Mitmest osast koosneb klassikaline sümfoonia? Mis on sümfoonia? Vaadake, mis on "sümfoonia" teistes sõnaraamatutes

Flegontova Anastasia

klass 7spetsialiseerumine "Muusikateooria",MAOUUDOD DSHI nr 46, Kemerovo

Zaigraeva Valentina Afanasjevna

teaduslik nõunik,teoreetiliste distsipliinide õpetaja MAOU DOD "DSHI nr 46"

Sissejuhatus

Igas suur linn on sümfooniaorkester. See on ka nõudluses ooperimajad ja filharmooniaühingutes. Kuid sümfooniažanr ise – akadeemilise muusika üks auväärsemaid žanre – asendub tänapäeval kammer- ja elektroonilise muusikaga. Ja võib juhtuda, et saabub tund, mil nii suurepärast žanri nagu sümfoonia enam kontsertidel üldse ei esitata. Vähemalt on nad sümfooniate loomise peaaegu lõpetanud. Asjakohasus uurimisteemad: vankumatu huvi “sümfoonia” žanri edasise olemasolu küsimuse vastu, mis ootab sümfooniat 21. sajandil: taassünd või unustus? Õppeobjekt on sümfoonia kui žanr ja kui tõsine viis maailma mõistmiseks ja inimese eneseväljenduseks. Õppeaine: sümfoonilise žanri areng selle tekkest tänapäevani. Töö eesmärk: uurida sümfoonilise žanri arengu iseärasusi. Uurimistöö eesmärgid: analüüsida probleemi kohta teaduslikku ja teoreetilist materjali; kirjeldada sümfoonilisi seadusi, norme, mudeleid ja suundumusi žanri arengus.

PeatükkI. Sõna "sümfoonia" ajalugu.

Sümfoonia (kreeka sõnast symphonía - konsonants, sõnast sýn - koos ja telefon - heli), sonaadi tsüklilises vormis muusikateos, mis on ette nähtud sümfooniaorkestri esituseks; üks olulisemaid sümfoonilise muusika žanre. Mõnes sümfoonias on kaasatud ka koor ja soololauljad. Sümfoonia on üks keerulisemaid muusikažanre. "Minu jaoks tähendab sümfoonia loomine maailma ehitamist, kasutades kõiki kaasaegse muusikatehnoloogia vahendeid," ütles ta Austria helilooja Gustav Mahler.

Algselt nimetati Vana-Kreekas sümfooniaks ühtses kooslaulmisel kõlavat eufoonilist kõla. Vanas Roomas nimetati seda juba ansambli või orkestri nimeks. Keskajal peeti ilmalikku muusikat üldiselt "sümfooniaks" (Prantsusmaal säilis see tähendus kuni 18. sajandini), mõnda muusikainstrumenti võis nii nimetada (eriti kiirustav) . Saksamaal kasutati kuni 18. sajandi keskpaigani sümfooniat klavessiini sortide – spinettide ja virginellide – üldnimetusena, Prantsusmaal nimetati nii tünnioreleid, klavessiine, kahepealisi trumme jne.

Barokiajastu lõpus lõid mõned heliloojad, näiteks Giuseppe Torelli (1658-1709), keelpilliorkestrile ja basso continuole teoseid kolmes osas, kiire-aeglane-kiire tempojärjega. Kuigi selliseid teoseid nimetati tavaliselt "kontsertideks", ei erinenud need teostest, mida kutsuti "sümfooniateks"; näiteks kasutati tantsuteemasid nii kontsertide kui sümfooniate finaalides. Erinevus puudutas peamiselt tsükli esimese osa ülesehitust: sümfooniates oli see lihtsam – reeglina barokse avamängu, sonaadi ja süidi binaarne kaheosaline vorm (AA BB). Alles kuueteistkümnendal sajandil. seda hakati rakendama selliste heliloojate nagu Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 ja Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (S6infonie da Viadana) üksikute teoste, algselt vokaal-instrumentaalteoste puhul. ) ja Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629). Itaalia heliloojad XVII sajand Sõna “sümfoonia” (sinfonia) tähistas sageli ooperi, oratooriumi või kantaadi instrumentaalset sissejuhatust ning mõiste oli tähenduselt lähedane mõistetele “prelüüd” või “avamäng”.

Sümfoonia prototüübiks võib pidada itaalia avamängu, mis kujunes Domenico Scarlatti käe all aastal. XVII lõpp sajandil. Seda vormi nimetati juba sümfooniaks ja see koosnes kolmest vastandlikust osast: allegro, andante ja allegro, mis sulandusid üheks tervikuks, sonaadivormi tunnused toodi välja esimeses osas. Just seda vormi peetakse sageli orkestrisümfoonia otseseks eelkäijaks. Seevastu sümfoonia eelkäija oli orkestrisonaat, mis koosnes mitmest osast kõige lihtsamates vormides ja põhiliselt samas võtmes. Mõisteid "avamäng" ja "sümfoonia" kasutati suure osa 18. sajandist vaheldumisi.

18. sajandil sümfoonia eraldus ooperist ja muutus iseseisvaks kontserdižanriks, tavaliselt kolmes osas (“kiire - aeglane - kiire”). Kasutades barokktantsusüidi, ooperi ja kontserdi jooni, on mitmed heliloojad ja eelkõige J.B. Sammartini lõi klassikalise sümfoonia mudeli – kolmeosalise teose keelpilliorkestrile, kus kiired osad võtsid tavaliselt lihtsa rondo või varase sonaadi vormi. Järk-järgult lisandusid keelpillidele ka muud pillid: oboed (või flöödid), metsasarved, trompetid ja timpanid. 18. sajandi kuulajatele. sümfoonia määrasid klassikalised normid: homofooniline tekstuur, diatooniline harmoonia, meloodilised kontrastid, etteantud dünaamiliste ja temaatiliste muutuste jada. Keskused, kus seda kasvatati klassikaline sümfoonia, sai Saksamaa linnaks Mannheim (siin laiendasid Jan Stamitz ja teised autorid sümfoonilist tsüklit neljaosaliseks, tuues sellesse kaks tantsu baroksüidist – menueti ja trio) ja Viin, kus Haydn, Mozart, Beethoven (samuti nende eelkäijad, kelle seast paistavad silma Georg Monn ja Georg Wagenseil tõstsid sümfooniažanri uuele tasemele... Ka Johann Sebastian Bach (1685-1750, Saksamaa) nimetas oma 15 näidendit (samades võtmes nagu kahehäälsed leiutised, kuid a. kolm häält) “sümfooniad”.

PeatükkII. Välismaiste heliloojate sümfooniad

1. Viini klassika

1.1. Franz Joseph Haydn

Franz Joseph Haydni (1732-1809) loomingus kujunes lõpuks välja sümfooniline tsükkel. Tema varased sümfooniad ei erine ikka veel sisuliselt kammermuusika ja peaaegu ei lähe kaugemale selle ajastu tavapärastest meelelahutus- ja igapäevastest žanritest. Alles 70ndatel ilmusid teosed, mis väljendasid rohkem sügav maailm pildid (“Fueral Symphony”, “ Hüvastijätu sümfoonia" ja jne). Järk-järgult küllastuvad tema sümfooniad sügavama dramaatilise sisuga. Haydni sümfoonia kõrgeim saavutus on kaksteist “Londoni” sümfooniat.

Sonaadi struktuurallegro. Iga sümfoonia (v.a c-moll) algab mõne pühalikult majesteetliku, mõtlikult keskendunud, lüüriliselt mõtliku või rahulikult mõtiskleva karakteri lühikese aeglase sissejuhatusega (tavaliselt Largo või Adagio tempos). Aeglane sissejuhatus vastandub teravalt järgnevale Allegrole (mis on sümfoonia esimene osa) ja valmistab seda samal ajal ette. Põhi- ja kõrvalosa teemade vahel puudub ere kujundlik kontrast. Mõlemad on reeglina rahvalaulu- ja tantsulise iseloomuga. On vaid tonaalne kontrast: põhiosade põhitonaalsus vastandub kõrvalosade domineerivale tonaalsusele. Motiivilise isolatsiooni kaudu üles ehitatud arendused said Haydni sümfooniates olulise arengu. Lühike, kuid kõige aktiivsem segment eraldatakse põhi- või sekundaarosa teemast ja läbib üsna pika iseseisva arengu (pidevad modulatsioonid erinevates võtmetes, teostatakse erinevate instrumentidega ja erinevates registrites). See annab arengutele dünaamilise ja püüdliku iseloomu.

Teised (aeglased) osad on teistsuguse iseloomuga: mõnikord läbimõeldult lüüriline, mõnikord laululine, mõnel juhul marssilik. Need erinevad ka kuju poolest. Levinumad on keerulised kolmeosalised ja variatsioonivormid.

Menuetid."Londoni" sümfooniate kolmandaid osasid nimetatakse alati Menuettoks. Paljud Haydni menuettid on kantritantsu iseloomuga oma mõnevõrra raske kõnnaku, laiaulatusliku meloodia, ootamatute aktsentide ja rütmiliste nihketega, tekitades sageli humoorika efekti. Traditsioonilise menueti kolmetaktiline suurus säilib, kuid see kaotab oma aristokraatliku rafineerituse ja muutub demokraatlikuks talupojatantsuks.

