Silmapaistvad vene koorijuhid. Kuulsad dirigendid Maailma kuulsate dirigentide nimed

Tsükkel kontserdiprogrammid (Venemaa, 2010). 10 numbrit.

Tänapäevas pole autoriteetsemaid tegelasi muusikaline kultuur kui maailma dirigeeriva eliidi esindajad. Sarja tegijad valisid välja kümme tähenduslikku nime – Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, aga ka nende kuulsad vene kolleegid. Tänapäeval on nad üldtunnustatud suurte orkestrite meistrid ja direktorid.

Iga kava aluseks on ühe nimetatud maestro esitus koos oma orkestriga.

Solistid: viiuldajad Vadim Repin ja Sergei Krylov, oboemängija Aleksei Utkin, pianist Denis Matsuev jt.

Programm on väga mitmekesine – alates I.S. Bach A. Schönbergile ja A. Pärdile. Kõik teosed kuuluvad maailmamuusika meistriteoste hulka.

Tsükli saatejuht on pianist Denis Matsuev.

1. number. .
Solist Vadim Repin.
Kavas: I. Stravinski. Sümfoonia kolmes osas; M. Bruch. Kontsert viiulile ja orkestrile nr 1 g-moll; L. Beethoven. Sümfoonia nr 7.

2. number. Vladimir Fedosejev ja Bolshoi Sümfooniaorkester. P.I. Tšaikovski.
Kavas: L. Beethoven. Sümfoonia nr 4.
Salvestus Viini Musikvereini Kuldses saalis.

3. väljaanne. "Maris Jansons ja Baieri Raadio Sümfooniaorkester."
Kavas: R. Wagner. Sissejuhatus ja "Isolde surm" ooperist "Tristan ja Isolde"; R. Strauss. Valssüit ooperist "Der Rosenkavalier".

4. number. "Daniel Barenboim ja West-Eastern Divan Orchestra."
Saates: V.A. Mozart. Kontsert nr 7 F-duur kolmele klaverile ja orkestrile. Solistid: Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberg. Variatsioonid orkestrile. G. Verdi. Avamäng ooperile "Saatuse jõud".

5. number. "Vladimir Spivakov ja Venemaa Riiklik Filharmoonia orkester.
Sergei Prokofjev. Kontsert nr 3 klaverile ja orkestrile. Sümfoonia nr 1 "Klassika". Solist Denis Matsuev. Registreeruge Suur saal Moskva konservatooriumis 2008. aastal.

6. number. "Lorin Maazel ja Arturo Toscanini sümfooniaorkester"
Programm: Giacchino Rossini. Avamäng ooperile "Itaalia keel Alžiiris"; Johannes Brahms. Sümfoonia nr 2.
Salvestus Moskva konservatooriumi suures saalis.

7. number. Juri Temirkanov ja Peterburi Filharmoonia Akadeemiline Sümfooniaorkester. D.D. Šostakovitš.

8. number. Juri Bašmet ja kammeransambel"Moskva solistid".
Programmis: Joseph Haydn- Kontsert tšellole ja orkestrile. Solist Stephen Isserlis (Suurbritannia), Niccolo Paganini - 5 kapriisi (seade E. Denisov viiulile ja kammerorkestrile). Solist Sergei Krylov (Itaalia); V.A. Mozart – Divertimento nr 1.
Registreerimine BZK-s.

9. number. Mihhail Pletnev ja Venemaa Rahvusorkester
Esineb venelane rahvusorkester Esitamisele tuleb süit P.I balletist. Tšaikovski" Luikede järv", mille koostas Mihhail Pletnev. Salvestus Venemaa Suures Teatris Suur festival RNO, 2009.

10. number. Valeri Gergiev ja sümfooniaorkester Mariinski teater
Mariinski Teatri Sümfooniaorkester Valeri Gergijevi juhatusel esitab orkestrihitte - avamänge Rossini, Verdi, Wagneri ooperitest, valsse Tšaikovski ballettidest, katkendeid Prokofjevi balletist Romeo ja Julia.

Minu poolt oleks ennekuulmatu kõrkus rääkida kõigi aegade ja rahvaste kuulsatest dirigentidest. Selle skoori kohta võin teile pakkuda vaid lingi minust autoriteetsemate ekspertide arvamusele :). Aga minu oma enda arvamus Lõppude lõpuks on sellel ka mingi väärtus, nagu igal iseseisval arvamusel mõtlevast inimesest, eks? Seetõttu toimin järgmiselt: Püüan välja tuua peamised etapid lavastajakunsti arengus ja nende etappidega seotud kuulsate dirigentide nimed. See on igast küljest aus :)

• Üks dirigeerimise algusjärke

seotud väga mahuka objektiga, mida nimetatakse battutaks. Omamoodi varras, millega põhi muusikajuht löönud lööki mõõtes vastu põrandat. Ja just selle batuudiga on omakorda seotud kõige naeruväärsem traagiline juhtum muusikaline maailm. Helilooja, muusik ja dirigent Jean-Baptiste Lully suri gangreeni 1687. aastal. Ja põhjuseks oli batuudil dirigeerimisel saadud jalavigastus...

• 17. sajandil dirigendi roll

väga sageli orkestri juhtivate muusikute esituses. Mõnikord olid nad organistid või klavessiinistid, kuid sagedamini viiuldajad. Ilmselt pärines sellest traditsioonist väljend “esimene viiul”? Ja siinkohal tahaksin öelda järgmist, piisab kaasaegne nimi: Willie Boskowski. Viiuldaja ja dirigent oli 20. sajandil mitu aastakümmet kuulsa Viini Filharmooniaorkestri kontsertmeistrina. Ja sellel orkestril pole traditsioonide kohaselt kunagi peadirigenti olnud. Boskowski dirigeeris sageli Straussi enda kombel – viiul käes.

• 18. sajandi lõpus, 19. sajandil muusikateoseid

muutus nii keeruliseks, et järgmise loogilise sammuna kujunes välja “vabastatud” dirigendi elukutse. Nüüd esitavad nad mitte ainult enda, vaid ka teiste töökoja kolleegide teoseid. Ja aja jooksul on tegevusliikide vahel selge jaotus: dirigent pole enam tingimata helilooja! Üks esimesi professionaalseid dirigente, kellel õnnestus saavutada rahvusvaheline maine, oli Hans von Bulow Ja Herman Levi.

