Pierwsi bohaterowie jazzu. Kierunki i style jazzu Historia powstania i rozwoju jazzu

Jazz narodził się w Nowym Orleanie. Większość jazzowych opowieści zaczyna się od podobnej frazy, zwykle od obowiązkowego wyjaśnienia, że ​​podobna muzyka rozwinęła się w wielu miastach amerykańskiego Południa – Memphis, St. Louis, Dallas, Kansas City.

Muzyczne początki jazzu – zarówno afroamerykańskiego, jak i europejskiego – są liczne i długo je wymieniać, ale nie można nie wspomnieć o jego dwóch głównych afroamerykańskich przodkach.

Można słuchać piosenek jazzowych

Ragtime i blues

Mniej więcej dwie dekady na przełomie XIX i XX wieku to krótka epoka rozkwitu ragtime, który był pierwszą formą muzyki popularnej. Ragtime był wykonywany głównie na fortepianie. Samo słowo jest tłumaczone jako „postrzępiony rytm”, a ten gatunek otrzymał tę nazwę ze względu na rytm synkopowany. Najpopularniejsze sztuki zostały napisane przez Scotta Joplina, nazywanego „królem ragtime”.

Przykład: Scott Joplin - szmata z liści klonu

Blues był kolejnym równie ważnym prekursorem jazzu. O ile ragtime nadawał jazzowi energetyczny synkopowy rytm, o tyle blues dodawał mu głosu. I w sensie dosłownym, bo blues jest gatunkiem wokalnym, ale przede wszystkim w przenośni, bo blues charakteryzuje się użyciem nut rozmytych, nieobecnych w europejskim nagłośnieniu (zarówno durowych, jak i mollowych) – nuty bluesowe, a także potocznie głośne i rytmicznie swobodne wykonanie.

Przykład: Ślepa cytryna Jefferson – jęk czarnego węża

Narodziny jazzu

Następnie afroamerykańscy muzycy jazzowi przenieśli ten styl do muzyki instrumentalnej, a instrumenty dęte zaczęły naśladować ludzki głos, jego intonacje, a nawet artykulację. W jazzie pojawiły się tak zwane „brudne” dźwięki. Każdy dźwięk powinien być jak z ziarenkiem pieprzu. Muzyk jazzowy tworzy muzykę nie tylko za pomocą różnych nut, tj. dźwięki o różnej wysokości, ale także za pomocą różnych barw, a nawet odgłosów.

Jelly Roll Morton - Sidewalk Blues

Scott Joplin mieszkał w Missouri, pierwszym znanym opublikowanym bluesie, który nazywał się Dallas Blues. Jednak pierwszy styl jazzowy został nazwany New Orleans Jazz.

Kornetista Charles „Buddy” Bolden łączył ragtime i blues, grając ze słuchu i improwizując, a jego innowacja wpłynęła na wielu bardziej znanych muzyków z Nowego Orleanu, którzy później rozpowszechniali nową muzykę w całym kraju, przede wszystkim w Chicago, Nowym Jorku i Los Angeles: Joe King Oliver, Johnson Bank, Jelly Roll Morton, Kid Ory i oczywiście król jazzu Louis Armstrong. W ten sposób jazz zawładnął Ameryką.

Jednak ta muzyka nie od razu otrzymała swoją historyczną nazwę. Początkowo nazywano to po prostu hot music, potem pojawiło się słowo jass, a dopiero potem jazz. A pierwsza płyta jazzowa została nagrana przez White Quintet of the Original Dixieland Jass Band w 1917 roku.

Przykład: Oryginalny zespół Dixieland Jass – Livery Stable Blues

Wiek swingu - gorączka tańca

Jazz pojawił się i rozpowszechnił jako muzyka taneczna. Stopniowo gorączka tańca rozprzestrzeniła się po całej Ameryce. Mnożyły się sale balowe i orkiestry. Rozpoczęła się era big bandów, czyli swingu, która trwała około półtorej dekady od połowy lat 20. do końca lat 30. XX wieku. Nigdy wcześniej ani później jazz nie był tak popularny.
Szczególna rola w tworzeniu swingu należy do dwóch muzyków - Fletchera Hendersona i Louisa Armstronga. Armstrong wpłynął na ogromną liczbę muzyków, ucząc ich rytmicznej swobody i różnorodności. Henderson stworzył format orkiestry jazzowej, z jej późniejszym podziałem na sekcję saksofonów i sekcję instrumentów dętych blaszanych z apelem pomiędzy nimi.

