19. sajandi vene kodumaal. Žanrid 19. sajandi vene maalikunstis

19. sajandi esimese poole vene maalikunst.

Vene kujutavat kunsti iseloomustasid romantism ja realism. Ametlikult tunnustatud meetod oli aga klassitsism. Kunstiakadeemiast sai konservatiivne ja inertne institutsioon, mis takistas igasuguseid loomingulise vabaduse katseid. Ta nõudis klassitsismi kaanonite ranget järgimist ning julgustas maalima piibli- ja mütoloogilistel teemadel. Noored andekad vene kunstnikud ei olnud akadeemilisuse raamistikuga rahul. Seetõttu pöördusid nad sagedamini portree žanri poole.

Maal kehastas rahvusliku tõusu ajastu romantilisi ideaale. Heitnud kõrvale klassitsismi ranged, mittepõlevad põhimõtted, avastasid kunstnikud ümbritseva maailma mitmekesisuse ja kordumatuse. See ei kajastunud ainult juba tuttavates žanrites - portrees ja maastikus -, vaid andis tõuke ka argimaali sünnile, mis sattus sajandi teise poole meistrite tähelepanu keskmesse. Esialgu jäi ülimuslikkus ajaloolisele žanrile. See oli aga klassitsismi viimane pelgupaik, kuid ka siin, formaalselt klassikalise “fassaadi” taga, peideti romantilisi ideid ja teemasid.

Romantism – (prantsuse romantisme), ideoloogiline ja kunstiline liikumine Euroopa ja Ameerika vaimses kultuuris 18. sajandi lõpu – 1. poolel. 19. sajandil Peegeldab pettumust tulemustes Prantsuse revolutsioon 18. sajandi lõpus, valgustusajastu ja sotsiaalse progressi ideoloogias. Romantism vastandas utilitarismi ja indiviidi nivelleerimise piiritu vabaduse ja "lõpmatu" püüdlustega, täiuslikkuse ja uuenemise janu ning isikliku ja kodaniku sõltumatuse paatosega. Valus ebakõla ideaali ja sotsiaalse reaalsuse vahel on romantilise maailmapildi ja kunsti aluseks. Eneseväärtuse kinnitamine vaimselt loominguline elu isiksus, tugevate kirgede kujutamine, tugevate kirgede, spirituaalse ja tervendava olemuse kujutamine, paljude romantikute jaoks - protesti või võitluse kangelaslikkus külgnevad "maailma kurbuse", "maailma kurjuse", hinge "öise" poole motiividega. , riietatud iroonia, groteski, kahe maailma poeetika vormidesse. Huvi rahvusliku mineviku vastu (sageli selle idealiseerimine), oma ja teiste rahvaste folkloori ja kultuuri traditsioonide vastu, soov luua maailmast universaalne pilt (eeskätt ajaloost ja kirjandusest), kunstide sünteesi idee. leidis väljenduse romantismi ideoloogias ja praktikas.

Kaunites kunstides avaldus romantism kõige selgemalt maalis ja graafikas, vähem selgelt skulptuuris ja arhitektuuris (näiteks valegootikas). Enamik kaunite kunstide romantismi rahvuskoolkondi tekkis võitluses ametliku akadeemilise klassitsismi vastu.

Ametliku riigikultuuri sügavustes on märgata valitsevat klassi (aristokraatiat ja kuninglikku õukonda) teenindavat ja välismaistele uuendustele erilise vastuvõtlikkusega “eliit” kultuurikihti. Piisab, et mäletada romantiline maal O. Kiprenski, V. Tropinin, K. Brjullov, A. Ivanov jt major XIX sajandi kunstnikud V.

