Tretjakovi õppetunnid: Renessansi maalikunst. Vararenessansi kunstnikud Vene renessansi kunstnikud

7. august 2014

Õpilased kunstiülikoolid ja kunstiajaloo huvilised teavad, et 14.-15. sajandi vahetusel toimus maalikunstis järsk muutus - renessanss. Umbes 1420ndatel muutusid kõik järsku joonistamises palju paremaks. Miks muutusid kujutised ühtäkki nii realistlikuks ja detailseks ning miks ilmusid maalidele valgus ja maht? Keegi ei mõelnud sellele pikka aega. Kuni David Hockney suurendusklaasi kätte võttis.

Uurime, mida ta avastas...

Ühel päeval vaatas ta 19. sajandi Prantsuse akadeemilise koolkonna juhi Jean Auguste Dominique Ingresi joonistusi. Hockneyl tekkis huvi näha oma väikseid joonistusi suuremas plaanis ja ta suurendas neid koopiamasinal. Nii komistas ta renessansiajastu maalikunsti ajaloo salaküljele.

Olles teinud Ingrese väikestest (umbes 30 sentimeetrit) joonistustest valguskoopiaid, oli Hockney üllatunud, kui realistlikud need olid. Ja talle tundus ka, et Ingrese jooned olid tema jaoks midagi
meelde tuletada. Selgus, et need meenutasid talle Warholi töid. Ja Warhol tegi seda – projitseeris foto lõuendile ja joonistas selle välja.

Vasakul: Ingrese joonise detail. Paremal: Warholi joonistus Mao Zedongist

Huvitav värk, ütleb Hockney. Ilmselt kasutas Ingres Camera Lucidat – seadet, mis kujutab endast prismaga konstruktsiooni, mis monteeritakse näiteks tahvelarvuti aluse külge. Seega näeb kunstnik ühe silmaga oma joonistust vaadates tegelikku pilti ja teisega tegelikku joonistust ja oma kätt. Tulemuseks on optiline illusioon, mis võimaldab tegelikud proportsioonid paberile täpselt üle kanda. Ja see on täpselt pildi realistlikkuse "garantii".

Portree joonistamine kaamera lucida abil, 1807

Siis hakkas Hockney seda "optilist" tüüpi joonistuste ja maalide vastu tõsiselt huvitama. Oma ateljees riputas ta koos meeskonnaga seintele sadu reproduktsioone sajandite jooksul loodud maalidest. Teosed, mis tundusid "päris" ja need, mis mitte. Loomisaja ja piirkonna järgi – ülaosas põhjas, põhjas lõunas – nägi Hockney ja tema meeskond maalikunstis järsku muutust 14.–15. sajandi vahetusel. Üldiselt teavad kõik, kes vähegi kunstiajaloost teavad, seda – renessansi.

Võib-olla kasutasid nad sama kaamera-lucidat? Selle patenteeris 1807. aastal William Hyde Wollaston. Kuigi tegelikult kirjeldas sellist seadet Johannes Kepler juba 1611. aastal oma teoses Dioptrice. Siis äkki kasutasid nad teist optilist seadet – camera obscurat? See on tuntud Aristotelese ajast ja on pime ruum, kuhu valgus siseneb väikese augu kaudu ja nii saadakse pimedas ruumis projektsioon sellest, mis on augu ees, kuid tagurpidi. Kõik oleks hästi, aga pilt, mis saadakse ilma objektiivita aukukaameraga projitseerides, pole pehmelt öeldes kvaliteetne, pole selge, nõuab palju eredat valgust, suurusest rääkimata projektsioonist. Kuid kuni 16. sajandini oli kvaliteetseid läätsi peaaegu võimatu valmistada, kuna sel ajal polnud nii kvaliteetset klaasi saada. Äri, arvas Hockney, kes oli selleks ajaks juba koos füüsik Charles Falcoga hädas.

Küll aga on Brugge meistri Jan Van Eycki maal, flaami maalikunstnik vararenessansi ajastu – millesse on peidetud vihje. Maali nimi on "Arnolfini paari portree".

Jan Van Eyck "Arnolfini paari portree" 1434

Maal lihtsalt hiilgab tohutult detailirohkelt, mis on päris huvitav, sest maaliti alles 1434. aastal. Ja vihje, kuidas autoril õnnestus pildi realistlikkuses nii suur samm edasi teha, on peegel. Ja ka küünlajalg – uskumatult keeruline ja realistlik.

Hockney pakatas uudishimust. Ta sai sellise lühtri koopia ja proovis seda joonistada. Kunstnik seisis silmitsi tõsiasjaga, et nii keerulist asja on raske perspektiivis joonistada. Üks veel oluline punkt seal oli selle metalleseme kujutise materiaalsus. Terasest objekti kujutamisel on väga oluline asetada esiletõstetud kohad võimalikult realistlikult, kuna see annab suurepärase realistlikkuse. Kuid nende esiletõstmiste probleem on see, et need liiguvad, kui vaataja või kunstniku silm liigub, mis tähendab, et neid pole üldse lihtne tabada. Samuti on realistlik pilt metallist ja helkimisest eristav tunnus renessansi maalid, enne seda polnud kunstnikud seda isegi üritanud teha.

Luues uuesti lühtri täpse 3D-mudeli, tagas Hockney meeskond, et Arnolfini portree lühter joonistati täpselt perspektiivis ühe kadumispunktiga. Kuid probleem seisnes selles, et selliseid täpseid optilisi instrumente nagu objektiiviga camera obscura eksisteeris alles umbes sajand pärast maali loomist.

Fragment Jan Van Eycki maalist "Arnolfini paari portree" 1434

Suurendatud fragmendil on näha, et maalil “Arnolfini paari portree” on peegel kumer. See tähendab, et peeglid olid ka vastupidi - nõgusad. Pealegi valmistati neil päevil selliseid peegleid sel viisil - võeti klaasist kera ja selle põhi kaeti hõbedaga, seejärel lõigati kõik peale põhja ära. Peegli tagumine pool ei olnud tumenenud. See tähendab, et Jan Van Eycki nõguspeegel võib olla sama peegel, mis on maalil kujutatud, ainult tagakülg. Ja iga füüsik teab, et selline peegel projitseerib peegeldumisel pildi sellest, mida peegeldub. Siin aitas David Hockneyt arvutuste ja uurimistööga tema sõber füüsik Charles Falco.

Nõgus peegel projitseerib lõuendile aknast väljapoole jääva torni kujutise.

Projektsiooni selge teravustatud osa suurus on ligikaudu 30 ruutsentimeetrit – see on täpselt sama suur kui paljudel renessansiajastu portreedel olevatel peadel.

Hockney visandab mehe projektsiooni lõuendil

Sellises mõõdus on näiteks Giovanni Bellini “Doge Leonardo Loredani” portree (1501), Robert Campini mehe portree (1430), Jan Van Eycki tegelik portree “punases turbanis mees”. ” ja paljud teised varased Hollandi portreed.

Renessansiaegsed portreed

Maalimine oli kõrgelt tasustatud töö ja loomulikult hoiti kõiki ärisaladusi kõige rangemas saladuses. Kunstnikule tuli kasuks, et kõik asjatundmatud inimesed uskusid, et saladused on meistri kätes ja neid ei saa varastada. Äri oli autsaideritele suletud – kunstnikud olid gildi liikmed ja kõige rohkem erinevad meistrid- sadulate tegijatest peeglite valmistajateni. Ja Antwerpenis asutatud ja 1382. aastal esmakordselt mainitud Püha Luuka gildis (siis avati sarnaseid gilde paljudes põhjapoolsetes linnades ja üks suuremaid oli gild Brugge linnas, kus elas Van Eyck) tegutsesid ka peegleid valmistavad meistrid. .

Nii lõi Hockney uuesti, kuidas sai maalida Van Eycki maalilt pärit keerukat lühtrit. Pole sugugi üllatav, et Hockney projitseeritud lühtri suurus ühtib täpselt maalil “Arnolfini paari portree” oleva lühtri suurusega. Ja muidugi metallil esiletõstmised – projektsioonil need seisavad paigal ega muutu, kui kunstnik asendit vahetab.

Kuid probleem pole endiselt täielikult lahendatud, sest kaamera obscura kasutamiseks vajaliku kvaliteetse optika tulekuni oli jäänud 100 aastat ja peegli abil saadud projektsiooni suurus on väga väike. Kuidas pilte maalida suurem suurus 30 ruutsentimeetrit? Need loodi nagu kollaaž – mitmest vaatenurgast oli see nagu sfääriline nägemus paljude kaduvate punktidega. Hockney sai sellest aru, sest ta ise tegi selliseid pilte – ta tegi palju fotokollaaže, mis saavutavad täpselt sama efekti.

Peaaegu sajand hiljem, 1500. aastatel, sai lõpuks võimalikuks klaasi hästi hankida ja töödelda – ilmusid suured läätsed. Ja lõpuks sai need sisestada camera obscurasse, mille tööpõhimõte oli teada juba iidsetest aegadest. Camera obscura objektiiv oli kujutavas kunstis uskumatu revolutsioon, sest projektsioon võis nüüd olla mis tahes suurusega. Ja veel üks asi, nüüd ei olnud pilt “lainurk”, vaid ligikaudu tavalise aspektiga - see tähendab, et see on umbes sama, mis tänapäeval 35-50 mm fookuskaugusega objektiiviga pildistades.

