Реферат на тему «Музика», 7 клас

У епоху середньовіччя у Європі складається музична культура нового типу - феодальна, що об'єднує у собі професійне мистецтво, аматорське музикування та фольклор. Оскільки церква панує в усіх сферах духовного життя, основу професійного музичного мистецтва становить діяльність музикантів у храмах та монастирях. Світське професійне мистецтво представлено спочатку лише співаками, які створюють і виконують епічні сказання при дворі, у будинках знаті, серед воїнів тощо. (барди, скальди та інших.). Згодом розвиваються аматорські та напівпрофесійні форми музикування лицарства: у Франції – мистецтво трубадурів та труверів (Адам де ла Аль, XIII століття), у Німеччині – міннезингерів (Вольфрам фон Ешенбах, Вальтер фон дер Фогельвейде, XII-XIII століття), а також міських ремісників. У феодальних замках та містах культивуються всілякі пологи, жанри та форми пісень (епічні, «світанкові», рондо, балади та інших.).

Входять у побут нові музичні інструменти, зокрема що прийшли зі Сходу (віола, лютня тощо. буд.), з'являються ансамблі (нестабільних складів). У селянському середовищі розквітає фольклор. Діють також «народні професіонали»: оповідачі, мандрівні артисти (жонглери, міми, менестрелі, шпільмани, скоморохи). Музика виконує головним чином прикладні та духовно-практичні функції. Творчість виступає у єдності з виконавством (як правило - в одній особі) та з сприйняттям. І змісті музики, й у її формі панує колективність; індивідуальне початок підпорядковується загальному, не виділяючись із нього (музикант-майстер - найкращий представник громади). У всьому панують строга традиційність та канонічність. Закріпленню, збереженню та розповсюдженню традицій і еталонів (але також і їх поступовому оновленню) сприяв перехід від невм, що лише приблизно вказували характер мелодійного руху, до лінійної нотації (Гвідо д'Ареццо, XI століття), що дозволило точно фіксувати висоту тонів, а потім і їхня тривалість.

Поступово, хоч і повільно, збагачуються зміст музики, її жанри, форми, засоби виразності. У Західній Європі з VI-VII століть. складається суворо регламентована система одноголосної (монодичної) церковної музики на основі діатонічних ладів (григоріанський спів), що об'єднує речитацію (псалмодія) та спів (гімни). На рубежі 1-го та 2-го тисячоліть зароджується багатоголосся. Формуються нові вокальні (хорові) та вокально-інструментальні (хор та орган) жанри: органум, мотет, кондукт, потім меса. У Франції у XII столітті утворюється перша композиторська (творча) школа при Соборі Паризької богоматері (Леонін, Перотін). На рубежі Відродження (стиль ars nova у Франції та Італії, XIV століття) у професійній музиці одностайність витісняється багатоголосністю, музика починає потроху звільнятися від суто практичної функції (обслуговування церковних обрядів), у ній посилюється значення світських жанрів, у тому числі пісенних (Гільом де Машо). Середньовічній музиці Європи присвятили свої праці багато музикознавців (зокрема П'єр Обрі).

Понад 1000 років розвивалося музичне мистецтво середньовіччя. Це напружений та суперечливий етап еволюції музичного мислення — від монодії (одноголосності) до найскладнішої поліфонії. У епоху Середньовіччя удосконалилися багато європейських музичних інструментів, сформувалися жанри як церковної, і світської музики, склалися відомі музичні школи Європи: нідерландська, французька, німецька, італійська, іспанська тощо.

У Середні віки було два основних напрямки у розвитку музики: духовна музика та світська, розважальна. При цьому світська музика засуджувалась релігією, вважалася «диявольською маною».

Музика була одним із інструментів релігії, «підручним» засобом, що служила цілям церкви, а також однією з точних наук. Музика ставилася поряд із математикою, риторикою, логікою, геометрією, астрономією та граматикою. Церква розвивала співочі та композиторські школи з упором на числову музичну естетику (для вчених тієї епохи музика була проекцією числа на звукову матерію). У цьому був вплив пізнього еллінізму, ідей Піфагора і Платона. За такого підходу музика не мала самостійного значення, вона була алегорією вищої, божественної музики.

Отже, музика ділилася на 3 типи:

• Світова музика – це музика сфер, планет. Згідно з музично-числовою естетикою епохи Середньовіччя кожна планета сонячної системи наділялася своїм звуком, тоном, і рух планет створював небесну музику. Крім планет своїм тоном наділялися і пори року.
• Людська музика - кожен орган, частина тіла, душа людини наділялися своїм звуком, що складалися в гармонійне співзвуччя.
• Інструментальна музика – мистецтво гри на інструментах, музика для розваги, нижчий тип ієрархії.

Духовна музика була вокальною, хоровою, а світська — інструментально-вокальною. Інструментальна музика вважалася легкою, несерйозною, і музичні теоретики тієї епохи не сприймали її всерйоз. Хоча менестрільне ремесло вимагало від музикантів великої виконавської майстерності.

Період переходу від Середньовіччя до епохи Нового часу в Європі, що тривав майже два з половиною сторіччя. У цей період у багатьох сферах життя відбулися значні зміни; бурхливий розквіт пережили наука та мистецтво. Період Відродження ділиться на безліч складових частин та фаз розвитку. З ним також пов'язані різні забобони, що укорінилися настільки міцно, що навіть у наші дні потрібні чималі зусилля, щоб їх спростувати.

• Перша і, мабуть, головна помилка – вважати (подібно до багатьох ідеологів Відродження) Відродження саме відродженням, воскресінням культури та цивілізації, що настало після довгого періоду варварських «середніх віків», похмурого часу, періоду розриву у розвитку культури. Цей забобон заснований на повному незнанні Середньовіччя та тісному зв'язку між ним та Відродженням; як приклад досить буде назвати дві абсолютно різні області - поезію та економічне життя. Данте жив у XIII столітті, тобто. у кульмінаційний момент Середньовіччя, Петрарка – у XIV. Що ж до економічного життя, то справжній її ренесанс також посідає XIII століття, час швидкого розвитку торгівлі, і банківської справи. Кажуть, що Відродженню ми зобов'язані перевідкриттям давніх авторів, але це теж забобони. Відомо, що в цей період були відкриті лише два давньогрецькі рукописи, інші вже були на Заході (головним чином у Франції), бо повернення до давнини, пов'язане з інтересом до людини та природи, Західна Європа пережила у XII та XIII століттях.
• Друге забобони пов'язане зі змішанням двох складових частин Відродження, протилежних один одному, а саме так званого гуманізму та нового природознавства. Гуманізм ворожий будь-якій логіці, кожному розуму, будь-якій природній науці, яку він вважає «механічною» працею, негідною культурної людини, покликаної бути письменником, ритором, політиком. Фігура людини Відродження, яка поєднує в собі одночасно і Еразма Роттердамського і Галілея, є міфічною, а віра в якийсь єдиний, притаманний епосі Відродження, образ світу - не що інше, як забобони.
• Третій забобон полягає у вихвалянні філософії епохи Відродження як «великої» в порівнянні з попередньою схоластикою.

Насправді, за винятком Миколи Кузанського (далекого від духу Відродження) і Галілея (що живе на заході епохи Відродження), філософи Відродження, за справедливим твердженням Крістеллера, не були ні хорошими, ні поганими - вони взагалі не були філософами. Чимало їх ми були видатними письменниками, вченими, знавцями давніх текстів, славилися глузливим і гострим розумом, літературним майстерністю. Але до філософії вони не мали майже жодного стосунку. Таким чином, протиставляти їх мислителям Середньовіччя – чистої води забобон.

• • Ще одна помилка - вважати Відродження бурхливою революцією, повним розривом із минулим. Справді, у період відбуваються глибокі зміни, але вони органічно пов'язані з минулим, й у разі їх витоки можна знайти у Середньовіччі. Ці зміни мають у минулому настільки глибоке коріння, що один з найбільших фахівців з епохи Відродження, Хейзінга, мав усі підстави назвати цю епоху «восени Середньовіччя».

Нарешті, забобонами є і думка, що люди, що жили в епоху Відродження, принаймні більшість з них, за духом своїм протестанти, моністи, атеїсти або раціоналісти. Насправді переважна більшість відомих представників Відродження, а в галузі філософії майже всі, від Леонардо і Фічіно до Галілея і Кампанелли, були католиками, часто-ревними прихильниками і захисниками католицької віри. Так, Марсіліо Фічіно на 40-му році життя прийняв християнську віру і створив католицьку апологетику Нового часу.

Музичний теоретик Середньовіччя Гвідо Аретинський (кінець X століття) дає таке визначення музики:

"Музика - це рух вокальних звуків".

У цьому вся визначенні середньовічний музичний теоретик висловив ставлення до музики всієї європейської музичної культури тієї епохи.

Музичні жанри церковної та світської музики.

Джерелом духовної музики Середньовіччя було монастирське середовище. Пісні співалися в співочих школах на слух і поширювалися в церковному середовищі. Через появу великого різноманіття наспівів католицька церква вирішила канонізувати і регламентувати піснеспіви, що відображають єдність християнської доктрини.

Таким чином, з'явився хорал, який став уособленням церковної музичної традиції. На його основі склалися інші жанри, створені спеціально для певних свят, богослужінь.