• Ei saa mainimata jätta ka sellist sündmust – dirigendikepi ilmumist.

See juhtus 19. sajandil ja selle olulise instrumendi toona kindlaksmääratud vorm on tänapäeval traditsiooniline. Ja leiutajaks peetakse saksa heliloojat ja dirigenti Louis Spohr.

• Dirigeerimise ajaloos on käes tõeliselt murranguline hetk.

Nimelt: dirigent pöördub näoga orkestri poole ja tagasi avalikkuse ette! Ausalt: mul pole õrna aimugi, aga kuidas see enne seda oli? Maestro ei saanud juhatada näoga publiku poole, vaid seljaga pillimeeste poole?! Olgu kuidas on, seda sündmust tähistatakse erilisena. Ja sellega seoses meenub mulle kõige südamlikum, südant tõmbav fragment: täiesti kurdid Beethoven dirigeerib oma 9. sümfoonia esiettekannet. Täitmine lõpetatud. Helilooja ei kuule ühtegi heli. Selg publiku poole ei näe ta publiku reaktsiooni. Ja siis pööravad muusikud ta ümber, et publikuga silmitsi seista ja Beethoven näeb triumfi, mille tema uus teos on põhjustanud.

• Lõpetuseks lubage mul väljendada oma isiklikku kiindumust :).

Kui ootamatult ma enda jaoks avastasin: mul on raske hinnata dirigendi professionaalsust, seetõttu "lisan" oma hinnangutesse selliseid omadusi nagu artistlikkus ja huumorimeel. Ilmselt seetõttu toon 20. sajandi dirigentide hulgast välja kaks: Gennadi Roždestvenski Ja Daniel Barenboim. Lõpetan selle postituse viimase kõne salvestisega:

G. Lomakin(1811-1885). Andeka lauluõpetaja kuulsus jõudis Lomakinile varakult ja levis kiiresti üle kogu põhjapealinna. Teda kutsuti õpetama paljudesse haridusasutused: kadett, mere- ja lehekorpus, lütseum, teatrikool, õigusteaduskond (kus õppis tol ajal P.I. Tšaikovski). Just selles koolis kohtus G.Ya. Lomakin koos kunstikriitik V.V. Stasov. Silmapaistev vene kriitik märkis korduvalt Lomakinile omast "suurepärast kooli", "õiget õppimisteed", "kaasasündinud talenti", "koorijuhtimise tähtsust ja oskusi", mis mängisid meie karjääris märgatavat rolli. kaasmaalane. 1862. aastal koos kuulus helilooja M.A. Balakirev Lomakin korraldas tasuta muusikakool- rahva valgustamiseks ja harimiseks. Koolis G.Ya. Lomakin ei loonud mitte ainult uut imelist koori, vaid suutis korraldada ka tulevaste muusikaõpetajate haridust. Paljud tema õpilased said kuulsad muusikud: lauljad, koorijuhid, pedagoogid. Gavriil Jakimovitš pühendas oma elu viimased aastad heliloomingule: enne seda oskas ta muusikat kirjutada vaid hooga, lühikestel tundidevahelistel tundidel koos kooridega. Sel perioodil lõi ta koorile hulga teoseid ja kirjutas mitmeid romansse. Ja 1883. aastal, kui M.A.-st sai Kohtu kabeli juhataja. Balakirev, Lomakin sai ka haruldase võimaluse oma teoseid avaldada. Ta andis neile tõestuslehti viimistleda ja redigeerida viimased päevad enda elu.

A. Arhangelski (1846-1924)

Kohtu kabel.

Iseseisev koor (1880).

Krahv Šeremetjevi kabel.

S.V. Smolenski (1848-1909)

Sinodaalikooli direktor (1889-1901).

Õukonna laulukabeli direktor (1901-1903).

Eraregentsikursuste direktor (Peterburi)

V.S. Orlov (1856-1907).

Vene Kooriühingu koor (1878-1886).

Vene Kooriühingu kabel (1882-1888).

Sinodaalikoori regent (1886-1907).

Aleksander Dmitrijevitš Kastalski (1856-1926).

Sinodaalikoor (regent aastast 1901).

Pavel Grigorjevitš Tšesnokov (1877-1944).

Eravaimne koor A.P. Kayutova.

Vene Kooriühingu koor (1916-1917).

Moskva kirikute regent.

Nikolai Mihhailovitš Danilin (1856-1945).

Sinodaalikoor (1910-1918).

Kayutovi erakoor (1915-1917).

Leningradi akadeemiline kabel.

Riigikoor NSV Liit.

Svešnikov Aleksander Vassiljevitš(1890-1980), koorijuht, Rahvuskunstnik NSVL (1956), kangelane Sotsialistlik Tööpartei(1970). 1936-37 1928. aastal loodud Üleliidulise Raadio vokaalansambli baasil organiseeritud NSVL Riigikoori kunstiline juht; aastatel 1937-1941 - Leningrad. kabelid; aastast 1941 - Riiklik Vene Laulukoor (hilisem ENSV Riiklik Akadeemiline Vene Koor). Moskva korraldaja (1944) ja direktor. Koorikool (alates 1991. aastast S. nimeline Koorikunsti Akadeemia). Professor (alates 1946), rektor (1948-74) Moskva. talveaed. Riiklik preemia NSVL (1946).

YURLOV Aleksander Aleksandrovitš (1927-73), kooridirigent, RSFSRi rahvakunstnik (1970), Aserbaidžaan. SSR (1972). Õpilane A.V. Svešnikova. Alates 1958. aastast vabariigi kunstiline juht ja peadirigent. rus. koori kapell(alates 1973. aastast tema järgi nimetatud). Professor muusikapedagoog. Instituut sai nime Gnessiinid (alates 1970. aastast). NSVL riiklik preemia (1967).

Tevlin Boriss Grigorjevitš koorijuht, professor (1981), P. I. Tšaikovski nimelise Moskva Riikliku Konservatooriumi koorijuhtimise osakonna juhataja (1993-2007). Rahvuskunstnik Venemaa Föderatsioon (1995).

Kasatškov Semjon Abramovitš (1909-2005) – õpetaja, professor, Kaasani Riikliku Konservatooriumi koorijuhtimise osakonna juhataja.

