimelement teeb oma teed suure jõuga. Kunagi varem pole kunstnik oma töödesse pannud nii palju isiklikku tunnet, kunagi varem pole tema piltidel olnud nii kõrget moraalset tähendust.

Botticelli surmaga lõpeb Firenze vararenessansi maalikunsti ajalugu – see tõeline Itaalia kunstikultuuri kevad. Leonardo, Michelangelo ja noore Raphaeli kaasaegne Botticelli jäi nende klassikalistele ideaalidele võõraks. Kunstnikuna kuulus ta täielikult 15. sajandisse ja tal polnud kõrgrenessansi maalikunstis otseseid järeltulijaid. Kuid tema kunst ei surnud koos temaga. See oli esimene katse paljastada inimese vaimne maailm, arglik katse, mis lõppes traagiliselt, kuid mis läbi põlvkondade ja sajandite sai oma lõpmata mitmetahulise kajastuse teiste meistrite töös.

Botticelli kunst on suure kunstniku poeetiline ülestunnistus, mis erutab ja erutab alati inimeste südameid. 2

4. Leonardo Da Vinci

Inimkonna ajaloos ei ole lihtne leida teist nii säravat inimest kui kõrgrenessansi kunsti rajaja Leonardo da Vinci (1452-1519). Selle suure kunstniku ja teadlase tegevuse kõikehõlmav olemus sai selgeks alles siis, kui uuriti tema pärandist hajutatud käsikirju. Leonardole on pühendatud kolossaalne kogus kirjandust ja tema elu on üksikasjalikult uuritud. Ja ometi jääb suur osa tema töödest salapäraseks ja erutab jätkuvalt inimeste meelt.

Leonardo Da Vinci sündis Anchiano külas Vinci lähedal: Firenze lähedal. Ta oli vallaspoeg jõukas notar ja lihtne taluperenaine. Märkanud poisi erakordseid võimeid maalimisel, saatis isa ta Andrea Verrocchio töökotta. Õpetaja maalil “Kristuse ristimine” kuulub spirituaalse blondi ingli kuju noore Leonardo pintslisse.

Tema varajaste tööde hulgas on maal “Lillega Madonna” (1472), mis on teostatud õlimaal, tol ajal Itaalias haruldane.

1482. aasta paiku astus Leonardo Milano hertsogi Lodovico Moro teenistusse. Meister soovitas end ennekõike sõjaväeinseneriks, arhitektiks, hüdrotehnika valdkonna spetsialistiks ning alles seejärel maalijaks ja skulptoriks. Kõige viljakamaks osutus aga Leonardo loomingu esimene Milano periood (1482–1499). Meistrist sai Itaalia kuulsaim kunstnik, ta õppis arhitektuuri ja skulptuuri ning pöördus freskode ja altarimaalide poole.

Leonardo maalid Milano perioodist on säilinud tänapäevani. Kõrgrenessansi esimene altarikompositsioon oli "Madonna grotis" (1483-1494). Maalikunstnik lahkus 15. sajandi traditsioonidest: kelle religioossetes maalides valitses pühalik piirangud. Leonardo altarimaal on vähe figuure: naiselik Maarja, väikest Ristija Johannest õnnistav Kristus ja põlvili, justkui pildilt välja vaatav ingel. Kujutised on ideaalselt ilusad, loomulikult seotud oma keskkonnaga. See on midagi tumedate basaltkivimite grotti sarnast, mille sügavuses on tühimik – üldiselt fantastiliselt salapärane Leonardole omane maastik. Figuurid ja näod on kaetud õhulise uduga, andes neile erilise pehmuse. Itaallased nimetasid seda Leonardo tehnikat sfumatoks.

Ilmselt lõi meister Milanos maali "Madonna ja laps" ("Madonna Lita"). Siin püüdles ta erinevalt “Lillega Madonnast” pildi ideaalsuse suurema üldistuse poole. Pildil pole teatud hetk, vaid teatud kauakestev rahuliku rõõmuseisund, millesse on sukeldunud noor kaunis naine. Külm selge valgus valgustab tema õhukest pehmet nägu pooleldi langetatud pilgu ja kerge, vaevumärgatava naeratusega. Maal on maalitud temperaga, mis lisab Maarja sinise mantli ja punase kleidi toonidele kõlavust. Beebi kohevad, tumekuldsed lokkis juuksed on hämmastavalt kujutatud ning vaatajale suunatud tähelepanelik pilk pole lapselikult tõsine.