Objektiiviga avakaamera kasutamisel on aga probleemiks see, et objektiivi etteprojektsioon on peegelpilt. See viis selleni suur hulk maalikunsti vasakukäelised optika kasutamise algfaasis. Nagu sellel 1600. aastate maalil Frans Halsi muuseumist, kus tantsib vasakukäeline paar, vasakukäeline vanamees raputab neile näppu ja naise kleidi alla vaatab vasakukäeline ahv.

Kõik sellel pildil on vasakukäelised

Probleem lahendatakse peegli paigaldamisega, millesse lääts on suunatud, saades nii õige projektsiooni. Aga ilmselt hea sile ja suur peegel see maksis palju raha, nii et kõigil seda polnud.

Teine probleem oli keskendumine. Fakt on see, et mõned pildi osad olid lõuendi ühes kohas projektsioonikiirte all fookusest väljas ega selged. Jan Vermeeri töödes, kus optikakasutus on üsna ilmne, näevad tema tööd üldiselt välja nagu fotod, märgata on ka “fookusest väljas” kohti. Näete isegi objektiivi tekitatavat mustrit - kurikuulsat "bokeh". Nagu siin, näiteks maalil “Piimaneitsi” (1658), on korv, selles olev leib ja sinine vaas fookusest väljas. Kuid inimsilm ei näe "fookusest väljas".

Mõned pildi osad on fookusest väljas

Ja kõige selle valguses pole sugugi üllatav, et Jan Vermeeri hea sõber oli Anthony Phillips van Leeuwenhoek, teadlane ja mikrobioloog, aga ka ainulaadne meister, kes lõi oma mikroskoobid ja läätsed. Teadlasest sai kunstniku postuumne korrapidaja. See viitab sellele, et Vermeer kujutas oma sõpra kahel lõuendil - “Geograaf” ja “Astronoom”.

Mis tahes fookuses oleva osa nägemiseks peate muutma lõuendi asukohta projektsioonikiirte all. Kuid sel juhul ilmnesid proportsioonide vead. Nagu näete siit: Parmigianino "Anthea" tohutu õlg (umbes 1537), Anthony Van Dycki "Lady Genovese" väike pea (1626), talupoja tohutud jalad Georges de La Touri maalil. .

Vead proportsioonides

Loomulikult kasutasid kõik kunstnikud objektiive erinevalt. Mõned olid visandite jaoks, mõned olid erinevatest osadest kokku pandud - nüüd oli ju võimalik teha portree ja kõik muu viimistleda mõne teise mudeli või isegi mannekeeniga.

Velazquezist pole peaaegu ühtegi joonistust jäänud. Tema meistriteos jäi aga alles – paavst Innocentius 10. portree (1650). Paavsti mantlil on imeline valgusemäng – ilmselgelt siid. Blikov. Ja et seda kõike ühest vaatenurgast kirja panna, tuli kõvasti vaeva näha. Aga kui teha projektsioon, siis kogu see ilu ei jookse kuhugi – esiletõstmised enam ei liigu, saab maalida nende laiade ja kiirete tõmmetega nagu Velasquezil.

Hockney reprodutseerib Velazquezi maali

Hiljem said paljud kunstnikud endale kaamera obscurat lubada ja see lakkas olemast suur saladus. Canaletto kasutas kaamerat aktiivselt oma Veneetsia vaadete loomisel ega varjanud seda. Need maalid võimaldavad oma täpsuse tõttu rääkida Canalettost kui dokumentalistist. Tänu Canalettole näete enamat kui lihtsalt ilus pilt, aga ka lugu ise. Näete, milline nägi välja esimene Westminsteri sild Londonis 1746. aastal.

Canaletto "Westminsteri sild" 1746

Briti kunstnik Sir Joshua Reynolds omas camera obscurat ja ilmselt ei rääkinud ta sellest kellelegi, sest tema kaamera käib kokku ja näeb välja nagu raamat. Täna asub see Londoni teadusmuuseumis.

Camera obscura, mis on maskeeritud raamatuks

Lõpuks, 19. sajandi alguses, William Henry Fox Talbot, kasutades kaamera lucidat – seda, millesse tuleb ühe silmaga vaadata ja kätega joonistada, otsustas, et selline ebamugavus tuleb üks kord lõpetada. kõik ja temast sai üks keemilise fotograafia leiutajaid ning hiljem selle massiliseks muutnud populariseerija.

Fotograafia leiutamisega kadus maalikunsti monopol pildi realismi suhtes, nüüdseks on fotograafiast saanud monopolist. Ja siin lõpuks vabanes maalikunst objektiivist, jätkates teed, millelt see 1400. aastatel pöördus, ja Van Goghist sai kogu 20. sajandi kunsti eelkäija.

Vasak: Bütsantsi mosaiik 12. sajand. Paremal: Vincent Van Gogh, Monsieur Trabuci portree, 1889.

Fotograafia leiutamine on parim asi, mis maaliga kogu selle ajaloo jooksul juhtus. Enam polnud vaja luua eranditult tõelisi pilte, kunstnik sai vabaks. Muidugi kulus avalikkusel sajand, et jõuda kunstnikele oma arusaamises visuaalsest muusikast ja lõpetada Van Goghi-suguste inimeste arvamine, et nad on hullud. Samal ajal hakkasid kunstnikud fotosid aktiivselt kasutama "viitematerjalina". Siis ilmusid sellised inimesed nagu Wassily Kandinsky, vene avangard, Mark Rothko, Jackson Pollock. Maalikunsti järgides vabastasid end ka arhitektuur, skulptuur ja muusika. Tõsi, vene akadeemiline maalikool on ajas kinni ning tänapäeval peetakse akadeemiates ja koolides fotograafiat abivahendina veel häbiplekiks ning kõrgeimaks vägiteoks peetakse puhttehnilist oskust võimalikult realistlikult maalida. paljaste kätega.

Tänu ajakirjanik Lawrence Weschleri ​​artiklile, kes viibis David Hockney ja Falco uurimistöö ajal, on veel üks huvitav fakt: Van Eycki portree Arnolfini paarist on portree Itaalia kaupmehest Brugges. Härra Arnolfini on firenzelane ja pealegi Medici panga esindaja (renessansiaegsed praktiliselt Firenze meistrid, neid peetakse Itaalias tolleaegse kunsti patroonidena). Mida see tähendab? Asjaolu, et ta oleks hõlpsasti võinud Firenzesse kaasa võtta Püha Luuka gildi saladuse – peegli –, kus, nagu arvatakse, traditsiooniline ajalugu, ja algas renessanss ning Brügge kunstnikke (ja vastavalt ka teisi meistreid) peetakse primitivistideks.

Hockney-Falco teooria ümber on palju vaidlusi. Kuid kindlasti on selles terake tõtt. Mis puutub kunstikriitikutesse, kriitikutesse ja ajaloolastesse, siis on raske isegi ette kujutada, kui paljud ajaloo- ja kunstiteosed osutusid tegelikult täielikuks jaburaks, kuid see muudab kogu kunstiajalugu, kõiki nende teooriaid ja tekste.

Optika kasutamise faktid ei kahanda kuidagi kunstnike andeid – tehnika on ju vahend kunstniku soovi edastamiseks. Ja vastupidi, tõsiasi, et need maalid sisaldavad kõige tõelisemat reaalsust, lisab neile ainult kaalu - ju just sellised nägid välja tolleaegsed inimesed, asjad, ruumid, linnad. Need on tõelised dokumendid.

Renessansiajal toimub palju muutusi ja avastusi. Uuritakse uusi kontinente, areneb kaubandus, leiutatakse olulisi asju, nagu paber, merekompass, püssirohi ja palju muud. Suur tähtsus oli ka muutustel maalikunstis. Renessansi maalid saavutasid tohutu populaarsuse.

Peamised stiilid ja trendid meistrite töödes

See periood oli kunstiajaloo üks viljakamaid. Tänapäeval võib erinevatest kunstikeskustest leida suure hulga silmapaistvate meistrite meistriteoseid. Uuendajad ilmusid Firenzesse 15. sajandi esimesel poolel. Nende renessansiajastu maalid tähistasid kunstiajaloo uue ajastu algust.

Sel ajal on teadus ja kunst väga tihedalt seotud. Kunstnikud ja teadlased püüdsid omandada füüsilist maailma. Maalikunstnikud püüdsid ära kasutada täpsemaid ideid inimkeha kohta. Paljud kunstnikud püüdlesid realismi poole. Stiil algab Leonardo da Vinci maaliga "Püha õhtusöök", mille ta maalis peaaegu nelja aasta jooksul.