Finaalid. Tavaliselt tõmbavad tähelepanu Haydni sümfooniate finaalid žanripildid, pöördudes tagasi ka rahvatantsumuusika juurde. Vorm on enamasti sonaat või rondosonaat. “Londoni” sümfooniate mõnes finaalis kasutatakse laialdaselt variatsiooni ja polüfoonilise (imitatsiooni) arendamise tehnikaid, mis rõhutavad veelgi muusika kiiret liikumist ja dünaamiliselt kogu muusikalist kangast. [ 4, lk. 76-78]

Orkester. Haydni loomingus pandi paika ka orkestri koosseis. See põhineb neljal instrumendirühmal. Keelpilliosakonda, orkestri juhtivat osa, kuuluvad viiulid, vioolad, tšellod ja kontrabassid. Puidust rühm Komponeerin flööte, oboesid, klarneteid (ei kasutata kõikides sümfooniates), fagote. Haydni vaskpuhkpillirühm koosneb sarvedest ja trompetist. Löökpillidest kasutas Haydn orkestris ainult timpaneid. Erandiks on kaheteistkümnes “Londoni sümfoonia”, G-duur (“sõjavägi”). Lisaks timpanidele võttis Haydn kasutusele kolmnurga, taldrikud ja bassitrummi. Kokku kuulub Franz Joseph Haydni loomingusse üle 100 sümfoonia.

1.2. Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) asus koos Haydniga Euroopa sümfoonilisuse alge, samas kui parimad sümfooniad Mozart esines juba enne Haydni Londoni sümfooniaid. Haydni dubleerimata lahendas Mozart sümfoonilise tsükli probleemi omal moel. Tema sümfooniate koguarv ületab 50, kuigi vene muusikateaduses aktsepteeritud pideva numeratsiooni järgi peetakse viimast sümfooniat - “Jupiter” 41. sümfooniaks. Enamiku Mozarti sümfooniate ilmumine pärineb aastast Varasematel aastatel tema loovust. Viini perioodil loodi ainult 6 viimast sümfooniat, sealhulgas: "Linzskaja" (1783), "Praha" (1786) ja kolm 1788. aasta sümfooniat.

Mozarti esimesed sümfooniad olid tugevalt mõjutatud J.S. Bach. See väljendus nii tsükli interpretatsioonis (3 väikest osa, menueti puudumine, väike orkestrikoosseis) kui ka erinevates ekspressiivsetes detailides (teemade meloodia, duuri ja molli ilmekad kontrastid, viiuli juhtroll).

Euroopa sümfoonia peamiste keskuste (Viin, Milano, Pariis, Mannheim) külastused aitasid kaasa Mozarti sümfoonilise mõtlemise arengule: sümfooniate sisu rikastub, emotsionaalsed kontrastid muutuvad eredamaks, temaatiline areng on aktiivsem, osade mastaap. on suurendatud ja orkestri tekstuur. Erinevalt Haydni "Londoni sümfooniatest", mis üldiselt arendavad üht tüüpi sümfooniat, ei kõlba Mozarti parimad sümfooniad (nr 39-41) tüpiseerimiseks, need on täiesti ainulaadsed. Igaüks neist kehastab põhimõtteliselt uut kunstiline idee. Mozarti viimasest neljast sümfooniast kaks on aeglase sissejuhatusega, ülejäänud kahel mitte. Sümfoonias nr 38 (“Praha”, D-duur) on kolm osa (“sümfoonia ilma menuetita”), ülejäänud on neli.

Mozarti sümfooniažanri tõlgenduse kõige iseloomulikumad jooned on järgmised:

· konfliktdramaturgia. Tsükli osade erinevatel tasanditel esinevad Mozarti sümfooniates üksikud teemad, erinevad temaatilised elemendid teema sees, kontrast ja konflikt. Paljud Mozarti sümfoonilised teemad esinevad esialgu “keerulise karakterina”: need on üles ehitatud mitmele vastandlikule elemendile (näiteks Jupiteri sümfoonia 40. esimese osa finaali põhiteemad). Need sisemised kontrastid on järgneva dramaatilise arengu kõige olulisem stiimul, eriti arengutes:

1. sonaadivormi eelistamine. Reeglina viitab Mozart sellele oma sümfooniate kõigis osades, välja arvatud menuett. Just sonaadivorm, millel on tohutu potentsiaal esialgsete teemade ümberkujundamiseks, on see, mis suudab kõige põhjalikumalt paljastada vaimne maailm inimene. Mozarti sonaadiarenduses võib iseseisva tähenduse omandada ükskõik milline ekspositsiooni teema, sh. ühendav ja lõplik (näiteks sümfoonias “Jupiter” arendatakse esimese osa väljatöötamisel z.p. ja st.p. teemasid ning teises osas - st.t.);

2. polüfoonilise tehnoloogia tohutu roll. Erinevad polüfoonilised võtted aitavad draamale suuresti kaasa, eriti hilisemates teostes (markantseim näide on Jupiteri sümfoonia finaal);

3. kõrvalekaldumine avatud žanritest sümfoonilistes menuettides ja finaalides. Erinevalt Haydni omast ei saa nende puhul kohaldada “žanri-argipäeva” määratlust. Vastupidi, Mozart oma menuettides sageli “neutraliseerib” tantsuprintsiipi, täites nende muusika kas draamaga (sümfoonias nr 40) või lüürikaga (sümfoonias “Jupiter”);

4. sümfoonilise tsükli süitloogika lõplik ületamine erinevate osade vaheldumisena. Mozarti sümfoonia neli osa esindavad orgaanilist ühtsust (eriti ilmnes see sümfoonias nr 40);

5. tihe side vokaalžanrid. Klassikaline instrumentaalmuusika kujunes ooperi tugeval mõjul. Mozartis on see ooperliku ekspressiivsuse mõju väga tugevalt tunda. See ei avaldu ainult iseloomulike ooperiintonatsioonide kasutamises (nagu näiteks 40. sümfoonia peateema, mida sageli võrreldakse Cherubino teemaga “Ei oska öelda, ei oska seletada...” ). Mozarti sümfooniline muusika on läbi imbunud traagilise ja puhvis, üleva ja tavalise vastandlikest kõrvutustest, mis meenutab selgelt tema ooperiloomingut.

1.3. Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) rikastas sümfooniažanri veelgi. Tema sümfooniates omandasid suure tähtsuse kangelaslikkus, draama ja filosoofia. Sümfoonia osad on temaatiliselt tihedamalt seotud ning tsükkel saavutab suurema ühtsuse. Beethoveni viiendas sümfoonias läbi viidud põhimõte kasutada kõigis neljas osas seotud temaatilist materjali tõi kaasa nn. tsükliline sümfoonia. Beethoven asendab rahuliku menueti elavama, sageli märatseva skerzoga; ta tõstab temaatilise arenduse uuele tasemele, allutades oma teemad kõikvõimalikele muutustele, sealhulgas kontrapunktaalsele arengule, teemafragmentide isoleerimisele, režiimide muutmisele (suur - moll), rütmilised nihked.

Rääkides Beethoveni sümfooniatest, tuleks rõhutada tema orkestriuuendust. Uuenduste hulgas:

1. tegelik kujunemine vase rühm. Kuigi trompeteid mängitakse ja salvestatakse endiselt koos timpanidega, on funktsionaalselt hakatud neid ja sarvesid käsitlema ühtse rühmana. Neile lisanduvad ka tromboonid, mida Haydni ja Mozarti sümfooniaorkestris polnud. Tromboonid mängivad 5. sümfoonia finaalis (3 trombooni), äikesestseenis 6. sümfoonias (siin on ainult 2), samuti 9. osades (skertsos ja finaali palveepisoodis , samuti koodis);

2. "keskmise astme" tihendamine sunnib vertikaali üles- ja allapoole suurenema. Ülal on pikoloflööt (kõigil ülaltoodud juhtudel, välja arvatud palveepisood 9. sümfoonia finaalis) ja allpool kontrafagott (5. ja 9. sümfoonia finaalis). Kuid igal juhul on Beethoveni orkestris alati kaks flööti ja fagotti;

3. Jätkates Haydni Londoni sümfooniate ja Mozarti hilisemate sümfooniate traditsiooni, suurendab Beethoven peaaegu kõigi pillide, sealhulgas trompeti (Leonora avamängus nr 2 ja nr 3 kuulus soolo lavaväline soolo) ja timpanite iseseisvust ja virtuoossust. . Tihti on tal 5 keelpillipartiid (kontrabassid on tšellodest eraldatud) ja mõnikord rohkem (divisi mängimine). Kõik puupuhkpillid, sealhulgas fagott, aga ka metsasarved (kooris, nagu 3. sümfoonia skertsotrios või eraldi) võivad väga ereda materjali esitamisel soleerida.