Духовна музика Середньовіччя представлена ​​такими жанрами: · Хорал, григоріанський хорал - одноголосний релігійний піснеспів латиною, чітко регламентований, виконувався хором, деякі розділи - солістом

• • • Меса – головне богослужіння католицької церкви, що складається з 5 стійких частин (ординаріум) – I. Kyrie eleison (Господи, помилуй), II. Gloria (слава), ІІІ. Credo (вірую), ІV. Sanctus (святий), V. Agnus Dei (ягня боже).
    • Літургія, літургійна драма — пасхальне чи різдвяне богослужіння, де григоріанські хорали чергувалися з неканонізованими мелодіями-стежками, літургії виконувались хором, партії персонажів (Марії, Євангеліста) — солістами, іноді з'являлися деякі подоби костюмів
    • Містерія — літургійна драма з розгорнутою сценічною дією, костюмами
    • Рондель (рондо, ру) - багатоголосний жанр зрілого та пізнього Середньовіччя, спирався на авторську мелодію (на відміну від канонізованого хоралу), яка виконувалася в імпровізаційній манері солістами, що вступали по черзі (рання форма канону)
    • Пропріум - частина жанру меси, що змінюється в залежності від церковного календаря (на відміну від незмінної частини меси - ординаріуму)
    • Антифон - найдавніший жанр хорової церковної музики, заснований на чергуванні партій двома хоровими групами

Зразки церковної музики:

1) Розспів kyrie eleyson

2) Cеквенція victimae Pashali

Світська музика Середньовіччя була переважно музикою бродячих музикантів і відрізнялася свободою, індивідуалізованістю та емоційністю. Також світська музика була частиною куртуазної, лицарської культури феодалів. Оскільки кодекс наказував лицареві вишукані манери, щедрість, великодушність, обов'язки служити Прекрасній Дамі, ці сторони не могли не знайти свого відображення в піснях трубадурів та мінезінгерів.

Виконували світську музику міми, жонглери, трубадури або трувери, менестрелі (у Франції), мінезінгери, шпільмани (у німецьких країнах), хоглари (в Іспанії), скоморохи (на Русі). Ці артисти повинні були не тільки вміти співати, грати та танцювати, а й уміти показувати циркові вистави, фокуси, театральні сцени, і мали інші способи всіляко розважати публіку.
Завдяки тому, що музика була однією з наук і викладалася в Університетах, феодали та знатні люди, які здобули освіту, могли застосовувати свої знання і в мистецтві.
Таким чином, музика розвивалася і у придворному середовищі. На противагу християнському аскетизму, лицарська музика оспівувала чуттєве кохання та ідеал Прекрасної Дами. Серед знаті як музиканти були відомі – Гійом – VII, граф Пуатьє, герцог Аквітанії, Жан Брієнський – король Єрусалима, П'єр Моклер – герцог Бретані, Тібо Шампанський – король Наварри.

Основні риси та особливості світської музики Середньовіччя:

• • • спирається на фольклор, виконується не латиною, а рідними мовами діалектах,
    • серед бродячих артистів нотація не використовується, музика є усною традицією (пізніше у придворному середовищі розвивається музична писемність)
    • основна тема - образ людини у всьому різноманітті її земного життя, ідеалізоване чуттєве кохання
    • одноголосся - як спосіб вираження індивідуальних почуттів у віршовано-пісенній формі
    • вокально-інструментальне виконання, роль інструментів ще не дуже висока, інструментальними були в основному вступи, інтермедії та коди
    • мелодика була різноманітна, але ритміка при цьому - канонізована, - в цьому позначався вплив церковної музики, різновидів ритму (ритмічних модусів) було всього 6, і кожен з них мав строго образний зміст

Трувери, трубадури та мінезінгери, що грають куртуазну лицарську музику, створили свої оригінальні жанри:

• • • «Ткацькі» та «травневі» пісні
    • Рондо - форма на основі повторюваного рефрену
    • Балада - текстомузична пісенна форма
    • Віреле — старофранцузька віршована форма з трирядковою строфою (третій рядок укорочена), однаковою римівкою та з приспівом
    • Героїчний епос («Пісня про Роланда», «Пісня про Нібелунгів»)
    • Пісні хрестоносців (пісні Палестини)
    • Канцона (у мінезингерів називалися - альба) - любовна, лірична пісня

Завдяки розвитку міської культури у X – XI ст. світське мистецтво стало розвиватися активніше. Мандрівні музиканти дедалі частіше вибирають осілий стиль життя, заселяють цілі міські квартали.

Цікаво, що бродячі музиканти до XII - XIII ст. повертаються до духовної тематики. Перехід від латині до місцевих мов та величезна популярність цих виконавців дозволили їм брати участь у духовних уявленнях у соборах Страсбурга, Руана, Реймса. Камбри. Згодом деякі мандрівні музиканти отримали право на організацію вистав у замках знаті та при дворах Франції, Англії, Сицилії та інших країн.

До XII — XIII століть серед бродячих музикантів з'являються ченці, мандрівні школяри, вихідці з нижчих верств духовенства – ваганти та голіарди.

Осілі музиканти утворюють у середньовічних містах цілі музичні цехи — «Братство святого Жюльєна» (Париж, 1321), «Братство святого Миколая» (Відень, 1288). Цілями цих об'єднань були захист прав музикантів, збереження та передача професійних традицій.

У XIII - XVI ст. формуються нові жанри, які розвиваються вже в епоху Ars Nova:

• • • Мотет (від франц. – «слово») — багатоголосний жанр, відрізняється мелодійною відмінністю голосів, які інтонували одночасно різні тексти, іноді навіть різними мовами, міг бути як світського змісту, так і духовного
    • Мадрігал (від італ. – «пісня рідною мовою», тобто італійською) — любовно-ліричні, пасторальні пісні,
    • Качча (від італ. - "Полювання") - вокальна п'єса на тему полювання.

Світська музика трубадурів та професійних композиторів.

Додаткова інформація:

У наш інформаційний вік, століття високих технологій ми часто забуваємо про неминучі духовні цінності. Однією із таких цінностей є класична музика – духовна спадщина наших предків. Що ж таке класична музика, навіщо вона потрібна сучасній людині? Чому багато хто вважає, що це дуже нудно? Спробуємо розібратися в цих непростих питаннях. Часто можна почути думку, що класична музика – це нібито та, що була давним-давно написана. Це не так, тому що під цим поняттям мається на увазі все те найкраще, що було створено у світі музики за час існування людської цивілізації. Соната Бетховена, створена у XVIII столітті, і романс Свиридова, написаний 40 років тому – все це класика! Головне, що ця музика пройшла випробування часом. І за часів Бетховена, і зараз є ділки від мистецтва, які виробляють низькопробний музичний продукт. Цей продукт дуже швидко псується, а справжнє мистецтво з кожним днем ​​стає все прекраснішим і прекраснішим.

Поява нот

Писемність, великий винахід людства, дозволило накопичувати і передавати майбутнім поколінням думки, ідеї та враження. Інший винахід, не менш великий, нотний запис, дозволив передавати нащадкам звуки, музику. До нот у європейській музиці використовувалися особливі знаки – невми.

Винахідник сучасної системи нотного запису – бенедиктинський чернець Гвідо Аретинський (Гвідо д'Ареццо) (990-1050). Ареццо - невелике містечко в Тоскані, неподалік Флоренції. У тутешньому монастирі брат Гвідо навчав співочих виконання церковних піснеспівів. Справа ця була нелегка і довга. Всі знання та вміння передавалися усно у безпосередньому спілкуванні. Співочі під керівництвом викладача і з його голосу послідовно розучували кожен гімн і кожен спів католицької меси. Тому повний курс навчання займав близько 10 років.

Гвідо Ареттинський почав відзначати нотами звуки (від латинського слова nota – знак). Ноти, заштриховані квадратики, розміщувалися на нотному стані, що складається із чотирьох паралельних ліній. Зараз цих ліній п'ять, і ноти зображають кружальцями, але принцип, запроваджений Гвідо, залишився без змін. Вищі ноти зображуються на вищій лінійці. Нот сім, вони утворюють октаву.

Кожній із семи нот октави Гвідо дав назву: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Це – перші склади гімну св. Іванові. Кожен рядок цього гімну співається на тон вище за попередній.

Ноти наступної октави називаються так само, але співаються вищим або нижчим голосом. При переході від однієї октави до іншої частота звуку, що позначається тією самою нотою, збільшується або зменшується вдвічі. Наприклад, музичні інструменти налаштовують за нот ля першої октави. Цій ноті відповідає частота 440 Гц. Ноте ля наступної, другої, октави відповідатиме частота 880 Гц.

Назви всіх нот, крім першої, закінчуються на голосний звук, їх зручно співати. Склад ut - закритий і проспівати його подібно до інших неможливо. Тому назву першої ноти октави, ut, у шістнадцятому столітті замінили на do (швидше за все, від латинського слова Dominus – Господь). Остання нота октави, si – скорочення двох слів останнього рядка гімну, Sancte Ioannes. В англомовних країнах назву ноти «сі» замінили на «ті», щоб не плутати з літерою С, яка також використовується в нотному записі.

Винайшовши ноти, Гвідо навчив співаків цій своєрідній абетці, а також навчив їх співати за нотами. Тобто тому, що у сучасних музичних школах називається сольфеджіо. Тепер достатньо було записати нотами всю месу, і співаки могли вже самі заспівати потрібну мелодію. Відпала потреба вчити кожного кожної пісні особисто. Гвідо мав лише контролювати процес. Час навчання співаків скоротився вп'ятеро. Замість десяти років – два роки!

Меморіальна дошка в Ареццо на вулиці Рікасоллі на будинку, де народився Гвідо. На ній зображено квадратні ноти.

Треба сказати, що чернець Гвідо з Ареццо був першим, хто придумав записувати музику з допомогою знаків. До нього в Західній Європі вже існувала система невмов (від грецького слова «пневмо» – дихання), значків, що проставляються над текстом псалмів, щоб позначити підйом чи зниження тону пісні. На Русі для тієї ж мети використовували свою систему «гаків» або «прапорів».

Квадратні ноти Гвідо Аретинського, що розміщуються на чотирьох лініях нотного стану, виявилися найпростішою та найзручнішою системою запису музики. Завдяки їй нотна грамота поширилася у всьому світі. Музика покинула межі церкви і пішла спочатку до палаців владик і вельмож, а потім до театрів, концертних залів і на міські площі, ставши загальним надбанням.