Fletcher Henderson - Spotkanie w obozie południowym w dół

Nowa kompozycja się rozeszła. W kraju było około 300 big bandów. Liderami najpopularniejszych z nich byli Benny Goodman, Duke Ellington, Count Basie, Chick Webb, Jimmy Lunsford, Tommy Dorsey, Glenn Miller, Woody Herman. W repertuarze orkiestr znajdują się popularne melodie nazywane standardami jazzowymi, a czasem klasykami jazzowymi. Najpopularniejszy standard w historii jazzu, Body and Soul, po raz pierwszy nagrał Louis Armstrong.

Od bebopa do postbopu

W latach 40. era wielkich orkiestr zakończyła się dość gwałtownie, głównie z powodów komercyjnych. Muzycy zaczęli eksperymentować z drobnymi kompozycjami, dzięki czemu narodził się nowy styl jazzowy – be-bop, czyli po prostu bop, co oznaczało całą rewolucję w jazzie. To była muzyka przeznaczona nie do tańca, ale do słuchania, nie dla szerokiej publiczności, ale dla węższego kręgu miłośników jazzu. Jednym słowem, jazz przestał być muzyką rozrywkową, a stał się formą autoekspresji muzyków.

Pionierami nowego stylu byli pianista Thelonious Monk, trębacz Dizzy Gillespie, saksofonista Charlie Parker, pianista Bud Powell, trębacz Miles Davis i inni.

Groovin High - Charlie Parker, Dizzy Gillespie

Bop położył podwaliny pod nowoczesny jazz, który nadal jest głównie muzyką małych zespołów. Wreszcie bop wyostrzył w jazzie nieustanną potrzebę poszukiwania nowych rzeczy. Wybitnym muzykiem, dążącym do ciągłej innowacji, był Miles Davis i wielu jego odkrytych przez niego partnerów i talentów, którzy później stali się znanymi wykonawcami jazzu i gwiazdami jazzu: John Coltrane, Bill Evans, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Chick Corea, John McLaughlin , Winton Marsalis.

Jazz lat 50. i 60. nadal się rozwija, z jednej strony pozostając wiernym swoim początkom, ale na nowo przemyślejąc zasady improwizacji. Tak wygląda hard bop, fajnie...

Miles Davis - Co z tego?

…Modal jazz, free jazz, post-bop.

Herbie Hancock - Wyspa Kantalupa

Z drugiej strony jazz zaczyna wchłaniać inne rodzaje muzyki, na przykład afro-kubańską, łacińską. Tak powstaje afro-kubański, afro-brazylijski jazz (bossanova).

Manteca - Dizzy Gillespie

Jazz i rock = fusion

Najsilniejszym impulsem do rozwoju jazzu było odwołanie się muzyków jazzowych do muzyki rockowej, wykorzystanie jej rytmów i instrumentów elektrycznych (gitara elektryczna, gitara basowa, instrumenty klawiszowe, syntezatory). Pionierem był tu ponownie Miles Davis, którego inicjatywę podjęli Joe Zawinul (Raport pogodowy), John McLaughlin (Mahavishnu Orchestra), Herbie Hancock (Łowcy głów), Chick Corea (Return to Forever). Tak narodził się jazz-rock, czyli fusion...

Orkiestra Mahawisznu – Spotkanie Duchów

i psychodeliczny jazz.

Droga Mleczna – prognoza pogody

Historia jazzu i standardy jazzowe

Historia jazzu to nie tylko style, kierunki i sławni wykonawcy jazzu, to także wiele pięknych melodii, które żyją w wielu wersjach. Łatwo je rozpoznać, nawet jeśli nie pamiętają lub nie znają imion. Jazz zawdzięcza swoją popularność i odwołanie tak wspaniałym kompozytorom jak George Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter, Hoggie Carmichael, Richard Rogers, Jerome Kern i inni. Choć pisali muzykę przede wszystkim do musicali i widowisk, ich tematyka, podejmowana przez przedstawicieli jazzu, stała się najlepszymi kompozycjami jazzowymi XX wieku, które nazwano standardami jazzowymi.

Summertime, Stardust, What Is This Thing Called Love, My Funny Valentine, All the Things You Are – te i wiele innych motywów znanych każdemu muzykowi jazzowemu, a także kompozycje tworzone przez samych jazzmanów: Duke Ellington, Billy Strehorn, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Paul Desmond i wielu innych (Karawana, Noc w Tunezji, 'Round Midnight, Take Five). To klasyka jazzu i język, który jednoczy zarówno samych wykonawców, jak i publiczność jazzową.

Współczesny jazz

Współczesny jazz to pluralizm stylów i gatunków oraz ciągłe poszukiwanie nowych połączeń na przecięciu nurtów i stylów. A współcześni wykonawcy jazzowi często grają w różnych stylach. Jazz jest podatny na wpływy wielu rodzajów muzyki, od akademickiej awangardy i folkloru po hip-hop i pop. Okazało się, że jest to najbardziej elastyczny rodzaj muzyki.