Minin Vladimir Nikolajevitš (s. 1929), koorijuht, NSV Liidu rahvakunstnik (1988). Õpilane V.G. Sokolova, A.V. Svešnikova. Alates 1972. aastast käed. tema asutatud Moskva. kammerkoor, aastast 1987 (samaaegselt) riigi kunstiline juht. rus. koor. Alates 1978. aastast professor (1971-79 rektor) Muusikapedagoogika. Instituut sai nime Gnesiinid. NSVL riiklik preemia (1982).

Dmitryak Gennadi Aleksandrovitš - koori- ja ooperi-sümfooniadirigent, Venemaa austatud kunstnik, A.A. nimelise Venemaa Riikliku Akadeemilise Koori kunstiline juht ja peadirigent. Jurlov ja Moskva Kremli kabel, Venemaa Muusikaakadeemia koorijuhtimise osakonna dotsent. Gnessin.

Nõuded koorijuhile

Suurepärane dirigeerimistehnika valdamine;

Oskab korrektselt paigutada kooriliikmeid osadeks vastavalt nende omale lauluhääl ja ulatus;

Sirvige hõlpsalt mitmesuguste muusikateoste vahel erinevad stiilid, ajastud, suunad, tea teoreetiline alus kooripartituuride salvestamine ja lugemine;

Ole õhuke kõrva muusika jaoks, rütmitaju ja arenenud kunstimaitse.

Žanrid koorimuusika

VILLANELLA(Itaalia külalaul) - 15-16 sajandi itaalia laul, enamasti 3-häälne, paarilisega al. häälte liikumine, elav iseloom, lüüriline või humoorikas sisu.

CANON(Kreeka norm, reegel) - polüfooniline. muusikaline. vormipõhine. rangel pideval imitatsioonil, milles. hääled kordavad juhthääle meloodiat, sisenedes enne eelmise lõppu. Kaanoni eristab häälte arv, nendevahelised intervallid (Canon in prima, kvint, oktav jne), samaaegselt imiteeritavate teemade arv (Canon simple; double, näiteks Mozarti Reekviemi nr 4 jne. .), jäljendamise vorm (Canon suureneb, väheneb). Nn lõputus kaanonis läheb meloodia lõpp selle algusse, nii et hääled võivad uuesti siseneda suvalise arvu kordi. “Muutuva indikaatoriga” kaanonis (Vl. Protopopov) jäljendamisel säilib meloodiamuster ja rütm, kuid intervallid muutuvad. Ühel või teisel kujul kanoonilist jäljendamist kasutatakse sageli koorides. op.; On K.-vormis kirjutatud näidendeid (O. Lasso “Kaja”, F. Mendelssohni “Lõokese laul”, N. A. Rimski-Korsakovi arranžeering “Ma kõnnin lonkadega” jne).

KANT(ladina keelest cantus - laulmine, laul) - iidse koori- või ansamblilaulu tüüp kork. Tekkinud 16. sajandil. Poolas, hiljem - Ukrainas, 2. korruselt. 17. sajand - Venemaal levimas varajase linnalaulu tüübina; algusesse 18. sajand - lemmikžanr kodu, igapäevane muusika. Algul on cant religioosse sisuga laul-hümn, hiljem on see läbi imbunud ilmalikest teemadest; servad ilmuvad. lüüriline, pastoraalne, laud, koomiks, laager jne Peeter Suure ajastul olid panegüürilised laulud, nn. viva; laulukooride esituses festivalide ja triumfirongkäikude ajal kahuritule, fanfaaride ja kellahelina saatel. Äärmise stiilitunnused: kuplivorm, alluvus muusikaline rütm poeetiline; meloodia rütmiline selgus ja sujuvus, valdavalt 3-häälne struktuur 2 ülemise hääle paralleelse liikumisega, bass on sageli meloodiliselt arenenud; esineb ka jäljendamist. Valguses on meloodia ja harmoonia loomulik suhe, harmooniliste funktsioonide tasakaal - subdominandid, dominandid, toonid. B. Asafjev toob välja, et „muusika evolutsioonis on teine pool XVIII Ja XIX algus V. ääris muutub mingiks lühike entsüklopeedia võidukas homofooniline stiil" (" Muusikaline vorm protsessina", L., 1963, lk. 288). Cante jagati käsikirjalistes kogumikes, ilma teksti ja muusika autoreid märkimata, kuigi sageli kasutati tänapäeva luuletajate Trediakovski, Lomonosovi, Sumarokovi jt luuletusi.Esimesed pildid tehti kantsi tüübi järgi. adv. laulud. Järk-järgult muutus kants keerulisemaks, omandades romantika jooni. Hiljem (19. sajandil) loodi kanti põhjal sõduri-, jooma-, üliõpilas- ja osaliselt revolutsioonilisi laule. Kanti mõju leidub ka vene keeles. klassikaline muusika, Glinka (“Tere” ooperist “Ivan Susanin”) jne.

CANTATA(itaalia cantare – laula) – teos soololauljatele, koorile ja orkestrile, pühaliku või lüürilis-eepilise iseloomuga. Kantaadid võivad olla koorilised (ilma solistideta), kammerlikud (koorita), klaverisaatega või ilma, üheosalised või koosneda mitmest täisnumbrist. Kantaat erineb tavaliselt oratooriumist (mis on väljendusvahenditelt sarnane) väiksema mahu, sisu ühtsuse ja vähem arenenud süžee poolest. Kantaat pärineb Itaaliast (17. sajand), esmalt laulupalana (erinevalt sonaadist). See tähendab, et kantaat võtab oma koha J. S. Bachi loomingus, kes kirjutas kantaate vaimsetest, mütoloogilistest ja igapäevased lood. Venemaal ilmus kantaat 18. sajandil ja jõudis arenguni 19. ja 20. sajandil: sooloteatri kantaat (Verstovski “Must sall”), tervitus-, juubeli-, lüürilised, lüürilis-filosoofilised kantaatid (“Eesti õpilaste hüvastijätulaulud”. Glinka Katariina ja Smolnõi Instituudid; Tšaikovski „Moskva“, „Rõõmuks“, Rimski-Korsakovi „Svitezianka“; „Damaskuse Johannes“, Tanejevi „Pärast psalmi lugemist“; „Kevad“, „ Kellad” Rahmaninovilt; „Kantaat Glinka monumendi avamiseks”, autor Balakirev jne. d.).

