Kunstikultuur 17. sajandil. Euroopa kunstikultuur 17. – 18. sajandil. 17. sajand osutus kunstikultuuri arengule üllatavalt soodsaks.docx

17. sajandil- mässuajastu Ivan Bolotnikovi, Stepan Razini ülestõus. Sool, Vask rahutused. "Hädade aeg" kuni 1613. aastani.

17. sajandil- kunsti aktiivne sekulariseerimine (surm). Religioosse printsiibi nõrgenemine.

Survetunde märgid:

1) Parsuna välimus (persoonist). See on üleminekužanr ikoonist portreele. Ikonograafilises stiilis portree.

Parsuna Ivan Julm

"Vürst Fjodor Ivanovitš"

2) Ikooni väärtus muutub. Uue maailmapildi järgi kannab ikoon endas rõõmsat, positiivset olemistunnet. Ikoon kaotab oma religioossed funktsioonid, omandades esteetilise funktsiooni väärtuse.

3) Ajaloolise proosa ja versifikatsiooni tekkimine. Esimene ajalooline raamat on Synoxis.

4) Teatri tekkimine. Teater on vaatemäng.

5) Laulude ilmumine, argilaulud. Need tulid meile Poolast, neid kutsuti kantychkideks, eriti levinud said nad 18. sajandil.

6) Tsiviilarhitektuuri tekkimine. Narõškini barokk. Moskva barokk XVII sajand.

Seal on kaks kunstikooli:

Stroganovskaja

Godunovskaja

Stroganovskaja kool oli uuendusmeelne.

Godunovskaja traditsiooniline. (Loovus Rubljov, Dionisy)

Vana kooli uuendused on püüda luua realistlikku maali. Traditsioonide muutmises, traditsioonide eitamises.

Kunstiajaloos nimetatakse seda vanade ja uute stiilide kombinatsioon.

17. sajandil lõpetas Vana-Venemaa kunsti. Ühtlasi sai sellest alguse ilmaliku kunsti ja ilmaliku maailmavaate kujunemine.

Sekulariseerumist mõjutas kiriku lõhenemine 17. sajandil (1653).

Vana kooli säravaim esindaja oli Procopius Chirin:

a) "Nikita sõdalane"

b) "Vladimiri Jumalaema"

c) Ristija Johannes

a) Ikoon, nihutatud vasakule, ilmalik dändi. Kõigi traditsioonide rikkumine.

b) Klambrid ja pildid Jumalaema elust.

Eriti kuulus oli relvalaomeister Simon Ušakov:

Ta sai tuntuks maalikunstnikuna, graafikuna, kunstiajaloolasena. Esimene kirjutas ikoonimaalist teoreetilise traktaadi, nõudes kujundeid nagu elus. Ta seisis realistliku maali alge juures.

- "Peaingel Miikael"

- "Päästja suur piiskop"

- "Kolmainsus" (maastik taustal)

- "Viimane õhtusöök"

Uusi koole luuakse provintsilinnades. Eriti kuulus on Jaroslavli kool ja meister Gury Nikitin. Ta püüdis ikoone maisele elule lähemale tuua.

Prohvet Eelija kirik "Ujutus", Brjullovi "Viimse päeva" ja "Aadam ja Eeva" prototüüp.

V 17. sajandil ehitatakse ümber suured kloostrid: Donskaja ja Novodevitšje Moskvas, Pokrovski, Päästja - Efimevski Suzdalis, Aleksejevski Uglitšis.

V 17. sajandil ehitati puitarhitektuuri meistriteoseid. Muutmise kirik Kizhis. Taevaminemise kirik Torzhokis.

Moskva Narõškini barokk.

Venemaale barokk tuli läbi Poola, 17. sajandi teisel poolel. Barokist on saanud Moskva jaoks euroopaliku mõtlemise sümbol.

Läänest Euroopa võtsime universumi polüfoonia, selle muutliku olemuse, mitmekülgsuse, musikaalsuse. Arvatakse, et 17. sajandi kodumaine barokk sarnaneb rohkem vesterniga Renessanss.

Moskva barokk kasutas lisaks Lääne-Euroopa traditsioonidele iidse vene puitarhitektuuri traditsioone.

- Moskva barokk suurepärane, monumentaalne, dekoratiivne. Sellel on kaks värvi, mis annab hoonetele piduliku ilme. Põhiline: valge, punane.

Moskva Petrovski kloostri kellatorn:

1) Kaks värvi

2) Veeru stiil

3) Aknakaunistused (väikesed mustrid)

Mitmetasandiline arhitektuur, iga järgmine tasand on eelmisest väiksem.

Novodevitši kloostri kellatorn.

Moskvas Donskaja tänaval asuv kirik:

Kasutage hip-arhitektuuri:

Päästja kirik Uborys (külas)

Peeter-Pauli katedraal Kaasanis

Suhharevi torn Moskvas (Illik hoone. Peetri all asus Navigatsioonikool. Stalini ajal hävis (tänavate õgvendamise käigus).

Teremi palee Kremlis (nagu mänguasi, teemantkatus)

Kolmainu kirik Ostankinos (Šeremetjevi teater-muuseum)

Taevaminemise kirik Arhangelskojes (värv muutub kollaseks, ümarad aknad)

Taevaminemise kirik Novodevitši kloostris (ülekoormus valgete detailidega)

Borisi ja Glebi ​​kirik Zyuzinos (kolme kupliga)

Dubrovitsõ kirik (Ukraina. Alumise astme skulptuur)

Sõdalase Johannese kirik Moskvas Yakimankal

Fili eestpalvekirik (renessanss)

Eluandva Kolmainu kirik Moskvas (viie kupliga, telkidega, kahevärviline)

Venemaa kunstikultuur XVIII sajandil.

Valgustusajastu. Jaotatud valitsemisperioodideks:

1) Petrovski kuni 1725. aastani.

2) Anna Ioannovna (10-aastane)

3) Elizaveta Petrovna (17-aastane)

4) Katariina II (34-aastane)

Barokkstiili areng => klassitsism => impeeriumi algus.

18. sajandil Venemaast saab Euroopa suurriik. Luuakse rahvuslik muusikakool: Bortnjanski, Khandoškin, Berezovski.

Luuakse esimene ilmalik avalik teater:

1750 Jaroslavlis

1756 Peterburis

Ilmaliku kultuuri ehitamine, välimus orkestrid, portreed, tsiviilarhitektuur.

Peetri tegevuse tähendus.

1) Välimus ajalehed, ajakirjad, tsiviiltüüpi.

2) Avamine muuseumid(Kunstkamera). Peeter oli esimene teejuht.

3) ehitatud linn Euroopa mastaabis on Venemaa võtnud uue arengutee.

4) Tutvustatakse rituaalid, Lääne-Euroopa kombed (selle eest süüdistati Peetrust rahvuslike traditsioonide rikkumises). 300 aastat kogemust Euroopas Venemaal meisterdatud 50 aastaks. Loodi "vene euroopalikkuse" fenomen (kombinatsioon omast ja võõrast).

5) Peeter andis naisele uus sotsiaalne staatus.

6) Peeter tegi vaba aeg euroopalik. Ta pidas balle, maskeraade, tantse: menuett, polonees.

7) Peeter toonud muusikariistad välismaalt. Ta vihkas Moskvat (taheti 14-aastaselt tappa, ta põgenes).

8) Peeter I tutvustas auhinnad ja karjääri väljaspool sotsiaalset staatust.

9) Tutvustas süsteemi pensionile jäämine(andekate koolitamine välismaal, riigi kulul).

Esimesed hooned: Peetruse ja Pauli kindlus, Peeter-Pauli katedraal (tornist kõrgemat polnud võimalik ehitada). Romanovite haud.

Petra puumaja

- Peeter I otsustas teha Peterburi sarnane Euroopa linnadega. Selleks tehti tänavatele otsene perspektiiv. Kogu elu allus korrale, regulaarsusele.

Üldplaan Peterburi ehitus arenenud Jean Baptiste Leblond. Juhtis kõiki töid Domenico Trezzini. Aitas Peeter Eropkin- Vene arhitekt, kes hukati konspiratiivse tegevuse eest.

Trezzini tööd:

Peetri suvepalee (tagasihoidlikult)

Peeter-Pauli katedraal (torniga)
- Aleksnadro - Nevski klooster

Kaheteistkümne kolleegiumi hoone (kõik ametnikud)

Peeter Eropkin. Õppis 8 aastat välismaal. Ehitas Strelnasse palee. Ta osales Aleksander Nevski Lavra katedraali ehitamisel. Avaldatud arhitektuur traktaat.

Petrovski katedraal- tagasihoidlik aknakaunistus, ümardamine. Tagasihoidlik kaunistus – varabarokk.

Lihtsus, tagasihoidlikkus, otstarbekus, rangus - Peetri nõudmine.

V keskaeg hakka tööle Carlo ja Bartolomeo Rastrelli. Isa on skulptor, Katariina II lemmik. Poeg on arhitekt.

Carlo Rastrelli teosed:

Menšikov – büst

Peeter I – büst

Peetri vahakuju

Peetruse monument

Anna Ioannovna koos araablasega

Bartolomeo Rastrelli töötas Elizabeth Petrovna korraldusel. Temalt tuli idee viia mõisaehituspõhimõte üle linnaplaneerimisse.

Bartalomeo Rastrelli teosed:

Vorontsovi palee (küps barokk)

Suur Katariina palee Tsarskoje Selos (kaunistuste rohkus)

Palee, pargiala, skulptuur - barokkansambel.

Valmis Peterburi palee. Viimistletud varase barokkstiilis

Talvepalee (kujud), sinine, kuldne, valge

Smolnõi klooster

Andrease kirik Kiievis

Merevaigutuba (Katariina palees)

Katariina palee suur saal. Aknad peegelduvad peeglitest. Ruumi suurenemine.

Peterburi palee tantsusaal.

Sissepääs Talvepaleesse

Stroganovi palee

18. sajandi esimesel poolel loodi esimene vene rahvuslik kunstikool.

Nikitin

Višnjakov

Matvejev

Ilmus esimene graveerija - Anton Zubov.

"Peterburi panoraam" (keskteos)

"Peetri värav"

"Võetud Rootsi laevad"

Ivan Nikitin.

seisis algul realistlik portree. Peetri lemmikkunstnik. Ta jättis Peeter I-st ​​mitu portreed.

Peetri parim portree:

"Portree medaljonis"

"Peeter I surivoodil"

Tuntuim teos oli:

"Põrandahetmani portree"

"Tseremooniaportree" (käskudega tumedal taustal)

"Anna Petrovna portree"

Elizabeth Petrovna portree

"Natalja Aleksejevna" (Peetri õde)

"Katariina I portree" (Peetri naine)

"Noore mehe portree"

17. sajand osutus kunstikultuuri arengule üllatavalt soodsaks. Loodusteaduste õnnestumised on oluliselt avardanud ja komplitseerinud arusaama maailmast kui piiritust, muutlikust ja vastuolulisest ühtsusest. Domineeris inimese lahutamatu side selle maailmaga, tema sõltuvus ümbritsevast reaalsusest, tema olemasolu tingimustest ja asjaoludest. Seetõttu ei saa kunstilise loovuse kandjaks mitte ainult inimene, vaid ka kogu reaalsuse mitmekesisus, selle keerulised seosed inimesega. Sellest lähtuvalt rikastusid kunstilise loovuse teemad, süžeerepertuaar, arenesid uued iseseisvad žanrid ja stiilid, arenesid ja süvenesid varasematel kultuuriajastutel kujunenud. 17. sajandil tekkisid peaaegu üheaegselt stiilid, millel oli rahvuslik iseloom ja mis hõlmasid erinevaid kunstiliike - klassitsismi ja barokki.

Töö sisaldab 1 faili

17. sajand osutus kunstikultuuri arengule üllatavalt soodsaks.docx

- 17,56 Kb (allalaadimine)

17. sajand osutus kunstikultuuri arengule üllatavalt soodsaks. Loodusteaduste õnnestumised on oluliselt avardanud ja komplitseerinud arusaama maailmast kui piiritust, muutlikust ja vastuolulisest ühtsusest. Valitses inimese lahutamatu side selle maailmaga, tema sõltuvus ümbritsevast reaalsusest, tema olemise tingimustest ja asjaoludest.

edevus. Seetõttu ei saa kunstilise loovuse kandjaks mitte ainult inimene, vaid ka kogu reaalsuse mitmekesisus, selle keerulised seosed inimesega. Sellest lähtuvalt rikastusid kunstilise loovuse teemad, süžeerepertuaar, arenesid uued iseseisvad žanrid ja stiilid, arenesid ja süvenesid varasematel kultuuriajastutel kujunenud. 17. sajandil tekkisid peaaegu üheaegselt stiilid, millel oli rahvuslik iseloom ja mis hõlmasid erinevaid kunstiliike - klassitsismi ja barokki.

Klassitsismi esindavad kirjanduses sellised nimed nagu P. Corneille, J. Racine, J. B. Molière (Prantsusmaa), D. Fonvizin (Venemaa); maalis - N. Poussin, K. Lauren (Prantsusmaa); skulptuuris - E. M. Falcone (Prantsusmaa), Thorvaldsen (Taani); arhitektuuris - J. A. Gabriel, K. N. Ledoux (Prantsusmaa); muusikas – K. V. Gluck, W. A. ​​Mozart (Austria).

Barokkstiili silmapaistvamad esindajad kirjanduses olid Calderon (Hispaania), D. Milton (Inglismaa); maalis - P. P. Rubens (sünd. Saksamaal), arhitektuuris - L. Bernini (Itaalia); muusikas - J. S. Bach, G. F. Händel (Saksamaa), A. Vivaldi (Itaalia).

18. sajandi Euroopa kunst ühendas kaks erinevat antagonistlikku printsiipi: klassitsismi ja romantismi. Klassitsism tähendas inimese allutamist sotsiaalsele süsteemile, arenev romantism püüdis maksimeerida individuaalse, isikliku printsiibi tugevnemist. 18. sajandi klassitsism muutus aga oluliselt võrreldes 17. sajandi klassitsismiga, jättes kõrvale mõnel juhul stiili ühe iseloomulikuma tunnuse - iidsed klassikalised vormid. Lisaks ei olnud romantismile võõras valgustusajastu "uus" klassitsism oma tuumas.

Oluline uus algus 18. sajandi kunstis oli suundumuste esilekerkimine, millel polnud oma. stilistiline vorm ja ei tundnud vajadust seda arendada. Selline suur kulturoloogiline suundumus oli eelkõige sentimentalism, peegeldab täielikult valgustusaegseid ideid inimloomuse algse puhtuse ja headuse kohta, mis on kadunud koos ühiskonna algse "loomuliku seisundiga", selle kaugusega loodusest. Sentimentalism oli suunatud eelkõige inimese sisemisele, isiklikule, intiimsele tunde- ja mõttemaailmale ega vajanud seetõttu erilist stiilikujundust. Sentimentalism on ülimalt lähedane romantismile, tema lauldava “loomuliku” inimese puhul kogeb paratamatult traagikat kokkupõrkest looduslike ja sotsiaalsete elementidega, elu endaga, mis valmistab ette suuri murranguid, mille ootus täidab kogu 18. sajandi kultuuri.

Valgustusajastu kultuuri üks olulisemaid omadusi on kunsti religioossete põhimõtete ilmalikega asendamise protsess. Ilmalik arhitektuur 18. sajandil on esimest korda ülimuslik kirikuarhitektuuri ees peaaegu kogu Euroopas. Ilmselgelt ilmaliku printsiibi tungimine nende riikide religioossesse maalikunsti, kus see varem suurt rolli mängis - Itaalia, Austria, Saksamaa. Žanrimaal, mis peegeldab kunstniku igapäevast vaatlust päris inimeste tegelikust elust, on levimas pea kõigis Euroopa riikides, püüdes kohati kunstis peamist kohta hõivata. Varem nii populaarne ametlik portree annab järele

intiimportree ning maastikumaalis tekib ja levib eri riikides nn “meeleolumaastik” (Watto, Gainsborough, Guardi).

XVIII sajandi maalikunsti iseloomulik tunnus on suurenenud tähelepanu visandile mitte ainult kunstnike endi, vaid ka kunstiteoste asjatundjate seas. Isiklik, individuaalne taju, meeleolu, mis kajastuvad sketšis, osutuvad mõnikord huvitavamaks ja põhjustavad suuremat emotsionaalset ja esteetilist mõju kui valmis töö. Joonistamist ja graveerimist hinnatakse rohkem kui maale, sest need loovad vaataja ja kunstniku vahel vahetuma sideme. Muutunud on ajastu maitsed ja nõuded ning nõuded värvi maalilised lõuendid. 18. sajandi kunstnike töödes tõhustatakse dekoratiivset värvimõistmist, pilt ei peaks mitte ainult midagi väljendama ja peegeldama, vaid ka kaunistama selle asukohta. Seetõttu püüdlevad kunstnikud koos pooltoonide peenuse ja värvide õrnusega mitmevärvilisuse ja ühtlase kirevuse poole.