Що таке лад.

Лади - одне із центральних термінів теорії музики. Розуміння, як вони будуються, і вміле їхнє використання відкривають перед музикантом необмежені можливості. І часто пояснити, як саме створюється цікавий перехід у тій чи іншій композиції, неможливо – якщо людина не розуміє, що таке лад. Але є проблема: термін «лад» самі музиканти вживають, часто маючи на увазі зовсім не те саме. Чому так? І що взагалі таке – лад? Плутанина вийшла через те, що в це слово в різні епохи вкладали дуже різний сенс.

Ми не усвідомлюємо наскільки наше сприйняття виховано та зав'язане на класичній музиці. (Тоді як поняття "сучасна музика" - це відхід від класичних принципів). Епоха класицизму – великий історичний злам у людському сприйнятті світу. Після Середньовіччя люди відкривають собі античне мистецтво і зачаровуються ним. Будь-який твір класицизму будується на строгих канонах, виявляючи стрункість і логічність самого світобудови. Класицизм створив структурну впорядкованість - чітку ієрархію вищого та нижчого, головного та другорядного, центрального та підлеглого. Тому, наприклад, починаючи з віденської класики та романтичної музики ми мислимо у системі – «мажор-мінор». Що це таке та як впливає на наше сприйняття?

Мажор і мінор – це тональні лади. Тональний лад – це певна система взаємовідносин між тонами. Що це означає? Що таке тон? Спробуємо розібратися. Припустимо, перед вами піаніно: подивіться на клавіатуру: звичне нам до-ре-мі-фа-соль-ля-сі, 7 білих клавіш і між ними ще 5 чорних, всього 12. Відстань між кожними двома становить півтон. Між сусідньою чорною та білою – завжди півтон. Між сусідніми білими – тон (є винятки мі-фа, і сі-до – це півтони).

Будь-який набір з тонів та напівтонів – це звукоряд. В епоху класицизму його стали будувати зі строгим підпорядкуванням усіх тонів тоніці – основним тоном. Такий мажорний чи мінорний лад. Вся тональна музика (вся класика) будується саме на взаєминах між головними та підлеглими співзвуччями. На слух ми інтуїтивно розрізняємо мажор і мінор після того, як вони пофарбовані - "радісно" або "сумно". Змінний лад це коли в одному творі одночасно є і мажорні, і мінорні риси. Але принцип у них загальний – тональний.

Однак цей принцип – не єдиний можливий. До епохи класицизму, коли всі остаточно впорядкували у струнку систему тональностей, музичне мислення було іншим. Іонійський, дорійський, фригійський, лідійський, міксолідійський, еолійський, локрійський… Це октавні лади греків. А ще були церковні лади григоріанської музики. Все це – модальні лади. Вони складали музику в античності, Середньовіччя, модальна східна музична традиція (індійські раги чи арабський макам, наприклад). У музиці Європи епохи Відродження також переважала модальність.

У чому головна відмінність від звичного нам тонального погляду? У тональних ладах існує суворе розмежування функцій основних співзвуччя і акордів, а модальній музиці вони набагато розмиті. Для модального ладу важливий сам звукоряд загалом - і значення і фарби, які може привнести у музику. Саме тому ми легко на слух відрізняємо індійську музику від середньовічних хоралів – за певними співзвуччями та музичними ходами.

До XX століття композитори, здається, перепробували всі варіанти звучання у межах тональної музики. «Мені нудно, біс!», - сказали вони і в пошуках нових фарб звернулися до старого - модальних оборотів та ходів. Так з'явилася нова модальність. У сучасній музиці з'явилися нові лади – наприклад, блюзовий. Понад те, виник особливий жанр - модальний джаз. Майлз Девіс, наприклад, називав модальну музику "відхиленням від нормальної гами з семи нот, де кожна нота як би не у фокусі". І казав, що «ідучи в цьому напрямку, ти йдеш у нескінченність». Суть у тому, що тональний та модальний принципи зовсім не виключають один одного. В одній п'єсі їх ознаки можуть поєднуватися. Модальність - це ще один шар, який накладається на звичний нам «мажор/мінор». І використання різних модальних ладів змінює забарвлення музики: наприклад, обороти фригійського ладу похмурі, тому що його звукоряд переважно становлять знижені щаблі. Знаючи такі ладові особливості, можна досягти цікавого звучання, якщо ви пишете музику.

Забарвлення, настрій, характер - ось ті ознаки ладу, які ми чуємо, але найчастіше цього не усвідомлюємо. Часто в піснях нас чіпляють саме модальні обороти – бо вони незвичайні. Чутка, вихована на класичній музиці, торкається цього відходу від повсякденності. Все це і багато іншого відкривається, коли розумієш мову музики.

Музика епохи середньовіччя - період розвитку музичної культури, що охоплює період часу приблизно з V по XIV століття н.е.

Середньовіччя - велика епоха людської історії, час панування феодального устрою.

Періодизація культури:

Раннє Середньовіччя - V - X ст.

Зріле Середньовіччя – XI – XIV ст.

У 395 р. Римська імперія розпалася на дві частини: Західну та Східну. У Західній частині на руїнах Риму в V-IX століттях існували варварські держави: остготів, вестготів, франків та ін. У IX столітті внаслідок розпаду імперії Карла Великого тут утворилося три держави: Франція, Німеччина, Італія. Столицею Східної частини став Константинополь, заснований імператором Костянтином дома грецької колонії Візантії - звідси і назва держави.

У епоху середньовіччя у Європі складається музична культура нового типу - феодальна, що об'єднує у собі професійне мистецтво, аматорське музикування та фольклор. Оскільки церква панує в усіх сферах духовного життя, основу професійного музичного мистецтва становить діяльність музикантів у храмах та монастирях. Світське професійне мистецтво представлено спочатку лише співаками, які створюють і виконують епічні сказання при дворі, у будинках знаті, серед воїнів тощо. (барди, скальди та інших.). Згодом розвиваються аматорські та напівпрофесійні форми музикування лицарства: у Франції - мистецтво трубадурів і труверів (Адам де ла Аль, XIII століття), у Німеччині - мінезінгерів (Вольфрам фон Ешенбах, Вальтер фон дер Фогельвейде, XII-XIII століття), а також міських ремісників. У феодальних замках та містах культивуються всілякі пологи, жанри та форми пісень (епічні, «світанкові», рондо, ле, виреле, балади, канцони, лауди та інших.).

Входять у побут нові музичні інструменти, зокрема що прийшли зі Сходу (віола, лютня тощо. буд.), з'являються ансамблі (нестабільних складів). У селянському середовищі розквітає фольклор. Діють також «народні професіонали»: оповідачі, мандрівні синтетичні артисти (жонглери, міми, менестрелі, шпільмани, скоморохи). Музика знову виконує головним чином прикладні та духовно-практичні функції. Творчість виступає у єдності з виконавством (як правило, в одній особі).

Поступово, хоч і повільно, збагачуються зміст музики, її жанри, форми, засоби виразності. У Західній Європі з VI-VII століть. складається суворо регламентована система одноголосної (монодичної) церковної музики на основі діатонічних ладів (григоріанський спів), що об'єднує речитацію (псалмодія) та спів (гімни). На рубежі 1-го та 2-го тисячоліть зароджується багатоголосся. Формуються нові вокальні (хорові) та вокально-інструментальні (хор та орган) жанри: органум, мотет, кондукт, потім меса. У Франції у XII столітті утворюється перша композиторська (творча) школа при Соборі Паризької богоматері (Леонін, Перотін). На рубежі Відродження (стиль ars nova у Франції та Італії, XIV століття) у професійній музиці одностайність витісняється багатоголосністю, музика починає потроху звільнятися від суто практичної функції (обслуговування церковних обрядів), у ній посилюється значення світських жанрів, у тому числі пісенних (Гільом де Машо).

Матеріальну основу Середньовіччя склали феодальні відносини. Середньовічна культура формується за умов сільського маєтку. Надалі соціальною основою культури стає міське середовище – бюргерство. З утворенням країн формуються основні стани: духовенство, дворянство, народ.

Мистецтво Середньовіччя тісно пов'язане з церквою. Християнське віровчення – основа філософії, етики, естетики, всього духовного життя цього часу. Наповнене релігійною символікою, мистецтво спрямоване від земного, минущого - до духовного, вічного.

Поряд з офіційною церковною культурою (високою) існувала світська культура (низова) – фольклорна (нижчих суспільних верств) та лицарська (куртуазна).

Основні осередки професійної музики раннього Середньовіччя – собори, співочі школи при них, монастирі – єдині центри освіти того часу. У них вивчали грецьку мову та латину, арифметику та музику.

Головним центром церковної музики у Європі у епоху Середньовіччя був Рим. Наприкінці VI – на початку VII ст. формується основний різновид західноєвропейської церковної музики - григоріанський хорал, названий так на ім'я папи Григорія I, який здійснив реформу церковного співу, зібравши воєдино і впорядкувавши різні церковні співи. Григоріанський хорал - одноголосний католицький спів, у якому злилися багатовікові співочі традиції різних близькосхідних та європейських народів (сирійці, іудеї, греки, римляни та ін.). Саме плавне одноголосне розгортання єдиної мелодії покликане було уособлювати єдину волю, спрямованість уваги парафіян відповідно до догматів католицизму. Характер музики строгий, позаособистий. Виконувався хорал хором (звідси назва), деякі розділи – солістом. Переважає поступовий рух на основі діатонічних ладів. Григоріанський спів допускав чимало градацій, починаючи від суворо-повільної хорової псалмодії і закінчуючи ювіляціями (мелізматичне розспівування стилю), що вимагають для свого виконання віртуозної вокальної майстерності.

