Russian State Music TV and Radio Center - Trung tâm Phát thanh và Truyền hình Âm nhạc Nhà nước Nga. Thí nghiệm dệt của Popova và Stepanova Tiểu sử của Lyubov Popova

Popova Lyubov Sergeevna, họa sĩ, nghệ sĩ đồ họa, nhà thiết kế, nhà thiết kế

Popova Lyubov Sergeevna(1889, làng Ivanovskoye, tỉnh Moscow - 1924, Moscow), họa sĩ, nghệ sĩ đồ họa, nhà thiết kế, nhà thiết kế đồ bộ. Người tạo ra những tác phẩm vô nghĩa. Xuất thân từ một gia đình nhà sản xuất giàu có ở Moscow. Năm 1907, cô tham dự S.Yu. Zhukovsky, năm 1908-1909 - trường K.F. Yuon và I.O. Dudin, nơi cô nắm vững các nguyên tắc của trường phái ấn tượng. Cô ấy đã đi du lịch rất nhiều nơi ở Châu Âu. Những ấn tượng từ hội họa của thời Phục hưng Ý đã được cô kết hợp trong tác phẩm của mình với niềm đam mê các xu hướng nghệ thuật hiện đại. Năm 1912-1914 bà sống ở Paris và học tại học viện La Pallette dưới sự chỉ đạo của các nhà lập thể J. Metzinger và A. Le Fauconnier. Năm 1912, cô làm việc trong studio của V.E. "Tháp" Tatlin. Năm 1916-1917 - thành viên của nhóm "Supremus", do K.S. Malevich. Năm 1918-1923 bà giảng dạy tại Vkhutemas, năm 1920-1923 bà làm việc tại Inkhuk dưới sự chỉ đạo của V.V. Kandinsky trong phần nghệ thuật tượng đài.

L.S. Popova là một trong những đại diện sáng giá nhất của người Nga tiên phong, người đã đi trong công việc của mình từ Chủ nghĩa Lập thể đến Chủ nghĩa Kiến tạo. Khi trở về từ Pháp đến Nga, cô đã phát triển các nguyên tắc của riêng mình về Chủ nghĩa Lập thể, tạo cho nó một âm hưởng hoành tráng. Phẩm chất này xuất hiện trong các tác phẩm của Popova cũng dưới ảnh hưởng của nghệ thuật Nga cổ đại. Trong các bức tranh của bà vào những năm 1910, chủ nghĩa lập thể chiếm ưu thế về tính trang trí. Người nghệ sĩ đặc biệt chú ý đến việc xử lý bề mặt sơn để đạt được nhiều kết cấu biểu cảm. Sáng tác với Hình (1913), Tiếng vĩ cầm (1915) là những tác phẩm tiêu biểu nhất của thời kỳ này.

Dưới ảnh hưởng của các cuộc phản công V.E. Tatlina chuyển sang "hội họa điêu khắc". Năm 1916-1917, ông đã tạo ra một loạt "kiến trúc bằng hình ảnh". Chúng là sự kết hợp của các mặt phẳng hình học màu. Ngược lại với các tác phẩm Suprematist của K.S. Malevich, những chiếc máy bay này có trọng lượng, tỷ lệ kiến ​​tạo của khối lượng, cảm giác về đỉnh và sự hỗ trợ của thành phần.

Giai đoạn tiếp theo là "công trình năng lượng không gian". Những hình ảnh này bao gồm các đường tia thẳng và cong. Trong một số tác phẩm, chúng phá vỡ các mặt phẳng của các đường viền hình học khác nhau. Hình thành với một tốc độ nhanh chóng, giống như nó, lao qua không gian. Thông thường, một tấm gỗ không sơn làm nền. Kết cấu đầy màu sắc

Lyubov Sergeevna Popova - nghệ sĩ Nga vĩ đại... Cô làm việc trong nhiều thể loại tiên phong khác nhau, bao gồm: Chủ nghĩa lập thể, Chủ nghĩa Cubo-tương lai, Chủ nghĩa kiến ​​tạo, Chủ nghĩa siêu đẳng. Cô sinh ra ở tỉnh Matxcova, làng Ivanovskoye, vào năm 1889. Từ nhỏ, cô đã được bao quanh bởi sự chú ý và không cần bất cứ thứ gì, vì cha cô là một doanh nhân rất giàu có. Nhóm bạn bè của gia đình bao gồm những người rất nổi tiếng, bao gồm cả các nghệ sĩ. Một trong những nghệ sĩ K.M. Orlov đã trở thành người thầy đầu tiên của tài năng trẻ.

Sau khi Lyubov Popova chuyển đến Moscow, cô học trung học tại phòng tập thể dục và tham gia các bài học tại trường nghệ thuật của họa sĩ nổi tiếng Konstantin Yuon. Ngoài ra, Lyubov Popova còn học nghệ thuật vẽ và hội họa ở Ý và Paris. Cô luôn bị thu hút bởi những cách tiếp cận không chuẩn mực để thể hiện bản thân. Cô ấy có chữ viết tay rất tốt trong hội họa, và cô ấy có thể trở thành một họa sĩ phong cảnh, vẽ chân dung, vẽ các cảnh chiến đấu, v.v. mà không gặp bất kỳ trở ngại nào, nhưng thay vào đó, cô ấy đã chọn đi sâu vào con đường tiên phong. Cô đặc biệt bị thu hút bởi phong cách mới được phát minh của Malevich. Trong Chủ nghĩa tối cao, cô đã đạt được những kết quả rất tuyệt vời, nhờ đó cô đã nổi tiếng và được nhiều người biết đến. Cùng với một số nghệ sĩ khác, cô là thành viên của nhóm nghệ thuật Supremus, cũng do Kazimir Malevich tổ chức.