Valgustusajastu puhtalt ilmaliku kultuuri produkt oli stiil "rokokoo", mis sai tarbekunsti vallas kõige täiuslikuma kehastuse. See väljendus ka teistes valdkondades, kus kunstnik peab lahendama dekoratiivseid ja kujunduslikke ülesandeid: arhitektuuris - interjööri planeerimisel ja kaunistamisel, maalikunstis - dekoratiivpaneelides, seinamaalingutes, sirmides jne. Rokokoo arhitektuur ja maal on keskendunud eelkõige loomisele. mugavust ja armu inimesele, kes mõtiskleb ja naudib oma loomingut. Väikesed ruumid ei tundu kitsad tänu “mänguruumi” illusioonile, mille on loonud arhitektid ja kunstnikud, kes kasutavad selleks oskuslikult erinevaid kunstilisi vahendeid: ornament, peeglid, paneelid, erivärvid jne. Uus stiil on saanud ennekõike vaeste majade stiil, milles ta paari nipiga tõi sisse hubasuse ja mugavuse vaimu, ilma rõhutatud luksuse ja pompoossuseta. XVIII sajand tutvustas paljusid majapidamistarbeid, mis toovad inimesele mugavust ja rahu, hoiatades tema soove, muutes need samal ajal ehtsa kunsti objektideks.

Valgustusajastu kultuuri võrdselt oluliseks aspektiks oli pöördumine kunstiliste vahendite poole, millega püüti tabada inimese aistinguid ja naudinguid (nii vaimseid kui ka kehalisi). Valgustusajastu suurimate mõtlejate (Voltaire, Helvetius) hulgas võib leida "galantseid stseene", kus protest tolleaegse püha moraali vastu areneb kohati kergemeelsuseks. Prantsusmaal hakkasid juba 18. sajandi algusest nii avalikkus kui ka kriitikud uuelt kunstilt nõudma eelkõige "meeldivat". Sellised nõuded esitati maalile, muusikale ja teatrile. "Meeldiv" tähendas nii "tundlikku" kui ka puhtalt sensuaalset. Voltaire’i kuulus lause "Kõik žanrid on head, välja arvatud igavad" peegeldab seda omaaegset nõuet kõige selgemini.

Kujutava kunsti tõmme meelelahutuse, narratiivi ja kirjanduse poole seletab selle lähenemist teatrile. 18. sajandit nimetatakse sageli "teatri kuldajastuks". Beaumarchaise, Sheridani, Fieldingi, Gozzi, Goldoni nimed moodustavad maailmadraama ajaloo ühe eredaima lehekülje.

Teater osutus lähedaseks ajastu vaimule. Elu ise läks talle vastu, pakkudes välja huvitavaid süžeesid ja konflikte, täites vanu vorme uue sisuga. Pole juhus, et just valgustusajastul sai kuulsast Veneetsia karnevalist mitte lihtsalt puhkus, vaid just nimelt eluviis, eluvorm.

Muusikal on 18. sajandil vaimsete väärtuste hierarhias oluline koht. Kui rokokoo kaunid kunstid püüavad ennekõike elu kaunistada, siis teater -

eksponeerida ja meelt lahutada, siis tabab valgustusajastu muusika inimese hinge kõige varjatumate nurkade analüüsi ulatuse ja sügavusega. Muutub ka suhtumine muusikasse, mis 17. sajandil oli vaid rakenduslik mõjuvahend nii ilmalikus kui ka religioosses kultuurisfääris. Prantsusmaal ja Itaalias puhkes sajandi teisel poolel õitsele uus ilmalik muusikavorm ooper. Saksamaal ja Austrias arenesid muusikateoste kõige "tõsisemad" vormid - oratoorium ja missa. Valgustusajastu muusikakultuuri saavutus on kahtlemata Bachi ja Mozarti looming.

Valgustusajastut iseloomustab iha seikluste, seikluste, reisimise järele, soov tungida teistsugusesse "kultuuri" ruumi. Ta leidis oma manifestatsiooni maagilistes ooperites koos paljude erakordsete transformatsioonidega, tragikomöödiates, muinasjuttudes jne.

Väljapaistev panus maailma kultuuriajalukku oli teaduste, kunstide ja käsitöö fundamentaalse entsüklopeedia väljaandmine. D. Diderot(1713-1784) ja D "Alamber. Entsüklopeedia süstematiseeris inimkonna olulisemad teadussaavutused ja kiitis heaks kultuuriväärtuste süsteemi, mis peegeldas tolle aja kõige edumeelsemaid vaateid.

Ta peegeldas endas täielikult aja märke, kogu selle keerukust ja ebajärjekindlust - filosoof, loodusteadlane, luuletaja ja prosaist - Voltaire. Voltaire'i üks sügavamaid ja teravamalt satiirilisi teoseid "Candide ehk Optimist" kajastas täielikult õppekirjanduse arengu üldsuundi.

Valgustusromantismi rajaja kirjanduses - J. J. Rousseau. Tema moraalsed ja esteetilised ideaalid kajastuvad täielikult kõige kuulsamas ja olulisemas romaanis "Uus Eloise". Veneluse järgijad olid Karamzin ("Vaene Lisa"), Goethe ("Noore Wertheri kannatused"), Chaderlo de Laclos ("Ohtlikud sidemed").

Valgustusajastu oli suur pöördepunkt Euroopa vaimses arengus, mis mõjutas peaaegu kõiki ühiskondlik-poliitilise ja kultuurielu valdkondi. Olles kummutanud vana klassiühiskonna poliitilised ja õigusnormid, esteetilised ja eetilised koodeksid, tegid valgustajad titaanliku töö positiivse väärtussüsteemi loomisel, mis oli suunatud eelkõige inimesele, sõltumata tema sotsiaalsest kuuluvusest ja mis orgaaniliselt sisenes liha ja eetikasse. lääne tsivilisatsiooni veri. Kul-134

18. sajandi tuuripärand hämmastab siiani oma erakordse mitmekesisuse, žanri- ja stiilirikkuse, inimlike kirgede mõistmise sügavuse, suure optimismi ning usuga inimesesse ja tema mõistusesse.

I. Vene kunst ja arhitektuur 17. sajandil.

1. Vene maalikunsti areng 17. sajandil.

17. sajandi vene maalikunsti arengus põrkuvad kaks suundumust. Ühelt poolt olid maalikunstis endiselt tugevad kaanoni traditsioonid, visalt püüti traditsioone puutumatuks muuta. Teisest küljest oli 17. sajandil tunda soov välja murda iganenud traditsioonide surve alt, Lääne-Euroopa traditsioonid hakkasid tungima, kirik muutus maiseks.

Kirikulõhe süvendas veelgi 17. sajandi kultuuriarengu vastuolusid. Vaidlused skismaatikute ja ametliku kiriku vahel kunstiväljal võtsid kahe esteetilise vaate võitluse vormi. Uue toetajad püüdsid tagada, et ikoon oleks ennekõike ilus, asendades seeläbi jumaliku mõiste ilu mõistega. Esiplaanile tulevad maalikunsti hindamise esteetilised kriteeriumid. Üha märgatavamad on katsed kunsti reaalsusele lähemale tuua. Traditsioonide kaitsjad, vastupidi, kaitsesid oma suhtumist ikooni igal võimalikul viisil kui kummardamisobjekti, mille iga tunnus ja isegi ikoonitahvel ise on püha. Religioossel kunstil polnud nende ideede järgi mingit seost tegelikkusega, tegelikkusega. Nii et näiteks pühakute näod ei saa olla sarnased tavainimeste nägudega.

Maalikoolid.

17. sajandi esimese poole maalikunstis domineerib kaks suunda. Jätkub ikoonimaalimise traditsioon, mis on keskendunud mineviku suurte meistrite: Andrei Rubljovi ja Dionysiuse pildilise maneeri kordamisele - nn. "Godunovskaja" kool , 16. sajandi lõpul kujunenud, mille esindajad töötasid kuningliku õukonna korraldusel ja esindasid seega kunsti “ametlikku” suunda. Godunovi ikonograafid pärisid mineviku monumentaalsed traditsioonid, järgisid rangelt ikonograafilisi kaanoneid, püüdes taaselustada iidse vene kunsti hääbuvat vaimu. Sellegipoolest on "Godunovi" koolkonna töödes märgata soovi esemete materiaalsust edasi anda, kuigi selles suunas tehakse alles esimesi samme.

Samal ajal on tekkimas uus kunstinähtus - "stroganovi" kool , mis sai oma nime kaupmeeste Stroganovite järgi, kes omasid tohutut rahalist rikkust ja tegutsesid patroonide-klientidena. Kooliga külgnesid mitte ainult Stroganovi ikoonimaalijad, vaid ka Moskva, kuninglikud ja patriarhaalsed meistrid. "Stroganovi" ikoon on väikese suurusega, mitte niivõrd palvepilt kui hinnaline miniatuur, mida eristab dekoratiivne efekt ja mis on mõeldud kunstitundjatele. Seda iseloomustab hoolikas, väga väike kiri, virtuoosne joonistus, rikkalik ornamentika, kulla ja hõbeda rohkus. "Stroganovi" meistrite teene seisneb selles, et esimest korda iidse vene maalikunsti ajaloos avastasid nad maastiku ilu ja poeesia.

Simon Fjodorovitš Ušakov.

17. sajandi keskel sai Relvakambrist mitte ainult Moskva, vaid kogu riigi kunstikeskus. Siia on koondunud parimad kunstijõud. Esimest korda hakkasid siia kutsutud välismaalased ja seejärel vene meistrid maalima portreesid tsaarist, patriarhist ja tsaari lähedastest bojaaridest. Kõiki relvasaalis olevaid maale juhtis kuninglik meister Simon Ušakov , kellest saab 17. sajandi teise poole kunsti üks keskseid tegelasi. Ušakov oli uue ajastu mees, uut tüüpi mõtleja ja looja. Ta loobus Bütsantsi kunstist pärit tasapinnaliste, kehatute kujutiste kujutamise traditsioonist ning püüdis anda kujutisele sarnasust päriseluga, saavutada „elavat sarnasust“ ning nõudis maalijatelt tõetruu, realistlikku kujundit.

Juba esimestest iseseisva loomeaastatest peale oli Ušakovi huvi inimese näo kujutamise vastu kindlaks määratud. Tema lemmikteema on Päästja pole kätega tehtud. Kunstnik püüdis vabaneda ikoonimaalipildi konventsionaalsetest kaanonitest ja saavutada lihavärvi jume, selle volüüm ja peaaegu klassikaline tunnusjoonte korrapärasus. Seega võib ta tahtmatult muuta traditsioonilise jumalapildi inimlikuks. 1668. aastal maalis Ušakov Vladimiri Jumalaema ikooni, mis kannab nime "Vene riigi puu istutamine". Seda ikooni võib pidada pildiks Venemaa riikluse võidukäigust. Selle alumises osas on kujutatud Moskva Kremli müüri, selle taga Vene riigi peamist pühamu Taevaminemise katedraali. Katedraali jalamile istutavad Vene riigi puud Vene maade koguja vürst Ivan Kalita ja metropoliit Peeter, kes viis metropoliitvaagna esimesena Vladimirist Moskvasse. Okstel on medaljonid Vana-Venemaa olulisemate poliitiliste tegelaste portreedega. Keskses medaljonis on Moskva patronessina austatud Vladimiri Jumalaema ikoon.

Parsimine.

Tulevase ajastu kunsti kuulutajaks oli puhtalt ilmaliku žanri - portree - tekkimine. Neid kutsuti parserid (moonutatud sõnast "persona" - isiksus). Žanr tekkis 16. ja 17. sajandi vahetusel. Ivan IV pildid, Prints M.V. Skopin-Shuiskyümberkujundamise meetodi järgi on nad endiselt ikooni lähedal, kuid neil on juba teatav portree sarnasus. Muutusi on ka pildi keeles. Kogu vormi, staatilise, lokaalsuse naiivsuse juures on juba, ehkki pelglik, katse valguse ja varju modelleerida. 17. sajandi keskel valmistasid mõned parsunad välismaiste kunstnike poolt. Eeldatakse, et hollandlase pintslid Wuchters kuulub patriarh Nikoni portree koos vaimulikkonnaga. Korrapidaja V. Ljutkini pastorid, L. Narõškina 17. sajandi lõppu võib nimetada juba täisväärtuslikeks portreedeks.

Freskomaaling.

17. sajandi freskoansamblites katavad freskod seinu ja sambaid ühe pideva mustriga, milles žanristseenid on läbi põimunud keeruka ornamentikaga. Ornament katab arhitektuuri, inimeste figuurid, nende kostüümid, maastikulised taustad kasvavad välja ornamentaalsetest rütmidest. Dekorativism on 17. sajandi freskomaali üks eristavaid tunnuseid. Teiseks tunnuseks on pidulikkus ja pidev huvi inimese vastu tema igapäevaelus, rõhk Pühakirja süžeedes looduse ilule, inimtööle, see tähendab elule kogu selle mitmekesisuses. Sellistel freskodel muutuvad pühakirjastseenid sageli põnevaks looks, milles ilmalikud hetked domineerivad sageli otseselt religioosse sisu üle. Sellise värvimise näide on Jaroslavli prohvet Eelija kiriku freskoansambel , mille maalis 1681. aastal relvakoja meister Gury Nikitin oma artelliga. Kiriku seinamaalingutel on läbivaks teemaks põnev lugu kaunist maailmast, milles ei ela ja tegutsevad mitte niivõrd askeetlikult meelestatud pühakud kui tavalised surelikud inimesed. See väljendus kunstniku eelsoodumuses kujutada nägusat meest, keda ümbritseb sama ilus maastik ja rikkalik arhitektuur.

Nii kujuneb 17. sajandil enam-vähem selgelt välja arusaam, et maali ülesandeks on tegelikkuse peegeldamine. 17. sajandil hakati kunstis rääkima lihtsast, "maisest" inimesest. Kuid hajusad realistlikud vaatlused ei ole veel moodustanud uut loomemeetodit tervikuna, kunstniku uut lähenemist tegelikkusele. See oli järgmise sajandi kunsti ajalooline ülesanne.

Vene maalikunsti areng 17. sajandil

2. Vene arhitektuuri mälestised XVII sajandil.

XVII algus sajandit iseloomustasid mured. Riigi majandus lagunes: talupoegade põllud kasvasid võsa, linnades olid paljud käsitöölised sunnitud oma käsitööst loobuma. Seetõttu kuni 20. a. 17. sajandil Moskvas ehitust ei toimunud. Kui uus tsaar Mihhail Romanov otsustas lõplikku võitu välismaalaste üle mälestada oma Rubtsovo valdusse templi püstitamisega, osutus hoone massiivseks, lihtsaks ja karmiks – justkui oleks kiviraidurid unustanud, kuidas oma lihtsaid tööriistu käes hoida.

Alles 30ndatel. 17. sajandil Vene arhitektuur on astunud uuele arenguteele. Oluline verstapost sellel teel oli Moskva Kolmainu kirik Nikitnikis , mis asub jõuka kaupmehe Grigori Nikitnikovi õuel. See on väike – kaupmees koos perega ei vajanud suurt templit –, kuid elegantne. Telliseinte punasel taustal paistavad silma valgest kivist detailid: keerukad arhitraadid, fassaade poolitavad paarisambad ja nikerdatud karniisid. Ülaosas asetatakse üksteise peale teravate kokoshnikute read, mis annavad templi ülaosale sarnasuse seedrikoonusega; Kokoshnikel on viis kuplit, pealegi hele, akendega, ainult keskmine ja küljekuplid on lihtsalt ilu pärast lisatud. Kirikus on kaks iseseisvat väikest templit, samuti galerii, veranda ja kellatorn. Varem selliseid kellatorne ei ehitatud: selle kõrge oktaeedri (oktaeedri) kohale pandi telk ja telgile tehti aknad. Neid aknaid nimetatakse kuulujuttudeks. Neid on vaja selleks, et kellahelin telgi katuse all ei vaibuks, vaid läheks õue.