W uznaniu globalnej roli jazzu UNESCO ogłosiło w 2011 roku Międzynarodowy Dzień Jazzu, obchodzony corocznie 30 kwietnia.

Niewielka rzeka, której źródło znajdowało się w Nowym Orleanie przez ponad 100 lat, zamieniła się w ocean, który obmywa cały świat. Amerykański pisarz Francis Scott Fitzgerald nazwał lata dwudzieste. wiek jazzu. Teraz te słowa można odnieść do XX wieku jako całości, ponieważ jazz to muzyka XX wieku. Historia powstania i rozwoju jazzu niemal wpisuje się w ramy chronologiczne ubiegłego wieku. Ale oczywiście na tym się nie kończy.

1. Louis Armstrong

2. Książę Ellington

3. Benny Goodman

4. Hrabia Basie

5. Wakacje Billie

6. Ella Fitzgerald

7. Sztuka Tatum

8. Zawroty głowy Gillespie

9. Charlie Parker

10. Thelonious Mnich

11. Sztuka Blakey

12. Bud Powell

14. John Coltrane

15. Bill Evans

16. Charlie Mingus

17. Ornette Coleman

18. Herbie Hancock

19. Keith Jarrett

20. Joe Zawinul

Tekst: Aleksander Judin

Początki jazzu tkwią w mieszaniu lub, jak mówią, syntezie kultur muzycznych Europy i Afryki. Co dziwne, jazz zaczął się od Krzysztofa Kolumba.

Oczywiście wielki pionier nie był pierwszym wykonawcą muzyki jazzowej. Ale otwierając Amerykę na Europejczyków, Kolumb zapoczątkował przenikanie się tradycji muzycznych Europy i Afryki.

Pytasz: co ma z tym wspólnego Afryka? Faktem jest, że opanowując kontynent amerykański, Europejczycy zaczęli sprowadzać tutaj czarnych niewolników, przewożąc ich przez Atlantyk z zachodniego wybrzeża Afryki. W latach 1600-1700 liczba niewolników na kontynencie amerykańskim przekroczyła setki tysięcy.

Europejczycy nawet nie zdawali sobie sprawy, że wraz z niewolnikami przetransportowanymi na kontynent amerykański przywieźli tam afrykańską kulturę muzyczną, która wyróżnia się niezwykłą dbałością o rytm muzyczny. W ojczyźnie Afrykanów muzyka była nieodzownym elementem różnych rytuałów. Ogromne znaczenie miał tu rytm, będący podstawą zbiorowego tańca, zbiorowej modlitwy, czyli zbiorowego obrzędu.
Charakterystyczne cechy afrykańskiej muzyki ludowej to polirytm, polifonia rytmiczna i rytm krzyżowy. Melodia i harmonia są tu praktycznie w powijakach. To decyduje o tym, że muzyka afrykańska bardziej wolny, zawiera więcej miejsca na improwizację... Tak więc, wraz z czarnymi niewolnikami, Europejczycy sprowadzili na kontynent amerykański to, co stało się rytmiczną podstawą muzyki jazzowej.

Jaka jest rola europejskiej kultury muzycznej w kształtowaniu jazzu? Europa wniosła do jazzu melodię i harmonię, standardy molowe i durowe, melodyjny początek solowy.

Więc, ojczyzna jazz stał się Stanami Zjednoczonymi Ameryki. Historycy jazzu wciąż debatują, gdzie po raz pierwszy grano muzykę jazzową. W tej kwestii istnieją dwie przeciwstawne opinie. Niektórzy uważają, że jazz pojawił się na północy Stanów Zjednoczonych, gdzie już w XVIII wieku angielscy i francuscy misjonarze protestanccy zaczęli nawracać Murzynów na wiarę chrześcijańską. To tutaj powstał bardzo szczególny gatunek muzyczny „spirituals” - są to duchowe pieśni, które zaczęli śpiewać czarni z Ameryki Północnej. Pieśni odznaczały się niezwykłą emocjonalnością i pod wieloma względami improwizatorski charakter. To z tych pieśni powstał później jazz.

Inny punkt widzenia twierdzi, że jazz powstał w południowych Stanach Zjednoczonych, gdzie zdecydowana większość Europejczyków była katolikami. Ze szczególną pogardą i pogardą traktowali Afrykanów i ich kulturę, co miało pozytywny wpływ na zachowanie tożsamości afrykańskiego folkloru muzycznego. Afroamerykańska kultura muzyczna czarnych niewolników została odrzucona przez Europejczyków, co zachowało jej autentyczność. Jazz powstał w oparciu o autentyczny afrykański rytm.