Üks kuulsamaid teoseid

See maaliti 1490. aastal Milanos asuva Santa Maria delle Grazie kloostri söökla jaoks. Maal kujutab Jeesuse viimast einet koos jüngritega enne tema tabamist ja tapmist. Kaasaegsed, kes kunstniku tööd sel perioodil jälgisid, märkisid, kuidas ta sai maalida hommikust õhtuni, ilma et oleks isegi sööma jäänud. Ja siis võis ta oma maali mitmeks päevaks hüljata ja sellele üldse mitte läheneda.

Kunstnik tundis suurt muret Kristuse enda ja reetur Juuda kuvandi pärast. Kui maal lõpuks valmis sai, tunnistati see õigusega meistriteoseks. " viimane õhtusöök" on tänapäevalgi üks populaarsemaid. Renessansiaegsed reproduktsioonid on alati olnud väga nõutud, kuid seda meistriteost iseloomustavad lugematud koopiad.

Tunnustatud meistriteos ehk naise salapärane naeratus

Leonardo kuueteistkümnendal sajandil loodud teoste hulgas on portree nimega Mona Lisa ehk La Gioconda. IN moodne ajastu see on võib-olla kõige kuulsam maal maailmas. Populaarseks sai see eelkõige lõuendil kujutatud naise tabamatu naeratuse tõttu. Mis viis sellise mõistatuseni? Meistri oskuslik töö, oskus nii osavalt silma- ja suunurki varjutada? Selle naeratuse täpset olemust ei saa tänaseni kindlaks teha.

Selle pildi muud detailid on väljaspool konkurentsi. Tähelepanu tasub pöörata naise kätele ja silmadele: kui täpselt kunstnik käsitles lõuendi kõige väiksemaid detaile maalimisel. Mitte vähem huvitav pole pildi taustal olev dramaatiline maastik, maailm, milles kõik näib olevat voolavas olekus.

Veel üks kuulus maalikunsti esindaja

Sama kuulus renessansi esindaja on Sandro Botticelli. See on suurepärane Itaalia maalikunstnik. Tema renessansiaegsed maalid on samuti väga populaarsed lai valik pealtvaatajad. “Maagide jumaldamine”, “Madonna ja troonitud laps”, “Kuulutamine” - need Botticelli religioossetele teemadele pühendatud teosed said kunstniku tohututeks saavutusteks.

Veel üks kuulus teos meister - "Madonna Magnificat". Ta sai kuulsaks Sandro eluajal, mida tõendavad arvukad reproduktsioonid. Sarnased ringikujulised lõuendid olid 15. sajandi Firenzes üsna nõutud.

Uus pööre kunstniku loomingus

Alates 1490. aastast muutis Sandro oma stiili. See muutub askeetlikumaks, värvide kombinatsioon on nüüd palju vaoshoitum, sageli domineerivad tumedad toonid. Uus lähenemine looja pühendumus oma teoste kirjutamisele on selgelt nähtav "Maarja kroonimisel", "Kristuse itkulaulul" ja teistel Madonnat ja last kujutavatel lõuenditel.

Sandro Botticelli tollal maalitud meistriteostel, näiteks Dante portreel, puuduvad maastiku- ja interjööritaustad. Üks kunstniku samavõrra tähenduslik looming on “Müstilised jõulud”. Maal on maalitud 1500. aasta lõpus Itaalias toimunud segaduste mõjul. Paljud renessansiajastu kunstnike maalid ei saavutanud mitte ainult populaarsust, vaid said eeskujuks ka järgmise põlvkonna maalikunstnikele.

Kunstnik, kelle lõuendit ümbritseb imetluse aura

Rafael Santi da Urbino polnud ainult arhitekt. Tema renessansiaegseid maale imetletakse nende vormiselguse, kompositsiooni lihtsuse ja inimliku suuruse ideaali visuaalse saavutamise pärast. Ta on Michelangelo ja Leonardo da Vinci kõrval üks selle perioodi suurimate meistrite traditsioonilist kolmainsust.

Ta elas suhteliselt väike elu, ainult 37 aastat vana. Kuid selle aja jooksul lõi ta tohutul hulgal oma meistriteoseid. Mõned tema tööd on Roomas Vatikani palees. Mitte kõik vaatajad ei saa renessansikunstnike maale oma silmaga näha. Fotod nendest meistriteostest on kõigile kättesaadavad (mõned neist on esitatud käesolevas artiklis).

Raffaeli kuulsaimad teosed

Aastatel 1504–1507 lõi ​​Raphael terve rea madonnasid. Maale eristab lummav ilu, tarkus ja samas teatav valgustatud kurbus. Tema kuulsaim maal oli " Sixtuse Madonna". Teda on kujutatud taevas hõljumas ja sujuvalt laskumas inimeste poole, Beebi süles. Just seda liikumist suutis kunstnik väga osavalt kujutada.

Seda teost kiitsid väga paljud kuulsad kriitikud ja nad kõik jõudsid samale järeldusele, et see on tõesti haruldane ja ebatavaline. Kõigil renessansiajastu kunstnike maalidel on pikk ajalugu. Kuid ta sai kõige populaarsemaks tänu oma lõpututele eksirännakutele, alates tema loomise hetkest. Olles läbinud arvukalt katsumusi, võttis see lõpuks oma õige koha Dresdeni muuseumi näituste hulgas.

Renessansi maalid. Fotod kuulsatest maalidest

Ja veel üks kuulus Itaalia maalikunstnik, skulptor ja arhitekt, kes avaldas tohutut mõju lääne kunsti arengule, on Michelangelo di Simoni. Vaatamata sellele, et ta on tuntud peamiselt skulptorina, leidub tema maalis ka kauneid töid. Ja kõige märkimisväärsem neist on Sixtuse kabeli lagi.

Seda tööd tehti nelja aasta jooksul. Ruum võtab enda alla umbes viissada ruutmeetrit ja sisaldab üle kolmesaja kujundi. Keskel on üheksa episoodi Genesise raamatust, mis on jagatud mitmeks rühmaks. Maa loomine, inimese loomine ja tema langemine. Kõige hulgas kuulsad maalid laes - "Aadama loomine" ja "Aadam ja Eeva".

Tema sama kuulus teos on " Viimane kohtuotsus". See hukati Sixtuse kabeli altari seinale. Fresko kujutab Jeesuse Kristuse teist tulemist. Siin eirab Michelangelo Jeesuse kirjutamisel standardseid kunstilisi konventsioone. Ta kujutas teda massiivse lihaselise kehaehitusega, noore ja habemeta.

Religiooni tähendus ehk renessansikunst

Itaalia renessansi maalid said lääne kunsti arengu aluseks. Paljudel selle loojate põlvkonna populaarsetel töödel on kunstnikele tohutu mõju, mis kestab tänapäevani. Selle perioodi suured kunstiesindajad keskendusid oma tähelepanu religioossetele teemadele, töötades sageli jõukate patroonide, sealhulgas paavsti enda tellimuste alusel.

Religioon on sõna otseses mõttes tunginud igapäevane elu selle ajastu inimesed, on sügavalt kunstnike meeltes. Peaaegu kõik religioossed maalid asuvad muuseumides ja kunstihoidlates, kuid mitte ainult selle teemaga seotud renessansi maalide reproduktsioone võib leida paljudest asutustest ja isegi tavalistest kodudest. Inimesed imetlevad teoseid lõputult kuulsad meistrid see periood.

Renessanss tõi kaasa põhjalikud muutused kõigis kultuurivaldkondades – filosoofias, teaduses ja kunstis. Üks neist on. mis muutub üha enam religioonist sõltumatuks, lakkab olemast "teoloogia käsilane", kuigi täielikust iseseisvusest on ta veel kaugel. Nagu teisteski kultuurivaldkondades, taaselustatakse filosoofias antiikmõtlejate, eelkõige Platoni ja Aristotelese õpetusi. Marsilio Ficino asutas Firenzes Platoni Akadeemia ja tõlkis suure kreeka teosed ladina keelde. Aristotelese ideed jõudsid Euroopasse tagasi veelgi varem, enne renessansi. Lutheri sõnul valitses renessansi ajal Euroopa ülikoolides tema, mitte Kristus.

Koos iidsete õpetustega on loodusfilosoofia, ehk loodusfilosoofia. Seda jutlustavad sellised filosoofid nagu B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Nende teosed arendavad ideid, et filosoofia ei peaks uurima mitte üleloomulikku Jumalat, vaid loodust ennast, et loodus järgib oma sisemisi seadusi, et teadmiste aluseks on kogemus ja vaatlus, mitte jumalik ilmutus, et inimene on osa loodusest.

Loodusfilosoofiliste vaadete levikut soodustas teaduslik avastused. Peamine oli heliotsentriline teooria N. Copernicus, mis tegi tõelise revolutsiooni maailma ideedes.

Tuleb aga märkida, et tolleaegsed teaduslikud ja filosoofilised vaated on endiselt alles. märgatav mõju religiooni ja teoloogia poolelt. Selline vaade võtab sageli vormi panteism, milles Jumala olemasolu ei eitata, vaid Ta lahustub looduses ja samastub sellega. Siia tuleb lisada ka nn okultsete teaduste mõju - astroloogia, alkeemia, müstika, maagia jne. Kõik see leiab aset isegi sellise filosoofiga nagu D. Bruno.