Kantaadi žanr arenes välja nõukogude heliloojate loomingus, eriti ajaloolistel, patriootilistel ja kaasaegsetel teemadel (Prokofjevi “Aleksandr Nevski”, Šaporini sümfooniakantaat “Kulikovo väljal”, Harutjunjani “Kantaat kodumaast” , jne.). Tänapäevane saksa helilooja K. Orff kirjutas lavakantaate (Carmina Burana jt).

MADRIGAL(itaalia) - lüüriline laul emakeeles (erinevalt ladinakeelsetest lauludest, keeles), esialgu monofooniline. Ajastul varane renessanss(14. saj) esitati 2-3 häälega. Hilisrenessansiajal (16. sajand) asus ta keskusesse, koha sisse ilmalik muusika, mis esindab ühe- või mitmehäälset vokaalkompositsiooni polüfoonilisest kompositsioonist 4-5 häälele; levitati ka väljaspool Itaaliat. Madrigaližanr on valdavalt lüüriline, tihedalt seotud poeetilise tekstiga (isegi üksikute sõnade illustreerimiseni). Aristokraatlikes ringkondades arenenud meloodiline madrigal (erinevalt frotollast, villanellest, šansoonist jne) pole kaugeltki rahvamuusika, sageli liiga kogenud; Samal ajal oli sellel ka progressiivne tähendus, laiendades kujundite ja väljendusvahendite ulatust. 16.-17. sajandi inglise madrigal on lihtsam, folklooriga seotud ja emotsionaalsem. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). 17. sajandiks Madrigal väljub vokaalpolüfoonilisest stiilist, rõhutades soolohäält koos instrumentaalse saatega. Silmapaistvad madrigali meistrid (tema eri arenguetappidel) olid Arkadelt, Willart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTET(prantsuse mot - sõna) - vokaalžanr. polüfooniline. muusika. Algselt ühendati Prantsusmaal (12-14 sajandil) mitu motetti motetiks. (kõige sagedamini 3) iseseisvad meloodiad erinevate tekstidega: madalamal häälel (tenor) - kirik. laul ladina tekstis, keskmine (motett) ja ülemine (triplum) - armastus- või koomilised laulud kõnekeeles prantsuse keel. katoliku kirik võitles selliste "vulgaarsete motettide" vastu, vastandades neid (alates 15. sajandist) polüfooniliste lauludega ühele ladinakeelsele tekstile. Madrigalid kirjutati koorikübarale. (16. sajandi lõpust ja saatega), koosnes mitmest (2, 3 või enamast) osast, polüfoonilises ja sageli akordistruktuuris. 17. sajandil tekkisid instrumentaalsaatega motetid solistidele.

OOPERIKOR- üks kaasaegse ooperilavastuse põhikomponente. Seoses helilooja ajastu, žanri ja isiksusega mängib koor ooperis teistsugust rolli kui igapäevase tausta loomine, dekoratiivne element, proloogis osaleja, vahepalad peatükkideni. tegutsev isik. Opera serias (“tõsine ooper”, 17.–18. sajand) koor peaaegu puudus, opera buffas (“koomiline ooper”, 18. sajand) esines see juhuslikult (näiteks finaalides). Glucki ja Cherubini ooperites on tugevdatud koori rolli rahva kuvandi kandjana, kuigi sageli kooril. stseenid neis on oratoorium-staatilise iseloomuga. Suuremat dramaatilist tähendust omistati koorile 19. sajandi esimese kolmandiku Lääne-Euroopa ooperites Rossini (“William Tell”), Verdi (“Nabucco”, “Legnano lahing”) piltidega. kangelaslikud inimesed; Meyerbeeri ooperis rõhutab koori osavõtt dramaatilisi haripunkte.Lüürilises ooperis 19. saj. koor aitab kaasa sobiva atmosfääri, rahvusliku värvingu, meeleolu loomisele (op. Bizet, Verdi, Gounod); rahvaooperis on refräänid žanrilise iseloomuga, lähedased rahvalaulule ja -tantsule (op. Monjuško, Smetana). Rus. ilmalikku koorikunsti esindasid esmakordselt ooperikoorid (18. sajand, op. Fomin, Paškevitš jt); ja edaspidi hõivavad koorid tore koht Vene keeles oopereid, olles “rahvuslikkuse ja demokraatia nurgakivi dogma ja jaatus” (B. Asafjev). Vene keele ooperi- ja koorilooming. heliloojad on erakordselt mitmekesised.

Ajaloolistes ja isamaalistes ooperites (Glinka “Ivan Susanin”, Borodini “Vürst Igor”, Rimski-Korsakovi “Pihkva naine” jt) saab peamiseks koor. näitleja, koos kangelastega. Eriti (suure tähtsuse omandas koor Mussorgski rahvamuusikalistes draamades (“Boriss Godunov”, “Hovanštšina”), kus rahvapilt esitatakse mitmetahuliselt, arenedes. Verstovski vene argiooperites (“ Askoldi haud”), Dargomõžski (“Rusalka”) , Serov (“Vaenlase jõud”), Tšaikovski (“Tšerevitški”, “Nõiuja”) jt on tihe seos. rahvalaul. Rahvuslikku omapära peegelduvad idamaise teemaga seotud ooperite kooristseenid (Glinka “Ruslan ja Ljudmilla”, Rubinsteini “Deemon”, Borodini “Vürst Igor” jne). Muinasjutuliste, fantastiliste süžeede (op. Glinka, Verstovski, Rimski-Korsakovi) kujutamisel kasutatakse koorivahendeid. Koori kasutatakse ka oratooriumis, tavaliselt proloogis, epiloogis (Glinka, Serovi, Rubinsteini, Borodini ooperid jne, hümnide esituses jne (Tšaikovski „Orleansi teenija“, autor „Hovanštšina“). Mussorgski jne.) Traditsioonid aktiivne osalemine koorid vene klassikalises ooperis jätkatakse nõukogude ajal muusikaline loovus: vene nõukogude heliloojate ooperid “Sõda ja rahu”, Prokofjevi “Semjon Kotko”, Šaporini “Dekabristid”, Šostakovitši “Katerina Izmailova”, Kovali “Emeljan Pugatšov”, “ Vaikne Don" ja Dzeržinski "Virgin Soil Turned", Muradeli "Oktoober", Slonimski "Virineja" jne, paljud rahvusooperid sisaldavad eraldi koore ja arenenud kooristseene. Ooperiline koorirühm on oma esitusspetsiifika: see on ennekõike suur heledus, nüansside kumerus (sarnaselt dekoratiivsele kujundusele), teksti rõhuasetus, võime "orkestrist läbi lennata" auditoorium. Kuna ooperikoor on sageli liikvel, on igal liikmel vaja erilist enesekindlust ja sõltumatust. Nende omaduste arendamiseks õpivad lauljad mõnes rühmas oma partiide õppimisel ajastust. Misanstseenide olemasolu, milles koor dirigenti ei näe, tingib vajaduse nö. saated (dirigendi tempo), mida juhivad lavatagused koorijuhid; samas tehakse esituse sünkroonsuse saavutamiseks dirigendi “punktidesse” (olenevalt koori sügavusest enam-vähem) edasiminek.