Dyrektor Nowojorskiego Instytutu Badań nad Jazzem Marshall Stearns- autor monografii "" (1956) - wykazał, że sytuacja jest znacznie bardziej skomplikowana. Zwrócił uwagę, że muzyka jazzowa opiera się na przenikaniu rytmów zachodnioafrykańskich, pieśni roboczych, religijnych pieśni amerykańskich czarnych, bluesowych, afrykańskiego folkloru z przeszłości, muzycznych kompozycji wędrownych muzyków i ulicznych orkiestr dętych.

Pytasz, co mają z tym wspólnego orkiestry dęte? Po zakończeniu wojny secesyjnej wiele orkiestr dętych zostało rozwiązanych, a instrumenty wyprzedane. W wyprzedaży instrumenty dęte można było kupić prawie za darmo. Ulice pełne były muzyków grających na instrumentach dętych. To właśnie ze sprzedażą instrumentów dętych wiąże się fakt, że zespoły jazzowe mają swój tradycyjny set: saksofon, trąbka, klarnet, puzon, kontrabas... Podstawą są oczywiście bębny.

Miasto Nowy Orlean stało się centrum muzyki jazzowej w Stanach Zjednoczonych. Zamieszkiwali ją ludzie bardzo swobodnie myślący, nieobcy awanturnictwie. Ponadto miasto ma korzystne położenie geograficzne. To sprzyjające warunki do syntezy kultur muzycznych. Powstał nawet specjalny styl jazzowy, który nazywa się jazzem nowoorleańskim.

26 lutego 1917 rok tutaj w studiu został nagrany „Victor” pierwsza płyta gramofonowa, na której grano muzykę jazzową... To był zespół jazzowy” Oryginalny zespół jazzowy dixieland”. Nawiasem mówiąc, muzycy zespołu nie byli ciemnoskórzy. Byli białymi Amerykanami.

Oryginalny zespół jazzowy dixieland

W następnych latach jazz z marginalnego kierunku muzycznego przekształcił się w dość poważny nurt muzyczny, który podbił umysły i serca szerokiej publiczności na kontynencie amerykańskim. Rozprzestrzenianie się jazzu zaczęło się po zamknięciu dzielnicy rozrywkowej Storyville w Nowym Orleanie. Ale to nie znaczy, że jazz był tylko fenomenem Nowego Orleanu.

Wyspami muzyki jazzowej były St. Louis, Kansas City, Memphis – kolebka ragtime, która miała zauważalny wpływ na powstanie jazzu. Co ciekawe, wielu później wybitnych muzyków jazzowych i orkiestr było zwykłymi minstrelami, którzy brali udział w specjalnych koncertach objazdowych: na przykład słynny muzyk Jelly Roll Morton, orkiestra Toma Browna, Freddie Keppard's Creole Band.

Orkiestry dawały koncerty na parowcach pływających po Missisipi. To z pewnością przyczyniło się do spopularyzowania muzyki jazzowej. Z takich orkiestr wyszli znakomici jazzmani Bix Beyderbijk i Jess Stacy. Przyszła żona Louisa Armstronga, Lil Hardin, grała na fortepianie w orkiestrze jazzowej.

W latach 20. i 30. centrum jazzu stały się Chicago, a następnie Nowy Jork. To zasługa nazwisk wielkich mistrzów jazzu, Eddiego Condona, Jimmy'ego Mc Partlanda, Arta Hodesa, Barretta Deamsa i oczywiście Benny'ego Goodmana, który zrobił wiele dla popularyzacji muzyki jazzowej.

Big bandy stały się podstawą jazzu w latach 30-40 XX wieku. Orkiestrami kierowali Count Basie, Chick Webb, Benny Goodman, Charlie Barnet, Jimmy Lunsford, Glenn Miller, Woody Herman, Stan Kenton. „Bitwy orkiestr” były oszałamiającym widokiem. Soliści orkiestry swoimi improwizacjami doprowadzali publiczność do szału. To było ekscytujące. Od tego czasu big bandy w jazzie są już tradycją.

Dzisiejsze wybitne orkiestry jazzowe obejmują Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Chicago Jazz Ensemble i wiele innych.

Blues

(melancholia, smutek) - pierwotnie - solowa liryczna piosenka amerykańskich Murzynów, później - kierunek w muzyce.

W latach 20. XX wieku ukształtował się klasyczny blues, oparty na 12-taktowym okresie odpowiadającym 3-wierszowej formie poetyckiej. Początkowo blues był muzyką wykonywaną przez czarnych dla czarnych. Po pojawieniu się bluesa w południowych Stanach Zjednoczonych zaczął rozprzestrzeniać się po całym kraju.

Melodia bluesowa charakteryzuje się strukturą pytań i odpowiedzi oraz zastosowaniem skali bluesowej.

Blues wpłynął na powstanie muzyki jazzowej i popowej, z elementami bluesa używanymi przez kompozytorów XX wieku.