2. Romantism

Romantismi peamiseks eristavaks tunnuseks oli vormikasv, orkestri koosseis ja helitihedus, ilmusid leitmotiivid. Romantilised heliloojad säilitasid tsükli traditsioonilise skeemi, kuid täitsid selle uue sisuga. Nende hulgas on esikohal lüüriline sümfoonia, mille üks eredamaid näiteid oli F. Schuberti sümfoonia h-moll. Seda joont jätkati F. Mendelssohn-Bartholdy sümfooniates, millel oli sageli maali-maastiku iseloom. Nii omandasid sümfooniad romantilistele heliloojatele nii omased programmilised jooned. Hector Berlioz, väljapaistev prantsuse helilooja, esmakordselt loodud kava sümfoonia, kirjutades talle poeetilise kava kunstniku elust jutustava jutu vormis. Programmilised kavatsused aga sisse romantiline muusika kehastuvad sagedamini üheosaliste vormidena sümfooniline poeem, fantaasiad jne. 19. sajandi lõpu ja 20. sajandi alguse silmapaistvaim sümfooniate autor. oli G. Mahler, kohati atraktiivne ja vokaalne algus. Märkimisväärseid sümfooniaid Läänes lõid uute rahvuskoolkondade esindajad: 19. sajandi 2. poolel. - A. Dvorak Tšehhis, 20. sajandil. - K. Szymanowski Poolas, E. Elgar ja R. Vaughan Williams Inglismaal, J. Sibelius Soomes. Uuenduslike joonte poolest eristuvad prantsuse heliloojate A. Honeggeri, D. Milhaud jt sümfooniad Kui 19. sajandi lõpul ja 20. sajandi alguses. Kui domineeris suur (sageli laiendatud orkestrile mõeldud) sümfoonia, siis hiljem hakkas järjest suuremat rolli mängima mastaapselt tagasihoidlik ja solistide ansamblile mõeldud “kammersümfoonia”.

2.1. Franz Schubert (1797-1828)

Schuberti loodud romantilist sümfooniat defineeriti peamiselt kahes viimases sümfoonias - 8. h-moll nimega "Lõpetamata" ja 9. C-duur. Nad on täiesti erinevad, üksteise vastas. Eepiline 9. on läbi imbunud kõikevõitva olemisrõõmu tundest. “Lõpetamata” kehastas puuduse ja traagilise lootusetuse teemat. Sellised tunded, mis peegeldasid terve põlvkonna inimeste saatust, ei olnud enne Schubertit veel sümfoonilist väljendusvormi leidnud. Kaks aastat varem kui Beethoveni 9. sümfoonia (1822. aastal) loodud “Lõpetamata” tähistas uue sümfoonilise žanri – lüürilis-psühholoogilise – teket.

B-moll sümfoonia üks põhijooni puudutab selle tsüklit, mis koosneb ainult kahest osast. Paljud uurijad on püüdnud tungida selle teose "müsteeriumi": kas geniaalne sümfoonia jäi tõesti pooleli? Ühest küljest pole kahtlust, et sümfoonia loodi 4-osalise tsüklina: selle algne klaverivisand sisaldas suurt fragmenti 3. osast – skertsost. Tonaalse tasakaalu puudumine osade vahel (H-moll 1. ja E-duur 2. osas) on samuti tugev argument selle kasuks, et sümfooniat ei olnud eelnevalt 2-osalisena välja mõeldud. Teisest küljest oli Schubertil piisavalt aega, kui ta tahtis sümfooniat lõpetada: pärast “Lõpetamata” lõi ta suur hulk teoseid, sealhulgas 4-osalist 9. sümfooniat. On ka teisi poolt- ja vastuargumente. Vahepeal on “Lõpetamata” saanud üks repertuaarisemaid sümfooniaid, jätmata absoluutselt alahinnangu muljet. Tema kaheosaline plaan osutus täielikult teostatuks.

“Lõpetamata” kangelane on võimeline eredateks protestipuhanguteks, kuid see protest ei vii elujaatava printsiibi võiduni. Konflikti intensiivsuse poolest ei jää see sümfoonia alla dramaatilised teosed Beethoven, aga see konflikt on teist laadi, see kandub üle lüürilis-psühholoogilisse sfääri. See on kogemuste, mitte tegevuse draama. Selle aluseks ei ole kahe vastandliku printsiibi võitlus, vaid võitlus isiksuse enda sees. See on romantilise sümfoonia kõige olulisem tunnus, mille esimene näide oli Schuberti sümfoonia.

PeatükkIII. Sümfoonia Venemaal

Vene heliloojate sümfooniline pärand - P.I. Tšaikovski, A.P. Borodina, A.G. Glazunov, Skrjabin, S.V. Rahmaninov. Alates teisest 19. sajandi pool sajandil hakkasid sümfoonia ranged vormid kokku varisema. Valikuliseks on muutunud neli osa: on nii üheosalisi sümfooniaid (Mjaskovski, Kantšeli, Boriss Tšaikovski), kui ka üheteistosalisi (Šostakovitš) ja isegi kahekümne neljaosalisi (Hovaness). Ilmusid aeglased finaalid, mis klassikalises sümfoonias võimatud (Tšaikovski kuues sümfoonia, Mahleri ​​kolmas ja üheksas sümfoonia). Pärast Beethoveni 9. sümfooniat hakkasid heliloojad sagedamini tutvustama vokaalpartiid.

Aleksander Porfirievitš Borodini (1833-1887) teine ​​sümfoonia on üks tema loomingu tippe. See kuulub maailma sümfooniliste meistriteoste hulka tänu oma heledusele, originaalsusele, monoliitsele stiilile ja vene rahvaeepose piltide leidlikule teostusele. Kokku kirjutas ta kolm sümfooniat (kolmas jäi lõpetamata).

Aleksandr Konstantinovitš Glazunov (1865-1936) on üks suurimaid Venemaa sümfoniste. Tema stiil murdis ainulaadselt Glinka ja Borodini, Balakirevi ja Rimski-Korsakovi, Tšaikovski ja Tanejevi loomingulisi traditsioone. Ta oli ühenduslüli oktoobrieelse vene klassika ja noore nõukogude muusikakunsti vahel.

3.1. Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski (1840-1893)

Sümfoonia Venemaal on ennekõike Tšaikovski. Esimene sümfoonia “Talveunenäod” oli tema esimene suurem teos pärast Peterburi konservatooriumi lõpetamist. See tänapäeval nii loomulikuna näiv sündmus oli 1866. aastal üsna erakordne. Vene sümfoonia – mitmeosaline orkestritsükkel – oli oma teekonna alguses. Selleks ajaks olid olemas vaid Anton Grigorjevitš Rubinsteini esimesed sümfooniad ja Nikolai Andrejevitš Rimski-Korsakovi esimese sümfoonia esimene trükk, mis kuulsust ei kogunud. Tšaikovski tajus maailma dramaatiliselt ja erinevalt tema sümfooniast eepiline sümfoonia Borodin - on lüürilis-dramaatiline, teravalt vastuoluline.

Tšaikovski kuus sümfooniat ja kavasümfoonia “Manfred” on üksteisest erinevad kunstimaailmad, need on “individuaalse” projekti järgi ehitatud hooned. Kuigi Lääne-Euroopa pinnal tekkinud ja arenenud žanri “seadusi” vaadeldakse ja tõlgendatakse silmapaistva oskusega, on sümfooniate sisu ja keel tõeliselt rahvuslikud. Seetõttu kõlavad need Tšaikovski sümfooniates nii orgaaniliselt rahvalaulud.

3.2. Aleksander Nikolajevitš Skrjabin (1872-1915)

Skrjabini sümfoonia kujunes välja 19. sajandi sümfoonilise klassika erinevate traditsioonide loomingulise murdumise alusel. See on ennekõike Tšaikovski ja osaliselt Beethoveni dramaatilise sümfoonia traditsioon. Koos sellega rakendas helilooja ka mõningaid Liszti programmilise romantilise sümfoonia jooni. Mõned Skrjabini sümfooniate orkestri stiili jooned seovad teda osaliselt Wagneriga. Kuid kõiki neid erinevaid allikaid töötles ta sügavalt iseseisvalt. Kõik kolm sümfooniat on üksteisega tihedalt seotud ühise ideoloogilise kontseptsiooni kaudu. Selle olemust võib määratleda kui võitlust inimese isiksus vaenulike jõududega, kes seisid tema teel vabaduse kehtestamisele. See võitlus lõpeb alati kangelase võidu ja valguse võiduga.

3.3. Dmitri Dmitrijevitš Šostakovitš (1906-1975)

Šostakovitš - helilooja ja sümfonist. Kui Prokofjevi jaoks on loominguliste huvide mitmekesisuse juures kõige olulisem muusikateater, siis Šostakovitši jaoks on seevastu põhižanr sümfoonia. Just siin leiavad tema töö põhiideed sügava ja tervikliku kehastuse. Šostakovitši sümfooniate maailm on tohutu. Neis näeme kogu inimkonna elu 20. sajandil koos selle keerukuse, vastuolude, sõdade ja sotsiaalsete konfliktidega.

Seitsmes (“Leningradi”) sümfoonia on helilooja üks olulisemaid teoseid. See on neljaosaline. Selle mastaap on tohutu: sümfoonia kestab üle 70 minuti, millest peaaegu poole võtab enda alla esimene osa. "Mis kurat võib võita rahvast, kes on võimeline sellist muusikat looma," kirjutas üks Ameerika ajalehti 1942. aastal. Šostakovitši seitsmendat sümfooniat võib õigusega nimetada 20. sajandi “kangelassümfooniaks”.