ORATOORIUM(Lati keelest, vau - ma ütlen, ma palvetan) - suur muusikaline kompositsioon koorile, solistidele, orkestrile; komp. alates vokaalansamblid, aariad, retsitatiivid, terviklikud orkestrinumbrid., oratoorium tekkis Itaalias 16.-17. sajandi vahetusel, peaaegu samaaegselt kantaadi ja ooperiga ning on oma ülesehituselt neile lähedane. See erineb kantaadist suurema suuruse, arenenud süžee, eepilis-dramaatilise karakteri poolest ning ooperist narratiivse elemendi ülekaalu poolest dramaatilisest arengust. Oratoorium arenes välja dramatiseeritud laudadest (vaimsed ülistuslaulud), mida esitati kiriku spetsiaalsetes ruumides - oratooriumides. Eritüüp oratoorium – Passion; ülesehituselt ja tüübilt on oratooriumis ka missa, reekviem, „Stabat Mater” jne. Oratooriumižanr saavutab haripunkti Bachi ja eriti heroilise-eepilise oratooriumi tüübi loonud Händeli loomingus; Haydni oratooriume iseloomustavad žanri-olmelised ja lüürilis-filosoofilised jooned. 19. sajandil prod. Oratooriumižanri lõid 20. sajandil Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvorak, Liszt, Verdi jt. - Honegger, Britten jt. Esimene tähendab Degtjarevi vene oratooriumi "Minin ja Požarski"; A. Rubinstein on loonud mitmeid oratooriume (“Babylonian Pandemonium”, “ Kadunud taevas" ja jne). Vene klassikute ooperites kasutatakse laialdaselt oratooriumi stiilitehnikaid suurte kooristseenide kujul (Glinka "Ivan Susanin", "Ruslan ja Ljudmila", Serovi "Judit", Borodini "Vürst Igor", Rimski "Sadko"). Korsakov jne). Oratooriumižanri kasutavad Nõukogude heliloojad laialdaselt ajalooliste ja kaasaegsete teemade kehastamisel (Kovali “Emeljan Pugatšov”, Šaporini “Lugu lahingust Vene maa eest”, Šostakovitši “Laul metsadest”, “Valves). maailm”, Prokofjev, “Reekviem”, Kabalevski, “Mahagon” Zarina jt).

LAUL- kõige lihtsam ja levinum vorm vokaalmuusika, ühendab poeetiline pilt muusikaliga. Laulule on iseloomulik tervikliku, iseseisva, meloodilise meloodia olemasolu, ülesehituse lihtsus (tavaliselt periood või 2-, 3-häälne vorm). Laulu muusika klapib üldine sisu teksti, seda üksikasjalikult täpsustamata (näiteks väga levinud värsslaulus). On rahva- ja professionaalseid (heliloojate toodetud) laule, mis erinevad žanri, päritolu, kompositsiooni jms poolest. Žanr on laialt levinud koorilaulud: rahvalaul(talupoeg ja linna), nõukogude massilaul, dep. vene ja nõukogude heliloojate koorid. Lääne-Euroopa muusikas viljeleti koorilaulu romantilised heliloojad(Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). Ülekantud tähenduses on termin laul. või laulu (teose eepilisuse, pidulikkuse, poeetilise ülevuse rõhutamiseks) kasutatakse suure nimetuses. muusikalised kompositsioonid, kantaadid (näiteks Brahmsi “Saatuse laul”, “Triumfilaul”).

KOOR- religioosne laul katoliku ja Protestantlik kirik. Protestantlikku polüfoonilist laulu (mille võtsid kasutusele 16. sajandil reformatsiooni juhid) esitas kogu kogukond saksa keeles (vastupidiselt ühehäälsele gregooriuse laulule, mida lauldi aastal ladina keel erilised meeskoorid). Koraali meloodiaid iseloomustab istuv rütm. Koraali (või lihtsalt koraali) nimetatakse tavaliselt. Aegluubis ühtlaste kestuste akordide esitus.

Herbert von Karajani nimi on maailmateadvuses lahutamatult seotud Salzburgiga. 1908. aastal Salzburgis sündinud dirigent kujundas aastakümneid omal moel Mozarti linna kultuurielu ja oli sündmuste eesotsas.

Dirigendi jälgedes
Salzburgi linnas ringi jalutades satute pidevalt kohtadesse, mis on seotud silmapaistva dirigendi elu ja loominguga. Salzburgi vanalinna kesklinnas Makarti jalakäijate silla kõrval Raiffeiseni panga aias asuv elusuuruses pronkskuju meenutab Herbert von Karajanit. Lähedal asuvas hoones asuval tahvlil olev kiri ütleb, et Karajan sündis selles majas 5. aprillil 1908. aastal. Salzburgi linn austas seda kuulus poeg, nimetades ühe festivalipiirkonna tähelepanuväärse väljaku Herbert von Karajan Platziks.

Tema haud asub Anifi kalmistul, väikeses kohas Salzburgi linna lähedal, kus Herbert von Karajan elas aastaid. Aja jooksul sai hauast palverännakute koht Karajani talendi austajatele üle kogu maailma.