Григоріанський спів віддаляє слухача від дійсності, викликає смирення, призводить до споглядальності, містичної відчуженості. Такому впливу сприяє і текст латинською мовою, незрозумілою більшості парафіян. Ритм співу визначався текстом. Він розпливчатий, невизначений, обумовлений характером акцентів декламування тексту.

Різноманітні види григоріанського співу було зведено воєдино в головному богослужінні католицької церкви - месі, в якій встановилося п'ять стійких частин:

Kyrie eleison (Господи, помилуй)

Gloria (слава)

Credo (вірую)

Sanctus (святий)

Agnus Dei (ягня боже).

З часом у григоріанський хорал починають просочуватися елементи народної музики через гімни, секвенції та стежки. Якщо псалмодії виконувались професійним хором співчих і священнослужителями, то гімни спочатку - парафіянами. Вони були вставки в офіційне богослужіння (їм були притаманні риси народної музики). Але невдовзі гімнічні частини меси стали витісняти псалмодичні, що призвело до появи поліфонічної меси.

Перші секвенції являли собою підтекстування під мелодику ювіляції так, щоб один звук мелодії мав би окремий склад. Секвенція стає поширеним жанром (найпопулярніші "Veni, sancte spiritus", "Dies irae", "Stabat mater"). "Dies irae" використовували Берліоз, Ліст, Чайковський, Рахманінов (дуже часто як символ смерті).

Перші зразки багатоголосся походять з монастирів – органум (рух паралельними квінтами або квартами), гімель, фобурдон (паралельні секстаккорди), кондукт. Композитори: Леонін і Перотін (12-13 ст. - собор Паризької Богоматері).

Носіями світської народної музики у Середньовіччі були міми, жонглери, менестрелі у Франції, шпільмани – у країнах німецької культури, хоглари – в Іспанії, скоморохи – на Русі. Ці мандрівні артисти були універсальними майстрами: вони поєднували співи, танці, гру на різних інструментах з фокусництвом, цирковим мистецтвом, ляльковим театром.

Іншою стороною світської культури була лицарська (куртуазна) культура (культура світських феодалів). Лицарями були майже всі знатні люди - від незаможних воїнів до королів. Формується особливий лицарський кодекс, відповідно до якого лицар, поряд з відвагою і доблестю, повинен був мати вишукані манери, бути освіченим, щедрим, великодушним, віддано служити Прекрасній Дамі. Усі сторони лицарського життя знайшли свій відбиток у музично-поетичному мистецтві трубадурів (Прованс - південна Франція), труверів (північна Франція), миннезингеров (Німеччина). Мистецтво трубадур пов'язане переважно з любовною лірикою. Найбільш популярним жанром любовної лірики була канцона (у мінезінгерів – «Ранкові пісні» – альби).

Трувери, широко використовуючи досвід трубадурів, створили свої оригінальні жанри: ткацькі пісні, травневі пісні. Важливу область музичних жанрів трубадурів, труверів та мінезінгерів складали пісенно-танцювальні жанри: рондо, балада, віреле (рефренні форми), а також героїчний епос (французький епос «Пісня про Роланда», німецький – «Пісня про Нібелунгів»). У мінезінгерів були поширені пісні хрестоносців.

Характерні риси мистецтва трубадурів, труверів та мінезінгерів:

Одноголосся – є наслідком нерозривного зв'язку наспіву з віршованим текстом, що випливає із самої суті музично-поетичного мистецтва. Одноголосие відповідало і установці на індивідуалізоване вираження власних переживань, особисту оцінку змісту висловлювання (часто вираз особистих переживань обрамлялося окресленням картин природи).

Переважно вокальне виконання. Роль інструментів була значною: вона зводилася до виконання вступів, інтермедій і постлюдій, що обрамляють вокальний наспів.

Про лицарське мистецтво ще не можна говорити як про професійне, але вперше в умовах світського музикування було створено потужне музично-поетичне спрямування з розвиненим комплексом виразних засобів та відносно досконалою музичною писемністю.

Одним з важливих досягнень зрілого середньовіччя, починаючи з X-XI століть, стало розвиток міст (бюргерської культури). Основними рисами міської культури були антицерковна, вільнолюбна спрямованість, зв'язок із фольклором, її сміховий та карнавальний характер. Розвивається готичний архітектурний стиль. Формуються нові багатоголосні жанри: з 13-14 до 16 ст. - мотет (від франц. - «слово». Для мотета типово мелодійна відмінність голосів, що інтонували одночасно різні тексти - часто навіть різними мовами), мадригал (від італ. - «пісня рідною мовою», тобто італійською. Тексти любовно-ліричні, пасторальні), качча (від італ. – «полювання» – вокальна п'єса на текст, що живописує полювання).

Народні мандрівні музиканти переходять від кочового способу життя до осілого, заселяють цілі міські квартали та складаються у своєрідні «музиканські цехи». Починаючи з XII століття, до народних музикантів приєдналися ваганти і голіарди - декласовані вихідці з різних класів (школярі-студенти, ченці, мандрівні клірики). На відміну від неграмотних жонглерів - типових представників мистецтва усної традиції - ваганти та голіарди були грамотними: вони володіли латинською мовою та правилами класичного віршування, складали музику - пісні (коло образів пов'язаний зі шкільною наукою та студентським побутом) і навіть складні твори типу кондук .

Значним осередком музичної культури стали університети. Музика, точніше - музична акустика - разом із астрономією, математикою, фізикою входила у квадріум, тобто. цикл із чотирьох дисциплін, що вивчалися в університетах.

Таким чином, у середньовічному місті існували різні за характером та соціальною спрямованістю вогнища музичної культури: об'єднання народних музикантів, придворна музика, музика монастирів та соборів, університетська музична практика.

Музична теорія Середньовіччя була пов'язана з богослов'ям. У небагатьох музично-теоретичних трактатах, що дійшли до нас, музика розглядалася як «служниця церкви». Серед відомих трактатів раннього Середньовіччя виділяються 6 книг «Про музику» Августина, 5 книг Боеція «Про встановлення музики» та ін.

Середньовічна ладова система була розроблена представниками церковного професійного музичного мистецтва – тому за середньовічними ладами і закріпилася назва «церковні лади». Як головні лади утвердилися іонійський і еолійський.

Музична теорія Середньовіччя висунула вчення про гексахарди. У кожному ладу використовувалися на практиці 6 ступенів (наприклад: до, ре, мі, фа, сіль, ля). Сі тоді уникалося, т.к. утворювало разом з фа хід на збільшену кварту, яку вважали дуже неблагозвучною і образно називали «дияволом у музиці».

Широко застосовувався несамовитий запис. Гвідо Аретинський удосконалив систему нотного запису. Суть його реформи полягала в наступному: наявність чотирьох ліній, терцеве співвідношення між окремими лініями, ключовий знак (спочатку літерний) або забарвлення ліній. Він також ввів складові позначення для перших шести щаблів ладу: ут, ре, мі, фа, сіль, ля.

Вводиться мензуральна нотація, де за кожною нотою закріплювалася певна ритмічна міра (лат. mensura – міра, вимір). Назва тривалостей: максима, лонга, бревіс тощо.

XIV століття – перехідний період між середньовіччям та епохою Відродження. Мистецтво Франції та Італії XIV століття отримало назву «Ars nova» (від лат. - Нове мистецтво), причому в Італії воно мало всі властивості раннього Відродження. Основні риси: відмова від використання виключно жанрів церковної музики та звернення до світських вокально-інструментальних камерних жанрів (балада, качча, мадригал), зближення з побутовою пісенністю, використання різноманітних музичних інструментів. Ars nova протилежно т.зв. арс антиква (лат. ars antiqua - старе мистецтво), що має на увазі музичне мистецтво до початку XIV століття. Найбільшими представниками аrs nova були Гійом де Машо (14 ст., Франція) та Франческо Ландіно (14 ст., Італія).

Таким чином, музична культура Середньовіччя, незважаючи на відносну обмеженість коштів, представляє більш високу сходинку в порівнянні з музикою Стародавнього світу та містить передумови для пишного розквіту музичного мистецтва в епоху ренесансу.

музика середньовіччя григоріанський трубадур

Музика епохи середньовіччя - період розвиткумузичної культури, що захоплює проміжок часу приблизно з V до XIV століття н.е. .
В епоху середньовіччя у Європі складається музична культура нового типу -феодальна , що поєднує в собі професійне мистецтво, аматорське музикування тафольклор. Оскільки церква панує у всіх галузях духовного життя, основу професійного музичного мистецтва становить діяльність музикантів ухрамах та монастирях . Світське професійне мистецтво представлено спочатку лише співаками, що створюють і виконують епічні сказання при дворі, в будинках знаті, серед воїнів і т. д.барди, скальди та ін.). Згодом розвиваються аматорські та напівпрофесійні форми музикування.лицарства: у Франції - мистецтво трубадурів і труверів (Адам де ла Аль, XIII століття), у Німеччині - мінезінгерів ( Вольфрам фон Ешенбах, Вальтер фон дер Фогельвейде, XII - XIII століття ), а також міськихремісників. У феодальних замках і в містах культивуються всілякі пологи,жанри та форми пісень (епічні, «світанкові», рондо, ле, вірелі, балади, канцони, лауди та ін.).
Входять у побутмузичні інструменти, у тому числі ті, що прийшли зСходу (віола, лютня і т. д.), виникають ансамблі (нестабільні склади). У селянському середовищі розквітає фольклор. Діють також «народні професіонали»:оповідачі , Мандрівні синтетичні артисти (жонглери, міми, менестрелі, шпильмани, скоморохи ). Музика знову виконує головним чином прикладні та духовно-практичні функції. Творчість виступає в єдності звиконавством(Як правило в одній особі).
І у змісті музики, і у її формі пануєколективність ; індивідуальне початок підпорядковується загальному, не виділяючись із нього (музикант-майстер - найкращий представникгромади ). У всьому панують строгатрадиційність та канонічність . Закріплення, збереження та розповсюдженнятрадицій та еталонів.
Поступово, хоч і повільно, збагачуються зміст музики, їїжанри , форми , засоби виразності. ВЗахідна Європа з VI - VII століть . складається суворо регламентована системаодноголосної (монодичної ) церковної музики на основідіатонічних ладів ( григоріанський спів), що об'єднує речитацію (псалмодія) та спів (гімни) ). На рубежі 1-го та 2-го тисячоліть зароджуєтьсябагатоголосся . Формуються новівокальні (хорові ) та вокально-інструментальні (хор іорган) жанри: органум, моте, кондукт, потім меса. У Франції у XII столітті утворюється першакомпозиторська (творча) школа при Собор Паризької богоматері(Леонін, Перотин). На рубежі Відродження (стиль ars nova у Франції та Італії, XIV століття) професійної музикиодностайність витісняєтьсябагатоголосся , музика починає потроху звільнятися від суто практичної функції (обслуговування церковнихобрядів ), у ній посилюється значеннясвітських жанрів, у тому числі пісенних (Гільом де Машо).