Kõige olulisemad muutused, mille renessanss tõi, olid kunstikultuur, art. Just selles vallas osutus murdelisus keskajaga kõige sügavamaks ja radikaalsemaks.

Kunst oli keskajal suures osas rakenduslikku laadi, see põimus ellu endasse ja pidi seda kaunistama. Renessansiajal omandas kunst esimest korda sisemise väärtuse, sellest sai iseseisev iluvaldkond. Samas tekib tajuvas vaatajas esmakordselt puhtkunstiline, esteetiline tunnetus, armastus kunsti enda pärast, mitte eesmärgi nimel, mida see teenib, ärkab esimest korda.

Kunst pole kunagi varem nii kõrget au ja lugupidamist nautinud. Isegi Vana-Kreekas jäi kunstniku looming oma sotsiaalse tähtsuse poolest märgatavalt alla poliitiku ja kodaniku loomingule. Kunstnik asus Vana-Roomas veelgi tagasihoidlikumale kohale.

Nüüd kunstniku koht ja rollühiskonnas suurenevad mõõtmatult. Esmakordselt nähakse teda kui sõltumatut ja lugupeetud professionaali, teadlast ja mõtlejat, ainulaadset isiksust. Renessansiajal peeti kunsti üheks võimsaimaks teadmiste vahendiks ja sellisena võrdsustati see teadusega. Leonardo da Vinci peab teadust ja kunsti kaheks täiesti võrdseks looduse uurimise viisiks. Ta kirjutab: "Maalimine on teadus ja looduse seaduslik tütar."

Kunst kui loovus on veelgi kõrgemalt hinnatud. Oma loominguliste võimete poolest on renessansiajastu kunstnik samastatud Looja Jumalaga. Seetõttu on selge, miks Raphael sai oma nimele täienduse "Jumalik". Samadel põhjustel nimetati Dante "Komöödiat" ka "Jumalikuks".

Kunstis endas toimuvad sügavad muutused. See teeb otsustava pöörde keskaegsest sümbolist ja märgist realistliku ja usaldusväärse kujutise poole. Vahendid muutuvad uuteks kunstiline väljendus. Need põhinevad nüüd lineaarsel ja õhust perspektiivil, ruumala kolmemõõtmelisusel ja proportsioonide õpetusel. Kunst püüab kõiges olla tõetruu, saavutada objektiivsust, autentsust ja elujõudu.

Renessanss oli peamiselt itaalialik. Seetõttu pole üllatav, et just Itaalias saavutas kunst sel perioodil oma kõrgeima tõusu ja õitsengu. Just siin on kümneid titaanide, geeniuste, suurkujude ja lihtsalt nimesid andekad kunstnikud. Suurepäraseid nimesid on ka teistes riikides, kuid Itaalia on konkurentsist väljaspool.

Itaalia renessansil on tavaliselt mitu etappi:

• Protorenessanss: 13. sajandi teine ​​pool. - XIV sajand
• Vararenessanss: peaaegu kogu 15. sajand.
• Kõrgrenessanss: 15. sajandi lõpp. - 16. sajandi esimene kolmandik.
• Hilisrenessanss: 16. sajandi kaks viimast kolmandikku.

Protorenessansi peategelased on poeet Dante Alighieri (1265-1321) ja maalikunstnik Giotto (1266/67-1337).

Saatus esitas Dantele palju katsumusi. Teda kiusati taga poliitilises võitluses osalemise pärast, ta rändas ja suri võõral maal, Ravennas. Tema panus kultuurisse ulatub luulest kaugemale. Ta kirjutas mitte ainult armastuse laulusõnad, aga ka filosoofilisi ja poliitilisi traktaate. Dante on itaalia keele looja kirjakeel. Mõnikord nimetatakse seda viimane luuletaja Keskaeg ja uue aja esimene luuletaja. Need kaks põhimõtet – vana ja uus – on tema loomingus tõepoolest tihedalt läbi põimunud.

Dante esimesed tööd - " Uus elu" ja "Pidu" - on lüürilised armastusluuletused, mis on pühendatud tema armastatule Beatricele, kellega ta kohtus kord Firenzes ja kes suri seitse aastat pärast kohtumist. Luuletaja hoidis armastust elu lõpuni. Oma žanrilt on Dante laulutekstid kooskõlas keskaegse õukonnaluulega, kus skandeerimise objektiks on “Kauni daami” kuju. Tunded, mida luuletaja väljendas, kuuluvad aga juba renessansi. Need on põhjustatud tõelistest kohtumistest ja sündmustest, mis on täidetud siira soojusega ja mida iseloomustab ainulaadne isiksus.

Dante loovuse tipp oli « Jumalik komöödia “, millel on maailma kultuuriloos eriline koht. Oma ehituselt on see luuletus samuti kooskõlas keskaegsete traditsioonidega. See räägib hauatagusest elust sattunud mehe seiklustest. Luuletusel on kolm osa – põrgu, puhastustule ja taevas, millest igaühes on 33 laulu, mis on kirjutatud kolmerealistes stroofides.

Korduv number "kolm" kordab otseselt kristlikku õpetust kolmainsusest. Loo käigus järgib Dante rangelt paljusid kristluse nõudeid. Eelkõige ei luba ta taevasse oma kaaslast läbi põrgu ja puhastustule üheksa ringi – Rooma poeet Vergiliust –, sest paganalt on selline õigus ära võetud. Siin saadab luuletajat tema surnud kallim Beatrice.

Küll aga oma mõtetes ja hinnangutes, suhtumises kujutatud tegelastesse ja nende pattudesse. Dante kaldub sageli ja väga oluliselt kristlikust õpetusest kõrvale. Niisiis. sensuaalse armastuse kui patu kristliku hukkamõistu asemel räägib ta “armastuse seadusest”, mille kohaselt sensuaalne armastus sisaldub elu enda olemuses. Dante suhtub Francesca ja Paolo armastusse mõistmise ja kaastundega. kuigi nende armastus on seotud Francesca reetmisega oma mehe vastu. Renessansi vaim triumfeerib Dantes ka muudel juhtudel.

Silmapaistvate itaalia luuletajate hulgas on ka Francesco Petrarca. Maailmakultuuris on ta tuntud eelkõige oma poolest sonetid. Samas oli ta laia haardega mõtleja, filosoof ja ajaloolane. Teda peetakse õigustatult kogu renessansikultuuri rajajaks.

Ka Petrarka looming jääb osaliselt keskaja raamidesse õukondlikud laulusõnad. Nagu Dantel, oli ka tal väljavalitu Laura, kellele ta pühendas oma "Lauluraamatu". Samal ajal katkestab Petrarch otsustavamalt sidemeid keskaegne kultuur. Tema töödes paistavad väljendatud tunded - armastus, valu, meeleheide, igatsus - palju teravamalt ja alasti. Isiklik element on neis tugevam.

Teine silmapaistev kirjanduse esindaja oli Giovanni Boccaccio(1313-1375). maailmakuulsate raamatute autor Dekameron." Boccaccio laenab oma novellikogu ülesehitamise põhimõtte ja süžeejoonise keskajast. Kõik muu on läbi imbunud renessansi vaimust.

Novellide peategelasteks on tavalised ja tavalised inimesed. Need on kirjutatud üllatavalt helges, elavas kõnekeeles. Neis pole igavat moraliseerimist, vastupidi, paljud novellid sädelevad sõna otseses mõttes eluarmastusest ja naljast. Mõnede nende süžeed on armastuse ja erootilise iseloomuga. Lisaks Dekameronile kirjutas Boccaccio ka esimeseks peetava loo Fiametta psühholoogiline romaan Lääne kirjandus.

Giotto di Bondone on Itaalia protorenessansi kõige silmapaistvam esindaja kaunites kunstides. Tema põhižanriks oli freskomaal. Kõik need on kirjutatud piibellikel ja mütoloogilistel teemadel, kujutades stseene Püha Perekonna, evangelistide ja pühakute elust. Nende süžeede tõlgendamisel domineerib aga selgelt renessansiprintsiip. Giotto loobub oma loomingus keskaegsetest tavadest ning pöördub realismi ja tõepärasuse poole. Just temale omistatakse maalikunsti kui omaette kunstiväärtuse taaselustamise teene.

Tema teosed kujutavad loodusmaastikku üsna realistlikult, kus on selgelt näha puud, kivid ja templid. Kõik osalevad tegelased, sealhulgas pühakud ise, esinevad elavate inimestena, kes on varustatud füüsilise liha, inimlike tunnete ja kirgedega. Nende riided kirjeldavad nende loomulikke kehavorme. Giotto töid iseloomustab kirgas koloriit ja maalilisus, peen plastilisus.

Giotto põhilooming on Padova Chapel del Arena maal, mis räägib sündmustest Püha Perekonna elust. Kõige muljetavaldavam on seinatsükkel, mis sisaldab stseene filmidest "Lend Egiptusesse", "Juuda suudlus" ja "Kristuse itk".