Kõik varasemad Venemaa kirikud näevad ülevalt karmid välja. Nikitniki Kolmainu kirik, vastupidi, rabab oma ebatavalise elavuse, mitmekesisusega ja näib olevat Moskva kommertsliku Kitai-Gorodi lärmaka elu produkt. Kõik selle osad on seatud asümmeetriliselt; kõik näib kasvavat, liikuvat, arenevat meie silme all. Kirikus on hubane. Selles puuduvad sambad, suurtest akendest voolab palju valgust ning ruum lamab kergelt ja rahulikult. Värvilised seinamaalingud katavad seinu tugeva vaibaga. Inimesed tulid siia palvetama mitte selle jumala poole, keda nad kartsid, vaid selle poole, kes aitas inimest tema maistes igapäevaasjades. See rõõmus arhitektuur ei tõsta, aga teisalt ei hirmuta ka inimese südant.

XVII sajandi keskpaigaks. Venemaa on raskuste aja tagajärgedest täielikult toibunud. Tööstus ja kaubandus hakkasid aktiivselt arenema. Jaroslavl oli tollal nii elanike arvult kui ka tööstuskaupadelt Moskva järel teisel kohal. Jaroslavli kaupmehed, vennad Skripinid, kogusid karusnahakaubanduses tohutut kapitali ja said peaaegu tsaarist rikkamaks. Kui Mihhail Fedorovitš raha vajas, pöördus ta Skripinide poole, kellest said justkui kuninglikud pankurid. Ja tänuks laenude eest kinkis kuningas vendadele imelise reliikvia - osa Kristuse rüüst (riietest). Vennad otsustasid väljendada oma tänu Jumalale suure templi ehitamisega. Prohvet Eelija kirik Jaroslavlis (1647 - 1650) ei jää oma suuruselt palju alla Moskva Kremli katedraalidele. Ja see püstitati mitte väljakule ega isegi mitte tänavale, vaid ainult Skripinski hoovi elamute ja laoruumide vahele, nagu Moskva Kolmainu kirik - Nikitnikovi hoovi.

Laialt levinud "mustrilise" mood ei meeldinud kõigile vaimulike esindajatele. Patriarh Nikon keelas telkkirikute ehitamise ja üritas Venemaa pinnale ehitada Moskva lähedal asuvasse Uus-Jeruusalemma kloostrisse Jeruusalemma Ülestõusmise ja Püha Haua kiriku koopiat. Nikon ise aga ei pidanud kaua valitsema. Tsaar ei olnud rahul patriarhi nõuetega riigi kõrgeimale võimule. Lõhe Nikoni ja Aleksei Mihhailovitši vahel viis patriarhi pagenduseni ja deponeerimiseni. Ja mustriline arhitektuur jätkas oma võidukat marssi üle riigi.

17. sajandil ehitati enneolematus mahus paleesid, administratiivhooneid, elamuid, külalistehoove. Nende arhitektuurne välimus ei peegeldanud mitte ainult arhitektide soovi järgida mineviku parimaid traditsioone, vaid ka soovi luua täiesti uut tüüpi hooneid, arendada uut stiili.

Moskva Kremli Teremi palee 1635-1636 ehitatud 1635-1636, oma suuruse, suurejoonelise dekoori hiilgusega näis olevat väljakutse eelmise sajandi ehitustraditsioonidele. Traditsiooniline astmeline mahtude vaheldumine, kõrvalhoonete maaliline asümmeetria, teravatipulised katusekatted on siin ühendatud uue stiili elementidega - sümmeetria ja korrapärasus. Pilastrite ja aknaavadega ühtlaselt poolitatud fassaadid loovad selge rütmi, lilleornamentidega kaunistatud aknaliistud, aga ka plaatidega reljeefsed labad ja karniisid annavad neile sära ja elegantsi. Teremi palee arhitektuur oli oma ajast mitukümmend aastat ees ja mõjutas Kremli teiste hoonete ehitamist.

XVII sajandi vene arhitektuuri ainulaadne looming. oli puidust palee Moskva lähedal Kolomenskoje külas , ehitatud aastatel 1667-1669. See koosnes keldritesse (majandusliku tähtsusega alumised korrused) paigutatud mitmeraamilistest kooridest. Elamute eesruumide fassaadid olid rikkalikult kaunistatud nikerdatud arhitraadide ja mitmesuguste telkide, tünnide, kuup- ja viilkatuste näol. Piduliku mulje jätsid palkmajade maaliline kompositsioon koos verandaga ja detailide särav toonimine. Välismaalase J. Reitenfelsi sõnul meenutas palee "äsja ümbrisest välja võetud juveeli". Päris palee Kolomenskojes pole säilinud (see lammutati lagunemise tõttu 18. sajandil), kuid selle välimusest sai aimu tänu joonistele ja makettidele. 21. sajandi alguses ilmus Kolomenskojesse kuulsa palee rekonstrueerimine.

Erinevat tüüpi tsiviilehitiste hulka kuulusid ka elamud, hoovid, kloostrite kambrid ja söögimajad, laokambrid, tornid ja pidulikud väravad, erinevad administratiivhooned - väikestest võlvkambritest kuni majesteetliku Suhharevi tornini (17. sajandi lõpp). Mitte ainult suurtes linnades, vaid ka osariigi äärealadel lõid Vene arhitektid ehtsaid tsiviilarhitektuuri meistriteoseid.

XVII lõpus sajandil Moskva äärelinnas Fili külas andis noore tsaari Peetri sugulane Lev Kirillovitš Narõškini korralduse ehitada kirik. Suurt hoonet Narõškin ei vajanud, sest kirik oli mõeldud tema perele, kuid ta soovis, et hoone oleks kõrge ja esinduslik. Eestpalve kirik Fili külas - uus tüüp Venemaale, mis tuli Ukrainast. Selle alus on kuubik (chetverik). Igast küljest külgnevad kuubikuga poolringikujulised äärised, nii et kiriku plaan näeb välja nagu nelja kroonlehega lill. Kuubi peale asetatakse lai oktaeeder (oktaeeder), sellele asetatakse teine ​​kitsam; avadega kellade jaoks ja kolmanda peal - oktaeedriline peapõhi Hoone osutus kõrgeks, tugevaks, kuid see ei tormanud ülespoole, nagu taevasse sihitud oda, vaid tõusis pidulikult ja sujuvalt. Käsitöölised ei säästnud kaunistuseks valget kivi: aknaid raamivad keerukad plaatribad, nurkades sirutuvad sambad ja hoone iga tasand lõppeb valget kivivahtu meenutavate harjadega - “kukeharjadega”. Uus arhitektuurne dekoor muutus sarnaseks Lääne-Euroopas moes olevaga; see pole enam endine muster, vaid tulevaste muutuste eelaimdus. Valge kivi ja punane telliskivi näevad taeva taustal elegantsed välja, olles ümbritsetud suvel rohelise lehestikuga või talvel valge lumega. Seda arhitektuuri nimetasid teadlased Moskva ehk Narõškin, barokk.

Narõškini hoonetel on hämmastav orgaanilisus, terviklikkus ja kunstiline täiuslikkus. Neist sai sild vana ja uue, Bütsantsi ja eurooplase vahel, tsaar Aleksei Mihhailovitši Moskva ja tema poja keiser Peeter Suure Põhja-Palmyra vahel.

17. sajandi vene arhitektuur

17. sajandi vene arhitektuur

II. 18. sajandi vene kunst.

Peetri läbiviidud reformid ma mõjutas Venemaal mitte ainult juhtimist, armeed ja majandust, vaid ka kunsti. Esimese Vene keisri eesmärk oli viia vene kunst samale tasemele Euroopa kunstiga, ümbritseda õu arhitektide, kunstnike, skulptoritega ning edendada valgustatud avalikkuses huvi levikut "kunsti" vastu. Nii Peeter kui ka tema pärijad Venemaa troonil 18. sajandil uskusid, et arhitektuur, skulptuur ja maalikunst peaksid ülistama Vene riigi jõudu, võite ja muid saavutusi, levitama valgustust ja vagadust.

Seitsmeteistkümnendal sajandil hakkas keskaegne Venemaa järk-järgult arenema moodsaks riigiks. XVIII sajandil, vaid kahe aastakümnega, muutub vene kunst religioossest ilmalikuks, omandades uusi stiile (barokk, sajandi teisel poolel - klassitsism), žanreid (näiteks maalikunsti portree, maastik ja natüürmort) ja teemad (mütoloogilised, ajaloolised). Sajandi alguses õppisid kümned andekad noored välismaal kunste, välismaistest meistridest said Venemaal õpetajad. Sajandi keskel - teisel poolel alustab tööd Kunstiakadeemia, kus saab juba praegu õppida kaasmaalastelt ja töötada välismaalastega võrdsetel alustel. Sajandi lõpuks ilmub vene kunst uuenenud kujul, kus on palju kunstikogusid, mis oma suuruse ja kvaliteedi poolest ei jäänud alla Euroopa vanimatele kogudele.

1. Peeter Suure baroki arhitektuur (18. sajandi esimene veerand).

Tuginedes Venemaa rikkalikule arhitektuuripärandile ja maailmaarhitektuuri teooriale, suutsid 18. sajandi esimese veerandi arhitektid luua palju uhkeid ehitisi ja mis kõige tähtsam, panna aluse uuele vene arhitektuurikoolile.

Esimesed hooned, mis selgelt ühendasid vene ja lääne traditsioone, ilmusid Moskvasse 17. sajandi lõpus. Üks neist oli kuulus Sukharevskaja (Sukhareva) torn ehitas arhitekt Mihhail Choglokov. Torn sai oma nime Lavrenti Sukharevi auks, kelle rügement kaitses 17. sajandi lõpus Peetrust konflikti ajal Tsarevna Sofiaga. Tänutäheks käskis kuningas ehitada vana värava kohale uue kivivärava koos kellaga. Hiljem asus selle värava hoones kuulus Navigatsioonikool ja Venemaa esimene observatoorium. Kahjuks võeti 1934. aastal torn lahti. "liiklust seganud." Selle taastamise projekte pole veel ellu viidud. Aga säilinud Menšikovi torn - Peaingel Gabrieli kirik. Tempel ehitati 1707. aastal Aleksander Menšikovi käsul. Autor on Ivan Zarudny. Kompositsiooni aluseks on mahukas ja kõrge barokne kellatorn.

18. sajandi teisel kümnendil Peterburist saab Venemaa arhitektuuri arengu keskus. Põhjasõja ajal tagasivõetud maade kaitseks kindluseks rajatud Peterburi meeldis Peterburile kohe ma , kellele vana Moskva ei meeldinud ja unistas luua siia "paradiis" - ideaalne täiuslik linn. Pärast võitu Poltaavas otsustab tsaar Venemaa pealinna siia kolida. Siia on kutsutud parimad välisarhitektid, kes esimest korda Venemaa ajaloos koostavad ehitusplaane (Lebloni, Trezzini plaanid). Peamised läbiteed olid Neeva oma arvukate harude, kanalite ja lisajõgedega ning kaevatud kanalitega, nagu Amsterdamis. Sildu ei ehitatud teadlikult selleks, et harjuda peterburlasi veeelemendiga. Suurt tähelepanu pöörati linna välimusele ja kaunistamisele: majad ehitati "punasele joonele", tänavad olid sirged ja laiad, enamasti asfalteeritud, enne kui paljudes Euroopa pealinnades ilmusid tänavavalgustid. Töötati välja majade näidisprojektid erinevatele kodanike kategooriatele; omanikel oli kohustus hoida kohalikku piirkonda puhtana. Kogu Venemaal keelati isegi kiviehitus, et uus pealinn saaks kiiresti oma hiilguse üles leida. Võite ette kujutada Petrovski Peterburi välimust vanade gravüüride, säilinud monumentide, Admiralteiski, Vassiljevski saarte ja Petrogradi külje tänavate paigutuse järgi. Sellest ajast on säilinud keskuse eriline ilme, kus laia jõge raamivad hoolitsetud muldkehad ühtlaste majaridadega ning kõrghoone dominandid muudavad tasase maastiku maaliliseks.

Kaheteistkümne kolleegiumi hoone Vassiljevski saarel oli ette nähtud senat, sinod ja kolleegiumid - Venemaa kõrgeimad valitsusorganid, mille asutas Peeter I. Vassiljevski saare tsaar Strelka plaani kohaselt pidi sellest saama linna esikeskus. , mille pidi läänest sulgema grandioosne hoone. Seetõttu on Kaheteistkümne Kolledži piklik hoone oma otsafassaadiga Neeva poole ja jaguneb iseseisvateks, kuid suuruselt identseteks kolmekorruselisteks hooneteks. 18. sajandil kaeti iga hoone eraldi katusega ja sellel oli oma sissepääs. Kõik need ühendati üheks sirgjooneliseks kompositsiooniks (kogupikkus - umbes 400 meetrit). Fassaadid on identselt töödeldud Petrine baroki vaimus. Need olid värvitud oranžikaspunaseks, mille taustal paistsid reljeefselt silma valged pilastrid, labad ja aknaraamid. Hoone planeering on sümboolne: see peegeldab iga kolleegiumi iseseisvust ja rõhutab samas nende ühisust riigiprobleemide lahendamisel. Pärast Peetri surma ma muutunud on hoone otstarve ja Vassiljevski saare roll tervikuna. Põhjamaise ilmastiku ja üleujutuste tõttu oli saar sageli linna peamistest piirkondadest ära lõigatud. Seetõttu sai 1737. aastal Anna Ioannovna juhtimisel kinnitatud uue plaani järgi Admiraliteedi pool Peterburi keskuseks, millel asusid asuma kõrgeimad valitsusasutused. Kaheteistkümne kolleegiumi hoone oli osaliselt tühi. 19. sajandil anti osa Kaheteistkümne Kolledži hoone ruumidest Pedagoogilise Peainstituudi, seejärel Peterburi Ülikooli valdusse, millega seoses see osaliselt ümber ehitati.

Kaheteistkümne kolleegiumi hoone arhitekt Domenico Trezzini (u. 1670 - 1734) oli üks edukamaid ja viljakamaid Peterburis töötanud käsitöölisi. Trezzinist endast teame väga vähe: päritolult itaallane, ta sai hea hariduse, tuli Venemaale Venemaa liitlase Taani pealinnast Kopenhaagenist. See tähendab, et ta tundis juba põhjabarokki stiili, katoliku baroki vaoshoitumat varianti. Peetrile meeldis see stiil pärast Hollandi reisi. Domenico Trezzinist sai Peterburi peaarhitekt. Tema projektide järgi rajati Kroonlinn ja Aleksander Nevski lavra, 1706. aastal alustati Peeter-Pauli kindluse kivist ülesehitamist, lõpetati osa Vassiljevski saare regulaarsest planeerimisest ning suvepalee Peeter I suveaias, Petrovski väravad ja Peeter-Pauli katedraal Peeter-Pauli kindlus, Galernaja sadam ja suur hulk teisi hooneid, mis pole säilinud (näiteks Gostiny Dvor, 2. Talvepalee); just tema töötas välja eraelamute tüüpprojektid. Trezzini hooneid eristab range geomeetria ja plaanide "regulaarsus", dekoori ja dekoratsiooni tagasihoidlikkus, üksikute tellimuselementide kombinatsioon barokkdetailidega. Kõiki hooneid kaunistavad graatsiliste kapiteelidega lamedad pilastrid, tõmmatud karniisid, rustikatsioon, "kõrvadega" raamiarhitraadid, kõrged hollandi katused "pausiga" ja elegantne kahetooniline koloriit.

Peeter-Pauli katedraal ja näeb nüüd õigeusu kiriku jaoks ebatavaline välja. Hoones ei domineeri mitte kuppel, vaid mitmekorruselise kellatorni terav torn. Tavalist altariapsi pole. Seintesse on tehtud tohutud aknad, mis koos kunstmarmorist maalitud seinte, luksuslike lühtrite ja särava kullast nikerdatud triumfikaarekujulise ikonostaasiga (meister Ivan Zarudnõi) meenutavad palee interjööri. Peeter-Pauli katedraal on tüüpiline näide Peeter Suure barokkstiilis ehitatud kirikust.

Teised Peterburi märkimisväärsed ehitised, mis on säilinud tänapäevani, on Menšikovi palee (D. Fontana, I. Shedel), Kunstkamera hoone (G. Mattarnovi, N. Gerbel, G. Chiaveri ja M. Zemtsov), Sampsoni katedraal , Peetri palee II ja mõned teised.

Peeter Suure baroki arhitektuur

2. Suurejoonelise vene (Elizabeth) baroki ajastu arhitektuur (18. sajandi keskpaik).

18. sajandi keskpaigaks. barokkkunst Venemaal saavutas haripunkti. Arhitektuuri eredaim looming koondus osariigi uude pealinna - Peterburi. Linnas töötanud käsitööliste hulgas paistis silma oma ande ja töökuse poolest Bartolomeo Francesco (Barfolomey Varfolomejevitš) Rastrelli.