Ngoài Chủ nghĩa tối cao, cô còn làm việc trong các thể loại tiên phong khác, tham gia thiết kế các buổi biểu diễn sân khấu theo phong cách kiến ​​tạo, và làm nhà thiết kế. Hiện tại, anh được coi là một trong những đại diện sáng giá nhất của nền tiên phong Nga. Bà chết vì bệnh ban đỏ vào năm 1924. Cô được chôn cất tại nghĩa trang Vagankovskoye.

Bạn cần chuyển đồ từ nơi này đến nơi khác một cách nhanh chóng và hiệu quả? Dịch vụ chuyển phát nhanh Meteor sẽ có thể giúp bạn điều này. Những người thợ có tay nghề cao sẽ thực hiện công việc vận chuyển của mình ở mức cao nhất.

Lyubov Popova

Tạp hóa

Kiến trúc đẹp như tranh vẽ

Cảnh quan thành phố khối

Thành phần tuyến tính

Tĩnh vật với khay

Câu hỏi viết tắt trên bìa tạp chí

Chân dung triết gia

Varvara Stepanova tại nơi làm việc. 1924 năm Hình ảnh di sản / Bộ sưu tập mỹ thuật Hulton / Hình ảnh Getty

Năm 1922, sau ba năm gián đoạn, Nhà máy Bông in đầu tiên bắt đầu hoạt động tại Mátxcơva (nhà máy của liên danh "Emil Tsindel", được quốc hữu hóa năm 1918). Trong khi tung ra các sản phẩm mới - chintz, xe đạp và mạng che mặt - nhà máy phải đối mặt với một vấn đề về hệ tư tưởng: các loại vải vẫn được sản xuất theo bản phác thảo của các tạp chí phương Tây. Nhà máy bắt đầu thử nghiệm của riêng mình với sọc đen và trắng. Kết quả vượt quá mong đợi, các loại vải đã thành công, nhưng việc thiếu chủng loại đã dẫn đến tình trạng sản xuất quá mức và nhu cầu về nguyên liệu tiếp tục giảm.

Ban lãnh đạo công ty quyết định mời các nghệ sĩ thiết kế của bên thứ ba để mở rộng phạm vi sản phẩm. Tuy nhiên, những sinh viên được mời của Vkhutemas hóa ra lại không được chuẩn bị cho công việc sản xuất; rồi họ tìm cách tìm đến các nghệ sĩ đáng kính Pavel Kuznetsov và Aristarkh Lentulov, nhưng người đầu tiên đòi giá quá cao, người thứ hai yêu cầu phải có chữ ký của ông trên từng mét vải.

Ban quản lý xưởng in không còn cách nào khác ngoài việc đăng trên Pravda một bài báo kêu gọi các nghệ sĩ. Lyubov Popova, Varvara Stepanova và Alexander Rodchenko đã phản hồi lại quảng cáo. Đối với cả ba nghệ sĩ tiên phong, đây là cơ hội để tuân thủ quy luật kiến ​​tạo - từ chối “nghệ thuật vì nghệ thuật”, từ nay nghệ thuật là để phục vụ sản xuất, và sản xuất - phục vụ con người. Và nếu Rodchenko chỉ thử sức mình trong một lĩnh vực mới, thì đối với Stepanova và Popova, việc làm với vải đã trở thành một trong những công đoạn quan trọng quyết định bộ mặt nghệ thuật của họ.

Năm 1924, Stepanova và Popova bắt đầu "làm quen với công nghệ hiện đại" tại nhà máy và trong khi cố gắng bước vào quy trình sản xuất kỹ hơn, các công nhân sản xuất đã vấp phải sự khó hiểu và ngạc nhiên: "Tốt hơn là hãy đến viện bảo tàng, bạn không có gì để làm với doanh nghiệp của bạn. "

Tuy nhiên, với sự hỗ trợ của ban giám đốc nghệ sĩ, họ bắt đầu làm việc. Trong vòng chưa đầy một năm (vào tháng 5 năm 1924, Lyubov Popova qua đời), hàng trăm món đồ trang trí đã được tạo ra theo tinh thần kiến ​​tạo tốt nhất: hình dạng hình học đơn giản, màu sắc tương phản, cấu trúc nhịp nhàng rõ ràng. Khoảng 20 bản phác thảo đã được chọn để sản xuất.