Kõik maalidel kujutatud tegelased näevad loomulikud ja usaldusväärsed välja. Nende kehade asend, žestid, emotsionaalne seisund, välimus, näod – seda kõike näidatakse harvaesineva psühholoogilise veenvusega. Samal ajal vastab igaühe käitumine rangelt talle määratud rollile. Igal stseenil on ainulaadne atmosfäär.

Nii valitseb stseenis “Lend Egiptusesse” vaoshoitud ja üldiselt rahulik tundetoon. “Juudase suudlus” on täis tormilist dünaamilisust, sõna otseses mõttes üksteisega maadelnud tegelaste teravaid ja otsustavaid tegusid. Ja ainult kaks peamist osalejat - Juudas ja Kristus - tardusid liikumata ja võitlesid oma silmadega.

Stseeni “Kristuse lein” iseloomustab eriline draama. Ta on täis traagilist meeleheidet, väljakannatamatut valu ja kannatusi, lohutamatut leina ja kurbust.

Varajane renessanss lõpuks kehtestati uus esteetiline ja kunstilised põhimõtted art. Samal ajal on piiblilood endiselt väga populaarsed. Nende tõlgendus muutub aga hoopis teistsuguseks, keskajast on selles vähe alles.

Kodumaa Vararenessanss Firenzest sai ja arhitekti peetakse "renessansi isadeks" Philippe Brunelleschi(1377-1446), skulptor Donatello(1386-1466). maalikunstnik Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi andis tohutu panuse arhitektuuri arengusse. Ta pani aluse renessansiarhitektuurile ja avastas uusi vorme, mis kestsid sajandeid. Ta tegi palju perspektiiviseaduste arendamiseks.

Brunelleschi kõige olulisem töö oli kupli püstitamine Firenze Santa Maria del Fiore katedraali juba valminud ehitisele. seisis eranditult tema ees raske ülesanne, kuna vajalik kuppel pidi olema tohutu – umbes 50 m läbimõõduga. Originaalse disaini abil saab ta suurepäraselt üle keerulisest olukorrast. Tänu leitud lahendusele ei osutunud üllatavalt kergeks ja justkui linna kohal hõljuvaks mitte ainult kuppel ise, vaid kogu toomkiriku hoone omandas harmoonia ja majesteetlikkuse.

Mitte vähem imeline töö Brunelleschist sai kuulus Pazzi kabel, mis püstitati Firenze Santa Croce kiriku hoovi. See on väike ristkülikukujuline hoone, mis on keskelt kaetud kupliga. Seest on vooderdatud valge marmoriga. Sarnaselt teistele Brunelleschi hoonetele eristub kabel oma lihtsuse ja selguse, elegantsi ja graatsilisuse poolest.

Brunelleschi looming on tähelepanuväärne selle poolest, et ta läheb kaugemale religioossetest ehitistest ja loob suurepäraseid ilmaliku arhitektuuriga ehitisi. Suurepärane näide sellisest arhitektuurist on P-tähe kujule ehitatud õppe-varjumaja koos kaetud galerii-lodžaga.

Firenze skulptor Donatello on üks silmapaistvamaid vararenessansi loojaid. Ta töötas erinevates žanrites, näidates kõikjal tõelist uuenduslikkust. Donatello kasutab oma loomingus iidset pärandit, toetudes sügavale looduse uurimisele, uuendades julgelt kunsti väljendusvahendeid.

Ta osaleb lineaarse perspektiivi teooria väljatöötamises, taaselustab skulpturaalset portreed ja alasti keha kujutist, heidab esimest pronksist monument. Tema loodud kujundid on harmooniliselt arenenud isiksuse humanistliku ideaali kehastus. Donatello avaldas oma loominguga suurt mõju Euroopa skulptuuri edasisele arengule.

Selles avaldub selgelt Donatello soov idealiseerida portreteeritavat noore Taaveti kuju. Selles teoses näib David noor, ilus, täis vaimset ja füüsiline jõud noored mehed. Tema alasti keha ilu rõhutab tema graatsiliselt kumer torso. Noor nägu väljendab mõtlikkust ja kurbust. Sellele kujule järgnes terve rida alastifiguure renessansi skulptuuris.

Kangelaslik printsiip kõlab tugevalt ja selgelt sisse ausammas St. George, millest sai Donatello loovuse üks tippe. Siin suutis ta idee täielikult realiseerida tugev isiksus. Meie ees on pikk, sale, julge, rahulik ja enesekindel sõdalane. Selles töös arendab meister loovalt iidse skulptuuri parimaid traditsioone.

Donatello klassikaline töö on komandör Gattamelatta pronkskuju, renessansikunsti esimene ratsamonument. Siin jõuab suur skulptor kunstilise ja filosoofilise üldistuse ülimale tasemele, mis lähendab selle teose antiikajale.

Samal ajal lõi Donatello portree konkreetsest ja ainulaadsest isiksusest. Komandör ilmub tõelise renessansi kangelasena, julge, rahuliku, enesekindla inimesena. Kuju eristavad lakoonilised vormid, selge ja täpne plastilisus ning ratsaniku ja hobuse poosi loomulikkus. Tänu sellele on monumendist saanud tõeline monumentaalskulptuuri meistriteos.

IN viimane periood loovus Donatello loob pronksrühma “Judith ja Holofernes”. See teos on täis dünaamikat ja dramaatilisust: Judith on kujutatud hetkel, mil ta tõstab mõõga üle juba haavatud Holofernese. et teda lõpetada.

Masaccio peetakse õigustatult üheks vararenessansi peategelaseks. Ta jätkab ja arendab Giottost tulevaid trende. Masaccio elas vaid 27 aastat ja sai vähe hakkama. Tema loodud freskodest sai aga järgnevate Itaalia kunstnike jaoks tõeline maalikool. Vasari järgi kaasaegne Kõrgrenessanss ja autoriteetne kriitik, "ükski meister ei jõudnud kaasaegsetele meistritele nii lähedale kui Masaccio."

Masaccio põhilooming on Firenze Santa Maria del Carmine kiriku Brancacci kabeli freskod, mis jutustavad episoodidest Püha Peetruse legendidest ning kujutavad ka kahte piiblistseeni – “Langemine” ja “Paradiisist väljasaatmine. ”

Kuigi freskod räägivad imedest, mida sooritas St. Peeter, neis pole midagi üleloomulikku ega müstilist. Kujutatud Kristus, Peetrus, apostlid ja teised sündmustes osalejad näivad olevat täiesti maised inimesed. Nad on varustatud individuaalsete joontega ja käituvad täiesti loomulikult ja inimlikult. Eelkõige on “Ristimise” stseenis üllatavalt usaldusväärselt näidatud külmast värisevat alasti noormeest. Masaccio ehitab oma kompositsiooni mitte ainult lineaarset, vaid ka õhust perspektiivi kasutades.

Kogu tsüklist väärib see eraldi äramärkimist fresko "Väljaajamine paradiisist". See on tõeline maalikunsti meistriteos. Fresko on äärmiselt lakooniline, selles pole midagi üleliigset. Ebamäärase maastiku taustal on selgelt näha Paradiisi väravatest lahkunud Aadama ja Eeva figuurid, mille kohal hõljub mõõgaga ingel. Kogu tähelepanu on suunatud emale ja Evale.

Masaccio oli esimene maalikunsti ajaloos, kes suutis alasti keha nii veenvalt ja autentselt maalida, anda edasi selle loomulikke proportsioone, anda sellele stabiilsust ja liikumist. Sama veenvalt ja elavalt väljendatud sisemine olek kangelased. Laialt kõndides langetas Adam häbist pea ja kattis näo kätega. Nutsav Eve heitis meeleheitel pea tahapoole, suu lahti. See fresko avab kunstis uue ajastu.

Seda, mida Masaccio tegi, jätkasid sellised artistid nagu Andrea Mantegna(1431 -1506) ja Sandro Botticelli(1455-1510). Esimene sai kuulsaks peamiselt oma maalide poolest, mille hulgas erilise koha hõivavad freskod, mis räägivad Püha Püha elu viimastest episoodidest. Jacob – rongkäik hukkamisele ja hukkamine ise. Botticelli eelistas molbertimaali. Tema kuulsamad maalid on "Kevade" ja "Veenuse sünd".

Alates 15. sajandi lõpust, mil Itaalia kunst saavutas kõrgeima tõusu, Kõrgrenessanss. Itaalia jaoks osutus see periood äärmiselt keeruliseks. Killustunud ja seetõttu kaitsetu oli see Prantsusmaa, Hispaania, Saksamaa ja Türgi invasioonide tõttu sõna otseses mõttes laastatud, rüüstatud ja valgeks läinud. Kummalisel kombel koges kunst sel perioodil aga enneolematut õitsengut. Just sel ajal lõid sellised titaanid nagu Leonardo da Vinci. Raphael. Michelangelo, Tizian.

Arhitektuuris seostatakse kõrgrenessansi algust loovusega Donato Bramante(1444-1514). Just tema lõi stiili, mis määras selle perioodi arhitektuuri arengu.