Francesco Bartolomeo Rastrelli sündis 1700. aastal Pariisis. 1716. aastal saabus ta koos oma isa, skulptor Bartolomeo Carlo Rastrelliga Peterburi, kus asus tööle juba järgmisel päeval. Algul aitas ta isa, seejärel läks ta Prantsusmaale, kus lõpetas õpingud. Ta naasis Venemaale, sai iseseisvaks meistriks ja töötas eranditult meie riigis.

Rastrelli oli Vene õukonna teenistuses 48 aastat ja lõi uhkeid paleesid, häärbereid, religioosseid hooneid, mille hulgas hämmastab arhitektuursete lahenduste julgus ja mastaapsus. Krahv Vorontsovi palee Sadovaja tänaval (1749), Suur palee Peterhofis (1747 - 1752), Krahvide Stroganovite palee Nevskil (1753), Smolnõi klooster (1748 - 1754), Katariina palee Tsarskoje Selos (1752) -1757 ja suurim looming Talvepalee (1754–1762) . Rohkem kui 20 aastat oli Rastrelli valitsuse kogu arhitektuuritegevuse ametlik juht ja kujundas Venemaa uue pealinna - Peterburi - ilme.

Francesco Bartolomeo Rastrelli üks parimaid teoseid - Smolnõi (Novodevitši ülestõusmise) klooster tellis arhitektile keisrinna Elizaveta Petrovna. Vene traditsioonilised viis kuplit, mis on kehastatud keerukates barokkvormides, sulandusid siin orgaaniliselt katedraalihoone põhimahuga. Sibulakupliga kroonitud kõrge kahekõrgune peakuppel on neljast küljest ümbritsetud kõrgete külgtornidega. Sambakobaratega kaunistatud selged seinaäärised, erineva kujuga frontoonid, voluutide lokid, üleulatuvad karniisid loovad hämmastava valguse ja varju mängu. Valged detailid seinte taevasinisel taustal, kullastuste rohkus rõhutavad hoone suurepäraselt leitud vormide ja proportsioonide tasakaalu. Võrdse otsaga risti kujuga katedraal näeb igast küljest ühtmoodi hea välja. Katedraali ehitamine venis ja keisrinna Elizabethi surma ajaks ei jõutud kunagi lõpule. Arhitekt V.P. Stasov, lõpetades kloostri ehitust aastatel 1832-1835, loobus luksuslikust barokkdekoorist ja andis siseviimistlusele karmima iseloomu, vastupidiselt F. B. plaanile. Rastrelli.

Aastatel 1746-1755 töötas arhitekt Peterhofi ansambli loomisel. Suur Peterhofi palee avarast avatud fuajeest avaneb vaade Ülemise aiale, mööda maad kulgevale teele. Palee peafassaad on mere poole. Pargi purskkaevudega boksidest viivad laiad terrassid katuseharja tippu, kuhu palee püstitati. Palee kõrgub terrasside kohal, püüdes maapinnast lahti saada. Uus hoone ulatus ligi 300 meetri pikkuseks. Meresinine, purskkaevude jugade kahin, palee türkiissinised seinad taeva taustal, katuse valge sära, päikese käes sädelevate nikerdatud kaunistuste kuldamine - kõik sulandub ühtseks ansambliks. Ja igal juhul sisekujunduse hämmastav luksus koos peeglite, kullatud nikerduste ja dekoratiivse maaliga. Tuntud kunstiajaloolane ja 20. sajandi kunstnik Alexander Benois kirjutas Rastrelli loomingut imetledes: "Peterhof sündis justkui merevahust. Peterhof on merede kuninga residents."

Talvepalee - Rastrelli kõige säravam looming, tema arhitektuur on tõeline hümn vene baroki ajastu auks. Kontuurilt keerukas struktuur lähenes plaanilt suletud sisehooviga ruudu kujule. Neeva kaldapealsele avanev fassaad oli mõeldud eemalt vaatamiseks, vastaspoolne lõunafassaad on suunatud Paleeväljaku esisele, linna poole.

Palee oli oma suuruse poolest silmatorkav. Sellel oli rohkem kui 1050 eraldi tuba ja tuba, 1886 ust, 1945 akent ja 177 treppi. Ükski fassaad ei kordanud teist, nende kujunduses ei tundunud autori fantaasia piirid tundvat. Sammaste keerukas rütm, arhitraavide vormirikkus ja mitmekesisus, krohvdetailide rohkus, paljud dekoratiivsed vaasid ja kujud, mis paiknevad parapeti kohal ja arvukate frontoonide kohal, loovad hoone dekoratiivse kaunistuse, mis on erakordne oma hiilguse ja hiilguse poolest. suurejoonelisus. Lõunafassaadi lõikavad läbi kolm sissepääsukaaret, mis viivad peahoovi, kus põhjapoolse hoone keskmes asus palee kesksissepääs.

Rastrelli elas seitsekümmend üks aastat, enamik neist Venemaal. Noore mehena, oma isa õpilasena põhjapealinna saabudes saavutas ta kõik arhitekti autasud, kuid klientide maitse muutumise tõttu (uus keisrinna Katariina II eelistas klassitsismi stiili) suri jõude, tagasihoidlikus õitsengus (1771). Suure arhitekti matmispaik on teadmata. Kuid tema ehitatud paleed ja templid – nii need, mis säilisid kui ka need, mis kerkisid varemetest pärast Teise maailmasõja lõppu – tekitavad meis täna tõelist imetlust, sest need on osa vaimsest ja kunstilisest kultuurist, mille me pärandina saime. .

Lisaks Rastrellile lõid suurejoonelise vene baroki ajastul oma hooneid ka teised andekad käsitöölised: S.I. Tševakinski Peterburis, Nikolo-Epiphany mereväe katedraal ja kuulus "Purskkaevu maja" - Šeremetevi palee Fontankal (koos F.S. Argunoviga), D.V. Ukhtomsky projekteeris Sergiev Posadi jt Trinity-Sergius kloostri kellatorni.

Elizabetaani barokk-arhitektuur

3. Vene klassitsismiajastu arhitektuur (18. sajandi teine ​​pool).

Klassitsism (ladina keelest сlassicus - eeskujulik), kunsti ja arhitektuuri stiilisuund, mis põhineb mõistuse ja ideaalse korra kultusel ning iidsel pärandil allikana. Klassitsismi arhitektuuri iseloomustavad rangelt geomeetrilised mahtude vormid, sümmeetria, arhitektuurne kord maastike põhimotiivina, mastaapne struktuur, vormide hierarhiline alluvus, süntees maali ja skulptuuriga.

Vene klassitsism on maailma arhitektuuriajaloo üks eredamaid lehekülgi. 17. sajandil Euroopas sündinud klassitsismi stiil tungis Venemaale 18. sajandi keskel. See läbis oma arengus mitu etappi ja saavutas haripunkti 18. sajandi lõpus Katariina valitsusajal II.

Klassikalise arhitektuuri varast arenguetappi (18. sajandi 60.-70. aastad) võib iseloomustada kui üleminekuperioodi: klassitsismi joontega domineerivates hoonetes on barokkelemente endiselt olemas. Näiteks on Peterburi Kunstiakadeemia hoone ehitatud projekti järgi Aleksander Fedorovitš Kokorinov koostöös Jean-Baptiste Vallin-Delamote. Peafassaadi keskpunkt on suurejooneline neljasambaline portikus, mis muutub õrnalt hoone pikendatud tiibadeks. Selles tehnikas on näha väljuva baroki kaja. Veel üks näide - marmorist palee projektiga loodud Antonio Rinaldi. Selle Neeva poole jääv fassaad on lihtne ja karm, samas kui sisehoovivaatega keskhoonet eristab väike risaliit, mis lõpeb elegantse barokk-torniga pööningul.

Range klassitsism (18. sajandi 80-90ndad) on barokkstiili täielik vastand, selle antitees. Teda iseloomustab antiikaja klassikalise arhitektuuri vormide ja tehnikate range ja järjekindel kasutamine. Välimuses ei ole lubatud kasutada dekoratiivseid motiive, skulptuuri kasutamine on välistatud. Moskvas oli range klassitsismi säravaim meister Matvei Fjodorovitš Kazakov. Tema hooned, mille hulgas on kõige tähelepanuväärsemad Senati hoone Moskva Kremlis ja Golitsõni haigla , mida iseloomustab lihtsus, rütmide heledus, siluettide selgus. Hooned on tõstetud kõrgele rustikeeritud esimesele korrusele, millele on paigutatud kompositsiooni keskosas portikus.

Peterburis on range klassitsismi parimad näited Teaduste Akadeemia hoone Vassiljevski saare ülikooli muldkehale (arhitekt Giacomo Quarenghi) ja Tauride palee (arhitekt I.E. Starov).

Ivan Jegorovitš Starov (1745-1808) on vene klassitsismi silmapaistev meister. Ta õppis Moskva ülikooli gümnaasiumis, seejärel vastloodud Kunstiakadeemias, mille lõpetas aastal 1762. Varsti pärast pensionärireisilt naasmist ja akadeemiku tiitli saamist alustas Starov ulatuslikku praktilist tööd, sealhulgas linnaplaneerimist, avalike hoonete, linnapaleede, valduste, templite ehitamine. Tema kavandite järgi ehitati Aleksander Nevski Lavra Kolmainu katedraal, Demidovite mõisahoone Taitsys ja Katariina palee. II Peles töötati välja Jekaterinoslavi (praegu Dnepropetrovsk Ukrainas) planeering, rida Nikolajevi projekte ning arvukalt Moskva ja Moskva oblasti hooneid. Kuid Vene arhitektuuriajaloos seostub Starovi nimi eelkõige ehitusega Tauride palee - suur linnamõisa G.A. Potjomkin.

Esise sisehoovi sügavuses, mis on tänavast madala aiaga eraldatud, asub keskne kahekorruseline hoone, mille kuuesambaline portik, mille ülaosas on madalal trummel tasapinnaline kuppel; seinte siledaid tasapindu lõikavad läbi kõrged aknad ja neid täiendab triglüüfide friisiga range kujundusega entabletuur. Selle välimus on äärmiselt lihtne, seinad on jäetud siledaks. Lakooniline dooria järjekord määrab kogu struktuuri põhiskaala. Peahoonet ühendavad ühekorruselised galeriid külgmiste kahekorruseliste hoonetega, mis piiravad laia eesõue.

Esialgu oli Tauride palee avatud Neevale, kust kulges kanal, mis lõppes kulbisadamaga. See arhitektuurne perspektiiv, mis oli osa Neeva kallaste panoraamist, eksisteeris enne ehitamist 19. sajandi keskel. veetorni palee ja teiste Kesklinna veevärgi rajatiste vastas. Tauride palee fassaadide peen tagasihoidlikkus ja lihtsus vastandus siseviimistluse erakordsele luksusele ja hiilgusele, kuid interjöörid säilisid vaid mõnes ruumis ja ka siis vaid osaliselt. Seda soodustasid palee arvukad ümberehitused, mis olid seotud selle saatuse muutumisega.

18. sajandi lõpus - 19. sajandi esimesel kolmandikul saavutab klassitsismi stiil Venemaal oma haripunkti. Sellest ajastust tuleb juttu järgmises õppetükis.

Klassitsism 18. sajandi vene arhitektuuris

4. 18. sajandi esimese kolmandiku vene maalikunst

Kuni 18. sajandi alguseni kujunesid vene kujutavas kunstis välja peamiselt ikoonimaalimise traditsioonid. Kuid 18. sajandil hakkas maalikunst järk-järgult omandama euroopalikke jooni: kunstnikud valdasid lineaarset perspektiivi, püüdsid chiaroscuro abil õigesti edasi anda objektide mahtu, õppisid anatoomiat, et inimkeha täpselt kujutada. Levis õlimaali tehnika (temperaga maaliti ikoone), arenesid uued žanrid. Erilise koha 18. sajandi vene kunstis hõivas portree. Selle žanri varasemad näited 18. sajandil. parsuna lähedal – tegelased neil on staatilised ja pühalikud.

Ivan Nikitich Nikitin (umbes 1680-1742) oli üks esimesi vene portreemaalijaid. Ta sündis preester Nikita Nikitini perekonnas, kes teenis Moskva lähedal Izmailovos. Nikitin asus maalikunsti õppima arvatavasti hollandlase A. Shkhonebeki juhendamisel Moskva relvamaja graveerimistöökojas. Ilmselt õppis ta omal käel portreesid maalima, uurides ja kopeerides Venemaal saadaolevaid välismaiste meistrite töid. Juba tema esimestes töödes - õe Peetri portreed ma Natalja Aleksejevna ja tema tütar Anna Petrovna , loodud umbes 1715-1716, annab Nikitin selle aja kohta haruldase oskusega edasi modellide volüümi ja loomulikke poose. Tõsi, samas ei oska ta veel figuure keskkonda sobitada, figuuri struktuuri edasi anda ja materjalide faktuuri näidata.

Aastatel 1716-1719 õppis Nikitin Veneetsias ja Firenzes ning pärast Peterburi naasmist sai temast Hoffmaler (õukonnamaalija). Peetri käsul asus kunstnik riigikassa arvelt ehitama Admiraliteedi-poolsesse "Mie jõe" äärde Sinise silla lähedusse kuninga eluajal valmimata jäänud töökoda. Reis Itaaliasse aitas kaasa maalikunstniku oskuste kasvule, tema joonistus muutus keerukamaks, ta suutis vabaneda vene maali analüüsimisel omasest piirangust. 20ndatel. 18. sajand Nikitin loob oma parimad teosed: "Krahv G. I. Golovkini portree", "Õuehetmani portree" , ja kuulus "Peeter I portree". "Põrandahetmani portreel" näeme oma mõtetesse sukeldunud meest. Tema väsinud kehahoiak, veidi langetatud pea, korratult sassis juuksed, kergelt punetavad põletikulised silmalaud, tihedalt kokku surutud huuled – kõik rõhutavad tugeva ja julge inimese rasket eluteed. Vaatamata raskustele ja raskustele ei nõrgenenud tema tugev tahe, energia ei kustunud.

Pärast tsaari surma jäi Nikitin õukonda, kuid tal polnud praktiliselt mingit tööd. Tema edasine saatus oli dramaatiline. Augustis 1732 arreteeriti ta Feofan Prokopovitši laimuga märkmiku omamise eest. Nikitin oli salakantselei uurimise all, ta viibis üksikvangistuses Peetruse ja Pauluse kindluses, karistuse kohaselt peksti teda piitsadega ja pagendati Tobolskisse, et "elada igavesti valvuri taga". Tema armuandmise kohta anti välja kolm määrust: Anna Ioannovna enne surma, Anna Leopoldovna troonile astumisel ja Elizaveta Petrovna. Teel pagulusest Peterburi kunstnik suri.

18. sajandi 20.-30. aastate lõpuks on maalija lühike, kuid särav töö. Andrei Matvejev (1701-1739). Pärast enam kui 10 aastat Hollandis ja Flandrias viibimist sai Matvejevist esimene vene meister, kes suutis "maalida lugusid ja isikuid", see tähendab mitte ainult portreesid, vaid ka maale mütoloogilistel ja ajaloolistel teemadel. Noor kunstnik naasis Venemaale pärast oma kuninglike patroonide - Peeter I ja Katariina I surma. Dokumentidest on teada, et Matvejev maalis lahingumaale suvemajale, maale Peterhofile, osales Peeter-Pauli katedraali maalimisel. , kaunistasid säilimata jäänud Anitškovi ja Admiraliteedi triumfiväravad .

Andrei Matvejevi järelejäänud pärandist on kõige huvitavam tema portreed. Väga vähesed neist on meie ajani säilinud, nende hulgas kuulsad "Abikaasade portree" , millel kujutas kunstnik end suure tõenäosusega koos oma naisega, see tähendab, et see on esimene autoportree vene maalikunstis. Matvejev annab üllatavalt peenelt edasi peres valitsevat vastastikuse armastuse ja helluse tunnet. Ettevaatlikult, vaevu puudutades kallistab kunstnik oma naist õlgadest. Abikaasad hoiavad end lihtsalt ja loomulikult, kiirgades head energiat. Summutatud värvid rõhutavad portree kammerlikkust.

Andrei Matvejev suri, nagu paljud kodumaised kunstnikud, vaesuses. 1739. aasta aprillis kirjutas lesk petitsioonis, et "ta jäeti abikaasa Matvejevi pärast oma väikelastega maha ja tema mehel polnud midagi, millesse tema surnukeha matta".

Loomine Ivan Jakovlevitš Višnjakov (1699-1761) seotud Peterburiga, kuhu ta saabus uue pealinna ehituse ja kaunistamisega seotud "käsitööliste" hulka. Vastupidiselt vanematele kaasaegsetele I. Nikitinile ja A. Matvejevile ei õppinud Višnjakov välismaal – tema kunst kujunes välja Petriini-eelse aja vene maalikoolkonna mõjul.