3.4. Alfred Garrievich Schnittke (1934-1998)

Schnittke on nõukogude ja vene helilooja, muusikateoreetik ja õpetaja (vene ja nõukogude heliloojaid käsitlevate artiklite autor), üks 20. sajandi teise poole märkimisväärsemaid muusikategelasi, RSFSRi austatud kunstnik. Schnittke on üks muusikalise avangardi eestvedajaid. Vaatamata selle silmapaistva helilooja muusika suurele populaarsusele ei ole paljude tema sümfooniate partituurid ikka veel avaldatud ega ole Venemaal kergesti kättesaadavad. Schnittke tõstatas oma teostes filosoofilisi probleeme, millest peamised olid inimene ja keskkond. Esimene sümfoonia sisaldas tervet kaleidoskoopi erinevatest muusikastiilidest, žanritest ja suundadest. Esimese sümfoonia loomise lähtekohaks oli tõsise ja kerge muusika stiilide vahekord. Teine ja neljas sümfoonia peegeldavad suuresti helilooja religioosse eneseteadvuse kujunemist. Teine sümfoonia kõlab nagu iidne missa. Kolmas sümfoonia oli tingitud tema sisemisest vajadusest väljendada oma suhtumist saksa kultuuri, oma päritolu saksa juurtesse. Kolmandas sümfoonias kulgeb kogu saksa muusika ajalugu kuulaja ees lühikeste lõikude kujul. Alfred Schnittke unistas luua täpselt üheksa sümfooniat – ja anda seeläbi omamoodi kummardus sama numbri kirjutanud Beethovenile ja Schubertile. Alfred Schnittke kirjutas üheksanda sümfoonia (1995–1997), kui ta oli juba raskelt haige. Ta sai kolm insulti ja ei liigutanud end üldse. Heliloojal ei olnud aega partituuri lõplikult lõpetada. Esmakordselt esitas selle valmimise ja orkestriväljaande Gennadi Roždestvenski, kelle juhatusel toimus esmaettekanne Moskvas 19. juunil 1998. aastal. Sümfoonia uue toimetuse versiooni viis läbi Aleksandr Raskatov ja see esitati Dresdenis 16. juunil 2007.

20. sajandi teisel poolel sai populaarseimaks erinevate žanrite põhimõtete kombineerimine ühes teoses - sümfooniline, koori-, kammer-, instrumentaal- ja vokaalteos. Näiteks Šostakovitši neljateistkümnes sümfoonia ühendab sümfooniat, kammervokaal- ja instrumentaalmuusikat; Gavrilini kooriettekannetes on ühendatud oratooriumi, sümfoonia, vokaaltsükkel, ballett, dramaatiline etendus.

3.5. Mihhail Žuravlev

21. sajandil on palju andekaid heliloojaid, kes avaldavad sümfooniale austust. Üks neist on Mihhail Žuravlev. Oma muusikalise ja poliitilise manifestiga astus helilooja julgelt ühte ritta selliste muusikaajaloo tegelastega nagu L. Beethoven, P. Tšaikovski ja D. Šostakovitš. M. Žuravlevi 10. sümfooniat võib tänapäeval kergesti nimetada "21. sajandi kangelassümfooniaks". Lisaks selle sümfoonia üldistele eetilistele aspektidele tuleb ära märkida ka puhtprofessionaalsed aspektid. Autor ei püüdle uuenduste poole uuenduslikkuse pärast. Kohati on ta isegi rõhutatult akadeemiline, astudes resoluutselt vastu kõikidele dekadentidele ja avangardkunstnikele. Kuid tal õnnestus öelda midagi tõeliselt uut, oma sõna sümfoonilises žanris. Helilooja M. Žuravlev kasutab hämmastavalt meisterlikult sonaadivormi põhimõtteid, demonstreerides iga kord selle lõputuid võimalusi. Kombineeritud 3. ja 4. osa kujutavad endast tegelikult omamoodi “supersonaati”, milles kogu 4. osa võib pidada avardatuks koodi eraldi osaks. Selle erakordse koosseisuotsusega peavad teadlased ka tulevikus tegelema.

Järeldus

Sümfooniateks nimetati algselt neid teoseid, mis ei mahtunud traditsiooniliste kompositsioonide raamidesse – partiide arvu, temposuhte, erinevate stiilide kombineerimise poolest – polüfoonilisteks (mida peeti domineerivaks 17. sajandil) ja tärkavaks homofoonilisteks (koos häälsaade). 17. sajandil nimetati kõikvõimalikke ebatavalisi muusikateoseid sümfooniaga (mis tähendas "kõla, kokkulepet, uute helide otsimist") ja 18. sajandil nn divertisment-sümfooniaid, mis loodi kõlama. ruum ballidel ja mitmesugustel seltskonnaüritustel sai laialt levinud. Sümfoonia sai žanrinimetuseks alles 18. sajandil. Esituse poolest peetakse sümfooniat õigustatult väga keeruliseks žanriks. See nõuab tohutut koostist, paljude haruldaste esinemist Muusikariistad, orkestrantide ja vokalistide oskus (kui tegemist on tekstiga sümfooniaga), suurepärane akustika. Nagu igal muusikažanril, on ka sümfoonial oma seadused. Seega on klassikalise sümfoonia normiks neljaosaline tsükkel, mille servades on sonaadivorm (kõige keerulisem), teose keskel aeglane ja tantsuline liikumine. See struktuur ei ole juhuslik. Sümfoonia peegeldab inimese suhete protsesse maailmaga: aktiivne - esimeses osas, sotsiaalne - neljandas osas, mõtisklus ja mäng - tsükli keskmistes osades. IN pöördepunktid selle areng sümfooniline muusika muutis kehtestatud reegleid. Ja need nähtused kunstiväljal, mis algul tekitasid šoki, siis said tuttavaks. Näiteks vokaali ja luulega sümfooniast ei saanud lihtsalt juhus, vaid üks žanri arengusuundi.

Tänapäeva heliloojad eelistavad sümfoonilistele vormidele kammeržanre, mis nõuavad väiksemat koosseisu. Sedalaadi kontsertidel kasutatakse isegi fonogramme müra või mingisuguste elektroonikakustiliste efektidega. Muusikaline keel, mida tänapäeval kasvatatakse kaasaegne muusika, - väga eksperimentaalne, uurimuslik. Arvatakse, et muusika kirjutamine orkestrile tähendab tänapäeval selle lauale panekut. Paljud usuvad, et sümfoonia kui žanri aeg, milles noored heliloojad töötavad, on kindlasti möödas. Aga kas see on tõesti nii? Sellele küsimusele annab vastuse aeg.

Bibliograafia:

1. Averyanova O.I. 20. sajandi kodumaine muusikakirjandus: õpik. lastemuusikakooli toetus: neljapäev. aine õpetamise aasta. - M.: Muusika, 2009. - 256 lk.
2. Borodin. Teine sümfoonia (“Bogatõrskaja”) / Artikkel – [Elektrooniline ressurss] – Juurdepääsurežiim – URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
3. XXI sajandi kangelassümfoonia / V. Filatovi artikkel // Proosa. ru - [Elektrooniline ressurss] - Juurdepääsurežiim - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
4. Levik B.V. Muusikaline kirjandus välisriigid: õppevahend. Vol. 2. - M.: Muusika, 1975. - 301 lk.
5. Prohhorova I. Välismaade muusikaline kirjandus: 5. klassile. Lastemuusikakool: Õpik M.: Muusika, 2000. - 112 lk.
6. Vene muusikaline kirjandus. Vol. 4. Toim. M.K. Mihhailova, E.L. Praetud. - Leningrad: "Muusika", 1986. - 264 lk.
7. Sümfoonia // Yandex. Sõnastikud › TSB, 1969-1978 - [Elektrooniline ressurss] - Juurdepääsurežiim - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSE/Symphony/
8. sümfoonia. // Vikipeedia. Tasuta entsüklopeedia – [Elektrooniline ressurss] – Juurdepääsurežiim – URL: http://ru.wikipedia.org/wiki/Symphony http://www.tchaikov.ru/symphony.html
9. Schubert, “Lõpetamata” sümfoonia // Loengud teemal muusikalist kirjandust musike.ru – [Elektrooniline ressurss] – Juurdepääsurežiim – URL: http://musike.ru/index.php?id=54

Barokiajastu lõpul kirjutasid mitmed heliloojad, näiteks Giuseppe Torelli (1658–1709), keelpilliorkestrile ja basso continuole teoseid kolmes osas, kiire-aeglane-kiire tempojärjega. Kuigi tavaliselt nimetati selliseid teoseid "kontsertideks", siis nemad ei erinenud teostest, mida nimetatakse "sümfooniateks"; näiteks kasutati tantsuteemasid nii kontsertide kui sümfooniate finaalides. Erinevus puudutas peamiselt tsükli esimese osa ülesehitust: sümfooniates oli see lihtsam – see on reeglina barokse avamängu, sonaadi ja süidi (AA BB) kaheosaline vorm. Sõna "sümfoonia" pärineb 10. sajandist. tähendas harmoonilist kooskõla; 16. sajandi lõpuks. sellised autorid nagu J. Gabrieli rakendasid seda mõistet häälte ja instrumentide kooskõlale. Hiljem hakati selliste heliloojate nagu Adriano Banchieri (1568–1634) ja Salomone Rossi (umbes 1570–u 1630) muusikas tähendama sõna “sümfoonia” pillide kooskõla ilma hääli. 17. sajandi itaalia heliloojad. Sõna “sümfoonia” (sinfonia) tähistas sageli ooperi, oratooriumi või kantaadi instrumentaalset sissejuhatust ning mõiste oli tähenduselt lähedane mõistetele “prelüüd” või “avamäng”. 1680. aasta paiku kehtestati A. Scarlatti ooperiloomingus sümfoonia tüüp kui instrumentaalne kompositsioon kolmes osas (või osades), mis on üles ehitatud põhimõttel "kiire - aeglane - kiire".