Archaiczny jazz

Archaiczny (wczesny) jazz- Oznaczenie najstarszych, tradycyjnych odmian jazzu, które istniały od połowy ubiegłego wieku w wielu południowych stanach Stanów Zjednoczonych.

Archaiczny jazz reprezentowała w szczególności muzyka XIX-wiecznych zespołów marszowych Murzynów i Kreolów.

Archaiczny okres jazzu poprzedził pojawienie się stylu nowoorleańskiego (klasycznego).

Nowy Orlean

Amerykańska ojczyzna, w której powstał sam jazz, uważana jest za miasto piosenki i muzyki - Nowy Orlean.
Chociaż toczy się dyskusja, że ​​jazz powstał w całej Ameryce i to nie tylko w tym mieście, ale właśnie tutaj rozwinął się najmocniej. Ponadto wszyscy starzy muzycy - jazzmani wskazali na centrum, które uważano za Nowy Orlean. W Nowym Orleanie rozwinęło się najkorzystniejsze środowisko dla rozwoju tego kierunku muzycznego: istniała duża społeczność murzynów, a duży procent populacji stanowili Kreole; tutaj aktywnie rozwijało się wiele nurtów i gatunków muzycznych, których elementy zostały później włączone do twórczości znanych jazzmanów. Różne grupy wypracowały własne kierunki muzyczne, a Afroamerykanie stworzyli nową sztukę z połączenia bluesowych melodii, ragtime i własnych tradycji, która nie ma analogii. Pierwsze płyty jazzowe potwierdzają prerogatywę Nowego Orleanu w narodzinach i rozwoju sztuki jazzowej.

Dixieland

(Country of Dixie) - potoczne określenie południowych stanów Stanów Zjednoczonych, jednej z odmian jazzu tradycyjnego.

Większość śpiewaków bluesowych, pianistów boogie-woogie, wykonawców Rigtime i zespołów jazzowych przybyła z południa do Chicago, przywożąc ze sobą muzykę, która wkrótce otrzymała przydomek Dixieland.

Dixieland To najszersze określenie stylu muzycznego pierwszych muzyków jazzowych z Nowego Orleanu i Chicago, którzy nagrywali płyty w latach 1917-1923.

Niektórzy historycy klasyfikują Dixieland jako jedyną muzykę w stylu White New Orleans.

Muzycy Dixieland szukali odrodzenia klasycznego nowoorleańskiego jazzu.

Próby te zakończyły się sukcesem.

Boogie Woogie

Styl fortepianowy blues, jedna z najwcześniejszych odmian instrumentalnej muzyki murzyńskiej.

Styl, który okazał się dość przystępny dla szerokiej publiczności.

Pełne brzmienie styl boogie-woogie pojawił się z powodu powstałej na początku XX wieku potrzeby zatrudniania pianistów do zastępowania orkiestr w niedrogich kawiarniach typu „honky-tonk”. Aby zastąpić całą orkiestrę, pianiści wymyślili różne sposoby grania rytmicznego.

Cechy charakterystyczne: improwizacja, wirtuozeria techniczna, specyficzny rodzaj akompaniamentu - figuracja ostinat ruchowych w partii lewej ręki, przerwa (do 2-3 oktaw) między basem a melodią, ciągłość ruchu rytmicznego, odmowa użycia pedału.

Przedstawiciele klasycznego boogie-woogie: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mead Lux ​​Lewis, Jimmy Yankey.

Folkowy blues

Archaiczny akustyczny blues oparty na wiejskim czarnym folklorze w USA, w przeciwieństwie do klasycznego bluesa, który był głównie miejski.

Folkowy blues To rodzaj bluesa, który zwykle nie jest grany na elektrycznych instrumentach muzycznych. Obejmuje szeroki zakres stylów gry i muzyki, i może obejmować skromną, prostą muzykę graną na mandolinie, banjo, harmonijce i innych instrumentach nieelektrycznych zaprojektowanych z wykorzystaniem zespołów dzbankowych. nieokrzesana, nieco nieformalna muzyka. Jednym słowem to prawdziwa muzyka ludowa grana przez ludzi i dla ludzi.

W folkowym bluesie był wokalista bardziej wpływowy niż Blind Lemon Jefferson, Charlie Patton, Alger Alexander.

Dusza

(dosłownie - dusza); najpopularniejszy styl muzyczny lat 60-tych XX wieku, który rozwinął się z kultowej muzyki amerykańskich czarnych i zapożyczył wiele elementów rhythm and bluesa.

W muzyce soul jest kilka kierunków, z których najważniejsze to dusza tzw. „Memphis” i „Detroit”, a także „biała” dusza, tkwiąca głównie w muzykach z Europy.