Üks tema varajasi töid oli Milano Santa Maria della Grazie kloostri kirik, mille refektooriumis maalis Leonardo da Vinci oma kuulsa fresko "Püha õhtusöök". Tema kuulsus saab alguse väikesest kabelist nimega Tempetto(1502), mis ehitati Roomas ja millest sai omamoodi kõrgrenessansi “manifest”. Kabel on rotundi kujuga, seda eristab arhitektuursete vahendite lihtsus, osade harmoonia ja haruldane väljendusrikkus. See on tõeline väike meistriteos.

Bramante loomingu tipp on Vatikani rekonstrueerimine ja selle hoonete ühtseks ansambliks muutmine. Ta töötas välja ka Püha katedraali kujunduse. Peter, mida Michelangelo teeb ja hakkab ellu viima.

Vaata ka: Michelangelo Buonarroti

Itaalia renessansi kunstis on eriline koht Veneetsia. Siin kujunenud koolkond erines oluliselt Firenze, Rooma, Milano või Bologna koolidest. Viimased kaldusid stabiilsete traditsioonide ja järjepidevuse poole, nad ei kaldunud radikaalsele uuenemisele. Just nendele koolkondadele toetus 17. sajandi klassitsism. ja järgnevate sajandite neoklassitsism.

Veneetsia koolkond toimis neile omamoodi vastukaaluna ja antipoodina. Siin valitses uuendusmeelsus ja radikaalne, revolutsiooniline uuenemine. Teiste Itaalia koolkondade esindajatest oli Leonardo Veneetsiale kõige lähemal. Võib-olla leidis just siin tema kirg otsimise ja katsetamise vastu vajaliku mõistmise ja tunnustuse. Kuulsas vaidluses “vanade ja uute” kunstnike vahel toetus viimased Veneetsia eeskujule. Siit said alguse suundumused, mis viisid baroki ja romantismini. Ja kuigi romantikud austasid Raffaeli, olid nende tõelised jumalad Tizian ja Veronese. Veneetsias sai El Greco oma loomingulise laengu, mis võimaldas tal raputada Hispaania maalikunsti. Velázquez läbis Veneetsia. Sama võib öelda ka selle kohta Flaami kunstnikud Rubens ja Van Dyck.

Sadamalinnana sattus Veneetsia majandus- ja kaubateede ristumiskohta. Seda mõjutasid Põhja-Saksamaa, Bütsants ja Ida. Veneetsiast on saanud paljude kunstnike palverännakute koht. A. Durer oli siin kaks korda – 15. sajandi lõpus. ja 16. sajandi alguses. Goethe külastas teda (1790). Wagner kuulas siin gondoljeeride laulu (1857), mille inspiratsioonil kirjutas ta Tristani ja Isolde teise vaatuse. Nietzsche kuulas ka gondoljeeride laulu, nimetades seda hingelauluks.

Mere lähedus kutsus esile pigem vedelaid ja liikuvaid vorme kui selgeid geomeetrilisi struktuure. Veneetsia ei tõmbanud oma rangete reeglitega mitte niivõrd mõistuse poole, kuivõrd tunnete poole, millest sündis Veneetsia kunsti hämmastav poeesia. Selle luule keskmes oli loodus – selle nähtav ja käegakatsutav materiaalsus, naine – oma liha põnev ilu, muusika – mis sündis värvide ja valguse mängust ning spirituaalse looduse lummavatest helidest.

Kunstnikud Veneetsia kool Nad eelistasid mitte vormi ja disaini, vaid värvi, valguse ja varju mängu. Loodust kujutades püüdsid nad edasi anda selle impulsse ja liikumist, muutlikkust ja voolavust. Naisekeha ilu nägid nad mitte niivõrd vormide ja proportsioonide harmoonias, kuivõrd elavas ja tunnetavas lihas endas.

Neile ei piisanud realistlikust usutavusest ja autentsusest. Nad püüdsid paljastada maalikunsti enda rikkusi. Just Veneetsia jaoks on puhta pildilise printsiibi või selle maalilisuse avastamise teene puhtal kujul. Veneetsia kunstnikud näitasid esimestena maalilise eraldamise võimalust objektidest ja vormist, maaliprobleemide lahendamise võimalust ühe värvi abil, puhtpildilisi vahendeid, võimalust pidada maalilisust eesmärgiks omaette. Seda teed järgib kogu järgnev ekspressioonil ja ekspressiivsusel põhinev maalimine. Mõne asjatundja arvates võib Tizianist edasi liikuda Rubensi ja Rembrandtini, sealt edasi Delacroix’ni ning temalt Gauguini, Van Goghi, Cezanne’i jne.

Veneetsia koolkonna rajaja on Giorgione(1476-1510). Oma töös tegutses ta tõelise uuendajana. Ilmalik printsiip võidab lõpuks tema üle ning piibliteemade asemel eelistab ta kirjutada mütoloogilistel ja kirjanduslikel teemadel. Tema loomingus on kinnistunud molbertimaal, mis ei meenuta enam ikooni ega altaripilti.

Giorgione avaneb uus ajastu maalikunstis esimesena elust maalimist alustanud. Loodust kujutades paneb ta esimest korda rõhu liikuvusele, muutlikkusele ja voolavusele. Suurepärane näide sellest on tema maal “Äikesetorm”. Just Giorgione asus maalikunsti saladust otsima valguses ja selle üleminekutes, valguse ja varju mängus, toimides Caravaggio ja karavaggismi eelkäijana.

Giorgione lõi erineva žanri ja teemaga teoseid - “Maakontsert” ja “Judith”. Tema kuulsaim töö oli "Magav Veenus"" Sellel pildil puudub igasugune süžee. Ta ülistab alasti naisekeha ilu ja võlu, esindades "alastust enda pärast".

Veneetsia kooli juhataja on Tizian(umbes 1489-1576). Tema tööd – koos Leonardo, Raphaeli ja Michelangelo töödega – on renessansikunsti tipp. Suurem osa tema pikast elust möödus hilisrenessansis.

Tiziani loomingus saavutab renessansikunst kõrgeima tõusu ja õitsengu. Tema töödes on ühendatud Leonardo loomingulised otsingud ja uuendused, Raphaeli ilu ja täiuslikkus, Michelangelo vaimne sügavus, draama ja traagika. Neid iseloomustab erakordne sensuaalsus, tänu millele avaldavad nad vaatajale võimsat mõju. Tiziani teosed on üllatavalt musikaalsed ja meloodilised.

Nagu Rubens märgib, omandas Tizianiga maalikunst oma maitse ning Delacroixi ja Van Goghi järgi muusika. Tema lõuendid on maalitud avatud löökidega, mis on ühtaegu kerged, vabad ja läbipaistvad. Just tema töödes näib värv lahustavat ja neelab vormi ning pildiline printsiip omandab esmakordselt autonoomia ja ilmub puhtal kujul. Realism tema teostes muutub võluvaks ja peeneks lüürikaks.

Esimese perioodi töödes ülistab Tizian muretut elurõõmu, maiste hüvede nautimist. Ta ülistab sensuaalset põhimõtet, tervisest pakatavat inimliha, keha igavest ilu, inimese füüsilist täiuslikkust. Sellele on pühendatud tema maalid nagu “Maine ja taevane armastus”, “Veenuse pidu”, “Bacchus ja Ariadne”, “Danae”, “Veenus ja Adonis”.

Pildil domineerib sensuaalne printsiip "Kahetsutsev Magdaleena”, kuigi see on pühendatud dramaatilisele olukorrale. Kuid ka siin on meelt parandaval patusel sensuaalne liha, kütkestav valgust kiirgav keha, täidlased ja sensuaalsed huuled, roosakad põsed ja kuldsed juuksed. Lõuend “Koertega poiss” on täidetud hingestatud lüürikaga.

Teise perioodi töödes on sensuaalne printsiip säilinud, kuid seda täiendab kasvav psühholoogilisus ja draama. Üldiselt teeb Tizian järk-järgult ülemineku füüsiliselt ja sensuaalselt vaimsele ja dramaatilisele. Käimasolevad muutused Tiziani loomingus on selgelt nähtavad teemade ja teemade kehastuses, mida suur kunstnik kaks korda käsitles. Tüüpiline näide selles osas on maal “Püha Sebastian”. Esimeses versioonis ei tundu inimeste poolt hüljatud üksildase kannataja saatus liiga kurb. Vastupidi, kujutatud pühak on varustatud elujõu ja füüsilise iluga. Maali hilisemas versioonis, mis asub Ermitaažis, võtab sama pilt tragöödia jooned.

Veelgi markantsem näide on Kristuse elu episoodile pühendatud maali "Okaste kroonimine" variandid. Neist esimeses, hoiul Louvre’is. Kristus paistab füüsiliselt ilusa ja tugeva sportlasena, kes suudab oma vägistajaid tõrjuda. Paarkümmend aastat hiljem loodud Müncheni versioonis on sama episood edasi antud palju sügavamalt, keerulisemalt ja sisukamalt. Kristust on kujutatud valges mantlis, silmad on suletud, ta talub rahulikult peksmist ja alandust. Nüüd pole peamine mitte kroonimine ja löömine, mitte füüsiline nähtus, vaid psühholoogiline ja vaimne. Pilt on täis sügavat traagikat, see väljendab vaimu võidukäiku, vaimset õilsust füüsilise jõu üle.