Klassikaline sümfoonia.

18. sajandi kuulajad Mulle meeldisid mitmes osas erineva tempoga orkestripalad, mida esitati nii kodustel koosviibimistel kui ka avalikel kontsertidel. Kaotanud sissejuhatuse funktsiooni, arenes sümfoonia iseseisvaks orkestriteoseks, tavaliselt kolmeosaliseks (“kiire – aeglane – kiire”). Barokksüidi, ooperi ja kontserdi jooni kasutades lõid mitmed heliloojad, eelkõige G. B. Sammartini klassikalise sümfoonia mudeli – kolmeosalise teose keelpilliorkestrile, kus kiired osad võtsid tavaliselt sümfoonia vormi. lihtne rondo või varane sonaadivorm. Järk-järgult lisandusid keelpillidele ka muud pillid: oboed (või flöödid), metsasarved, trompetid ja timpanid. 18. sajandi kuulajatele. sümfoonia määrasid klassikalised normid: homofooniline tekstuur, diatooniline harmoonia, meloodilised kontrastid, etteantud dünaamiliste ja temaatiliste muutuste jada. Klassikalise sümfoonia viljelemise keskusteks olid Saksamaa linn Mannheim (siin laiendasid Jan Stamitz ja teised autorid sümfoonilise tsükli neljaosaliseks, tuues sellesse kaks tantsu baroksüidist – menueti ja trio) ja Viin, kus Haydn, Mozart , Beethoven (nagu ka nende eelkäijad, kelle seast paistavad silma Georg Monn ja Georg Wagenseil, tõstsid sümfooniažanri uuele tasemele.

J. Haydni ja W. A. ​​Mozarti sümfooniad on klassikalise stiili säravad näited. Osad on üksteisest selgelt eraldatud, igaühel on iseseisev temaatiline materjal; Tsükli ühtsuse tagavad tonaalsed võrdlused ning läbimõeldud tempode ja teemade olemuse vaheldumine. Keelpillid, puupuhkpillid, vaskpillid ja timpanid pakuvad mitmesuguseid instrumentaalkombinatsioone; ooperlikust vokaalkirjutusest tulenev lüüriline algus tungib läbi aeglaste osade teemade, kolmanda osa triolõikude ja teiste osade sekundaarsete teemade. Kiirete osade temaatiliseks aluseks saavad teised ooperliku päritoluga motiivid (oktaavihüpped, helide kordused, skaalalaadsed lõigud). Haydni sümfooniaid eristavad teravmeelsus, temaatilise arenduse leidlikkus, fraseeringu, instrumentatsiooni, faktuuri ja temaatika originaalsus; Mozarti sümfooniaid iseloomustab meloodiarikkus, plastilisus, harmoonia graatsia ja meisterlik kontrapunkt.

Suurepärane näide 18. sajandi lõpu klassikalisest sümfooniast. – Mozarti sümfoonia nr 41 (K. 551, C-duur (1788), tuntud kui Jupiter. Selle partituuris on flööt, kaks oboed, kaks fagotti, kaks metsasarve, kaks trompetit, timpanid ja keelpillide rühm (esimene ja teine ​​viiul, vioola, tšello, kontrabass). Sümfoonia koosneb neljast osast. Esimene, Allegro vivace, on kirjutatud elavas tempos, C-duur võtmes, 4/4 taktis, sonaadivormis (nn sonata allegro vorm: teemad ilmuvad esmalt ekspositsioonis, seejärel arenevad edasi arenduses , millele järgneb kordus, mis tavaliselt lõpeb järeldusega - coda). Mozarti sümfoonia teine ​​osa on kirjutatud mõõdukas (moderato) tempos, F-duur subdominantses võtmes, taas sonaadivormis ja meloodilise karakteriga (Andante cantabile).

Kolmas osa koosneb mõõdukalt aktiivsest menuetist ja triost C-duur. Kuigi kumbki neist kahest tantsust on kirjutatud rondataolises binaarses vormis (menuett – AAVABA; trio – CCDCDC), annab menueti tagasitulek trio järel üldisele struktuurile kolmepoolse struktuuri. Finaal on taas sonaadivormis, väga kiires tempos (Molto allegro), C-duur põhivõtmes. Lakoonilistel motiividel üles ehitatud finaali teemad kiirgavad energiat ja jõudu; finaali koodis on Bachi kontrapunktitehnikad ühendatud Mozarti klassikalise stiili virtuoossusega.

L. van Beethoveni loomingus on sümfoonia osad temaatiliselt tihedamalt seotud ning tsükkel saavutab suurema ühtsuse. Beethoveni viiendas sümfoonias läbi viidud põhimõte kasutada kõigis neljas osas seotud temaatilist materjali tõi kaasa nn. tsükliline sümfoonia. Beethoven asendab rahuliku menueti elavama, sageli märatseva skerzoga; ta tõstab temaatilise arenduse uuele tasemele, allutades oma teemad kõikvõimalikele muutustele, sealhulgas kontrapunktaalsele arengule, teemafragmentide eraldamisele, režiimide muutumisele (suur-minoor) ja rütminihketele. Väga muljetavaldavad on Beethoveni tromboonide kasutamine viiendas, kuuendas ja üheksanda sümfoonias ning häälte kaasamine üheksanda finaalis. Beethovenis nihkub raskuskese tsüklis esimesest osast finaali; Kolmandas, Viiendas ja Üheksandas on finaalid kahtlemata tsüklite kulminatsioonid. Beethovenil on "iseloomulikud" ja programmilised sümfooniad - Kolmas ( Kangelaslik) ja kuues ( Pastoraalne).

Romantiline sümfoonia.

Beethoveni loominguga astus sümfoonia uude sajandisse. Tema stiilile iseloomulikud teravad tempomuutused, dünaamilise ulatuse laius, kujundirikkus, virtuoossus ja dramaturgilisus, kohati ootamatud teemad ja mitmetähenduslikkus – kõik see tegi heliloojatele tee puhtaks. romantiline ajastu. Mõistes Beethoveni suurust, püüdsid nad järgida tema teed, kaotamata oma individuaalsust. Romantilised heliloojad, alustades F. Schubertist, katsetasid sonaadi ja muude vormidega, sageli neid ahendades või laiendades; Romantikute sümfooniad on täis lüürikat, subjektiivset väljendust ning neid eristab tämbririkkus ja harmooniline värvitoon. Beethoveni kaasaegsel Schubertil oli eriline anne luua lüürilisi teemasid ja ebatavaliselt väljendusrikkaid harmoonilisi jadasid. Kui klassitsismi loogika ja korrastatus andis teed romantismikunstile iseloomulikule subjektiivsusele ja ettearvamatusest, muutus paljude sümfooniate vorm avaramaks ja tekstuur raskemaks.

Saksa romantilistest sümfonistidest on F. Mendelssohn, R. Schumann ja J. Brahms. Mendelssohn oma klassitsismiga vormi ja proportsioonide vallas oli eriti edukas kolmandas ( Šotimaa) ja neljas ( itaalia keel) sümfooniad, mis kajastasid autori muljeid nende riikide külastamisest. Beethovenist ja Mendelssohnist mõjutatud Schumanni sümfooniad kipuvad olema tsüklilised ja samal ajal rapsoodilised, eriti Kolmas ( Reinimaa) ja neljas. Oma neljas sümfoonias ühendab Brahms aupaklikult Bachi stiili kontrapunkti, Beethoveni arendusmeetodi, Schuberti lüürilisuse ja Schumanni meeleolu. P. I. Tšaikovski vältis lääne romantikute tüüpilist kalduvust sümfooniate üksikasjalike programmide poole, samuti vokaalsete vahendite kasutamist selles žanris. Andekas orkestrant ja meloodia Tšaikovski sümfooniad peegeldavad autori kalduvust tantsurütmidele. Teise andeka meloodisti A. Dvoraki sümfooniaid eristab Schubertilt ja Brahmsilt üle võetud üsna konservatiivne lähenemine sümfoonilisele vormile. A.P. Borodini sümfooniad on sisult sügavalt rahvuslikud ja vormilt monumentaalsed.