Kiprenski Orest Adamovitš, vene kunstnik. Vene kauni romantismikunsti silmapaistev meister, tuntud kui imeline portreemaalija. Maalis “Dmitry Donskoy Kulikovo väljal” (1805, Vene muuseum) demonstreeris ta kindlat teadmist akadeemilise ajaloomaali kaanonitest. Kuid varakult oli portree valdkond, kus tema talent kõige loomulikumalt ja pingevabamalt ilmnes. Tema esimene piltportree (“A.K. Schwalbe”, 1804, ibid.), mis on kirjutatud “Rembrandti” stiilis, paistab silma ekspressiivse ja dramaatilise chiaroscuro struktuuri poolest. Aastate jooksul on tema oskus, mis väljendub oskuses luua ennekõike ainulaadseid, individuaalselt iseloomulikke kujundeid, valides selle omaduse esiletõstmiseks spetsiaalseid plastilisi vahendeid, muutunud tugevamaks. Täis muljetavaldavat elujõudu: poisi A. A. Tšelištševi portree (umbes 1810–1111), abikaasade F. V. ja E. P. Rostopchini (1809) ning V. S. ja D. N. Hvostovi (1814, kõik – Tretjakovi galerii) paarispildid. Kunstnik mängib üha enam värvide ja valguse ja varju kontrastide, maastikutaustade ja sümboolsete detailidega (“E. S. Avdulina”, umbes 1822, ibid.). Kunstnik oskab teha ka suuri tseremoniaalseid portreesid lüüriliselt, peaaegu intiimselt pingevabalt (“Eluportree Hussar kolonel Evgraf Davõdov”, 1809, Vene muuseum). Tema portree noorest A. S. Puškinist, mis on kaetud poeetilise hiilgusega, on üks parimaid romantilise kuvandi loomisel. Kiprenski loomingus näeb Puškin välja pühalik ja romantiline, poeetilise hiilguse auras. "Sa meelitad mind, Orestes," ohkas Puškin valmis lõuendit vaadates. Kiprensky oli ka virtuoosne joonistaja, kes lõi (peamiselt itaalia pliiatsi- ja pastellitehnikas) näiteid graafilisest oskusest, ületades sageli oma maalitud portreesid oma avatud, põnevalt kerge emotsionaalsusega. Need on igapäevased tüübid ("Pime muusik", 1809, Vene muuseum; "Kalmõtška Bayausta", 1813, Tretjakovi galerii) ja kuulus 1812. aasta Isamaasõjas osalejate pliiatsiportreede sari (joonised, mis kujutavad E. I. Chaplitsit, A. R. Tomilovat , P. A. Olenina, sama joonistus luuletaja Batjuškovi ja teistega; 1813-15, Tretjakovi galerii ja muud kogud); kangelaslik algus omandab siin siira varjundi. Suur hulk visandeid ja tekstilisi tõendeid näitavad, et kunstnik püüdles kogu oma küpse perioodi jooksul suure (tema enda sõnadega kirjast A. N. Oleninile 1834. aastal) loomise poole, "vaatemängulise või vene keeles rabava ja maagilise maali". kus Euroopa ajaloo tulemusi, aga ka Venemaa saatust oleks kujutatud allegoorilises vormis. “Ajalehelugejad Napolis” (1831, Tretjakovi galerii) – välimuselt lihtsalt grupiportree – on tegelikult salaja sümboolne vastus revolutsioonilistele sündmustele Euroopas.

Ambitsioonikaim Kiprenski pildilistest allegooriatest jäi aga realiseerimata või kadus (nagu 1821. aastal valminud "Anakreoni haud). Need romantilised otsingud said aga K. P. Brjullovi ja A. A. Ivanovi loomingus ulatusliku jätku.

Realistlik stiil kajastus V.A. Tropinina. Varasemad Tropinini vaoshoitud värvides maalitud portreed (krahvid Morkovi perekonnaportreed, 1813 ja 1815, mõlemad Tretjakovi galeriis) kuuluvad endiselt täielikult valgustusajastu traditsiooni: modell on pildi tingimusteta ja stabiilne keskpunkt. neid. Hiljem muutub Tropinini maali koloriit intensiivsemaks, mahud on reeglina selgemalt ja skulpturaalsemalt vormitud, kuid mis kõige tähtsam – insinueerivalt kasvab puhtromantiline elu liikuva elemendi tunne, millest portree kangelane näib olevat vaid üks. osa, fragment (“Bulahhov”, 1823; “K.G. Ravich”, 1823; autoportree, umbes 1824; kõik kolm - samas kohas). Selline on A. S. Puškin kuulsas 1827. aasta portrees (A. S. Puškini ülevenemaaline muuseum, Puškin): poeet, asetades oma käe paberivirnale, justkui "muusat kuulates", kuulab kunstnikku ümbritsevat loomingulist unistust. kujutage nähtamatut halo. Samuti maalis ta A. S. Puškini portree. Vaataja ette tuuakse mees, kes on elukogemusest tark ja mitte eriti õnnelik. Tropinini portrees on luuletaja koduselt võluv. Tropinini töödest õhkub erilist vana-Moskva soojust ja mugavust. Kuni 47. eluaastani oli ta vangistuses. Tõenäoliselt on see põhjus, miks tavainimeste näod tema lõuenditel on nii värsked, nii inspireeritud. Ja tema “Pitsitegija” noorus ja võlu on lõputud. Kõige sagedamini pöördus V. A. Tropinin inimeste kuvandi poole ("Pitsitegija", "Poja portree" jne).