Lefov đồng nghiệp Lef (Mặt trận bên trái của nghệ thuật)- một hiệp hội sáng tạo tồn tại trong những năm 1922-1928 ở Moscow, Odessa và các thành phố khác của Liên Xô.đã rất vui mừng và coi Popova và Stepanova là những công nhân sản xuất đầy nhiệt huyết, những người chiến đấu cho những ý tưởng xây dựng cuộc sống. Một số bản phác thảo dệt may thậm chí còn được chọn cho Triển lãm Quốc tế Paris năm 1925 về Nghệ thuật Trang trí và Các ngành Nghệ thuật. Alexander Rodchenko, người đã có mặt tại Paris trong buổi triển lãm với tư cách là người thiết kế gian hàng Liên Xô, viết cho Stepanova về các bản phác thảo được chọn cho triển lãm: "... hàng dệt trong các bức vẽ của Lyubov Popova là 60, còn của bạn là 4. Chà, không có gì . "

Số thứ hai của tạp chí Lef vào năm 1924, trong một tài liệu dành riêng để tưởng nhớ Lyubov Popova, cho biết: “Popova bắt đầu sự nghiệp nghệ thuật của mình với bức tranh giá vẽ. Tôi đã tạo ra những bức tranh. Và khi tôi nhận ra rằng không cần phải làm tranh, những cách sáng tạo nghệ thuật mới đã mở ra, tôi bỏ việc vẽ tranh, ném nó đi một lần và mãi mãi, không mảy may nghĩ đến việc sẽ quay trở lại nghề thẩm mỹ tư sản này. “Để đoán” một sitchik hấp dẫn cô ấy không gì sánh được hơn là “làm hài lòng” những quý ông có gu thẩm mỹ từ nghệ thuật thuần túy ”.

Bìa tạp chí "Lef" số 2 (6) năm 1924

Varvara Stepanova bị buộc phải ngừng sản xuất vào năm 1926
vì mong muốn của ban quản lý "có 'cỏ', chứ không phải các bản vẽ gia công bằng hình học."

Gần bốn mươi năm sau, khi nhắc lại Stepanova và Popova, tạp chí "Nghệ thuật trang trí của Liên Xô" năm 1963 ghi nhận các thí nghiệm dệt năm 1924: "Vào mùa hè, trong" Đại hội các quốc gia "ở Mátxcơva, tất cả các loại vải đã được bán hết" cho arshin ”theo kiểu dáng mới. Các đại diện của Tatarstan và Uzbekistan đã đặt hàng các toa xe của nhà máy sản xuất, tìm thấy trong màu sắc của những loại vải này một tiếng vang về ý tưởng làm đẹp của họ. "

Các sinh viên trong trang phục thể thao do Stepanova thiết kế. Ảnh của Alexander Rodchenko. 1924 năm© Hình ảnh Di sản / Bộ sưu tập Mỹ thuật Hulton / Hình ảnh Getty

Bản phác thảo bộ đồ thể thao do Stepanova làm mẫu. 1923 năm© Tạp chí "Lef"

Ruột thừa. Một bài báo của Varvara Stepanova trên tạp chí Lef số 2 năm 1923 “Bộ quần áo ngày nay là một chiếc quần yếm”, trong đó nghệ sĩ đề xuất thay thế trang trí và tô điểm bằng sự tiện lợi và hiệu quả của các chức năng sản xuất.

“Thời trang phản ánh tâm lý cuộc sống hàng ngày, thói quen, gu thẩm mỹ, nhường chỗ cho trang phục được tổ chức cho công việc trong các ngành lao động khác nhau, cho một hành động xã hội nhất định, trang phục chỉ thể hiện trong quá trình làm việc trong đó, không đại diện cho cuộc sống hiện thực. có giá trị tự cung tự cấp, một loại “tác phẩm nghệ thuật” đặc biệt.

Trong đó, điểm quan trọng nhất là phần kết cấu của nó (xử lý vật liệu), tức là phần thực hiện. Đưa ra một dự án về một bộ trang phục được thiết kế khéo léo, tiện lợi là chưa đủ - bạn cần phải thực hiện nó và thể hiện nó trong công việc của bạn; chỉ khi đó chúng ta mới thấy và có ý tưởng về nó. Cửa sổ cửa hàng với các mô hình trang phục trên hình nộm bằng sáp được trưng bày trong đó trở thành một di tích thẩm mỹ. Trang phục ngày nay phải được nhìn thấy trong hành động, không có trang phục bên ngoài nó, giống như một cỗ máy vô nghĩa bên ngoài công việc nó tạo ra.

Toàn bộ khía cạnh trang trí và tô điểm của quần áo bị phá hủy bởi khẩu hiệu: "sự tiện lợi và phù hợp của trang phục đối với một chức năng sản xuất nhất định." Tuy nhiên, loại thứ hai đòi hỏi phải kiểm tra hàng loạt lượng tiêu thụ của nó, và trang phục từ các hình thức sản xuất thủ công của nó phải chuyển sang sản xuất hàng loạt công nghiệp. Bởi vậy, trang phục mất đi ý nghĩa “tư tưởng”, trở thành một bộ phận của văn hóa vật chất.

Sự phụ thuộc của sự phát triển của bộ quần áo vào sự phát triển của ngành công nghiệp là không thể phủ nhận, và chỉ ngày nay, với tình trạng công nghệ và công nghiệp như vậy, bộ quần áo của phi công, người lái xe, tạp dề an toàn lao động, ủng bóng đá, áo khoác chống thấm nước và quân đội áo khoác có thể xuất hiện. Để tổ chức một trang phục hợp thời, người ta phải đi từ nhiệm vụ đến thiết kế vật liệu của nó. Từ đặc điểm của công việc mà nó dự định đến hệ thống cắt.