Kui Prantsuse väed 1499. aastal Milano vallutasid, lahkus Leonardo linnast. Tema rännakute aeg on alanud. Mõnda aega töötas ta Firenzes. Seal tundus, et Leonardo töid valgustas ere sähvatus: ta maalis portree Mona Lisast, jõuka firenzelase Francesco di Giocondo naisest (umbes 1503). Portree on tuntud kui "La Gioconda" ja sellest on saanud maailma maalikunsti üks kuulsamaid teoseid.

Väike portree sinakasrohelise maastiku taustal istuvast õhulisesse udusse mähkunud noorest naisest on täis nii elavat ja õrna värinat, et Vasari sõnul on näha, kuidas pulss tuksub Mona lohus. Lisa kael. Näib, et pilti on lihtne mõista. Samal ajal põrkuvad La Giocondale pühendatud ulatuslikus kirjanduses Leonardo loodud kujundi kõige vastandlikumad tõlgendused.

Oma elu viimastel aastatel töötas Leonardo da Vinci kunstnikuna vähe. Saanud kutse Prantsuse kuningalt Francis 1-lt, lahkus ta 1517. aastal Prantsusmaale ja sai õuemaalijaks. Leonardo suri peagi. Autoportreejoonistusel (1510-1515) nägi sügava, leinava ilmega halli habemega patriarh välja oma vanusest palju vanem.

Leonardo ande ulatust ja ainulaadsust saab hinnata tema joonistuste järgi, mis on kunstiajaloos ühel auväärsel kohal. Leonardo da Vinci jooniste, visandite, visandite ja diagrammidega pole lahutamatult seotud mitte ainult täppisteadustele pühendatud käsikirjad, vaid ka kunstiteooria teosed. Palju ruumi on antud chiaroscuro, mahulise modelleerimise, lineaarse ja õhu perspektiivi probleemidele. Leonardo da Vinci omab arvukalt avastusi, projekte ja eksperimentaalseid uuringuid matemaatika, mehaanika ja teiste loodusteaduste vallas.

Leonardo da Vinci kunst, tema teaduslikud ja teoreetilised uurimistööd, tema isiksuse ainulaadsus on läbinud kogu maailma kultuuri- ja teadusajaloo ning avaldanud tohutut mõju. 3

5. Michelangelo Buonarroti

Kõrgrenessansi pooljumalate ja titaanide seas on Michelangelol eriline koht. Uue kunsti loojana väärib ta 16. sajandi Prometheuse tiitlit

Kaunis marmorist skulptuur, mida tuntakse Pieta nime all, on tänaseni monumentiks esimesele Roomas viibimisele ja 24-aastase kunstniku täielikule küpsusele. Püha Neitsi istub kivil, tema süles puhkab ristilt võetud Jeesuse elutu keha. Ta toetab teda oma käega. Iidsete teoste mõjul heitis Michelangelo kõrvale kõik keskaja traditsioonid religioossete teemade kujutamisel. Ta andis harmoonia ja ilu Kristuse ihule ja kogu tööle. Jeesuse surm ei oleks tohtinud tekitada õudust, vaid ainult aupakliku üllatuse tunnet suurele kannatajale. Alasti keha ilu toob palju kasu valguse ja varju mõjust, mida tekitavad Mary kleidi oskuslikult paigutatud voldid. Kunstniku kujutatud Jeesuse näos leidsid nad isegi sarnasusi Savonarolaga. Igavene võitluse ja protesti leping, igavene monument Pieta jäi kunstniku enda varjatud kannatuseks.

Michelangelo naasis 1501. aastal linna jaoks keerulisel hetkel Firenzesse, kus tohutust Carrara marmorplokist, mis oli mõeldud piibelliku Taaveti kolossaalseks kujuks katedraali kupli kaunistamiseks, otsustas ta luua tervikliku ja täiuslik töö, ilma selle suurust vähendamata, ja nimelt David. 1503. aastal, 18. mail, paigaldati kuju Piazza della Señoriale, kus see seisis üle 350 aasta.