Herbert von Karajan ja Salzburgi suvefestival
IN sõjajärgsed aastad Herbert von Karajani ajastu algas Salzburgis. 1948. aastal juhatas ta esimest korda ooperilavastus 1956. aastal nimetati ametisse Glucki "Orpheus". kunstiline juht, 1957. aastal debüteeris ta lavastajana Beethoveni ooperis Fidelio.
1960. aastal avas Herbert von Karajan Richard Straussi ooperi „Der Rosenkavalier“ lavastusega teatrikompleksi Suure festivalisaali uue hoone ja kuulutas välja uue ajastu alguse. Isegi siis, kui Karajan ei olnud 1960. aasta septembrist enam ainuke kunstiline juht, vaid 1964. aastast juhatuses, jäi ta siiski alati selleks, kes hoiab ettevõtte niite enda käes ja teeb tähtsamaid otsuseid: kui "viimane autokraatlik "isand", viidates ütlusele ühes tema nekroloogis pärast tema surma 1989. aastal.

1967. aastal asutas ta Salzburgi lihavõttefestivali, mida juhtis kuni oma surmani: igal aastal lavastas ta koostöös Berliini Filharmooniaorkestriga ooperilavastuse, mille tegi kättesaadavaks Berliini senat, ja seejärel korraldas ta Püha Kolmainsuse ajal kontserte Salzburgis.

Karajani ajastu
Karajan aitas kaasa Salzburgi varustamisele Suvefestival rahvusvaheline staatus. Kui varasematel aastakümnetel oli näitlejate eesotsas Viini ansambel Riigiooper, siis Salzburgist on nüüdseks saanud mitmekeelsete maailmatähtede kohtumispaik, kes nagu vabad kunstnikud tunnete end koduselt kuulsatel lavadel Milanost New Yorgini.

See hakkas meelitama palju külalisi välismaalt.
Mitu aastakümmet järjest pole dirigent, nagu keegi teine, mitte ainult kehastunud muusika stseen, vaid kiirendas ka arengut muusikaline dokumentatsioon. IN viimased aastad Kogu oma elu jooksul kogus ja dokumenteeris ta suure huvi ja energiaga – peamiselt enda orkestri juhtimisel – muusikalisi meistriteoseid maailma jaoks.

Itai Talgam

Tuntud Iisraeli dirigent ja konsultant, kes aitab äri-, haridus-, valitsus-, meditsiini- ja muude valdkondade juhtidel saada oma meeskondade "dirigentideks" ja saavutada koostöö kaudu harmooniat.

Itay Talgam väidab, et juhtimisoskused on universaalsed ning dirigendi suhtlemisstiilid orkestriga on paljuski sarnased ülemuse ja töötajate suhetega ettevõttes. Kuid selliste suhete korraldamiseks pole universaalset põhimõtet. Autor jagab tähelepanekuid suurte dirigentide vaadeldud orkestrijuhtimise meetodite kohta ning jagab need kuue konventsionaalsesse kategooriasse.

1. Domineerimine ja kontroll: Riccardo Mutti

Itaalia dirigent Riccardo Mutti tunneb silma detailidele ja on väga pedantne orkestri juhtimisel nii proovide kui ka esinemiste ajal. Kõik mängu nüansid on koondunud tema žestidele: ta annab muusikutele märku muutuvast toonist ammu enne, kui nad peavad uuesti üles ehitama. Mutti kontrollib oma alluvate iga sammu, tema tähelepanuta ei jää keegi ega miski.

Täielik kontroll tuleneb sellest, et dirigent ise tunneb survet tippjuhtkonnalt: juhatuselt või suure helilooja alati kohalolevalt vaimult. Selline juht saab halastamatu superego alati hukkamõistu.

Domineeriv juht on õnnetu. Tema alluvad austavad teda, kuid ei armasta teda. Seda näitas eriti ilmekalt Mutti näide. Tema ja Milani tippjuhtkonna vahel ooperimaja"La Scala" oli konflikt. Dirigent kirjeldas oma nõudmisi ülemustele ja kui neid ei täideta, ähvardas ta teatrist lahkuda. Ta lootis, et orkester astub tema poolele, kuid muusikud teatasid juhi suhtes usalduse kaotusest. Mutti pidi ametist lahkuma.

Teie arvates on see dirigendipulk troon? Minu jaoks on see kõrbesaar, kus valitseb üksindus.

Riccardo Mutti

Vaatamata sellele peetakse Riccardo Muttit üheks 20. sajandi suurimaks dirigendiks. Itai Talgam ütleb, et personalijuhtimise seminaridel ütles enamik tudengeid, et nad ei tahaks sellist juhti. Aga küsimusele: “Kas tema juhtimine on tõhus? Kas ta saab sundida oma alluvaid oma tööd tegema?” - Peaaegu kõik vastasid jaatavalt.

Domineeriv juht ei usu töötajate eneseorganiseerumisvõimesse. Ta võtab tulemuse eest täieliku vastutuse, kuid nõuab vaieldamatut kuulekust.

Kui see töötab

See taktika kehtib, kui meeskonnas on probleeme distsipliiniga. Autor toob näite Mutti eluloost ja räägib oma kogemusest koostöös Iisraeli Filharmooniaorkestriga. See on suurepärane meeskond, kuid selle tööstiil kujunes välja Euroopa, Vahemere ja Lähis-Ida kultuuride ristumiskohas. Traditsioonide mitmekesisus tõi kaasa formaalse distsipliini puudumise orkestris.

Sel hetkel, kui Mutti taktikepp esimeste nootide ootuses õhku tardus, otsustas üks muusik oma tooli liigutada. Kõlas kriuks. Dirigent peatus ja ütles: "Härrased, ma ei näe oma partituuris sõnu "tooli krigisemine". Sellest hetkest alates kõlas saalis ainult muusika.

Kui see ei tööta

Kõigil muudel juhtudel ja eriti siis, kui töötajate töö on seotud. Mutti juhtimisstiil välistab eksimuste võimaluse, mis sageli viivad uute avastusteni.

2. Ristiisa: Arturo Toscanini

Staardirigent Arturo Toscanini näitas proovides ja laval maksimaalset osalust orkestri elus. Ta ei peksnud sõnu ja sõimas muusikuid vigade pärast. Toscanini sai kuulsaks mitte ainult oma dirigendiande, vaid ka professionaalse temperamendi poolest.

Toscanini võttis oma alluvate iga ebaõnnestumise oma südameasjaks, sest ühe viga on kõigi, eriti dirigendi viga. Teiste suhtes oli ta nõudlik, aga mitte rohkem kui enda suhtes: tuli proovidele ette ega küsinud privileege. Iga muusik mõistis, et dirigent oli tulemuse pärast siiralt mures ega solvunud solvangute pärast ebatäpse mängu pärast.