Thay thế các yếu tố thẩm mỹ bằng chính quá trình sản xuất may bộ đồ đó. Hãy để tôi giải thích: không đính trang sức vào trang phục, nhưng chính các đường may, những thứ cần thiết trong đường cắt, sẽ tạo cho trang phục một hình dạng. Hãy phơi bày các cách may một bộ quần áo, cách thắt nút của nó, v.v., vì tất cả đều rõ ràng và có thể nhìn thấy toàn bộ máy. Không còn những đường may thủ công mù quáng nữa, có một đường khâu bằng máy may công nghiệp, công nghiệp hóa việc sản xuất một bộ quần áo và tước đi những bí mật về sự quyến rũ của công việc thợ may thủ công cá nhân. Và hình thức, tức là toàn bộ diện mạo của trang phục, sẽ không trở thành một hình thức tùy ý, mà là một hình thức xuất hiện từ yêu cầu của nhiệm vụ và việc thực hiện nó.

Quần áo hiện đại được chia thành hai phần - quần yếm - trang phục lao động khác nhau cả về nghề nghiệp và sản xuất. Điều này, một mặt, phổ cập quần áo và đồng thời mang lại cho chúng một nét riêng. Ví dụ: bộ quần áo của người lái xe có một nguyên tắc chung trong thiết kế cắt - bảo vệ khỏi khả năng bị va vào máy.

Tùy thuộc vào tính chất sản xuất - cho dù đó là bộ đồ cho thợ máy trong nhà in, đầu máy hơi nước hay nhà máy kim loại - các đặc điểm riêng lẻ được đưa vào lựa chọn vật liệu và chi tiết của đường cắt, giữ nguyên sơ đồ chung.

Tiếp theo - bộ đồ của một kỹ sư thiết kế, thực hành; một đặc điểm chung là sự hiện diện của một số lượng lớn các túi, nhưng tùy thuộc vào đặc điểm của dụng cụ đo lường mà anh ta sử dụng trong công việc của mình - cho dù anh ta là thợ mộc, công nhân dệt, nhà thiết kế máy bay, thợ xây dựng hay công nhân kim loại - kích thước, hình dạng và phân phối túi khi thay quần áo.

Một vị trí đặc biệt trong quần yếm bị chiếm bởi quần yếm, có những yêu cầu cụ thể chính xác hơn và một số phần cứng trong bộ quần áo. Đây là trang phục của bác sĩ phẫu thuật, phi công, công nhân tại một nhà máy axit, lính cứu hỏa, bộ đồ cho các cuộc thám hiểm vùng cực, v.v. Trang phục thể thao tuân theo tất cả các yêu cầu cơ bản của đồng phục và được sửa đổi tùy thuộc vào tính chất của môn thể thao bóng đá, trượt tuyết, chèo thuyền, đấm bốc hoặc tập thể dục.

Một đặc điểm của bất kỳ bộ quần áo thể thao nào là bắt buộc phải có các đặc điểm khác biệt rõ ràng trong bộ quần áo của đội này với đội khác dưới dạng dấu hiệu, biểu tượng hoặc hình dạng và màu sắc của bộ quần áo đó. Trong trường hợp này, màu sắc của bộ quần áo là một trong những yếu tố hiệu quả nhất, vì các sự kiện thể thao diễn ra trong không gian rộng và các sự kiện thể thao trình diễn - với số lượng khán giả khổng lồ. Người xem thường không thể phân biệt được những người tham gia bằng cách cắt trang phục và đối với bản thân người tham gia, việc nhận ra đối tác của bạn theo màu sắc nhanh hơn không thể so sánh được.

Hình dạng của một bộ quần áo thể thao nên có sự kết hợp màu sắc nhất định. Yêu cầu chính đối với việc cắt may quần áo thể thao cho tất cả các môn thể thao là trang phục tối thiểu và dễ mặc cũng như mặc nó. "

Sinh ngày 6 tháng 5 năm 1889 tại làng Ivanovskoye, Vùng Matxcova. Cha cô là một doanh nhân thành đạt. Những bài học đầu tiên về nghệ thuật hội họa Popova được một người bạn của gia đình K.M. Orlov. Năm 1906 Popova chuyển đến Moscow. Kể từ thời điểm đó, cô thường xuyên đi học hội họa. Lyubov đã học ở nhiều studio nghệ thuật: trong studio của V.E. Tatlina, A. Le-Fauconnier, K.F. Yuona, S.Yu. Zhukovsky. Trong thời gian này, nghệ sĩ tham vọng đi du lịch rất nhiều nơi, thăm các thành phố ở Nga và châu Âu. Năm 1910, nghệ sĩ sống và làm việc tại Ý, tiếp tục theo học các bài học, sau đó cô đến Paris.

Trong công việc của mình, Popova đã trải qua nhiều giai đoạn, mở đường từ Chủ nghĩa Cezanne đến Chủ nghĩa Lập thể và Chủ nghĩa Vị lai. Vào một thời kỳ nhất định, nghệ sĩ trở thành thành viên của nhóm Spremus, do Kazimir Malevich tổ chức. Lúc này, Chủ nghĩa tối cao có sức hấp dẫn đặc biệt với cô. Cùng với các thành viên khác của nhóm, Popova làm việc tại các làng Skoptsy và Verbovka. Popova tích cực tham gia các cuộc triển lãm khác nhau.

Những bức tranh ban đầu của cô được thực hiện theo truyền thống của chủ nghĩa lập thể phân tích và chủ nghĩa giả tạo. Sau đó, nghệ sĩ sẽ rời xa phong cách này, thích chủ nghĩa lập thể-tương lai năng động hơn và chủ nghĩa lập thể tổng hợp. Các tác phẩm "Chân dung nhà triết học", "Con người + Không khí + Không gian" thuộc thời kỳ này. Thế giới trong nhận thức của Popova là một tĩnh vật khổng lồ. Cô ấy đã cố gắng chuyển bức tranh tĩnh vật này sang một tấm đồ họa hoặc canvas. Người nghệ sĩ đặc biệt chú ý đến ý nghĩa của âm thanh của màu sắc. Theo nghĩa này, chu trình "Kiến trúc đẹp như tranh vẽ" của cô ấy là rất quan trọng. Ông được phân biệt với các tác phẩm của Malevich bởi sự đa dạng của nhịp điệu đầy màu sắc.