Michelangelo pikas ja kurvas elus oli ainult üks periood, mil õnn naeratas talle – see oli siis, kui ta töötas paavst Julius II heaks. Michelangelo armastas omal moel seda ebaviisakat sõdalast paavsti, kellel polnud paavstlikult karmid kombed. Paavst Juliuse haud ei osutunud nii suurejooneliseks, kui Michelangelo kavatses. Püha katedraali asemel. Peetrus pandi ta väikesesse St. Petra, kuhu see isegi täielikult ei sisenenud, ja selle üksikud osad hajusid erinevatesse kohtadesse. Kuid isegi sellisel kujul on see õigustatult üks kuulsamaid renessansi loomingut. Selle keskseks kujuks on piibellik Mooses, oma rahva vabastaja Egiptuse vangistusest (kunstnik lootis, et Julius vabastab Itaalia vallutajatest). Kõikehõlmav kirg, üliinimlik jõud kurnavad kangelase võimsat keha, tema näol peegeldub tahe ja sihikindlus, kirglik tegutsemisjanu, pilk on suunatud tõotatud maale. Pooljumal istub Olümpia majesteetlikkuses. Tema üks käsi toetub võimsalt põlvedel olevale kivitahvlile, teine ​​puhkab siin mehe väärilise hoolimatusega, kellele piisab kulmude liigutusest, et kõik kuuletuma panna. Nagu luuletaja ütles: "Enne sellist ebajumalat oli juudi rahval õigus palves kummardada." Kaasaegsete sõnul nägi Michelangelo "Mooses" tegelikult Jumalat.

Michelangelo maalis paavst Juliuse palvel Vatikanis asuva Sixtuse kabeli lae freskodega, mis kujutasid maailma loomist. Tema maalidel domineerivad jooned ja kehad. 20 aastat hiljem maalis Michelangelo sama kabeli ühele seinale fresko "Viimne kohus" - vapustava nägemuse Kristuse ilmumisest viimsel kohtupäeval, kelle käel patused langevad põrgu kuristikku. . Lihaseline Heraklese hiiglane ei meenuta mitte piiblilist Kristust, kes ohverdas end inimkonna hüvanguks, vaid iidse mütoloogia kättemaksu personifikatsiooni.Fresko paljastab meeleheitel hinge, Michelangelo hinge kohutavad kuristikud.

Michelangelo teosed väljendavad Itaalia tragöödia tekitatud valu, sulandudes valuga tema enda kurva saatuse pärast.Michelangelo leidis arhitektuurist ilu, mis ei ole segunenud kannatuste ja ebaõnnega. Pärast Bramante surma võttis Michelangelo üle Püha Peetruse basiilika ehituse. Bramante vääriline järeltulija lõi ta kupli, mis on tänaseni ületamatu ei suuruse ega suurejoonelisuse poolest,

Michelangelol polnud ei õpilasi ega nn kooli. Kuid alles jääb terve tema loodud maailm. 4

6. Raffael

Raphael Santi looming kuulub nende Euroopa kultuurinähtuste hulka, mis pole mitte ainult kaetud maailmakuulsusega, vaid on omandanud ka erilise tähenduse - inimkonna vaimse elu kõrgeimad maamärgid. Viis sajandit on tema kunsti peetud üheks esteetilise täiuslikkuse näiteks.

Raphaeli geenius ilmnes maalis, graafikas ja arhitektuuris. Raffaeli teosed esindavad kõrgrenessansi kunstis klassikalise joone, klassikalise printsiibi kõige täiuslikumat, eredamat väljendust (lisa 3). Raphael lõi "universaalse kuvandi" ilusast inimesest, täiuslikult füüsiliselt ja vaimselt, kehastades ideed eksistentsi harmoonilisest ilust.

Raphael (täpsemalt Raffaello Santi) sündis 6. aprillil 1483 Urbino linnas. Esimesed maalitunnid sai ta oma isalt Giovanni Santilt. Kui Raphael oli 11-aastane, suri Giovanni Santi ja poiss jäi orvuks (ta kaotas poisi 3 aastat enne isa surma). Ilmselt õppis ta järgmise 5-6 aasta jooksul maalimist väiksemate provintsimeistrite Evangelista di Piandimeleto ja Timoteo Viti juures.

Esimesed meile teadaolevad Raffaeli teosed esitati umbes 1500-1502, kui ta oli 17-19-aastane. Need on miniatuursed kompositsioonid “The Three Graces” ja “The Knight’s Dream”. Neid lihtsameelseid, endiselt tudengikartlikke asju iseloomustab peen poeesia ja tundesiirus. Juba tema loovuse esimestest sammudest ilmneb Raphaeli anne kogu selle originaalsuses ja tema enda kunstiline teema on välja toodud.