Відродження.

Музика у період XV-XVII століть.
У середні віки музика була прерогативою Церкви, тому більшість музичних творів були священними, в їх основі лежали церковні піснеспіви (Григоріанський хорал), які були частиною віросповідання із самого початку Християнства. На початку XVII століття культові наспіви, за безпосередньої участі папи Григорія I, були остаточно канонізовані. Григоріанський хорал виконувався професійними співаками. Після освоєння церковною музикою багатоголосся Григоріанський хорал залишився тематичною основою поліфонічних культових творів (мес, мотетів та ін.).

За Середньовіччям пішов Ренесанс, який був для музикантів ерою відкриттів, нововведень та досліджень, епохою Відродження всіх верств культурного та наукового прояву життя від музики та живопису до астрономії та математики.
Хоча в основному музика залишалася релігійною, але ослаблення церковного контролю над суспільством відкрило композиторам та виконавцям велику свободу у прояві своїх талантів.
З винаходом друкарського верстата з'явилася можливість друкувати та розповсюджувати ноти, з цього моменту і починається те, що ми називаємо класичною музикою.
У цей час з'явилися нові музичні інструменти. Найпопулярнішими стали інструменти, на яких любителям музики гра давалася легко та просто, не вимагаючи спеціальних навичок.
Саме в цей час з'явилася віола – попередниця скрипки. Завдяки ладам (дерев'яні смуги поперек грифу) грати на ній було нескладно, а звук її був тихим, ніжним і добре звучав у невеликих залах.
Також були популярні і духові інструменти – блок-флейта, флейта та ріжок. Найскладніша музика писалася для щойно створених клавесину, верджинела (англійський клавесин, що відрізняється невеликими розмірами) та органу. При цьому музиканти не забували складати і простішу музику, яка не вимагала високих виконавських навичок. На цей час припали зміни в нотному листі: на зміну важким дерев'яним друкарським блокам прийшли винайдені італійцем Оттавіано Петруччі пересувні металеві літери. Опубліковані музичні твори швидко розкуповувалися, дедалі більше людей почали долучатися до музики.
Кінець епохи Відродження ознаменувався найважливішою подією музичної історії - народженням опери. У Флоренції зібралася група гуманістів, музикантів, поетів під заступництвом свого лідера графа Джованні Де Барді (1534 – 1612). Група називалася "камерата", її основними членами були Джуліо Каччіні, П'єтро Строцці, Вінченцо Галілей (батько астронома Галілео Галілея), Джилорамо Мей, Еміліо де Кавальєрі та Оттавіо Рінуччіні в молоді роки.
Перші задокументовані збори групи відбулися в 1573 році, а найактивнішими роками роботи.Флорентійської камерати Вони були 1577 - 1582 рр. Вони вірили, що музика "зіпсувалася" і прагнули повернутися до форми та стилю античної Греції, вважаючи, що музичне мистецтво може бути покращене і відповідно суспільство також покращиться. Камерата критикувала існуючу музику за надмірне використання поліфонії на шкоду розбірливості тексту та втрату поетичної складової твору та запропонувала створити новий музичний стиль, у якому текст у монодичному стилі супроводжувався інструментальною музикою, їх експерименти призвели до створення нової вокально-музичної форми – речитатива, вперше використаного Еміліо де Кавальєрі, згодом безпосередньо пов'язаного з розвитком опери.
Першою офіційно визнаноюоперою , Що відповідає сучасним стандартам, стала опера "Дафна" (Daphne) вперше представлена ​​в 1598 р. Авторами "Дафни" були Якопо Пері та Якопо Корсі, лібрето Оттавіо Рінуччіні. Ця опера не збереглася. Першою оперою, що збереглася, є "Еврідіка" (1600) цих же авторів - Якопо Періта Оттавіо Рінуччіні. Ця творча спілка ще створила чимало творів, більшість з яких загублені.

Музика раннього бароко (1600-1654)

Умовною точкою переходу між епохами бароко та ренесансу можна вважати створення італійським композитором Клаудіо Монтеверді (1567-1643) його речитативного стилю та послідовний розвиток італійської опери. Початок оперних спектаклів у Римі і особливо у Венеції означало вже визнання та поширення нового жанру країною. Все це було лише частиною ширшого процесу, що захопило всі мистецтва, і особливо яскраво виявився в архітектурі та написанні картин.
Композитори ренесансу приділяли увагу опрацюванню кожної частини музичного твору, майже приділяючи уваги зіставленню цих елементів. Окремо кожна частина могла звучати чудово, але гармонійний результат додавання був, швидше, справою випадку, ніж закономірності. Поява фігурного басу вказувало на значну зміну в музичному мисленні - а саме те, що гармонія, що є «складанням частин в одне ціле», так само важлива, як і мелодійні частини (поліфонія) власними силами. Все більше і більше поліфонія і гармонія виглядали як дві сторони однієї ідеї твору милозвучної музики: при творі гармонійним секвенціям приділялася та ж увага, що й тритонам при створенні дисонансу. Гармонійне мислення існувало і в деяких композиторів попередньої епохи, наприклад, у Карло Джезуальдо, але в епоху бароко воно стало загальноприйнятим.
Ті частини творів, де не можна чітко відокремити модальність від тональності, він позначав як змішаний мажор, або змішаний мінор (пізніше для цих понять він увів терміни «мональний мажор» та «мональний мінор» відповідно). З таблиці видно, як тональна гармонія вже під час раннього бароко практично витісняє гармонію попередньої ери.
Італія стає центром нового стилю. Папство, хоч і захоплене боротьбою з реформацією, проте має величезними фінансовими ресурсами, поповнюваними рахунок військових походів Габсбургів, шукало можливості поширення католицької віри з допомогою розширення культурного впливу. Пишністю, величчю та складністю архітектури, образотворчих мистецтв та музики католицизм ніби сперечався з аскетичним протестантизмом. Багаті італійські республіки та князівства, також вели активну конкуренцію у сфері витончених мистецтв. Одним з важливих центрів музичного мистецтва була Венеція, яка була під світським, так і під церковним патронажем.
Значною фігурою періоду раннього бароко, позиція якого була на стороні Католицизму, що протистоїть зростаючому ідейному, культурному та суспільному впливу Протестантизму, був Джованні Габріелі. Його роботи належать стилю "Високого відродження" (період розквіту Ренесансу). Однак деякі його нововведення в галузі інструментування (призначення певного інструменту власних, специфічних завдань) однозначно вказують, що він був одним із композиторів, що вплинули на появу нового стилю
Одна з вимог, що пред'являються церквою до твору духовної музики, полягала в тому, щоб тексти у творах з вокалом були розбірливими. Це вимагало уникнення поліфонії до музичних прийомів, де слова виходили передній план. Вокал став складнішим, витіюватішим порівняно з акомпанементом. Так набула розвитку гомофонія.
Монтеверді Клаудіо(1567-1643), італійський композитор. Ніщо не приваблювало його так, як відслонення внутрішнього, душевного світу людини в його драматичних колізіях та конфліктах з навколишнім світом. Монтеверді - справжній основоположник конфліктної драматургії трагедійного плану. Він - справжній співак душ людських. Він наполегливо прагнув природної виразності музики. «Мова людська - володарка гармонії, а не служниця її».
"Орфей" (1607) -Музика опери зосереджена розкритті внутрішнього світу трагічного героя. Його партія надзвичайно багатогранна, у ній зливаються різні емоційно-виразні струми та жанрові лінії. Він захоплено волає до рідних лісів і побережжя або оплакує втрату своєї Еврідіки в невигадливих піснях народного складу.