Toscanini nõudis muusikutelt täielikku pühendumist ja ootas laitmatut esitust. Ta uskus nende talenti ja keskendus kontsertidele. Pärast edukat esinemist oli näha, kui uhke ta oma “perekonna” üle oli.

Sellise meeskonna töötajate oluline motivaator on soov töötada hästi "oma isa jaoks". Selliseid juhte armastatakse ja austatakse.

Kui see töötab

Juhtudel, kui meeskond on valmis aktsepteerima kolme perekultuuri põhiprintsiipi: stabiilsus, empaatia ja vastastikune toetus. Oluline on ka see, et juhil on volitused, ta on oma valdkonnas pädev, on professionaalsed saavutused. Sellist juhti tuleks kohelda nagu isa, seega peab ta olema oma alluvatest targem ja kogenum.

Seda juhtimispõhimõtet kasutatakse sageli siis, kui meeskonnal on rasked ajad. Ametiühingute tugevnemise perioodil suured ettevõtted nad tutvustavad loosungeid nagu "Me oleme üks perekond!" Juhtkond püüab parandada töötingimusi, annab töötajatele võimaluse saada täiendavat haridust, viib läbi ettevõtteüritusi ja pakub alluvatele sotsiaalpaketti. Kõik see on suunatud töötajate motiveerimisele töötama neist hoolivate ülemuste heaks.

Kui see ei tööta

Mõnes kaasaegsed organisatsioonid, kus inimestevahelised suhted on mõnikord olulisemad kui formaalne hierarhia. Sellistes rühmades ei eeldata sügavat emotsionaalset kaasatust.

Selline juhtimispõhimõte eeldab mitte ainult juhi autoriteeti ja kompetentsi, vaid ka alluvate oskust neile pandud ootusi täita. Itay Talgam räägib oma kogemusest dirigent Mendy Rodani juures õppimisel. Ta nõudis õpilaselt palju ja tajus iga tema ebaõnnestumist isikliku lüüasaamisena. See surve koos kuritarvitamisega masendas autorit. Ta mõistis, et selline õpetaja aitaks tal saada diplomi, kuid ei kasvata temas loovat isiksust.

3. Vastavalt juhistele: Richard Strauss

Autor ütleb, et paljud tema seminaridel viibinud mänedžerid olid Straussi käitumisest laval ainult lõbusad. Külalised valisid ta potentsiaalseks juhiks ainuüksi selle põhjal, et sellise ülemusega ei peaks nad oma tööga palju vaeva nägema. Dirigendi silmalaud on langetatud, ta ise vaatab eemale ja heidab vaid aeg-ajalt pilgu ühele või teisele orkestriosale.

Selle dirigendi eesmärk ei ole inspireerida, ta ainult piirab orkestrit. Aga kui lähemalt uurida, siis selgub, mis on sellise juhtimispõhimõtte – juhiste järgimise – aluseks. Strauss ei ole keskendunud muusikutele, vaid nootidele, isegi kui orkester mängib tema loomingut. Sellega näitab ta, kui oluline on rangelt järgida reegleid ja teha tööd selgelt, lubamata omapoolseid tõlgendusi.

Tasub mõista, et tõlgenduste ja avastuste puudumine muusikas pole halb. Selline lähenemine võimaldab paljastada teose ülesehituse ja mängida seda nii, nagu autor seda kavatses.

Selline juht usaldab oma alluvaid, nõuab neilt juhiste järgimist ja usub, et suudavad neid täita. Sarnane suhtumine meelitab töötajaid ja motiveerib neid, nad saavad enesekindlust. Lähenemise peamiseks puuduseks on see, et keegi ei tea, mis juhtub, kui tekib olukord, mida juhendis pole täpsustatud.

Kui see töötab

Sarnane juhtimispõhimõte toimib erinevad juhtumid. Mõnikord on see võimalikult mugav rahulikel professionaalidel, kes on harjunud töötama seadusetähe järgi. Mõnikord varustab töötajaid kohustuslikud juhised lihtsalt vajalik, näiteks suhtlemisel erinevad rühmad alluvad.

Autor toob näite oma töökogemusest orkestri ja rokkgrupiga Natasha’s Friends. Probleem tekkis sellest, et bändiliikmed saabusid kolmetunnise proovi teise tunni lõpus. Nad olid kindlad, et miski ei takista neil ülejäänud päeva muusikale pühendamast, mõtlemata sellele, et orkestriproovidel on rangemad ajaraamid.

Kui see ei tööta

Juhiste järgimise põhimõte ei tööta seal, kus tuleks julgustada loovust ja uute ideede loomist. Nagu juhile absoluutne kuulekus, tähendab juhiste järgimine vigade puudumist, mis viib uute avastusteni. Samuti võib see jätta töötajad ilma nende professionaalsest entusiasmist.

Autor toob näite dirigent Leonard Bernsteini eluloost. Iisraeli Filharmooniaorkester harjutas tema juhatusel Mahleri ​​sümfoonia finaali. Kui dirigent andis märku messingi sisenemiseks, oli vastuseks vaikus. Bernstein vaatas üles: mõned muusikud olid lahkunud. Fakt on see, et proovi lõpp oli määratud kell 13.00. Kell oli 13:04.

4. Guru: Herbert von Karajan

Maestro Herbert von Karajan peaaegu ei ava laval silmi ega vaata muusikutele otsa. Ta ootab vaid, et alluvad tema soovide võluväel arvestaksid. Sellele eelnes eeltöö: dirigent selgitas proovides hoolikalt mängu nüansse.

Guru ei määranud muusikutele ajakava ega seadnud rütmi, vaid kuulas tähelepanelikult ning andis orkestrile edasi heli pehmuse ja sügavuse. Muusikud sobisid üksteisega ideaalselt. Nad muutusid ise üksteisest sõltuvateks dirigentideks ja täiendasid oma koosmänguoskusi ikka ja jälle.

Selline lähenemine räägib juhi ülbusest: ta tegutseb möödapääsma aktsepteeritud postulaatidest ja on alati edus kindel. Samas sõltuvad meeskonnaliikmed üksteisest palju rohkem kui juhtkonna juhistest. Neil on õigus töötulemusi otseselt mõjutada. Neile on usaldatud lisavastutus, nii et sellises meeskonnas olemine võib mõne jaoks osutuda psühholoogiliselt raskeks proovikiviks. Selline juhtimisstiil sarnaneb Mutti domineerimisega selle poolest, et juht on ka dialoogi jaoks kättesaamatu ja surub oma nägemuse organisatsioonist oma alluvatele peale.