Varajase perioodi parimate teoste hulka kuulub Madonna Conestabile. Madonnat ja last kujutavad kompositsioonid tõid Raphaelile laialdase kuulsuse ja populaarsuse. Umbria perioodi haprad, tasased, unistavad madonnad asendusid maisemate, täisvereliste kujunditega, nende sisemaailm muutus keerukamaks, emotsionaalsete varjundite rikkamaks. Raphael lõi Madonnast ja Lapsest uut tüüpi kuvandi – monumentaalse, range ja lüürilise korraga, andes sellele teemale enneolematu tähenduse.

Ta ülistas inimese maist eksistentsi, vaimsete ja füüsiliste jõudude harmooniat Vatikani (1509-1517) stroofi (tubade) maalidel, saavutades laitmatu mõõdutunde, rütmi, proportsioonide, värvide eufoonia, figuuride ühtsuse. ja arhitektuurilise tausta majesteetlikkust. Palju on Jumalaema kujutisi (“Sikstus Madonna”, 1515–1919), kunstilisi ansambleid Villa Farnesina (1514–18) ja Vatikani lodžade (1519, õpilastega) maalidel. Portreedes loob ta renessansiajastu mehe ideaalkuju (“Baldassare Castiglione”, 1515). Kavandanud katedraali St. Peeter ehitas Rooma Santa Maria del Popolo kiriku Chigi kabeli (1512-20).

Raffaeli maal, selle stiil, esteetilised põhimõtted peegeldasid ajastu maailmapilti. 16. sajandi kolmandaks kümnendiks oli kultuuriline ja vaimne olukord Itaalias muutunud. Ajalooline reaalsus hävitas renessansiaegse humanismi illusioonid. Taastumine oli lõppemas. 5

Järeldus

Renessansiajal ärkas huvi Vana-Kreeka ja Rooma kunsti vastu, mis ajendas Euroopas muutusi, mis tähistasid keskaja lõppu ja uusaja algust. See periood polnud mitte ainult iidse mineviku “taaselustamise”, vaid ka avastamise ja uurimise aeg, uute ideede aeg. Klassikalised näited inspireerisid uut mõtlemist, pöörates erilist tähelepanu inimese isiksusele, võimete kujunemisele ja avaldumisele, mitte nende piiratusele, mis oli keskajale omane. Õpetamine ja uurimine ei olnud enam ainult kiriku töö. Tekkisid uued koolid ja ülikoolid, tehti loodusteaduslikke ja meditsiinilisi katseid. Kunstnikud ja skulptorid püüdlesid oma töös loomulikkuse, maailma ja inimese realistliku taasloomise poole. Uuriti klassikalisi kujusid ja inimese anatoomiat. Kunstnikud hakkasid kasutama perspektiivi, loobudes tasapinnalistest piltidest. Kunstiobjektideks olid inimkeha, klassikalised ja kaasaegsed teemad, samuti religioossed teemad. Itaalias tekkisid kapitalistlikud suhted ja diplomaatia hakati kasutama linnriikide vahelistes suhetes vahendina. Teaduslikud ja tehnoloogilised avastused, nagu trükikunsti leiutamine, aitasid kaasa uute ideede levikule. Tasapisi võtsid uued ideed võimust kogu Euroopas.

(XIV-XVI/XVII sajand) ... see on suur panus kunsti Renessanss.TITAANID KÕRGRENESSANTS LEONARDO DA VINCIA lõpuks... tema ainulaadne panus ajastu Renessanss ja lõi oma meistriteosed. IN kultuur XV-XVI sajandil ...

Kultuur ajastu Renessanss Renessanss

Test >> Kultuur ja kunst

Inimene, kes teeb talle meeldivaks titaan, nad eraldasid selle... marmorkoopiast. TÄHENDUS KULTUURID VANUSED TAASTAMINE Seega, püüdes teada kultuur Renessanss, selle saladused... sõrmed on samuti üks meistriteosed Simone Martini. Selle ilu...

euroopalik kultuur ajastu Renessanss (2)

Loeng >> Kultuur ja kunst

Humanism. 3. Titaanid ajastu Renessanss. Titanism kui kultuurinähtus. 4. “Barokk” – kultuur luksus ja segadus... käsitöö, nii kirjanduses kui ka kunstilises loovuses. Klassikaline meistriteosed Leonardo, Michelangelo, Brunalleschi, Tizian, Raphael...

ajastu Renessanss (11)

Abstraktne >> Kultuur ja kunst

Aeg“ (F. Engels). Suurim meistriteos poeet, jäädvustas oma nime, ... keskaja arengu tulemus kultuur ja lähenemine uuele kultuur ajastu Renessanss. Usk maistesse asjadesse... kõlab viimase luuletuses titaan Renessanss, kirjutatud tema nimel...