Музика зрілого бароко (1654-1707)

Період централізації верховної влади у Європі часто називають абсолютизмом. Абсолютизм досяг свого апогею за французького короля Людовіка XIV. Для всієї Європи двір Людовіка був взірцем для наслідування. У тому числі музика, що виконувалася при дворі. Зростаюча доступність музичних інструментів (особливо це стосувалося клавішних) дала поштовх до розвитку камерної музики.
Зріле бароко відрізняється від раннього повсюдним поширенням нового стилю і поділом музичних форм, що посилився, особливо в опері. Як і в літературі, можливість потокового друку музичних творів призвела до розширення аудиторії; посилився обмін між центрами музичної культури.
Визначним представником придворних композиторів двору Людовіка XIV був Джованні Баттіста Люллі (1632-1687).Вже 21 року він отримав звання «придворного композитора інструментальної музики». Творча робота Люллі від початку була міцно пов'язана з театром. Після організацією придворної камерної музики і твором «airs de cour» він почав писати балетну музику. Сам Людовік XIV танцював у балетах, які були тоді улюбленою розвагою придворної знаті. Люллі був чудовим танцюристом. Йому доводилося брати участь у постановках, танцюючи разом із королем. Він відомий своєю спільною роботою з Мольєром, на п'єси якого він писав музику. Але головним у творчості Люллі було все ж таки написання опер. Дивно, але Люллі створив закінчений тип французької опери; так званої у Франції ліричної трагедії (фр. tragedie lyrique), і досягло безперечної творчої зрілості в перші ж роки своєї роботи в оперному театрі. Люллі часто використовував контраст між величним звучанням оркестрової секції, і простими речитативами та аріями. Музична мова Люллі не дуже складна, але, безумовно, нова: ясність гармонії, ритмічна енергія, чіткість членування форми, чистота фактури говорять про перемогу принципів гомофонного мислення. Неабиякою мірою його успіху сприяло так само його вміння підбирати музикантів в оркестр, і його робота з ними (він сам проводив репетиції). Невід'ємним елементом його роботи була увага до гармонії та солюючого інструменту.
В Англії зріле бароко відзначено яскравим генієм Генрі Перселла (1659-1695).Він помер молодим, у віці 36 років, написавши велику кількість творів і став широко відомим ще за життя. Перселл був знайомий із творчістю Кореллі та інших італійських барокових композиторів. Однак його покровителі та замовники були людьми іншого сорту, ніж італійська та французька світська та церковна знать, тому твори Перселла сильно відрізняються від італійської школи. Перселл працював у широкому спектрі жанрів; від простих релігійних гімнів до маршової музики, від вокальних творів великого формату до музики. Його каталог налічує понад 800 робіт. Пёрселл став одним із перших композиторів клавішної музики, вплив яких поширюється і на сучасність.
На відміну від перерахованих вище композиторів Дітріх Букстехуде (1637-1707)не був придворним композитором. Букстехуде працював органістом, спочатку у Хельсингборге (1657-1658), потім у Ельсиноре (1660-1668), та був, починаючи з 1668 року, у церкві св. Марії у Любеку. Він заробляв не публікацією своїх творів, а їх виконанням, і патронажу знаті вважав за краще твір музики на церковні тексти та виконання власних органних робіт. На жаль, збереглися далеко ще не всі твори цього композитора. Музика Букстехуде багато в чому побудована на масштабності задумів, багатстві та свободі фантазії, схильності до патетики, драматизму, дещо ораторської інтонації. Його творчість вплинула на таких композиторів, як І. С. Бах і Телеман.

Музика пізнього бароко (1707-1760)

Точна грань між зрілим та пізнім бароко є предметом обговорення; вона лежить десь між 1680 і 1720. У великій мірі складності її визначення служить той факт, що у різних країнах стилі змінювалися несинхронно; нововведення, вже прийняті за правило в одному місці, в іншому були свіжими знахідками
Форми, відкриті попереднім періодом, досягли зрілості та великої варіативності; концерт, сюїта, соната, кончерто гросо, ораторія, опера та балет уже не мали різко виражених національних особливостей. Повсюдно встоялися загальноприйняті схеми творів: двочастинна форма (AABB), проста тричастинна форма (ABC) і рондо.
Антоніо Вівальді (1678-1741) -італійський композитор, народився у Венеції. У 1703 році прийняв сан католицького священика. Саме в ці, в той час інструментальні жанри, що все ще розвиваються (барочна соната і бароковий концерт), Вівальді і зробив свій найзначніший внесок. Вівальді склав понад 500 концертів. Він також давав програмні назви деяким своїм роботам, таким як знамениті «Пори року».
Доменіко Скарлатті (1685-1757)був одним із провідних клавішних композиторів та виконавців свого часу. Але, можливо, найзнаменитішим придворним композитором став Георг Фрідріх Гендель (1685–1759).Він народився в Німеччині, три роки навчався в Італії, але в 1711 поїхав Лондон, де і почав свою блискучу і комерційно успішну кар'єру незалежного оперного композитора, що виконує замовлення для знаті. Який володіє невтомною енергією, Гендель переробляв матеріал інших композиторів, і постійно переробляв свої власні твори. Наприклад, він відомий тим, що переробив знамениту ораторію «Месія» стільки разів, що зараз немає версії, яку можна назвати «автентичною».
Вже після смерті він був визнаний провідним європейським композитором і вивчався музикантами епохи класицизму. Гендель змішав у своїй музиці багаті традиції імпровізації та контрапункту. Мистецтво музичних прикрас досягло його творах дуже високого рівня розвитку. Він подорожував всією Європою, щоб навчатися музиці інших композиторів, у зв'язку з чим мав дуже широке коло знайомств серед композиторів інших стилів.
Іоган Себастьян Бахнародився 21 березня 1685 року в місті Ейзенах, Німеччина. За своє життя він склав понад 1000 творів у різних жанрах, крім опери. Але за життя він не досяг ніякого значущого успіху. Багато разів переїжджаючи, Бах змінював одну не надто високу посаду за іншою: у Веймарі він був придворним музикантом у Веймарського герцога Йоганна Ернста, потім став наглядачем органу в церкві св. Боніфація в Арнштадті, за кілька років прийняла посаду органіста в церкві св. Власія в Мюльхаузені, де попрацював лише близько року, після чого повернувся до Веймара, де зайняв місце придворного органіста та організатора концертів. На цій посаді він затримався на дев'ять років. У 1717 році Леопольд, герцог Анхальт-Кетенський, найняв Баха на посаду капельмейстера, і Бах став жити і працювати в Кетені. У 1723 році Бах переїхав до Лейпцигу, де і залишився до своєї смерті в 1750 році. В останні роки життя і після смерті Баха його популярність як композитора почала зменшуватися: його стиль вважали старомодним у порівнянні з розквітаючим класицизмом. Його більше знали і пам'ятали як виконавця, педагога та батька Бахов-молодших, насамперед Карла Філіпа Еммануїла, музика якого була відоміша.
Лише виконання «Страстей за Матвієм» Мендельсоном, через 79 років після смерті І. С. Баха воскресило інтерес до його творчості. Зараз І. С. Бах є одним із найпопулярніших композиторів
Класицизм
Класицизм - стиль і напрямок у мистецтві XVII - початку XIX ст.
Слово це походить від латинського classicus - зразковий. У основі класицизму лежало переконання у розумності буття, у цьому, що людська натура гармонійна. Свій ідеал класики бачили в античному мистецтві, яке вважали найвищою формою досконалості.
У вісімнадцятому столітті починається новий етап розвитку суспільної свідомості - Епоха Просвітництва. Руйнується старий суспільний лад; першочергового значення набувають ідеї поваги людської гідності, свободи та щастя; особистість знаходить незалежність і зрілість, використовує свій розум та критичне мислення. На зміну ідеалам епохи Бароко з її пишнотою, пишномовністю та урочистістю приходить новий стиль життя, заснований на природності та простоті. Настає час ідеалістичних поглядів Жан-Жака Руссо, який закликає повернутися до природи, до природної чесноти та свободи. Поряд із природою ідеалізується Античність, оскільки вважалося, що саме за часів Античності людям вдалося втілити усі людські устремління. Античне мистецтво отримує назву класичного, його визнають зразковою, найбільш правдивою, досконалою, гармонійною і, на відміну від мистецтва епохи Бароко, вважають простим і зрозумілим. У центрі уваги, поряд з іншими важливими аспектами, є освіта, становище простого народу в суспільному устрої, геніальність як властивість людини.

Розум панує і мистецтво. Бажаючи підкреслити високе призначення мистецтва, його громадську та громадянську роль, французький філософ-просвітитель Дені Дідро писав: "Кожен твір створення або живопису повинен виражати собою якесь велике правило життя, має повчати".

Театр одночасно був підручником життя і самим життям. Крім того, у театрі дія найвищою мірою впорядкована, розмірена; воно поділено на акти і сцени, ті, своєю чергою, розчленована деякі репліки персонажів, створюючи настільки дорогий 18 столітті ідеал мистецтва, де усе перебуває у своєму місці і підпорядковане логічним законам.
Музика класицизму надзвичайно театральна, вона ніби копіює мистецтво театру, наслідує його.
Поділ класичної сонати та симфонії на великі розділи - частини, у кожній з яких відбувається багато музичних "подій", подібно до поділу вистави на дії та сцени.
У музиці класичної доби часто мається на увазі сюжет, якесь дію, яке розгортається перед слухачами так само, як дію театральне розгортається перед глядачами.
Слухачеві тільки залишається включити уяву і дізнатися в "музичному одязі" персонажів класичної комедії чи трагедії.
Мистецтво театру допомагає пояснити великі зміни у виконанні музики, які відбулися у 18 столітті. Раніше, головним місцем, де звучала музика, був храм: у ньому людина знаходилася внизу, у величезному просторі, де музика ніби допомагала йому глянути вгору та присвятити свої думки Богові. Тепер, у 18 столітті, музика звучить в аристократичному салоні, у бальному залі дворянської садиби чи на міській площі. Слухач століття Просвітництва ніби поводиться з музикою "на ти" і не відчуває більше захоплення і боязкість, які вона вселяла, коли вона звучала в храмі.
У музиці немає потужного, урочистого звуку органу, зменшилася роль хору. Музика класичного стилю звучить легко, у ній набагато менше звуків, ніби вона "менше важить", ніж вантажна, багатошарова музика минулого. Звучання органу та хору змінилося звучанням симфонічного оркестру; піднесені арії поступилися місцем музиці легкої, ритмічної та танцювальної.
Завдяки безмежній вірі у можливості людського розуму та силу знання 18 століття стали називати віком Розуму або віком Просвітництва.
Розквіт Класицизму настає у 80-х роках вісімнадцятого сторіччя. У 1781 році Й. Гайдн створює кілька новаторських творів, серед яких його Струнний Квартет ор. 33; проходить прем'єра опери В.А. Моцарта «Викрадення з сералю»; виходять у світ драма Ф. Шіллера «Розбійники» та «Критика чистого розуму» І. Канта.