Višnjakov pälvis tunnustuse peamiselt portreemaalijana. Pildi viimistlemine, meeleolu soojus, maneeride puudumine, hõbedane värv - need on tema kunstilise maneeri iseloomulikud jooned. Kõige peenem portree Višnjakova portreteerib Sarah Eleanor Fermor , kantselei juhataja tütar hoonetest (1749). Luksuslikus hõbehallis lilledega tikitud satiinkleidis noor neiu valmistub käharateks. Ta hoiab graatsiliselt käes lehvikut. Tähelepanu köidavad peen pitsmaal ja dekoratiivne maastikutaust, mille motiivid kajastuvad kleidil oleva tikandiga.

Ivan Nikitin, Andrei Matvejev ja Ivan Višnjakov ei kõigutanud oma loominguga maailmakunsti alustalasid, kuid andsid tohutu panuse vene maalikunsti arengusse, tehes esimesi enesekindlaid samme portreežanri arengus.

18. sajandi alguse vene maalikunst

Tekstide koostamisel kasutati Yu.Pelevini ja G.Danilova materjale.

5. XVIII keskpaiga - teise poole vene kunstnikud v.

Aleksei Antropov (1716-1795)

Aleksei Petrovitš Antropovi loomingus on selgelt jälgitav järjepidevus Peeter I ajastu pensionile jäänud maalikunstnike ja 18. sajandi teise poole kunstnike vahel. Suurima edu saavutas meister portreežanris. Just selles valdkonnas on Antropovil otsustav roll rahvuslike traditsioonide tugevdamisel, mis väljendub tegelikkuse realistlikult täpses ja erapooletus peegelduses.

A.P. Antropov sündis relvakoja "lukksepa" peres. Ta alustas oma pikka karjääri Anna Ioannovna valitsusajal. A. P. Antropov veetis palju aastaid kuulsa kunstniku Ivan Višnjakovi juhendamisel. Algaja kunstnik tegeles paleede ja katedraalide kaunistamisega, osales suve-, talve-, Anichkovi, Peterhofi ja Katariina paleede maalimisel. Tema loomingulise arengu seisukohalt oli suur tähtsus Kiievis tehtud tööl F. B. Rastrelli projekti järgi ümberehitatud Püha Andrease Esmakutsutud katedraali ikonostaasi ja seinamaalingutega.

A. P. Antropovi varajased molbertiteosed, näiteks keisrinna Elizabeth Petrovna portree ning suurvürst Pjotr ​​Fedorovitši ja suurvürstinna Jekaterina Aleksejevna paarisportreed teostati väljakujunenud ja välismaiste õukonnameistrite loodud “maaliproovide” järgi. 1758. aastal algas Peterburis kunstniku loomingus uus etapp. Neljakümne teisel eluaastal astub ta portreekunsti õppima Elizabeth Petrovna õukonna Itaalia kunstniku Pietro Rotari juurde. Itaalia meister oli oma õpilasega rahul ja nimetas teda isegi "Venemaa parimaks maalikunstnikuks".

Alates 1750. aastate lõpust võib rääkida A. P. Antropovi kui portreemaalija iseseisva kunstnikutee algusest. Tema üheks olulisemaks teoseks peetakse portree Anastasia Mihhailovna Izmailova, keisrinna Elizabeth Petrovna vanem neiu. Maalikunstnik kujutas riigidaami otse ja lihtsalt, ilma flirtivate keerdkäikudeta, ülima aususega: õukonnainimest näidatakse lodeva vanamuttina, sihilikult kunstliku põsepuna, tumenenud kulmude ja kergelt vesiste silmadega. Portrees kajastus A.P. Antropovi kunstilise meetodi põhijoon - modelli välimuse loomulik autentsus. Tema loomingu hiilgeaeg langeb 60ndatele, mil ta lõi oma parimad lõuendid, näiteks portreed M.-st. A. Rumjantseva, V. V. Fermora, A. V. Buturlina. Kõigis neis töödes ei püüa kunstnik üldse tungida kujutatavate vaimsete kogemuste keerukasse maailma, vaid ainult jäädvustab nende välimust ülima täpsusega. Samal ajal on A. P. Antropovi portreemaneeris tema töö kõigil perioodidel tunda 17. sajandi lõpu - 18. sajandi alguse vanade maalitraditsioonide mõju. Seos ikooni ja parsuna tehnikaga ilmneb paljudes tema töödes. Lisaks ei tohiks unustada, et A. P. Antropov maalis ikoone kogu oma elu. Sarnane suunitlus puudutas mitmeid A. P. Antropovi töid, näiteks portree A. L. Apraksinast, aga ka arvukalt portreesid vaimulikest, keda ta sinodil viibiva kunstnikuna sageli maalima pidi.

1762. aastal, pärast Elizabeth Petrovna surma ja Peeter III troonile tõusmist, usaldas Püha Sinod A. P. Antropovile uue keisri piduliku portree. Oli reaalne võimalus end kuninglikus õukonnas deklareerida; Näib, et õnn naeratas kunstnikule. A.P. Antropov maalib suveräänist kolm suurt tseremoniaalset portreed. Uus keiser valitses aga vaid pool aastat ja tema abikaasa, tulevane keisrinna Katariina II kukutas ta võimult. A. P. Antropovist ei saanud kunagi õukonnamaalijat, mis pani tema populaarsusele ühiskonnas barjääri - Venemaal oli ju üleüldine kuulsus, au, raha võimalik saavutada vaid tänu auguliste isikute tunnustustele.

1770.–1780. aastatel olid A. P. Antropovi loomingulised jõud allakäigul. Viimasel perioodil töötab A.P.Antropov üha vähem loodusest, kuid loob palju ikoone. Kuni oma elupäevade lõpuni maalis meister pilte "kõrgeimatele isikutele pakkumiseks". Sinod usaldab talle mitmesuguseid ülesandeid, mis ei ole seotud ainult ikoonimaalijate kontrolliga. Niisiis saadeti ta Moskvasse Kremli katedraale kontrollima. 1789. aastal tegi kunstnik olulise teo - ta andis oma maja üle Heategevuse ordule, et asutada sellesse rahvakool. Ta avab ka maalikunsti erakooli, mille õpilaste hulgas oli tulevane suur portreemaalija D. G. Levitsky.

Antropov suri 1795. aastal ja maeti Aleksander Nevski Lavrasse, mille jaoks ta kunagi maalis ikoone ja portreid. Tema haual asuv hauakivi on säilinud tänapäevani. Aleksei Petrovitš Antropov on 18. sajandi Venemaa kunstikultuuris väärilisel kohal. Maalikunstniku silmapaistev talent, range tõepärasus looduse kujutamisel, aga ka pedagoogiline tegevus tõid meistrile väljateenitud tunnustuse.

Fjodor Rokotov (1735–1808)

18. sajandi teise poole suurim vene portreemaalija - Fedor Stepanovitš Rokotov - unustati tema järeltulijate poolt täielikult. Tema teosed tuli 20. sajandi alguses uuesti avastada.

Rokotovi päritolu pole täpselt teada. Ta sündis Moskvas. Mõne allika kohaselt pärines Fedor Stepanovitš pärisorjade perest, teise hüpoteesi kohaselt oli ta vürst P.I. Repnini vallaslaps. Teave kunstniku esimeste õpetajate kohta pole säilinud, võib-olla õppis ta nooruses Moskvas ikoonimaalijate juures. 1760. aastal võeti Rokotov I. I. Šuvalovi "suulise korraldusega" vastu Kunstiakadeemiasse. Noor kunstnik teeb kiireid ja märgatavaid edusamme. Palee komisjonid aitavad kaasa tema tõusule tunnustusredelil. Rokotov kirjutab "Suurvürst Pavel Petrovitši portree lapsepõlves". Katariina II tulekuga troonile toodi Rokotov õukonnale lähemale. 1763. aastal maalis ta keisrinnast ametliku portree seoses tema kroonimisega Moskvas. Selle loomingu eest pälvis ta auhinna. Samuti antakse kunstnikule ülesandeks maalida kuninglik lemmik Grigori Orlova ning Katariina II ja Grigori Orlovi vallaspoeg Aleksei Bobrinski.

Kunstnikul õnnestub: ta omandab oma töökoja, tal on õpilased. Ta loob portreegalerii kõige õilsamate suguvõsade esindajatest: Jusupovid, Kurakinid, Bestuževid-Rjuminid, Goleništševid-Kutuzovid. Rokotov, nagu ka teised 18. sajandi teise poole kunstnikud, on endiselt pingsalt tähelepanelik modelli sotsiaalse positsiooni suhtes: ta maalib täpselt vormiriietust, regaliaid, ordeneid jne. Kuid juba varases, Peterburi staadiumis avaldus tema loomingus suhtumine mudelisse, mida iseloomustas huvi inimese isikuomaduste, tema individuaalse maailma vastu.

Kogu selle aja teenib Rokotov Kunstiakadeemias, kuid see võtab kunstnikul palju aega ja segab tema tööd. Pärast akadeemiku tiitli saamist loobus Rokotov teenistusest ja kolis aastatel 1765–1767 Moskvasse, kuhu ta ilmselt oma elu lõpuni jääb. Kodulinnas töötab kunstnik peamiselt eratellimusel. Rokotovist sai seega üks esimesi riigiteenistusest sõltumatuid "vabakunstnikke" Venemaal. Sel ajal vältis kunstnik pompoosseid ametlikke portreesid. Teda köitsid teised pildilised ülesanded: kammerlike, intiimsete lõuendite loomine, mis peegeldaksid meistri ideid tegelaste ülevast vaimsest struktuurist. Ta loob seda tüüpi portreed, mis vastasid õilsa intelligentsi ideedele aust, väärikusest, kultuurist, "vaimsest elegantsist". Portreemaalijat mõjutasid kahtlemata valgustusajastu ideed oma privilegeeritud klassi moraalse iseloomu ja "aadliku tõelise väärikuse" probleemidega.

Maalikunstniku loominguline õhkkond leidis väljenduse terves reas kaunites naisepiltides. Igaüks neist on omal moel imeline. Naiste näod tulevad pimedusest välja ja näivad omamoodi nägemusena heledas värvihäguses, neid täidab ülev poeesia ja esteetiline nauding. Uknyagini E. N. Orlova - suured kurvad-mõtlikud silmad. Tema pilt on täis säravat puhtust ja püsivat nooruse ilu. N. Surovtseva on võluvalt naiselik, lihtsa vene näo ja lahke pilguga säravatest silmadest. "Krahvinna E. V. Santi portree" on atraktiivne oma värvilahendusega, suurejoonelise roheka, roosa ja kollase tooni kombinatsiooniga. Aga krahvinna silmad on külmad ja eemalehoidvad, neis pole soojust.

Inimesed Rokotovi lõuenditel näivad olevat tulvil midagi salajast, tähenduslikku. Rahulikkuse ja vaoshoituse taga võib eeldada sisemist liikumist, kuigi mitte veel täielikult teadlik. See on Alexandra Struyskaya portree. Kangelanna salapärane poolnaeratus, avatud silmad, hele maaliline udu ja tume taust, millest eenduvad figuuri ebamäärased piirjooned, loovad ühe vene portreekunsti läbitungivama kujundi.

Kunstniku elu viimastest aastakümnetest on vähe teada. 1790. aastatel vähenes oluliselt nõudlus Rokotovi tellimusportreede järele. Hilisematel eluaastatel asus meister õppetööle. Vanemas eas kunstnik ilmselgelt enam ei töötanud. Ta elas ilma vaheajata oma elu üksi Moskvas. Tal ei olnud oma perekonda, lähimad sugulased ja pärijad olid vennapojad. Fedor Stepanovitš Rokotov suri 12. detsembril (vana stiili järgi) 1808 ja maeti Novospasski kloostrisse. Tema haud läks kaduma, kloostri kalmisturaamatusse jäi vaid kirje.

Rokotovi looming moodustas Venemaa portreeloos terve etapi. Meister püüdis leida iluideaali, mitte püüdnud seda ülistada või mõnele abstraktsele standardile lähemale tuua. Kogu oma elu maalis Rokotov eranditult portreesid aadli esindajatest: keisrist kuni provintsi maaomanikuni. Sel ajastul oli just aadel kultuuri, valgustuse ja hariduse kandja. Siiski tõstis kunstnik esile sellised isikuomadused, millel oli universaalne inimlik väärtus. Ta lõi ülevalt ideaalseid pilte ja pühkis minema kõik privaatse ja ebavajaliku. Lisaks ei andnud ta kusagil oma piltidele portree omaduste täit selgust. Modellide jooni poeetiliselt üldistades tõstis ta inimest, muutis paremaks ja puhtamaks. Seetõttu on F. S. Rokotovi lõuenditel olevad “salapärased” ja inspireeritud näod nii atraktiivsed.

Dmitri Levitski (1735-1822)

Tulevane maalikunstnik sündis Ukrainas preestri peres. Aastatel 1752–1755 kohtus ta Kiievis A. P. Antropov, kes maalis Andrease katedraali. See kohtumine otsustas tema elu ja saatuse. 1758. aastal läks Levitski Peterburi. Siin asus ta elama oma õpetaja juurde ja õppis tema juhendamisel maalikunsti, seejärel õppis majast kantselei meistrite juures. 1769. aastal läksid ta teed oma õpetajatest lahku ja alustas iseseisvat loometeed. Olles proovinud end erinevates maaliliikides, seadis kunstnik oma töö peamiseks ja ainsaks žanriks portree valimisega.

Levitski asus lõpuks elama Peterburi. Algas tema elu viljakaim periood. Aastaid sidus ta end kunstiakadeemiaga, mis oli sel ajal Venemaa kunstielu keskus. 1771. aastal juhtis kunstnik portreeklassi ja juhtis seda peaaegu seitseteist aastat. Samal ajal hakkas ta saama kohtumäärusi, akadeemia korraldusi ja eraisikuid Peterburi aadli eliidilt.

1770. aastate Levitski säilinud teoste hulgas on ülekaalus erinevad tseremoniaalsete portreede versioonid. Sellise portree peamine ülesanne oli ülistada kõrge sotsiaalse staatusega inimest. Kujutatav astus publiku ette kõige esinduslikumal kujul - mundris, ordenite, sümboolika ja kuningliku julgustusega. Olukord ja atribuudid oleksid pidanud kõnekalt andma tunnistust inimese ja tema tegude olulisusest, saavutatud prestiižitasemest. Näitena võib tuua Kunstiakadeemia rektori ja selle Vassiljevski saarel asuva hoone ühe autori arhitekt A. F. Kokorinovi portree. Kokorinov on jäädvustatud tema kabinetis – kõrgete riigimeeste kujutamise tavapärane seade. Arhitekt viipab tema ees lebava kunstiakadeemia maja plaanile, tema lemmik vaimusünnitaja. Arhitektil on seljas uhke ja meisterlikult väljajoonistatud kostüüm - kullaga tikitud kamisool ja karusnahaga ääristatud kafaan. Vaataja ees on aristokraat, kelle teened olid tema töös Venemaa kunstide arengu heaks. Sügav psühholoogiline tungimine inimese sisemaailma pole aga veel saavutatud.

Kaheksateistkümnenda sajandi seitsmekümnendad olid Levitski jaoks loominguliste jõudude kõrgeima tõusu kümnendiks. Portreekunstniku kunstiline meetod arenes välja kooskõlas valgustusaegse klassitsismiga: esiplaanil inimese mõistmisel tõusid esile tema vastavus ideaalse kodaniku mudelile, moraalsed omadused. Levitsky lõi ka hingestatud kujundeid, mis paljastavad inimese sisemise "mina", kelle isikuomadused äratasid meistri kaastunnet. See trend on valitsenud kammerportreedes, nagu on kombeks nimetada neutraalse taustaga väikeseid rinna- või vööpilte, ilma igasuguse sisustuseta. Meister loob portreede galerii talle vaimselt lähedastest inimestest - kirjanik A. V. Hrapovitski, prantsuse filosoof-pedagoog Denis Diderot, M. A. Djakova.

Maalikunstniku üldtunnustatud edu oli seeria Smolnõi naiste portreed - Smolnõi kloostri (hiljem - Smolnõi Instituut) õilsate neidude haridusühingu õpilased. Portreekunstnikku poseerisid õpilased, kes paistsid silma erilise eduga loodusteadustes ja kunstides. Töö sarja kallal lõpetati 1776. aastal, mis langes kokku õpilaste esimese lõpetamisega. F. S. Rževskaja ja A. M. Davõdova paarispildid, E. N. Hruštšova ja E. N. Khovanskaja, graatsiliselt tantsivad S. Borscheva, E. I. Nelidova ja A. P. Levšina näitasid vene kunsti jaoks uut tüüpi žanri - "portree rollis". Lõuenditel rullub lahti maaliline lugu kangelannadest, kes elavad nii teatrivormis kui ka omaenda suletud küpseva nooruse maailmas.