Võrdlevad omadused põllukultuurid ajastud

Abstraktne >> Kultuur ja kunst

... ajastu Augustast sai 142. köide ajalooteos Tita Liibüa... Arvestatakse maailmu meistriteosed maailmas kultuur. Arhitektuuri- ja ehitusmälestised ajastu varane... linnakeskaeg kultuur. Nimi on tingimuslik: see ilmus aastal ajastu Renessanss ja see tähendas...

Vararenessanss (XIV-XV sajand) on Itaalia kunstis seotud eelkõige Firenzega, kus Medici patroneeris humaniste ja kõiki kunste. 15. sajandi alguses. Firenze koolkond on renessansiajastu humanistliku kunsti avangard. Siin asutati 1439. aastal Platoni Akadeemia, Laurentiuse raamatukogu ja Medici kunstikogud; töötavad kirjanikud, luuletajad, humanistid, teadlased.

Fra Filippo Lippi. Lapse kummardamine.

Reaalsuse tajumist kontrollib kogemus, eksperiment ja mõistus kontrollib. Siit ka renessansi kunstile nii iseloomulik korra ja mõõdutunde vaim. Kunstnike jaoks on suure tähtsusega geomeetria, matemaatika, anatoomia, inimkeha proportsioonide uurimine; Siis hakkavad nad hoolikalt uurima inimese struktuuri. Tekib uus kriteerium hinnangud ilule, mille aluseks on sarnasus loodusega ja proportsionaalsustunne. Kunstis pööratakse erilist tähelepanu vormide plastilisele läbitöötamisele ja joonistamisele. Soov mõista loodusseadusi viib inimfiguuri proportsioonide ja anatoomia uurimiseni. 15. sajandil Itaalia kunstnikud Nad lahendasid ka Trecento kunstis kerkinud sirgjoonelise perspektiivi probleemi.

Sel perioodil õpitakse teadlikult ja sihikindlalt antiikkunsti, antiikfilosoofiat ja kirjandust. Antiigi mõju on aga kihistunud keskaja sajanditepikkustele ja tugevatele traditsioonidele, kristlikule kunstile. Paganlikud ja kristlikud süžeed on läbi põimunud ja teisenenud, andes renessansikultuurile eriliselt keeruka iseloomu.

Vararenessansi arhitektuur.

Itaalia renessansiarhitektuuri rajaja oli Filippo Brunelleschi (1377-1446) – arhitekt, skulptor ja teadlane, üks loojatest. teaduslik teooria väljavaated. Brunelleschi suurim inseneritöö oli Firenze Santa Maria del Fiore katedraali kupli ehitamine. Tänu oma matemaatilisele ja tehnilisele geeniusele suutis Brunelleschi lahendada oma aja kõige raskema ülesande. Santa Maria del Fiore katedraali kuppel sai arvukate kuppelkirikute eelkäijaks Itaalias ja teistes Euroopa riikides.

Leon Battista Alberti. Sant'Andrea kabel Mantovas.

Brunelleschi oli üks esimesi Itaalia arhitektuuris, kes mõistis loovalt ja algselt tõlgendas iidset korrasüsteemi ning pani aluse iidse korra alusel kuplilise templi loomisele. Tõeline vararenessansi pärl oli Pazzi kabel, mille Brunelleschi lõi jõuka Firenze perekonna palvel (algatus 1429. aastal). Brunelleschi loomingulisuse humanism ja poeesia, tema hoonete harmooniline proportsionaalsus, kergus ja graatsilisus, mis säilitavad seosed gooti traditsioonidega, tema plaanide loominguline vabadus ja teaduslik paikapidavus määrasid Brunelleschi suure mõju renessansiarhitektuuri edasisele arengule.

Üks 15. sajandi Itaalia arhitektuuri peamisi saavutusi. oli uut tüüpi linnapaleede loomine, mis olid eeskujuks hilisemate aegade avalikele hoonetele. Itaalia paleesid nimetatakse palazzodeks (ladina sõnast palatium; see on koht venekeelne sõna"kambrid") 15. sajandi palazzo tunnused on hoone suletud mahu selge jaotus kolmeks korrusele, avatud sisehoov suviste põrandasaaridega, rustikatsiooni kasutamine, s.o. jämedalt ümara või kumera esipinnaga kivi, fassaadi katteks, samuti tugevalt väljavenitatud dekoratiivkarniis. Selle stiili ilmekas näide on Brunelleschi õpilase ja tema andeka järgija Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), Medici perekonna õukonnaarhitekti, Medici Palazzo Riccardi (1444-60) kapitaalehitus, mis oli eeskujuks paljude Firenze paleede ehitamine.