Найяскравішими представниками класичного періоду є композитори Віденської класичної школи Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт та Людвіг ван Бетховен. Їхнє мистецтво захоплює досконалістю композиторської техніки, гуманістичною спрямованістю творчості та прагненням, особливо відчутним у музиці В. А. Моцарта, відобразити засобами музики досконалу красу.

Саме поняття Віденської класичної школи виникло невдовзі після смерті Л. Бетховена. Класичне мистецтво відрізняє тонку рівновагу між почуттями та розумом, формою та змістом. Музика Відродження відбивала дух і подих своєї епохи; в епоху Бароко предметом відображення музики стали стану людини; музика епохи Класицизму оспівує дії та вчинки людини, які відчувають їм емоції та почуття, уважний і цілісний людський розум.

Людвіг Ван Бетховен (1770-1827)
Німецький композитор, якого нерідко вважають найвидатнішим творцем усіх часів.
Його творчість відносять як до класицизму, і до романтизму.
На відміну від свого попередника Моцарта, Бетховен складав важко. Нотатки Бетховена показують, як поступово, крок за кроком з невпевнених нарисів з'являється грандіозна композиція, відзначена переконливою логікою побудови та рідкісною красою. Саме логіка – головне джерело бетховенського величі, його незрівнянного вміння організувати контрастні елементи у монолітне ціле. Бетховен стирає традиційні цезури між розділами форми, уникає симетрії, зливає частини циклу, розвиває протяжні побудови з тематичних та ритмічних мотивів, що на перший погляд не містять нічого цікавого. Інакше висловлюючись, Бетховен творить музичний простір силою інтелекту, своєї волею. Він передбачав і створював ті художні напрями, що стали визначальними для музичного мистецтва 19 в.

Романтизм.
охоплює умовно 1800-1910 роки
Композитори-романтики намагалися за допомогою музичних засобів висловити глибину та багатство внутрішнього світу людини. Музика стає більш рельєфною, індивідуальною. Набувають розвитку пісенні жанри, у тому числі баладу.
Основними представниками романтизму в музиці є:Австрії - Франц Шуберт ; в Німеччині - Ернест Теодор Гофман, Карл Марія Вебер, Ріхард Вагнер , Фелікс Мендельсон, Роберт Шуман , Людвіг Шпор ; в
і т.д.................

Музика Середньовіччя

Музична культура Середньовіччя – надзвичайно об'ємне та різнобічне історичне явище, що хронологічно розташовується між епохами античності та Відродження. Його важко уявити як єдиний період, т. до. у різних країнах розвиток мистецтва йшло своїми особливими шляхами.

Специфічною особливістю епохи Середньовіччя, що наклала відбиток на всі сфери життєдіяльності людини в той час, була керівна роль церкви в політиці, етиці, мистецтві тощо. функцію. Її зміст, образність, вся її естетична сутність втілювали заперечення цінностей земного життя заради відплати після смерті, проповідь аскетизму, відчуженості від зовнішніх благ. Народне мистецтво, яке продовжувало нести відбиток язичницьких вірувань, нерідко зазнавало нападок з боку «офіційного» мистецтва католицької церкви.

Перший період - раннє Середньовіччя - прийнято обчислювати з епохи, що почалася відразу після падіння Римської імперії, тобто з VI століття н. е. У цей час на території Європи існувало і мігрувало безліч племен і народів, що знаходяться на різних щаблях історичного розвитку. Проте пам'ятниками музичного мистецтва цього періоду, що збереглися, є тільки музика християнської церкви (в основному в пізнішій нотації), яка успадковує, з одного боку, культуру Римської імперії, з іншого – музику Сходу (Іудея, Сирія, Вірменія, Єгипет). Передбачається, що виконавські традиції християнського співу – антифон (протиставлення двох хорових груп) та респонсорій (чергування сольного співу та «відповідей» хору) – склалися на основі східних зразків.

До VIII століття у європейських країнах поступово формується традиція літургійного співу, основою якого стає григоріанський хорал – склепіння систематизованих Папою Григорієм I одноголосних хорових піснеспівів. Тут слід докладніше зупинитися особистості самого Григорія, удостоєного, завдяки значимості своєї постаті історія, титулу Великий.

Він народився Римі в 540 року у сім'ї почесного походження, не відчувала фінансових труднощів. Після смерті батьків Григорій отримав багату спадщину і зміг заснувати кілька монастирів у Сицилії та один у Римі, на Целійському пагорбі, у своєму родовому домі. Останню обитель, що називалася монастирем Святого апостола Андрія, він обрав місцем проживання.

У 577 році Григорій був посвячений у сан диякона, у 585 році – обраний настоятелем заснованого ним монастиря, у 590 році його за одностайним рішенням римського сенату, кліру та народу обрали на папський престол, який він займав аж до своєї кончини, що настала у 604 році. .

Ще за життя Григорій користувався величезною повагою на Заході, не забули його і після смерті. Існує безліч розповідей про чудеса, здійснені ним. Прославився він і як письменник: біографи прирівнюють його в цьому відношенні до великих філософів та мудреців. Крім того, Григорій Великий є одним із найголовніших діячів у галузі розробки церковної музики. Йому належить заслуга у розширенні системи амв-росіанських ладів та у створенні особливої ​​школи співу, що називається cantus gregorianus.

Григорій багато років збирав наспіви різних християнських церков, зробивши з них згодом збірку під назвою «Антифонарій», яку прикували ланцюгом до вівтаря церкви Святого Петра в Римі як зразок християнського співу.

Папа ввів октавну систему замість грецької системи тетрахордів, а назви тонів, що були раніше грецькими, позначив латинськими літерами A, В, С і т. д., причому восьмий тон знову отримував назву першого. Весь звукоряд Григорія Великого складався з 14 тонів: А, В, c, d, e, f, g, a, b, c1, d1, e1, f1, g1. Літера В (b) мала двояке значення: У кругле (В rotundum) і У квадратне (В quadratum), тобто сі-бемоль і сі-бекар, дивлячись по необхідності.

Але повернемося до Папи Григорія, який, до всього іншого, став основоположником співочої школи в Римі, ревно стежив за навчанням і навіть сам викладав, суворо караючи учнів за недбальство та лінощі.

Слід зазначити, що поступово григоріанський хорал, що складається з піснеспівів двох типів – псалмодій (мірної речитації тексту Святого Письма, переважно на одній звуковій висоті, при якій на один склад тексту припадає одна нота співу) та гімнів-юбіляцій (вільні співи складів слова «Алілуйя»), витіснив із церкви амвросіанський спів. Від останнього він відрізнявся тим, що був рівним, незалежним від тексту. Це своє чергу давало можливість мелодії литися природно і гладко, а музичний ритм відтепер ставав самостійним, що стало найважливішим подією історії музики.

Вплив хорального співу на парафіян посилювалося акустичними можливостями церков з їхніми високими склепіннями, що відображають звук і створюють ефект Божественної присутності.

У наступні століття з поширенням впливу Римської церкви григоріанський хорал вводився (іноді насильно насаджувався) у богослужіннях практично всіх європейських країн. В результаті до кінця XI століття вся католицька церква була об'єднана загальними формами богослужіння.

Музична наука тим часом розвивалася у зв'язку з монастирської культурою. У VIII – IX століттях на основі григоріанського хоралу складається система церковних ладів Середньовіччя. Ця система пов'язана з одноголосним музичним складом, з монодією, і являє собою вісім діатонічних звукорядів (дорійський, гіподорійський, фригійський, гіпофригійський, лідійський, гіполідійський, міксолидійський, гіпоміксолідійський), кожен з яких сприймався середньовічними теоретиками. лад - "спритний", другий - "серйозний", третій - "стрімкий" і т. д.).

У цей період починає формуватися нотація, спочатку представлена ​​про невмами – значками, наочно показували рух мелодії вгору чи вниз. З нього згодом розвинулися нотні знаки. Реформу нотного листа здійснив у другій чверті XI століття італійський музикант Гвідо Д'Ареццо, який народився 990 року. Про його дитячі роки відомо небагато. Досягнувши ж зрілого віку, Гвідо став ченцем бенедиктинського монастиря Помпози поблизу Равенни.

Гвідо Д’Ареццо

Природа щедро обдарувала його різними талантами, що давало йому можливість у навчанні легко перевершувати своїх товаришів. Останні заздрили його успіхам і тому, як добре проявив себе Гвідо як викладач співу. Все це спричиняло різко негативне, а частково навіть вороже ставлення оточуючих до Гвідо, і той, зрештою, змушений був перейти в інший монастир – в Ареццо, від назви якого і отримав своє прізвисько Аретинський.

Отже, Гвідо був одним із видатних музикантів свого часу, і його нововведення у галузі викладання духовного співу дали блискучі результати. Він звернув увагу на нотацію і винайшов чотирилінійну систему, на якій точно визначив місцезнаходження півтонів (від них, що траплялися між ступенями григоріанських ладів, залежали характерні риси того чи іншого ладу, а також мелодії, що заснована на цьому ладі).

Прагнучи якомога точніше записати мелодію, Гвідо вигадував різні правила, які були оформлені в складну і заплутану систему з новими назвами тонів: ut, re, mi, fa, sol, la. Незважаючи на різні труднощі, які викликаються використанням такої системи, вона протрималася дуже довго, і її сліди зустрічаються у теоретиків XVIII століття.

Цікаво, що спочатку Гвідо Д’Ареццо за свої нововведення зазнав гонінь. Але оскільки система талановитого музиканта багато в чому полегшувала запис та читання мелодій, Папа з почестями повернув його до монастиря Помпози, де Гвідо Д'Ареццо і прожив до самої смерті, тобто до 1050 року.

У XI – XII століттях у розвитку художньої культури Середньовіччя намітився перелом, зумовлений новими соціально-історичними процесами (зростання міст, Хрестові походи, висування нових суспільних верств, зокрема лицарства, складання перших центрів світської культури тощо. буд.). Нові культурні явища поширюються у всій Європі. Відбувається складання та поширення середньовічного роману, готичного стилю в архітектурі, у музиці йде розвиток багатоголосного письма, формування світської музично-поетичної лірики.