Tiziani hilisemates teostes muutub traagiline kõla üha intensiivsemaks. Sellest annab tunnistust maal “Kristuse itk”.

Renessanss või renessanss andis meile palju suurepäraseid kunstiteoseid. See oli loovuse arendamiseks soodne periood. Paljude suurte kunstnike nimed on seotud renessansiga. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Titian, Correggio – need on vaid väike osa tolleaegsete loojate nimedest.

Selle perioodiga seostatakse uute stiilide ja maalide tekkimist. Inimkeha kujutamise lähenemine on muutunud peaaegu teaduslikuks. Kunstnikud püüdlevad reaalsuse poole – nad töötavad välja iga detaili. Inimesed ja sündmused tolleaegsetel maalidel mõjuvad äärmiselt realistlikult.

Ajaloolased eristavad renessansiajal maalikunsti arengus mitut perioodi.

Gootika – 1200ndad. Populaarne stiil kohtus. Teda eristas pompoossus, pretensioonikus ja liigne värvikus. Kasutatud värvidena. Maalidele tehti altaristseene. Selle trendi kuulsaimad esindajad on Itaalia kunstnikud Vittore Carpaccio ja Sandro Botticelli.

Sandro Botticelli

Protorenessanss – 1300. aastad. Sel ajal toimus maalikunsti moraali ümberstruktureerimine. Religioossed teemad taanduvad tagaplaanile ja ilmalikud muutuvad üha populaarsemaks. Maal asub ikooni asemele. Inimesi kujutatakse realistlikumalt, kunstnike jaoks muutuvad oluliseks näoilmed ja žestid. Ilmub uus žanr kujutav kunst - . Selle aja esindajad on Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Varasem renessanss – 1400. aastad. Mittereligioosse maalikunsti tõus. Isegi näod ikoonidel muutuvad elavamaks – need omandavad inimese näojooned. Kunstnikke rohkem varased perioodid nad püüdsid joonistada maastikke, kuid need olid vaid täienduseks, taustaks põhipildile. Vararenessansi ajal sai sellest iseseisev žanr. Ka portree areneb edasi. Teadlased avastavad lineaarse perspektiivi seaduse ja kunstnikud ehitavad oma maalid selle põhjal. Nende lõuenditel näete õiget kolmemõõtmelist ruumi. Selle perioodi silmapaistvad esindajad on Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Kõrgrenessanss – kuldaeg. Kunstnike silmaring muutub veelgi laiemaks – nende huvid ulatuvad Kosmoseruumi, nad peavad inimest universumi keskpunktiks.

Sel ajal ilmusid renessansi "titaanid" - Leonardo Da Vinci, Michelangelo, Tizian, Raphael Santi ja teised. Need on inimesed, kelle huvid ei piirdunud ainult maalimisega. Nende teadmised laienesid palju kaugemale. Kõige silmapaistvam esindaja oli Leonardo Da Vinci, kes polnud mitte ainult suurepärane maalikunstnik, vaid ka teadlane, skulptor ja näitekirjanik. Ta lõi maalimisel fantastilisi tehnikaid, näiteks “smuffato” - udu illusiooni, mida kasutati kuulsa “La Gioconda” loomiseks.

Leonardo da Vinci

Hilisrenessanss- renessansi hääbumine (1500. aastate keskpaigast 1600. aastate lõpuni). Seda aega seostatakse muutustega, religioosse kriisiga. Hiilgeaeg on lõppemas, jooned lõuenditel muutuvad närvilisemaks, individualism on kadumas. Rahvas muutub üha enam maalide kuvandiks. Tolleaegseid andekaid teoseid kirjutasid Paolo Veronese ja Jacopo Tinoretto.

Paolo Veronese

Itaalia andis maailmale renessansi kõige andekamad kunstnikud, neid on maalikunsti ajaloos enim mainitud. Samal ajal arenes sel perioodil ka maal ja mõjutas selle kunsti arengut teistes riikides. Sel perioodil nimetatakse maalimist teistes riikides põhjarenessansiks.

Renessanss (Renessanss). Itaalia. XV-XVI sajandil. Varane kapitalism. Riiki juhivad rikkad pankurid. Nad on huvitatud kunstist ja teadusest.

Rikkad ja võimsad koondavad enda ümber andekad ja targad. Luuletajad, filosoofid, kunstnikud ja skulptorid vestlevad iga päev oma patroonidega. Hetkeks tundus, et rahvast valitsevad targad, nagu Platon tahtis.

Nad mäletasid iidseid roomlasi ja kreeklasi. Kes ehitas üles ka vabade kodanike ühiskonna. Kus põhiväärtus on inimesed (orje muidugi mitte arvestada).

Renessanss ei ole lihtsalt iidsete tsivilisatsioonide kunsti kopeerimine. See on segu. Mütoloogia ja kristlus. Looduse realistlikkus ja kujundite siirus. Füüsiline ilu ja vaimne ilu.

See oli lihtsalt välk. Kõrgrenessansi periood on umbes 30 aastat! 1490. aastatest kuni 1527. aastani Leonardo loovuse hiilgeaegade algusest. Enne Rooma röövimist.

Ideaalse maailma miraaž kustus kiiresti. Itaalia osutus liiga hapraks. Varsti orjastas ta teise diktaatori poolt.

Need 30 aastat on aga määranud põhijooned Euroopa maalikunst 500 aastat ees! Kuni .

Kujutise realistlikkus. Antropotsentrism (kui inimene on peategelane ja kangelane). Lineaarne perspektiiv. Õlivärvid. Portree. Maastik…

Uskumatu, selle 30 aasta jooksul lõid nad mitu säravad meistrid. Mis muul ajal sünnivad kord 1000 aasta jooksul.

Leonardo, Michelangelo, Raphael ja Tizian on renessansiajastu titaanid. Kuid me ei saa jätta mainimata nende kahte eelkäijat. Giotto ja Masaccio. Ilma milleta poleks renessansi.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment maalist "Firenze renessansi viis meistrit". 16. sajandi algus. .

XIV sajand. Protorenessanss. Selle peategelane on Giotto. See on meister, kes ainuisikuliselt muutis kunstis revolutsiooni. 200 aastat enne kõrgrenessansi. Kui teda poleks olnud, oleks vaevalt saabunud ajastu, mille üle inimkond nii uhke on.

Enne Giottot olid seal ikoonid ja freskod. Need loodi vastavalt Bütsantsi kaanonitele. Nägude asemel näod. Lamedad figuurid. Proportsioonide mittejärgimine. Maastiku asemel on kuldne taust. Nagu näiteks sellel ikoonil.

Guido da Siena. Magi jumaldamine. 1275-1280 Altenburg, Lindenau muuseum, Saksamaa.

Ja äkki ilmuvad Giotto freskod. Neil on mahukad figuurid. Õilsate inimeste näod. Kurb. Leinav. üllatunud. Vanad ja noored. Erinevad.

Giotto freskod Scrovegni kirikus Padovas (1302-1305). Vasakul: Kristuse itk. Keskel: Juuda suudlus (fragment). Paremal: Püha Anna (Ema Maarja) kuulutus, fragment.

Giotto põhitöö on tema freskode tsükkel Scrovegni kabelis Padovas. Kui see kirik koguduseliikmetele avanes, voolas sellesse rahvahulgad. Sest nad pole kunagi midagi sellist näinud.

Lõppude lõpuks tegi Giotto midagi enneolematut. Ta justkui tõlkis piiblilood lihtsasse, arusaadavasse keelde. Ja need on muutunud palju kättesaadavamaks tavalised inimesed.

Giotto. Magi jumaldamine. 1303-1305 Fresko Scrovegni kabelis Padovas, Itaalias.

Just see on iseloomulik paljudele renessansiajastu meistritele. Lakoonilised pildid. Tegelaste elavad emotsioonid. Realism.

Lisateavet meistri freskode kohta leiate artiklist.

Giottot imetleti. Kuid tema uuendusi ei arendatud edasi. Rahvusvahelise gootika mood tuli Itaaliasse.

Alles 100 aasta pärast ilmub meister, Giotto vääriline järglane.

2. Masaccio (1401–1428)

Masaccio. Autoportree (fragment freskost “Püha Peeter kantslil”). 1425-1427 Brancacci kabel Santa Maria del Carmine kirikus, Firenzes, Itaalias.

15. sajandi algus. Nn vararenessanss. Veel üks uuendaja on sündmuskohale sisenemas.

Masaccio oli esimene kunstnik, kes seda kasutas lineaarne perspektiiv. Selle kujundas tema sõber, arhitekt Brunelleschi. Nüüd on kujutatud maailm muutunud sarnaseks tegelikule. Mänguasjaarhitektuur on minevik.

Masaccio. Püha Peetrus ravib oma varjuga. 1425-1427 Brancacci kabel Santa Maria del Carmine kirikus, Firenzes, Itaalias.