Vararenessansi skulptuur.

XV sajand Arhitektuurist sõltumatu iseseisva tähenduse omandanud Itaalia skulptuur õitseb. Kunstielu praktikasse hakkasid kuuluma jõukate käsitööliste ja kaupmeeste ringkondade tellimused avalike hoonete kaunistamiseks; toimuvad kunstivõistlused. Ühte neist võistlustest peetakse Firenze ristimiskoja (1401) teise põhjaukse pronksi valmistamiseks. märkimisväärne sündmus, kes avastas uus leht Itaalia renessansi skulptuuri ajaloos. Sellel konkursil osales Filippo Brunelleschi, kellest sai hiljem kuulus arhitekt. Võidu võttis aga Lorenzo Ghiberti (1381-1455). Üks kõige enam haritud inimesed oma ajastu esimene itaalia kunsti ajaloolane, geniaalne joonistaja, Ghiberti pühendas oma elu ühele skulptuuritüübile – reljeefile. Ghiberti pidas oma kunsti peamiseks printsiibiks pildi kõigi elementide tasakaalu ja harmooniat. Ghiberti loomingu tipuks olid Firenze ristimiskoja (1425-52) idapoolsed uksed, mis jäädvustasid meistri nime. Uste kaunistuses on kümme kullatud pronksist ruudukujulist kompositsiooni, mis meenutavad oma erakordse ekspressiivsusega maale.

ta oli 15. sajandi esimese poole üks suuremaid skulptoreid. oli Jacopo della Quercia (1374-1438), Ghiberti ja Donatello vanem kaasaegne. Tema paljude avastusterohke looming seisis justkui eraldi ühine tee mille järgi arenes välja renessansiaegne kunst. Quercia monumentaalsed reljeefid Bologna San Petronio kiriku peaportaalist (Aadama loomine) avaldasid Michelangelo kunstile märkimisväärset mõju.

Vararenessansi maalikunst.

Suur roll, mida Brunelleschi mängis vararenessansi arhitektuuris ja Donatello skulptuuris, kuulus maalikunstis Masacciole (1401-1428). Kuulus kunstiteadlane Whipper ütles: “Masaccio on üks iseseisvamaid ja järjekindlamaid geeniusi Euroopa maalikunsti ajaloos, uue realismi rajaja...” Giotto otsinguid jätkates murrab Masaccio julgelt keskaegseid kunstitraditsioone. aastal Firenze Santa Maria Novella kiriku jaoks loodud freskol "Kolmainsus" (1426-27). seinamaaling Masaccio kasutab täielikku perspektiivi. Firenze Santa Maria del Carmine kiriku Brancacci kabeli (1425–28) maalidel – oma lühikese eluea põhiloomingul – annab Masaccio piltidele enneolematu elulaadse veenvuse, rõhutab oma tegelaste kehalisust ja monumentaalsust, annab meisterlikult edasi piltide emotsionaalset seisundit ja psühholoogilist sügavust. Freskol “Paradiisist väljasaatmine” lahendab kunstnik alasti inimfiguuri kujutamise aja raskeima ülesande. Masaccio karmil ja julgel kunstil oli tohutu mõju renessansi kunstikultuurile, eriti Piero della Francesca ja Michelangelo loomingule.

Vararenessansi maalikunstis on eriline koht Leonardo da Vinci ja noore Michelangelo kaasaegsel Sandro Botticellil (1445-1510). Kasutati Botticelli peent kunsti koos stiliseerimise elementidega (s.o. kujutiste üldistamine tavapäraste tehnikate abil – värvi, kuju ja mahu lihtsustamine). suur edu haritud firenzelaste seas. Botticelli kunst, erinevalt enamikust vararenessansi meistritest, põhines isiklikul kogemusel. Paljude Botticelli loodud maalide hulgas on mitu maailma maalikunsti kauneimat loomingut (“Veenuse sünd”, “Kevad”). Erakordselt tundlik ja siiras Botticelli läbis raske ja traagilise loominguliste otsingute tee – alates poeetilisest maailmatunnetusest nooruses kuni müstika ja religioosse ülendamiseni täiskasvanueas.