Головною особливістю розвитку музичного мистецтва в цей період стає утвердження та розвиток багатоголосності, в основу якого було покладено григоріанський хорал: до основної церковної мелодії співаки приєднували другий голос. У ранніх прикладах двоголосся, зафіксованих у нотних зразках IX – XI століть, голоси рухаються паралельно в єдиному ритмі (в інтервалах кварти, квінти чи октави). Пізніше з'являються зразки непаралельного руху голосів («Один співак веде основну мелодію, інший майстерно блукає іншими звуками», – пише теоретик Гвідо Д’Ареццо). Такий тип дво- і багатоголосся за назвою голосу, що приєднується, називається органумом. Пізніше голос, що приєднується, почали прикрашати мелізмами, він став рухатися вільніше в ритмічному відношенні.

Розвиток нових форм багатоголосся особливо активно відбувалося у Парижі та Ліможі у XII – XIII століттях. В історію музичної культури цей період увійшов як "епоха Нотр-Дама" (за назвою всесвітньо відомої пам'ятки архітектури, де працювала співоча капела). Серед авторів, імена яких зберегла історія, – Леонін та Перотін, автори органумів та інших багатоголосних творів. Леонін створив «Велику книгу органумів», розраховану на річне коло церковного співу. З ім'ям Перотина пов'язаний перехід до трьох- і чотириголосності, подальшого збагачення мелодійного листа. У цьому слід зазначити, що значення школи Нотр-Дам істотно як для Франції, але й усього європейського мистецтва на той час.

Формування світських жанрів у період було підготовлено творчістю бродячих народних музикантів – жонглерів, менестрелів і шпильманів. Відкидані і навіть гнані офіційною церквою, бродячі музиканти з'явилися першими носіями світської лірики, а також чисто інструментальної традиції (використовували різні духові та смичкові інструменти, арфу тощо).

На той час артисти були акторами, циркачами, співаками та інструменталістами в одній особі. Вони подорожували з міста в місто, виступали на святах при дворах, біля замків, на ярмаркових площах і т. д. До жонглерів, шпильманів і менестрелів приєднувалися також ваганти та голіарди – невдахи студенти та втікачі ченці, завдяки яким у «артистичній» грамотність. Поступово у цих колах намітилася спеціалізація, бродячі артисти стали утворювати цехи, осідати у містах.

У цей період висувається своєрідна «інтелігентська» прошарок – лицарство, серед якого (у періоди перемирій) також розпалюється інтерес до мистецтва. У XII столітті у Провансі зароджується мистецтво трубадурів, яке стало основою особливого творчого руху. Трубадури здебільшого були вихідцями з найвищої знаті, володіли музичною грамотою. Вони створювали складні формою музично-поетичні твори, у яких оспівували земні радощі, героїку Хрестових походів тощо.

Трубадур був перш за все поетом, мелодія ж нерідко запозичалася ним із побутового побуту та творчо переосмислювалася. Іноді трубадури наймали менестрелів для інструментального супроводу свого співу, залучали жонглерів до виконання та твору музики. Серед трубадурів, чиї імена дійшли до нас крізь пелену століть – Джуафре Рюдель, Бернарт де Вентадорн, Бертран де Борн, Рамбаут де Вакейрас та ін.

Поезія трубадурів справила безпосередній вплив формування творчості труверів, яке було демократичнішим, т. до. більшість труверів – вихідці з городян. Деякі трувери створювали твори на замовлення. Найвідомішим же був Адам де ла Аль, уродженець Арраса, французький поет, композитор, драматург другої половини XIII століття.

Мистецтво трубадурів та труверів поширювалося по всій Європі. Під його впливом у Німеччині століттям пізніше (XIII століття) склалися традиції школи міннезингерів, представники якої, обдаровані музиканти та композитори, переважно служили при дворах.

Своєрідним переходом до епохи Ренесансу можна розглядати XIV століття. Цей період по відношенню до французької музики прийнято позначати «Ars Nova» («Нове мистецтво») за назвою наукової праці, створеної близько 1320 паризьким теоретиком і композитором Філіпом де Вітрі.

Слід зазначити, що у зазначений час у мистецтві справді з'являються принципово нові елементи: наприклад, відбувається затвердження (у тому числі теоретично) нових принципів ритмічного поділу та голосознавства, нових ладових систем (зокрема, альтерацій та тональних тяжінь – тобто. «дієзів» та «бемолів»), нових жанрів, вихід на новий рівень професійної майстерності.

У ряд найбільших музикантів XIV століття, крім Філіпа де Вітрі, який створював на власні тексти мотети, потрібно поставити і Гійома де Машо, що народився в місті Машо, Шампань, близько 1300 року.

Гійом де Машо у свій час перебував на службі при дворі Іоанни Наваррської, дружини Філіпа Красивого, пізніше став особистим секретарем короля Богемії Іоанна Люксембурзького, а під кінець життя перебував при дворі Карла V Французького. Сучасники шанували його незвичайний музичний талант, завдяки якому він був не лише блискучим виконавцем, а й чудовим композитором, який залишив по собі величезну кількість творів: до нас дійшли його мотети, балади, рондо, канони та інші пісенно-танцювальні форми.

Музика Гійом де Машо відрізняється витонченою експресивністю, граціозністю і, на думку дослідників, є виразником духу епохи «Ars Nova». Головна ж заслуга композитора у тому, що він написав першу історія авторську месу з нагоди вступу на престол Карла V.

З книги Париж [путівник] автора Автор невідомий

Терми Клюні та Музей Середньовіччя Руїни та середньовічна стіна на перетині бульварів Сен-Жермен та Сен-Мішель – колишня резиденція настоятелів могутнього бургундського монастиря Клюні, побудована на місці галло-римських терм (суспільних лазень) у II столітті. е. В

Із книги Париж. Путівник автора Екерлін Петер

Сліди середньовіччя По вузькій вуличці Rue du Pr?v?t можна потрапити в одне з тихих місць метушливого Маре. Наприкінці Rue Figuier знаходиться * особняк Санс (Hotel de Sens) (69), один з останніх середньовічних палаців, що збереглися. Палац був побудований близько 1500 для архієпископа Санса, до

Із книги Стокгольм. Путівник автора Кремер Біргіт

Острів Хельєандсхольмен і Музей Середньовіччя Якщо тепер попрямувати від замку на північ, то, перейшовши через маленький місток Сталлбрун (Stallbron), ви опинитеся на Хельєандсхольмені (Helgeandsholmen) (8), або острові Святого Духа, на якому височіють сильні

З книги Середньовічна Франція автора Поло де Больє Марі-Анн

З книги Все про Рим автора Хорошевський Андрій Юрійович

З книги Все про Париж автора Білочкіна Юлія Вадимівна

З книги Я пізнаю світ. Великі подорожі автора Маркін В'ячеслав Олексійович

З книги Енциклопедія символізму: Живопис, графіка та скульптура автора Касу Жан К

Рим за часів Середньовіччя «Шановні римляни, ви – поважні патриції, і ви, кому долею призначено називатися плебсом! Маємо честь повідомити вас, що у вашому житті відбулися великі зміни. З часом Імперії покінчено, античність залишилася у минулому! Попереду

Коли можна аплодувати? Путівник для любителів класичної музики автора Хоуп Деніел

Париж за часів раннього середньовіччя Одним із найважливіших механізмів наступності культури Римської імперії була церква, яка зберегла колишню організацію, управління, латинську мову спілкування, а також зв'язки з Римом. Засновником королівства франків був Кловіс

З книги 200 знаменитих отруєнь автора Анцишкін Ігор

За часів Середньовіччя Тисячоліття без відкриттівГеографія по-арабськиПрорив на Захід з КитаюІталійці в Золотій ордіПодорожБратів ПолоСнова на Схід«Роман про Великого хана»Мореплавачі з фіордівКраїна Лідяна та країна ЗеленаЗа п'ять століть до

З книги Популярна історія музики автора Горбачова Катерина Геннадіївна

Музика символістів: символістська музика? «Казус Вагнера» Якщо важко прийняти факт існування символістської музики без доказів, неможливо заперечувати, що деякі композитори викликали особливе захоплення представників літературного символізму. Найбільший

З книги Домашній музей автора Парч Сусанна

НОВА МУЗИКА - ЦЕ ІНША МУЗИКА Я сумнівався, що ці троє знають мій репертуар або що їм щось кажуть такі імена, як Адес, Тернейдж, Такеміцу, Куртаг, Ліндберг чи Мюллер-Віланд. Але я все ж таки перерахував їх, композиторів XX і XXI століття, що пишуть сучасну музику. На

З книги автора

ВІД Середньовіччя до наших днів «Аптекар: Всип цей порошок в будь-яку Рідина і випий все. Май ти більше Сил, ніж двадцять чоловік – помреш миттєво». В. Шекспір. "Ромео та Джульєтта". ОСНОВА ПОЛЬЩІ ТА ЧАША ОТРУТУ Легендарний польський король VIII століття Лешек заповів після

З книги автора

ВІД Середньовіччя до наших днів Балезін С. У великих африканських озер. - М.: Наука, 1989. -208 с.Богданов А. Смирення з Іоакіму / / Наука і релігія. -1995. - № 7.Велика Радянська Енциклопедія: Т. 40. - М.: Держнавчіздат, 1955. - 760 с.Борисов Ю. Дипломатія Людовіка XIV. - М.: Міжнар.

З книги автора

Музична культура античності, середньовіччя та епохи відродження Музика античності Найбільш раннім історичним етапом розвитку європейської музичної культури прийнято вважати античну музику, традиції якої беруть свій початок у більш давніх культурах Ближнього