Ta võttis omaks Giotto realismi. Erinevalt oma eelkäijast tundis ta aga anatoomiat juba hästi.

Plokklike tegelaste asemel on Giotto kaunilt inimesi üles ehitanud. Täpselt nagu vanad kreeklased.

Masaccio. Neofüütide ristimine. 1426-1427 Brancacci kabel, Santa Maria del Carmine kirik Firenzes, Itaalias.
Masaccio. Paradiisist väljasaatmine. 1426-1427 Fresko Brancacci kabelis, Santa Maria del Carmine kirik, Firenze, Itaalia.

Masaccio elas lühikest elu. Ta suri, nagu ta isa, ootamatult. 27-aastaselt.

Tal oli aga palju järgijaid. Järgmiste põlvkondade meistrid läksid Brancacci kabelisse tema freskode järgi õppima.

Seega võtsid Masaccio uuendused kasutusele kõik kõrgrenessansi suured titaanid.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Autoportree. 1512 Kuninglik Raamatukogu Torinos, Itaalias.

Leonardo da Vinci on üks renessansiajastu titaane. Mis avaldas maalikunsti arengule tohutut mõju.

Just tema tõstis ise kunstniku staatust. Tänu temale pole selle elukutse esindajad enam lihtsalt käsitöölised. Need on vaimu loojad ja aristokraadid.

Leonardo tegi läbimurde peamiselt aastal portree maalimine.

Ta uskus, et miski ei tohiks põhipildilt tähelepanu kõrvale juhtida. Pilk ei tohiks eksida ühelt detaililt teisele. Nii ilmusid tema kuulsad portreed. Lakooniline. Harmooniline.

Leonardo da Vinci. Daam hermeliiniga. 1489-1490 Czertoryski muuseum, Krakov.

Leonardo peamine uuendus seisneb selles, et ta leidis viisi, kuidas pilte... elavaks muuta.

Enne teda nägid portreede tegelased välja nagu mannekeenid. Jooned olid selged. Kõik detailid on hoolikalt joonistatud. Maalitud joonistus ei saanud kuidagi elus olla.

Siis aga leiutas Leonardo sfumatomeetodi. Ta varjutas jooned. Tegi ülemineku valguselt varjule väga pehmeks. Tema tegelased näivad olevat kaetud vaevumärgatava uduga. Tegelased ärkasid ellu.

. 1503-1519 Louvre, Pariis.

Sellest ajast alates on sfumato kaasatud kõigi tuleviku suurte artistide aktiivsesse sõnavarasse.

Sageli on arvamus, et Leonardo on loomulikult geenius. Kuid ta ei teadnud, kuidas midagi lõpetada. Ja ma ei jõudnud sageli maalid lõpuni. Ja paljud tema projektid jäid paberile (muide, 24 köites). Ja üldiselt visati ta kas meditsiini või muusikasse. Ja omal ajal huvitas mind isegi serveerimiskunst.

Mõelge siiski ise. 19 maali. Ja ta - suurim kunstnik kõigist aegadest ja rahvastest. Ja mõned ei ole isegi suurusele lähedal. Samas, olles oma elu jooksul maalinud 6000 lõuendit. On selge, kellel on suurem efektiivsus.

Tema enda kohta kuulus maal loe kaptenit artiklist.

4. Michelangelo (1475–1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (fragment). 1544 Metropolitani kunstimuuseum, New York.

Michelangelo pidas end skulptoriks. Kuid ta oli universaalne meister. Nagu tema teised renessansiaegsed kolleegid. Seetõttu pole ka tema pildipärand vähem suurejooneline.

Ta on äratuntav eelkõige füüsiliselt arenenud karakterite järgi. Sest ta kujutas täiuslikku meest. Milles füüsiline ilu tähendab vaimset ilu.

Seetõttu on kõik tema kangelased nii lihaselised ja vastupidavad. Isegi naised ja vanad inimesed.

Michelangelo. Fragmendid freskost "Viimne kohtuotsus" Sixtuse kabelis, Vatikanis.

Michelangelo maalis tegelase sageli alasti. Ja siis lisas ta riided peale. Et keha oleks võimalikult vormitud.

Sixtuse kabeli lae maalis ta ise. Kuigi neid on mitusada numbrit! Ta ei lubanud kellelgi isegi värvi hõõruda. Jah, ta oli üksik. Laheda ja tülitseva iseloomuga. Aga kõige rohkem oli ta rahulolematu... iseendaga.

Michelangelo. Fragment freskost “Aadama loomine”. 1511 Sixtuse kabel, Vatikan.

Michelangelo elas pika elu. Olles üle elanud renessansi languse. Tema jaoks oli see isiklik tragöödia. Tema hilisemad teosed on täis kurbust ja kurbust.

Üldiselt on Michelangelo loominguline tee ainulaadne. Tema varased teosed tähistavad inimkangelast. Vaba ja julge. Parimate traditsioonide järgi Vana-Kreeka. Mis ta nimi on David?

IN viimased aastad elu on traagilised pildid. Tahtlikult jämedalt tahutud kivi. Justkui vaataksime monumente 20. sajandi fašismi ohvritele. Vaata tema Pietàt.

Michelangelo skulptuurid Akadeemias kaunid kunstid Firenzes. Vasakul: David. 1504 Paremal: Palestrina Pietà. 1555

Kuidas on see võimalik? Üks kunstnik ühes elus läbis kõik kunstietapid renessansist kuni 20. sajandini. Mida peaksid tegema järgmised põlvkonnad? Noh, mine oma teed. Mõistes, et latt on seatud väga kõrgele.

5. Raffael (1483–1520)

. 1506 Uffizi galerii, Firenze, Itaalia.

Raphaelit ei unustatud kunagi. Tema geeniust on alati tunnustatud. Ja elu jooksul. Ja pärast surma.

Tema tegelased on varustatud sensuaalse, lüürilise iluga. Just teda peetakse õigustatult kõige ilusamateks naisepiltideks, mis eales loodud. Nende väline ilu peegeldab ja vaimne ilu kangelannad. Nende leebus. Nende ohverdus.

Raphael. . 1513 Old Masters Gallery, Dresden, Saksamaa.

Fjodor Dostojevski ütles kuulsad sõnad "Ilu päästab maailma". See oli tema lemmikmaal.

Sensoorsed kujutised pole aga ainsad tugev külg Raphael. Ta mõtles oma maalide kompositsioonid väga hoolikalt läbi. Ta oli maalikunstis ületamatu arhitekt. Pealegi leidis ta ruumi korraldamisel alati kõige lihtsama ja harmoonilisema lahenduse. Tundub, et teisiti ei saagi.

Raphael. Ateena kool. 1509-1511 Fresko Vatikani Apostliku Palee stanzades.

Raphael elas vaid 37 aastat. Ta suri ootamatult. Külmetusest ja arstiveast. Kuid tema pärandit on raske üle hinnata. Paljud kunstnikud jumaldasid seda meistrit. Korrutab tema sensuaalseid pilte tuhandetel lõuenditel.

Tizian oli ületamatu kolorist. Samuti katsetas ta palju kompositsiooniga. Üldiselt oli ta julge ja geniaalne uuendaja.

Kõik armastasid teda tema ande sellise sära pärast. Nimetatakse "maalijate kuningaks ja kuningate maalijaks".

Titianist rääkides tahan panna iga lause järele hüüumärgi. Lõppude lõpuks tõi tema maalikunsti dünaamika. Pathos. entusiasm. Hele värv. Värvide sära.

Tizian. Maarja taevaminek. 1515-1518 Santa Maria Gloriosi dei Frari kirik, Veneetsia.

Elu lõpuks oli ta arenenud ebatavaline tehnika kirju. Löögid on kiired ja paksud. Värvi kandsin peale kas pintsliga või näppudega. See muudab pildid veelgi elavamaks ja hingavamaks. Ja süžeed on veelgi dünaamilisemad ja dramaatilisemad.

Tizian. Tarkvin ja Lucretia. 1571 Fitzwilliami muuseum, Cambridge, Inglismaa.

Kas see ei tuleta sulle midagi meelde? Loomulikult on see tehnoloogia. Ja 19. sajandi kunstnike tehnika: barbisonlased ja. Tizian, nagu Michelangelo, läbiks ühe elu jooksul 500 aastat maalikunsti. Sellepärast on ta geenius.

Lugege artiklist meistri kuulsa meistriteose kohta.

Renessansi kunstnikud on suurte teadmistega kunstnikud. Sellise pärandi jätmiseks pidi palju teadma. Ajaloo, astroloogia, füüsika ja nii edasi vallas.

Seetõttu paneb iga pilt neist mõtlema. Miks seda kujutatakse? Mis on siin krüpteeritud sõnum?

Seetõttu ei teinud nad peaaegu kunagi vigu. Sest nad mõtlesid oma tulevase töö põhjalikult läbi. Kasutades kõiki oma teadmisi.

Nad olid rohkem kui kunstnikud. Nad olid filosoofid. Maalikunsti kaudu meile maailma seletamine.

Seetõttu on need meile alati sügavalt huvitavad.