Vào những năm hai mươi, Popova rời xa hội họa một chút, chuyển sang vẽ phong cảnh. Cô tham gia thiết kế các vở diễn "The Tale of the Priest and His Worker Balda", "The Chancellor and the Locksmith". Popova làm việc theo phong cách Art Deco, kết hợp giữa truyền thống của người tiên phong và hiện đại. Cô cũng tham gia thiết kế các buổi biểu diễn "The Earth on End" và "The Magnanimous Cuckold", được dàn dựng tại Nhà hát Meyerhold.

Popova cũng chú ý đến việc giảng dạy. Từ năm 1920, bà làm việc tại Vkhutemas và Viện Văn hóa Nghệ thuật.

Một loạt các động cơ được hòa quyện vào nhau một cách hài hòa trong công việc của người nghệ sĩ. Chủ nghĩa lập thể, mà cô gặp ở Paris, đã hợp nhất một cách kỳ lạ với xu hướng tự nhiên của thời kỳ Phục hưng và biểu tượng của Nga. Ngay cả những tác phẩm không khách quan của nghệ sĩ cũng phản ánh phong cách cổ điển. Đây cũng là đặc điểm của “công trình sức mạnh không gian”, “công trình đẹp như tranh vẽ”. Truyền thống của các tác phẩm kinh điển không biến mất khỏi các tác phẩm của Popova ngay cả khi cô tham gia sản xuất vải, rời khỏi hội họa.

Hình ảnh của nghệ sĩ Popova L.S.

Pakhomova Anna Valerievna - Giáo sư của Học viện Công nghiệp và Nghệ thuật Matxcova mang tên SG Stroganova, Tiến sĩ văn hóa học, người dẫn chương trình thường trực của chuyên mục "Thời trang và Chúng tôi" trên tạp chí Studio D'Anturage, cộng tác với tạp chí Atelier và Fashion Industry, một chuyên gia thiết kế của Liên hiệp các nhà thiết kế Moscow, một thành viên của Quỹ Nghệ thuật Quốc tế, thành viên của Hiệp hội Nhà văn và Nhà xuất bản Quốc tế.

Trong những năm sau cách mạng, trong số các nghệ sĩ áp dụng chế độ mới, một cuộc tìm kiếm một "nghệ thuật mới" đã bắt đầu. Với sự phủ nhận của những người vô sản và tiểu tư sản đại diện cho mọi thứ liên quan đến những người bị lật đổ và, như họ muốn nghĩ, nền văn hóa quá khứ, cần phải đưa ra một cái gì đó thay thế "... chúng ta sẽ hủy diệt thế giới cũ xuống đất , và sau đó, chúng tôi sẽ xây dựng thế giới mới của mình ... ”. Sự phản đối này là hiện tại nảy sinh trên cơ sở các tìm kiếm sáng tạo của một số nghệ sĩ sáng tạo nổi tiếng.

E. Lissitzky. Nhạc viện Nhân dân. Bản thảo bảng quảng cáo, 1919-1920

A. Exter. Bản phác thảo rèm cho Nhà hát Buồng, 1920

Nhiều nghệ sĩ thuộc về phương hướng đã được mệnh danh trong những năm đó, "Người tiên phong của Nga". Goncharova, Larionov, David Burliuk, Lisitsky, Malevich, Popova, Rodchenko, Rozanova, Stepanova, Tatlin, Filonov, Exter và Yakulov - những ý tưởng và hoạt động của họ đã thay đổi quá trình phát triển của nghệ thuật Nga trong những thập kỷ đầu tiên của thế kỷ XX. Người tiên phong đại diện cho một số hướng đối lập - Goncharova và Larionov là những người ủng hộ và ở nhiều khía cạnh là những người sáng tạo ra chủ nghĩa Rayonism và chủ nghĩa tân nguyên thủy, Filonov bảo vệ hệ thống nghệ thuật phân tích, Lisitsky và Malevich - Chủ nghĩa siêu đẳng, Rodchenko, Popova, Alexander Vesnin và Stenberg anh em là đại diện của những ý tưởng kiến ​​tạo. Theo quy luật, những nghệ sĩ này không bị ràng buộc bởi tình bạn, nhưng họ đều tin tưởng vô hạn vào nghệ thuật mới. Lissitzky, Malevich và Filonov thường coi nghệ thuật của họ là cánh chung, thuyết phục những người xung quanh rằng “Chủ nghĩa Lập thể và Chủ nghĩa Vị lai là những phong trào cách mạng trong nghệ thuật, đã ngăn cản cả cuộc cách mạng trong đời sống kinh tế và chính trị năm 1917”. Họ tin rằng thế giới cũ nên bị phá hủy, và nền văn minh mới nên được thiết kế và xây dựng. Như chúng ta đã biết, phạm vi sáng tạo của Lissitzky rất rộng và lĩnh vực hoạt động nghệ thuật của ông bao gồm các thử nghiệm về hội họa, kiến ​​trúc, và tất nhiên, không thể tránh khỏi cám dỗ khi thử sức với không gian sân khấu.