Boj

Termin narodził się w jazzie lat 50. XX wieku. Styl funk to bezpośrednia kontynuacja muzyki soul. Jedna z form rytmu i bluesa.

Pierwszymi wykonawcami tego, co później nazwano „funkem”, byli jazzmani, którzy na przełomie lat 50. i 60. grali bardziej energiczną, specyficzną formę jazzu.

Funk to przede wszystkim muzyka taneczna, co decyduje o jej muzycznych cechach: jak największej synkopii partii wszystkich instrumentów.

Funk charakteryzuje się podkreśloną sekcją rytmiczną, ostro synkopowaną partią basu, ostinatowymi riffami jako melodyczno-tematyczną podstawą kompozycji, elektronicznym brzmieniem, energetyzującym wokalem, szybką muzyką.

James Brown i George Clinton założyli eksperymentalną szkołę funkową z PARLAMENT / FUNKDEIC.

Klasyczne nagrania funkowe pochodzą z przełomu lat 60. i 70. XX wieku.

Darmowe funk

Darmowe funk- mieszanka awangardowego jazzu z funkowymi rytmami.

Kiedy Ornette Coleman założył Prime Time, był to „podwójny kwartet” (składający się z dwóch gitarzystów, dwóch basistów i dwóch perkusistów oraz jego alt), grający muzykę w wolnej tonacji, ale z ekscentrycznymi funkowymi rytmami. Trzej członkowie grupy Coleman (gitarzysta James Blood Ulmer, basista Jamaaladin Takuma i perkusista Ronald Shannon Jackson) zorganizowali później własne projekty free funk, a free funk był głównym wpływem artystów m-basowych, w tym altowiolistów Steve'a Colemana i Grega Osby'ego.
Huśtać się

(huśtawka, huśtawka). Orkiestrowy styl jazzowy, który ukształtował się na przełomie lat 20. i 30. XX wieku w wyniku syntezy murzyńskich i europejskich stylów muzyki jazzowej.
Charakterystyczny typ pulsacji oparty na stałych odchyleniach rytmu (wyprzedzający i opóźniający) od płatów referencyjnych.
Stwarza to wrażenie dużej energii wewnętrznej w stanie niestabilnej równowagi. Swingowy rytm przeniósł się z jazzu do wczesnego rock and rolla.
Wybitni wykonawcy swingowi: Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie ...
Bebop

Bop- styl jazzowy, który ukształtował się w połowie lat 40. XX wieku i charakteryzuje się szybkim tempem i złożonymi improwizacjami opartymi na graniu harmonią, a nie melodią. Bebop zrewolucjonizował jazz; Boppers stworzył nowe pomysły na to, czym jest muzyka.

Scena bebopowa była znaczącym przesunięciem akcentu w jazzie z muzyki tanecznej opartej na melodii na mniej popularną „muzykę dla muzyków”, bardziej opartą na rytmie. Muzycy Bop preferowali złożone improwizacje oparte na graniu akordów zamiast melodii.

Bebop był szybki, szorstki, był „twardy dla słuchacza”.

Jazz progresywny

Równolegle z pojawieniem się bebopu w środowisku jazzowym rozwija się nowy gatunek – progresywny jazz. Główną różnicą tego gatunku jest chęć odejścia od zastygłego kliszy big bandów i przestarzałych technik tzw. jazz symfoniczny.

Muzycy wykonujący progresywny jazz starali się aktualizować i doskonalić swingowe wzorce fraz-wzorów, wprowadzając do praktyki kompozytorskiej najnowsze osiągnięcia europejskiej symfonii w zakresie tonalności i harmonii. Największy wkład w rozwój „postępowego” wniósł Stan Kenton. Brzmienie muzyki wykonywanej przez jego pierwszą orkiestrę było bliskie stylowi Siergieja Rachmaninowa, a kompozycje nosiły cechy romantyzmu.

Swoistą apoteozę postępującego rozwoju można uznać za serię nagranych albumów „Artystyka”, „Mile z przodu”, „Rysunki hiszpańskie”.

Fajne

(Fajny jazz), jeden ze stylów współczesnego jazzu, powstały na przełomie lat 40. - 50. XX wieku na bazie rozwoju dokonań swingu i bopu.

Pionierem tego gatunku był trębacz Miles Davis, który był jednym z pierwszych wykonawców bebopu.

Cool jazz charakteryzuje się takimi cechami jak lekka, „sucha” barwa dźwięku, powolność ruchu, zamrożona harmonia, co tworzy iluzję przestrzenności. Nie bez znaczenia był też dysonans, ale o złagodzonym, wyciszonym charakterze.

Saksofonista Lester Young jako pierwszy wprowadził do użycia termin „cool”.