1780. aastatel oli Dmitri Grigorjevitš Levitski kuulus ja populaarne kunstnik. Teda ei võeta ilma mainekatest tellimustest pidulike portreede tegemiseks. Üks neist esindusportreedest, mis sai verstapostiks meistri loometeel, oli "Katariina II – seadusandja". Teos on kunstniku jaoks harjumatu: selles avaldub portreepilt-idee läbi allegoorilise kompositsiooni. Teosega kaasnes kõlav edu ning autor kordas oma loomingut mitu korda.

1790. aastatel maalis Levitski tohutul hulgal tellimusportreesid. Need on Katariina sõdade kuulsad komandörid P. A. Rumjantsev-Zadunaiski, A. V. Suvorov, N. V. Repnin; silmapaistvad diplomaadid ja Katariina II nõuandjad G. A. Potjomkin, A. A. Bezborodko. Selle seeria portreed esindavad Levitski välja töötatud uut tüüpi hariduslikku esindusportreed. Baroksest pompusest ja klassikalisest atribuutikast loobudes uurib kunstnik oma modelli kainelt ja asjalikult. Ta ei otsi uusi kompositsioonilahendusi, suurejoonelisi poose, žeste. Lihtsus ja enesehinnang – need on "hinge elegantsid", mida ta rõhutab.

Levitski hiilgus hääbub 1810. aastate teisel poolel pärast sõja lõppu Napoleoniga. Tema nimi kaob ajakirjade lehekülgedelt ja õppenõukogu aruannetelt, ametlikke korraldusi ta ei saa. 7. aprillil 1822 katkes Dmitri Grigorjevitš Levitski elu.

Renessansiajastu humanistid seadsid inimkonna ette ülesandeks allutada kõik loodusjõud ja muuta ühiskonnaelu norme. 17. sajand koondas mõistuse tähelepanu esimesele ülesandele. 18. sajand suunas kõik parimad intellektuaalsed jõud sotsiaalsete probleemide lahendamisele. Nii sai 17. sajandist looduse teadusliku valdamise periood ja 18. sajandist ühiskondliku ümberkorralduse sajand.

17. sajand tähistas kodanliku süsteemi sündi. Esimesed hoobid antakse feodalismile: revolutsioonid Hollandis (1566-1609) ja Inglismaal (1640-1688), absolutistliku riigi loomine Prantsusmaal, mis tagas kodanluse kasvu. Majanduse tõus Euroopa arenenud riikides, manufaktuuride ja kaubanduse õitseng lõi pinnase täppis- ja loodusteaduste edenemiseks. Galileo, Kepleri, Newtoni, Leibnizi, Descartes'i suured avastused matemaatikas, astronoomias, füüsikas, filosoofias aitasid kaasa materialistlike ideede (Bacon, Hobbes, Locke, Spinoza) kinnistumisele, looduse ja universumi ideede avardumisele ja süvenemisele. Nende saavutuste põhjal jõudsid 17. sajandi mõtlejad tervikliku süsteemse maailmavaateni.

Sarnane protsess toimub ka kunstis: jaatub terviklikum ja sügavam reaalsustaju. Seoses tegelikkuse laiema kajastamise sooviga kunstis täheldati 17. sajandil loominguliste meetodite, ideoloogiliste ja kunstiliste liikumiste ning žanrivormide mitmekesisust. Kunstilised otsingud kehastuvad kolme suuna peavoolus: realism, barokk ja klassitsism.

Renessansi realism jätkab oma arengut, renessansi humanistide demokraatlikud traditsioonid ilmnevad märkimisväärsete kirjanike, kunstnike, skulptorite loomingus. Need on Hispaania näitekirjanik Lope de Vega, Itaalia kunstnik Caravaggio, suur Hollandi maalikunstnik Rembrandt, hispaania humanist Velazquez jt. Prantsuse kirjaniku Charles Soreli sõnul seadsid realistid endale ülesandeks "näidata pilti inimese elust", arvestades selle erinevaid aspekte.

Barokkkunst *228 püüdis paljastada elu liikumises, muutlike elementaarjõudude võitluses. See mõjutas lugejat, vaatajat dramaatilise pingega, vormide väljendusega. Barokkkunst oli üles ehitatud kontrastidele, asümmeetriatele, see tõmbus suurejoonelisuse poole, dekoratiivmotiividega ülekoormatuse poole; maalis püüdis rikkuda otsest lineaarset perspektiivi, eelistas jooni - laigu, massi, valguse ja varjundi kontraste. Barokkkunsti põhiliigid olid pargi- ja paleeansamblid, kultusarhitektuur, dekoratiivmaal ja skulptuur, tseremoniaalne portree, natüürmort. Barokkkunstiteoste kangelasi kujutati ekstaasiseisundis, sooritamas vägitegu, triumfi või piina-, kannatusstseenides. Äärmuslikes ilmingutes jõudis barokkkunst müstika, irratsionalismini.

*228: (barokk (itaalia barosso) – veider, kummaline.)

Barokkstiil kehastus kõige selgemini arhitektuuris ja skulptuuris, kuigi selle stiili tunnused leidsid väljenduse Caravaggio, Rubensi loomingus; Barokk mõjutas kirjanike Corneille'i, Racine'i, Miltoni, saksa poeetide jt loomingut. Barokk arenes erinevates riikides: Itaalias, kus see stiil eriti ilmekalt kehastus arhitektuuris (barokk Rooma), Hispaanias, Portugalis, Flandrias ja hiljem Saksamaal, Ida-Euroopas, Iiobi valgus. 18. sajandil sai barokk Venemaal ja Ukrainas hiilgava arengu.

Klassitsismi *229 genereeris renessanss, selle kodumaa oli Itaalia. See tekkis koos taaselustatud antiikteatriga ja oli algselt otsene opositsioon keskaegsele draamale. Nähes antiikdraama kunstilise täiuslikkuse näidet, sõnastasid klassitsismi teoreetikud selle põhjal teatri seadused. Itaalia näitekirjanik Trissino kirjutas juba 1526. aastal Sophoklese ja Euripidese teoste eeskujul tragöödia Sophonisba, võttes süžee Rooma ajaloo sündmusi kajastavast Titus Liviuse loost.

*229: (Klassitsism (lat. classicus – eeskujulik); selle meetodi olulisim tunnus on apellatsioon antiigi näidistele ja vormidele kui ideaalsele esteetilisele standardile)

Kuid klassitsism arenes välja mitte Itaalias, vaid Prantsusmaal. Just seal arendati klassitsismi kaanoneid I. Boileau raamatus "Poeetiline kunst". Klassitsism 17. sajandi Prantsusmaal sai ametlikuks kunstimeetodiks, mida valitsus tunnustas. Absolutistliku riigi poliitika üleriigilisele süsteemile ülemineku perioodil, riikluse printsiip ja tsiviildistsipliin nõudsid kunstilt kõige rangemat vormidistsipliini.

Klassitsismi õitsengu määras suuresti Descartes’i materialistlik ja ratsionalistlik filosoofia. Mõistusest sai ainus tõe allikas; Kunsti domineerivaks elemendiks sai mõte, mitte emotsioon.

Klassitsismi peamised kaanonid taandusid järgmistele:

• tegelikkuse tõepärase peegeldamise põhimõte;
• kolme ühtsuse reeglid: koht, aeg ja tegevus;
• tegelase iseloomustamine vastavalt mis tahes selles tegelases valitsevale tunnusele; tüübi loomine, mis peegeldab üldist, universaalset, igavest;
• žanrite hierarhia: kõrge - tragöödia, eepos, ood; madal - komöödia, satiir, faabula. Rangelt eristati ülevat ja põhjalikku, traagilist ja koomilist, kangelaslikku ja igapäevast;
• teravalt kontrastne kujund tegelaskujudest - kurikaeltest ja kangelastest;
• didaktiline printsiip: õpetus kunsti kasvatavast rollist, mille eesmärk on paljastada ja karistada pahe ning premeerida voorust.

Peamised kunstimeetodid võtsid Euroopa kunstikoolides teise koha. 17. sajandi Itaalias domineeris barokkmeetod, Roomast sai üks selle peamisi keskusi. Barokkimeistrid püüdlesid suurejooneliste mõõtmete, keeruliste vormide, monumentaalse elevuse poole. Toimub plastiliste kunstide süntees, kus skulptuur ja maal on arhitektuurile allutatud.

Barokkarhitektuuri päritolu peitub renessansiajastu tegelaste – Vignola, Palladio ja eriti Michelangelo – hilises loomingus. Baroki väljendusrikkus ja maalilisus leidis väljenduse selliste arhitektide loomingus nagu Barromini (1599-1667), Bernini (1598-1680), kelle suurimaks arhitektuuritööks oli Püha katedraali ehituse lõpuleviimine. Peeter Roomas ja tema ees oleva väljaku kaunistus. Santa Maria della Victoria kiriku altarigrupp - "Püha Teresa ekstaas" eristub peene meisterlikkuse, truuduse poolest olulistele detailidele. Bernini barokse skulptuuri näide on Prantsuse "päikesekuninga" Louis XIV suurepärane tseremoniaalne portree.

Selle perioodi maalikunsti uute ideede kõige silmatorkavam väljendaja oli Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1573-1610). Lähedus kõrgrenessansi meistritele avaldub maalil "Noormees lautoga". Tõlgendab julgelt Caravaggio religioosseid kujundeid. Tema maali eristavad teravad chiaroscuro kontrastid, keeruliste nurkade all kujutatud figuuride plastiline modelleerimine, monumentaalsus ("Apostel Matteuse pihtimus", "Sauluse pöördumine" jt). Traagilist jõudu eristab "Haud", elamuste tõde ja sügavus - "Maarja taevaminek". Caravaggio mõju realismi arengule Euroopa kunstis oli märkimisväärne. Tema traditsioonide järgimist nimetati karavaggismiks.

16.-17. sajandi vahetusel kujunes Itaalias maalikunsti akadeemiline suund, mis kehastus Bologna Akadeemias (selle asutajad olid vennad Lodovico, Agostino ja Annibale Carracci). Pöördudes renessansi traditsioonide poole, väitsid selle suundumuse toetajad renessansi ilu normide ja ideaalide puutumatust, mis lõpuks muutusid klišeeks.

Carracci juhtumi järeltulijateks said Guido Reni (1575–1642) ja Guercino (Francesco Barbieri, 1591–1666).

17. sajandil kujuneb välja Flandria rahvuslik kunstikoolkond, milles põimuvad barokkvormid realistlikega. Flaami maalikunstis leidsid väljenduse sellised tunnused nagu maailmatundmise janu, rahvus, rõõmsameelsus, pidulik pidulikkus.

Suurim kunstnik, flaami maalikoolkonna juht oli Peter Paul Rubens (1577-1640), kelle loomingus on jõuline realism ühendatud baroki omapärase rahvusliku vormiga. Tema töid iseloomustab dünaamikatunnetus, elu muutlikkus. Rubens loob altarikompositsioone, mille süžeed põhinevad märtrisurma episoodidel, kannatuse kuvandil, HO samal ajal, surevate kangelaste moraalsel võidul. Selline on kompositsioon "Risti ülendamine", kus leinavate sugulaste ja rõõmustavate timukate rühmas domineerib kõrgendatud rist ristilöödud Kristuse võimsa kujuga, mida valgustab kitsas valgusvihk.

Rubens pöördus mütoloogiliste ja allegooriliste teemade poole, mis võimaldas kehastada kangelaslikke tundeid. Nagu renessansi meistrid, laulis Rubens inimesest, tema vaimu ja keha harmoonilisest ühtsusest. Ta lõi teoseid: "Bacchanalia", "Leucippuse tütarde röövimine", "Perseus ja Andromeda", täis väljendust ja pinget "Metsajaht" ja "Lõvijaht", portreed, autoportreed jne. Rubensi looming oli flaami maalikunsti kujunemisel eriti oluline (Van Dyck, 1599-1641 ja Jacob Jordans, 1593-1678 jt).

17. sajandil kehtestati Flandria maalikunstis natüürmort iseseisva žanrina. Frans Snyders (1579-1657) oli "looduse kingituste" ja "jahistseenide" monumentaalse dekoratiivse natüürmordi suurmeister. Tema natüürmortides, täites kogu pildiruumi, varjavad objektid üksteist, ripuvad laudade küljes ja kukuvad põrandale. Dekoratiivsus saavutatakse omapärase värviga: neutraalsel taustal paistavad silma eredad kontrastsed värvid. Värvimasside tasakaal, laudade ja pinkide selged horisontaaljooned korraldavad kompositsioone ("Natüürmort luigega" jt).

17. sajandi Hollandi kunst peegeldas eriti ilmekalt ajastu suundumusi. Maalikunsti juhtival kohal oli igapäevane žanr, portree, maastik, natüürmort. Hollandi realistliku portree rajaja oli Frans Hals (1580-1666). Tema kaasaegne oli suur maalikunstnik Rembrandt van Rijn (1606-1666) – üks maailma maalikunsti tippe. Rembrandti ei köitnud mitte teatud igapäevaelu aspektid, vaid inimese tugevad vaimsed liikumised, dramaatilised kokkupõrked, millel on universaalne iseloom. Ta lõi grupiportreesid (arstide portree "Doktor Tulni anatoomiatund", püssmeeste kompanii portree "Öine vahtkond" jt), kus tegelasi ühendab ühtne süžee ja samal ajal üksikisik. edastatakse igaühe omadused. Rembrandt pöördub piibliteemade poole: ta kirjutab Aabrahami ohverdamist, Taaveti hüvastijätt Joonataniga, Püha perekond jt, milles köidab inimlike tunnete sügavus. Lihtsates igapäevastseenides paljastab kunstnik oma tegelaste vaimse elu keerukuse.

Rembrandti anne leidis oma särava väljenduse portreedes ("Saskia portree", "Autoportree Saskiaga põlvili", "Hendrikje Stoffelsi portree" jt). Kunstniku värvipalett aitab avada kunstniku mõtteid, tundeid, maailmavaateid, maalimisvahendite unikaalseimat "Rembrandti" - chiaroscuro, mis võimaldab luua sära pimeduses. See omadus avaldus eriti jõuliselt kunstniku autoportreedel.

Kuulus Danae, tema armastuse impulss muutunud ja ilusa naise kuvand, eristub pildi sügavuse ja ilu poolest. Rembrandti loomingu kõrgeim saavutus on maal "Kadunud poja tagasitulek", mis on kirjutatud evangeeliumi tähendamissõna süžeele. Pilt raseeritud peaga räbaldunud kadunud pojast, kes naasis mahajäetud isa juurde, väljendab elu tundmaõppimise traagilist teed, häbitunnet ja meeleparandust. Isa kujutis kehastab kõrgeimat inimlikku õnne, isalikku armastust ja andestust – testamenti, mille suur meister inimestele jättis.

17. sajandil kujunesid välja Hollandi realistliku maastiku (Ruisdael, 1628/29-1682) põhimõtted ja laialt levis natüürmort. Silmapaistvad natüürmortide maalijad olid Pieter Claesz (umbes 1597-1661) ja Willem Heda (1594-1680/82). Nad kirjutasid arvukalt "hommikusööke", mis näib olevat rabavad kaootilise hunniku esemetega (singid, pirukad, klaasid jne). Kuid nende teoste kompositsioon on rangelt läbimõeldud, hallikas-kuldne, oliivne toonivahemik.

kombineerib esemeid. Natüürmortide meistrite hulka kuuluvad Beyeren, Kalf jt.

XVI-XVII sajandi lõpp - Hispaania kultuuri õitseaeg. Hispaania kunsti mõjutasid keskaegse pärandi (gooti stiil), mauride kultuuri (tänu araablaste sajandeid kestnud domineerimisele Hispaanias) ja katoliku kiriku mõjudest. Kogu Hispaania kunst on läbi imbunud religioossetest ideedest, kuid see on pööratud tegelikule elule,

Hispaania maalikunsti õitseaeg on seotud Domenico Theotocopuli nimega, hüüdnimega El Grsko (1541-1614). Itaalia renessansi (Titianus, Tintoretto), Bütsantsi maalikunsti (ikoonid ja mosaiigid) mõjul kujunenud kunstniku tööd eristavad filosoofilise mõtlemise sügavus, humanistlik suunitlus ja samal ajal traagika, milles peegeldus. humanistlike ideaalide kriis, üksindustunne, segadus ja ärevus. El Greco dramaatilist ekspressiivset kunsti on raske ühelegi suunale omistada. Tema maalide figuurid on piklikud, erilise ekspressiivsuse nimel veidralt deformeerunud. Jah, ja kogu pildi ruum on deformeerunud.