Vở opera "Victory over the Sun" có thể được xem là biểu tượng của niềm tin này. “Thật tiếc khi mười bức tượng nhỏ của Lissitzky cho Chiến thắng trên Mặt trời đã không được sử dụng trong dàn dựng vở opera! Những bộ trang phục như "The Old Man" và "Concerned" mang tính sân khấu sâu sắc và không kém phần tuyệt vời so với bản phác thảo của Benoit cho "Petrushka". Điều chính trong trang phục của Lissitzky là phá hủy trục trung tâm và nhấn mạnh các nguyên tắc bất hòa, bất đối xứng và rối loạn nhịp tim. Các hình không có một tiêu điểm, mà là nhiều; chúng mở ra trước mắt người xem không phải từ hai phía, mà từ nhiều phía; trọng lực không ảnh hưởng đến chúng, chúng dường như lơ lửng trong không gian. Vi phạm ý tưởng thông thường của chúng ta về không gian, Lissitzky phá hủy sự cân bằng của chúng ta, khiến chúng ta “quay tròn như một hành tinh” xung quanh hình vẽ ”. John Boult cho rằng những con rối của Lissitzky là một ứng dụng thông minh của lý thuyết PRUN của ông (một bản nháp của một cái mới). Nhưng chính nghệ sĩ đã nói gì về PROUN của mình: “PROUN là công trình sáng tạo của một hình thức (dựa trên việc làm chủ không gian) với sự trợ giúp của một thiết kế tiết kiệm vật liệu được sử dụng. Nhiệm vụ của PROUN là chuyển động từng bước trên con đường sáng tạo cụ thể, chứ không phải là sự biện minh, giải thích hay phổ biến cho cuộc sống. "

E. Lissitzky. Thiết kế cho vở opera "Victory over the Sun" (lời AE Kruchenykh, nhạc của MV Matyushin).

E. Lissitzky.

E. Lissitzky. Thiết kế cho vở opera "Chiến thắng mặt trời"

E. Lissitzky. Thiết kế cho vở opera "Chiến thắng mặt trời"

E. Lissitzky. Thiết kế cho vở opera "Chiến thắng mặt trời"

Chệch khỏi trục truyền thống, sự vi phạm của nó trong một tác phẩm nghệ thuật là một khái niệm cơ bản cho sự phát triển của nghệ thuật tiên phong Nga. Như là sự thay đổi trong những năm trước Chiến tranh thế giới thứ nhất là đặc trưng của tất cả các môn nghệ thuật. Cách nhìn nhận mọi thứ thông thường đã thay đổi. Bây giờ một người đã không đọc bức tranh, như trong thế kỷ 19. Anh ấy được yêu cầu phải nhìn cô ấy như một sự kết hợp của màu sắc, hình dạng và kết cấu. Các nhà soạn nhạc tin rằng âm nhạc không nên phục vụ xã hội và tôn giáo nữa, họ chuyển sang các nguyên tắc trừu tượng. Các nhà thơ không còn viết thơ tình cảm hay đạo đức nữa. Bài thơ đã chữa lành như một thử nghiệm độc lập về âm thanh và nhịp điệu. Tất nhiên, chúng ta đang nói về những tín đồ của một xu hướng mới. Các nhà thiết kế đồ họa tiên phong của Nga cũng đang tích cực tìm kiếm, phạm vi của họ được mở rộng và bao gồm cả không gian sân khấu, nơi, ngoài tính tượng hình, cử chỉ và âm thanh cũng có liên quan. Nhà hát Tairov Chamber đã giúp họ rất nhiều trong cuộc tìm kiếm này.

A. Exter. Màn trình diễn "Famira và Kifared", năm 1916.

Trái: bản phác thảo của một bộ trang phụcvũ công trong bộ áo dài. Đúng: uhBản phác thảo trang phục Bacchante

A. Exter. VỚI chơi "Ghost Lady", năm 1924.

Còn lại: uh Phác thảo một bộ quần áo của một người phụ nữ mặc váy với quả sung. Phải: phác thảo trang phục của phụ nữ với một cái quạt.

Còn lại: A. Exter. VỚI chơi "The Ghost Lady", 1924. Phác thảo bộ quần áo của một người đàn ông với những đường viền.

Đúng: A. Exter. Thiết kế trang phục của Aelita cho bộ phim "Aelita", 1924

Năm 1914, Alexandra Exter, một trong những nhà thiết kế đồ họa hàng đầu của Nga, trở về từ Paris. Cô sẵn sàng chấp nhận lời mời của Tairov để làm việc tại Nhà hát Buồng. Tairov tin rằng cô ấy là "một nghệ sĩ có sự nhạy cảm đặc biệt", "ngay từ những bước đầu tiên, cô ấy đã khám phá ra một cảm nhận tuyệt vời về yếu tố hiệu quả của nhà hát."

Họ cùng nhau tạo ra một số buổi biểu diễn: đầu tiên là Famira và Kifared (1916), sau đó là Salome (1917), Romeo và Juliet và Cái chết của Tarelkin (1921), nhưng sau đó không được thực hiện. Đặc điểm chính trong cách tiếp cận theo kiểu nhà hát của Exter là ông tập trung vào việc tổ chức nhịp nhàng của không gian. Cô ấy không chỉ sử dụng phương pháp này trong các tác phẩm sân khấu. Nhưng cũng trong tác phẩm về bộ sưu tập các con rối (cùng với N. Shmushkovich, 1926), trong việc trang trí căn hộ ở Berlin của vũ công nổi tiếng Elsa Kruger (1927) và các dự án nghệ thuật khác, như người ta thường nói ngày nay, nhưng công trình vĩ đại nhất là thiết kế phim của Y. Protazanov "Aelita" (1924).