Kui see töötab

Kui meeskonna töö on seotud töötajate loovusega, näiteks kunstivaldkonnas. Ameerika kunstnik Sol LeWitt palkas noori kunstnikke (kokku mitu tuhat), selgitas kontseptsioone ja andis juhiseid. Pärast seda asusid alluvad ilma Levitti kontrollita looma. Teda huvitas tulemus, mitte allumine protsessis. Mõistliku ja targa juhina mõistis ta, et ühine loovus ainult rikastab projekti. Just see tegi temast maailma kõige enam eksponeeritud kunstniku: elu jooksul korraldas ta üle 500 isikunäituse.

Kui see ei tööta

Igas meeskonnas sõltub selle juhtimispõhimõtte sobivus paljudest individuaalsetest teguritest. Selline lähenemine viib sageli läbikukkumiseni, mistõttu näiteks Cadbury & Schweppes lõi Cadbury ühingujuhtimise koodeksi, mis kirjeldab protseduure, mille eesmärk on kaitsta ettevõtet liigse juhi ego eest ja edastada oluline teave kõigile protsessis osalejatele.

Autor räägib ka õpetliku loo alates enda kogemus. Ta tahtis alustada tööd Tel Avivi sümfooniaorkestriga suure uuendusega. Itai Talgam jagas keelpilliosa kvartettideks ja asetas nende vahele puhkpillid. Ta pakkus, et nii võiks iga muusik end solistina tunda. Eksperiment ebaõnnestus: osalejad ei suutnud üksteisest kaugel olles suhelda, mistõttu nad esinesid väga halvasti.

5. Juhttants: Carlos Klaiber

Carlos Kleiber tantsib laval: ta sirutab käed välja, hüppab, paindub ja kõigub küljelt küljele. Muul ajal juhib ta orkestrit vaid näpuotsaga ja teinekord lihtsalt seisab ja kuulab muusikuid. Laval jagab dirigent rõõmu ja mitmekordistab seda. Tal on selge vorminägemus ja ta juhib muusikuid, kuid teeb seda mitte juhina, vaid soolotantsijana. Ta nõuab pidevalt alluvatelt tõlgendustes osalemist ega koorma oma juhiseid detailidega.

Selline juht juhib protsesse, mitte inimesi. See annab alluvatele ruumi uuenduste tutvustamiseks ja julgustab neid ise looma. Töötajad jagavad juhiga võimu ja vastutust. Sellises meeskonnas saab vea kergesti parandada ja isegi millekski uueks ümber kujundada. “Tantsivad” juhid hindavad ambitsioonikaid töötajaid, eelistades neid neile, kes suudavad oma tööd kohusetundlikult teha vastavalt juhistele.

Kui see töötab

Sarnane põhimõte kehtib ka siis, kui tavalisel töötajal võib olla asjakohasem info kui ülemusel. Näitena toob autor oma kogemused terrorismivastase võitluse agentuuridega töötamisel. Valdkonnas tegutsev agent peab suutma otsuseid langetada iseseisvalt, mõnikord rikkudes otseseid käsukorraldusi, sest tal on olukorrast kõige täielikum ja ajakohasem teadmine.

Kui see ei tööta

Kui töötajaid ei huvita ettevõtte saatus. Samuti väidab autor, et sellist lähenemist ei saa kunstlikult peale suruda. See toimib vaid siis, kui suudad siiralt rõõmustada oma töötajate edu ja nende töö tulemuste üle.

6. Tähendus leidmine: Leonard Bernstein

Leonard Bernsteini orkestriga suhtlemise saladus ei avane mitte laval, vaid väljaspool seda. Dirigent ei tahtnud emotsioone eraldada, elukogemus ja püüdlused muusikast. Iga muusiku jaoks oli Bernstein mitte ainult juht, vaid ka sõber. Ta kutsus loovusele mitte professionaali, vaid inimest: tema orkestrites esitavad, kuulavad ja komponeerivad muusikat eelkõige üksikisikud ja alles seejärel alluvad.

Bernstein esines muusikutele põhiküsimus: "Milleks?" See oligi asja mõte: ta ei sundinud inimesi mängima, vaid tegi nii, et inimene ise tahtis mängida. Kõigil oli Bernsteini küsimusele oma vastus, kuid kõik tundsid end võrdselt kaasatuna ühisesse asjasse.

Kui see töötab

Dialoog juhtkonna ja töötajate vahel ning nende tegevuse mõtestamine tuleb kasuks igale organisatsioonile, kus meeskonnaliikmete töö ei taandu sarnaste tegevuste kogumile. Oluline tingimus on sel juhul, et töötajad peavad juhti lugu pidama ja teda kompetentseks pidama.

Kui see ei tööta

Itai Talgam räägib olukorrast, kus ta püüdis rakendada Bernsteini meetodit, kuid kohtas alluvatelt vaid arusaamatust. Põhjus oli selles, et paljud Tel Avivi sümfooniaorkestri muusikud olid palju vanemad ega tundnud teda üldse. Esimene proov ei läinud kuigi hästi. "Midagi on valesti," ütles Talgam orkestrile. - Ma lihtsalt ei tea mida. Tempo, intonatsioon, midagi muud? Mida sa arvad? Mida saab parandada? Üks eakas muusik tõusis püsti ja ütles: “Kust me tulime, dirigent ei küsinud, mida teha. Ta teadis, mida teha."

Itai Talgam ei räägi teoses The Ignorant Maestro mitte ainult suurepäraste dirigentide juhtimispõhimõtetest, vaid paljastab ka kolm olulist tõhusa juhi omadust: teadmatus, tühjade kohtade tähenduse andmine ja motiveeriv kuulamine. Autor ei räägi ainult sellest, milline peaks olema juht, vaid ka alluvate rollist töösuhtluses. Universaalset juhtimispõhimõtet pole olemas, iga tõhus juht arendab seda iseseisvalt. Ja saate midagi õppida ja võtta kasutusele mõned tehnikad kuuelt suurepäraselt dirigendilt, kellest selles raamatus on kirjutatud.