Autor, kelle loomingus kujunes välja eelmise sajandi programmsümfoonia tüüp, mis erines paljuski klassikalise ajastu abstraktsest või nii-öelda absoluutsest sümfooniast, oli G. Berlioz. Kavalises sümfoonias jutustatakse narratiivi või maalitakse pilt või üldiselt on muusikast väljaspool peituvat “muusikavälise” elementi. Inspireeritud Beethoveni 9. sümfooniast selle lõpukooriga Schilleri sõnadele Oodid rõõmule, Berlioz läks oma epohaalis kaugemale Fantastiline sümfoonia(1831), kus iga osa on justkui fragment autobiograafiline narratiiv, ja juhtmotiivid-meeldetuletused jooksevad läbi kogu tsükli. Helilooja teiste kavade hulgas on ka sümfooniaid Harold Itaalias Byroni ja Romeo ja Julia Shakespeare’i järgi, kus koos instrumentidega kasutatakse laialdaselt ka vokaalseid vahendeid. Nagu Berlioz, olid ka F. Liszt ja R. Wagner oma ajastu “avangardistid”. Kuigi Wagneri iha sõnade ja muusika, häälte ja instrumentide sünteesi järele viis ta sümfooniast ooperini, mõjutas selle autori suurepärane meisterlikkus peaaegu kõiki järgneva põlvkonna Euroopa heliloojaid, sealhulgas austerlast A. Brucknerit. Nagu Wagner, oli ka Liszt üks hilismuusikalise romantismi liidreid ja tema tõmme programmilisuse vastu andis aluse sellistele teostele nagu sümfooniad. Faust Ja Dante, samuti 12 kavalist sümfoonilist poeemi. Liszti võtted teemade kujundlikuks teisendamiseks nende kujunemisprotsessis mõjutasid suuresti hilisema perioodi autorite S. Franki ja R. Straussi loomingut.

19. sajandi lõpus. mitmete andekate sümfonistide looming, kellest igaühel oli särav individuaalne stiil, tähistas sonaadivormi ülekaalu ja teatud tonaalsete suhetega klassikalis-romantilise traditsiooni lõppjärku. Austerlane G. Mahler imbus sümfooniasse temaatiliste teemadega, mis said alguse tema enda lauludest ja tantsumotiividest; sageli tsiteeris ta otse fragmente rahva-, religioossest või militaarmuusikast. Mahleri ​​neljas sümfoonias on kasutatud koori ja soliste ning kõiki tema kümmet sümfoonilist tsüklit iseloomustab orkestrikirjutuse erakordne mitmekesisus ja keerukus. Soomlane J. Sibelius lõi abstraktse loomuga sümfooniaid, mis olid läbi imbunud sügavast tundest; Tema stiili iseloomustab madalate registrite ja bassipillide eelistamine, kuid üldiselt jääb orkestraalne tekstuur selgeks. Prantslane C. Saint-Saens kirjutas kolm sümfooniat, millest tuntuim on viimane (1886) – nn. Orelisümfoonia. Selle perioodi populaarseimat prantsuse sümfooniat võib ehk nimetada S. Franki (1886–1888) ainsaks sümfooniaks.

Suurepärane näide 19. sajandi lõpu postromantilisest sümfooniast. on Mahleri ​​teine ​​sümfoonia c-moll, mis valmis 1894. aastal (mõnikord nimetatakse seda Ülestõusmine seoses koraali sisuga viimases osas). Hiiglaslik viieosaline tsükkel on kirjutatud suurele orkestrikoosseisule: 4 flööti (sh piccolo), 4 oboed (sh 2 cor anglais), 5 klarnetit (sealhulgas üks bass), 4 fagotti (sh 2 kontrafagotti), 10 metsasarve, 10 trompetid, 4 trombooni, tuuba, orel, 2 harfi, kaks solisti - kontralt ja sopran, segakoor ja tohutu löökpillide sektsioon, sealhulgas 6 timpanit, bassitrumm, taldrikud, gongid ja kellad. Esimene osa on pühaliku (Allegro maestoso) marsilaadse iseloomuga (4/4 taktimärk c-moll võtmes); ülesehituselt on tegemist kahekordse eksponeerimisega pikendatud sonaadivormiga. Teine osa rullub lahti mõõdukas tempos (Andante moderato) ja meenutab iseloomult graatsilist Austria Ländleri tantsu. See osa on kirjutatud submediandi võtmes (A-duur) 3/8 ajas ja lihtsas ABABA vormis. Kolmas osa eristub muusika sujuva kulgemise poolest, see on kirjutatud põhivõtmes ja 3/8 ajast. See kolmeosaline skertso on Mahleri ​​samaaegselt loodud laulu sümfooniline edasiarendus Jutlus St. Anthony Kaladele.

Neljandas osas “Igavene valgus” (“Urlicht”) kõlab inimhääl. See särav ja sügavat religioosset tunnet täis orkestrilaul on kirjutatud soolovioolale ja redutseeritud orkestrile; sellel on vorm ABCB, taktimõõtur 4/4, D-duur klahv. Tormine, "metsik" finaal scherzo tempos sisaldab palju muutusi meeleolus, tonaalsuses, tempos ja meetris. See on väga suur sonaadivorm, millel on monumentaalne kooda; Finaal sisaldab marsi, koraali ja eelmisi osi meenutavaid laule. Finaali lõpus astuvad sisse hääled (soolosopran ja kontralt, samuti koor - hümniga ülestõusnud Kristusest 18. sajandi saksa poeedi F. Klopstocki sõnadele. Orkestri lõpetamisel kõlab kerge, särav orkester värvid ja põhilisega paralleelne Es-duur tonaalsus ilmuvad c-moll: usu valgus hajutab pimeduse.

Kahekümnes sajand.

Teravas kontrastis Mahleri ​​laialivalguvatele hilisromantilistele tsüklitele olid hoolikalt viimistletud neoklassikalised sümfooniad. Prantsuse autorid, nagu D. Milhaud ja A. Honegger. Neoklassitsistlikus (või neobarokses) stiilis kirjutas vene autor I. F. Stravinski, kes täitis traditsioonilised sümfoonilised vormid uue meloodilise ja tonaalharmoonilise materjaliga. Ka sakslane P. Hindemith kombineeris minevikust tulnud vorme teravalt individuaalse meloodilise ja harmoonilise keelega (teda iseloomustas neljanda intervalli eelistamine temaatikas ja akordides).

Suurimad vene sümfonistid on S. V. Rahmaninov, S. S. Prokofjev ja D. D. Šostakovitš. Rahmaninovi kolm sümfooniat jätkavad Tšaikovskilt pärit rahvusromantilist traditsiooni. Prokofjevi sümfooniad on samuti traditsiooniga seotud, kuid ümbertõlgendatud; Seda autorit iseloomustavad jäigad motoorsed rütmid, ootamatud tonaalinihked ja on teema, mis pärineb folkloorist. Loominguline eluŠostakovitš voolas sisse nõukogude periood Venemaa ajalugu. Kõige edasijõudnumaks võib pidada tema esimest, kümnendat, kolmeteistkümnendat ja viieteistkümnendat sümfooniat, kolmandat, kaheksandat, üheteistkümnendat ja kaheteistkümnendat sümfooniat. suuremal määral seotud traditsioonilise "vene stiiliga". Inglismaal olid silmapaistvamad sümfooniad E. Elgar (kaks sümfooniat) ja R. W. Williams (üheksa sümfooniat, mis on kirjutatud aastatel 1910–1957, sealhulgas vokaalelement). Teistest autoritest, kellest igaüks on seotud oma maa traditsioonidega, võib nimetada poolakaid Witold Lutoslawskit (s. 1913) ja K. Pendereckit, tšehhi Boguslav Martinut (1890–1959), brasiillast E. Villa-Lobost. ja mehhiklane Carlos Chavez (1899–1976).

20. sajandi alguses. Ameeriklane Charles Ives komponeeris mitmeid avangardseid sümfooniaid, milles kasutati orkestrirühmi, veerandtoonide intervalle, polürütme, dissonantse harmoonilist kirjutamist ja kollaažitehnikaid. Järgmises põlvkonnas lõid Ameerika sümfoonilise koolkonna mitmed heliloojad (kes kõik õppisid 1920. aastatel Pariisis Nadia Boulangeri juures): A. Copland, Roy Harris (1898–1981) ja W. Piston. Nende stiilis on tänu neoklassitsismi elementidele tuntav prantsuse mõju, kuid ometi loovad nende sümfooniad kuvandi Ameerikast selle avaruste, paatose ja looduse iluga. Roger Sessionsi sümfooniaid iseloomustab kromaatiliste meloodialiinide keerukus ja kapriissus, temaatilise arengu pingelisus ja kontrapunktide rohkus. Wallingford Rigger kasutas oma sümfooniates A. Schönbergi seriaalitehnikat; Henry Cowell kasutas oma sümfooniates selliseid eksperimentaalseid ideid nagu hümnide fuugameloodiad, eksootilised instrumendid, helikobarad ja dissonantne kromaatilisus.