A. Exter. Bản phác thảo thiết kế sân khấu cho vòng quay. C. Năm 1925

A. Exter. Bản phác thảo thiết kế sân khấu cho vở kịch câm của Tây Ban Nha. C. Năm 1925

A. Exter. Phác thảo trang trí cảnh đấu tay đôi trong vở kịch "Othello". C. 1927

A. Exter. Bản phác thảo ánh sáng cho bi kịch. C. 1927

A. Exter. Bản phác thảo ánh sáng sân khấu với hai vũ công cầm vòng. C. 1927

Một nhóm phụ nữ - những nghệ sĩ đã làm việc trong thời kỳ đó (một chút về một người đã được mô tả ở trên), theo phong tục được gọi là "Amazons của những người tiên phong của Nga." Một đại diện nổi bật khác của cộng đồng sáng tạo này là Lyubov Popova. Chính cô ấy, trong số những người khác, được Meyerhold đánh giá cao và đánh giá cao. Vào tháng 9 năm 1921, ông đến thăm triển lãm tập thể "5x5 = 25", tại đó 5 nghệ sĩ tiên phong (Alexander Vesnin, Popova, Rodchenko, Stepanova và Exter) trình bày năm tác phẩm mỗi người. Giám đốc ngay lập tức nhận ra rằng có thể áp dụng hình thức làm việc này trong thiết kế không gian sân khấu. Để thực hiện kế hoạch của mình, anh đã chọn Popova, người trong một thời gian khá ngắn đã phát triển một ý tưởng thú vị cho việc thiết kế vở kịch dựa trên trò hề của Fernand Crommelinck về người thợ xay xui xẻo liên tục bị vợ anh lừa dối, "The Magnanimous Cuckold" (Meyerhold dàn dựng trên Ngày 25 tháng 4 năm 1922). “Vào buổi tối của buổi biểu diễn đầu tiên của The Magnanimous Cuckold, Muscovites, người đã lấp đầy sảnh khó chịu của nhà hát ở Sadovaya 20, đã nhìn thấy trên một sân khấu khỏa thân hoàn toàn, không có rèm che, phông nền, cổng và đoạn đường nối, một cỗ máy bằng gỗ trông kỳ lạ- kết cấu. Nó được lắp ráp dưới dạng một loại cối xay và là sự kết hợp của bệ, cầu thang, mái dốc, cửa quay và bánh xe quay. Bản thân chiếc máy không đại diện cho bất cứ điều gì. Nó chỉ đóng vai trò như một giá đỡ, một thiết bị để hoạt động - một thứ giống như một sự kết hợp phức tạp của những chiếc xe đạp hình thang, những chiếc máy tập thể dục dụng cụ. " Mặc dù có những đánh giá như vậy và thực tế là Meyerhold và Popova không coi màn trình diễn này là một mô hình, nhưng nó (màn trình diễn) đã ảnh hưởng đến nhiều quyết định về sân khấu của những năm 1920, bao gồm cả thiết kế vở kịch “Death of Tarelkin” của Stepanova, thiết kế của A. Vesnin “ Người đàn ông thứ năm ”(1923).

Đúng: A. Vesnin. Bản phác thảo trang bìa của chương trình với hình. Phaedra (A. G. Koonen) và Theseus (K. V. Eggert) cho vở kịch "Phaedra", 1922

V. Stepanov. Playbill cho vở kịch "Cái chết của Tarelkin". Năm 1922. Phác thảo cho áp phích được dành riêng cho Vs. Meyerhold

Lyubov Popova. Chơi

Còn lại: uh phác thảo trang phục của Balda. Ở bên phải: NS Phác thảo trang phục chiến lợi phẩm

Lyubov Popova. Chơi"Câu chuyện về linh mục và công nhân Balda", năm 1919.

Còn lại: uh Phác thảo trang phục của Baldy trong một chiếc mũ. Ở bên phải: NS Bản phác thảo trang phục ma quỷ

L. Popova. ChơiThe Chancellor and the Locksmith, 1921.

Còn lại: uh phác thảo trang phục của một phụ nữ trong chiếc mũ trùm đầu màu xanh. Đúng: uhPhác thảo của một người đàn ông mặc đồ màu xanh lá cây

N. Goncharova. Đặt thiết kế cho tiết mục đầu tiên của vở opera-ballet "The Golden Cockerel", năm 1914

“Phát hiện” này của Popova đã thu hút cả những lời khen ngợi và những lời chỉ trích gay gắt. Chẳng hạn, sau buổi biểu diễn, I. Sokolov đã viết: "... khó có thể tưởng tượng được thứ gì thô tục, thô kệch và vô vị hơn những bánh xe quay đỏ đen do linh mục" Cuckold "thiết kế, làm tăng cảm xúc ghen tị hoặc tính khiêu gợi. "

“Nhiều nghệ sĩ, nhà thơ và nhà làm phim Nga đã cố tình đưa các loại hình nghệ thuật“ thô tục ”lên vị trí hàng đầu trong hệ thống phân cấp nghệ thuật trong những năm đầu tiên của thế kỷ XX. Họ muốn loại bỏ sự giả dối, như đối với họ, vầng hào quang khỏi những phong cách truyền thống “từ bỏ Pushkin, Dostoevsky, Tolstoy và những người khác. và như thế. Vân vân. từ Steamer of the Present ”. Nghe có vẻ hoàn toàn điên rồ - thách thức Raphael làm bảng chỉ dẫn và thay Verdi bằng "Wampuka".