El Greco märkimisväärsemad teosed: "Krahv Orgazi matmine", "Apostlid Peetrus ja Paulus", "Püha Mauritiuse märtrisurm", "Rüütli portree käega rinnal" jt. El Greco kehastab oma portreedel erinevat tüüpi hispaanlasi, paljastab nende vaimse välimuse jooni.

Realistliku koolkonna silmapaistvad esindajad olid Jusepe Ribera (1591-1652), Francisco Zurbaran (1598 - umbes 1664). Hispaania maalikunst saavutas oma haripunkti Velázquezi loomingus.

Diego Rodriguez de Silva Velázquez (1599-1660) on üks suurimaid realiste. Tema loomingu tugevus seisneb psühholoogilise analüüsi sügavuses, tema kunstilise maneeri koloristlikus meisterlikkuses. Velasquez, olles Philip IV õukonnamaalija, lõi palju portreesid kuningast, tema pereliikmetest, lähedastest kaaslastest ja naljadest. Hoolimata teda piiravatest piiridest rääkis Velasquez inimeste kohta pintsliga tõtt. On märkimisväärne, et paavst Innocentius X hüüatas tema portreed nähes: "Liiga tõene!"

Velázquez kirjutas mütoloogilistest stseenidest ("Bacchus", "Veenus peegliga"), lahingustseenidest ("Breda alistumine"). Esimesena Lääne-Euroopa artistidest laulis ta argitöö ilu ("Spinnerid"). Velazquezi avastused valguse ja värvi vallas, tema realismi jooned avaldasid olulist mõju 18. - 19. sajandi maalikunstile.

Renessansiajastu poeg oli hispaania näitekirjanik Lope de Vega (1562 - 1635). Klassitsismi raamistik oli tema jaoks liiga kitsas, ta pidas vajalikuks "segada traagilist naljakaga", "segu ülevast ja naeruväärsest". Lope de Vega teater on elujaatava iseloomuga, selle tegelased on energilised, optimistlikud inimesed, konflikt lähtub au ja kangelaslikkuse teemadest. Tema komöödiad on "elu peegel". Lope de Vega keskseks teoseks on kangelasdraama "Lamba kevad". Näidendi teemaks on ülestõus Fuente Ovehuna linnas (tõlkes "Lamba kevad"). Keskel on lihtsate talupoegade Laurencia ja Frandoso kujutised, nende armastus ületab kõik takistused.

17. sajandil domineeris Prantsusmaal klassitsism. Sellele meetodile tõid kuulsuse kolm säravat talenti: Corneille, Racine ja Molière.

Pierre Corneille (1606-1684) lõi tragöödia "Sid", mis on pühendatud hispaania rahvaeepose kangelasele Rodrigo Diazile, hüüdnimega Sid. Pöördudes Rodrigo ja Jimena armastuse teema juurde, keskendub Corneille lavategevuses kohuse ja tunde konfliktile, mis oli iseloomulik klassitsismiprobleemidele.

Jean Racine (1639-1699) avas oma tragöödiaga Andromache Prantsuse teatris uue suuna. Kui Corneille oli inimjõu laulja, siis Racine oli nõrkus. Ta avab pildi isiksuse moraalsest ebakõlast tragöödias "Phaedra". Konflikt kire ja kohusetunde vahel jõuab piirini, mis viib indiviidi moraalse kriisini.

Molière (Jean Baptiste Pokley, 1622-1673) - prantsuse rahvusliku komöödia looja. Ta nägi oma töö eesmärki "inimeste parandamises nende lõbustamise teel", "sajandi pahede paljastamises naljakates piltides". Molière ei vaidlustanud klassitsistlikke reegleid, kuid tema komöödiad kaldusid realismi poole. Moliere lõi rohkem kui kolmkümmend näidendit. 11 olulisemat neist - "Tartuffe", "Don Juan", "Misanthrope", "Miserly", "Piersman aadlis", "Skapin's Rogues" jt. Nendes paljastas näitekirjanik universaalsed inimlikud pahed, muutis need äratuntavaks igas keskkonnas ja igal ajal.

Klassitsismi rajaja prantsuse maalikunstis oli Nicolas Poussin (1594-1665). Tema teoseid eristavad sügavad ideed, mõtted ja tunded. Ta uskus, et kunst peaks inimesele meelde tuletama "mõtisklust laubast lendas ja tarkust, mille abil suudab ta jääda saatuse löökide ees kindlaks ja kõigutamatuks". Antiikmütoloogiast ja Piiblist pärit ainete raames paljastas Poussin moodsa ajastu teemasid. Oma töödes püüdles ta majesteetliku rahu, ülla vaoshoituse, tasakaalu poole. Tema ideaal on kangelane, kes säilitab elu katsumustes häirimatu meelerahu ja on võimeline sooritama vägitegu. Poussin sai inspiratsiooni antiikaja ja renessansi kunstist, mis kajastus teostes - "Magav Veenus", "Germanicuse surm", "Tancred ja Erminia", "Arkaadia lambakoerad" jt. Tema ande üheks iseloomulikuks jooneks on võime paljastada inimese sisemaailma liikumises, žestis, rütmides.

1750. ja 60. aastatel pöördus Poussin maastiku poole, mis on legendaarsete kangelaste ("Maastik Polyfemosega" jt) tegevuspaigaks. Enesetundmise ja vaimse täiuslikkuse üleskutse sisaldub Poussini "Autoportrees".

Klassikaline maastik kujunes välja Lorraini töödes (Claude Gellet, 1600-1682). Need maastikud on unistavad ja eleegilised. Lorrain rikastab maastikke värskete vaatlustega, ta tunnetab peenelt valgus- ja õhukeskkonda, vähimaidki muutusi looduses. Parimad maastikud on "Keskpäev", "Õhtu", "Hommik", "Öö". Kunstnik saavutas ruumi laiuse tunnetuse, liikumise sügavuse. Tema maalid eristuvad pehme pildimaneeri ja harmoonilise koloriidi poolest. Esimest korda prantsuse maalikunstis kujutas Lorrain Prantsusmaa sadamaid ja žanristseene kalurite elust. Meistri tušijoonistused on romantilised ja emotsionaalsed. Lorraini maastikud avaldasid märkimisväärset mõju maastikužanri arengule Euroopa maalikunstis. Klassitsismi tendentsid arenesid Callot' (1592-1635), Latour'i (1593-1652), Louis Lenaini (1593-1648),

17. sajandi teisel poolel omandas maal ja skulptuur Prantsusmaal dekoratiivse iseloomu ning allutati arhitektuurile. 1671. aastal asutati Arhitektuuriakadeemia. Kujuneb uut tüüpi tavaline tsentraliseeritud linn. Rakendatakse antiikaja korrasüsteemi; hoonete mahtude ja kompositsioonide ehitamisel kinnitatakse ranget seaduspärasust, korda ja sümmeetriat. Tekivad tseremoniaalsed pargiansamblid, uut tüüpi paleed, näiteks Vaux le Vicomte'i palee.

Nende tendentside kõige täiuslikum kehastus saavutati Versailles’ (1668–1689) suurejoonelises ansamblis, mis oli kuninga pearesidents ja ülistas Prantsuse absolutismi piiritut jõudu. A. Benoisi sõnul on Versailles "loodusse armunud inimkonna luuletus, mis valitseb just selle looduse üle" (arhitektid Louis Levo, Andre Lenotrou, Jules Hardouin-Monsart).

Versailles' plaani eristab selgus, sümmeetria ja harmoonia. Laiendatud palee domineerib ümbritsevas piirkonnas ja korraldab seda. Pargiansambli ühendasid domineerivad sirgjooned, siledad tasapinnad ja parteri geomeetrilised kujundid, tiigid, pügatud puud ja lillepeenrad. Versailles’s avaldub kõikjal inimese soov allutada loodus mõistusele ja tahtele.

Palee ja pargiansambli kujundamisel mängisid olulist rolli kujud, skulptuurirühmad, reljeefid, purskkaevude kompositsioonid. Hiilguse soov oli ühendatud mõõdutundega, korra algusega. Linnad ehitati uuesti üles, eriti Pariis. Seda kaunistasid St Louis Square (praegu Vendôme), Place des Victories, millest sai linna tänavavõrgustiku keskus, ja Place des Vosges. Püstitamisel on nn Les Invalides koos katedraaliga (imiteerides Rooma Püha Peetruse katedraali).

Ajastu stiil on ilmekalt esindatud 16. sajandil püstitatud (arhitektid Lescaut ja Lemercier) Louvre’i idafassaadil (peapiiskop Claude Perrault), mis on ehitatud lisaks hoone põhiosadele. See on kaunistatud Korintose ordu sammaskäiguga, ulatub 173 meetrini ja on mõeldud kaugelt tajumiseks. Küpse prantsuse klassitsismi teos oli Louvre eeskujuks paljudele Euroopa valitsejate elukohtadele. Skulptuuris valitsesid dekoratiivsed vormid, milles klassitsism kombineeriti barokse paatose elementidega ("Supelnümfid", Louis XIV ratsamonumendid - Francois Girardon; portreed, jõgede allegoorilised figuurid, hauakivid - Antoine Coisevox).

Toulonis ja Marseilles töötanud skulptori, arhitekti, maalikunstniku Pierre Pugeti (1620-1694) ("Atlantes", "Kallis Croton" jt) tööd eristasid originaalne anne.

18. sajandit nimetati valgustusajastuks, mis oli läbi imbunud võitluse vaimust kõigi feodalismi järglaste vastu, mis kulmineerus Prantsuse kodanliku revolutsiooniga aastatel 1789–1794. Sajandi jooksul lõhuti hiiglaslikult kõik vana ühiskonna sotsiaalsed ja riiklikud alused, kontseptsioonid ja kriteeriumid.

XVIII sajand - mõistuse ajastu; arenevad tehnoloogiaga seotud täppis- ja loodusteadused, geograafia, arheoloogia, ajalugu ja materialistlik filosoofia. Oluliseks sündmuseks oli "Teaduse, kunsti ja käsitöö entsüklopeedilise ehk seletava sõnaraamatu" (1751-1780) väljaandmine, mille korraldas D. Diderot, osalejad J.-L. D "Alamber, Voltaire, C.-L. Montesquieu ja teised teadlased, kes said "entsüklopedistide" nime. Silmapaistev filosoofiline teos oli P. Holbachi (1723-1789) "Looduse süsteem". D. Diderot (1713) -1784) viidi sisse dialektika materialistlikesse õpetuselementidesse.

Kuid mõistuse ajastul ei surutud alla tunde värskust ja siirust, mis oli võimeline taaselustama "loomuliku inimese" ürgseid voorusi. Rousseau ütles: "Inimene on suurepärane ainult oma tunnetes." Need vaated leidsid väljenduse süvapsühholoogilises analüüsis, mis kehastati portreegaleriis, ajaloolistes maastikes (Hisborough, Watteau, Berne, Robert), "lüürilises romaanis", "proosa luuletustes" (Rousseau, Prevost, Marivaux). , Fielding, Stern, Richardson), muusikas (Handel, Bach, Gluck, Haydn, Mozart, itaalia ooperiheliloojad). Kunstiteoste kangelasteks said nii "väikesed inimesed" kui ka valgustuskultuurist sündinud tsiviliseeritud intellektuaalne inimene.

18. sajandi kunst läbis kaks etappi. Esimene kestis aastani 1740-1760 ja seda iseloomustas hilisbaroksete vormide muutmine dekoratiivseks rokokoostiiliks. Sel perioodil oli kombinatsioon teravmeelsest ja pilkavast skepsist ja rafineeritusest: viidi läbi tunnete ja meeleolude viimistletud analüüs, samal ajal tunti tõmmet "naudingufilosoofia", muinasjutuliste idapiltide vastu. .

Teine etapp (18. sajandi teine ​​pool) on seotud ideoloogiliste ja kunstiliste vastuolude süvenemisega. Prantsusmaa kuninglik akadeemia tegi katse taaselustada 17. sajandi lõpu akadeemilise kunsti tseremoniaalset stiili, mis pidi tugevdama "valgustatud absolutismi" autoriteeti. Arenenud mõtteviisi esindajad pöördusid muinaspärandi poole; Klassitsism taaskehtesas end, vastandudes dekoratiivsele barokile mõõdutunde, mõtete ja tegude õilsusega. XVIII sajandi klassitsismis oli uus antifeodaalne orientatsioon, Prantsusmaal - revolutsiooniline iseloom, mille tõid ellu absolutismivastase võitluse ideed.

Samal ajal jätkas realismi areng 18. sajandil. Kasutades Aristotelese materialistlikku kunstiõpetust, asusid valgustajad laduma teoreetilisi aluseid kriitilisele realismile, mis kinnistus kunstis juba 19. sajandil.

18. sajandi viimasel kolmandikul levis laialdaselt Inglismaal sündinud uus kunstisuund sentimentalism. Nime andis sellele Lawrence Stern oma romaaniga Sentimentaalne teekond, kuid selle tõeliseks rajajaks oli inglise kirjanik Richardson, seejärel kehastusid sentimentalismi põhimõtted Schilleri, Goethe, Rousseau, Diderot teostes, maalis - lõuendites. Chardin ja Greuze. Nende töödes oli aukohal loodus, selle ilu üle mõtisklemine. Vastupidiselt ülevale ja majesteetlikule (klassitsismile) tõi sentimentalism kunsti puudutavaid asju; tunne tõsteti kultuseks ja tundlikkus moraaliprintsiibi suhtes.

Eelromantilise suuna kujunemist seostatakse sentimentalismiga.

Tema aja - Inglismaa kodanliku revolutsiooni ajastu - toode oli Daniel Defoe (1660-1731) looming, kes romaanis "Robinson Crusoe" kinnitas ideed tugeva tahtega aktiivsest isiksusest.

J. Swifti (1667-745) romaan "Gulliveri reisid" oli pilkane ja kurb mõtisklus inimkonna saatuse üle.

Inglise maalikool 18. sajandil tõi välja andekate meistrite galaktika ja on Euroopas üks esimesi kohti. See on realist William Hogarth (1697-1764) - maalide tsükkel "Koi karjäär", "Moodne abielu", "Krevetimüüja", "Autoportree" jt. Joshua Reynoldsil (1723-1792) oli portreemaalijate seas eriline koht.

Suurim inglise maalikunstnik oli Thomas Gainsborough (1727-1788), portree- ja maastikumeister. Tema külmade sinakas-hõbedaste, oliivihallide, pärlitoonide kombinatsioonile üles ehitatud koloriit vallutab õilsuse ja harmooniaga ("Sinine poiss", "Hertsoginna de Beauforti portree"). Maamaastikel andis kunstnik edasi erinevaid loodusseisundeid, aimates 19. sajandi kunsti ("Juga"). Ta pöördub ka žanristseenide poole ("Faggot Gatherers").

Gainsborough'le järgneb inglise portreemaalijate galaktika: J. Romney (1754-1802), T. Lawrence (1769-1830), G. Reberi (1756-1832) jt.

XVIII sajandi inglise arhitektuur on jätkuvalt ratsionalismi ja klassitsismi positsioonidel: G. Wood (1705-1754), W. Kent (1684-1748), J. Gibbs (1682-1754).

Valgustusliikumine leidis elava väljenduse Prantsusmaa teaduses ja kunstis.

Lesage'i, Voltaire'i, Montesquieu ("Seaduste vaim"), Rousseau ("Pihtimus", "Inimeste ebavõrdsuse alustest ja põhjustest"), Diderot', D'Alemberti ja teiste propagandistidest kirjanike ja ühiskonnategelaste teosed. uue maailmavaate kohta on täidetud Valgustumise Vaimuga.

Voltaire’i (pärisnimega François Marie Arouet, 1694-1778) peetakse Prantsuse valgustajate juhiks. Tema kirjanduspärand on žanriliselt mitmekesine: eepilised, filosoofilised ja kangelaskoomilised luuletused, oodid, satiirid, epigrammid, lüürilised luuletused: ("Henriade", "Orleansi neitsi", "Brutus", "Caesari surm" jt) . Eriti olulised on filosoofilised lood ja nende hulgas - 4 Candide ehk optimism.

Prantsusmaa õppekirjanduses kuulub üks peamisi kohti komöödiate "Sevilla habemeajaja", "Figaro abielu" ja "Kurimema" autorile P. O. Beaumarchais'le (1732-1799). Teatavasti hüüdis Louis XVI pärast "Figaro abielu" kuulamist: "Selle lavale lubamiseks peate Bastille'i hävitama!"

18. sajandi Prantsusmaa arhitektuuris kehtestati uus suund - värviline, elegantne, peen rokokoo (fr. rococo alates rocaille - kest). Trend grandioossete ansamblite poole on kadumas. Eraelu taustaks saavad linnamaja, väike häärber, aristokraatlikud salongid ja valgusest üle ujutatud buduaarid.