Teiste 20. sajandi keskpaiga Ameerika sümfonistide hulgas. esile tõsta võib H. Hansoni, W. Schumanni, D. Diamondi ja V. Persichettit. Sajandi teisel poolel huvitavad sümfooniad on loonud E. Carter, J. Rochberg, W. G. Still, F. Glass, E. T. Zwilich ja J. Corigliano. Inglismaal jätkas sümfoonilist traditsiooni Michael Tippett (1905–1998). 1990. aastatel ilmnes ebatavaline nähtus: tänapäevasest sümfooniast sai laiema avalikkuse "hitt". See on umbes kolmanda sümfoonia kohta ( Kurbade laulude sümfooniad) Poolakas Heinrich Górecki. Kolmanda aastatuhande vahetusel heliloojad erinevad riigid loonud sümfooniaid, mis peegeldasid nende autorite külgetõmmet selliste erinevate nähtuste vastu nagu minimalism, totaalne serialism, aleatoorika, Elektrooniline muusika, neoromantism, jazz ja Euroopa-välised muusikakultuurid.

Paljude muusikažanrite seas kuulub üks auväärsemaid kohti sümfooniale. Alati, alates selle loomisest kuni tänapäevani, on see tundlikult peegeldanud oma aega: Mozarti ja Beethoveni, Berliozi ja Mahleri, Prokofjevi ja Šostakovitši sümfooniad on mõtisklused ajastust, inimesest, maailma viisidest, eluviisid maa peal. kui iseseisev muusikažanr tekkis suhteliselt hiljuti: umbes kaks ja pool sajandit tagasi. Selle ajalooliselt lühikese aja jooksul on see aga kaugele jõudnud.
Sõna symphonia tähendab kreeka keelest tõlgituna lihtsalt konsonantsi. Vana-Kreekas nimetati nii meeldivat helikombinatsiooni. Hiljem hakkasid nad määrama kas orkestrit või tantsusüidi sissejuhatust. 18. sajandi alguses asendas see termin senise avamängu mõiste. Esimesed sümfooniad praeguses mõistes ilmusid Euroopa kesklinnas 18. sajandi teisel poolel. Ja tema sünnikoht ja -aeg pole juhuslikud. Pärineb samaaegselt erinevad osad Euroopas, vanade, varem väljakujunenud muusikaliste vormide – tantsusüidi ja ooperi avamängu – sügavuses kujunes sümfoonia lõpuks saksa keele maades.
Itaalias oli ooper rahvuskunst. Revolutsioonieelsel Prantsusmaal, mis oli juba küllastunud vabamõtlemise ja mässu õhkkonnast, tulid esile teised kunstid. Nagu kirjandus, maal ja teater – konkreetsemad, otse ja selgelt väljendavad uusi ideid, mis maailma erutavad. Kui mitu aastakümmet hiljem muusika juurde jõudis, astus laul täieõigusliku võitlejana revolutsioonivägede ridadesse - “Carmagnola”, “Ca ira”, “La Marseillaise”. Kuid - ja tänapäevani kõige keerulisem kõigist muusikaliikidest, mis ei ole seotud teiste kunstidega - nõudis oma kujunemiseks, täielikuks tajumiseks muid tingimusi: see nõudis mõtlemist, üldistamist - rahulikku ja kontsentreeritud tööd. Pole juhus, et filosoofilise mõtte keskpunkt, mis peegeldas 18. sajandi lõpu Euroopas toimunud sotsiaalseid muutusi, osutus sotsiaalsetest tormidest kaugel Saksamaal.
Samal ajal on Saksamaal ja Austrias välja kujunenud rikkalikud instrumentaalmuusika traditsioonid. Siin ilmus sümfoonia. See tekkis Tšehhi ja Austria heliloojate loomingus ning omandas lõpliku vormi Haydni loomingus, et jõuda haripunkti Mozartis ja Beethovenis. See klassikaline sümfoonia (Haydn, Mozart ja Beethoven sisenesid muusikaajalukku kui "Viini klassikud", alates enamik nende looming on seotud selle linnaga) arenes välja neljaosalise tsüklina, mis kehastas erinevaid aspekte inimelu. Sümfoonia esimene osa on kiire, aktiivne, vahel eelneb aeglane sissejuhatus. See on kirjutatud sonaadivormis (sellest saate lugeda sonaadi loost). Teine osa on aeglane – tavaliselt mõtlik, eleegiline või pastoraalne ehk siis pühendatud rahulikele looduspiltidele, vaiksele puhkusele või unistustele. On ka teisi osi, mis on leinavad, kontsentreeritud ja sügavad. Sümfoonia kolmas osa on menuett ja hiljem, Beethovenis, skertso. See on mäng, lõbus, elavate piltidega rahvaelu, põnev ringtants... Finaal on kogu tsükli tulemus, kokkuvõte kõigest, mida eelmistes osades näidati, läbimõeldi, tunnetati. Sageli on lõpp elujaatav, pidulik, võidukas või pidulik. Üldskeemis on erinevate heliloojate sümfooniad väga erinevad. Nii et kui Haydni sümfooniad on enamasti rahulikud, rõõmsad ja tema loodud 104-st selle žanri teosest vaid väga vähestes esinevad tõsised või kurvad toonid, siis Mozarti sümfooniad on palju individuaalsemad. neid peetakse mõnikord romantilise kunsti eelkäijateks.
Beethoveni sümfooniad on täis võitluse kujundeid. Need peegeldasid täielikult aega – Suure Prantsuse revolutsiooni ajastut, sellest inspireeritud kõrgeid kodanikuideid. Beethoveni sümfooniad on monumentaalsed teosed, sisu sügavuse, laiuse ja üldistusjõu poolest, mis ei jää alla ooperile, draamale või romaanile. Need erinevad sügav draama, kangelaslikkus, paatos. Beethoveni viimases sümfoonias, Üheksandas, kõlab koor, mis laulab vaimustavat ja majesteetlikku hümni "Embrace, o Millions", mis on seatud Schilleri rõõmuoodide salmidele. Helilooja maalib siin suurejoonelise pildi vabast, rõõmsast inimkonnast, kes püüdleb universaalse vendluse poole. Beethoveniga samal ajal elas samas Viinis ka teine ​​imeline Austria helilooja Franz Schubert. Tema sümfooniad kõlavad nagu lüürilised luuletused, kui sügavalt isiklikud, intiimsed avaldused. Koos Schubertiga tuli Euroopa muusikasse uus liikumine, sümfooniažanr – romantism. Muusikalise romantismi esindajad sümfoonias on Schumann, Mendelssohn, Berlioz. Esimesena lõi kavasümfoonia (vt lugu kavamuusikast) silmapaistev prantsuse helilooja Hector Berlioz, kirjutades sellele poeetilise kava kunstniku elust jutustava novelli vormis. Venemaal on selleks eelkõige Tšaikovski. Tema sümfoonilised teosed on põnevad, põnevad lood inimese võitlusest elu, õnne nimel. Aga see on Borodin: tema sümfooniad eristuvad eepilise laiuse, jõu ja tõeliselt venepärase ulatuse poolest. Need on Rahmaninov, Skrjabin ja Glazunov, kes lõid kaheksa sümfooniat – ilusad, helged, tasakaalukad. D. Šostakovitši sümfooniad kehastavad 20. sajandit oma tormide, tragöödiate ja saavutustega. Need peegeldavad meie ajaloo sündmusi ja kujutluspilte inimestest – helilooja kaasaegsetest, ehitamisest, võitlusest, otsimisest, kannatusest ja võitmisest. S. Prokofjevi sümfooniaid eristavad eepiline tarkus, sügav dramaturgia, puhas ja helge lüürika ning teravad naljad.
Igasugune sümfoonia on Kogu maailm. Selle loonud kunstniku maailm. Ajamaailm, mis selle sünnitas. Klassikalisi sümfooniaid kuulates saame vaimselt rikkamaks, saame tuttavaks inimgeeniuse aaretega, mis on oma tähenduselt võrdsed Shakespeare'i tragöödiate, Tolstoi romaanide, Puškini luuletuste, Raffaeli maalidega. Nõukogude sümfooniate autoritest on N. Mjaskovski, A. Hatšaturjan, T. Hrennikov, V. Salmanov, R. Štšedrin, B. Tištšenko, B. Tšaikovski, A. Terterjan, G. Kantšeli, A. Šnittke.