Cho dù chúng ta có thích sự thay đổi này hay không, các nghệ sĩ tiên phong của Nga đã ảnh hưởng đến sự phát triển hơn nữa của nhà hát, đặc biệt là nghệ thuật sân khấu và trang trí. Đến cuối những năm 30. "Thử nghiệm vĩ đại" gần như bị lãng quên. Ilya Shlepyanov đã viết vào năm 1938 rằng “Các nhà hát ở Moscow< …>bây giờ trông giống như một loạt các tàu thông nhau - mực nước là như nhau. "

Trong lời tựa cuốn sách “Các nghệ sĩ của Nhà hát Nga” John Boult viết: “May mắn thay, các nghệ sĩ tài năng của thế hệ mới, chẳng hạn như Sergei Barkhin, Eduard Kochergin, Valery Leventhal và Enar Stenberg, đã khôi phục mối liên kết sáng tạo với những truyền thống vĩ đại của đầu thế kỷ,<…>bằng cách khám phá lại những thành tựu nghệ thuật, văn học và âm nhạc của thời kỳ chủ nghĩa hiện đại, chúng trở nên linh hoạt hơn, có xu hướng thử nghiệm ”.

Còn lại: Anat. Petritsky. Phác thảo cho trang phục của Medora cho vở ba lê Le Corsaire, 1926

Phải: L. Popova. Trang phục phụ nữ trong vở kịch "Priest Tarquinius", 1922

N. Goncharova. NS alet "Phụng vụ", 1915.

Còn lại: uh Phác thảo trang phục của thầy phù thủy. Phải: phác thảo trang phục của St. Petra

N. Goncharova. NS alet "Phụng vụ", 1915.

Còn lại: uh phác thảo trang phục của Chúa Kitô. Phải: phác thảo trang phục của St. Nhãn hiệu

Ở phần cuối của bài viết này, tôi sẽ nói thêm rằng ngay cả các nghệ sĩ trẻ ngày nay cũng khá thường xuyên sử dụng các phương tiện biểu đạt nghệ thuật đặc trưng của nghệ thuật tiên phong. Tôi tình cờ bảo vệ bằng tốt nghiệp của các nghệ sĩ do Trường Sân khấu Nghệ thuật Mátxcơva cấp và, ví dụ, trong đợt tốt nghiệp năm ngoái, 2/3 số văn bằng tốt nghiệp được quyết định hoàn toàn hoặc rời rạc theo kiểu tiên phong. Những giải pháp nghệ thuật như vậy đã có mặt cả trong bản phác thảo trang phục và bản vẽ phong cảnh.

Eschatology - (từ tiếng Hy Lạp eschatos - cực đoan, cuối cùng và biểu tượng - học thuyết) (tôn giáo lịch sử). Trong các tôn giáo khác nhau - giảng dạy, ý tưởng về ngày tận thế, số phận cuối cùng của nhân loại, về cái gọi là. thế giới bên kia, v.v ... Tiên thể học của người Do Thái. Cánh chung của Cơ đốc giáo.

Malevich K. Về những hệ thống mới trong nghệ thuật. Vitebsk, 1919, trang 10

Lissitsky Lazar Markovich (Mordukhovich) - 10 tháng 11 (22), 1890 - 30 tháng 12 năm 1941.

El Lissitzky. Chủ nghĩa tối cao và tái tạo thế giới. (bằng tiếng Anh) London, 1968.S. 328

El Lissitzky. Tóm tắt về Proun (từ hội họa đến kiến ​​trúc). 1920. Trích dẫn. theo sách: Bậc thầy kiến ​​trúc Xô Viết về kiến ​​trúc. M., 1975, tập 2. Trang 133 - 134.

Tairov A.Ya. Ghi chú của Giám đốc. Các bài báo, cuộc trò chuyện, bài phát biểu, thư. M., 1970.S. 163

Yelagin Y. Thiên tài hắc ám. New York, 1955.S. 248-249.

Sokolov I. Thuyết kiến ​​tạo sân khấu. (Nhà hát Buồng). - "Sân khấu và Âm nhạc", 1922, ngày 19 tháng 12, số 12. P.288

Từ những người theo chủ nghĩa tương lai tuyên ngôn "Tát vào mặt cho vị công chúng". M., 1912, trang 3.

"Vampuka - Cô dâu châu Phi", cái gọi là "Vở opera kiểu mẫu trong hai màn" của V. Ehrenberg, libretto của M.N. Volkonsky, được dàn dựng trong "Crooked Mirror" ở St.Petersburg, "Vampuka" năm 1909 trở thành đồng nghĩa với thói quen opera và sở thích tồi.

Tiêu đề của ấn bản đầu tiên của nghiên cứu ấn tượng của Camilla Gray về người tiên phong của Nga.

Ilya Shlepyanov. Ed. B. Graeva. M., 1969.S. 22

Các nghệ sĩ sân khấu Nga 1880-1930. Văn bản của Jlna Boult. M., 1991.S. 63