Najbardziej znani muzycy kula to Dave Brubeck, Stan Getz, George Shearing, Milt Jackson, Shorty Rogers .
Główny nurt

(dosłownie - główny prąd); Termin odnoszący się do pewnego okresu swingu, w którym wykonawcom udało się ominąć utrwalone w tym stylu klisze i kontynuować tradycje murzyńskiego jazzu, wprowadzając elementy improwizacji.

Dla głównego nurtu typowa jest prosta, ale wyrazista linia melodyczna, tradycyjna harmonia i wyraźny rytm z wyraźnym drivem.

Czołowi wykonawcy: Ben Webster, Gene Krupa, Coleman Hawkins, a także szefowie big bandów Duke Ellington i Benny Goodman.

Twardy bop

(twardy, twardy bop), styl współczesnego jazzu.

Jest kontynuacją tradycji klasycznego rhythm and bluesa i bebopu.

Powstał w latach 50. XX wieku jako reakcja na akademizm i europejską orientację jazzu cool i zachodniego wybrzeża, który osiągnął wtedy swój rozkwit.

Charakterystyczne cechy wczesnego hard bopu to przewaga silnie zaakcentowanych rytmów akompaniamentu, wzmocnienie elementów bluesowych w intonacji i harmonii, tendencja do ujawniania zasady wokalnej w improwizacji oraz pewne uproszczenie języka muzycznego.

Głównymi przedstawicielami hard bopu są w większości muzycy czarni.

Kwintet JAZZ MESSENGERS (1954) Arta Blakeya był pierwszym z zespołów tego stylu, który nagrał płyty.

Inni główni muzycy: John Coltrane, Sony Rollins, Henk Mobley, Max Roach...

Połączenie

(dosłownie - fuzja, fuzja), nurt stylistyki nowoczesnej, który powstał na bazie jazz-rocka, będącego syntezą elementów europejskiej muzyki akademickiej i pozaeuropejskiego folkloru. Zaczynając nie tylko od fuzji jazzu z popem i rockiem, fusion jako gatunek muzyczny pojawił się pod koniec lat 60. pod nazwą jazz rock.

Larry Coryell, Tony Williams, Miles Davis wprowadzili elementy takie jak elektronika, rockowe rytmy i rozbudowane utwory, eliminując wiele z tego, co oznaczał jazz — swingowego rytmu.

Kolejna zmiana – w obszarze rytmu – gdzie swing został albo zrewidowany, albo całkowicie zignorowany. Ripple, metrum przestało być istotnym elementem w czytaniu jazzu.

Free jazz nadal istnieje jako realna forma ekspresji i faktycznie nie jest już tak kontrowersyjnym stylem, jak postrzegano go na początku jego powstania.

Jazzowa muzyka latynoska

Mieszanie łacińskich elementów rytmicznych było obecne niemal od samego początku w mieszaniu kultur, które powstały w Nowym Orleanie. Muzyczne wpływy latynoskie w jazzie rozprzestrzeniły się nie tylko na orkiestry i zespoły z najwyższej klasy improwizatorami z Ameryki Łacińskiej, ale także na połączenie lokalnych i latynoskich wykonawców, tworząc przykłady najbardziej ekscytującej muzyki scenicznej.

A jednak dzisiaj jesteśmy świadkami mieszania się coraz większej liczby kultur świata, nieustannie zbliżając nas do tego, co w istocie już staje się „muzyką świata”.

Dzisiejszy jazz nie może już podlegać wpływom dźwięków, które przenikają do niego z niemal każdego zakątka globu.

Potencjalne możliwości dalszego rozwoju jazzu są obecnie dość duże, gdyż drogi rozwijania talentu i sposoby jego wyrażania są nieprzewidywalne, mnożąc się przez ujednolicenie wysiłków różnych gatunków jazzu, które są dziś promowane.

Jazz to muzyka duszy, a historia powstania tego muzycznego kierunku wciąż budzi nieskończoną ilość kontrowersji. Wielu uważa, że ​​jazz powstał w Nowym Orleanie, ktoś myśli, że jazz po raz pierwszy wykonano w Afryce, kłócąc się ze złożonymi rytmami i wszelkiego rodzaju tańcami, tupiąc i klaskając. Ale sugeruję, abyś trochę lepiej poznał na żywo, wibrujący, ciągle zmieniający się jazz.

Początki jazzu wynikają z wielu powodów. Jej początek był niezwykły, dynamiczny iw pewnym stopniu przyczyniły się do tego cudowne wydarzenia. Na przełomie XIX i XX wieku nastąpiło powstanie muzyki jazzowej, która stała się dziełem kultur Europy i Afryki, swoistą fuzją form i tendencji dwóch kontynentów.