Rokokoo tüüpiline näide on hotell Soubise interjöör, arhitekt Germain Boffrand (1667-1754). Hotelli ovaalne saal eristub oma graatsiliste vormide ja piiramatu elegantsi poolest. Mööbel - elegantsed nikerdatud konsoollauad, hubased pehmed tugitoolid, diivanid, millel on painduvad veidrad selja- ja jalakontuurid.

1750. aastate keskel köitis arhitektide tähelepanu antiiktellimusarhitektuuri rangus ja rahulikkus. Seda suunda juhtis Akadeemia. Klassitsism oli õukonnas moes. J.-A. Gabriel (1699-1782) kujundab Louis XVI väljaku (praegu Place de la Concorde) Pariisis, määratleb uuesti maapalee (Petit Trianon) teema. Ühiskondlikke hooneid ehitavad J.-J. Souflo (1713-1780).

Maalikunstis levivad rokokoo tendentsid (plafoonid, pannood, seinavaibad mütoloogilistel teemadel, galantsed teemad, pastoraalne žanr, idealiseeritud portree). Samal ajal tugevdatakse realistlikku orientatsiooni.

Antoine Watteau (1684-1721) oli galantse žanri, intiimse maalikunsti looja, peente vaimsete liikumiste ja tunnete laulja. Ta kiitis heaks kaasaegse teema rolli kunstis. Tema kunst omandas sageli romantilise varjundi. Watteau pöördus piltide poole rahvast ("Veskija", "Baski talupoeg", "Savoyar"), kujutas samal ajal ilmalikke daame ja härrasmehi, teatrimaailma ("Armastus Itaalia laval", "Armastus prantslastel" lava"), pühade aadlikud ("Galantsed pidustused", "Seltskond pargis"). Watteau kuulsad maalid: "Gilles", "Capricious" jt.

Küpse rokokoo stiili esindajaks oli Louis XV esimene kunstnik, aristokraatia lemmik Francois Boucher (1703-1770), dekoratiivtahvlite, maastike, kostüümide, mütoloogiliste teemade maalide autor ("Veenuse tualett") , pastorales jne.

Realistlikku suunda esindas Jean Baptiste Chardin (1699-1779). Tema keskseks teemaks on natüürmort, milles ta saavutas olulisuse ja sisu, peegeldades kodumaiste, sisseelatud asjade maailma, mis on saanud osaks tunnete ja mõtete intiimsfäärist. Need on "Attributes of Art", "Copper Tank jt. Charley pöördub ka žanri ("Kaardimaja", "Palve enne õhtusööki"), portree ("Autoportree") poole, paljastades kõikjal poeetilist võlu tavalisest.

Jean Baptiste Greuze (1725-1805) pöördus tundliku inimese kuvandi poole, inspireerituna Rousseau ideedest - "Küla pruut", "Noore mehe portree" jt.

Geniaalne joonistamismeister ja peen kolorist oli Jean Opore Fragonard (1732-1806). Teostuse dekoratiivne elegants on ühendatud tema poeetilise maailmatunnetusega ("Swing", "Stealth Kiss", "Portree of Diderot" jt).

18. sajandit Prantsusmaal iseloomustas skulptuuri areng. See on rokokoo interjööri kaunistus, monumentaalsus ja iha realismi järele. Märkimisväärne on Peeter I poolt Peterburi kutsutud Etienne Maurice Falcone'i (1716-1791) looming, kes kuulus "Pronksratsutaja" (1766-1782) poolest.

18. sajandi revolutsioonilised ideed Prantsusmaal on seotud tsiviilportree looja Jean Antoine Houdoni (1741-1828) loominguga (Rousseau, Mirabeau, Washington, meistriteos on Voltaire’i portree).

18. sajand Saksamaal leidis oma kehastuse valdavalt idealistlikus filosoofilises mõtlemises. Selle silmapaistvad esindajad: Kant (1724-1804), Fichte (1762-1814), Saksa klassikalise filosoofia tipp Hegel (1770-1831).

Saksa valgustusajastu andis maailmale suurepäraseid näiteid kunstilisest proosast – "Noore Wertheri kannatused", Goethe "Wilhelm Meister"; filosoofilised laulusõnad - Schilleri "Rõõmuni", Goethe "Gaimede", dramaturgia - Lessingi tragöödia "Emilia Galotti", Schilleri "Röövlid", "Petus ja armastus", luule "Torm ja pealetung" jt.

Kuid kõik parim, märkimisväärne, mis oli XVIII sajandi Saksa valgustusajastul, kehastas Johann Wolfgang Goethe (1749–1832) loodud surematus teoses "Faust", eepilises tragöödias, mille kallal ta töötas rohkem kui 60 aastat. Teose keskmes on vaidlus tõeotsija teadlase Fausti ja Mefistofelese vahel, mis sümboliseerib eituse ja hävitamise vaimu. Faust usub, et inimest jääb alati iseloomustama igavene rahulolematus saavutatuga. Mephistopheles väidab vastupidist: inimene eelistab igiliikumist hetkerõõmudele, alatutele naudingutele.

Selle tulemusena jõuab Faust arusaamisele, et elu eesmärk on võitlus inimkonna parimate ideaalide, inimeste heaolu nimel. See on tõde, mida ta on nii kaua otsinud, ja see on ilus.

Eluaastad

Asjata läinud: mulle selge

Maapealse tarkuse lõppjäreldus:

Ainult ta on väärt elu ja vabadust,

Kes käib nende eest iga päev võitlemas!

Selle mõttega Faust sureb, ta on kindel inimtegevuse surematus "vaba maa", "vaba rahva" nimel.

Vastuse küsimusele, mis on elu mõte (lõpeb see surmaga), annab autor Horus Mysticuse (mõistmatute tõdede koor) sõnadega: õnne eesmärk on eesmärgi poole püüdlemine ( "Eesmärk on siin lõputu – saavutamisel"). Inimene elab selleks, et luua, luua.

See oli suure valgustusajastu olemus, täidetud usuga inimese, tema mõistuse ja tahte jõusse ja jõusse.

Uus periood kultuuri arengus uue aja lävel. Traditsioonilise maailmapildi muutumine, muutused ajaloolises ja kultuurilises protsessis.

Kultuuri kujunemist mõjutavad tegurid:

1. Välismaised sekkumised.

2. Talurahvasõjad ja ülestõusud.

3. Absolutismi lisandumine, mis viis lõpule riigi tsentraliseerimise.

4. Talu- ja linnarahva seaduslik orjastamine (1649).

5. Ülevenemaalise turu kujunemine, mis hävitas patriarhaalse elulaadi.

6. Avaliku elu riikliku reguleerimise suurendamine.

7. Nikoni reform ja kiriku lõhenemine.

8. Sidemete laiendamine Lääne-Euroopa riikidega.

9. Kiriklikust maailmavaatest läbi imbunud muinasvene kultuuriloo lõpuleviimine. Kultuuri sekulariseerimine.

Peamised saavutused:

1. Teaduses - kogemuse uurimine ja üldistamine, et seda elus rakendada.

2. Kirjanduses - ilmaliku suuna kujunemine.

3. Arhitektuuris - religioossete ja tsiviilehitiste välimuse lähenemine.

4. Maalikunstis - ikonograafiliste kaanonite hävitamine ja realistlike tendentside esilekerkimine.

1613 – Romanovite dünastia kinnitamine. Esimene tsaar oli Mihhail Fedorovitš Romanov.

Kirjaoskuse õpetus perekonnas. Koduse hariduse ja koolituse eelised.

1633 – Burtsevi aabits, Smotritski grammatika

kuni XVII sajandini. - K. Istomini aabits, korrutustabel

Ilmuvad keskkoolid, mis jäävad oma tüübilt vaimseteks, keskaegseteks:

Luterlane Saksa kvartalis

· Boyar Rtištševi erakool noortele aadlimeestele.

kooli Kremli Tšudovi kloostris patriarhaalse kohtu kulul

1665 - kool Spasski kloostris, mida juhatas Simeon Polotski

· 1687 – Patriarh Macariuse poolt avati Donskoi kloostris slaavi-kreeka-ladina akadeemia, kus õpetasid vennad Likhud. Selle lõpetasid matemaatik Magnitski, Lomonosov, Metropolitan Platon.

Teaduslike teadmiste arendamine. Säilitatakse teaduslike teadmiste praktiline, rakenduslik olemus:

· meditsiinis - rahvaravi, teadmised olid päritud, üldistatud sajanditevanused kogemused. Laotakse riikliku meditsiini alused, avatakse esimesed apteegid ja haiglad. Avati "Vene arstide kool", esimesed teaduslikud tööd.

n. 17. sajandil - "Vana joonistus" - Venemaa kaarti pole säilinud.

· 1627 - "Uus joonistus".

· Geograafiline teave sisaldus "poverstnye raamatutes", mis tehti Yamsky tellimusel kutsaridele.

· "Siberi ordu" kogus teavet Siberi ja Kaug-Ida kohta. Vene maadeavastajad: Erofej Habarov - Kaug-Ida, S. Dežnev ja V. Pojarkov - Siber.

17. sajandi lõpp - S. Remezov koostas "Siberi joonistusraamatu".

Uut tüüpi ajalookirjutised:

· S. Medvedev "Lühikeste aastate mõtisklus"

· "Sünopsis" Gisel - ülevaade Venemaa ajaloost, ainuke vene ajaloo õpik jäi kauaks alles.

· ajalooteoste iidse vormi – annaalide – allakäigu aeg. Ilmuvad selle žanri uusimad teosed: "Schismatic Chronicle2", "Chronicle of Many Revolts", "Siberian Chronicles".

Kirjandus

· Muutused lugejate sotsiaalses koosseisus on toonud kaasa uusi nõudmisi kirjanduses. Uued žanrid: ilmalikud lood, legendid, teadusliku sisu kogumikud, satiirilised lood ("Lugu Šemjakini õukonnast", "Jerš Jeršovitši lugu"), draama, luule (riimluule rajaja oli Simeon Polotski, jätkas Karion Istomin ja Sylvester Medvedev). "Häda-õnnejutt".

· Anonüümsed ajakirjandusžanrid – "anonüümsed kirjad".

Pühakute elud - "Habakuki elu" - autobiograafia

Rahvaluule - muinasjutud, igapäevased, kangelaslikud, eeposed, ajaloolised laulud Yermakist ja Stenka Razinist

· Polotski Siimeon (17. sajandi teine ​​pool) – publitsist, oli munk, kuninglike laste õpetaja, piiramatu monarhia pooldaja. Ta koostas luuletusi ja jutlusi, ajakirjandust autokraatia auks, maalis targa monarhi ideaalkuju. Esimeste luulekogude "Mitmevärviline Vertograd", "Rhymologion" autor.

Reform ja skisma kirikus 1653-1656. dirigeerisid patriarh Nikon ja tsaar Aleksei Mihhailovitš.

· Ideoloogid – Avvakum ja Nikon.

· Nikon - vigade parandamine kirikuraamatutes ja kommetes. Ta tutvustas kolme sõrmega ristimist, kombeks - palmipuudepühal siseneb patriarh eesli seljas Kremlisse ja tsaar juhib eeslit.

· Lõhenemisele on pühendatud V. Surikovi maal “Boyar Morozova”. Ta kaitses vana usku, tõstis käe kahe sõrmega üles.

Arhitektuur

Selle aja arhitektuuri kohta öeldakse: "puujutud ja kivilaulud". Lahkumine kaanonitest, religioosse ja tsiviilehituse lähenemine. Peamine omadus on "imeline muster".

Uue Jeruusalemma ehitamine – Nikoni vaimusünnitus

· 1667-1668 - puidust palee Kolomenskojes - puitarhitektuuri tipp, Aleksei Mihhailovitši jaoks "Vene Petlemm". Seda nimetati "maailma kaheksandaks imeks". Arhitektid Semjon Petrov ja Ivan Mihhailov. Peeter I sündis Kolomenskojes.

Izmailovo mõis - veel üks kuninglik mõis, uut tüüpi majandus: mehhaniseerimine, klaasitehas, labürindiaed, loomaaed, teater

· Rostovi Kreml ehitati 17. sajandil.

Telkkirikud ja katedraalid. Kompositsioonide tüübid on mitmekesised: tented - kaheksanurk nelinurgal; õngejada - kahanevate nelja- või kaheksandiksete suurenemine, mitmepealine - kizhi.

Peaingli katedraal Nižni Novgorodis

Medvedkovo eestpalvekirik - vürst Pozharski pärand

Taevaminemise "Imeline" kirik Uglichis

· Teremi palee Kremlis – Bažen Ogurtsov, Larion Ušakov, Antipa Konstantinov, Šaturin.

Prohvet Eelija kirik Jaroslavlis

Telk Kremli Spasskaja torni kohal - Bazhen Ogurtsov

Uus stiil - Moskva või Narõškini barokk XVII sajandi 90ndatel.

Kolmainu kirik Nikitnikis

Moskvas Putinki Kristuse Sündimise kirik

Voznesenskaja Veliki Ustjugis

· Fili Eestpalvekirik, mille tellis Peeter I onu Lev Narõškin oma valduses.

Iseloomulikud omadused:

kokoshniks, mitmetasandiline, sümmeetria ja masside tasakaal, peamine kompositsiooniseade: neljakordne alus, sellel - kaheksanurk, ülal - teine, lõpetab trumli peaga. Vertikaalselt üles liikumise mõju. Kaunistuseks punane ja valge tellis, dekoratiivne ja elegantne, aknad olid raamitud sammastega, karniiside kohal - nn "kukekammid" - nikerdatud dekoratiivelementide triibud. Sees olevad seinamaalingud katavad kõiki pindu, luues mulje Eedeni aiast.

Tsiviilarhitektuur - duumaametniku Averki Kirillovi, Golitsõni, Troekurovi majad Moskvas, Korobovi majad Kalugas.

Kloostrikompleksid: Joseph-Volokolamsky, Spaso-Evfimiev, Novodevitši, Uus-Jeruusalemm, Trinity-Sergius Lavra.

Maalimine

Arengus on 2 etappi: sajandi esimene ja teine ​​pool.

Sajandi esimesel poolel toimus kahe koolkonna võitlus:

· "Godunovi koolkond" – nimi tuleneb sellest, et ikoonid on tellinud B. Godunov või tema sugulased. Nad toetavad vanu monumentaalseid traditsioone, kaanonite ranget järgimist. Ikoon "See on söömist väärt."

· "Stroganovi koolkond" - esteetilise printsiibi tugevdamine: peenjoonistus, detailide läbitöötamine, ornamentika, värvide tõstmine. Prokopy Chirin, Nikifor Savin, Emelyan Moskovitin.

Teine etapp on traditsioonist kõrvalekaldumine. Uue esteetilise ideaali kujunemine, lääne kunsti humanistlike põhimõtete areng. Soov kunstilise pildi realistliku kehastuse järele. Kunstiteooriast on käsitlusi.

Esindajad: Simon Ušakov (1626-1686) ja Joseph Vladimirov - kuninglikud maalikunstnikud.

Maalimise peamine tingimus - vastavus elu tõele. Maalimine on peegel, mis peegeldab maailma. S. Ušakovi "Kolmainsus", ikoon "Vladimir Jumalaema" ehk "Vene riigi puu istutamine", "Päästja, mis pole kätega tehtud" on kirjutatud chiaroscuro abil, võttes arvesse näo anatoomilist struktuuri.

17. sajandi teine ​​pool - maalikunstis, huvi portree vastu. Realismi tõus. Ilmub esimene ilmalik žanr, portree eelkäija - moonutustest analüüsimine. "inimene" ("Skopin-Shuisky").

Monumentaalmaal kogeb viimast õhkutõusmist:

maalimine c. Kolmainsus Nikitnikis - S. Ušakov ja Vladimirov

c. Prohvet Eelija Jaroslavlis - Gury Nikitin, Sila Savin koos saatjaskonnaga

Relvakamber - kontroll kunstnike tegevuse üle. Riigi kunstiline keskus. Kuningliku õukonna dekoratiiv- ja tarbekunsti valmistamise töötuba:

· "Suurepärane riietus" tsaar Mihhail Fedorovitšile - kroon, skepter, orb.

Teater

1672 – Johann Gottfried Gregory pani tsaar Aleksei Mihhailovitši nimel kokku näitlejate trupi, et lavastada saksa- ja venekeelse näidendit piiblilugudest. Teatri loomise algataja on bojaar A. Matvejev. Pärast kuninga surma teater suleti.

Siimeon Polotskist - Vene dramaturgia rajaja.

1673 - "Ballett Orpheusest ja Eurydiceest" - vene balleti sünd.

Sarnane teave.