Vaadake väärtust sümfoonia teistes sõnaraamatutes

sümfoonia- ja. kreeka keel muusika harmoonia, helide kokkulepe, polüfooniline konsonants. | Eriline vaade polüfooniline muusikaline kompositsioon. Hayden. | Vanal, Uuel Testamendil, kood, kohtade märge.......
Dahli seletav sõnaraamat

sümfoonia- sümfooniad, w. (Kreeka sümfoonia – helide harmoonia, konsonants). 1. Suur muusikapala orkestrile, mis koosneb tavaliselt 4 osast, millest esimene ja sageli viimane.......
Ušakovi seletav sõnaraamat

Sümfoonia J.— 1. Suur muusikapala orkestrile, mis koosneb tavaliselt 3-4 osast, mis erinevad üksteisest muusika olemuse ja tempo poolest. // ülekanne Harmooniline heli.......
Efremova selgitav sõnaraamat

sümfoonia- -Ja; ja. [kreeka keelest symphōnia – konsonants]
1. Suuremõõtmeline muusikateos orkestrile (tavaliselt neljast osast). Sümfoonia ülesehituse põhimõtted. Dramaturgia............
Kuznetsovi seletav sõnaraamat

sümfoonia- See on nimi muusikaline žanr laenatud prantsuse keelest ja läheb tagasi kreeka päritolu ladina sõnale symphonia, millele (syn - on (o)), telefon - "heli, hääl")......
Krylovi etümoloogiline sõnaraamat

sümfoonia- (kreeka sõnast symphonia - konsonants) - muusikateos sümfooniaorkestrile, kirjutatud tsüklilises sonaadivormis; instrumentaalmuusika kõrgeim vorm. Tavaliselt......
Suur entsüklopeediline sõnastik

sümfoonia- - sõnade kogum - kõigi Piiblis leiduvate sõnade, väljendite ja fraaside kogumik tähestikulises järjekorras, mis näitab nende leidmiskohta. Koraanile on ka S., et........
Ajalooline sõnaraamat

Kammersümfoonia- sümfoonia tüüp, mis tekkis alguses. 20. sajandil omamoodi reaktsioonina suurele tsüklile. 19. sajandi sümfoonia ja tema ülekasvanud ork. aparaat. K. s. algust 20. sajandil iseloomustab tagasihoidlik......
Muusika entsüklopeedia

Kontsertsümfoonia- (Itaalia symphonia concertante, samuti concertante, saksa Konzertante Symphonie, samuti Konzertante) - mõiste, mida kasutatakse 2. poolel. 18. sajand tsükliliste tööde määramiseks mitmele. soolopillid............
Muusika entsüklopeedia

sümfoonia- (kreeka keelest symponia - konsonants) - muusika. pala orkestrile, kapt. arr. sümfooniline, reeglina sonaaditsüklilises vormis. Tavaliselt koosneb 4 osast; seal on S. suure.........
Muusika entsüklopeedia

sümfoonia- (kreeka, lit. - sõnade kogum) - kõigi Piiblis leiduvate sõnade, väljendite ja fraaside kogumik tähestikulises järjekorras, mis näitab nende leidmiskohta. Seal on ka S.......
Filosoofiline sõnaraamat

SÜMFOONIA- SÜMFOONIA, -i, w. 1. Suur (tavaliselt neljaosaline) muusikapala orkestrile. 2. ülekanne Harmooniline ühend, millegi kombinatsioon. (raamat). S. lilled. S. värvid.........
Ožegovi seletav sõnaraamat

sümfoonia(kreeka keelest "konsonants") - mitmest osast koosnev teos orkestrile. Sümfoonia on kõige rohkem muusikaline vorm kontsert-orkestrimuusika hulgas.

Klassikaline struktuur

Ülesehituse suhtelise sarnasuse tõttu sonaadiga võib sümfooniat nimetada suureks sonaadiks orkestrile. Sonaat ja sümfoonia, aga ka trio, kvartett jne kuuluvad “sonaat-sümfoonilisse tsüklisse” - teose tsükliline muusikaline vorm, mille puhul on tavaks esitada vähemalt üks osa (tavaliselt esimene) sonaadis. vormi. Sonaat-sümfooniline tsükkel on puhtalt instrumentaalsete vormide seas suurim tsükliline vorm.

Nagu sonaadil, on ka klassikalisel sümfoonial neli osa:
- esimene osa, kiire tempoga, on kirjutatud sonaadivormis;
- teine ​​osa, aeglases liikumises, on kirjutatud rondo, harvem sonaadi või variatsioonivormina;
- kolmas osa, skertso või menuett kolmepoolses vormis;
- neljas osa, kiires tempos, sonaadi vormis või rondo, rondosonaadi vormis.
Kui esimene osa on kirjutatud mõõdukas tempos, siis vastupidi, sellele võib järgneda kiire teine ​​ja aeglane kolmas osa (näiteks Beethoveni 9. sümfoonia).

Arvestades, et sümfoonia on mõeldud suurele orkestrile, on selle iga partii kirjutatud laiemalt ja detailsemalt kui näiteks tavalises klaverisonaadis, kuna sümfooniaorkestri väljendusvahendite rikkalikkus annab muusikalise üksikasjaliku esituse. arvasin.

Sümfoonia ajalugu

Mõistet sümfoonia kasutati Vana-Kreekas, keskajal ja peamiselt erinevate instrumentide kirjeldamiseks, eriti nende jaoks, mis on võimelised tekitama rohkem kui ühte heli korraga. Nii kasutati Saksamaal kuni 18. sajandi keskpaigani sümfooniat klavessiini sortide – spinettide ja virginellide – üldnimetusena, Prantsusmaal nimetati nii tünnioreleid, klavessiine, kahepealisi trumme jne.

Sõna sümfoonia, tähistamaks koos kõlavaid muusikateoseid, hakkas esinema mõnede 16. ja 17. sajandi teoste pealkirjades sellistelt heliloojatelt nagu Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 ja Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesia Banchieri). Sinfonie, 1607 ), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) ja Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Sümfoonia prototüübiks võib pidada seda, mis kujunes 17. sajandi lõpul Domenico Scarlatti käe all. Seda vormi nimetati juba sümfooniaks ja see koosnes kolmest vastandlikust osast: allegro, andante ja allegro, mis sulandusid üheks tervikuks. Just seda vormi peetakse sageli orkestrisümfoonia otseseks eelkäijaks. Mõisteid "avamäng" ja "sümfoonia" kasutati suure osa 18. sajandist vaheldumisi.

Teised olulised sümfoonia esivanemad olid orkestrisüit, mis koosnes mitmest osast kõige lihtsamates vormides ja enamasti samas võtmes ning ripieno kontsert, vorm, mis meenutab kontserti keelpillidele ja continuole, kuid ilma soolopillideta. Giuseppe Torelli teosed on loodud just sellisel kujul ja ehk tuntuim ripieno kontsert on Johann Sebastian Bachi Brandenburgi kontsert nr 3.

Teda peetakse klassikalise sümfoonia mudeli rajajaks. Klassikalises sümfoonias on ainult esimene ja viimane osa ühesuguse tonaalsusega ning keskmised on kirjutatud põhiosaga seotud võtmetes, mis määrab kogu sümfoonia tonaalsuse. Klassikalise sümfoonia silmapaistvad esindajad on Wolfgang Amadeus Mozart ja Ludwig van Beethoven. Beethoven laiendas sümfooniat dramaatiliselt. Tema 3. sümfoonia ("Eroica") on mastaabi ja emotsionaalse ulatusega, mis ületab kõik varasemad teosed, tema 5. sümfoonia on ehk kõige kuulsam sümfoonia, mis kunagi kirjutatud. Tema 9. sümfooniast saab üks esimesi "koorisümfooniaid", mille viimasesse osasse on kaasatud osad solistidele ja koorile.

Romantiline sümfoonia oli kombinatsioon klassikalisest vormist romantilise väljendusega. Ka tarkvaratrend areneb. Ilmuma. Romantismi peamiseks eristavaks tunnuseks oli vormikasv, orkestri koosseis ja helitihedus. Selle ajastu silmapaistvamate sümfooniate autorite hulka kuuluvad Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Tšaikovski, A. Bruckner ja Gustav Mahler.

Alates 19. sajandi teisest poolest ja eriti 20. sajandist toimus sümfoonia edasine transformatsioon. Neljaosaline struktuur on muutunud valikuliseks: sümfooniad võivad sisaldada ühte (7. sümfoonia) kuni üheteistkümneni (D. Šostakovitši 14. sümfoonia) või rohkemgi osa. Paljud heliloojad katsetasid sümfooniate meetriga, näiteks Gustav Mahleri ​​8. sümfooniaga, mis kannab nime "Tuhande osaleja sümfoonia" (selle esitamiseks vajaliku orkestri ja kooride tugevuse tõttu). Sonaadivormi kasutamine muutub vabatahtlikuks.
Pärast L. Beethoveni 9. sümfooniat hakkasid heliloojad sümfooniatesse sagedamini sisse viima vokaalpartiisid. Muusikalise materjali mastaap ja sisu jääb aga muutumatuks.

Väljapaistvate sümfooniaautorite nimekiri
Joseph Haydn – 108 sümfooniat
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) sümfooniat
Ludwig van Beethoven – 9 sümfooniat
Franz Schubert - 9 sümfooniat
Robert Schumann - 4 sümfooniat
Felix Mendelssohn – 5 sümfooniat
Hector Berlioz – mitu kavasümfooniat
Antonin Dvorak – 9 sümfooniat
Johannes Brahms - 4 sümfooniat
Pjotr ​​Tšaikovski - 6 sümfooniat (nagu ka Manfredi sümfoonia)
Anton Bruckner - 10 sümfooniat
Gustav Mahler - 10 sümfooniat
- 7 sümfooniat
Sergei Rahmaninov – 3 sümfooniat
Igor Stravinski - 5 sümfooniat
Sergei Prokofjev – 7 sümfooniat
Dmitri Šostakovitš - 15 sümfooniat (ka mitu kammersümfooniat)
Alfred Schnittke – 9 sümfooniat