Powszechnie przyjmuje się, że narodziny jazzu w taki czy inny sposób rozpoczęły się wraz z wprowadzeniem niewolników z Afryki na terytorium Nowego Świata. Ludzie, którzy zostali przywiezieni w jedno miejsce, najczęściej nie rozumieli się i, w razie potrzeby, następowało zjednoczenie wielu kultur, w tym także dzięki fuzji kultur muzycznych. Tak narodził się jazz.

Za epicentrum kształtowania się kultury jazzowej uważa się Południe Ameryki, a dokładniej Nowy Orlean. Następnie rytmiczne melodie jazzu płynnie wlewają się w kolejną stolicę muzyki, która znajduje się na północy – Chicago. Tam nocne występy cieszyły się dużym zainteresowaniem, niesamowite aranżacje sprawiły, że wykonawcy byli szczególnie pikantni, ale najważniejszą zasadą jazzu zawsze była improwizacja. Wybitnym przedstawicielem tamtych czasów był niepowtarzalny Louis Armstrong.

Okres 1900-1917 w Nowym Orleanie aktywnie rozwija się kierunek jazzowy, wchodzi w życie koncepcja muzyka „Nowoorleańskiego”, a także era lat 20-tych. Zwyczajowo XX wiek nazywa się „epoką jazzu”. Skoro już dowiedzieliśmy się, gdzie i jak pojawił się jazz, warto zrozumieć charakterystyczne cechy tego kierunku muzycznego. Przede wszystkim jazz opiera się na specyficznej polirytmii, która opiera się na synkopowanych rytmach. Omdlenie to przesunięcie akcentu z mocnego na słabe uderzenie, czyli celowe pogwałcenie akcentu rytmicznego.

Główną różnicą między jazzem a innymi kierunkami jest też rytm, a raczej jego arbitralne wykonanie. To właśnie ta wolność sprawia, że ​​muzycy czują się swobodnie i łatwo wykonywać. W kręgach zawodowych nazywa się to huśtawką. Całość wspiera jasna i kolorowa gama muzyczna i oczywiście nie należy zapominać o głównej funkcji - improwizacji. Wszystko to w połączeniu z talentem i pożądaniem przekłada się na zmysłową i rytmiczną kompozycję zwaną jazzem.

Dalszy rozwój jazzu jest nie mniej interesujący niż jego powstanie. Następnie pojawiły się nowe kierunki: swing (1930), bebop (1940), cool jazz, hard pop, soul jazz i jazz-funk (1940-1960). W epoce swingu kolektywna improwizacja schodziła na dalszy plan, na taki luksus mógł sobie pozwolić tylko solista, reszta muzyków musiała trzymać się przygotowanej kompozycji muzycznej. W latach 30. XX wieku. Nastąpił szalony wzrost takich grup, które później stały się znane jako big bandy. Za najwybitniejszych przedstawicieli tego okresu uważani są Duke Ellington, Benny Goodman, Glen Miller.

Dziesięć lat później ponownie następuje rewolucja w historii jazzu. Małe grupy, składające się głównie z czarnoskórych wykonawców, wracają do mody, gdzie absolutnie wszystkich uczestników stać było na improwizację. Gwiazdami przełomu byli Charlie Parker i Dizzy Gillespie. Muzycy starali się przywrócić jazzowi dawną łatwość i luz, oddalić się jak najdalej od komercjalizacji. Liderzy big bandów przychodzili do małych orkiestr, które były po prostu zmęczone głośnymi występami i dużymi salami, które po prostu chciały cieszyć się muzyką.

Muzyka 1940-1960 przeszła kolosalną zmianę. Jazz został podzielony na dwie grupy. Jeden z nich należał do klasyki, cool jazz słynie z powściągliwości i melancholii. Głównymi przedstawicielami są Chet Baker, Dave Brubeck, Miles Davis. Ale druga grupa rozwinęła idee bebopu, gdzie głównymi były jasne i agresywne rytmy, wybuchowe solówki i oczywiście improwizacja. W tym stylu na podium stanęli John Coltrane, Sonny Rollins i Art Blakey.

Ostatnim punktem w rozwoju jazzu był rok 1950, kiedy jazz połączył się z innymi stylami muzycznymi. Później pojawiły się nowe formy, jazz rozwinął się w ZSRR i WNP. Wybitnymi przedstawicielami Rosji byli Valentin Parnakh, twórca pierwszej orkiestry w kraju, Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelian i Alexander Varlamov. Teraz we współczesnym świecie następuje również intensywny rozwój jazzu, muzycy wdrażają nowe formy, próbują, łączą i osiągają sukcesy.

Teraz wiesz trochę więcej o muzyce, a konkretnie o jazzie. Jazz nie jest muzyką dla każdego, ale nawet jeśli nie jesteś największym fanem tego kierunku, warto posłuchać go, aby zanurzyć się w historii. Ciesz się słuchaniem.

Wiktoria Łyżowa