Vene ühiskondliku mõtte kunstilised ja ideoloogilised otsingud ning muutuste ootus peegelduvad K.P. maalidel. Bryullov “Pompei viimane päev” ja A. A. Ivanov “Kristuse ilmumine rahvale”.

Suurepärane kunstiteos on Karl Pavlovich Brjullovi (1799-1852) maal “Pompei viimane päev”. 1830. aastal külastas vene kunstnik Karl Pavlovich Brjullov iidse Pompei linna väljakaevamisi. Ta kõndis mööda iidseid kõnniteed, imetles freskosid ja tema kujutluses kerkis see traagiline 79. augusti öö pKr. e., kui linn oli kaetud ärganud Vesuuvi kuuma tuha ja pimsskiviga. Kolm aastat hiljem tegi maal “Pompei viimane päev” võiduka teekonna Itaaliast Venemaale. Kunstnik leidis tragöödia kujutamiseks hämmastavaid värve iidne linn, sureb purskava Vesuuvi laava ja tuha all. Pilt on läbi imbunud kõrgetest humanistlikest ideaalidest. See näitab inimeste julgust, nende pühendumust, mis ilmnes kohutava katastroofi ajal. Bryullov viibis Itaalias kunstiakadeemias ärireisil. See õppeasutus andis hea väljaõppe maali- ja joonistustehnikas. Akadeemia keskendus aga selgelt muinaspärandile ja kangelaslikele teemadele. Akadeemilist maali iseloomustas dekoratiivne maastik, üldise kompositsiooni teatraalsus. Stseene tänapäeva elust ja tavalistest Venemaa maastikest peeti kunstniku pintsli vääriliseks. Klassitsismi maalikunstis nimetati akadeemilisuseks. Bryullov oli akadeemiaga seotud kogu oma loovusega.

Tal oli võimas kujutlusvõime, terav silm ja ustav käsi – ning ta sünnitas akadeemilise kaanonitega kooskõlas oleva elava loomingu. Tõesti, Puškini armuga oskas ta lõuendile jäädvustada nii alasti inimkeha ilu kui ka päikesekiire värisemist rohelisel lehel. Tema lõuendid “Ratsanaine”, “Bathsheba”, “Itaalia hommik”, “Itaalia pärastlõuna” ning arvukad tseremoniaalsed ja intiimsed portreed jäävad igaveseks vene maalikunsti hääbumatuteks meistriteosteks. Kunstnik on aga alati püüdnud suurte ajalooliste teemade poole, inimkonna ajaloo oluliste sündmuste kujutamise poole. Paljud tema plaanid sellega seoses jäid ellu viimata. Bryullov ei jätnud kunagi maha ideed luua eepiline lõuend Venemaa ajaloo süžee põhjal. Ta alustab maaliga "Pihkva piiramine kuningas Stefan Batory vägede poolt". Sellel on kujutatud 1581. aasta piiramise haripunkti, mil Pihkva sõdalased ja. Linlased tormavad linna tunginud poolakaid ründama ja müüride taha paiskama. Kuid maal jäi pooleli ja tõeliselt rahvuslike ajalooliste maalide loomise ülesannet täitis mitte Bryullov, vaid järgmine vene kunstnike põlvkond. Puškiniga sama vana Bryullov elas ta 15 aasta võrra kauem. Ta on viimastel aastatel haige olnud. Tollal maalitud autoportreelt vaatab meile vastu õrnade näojoonte ja rahuliku mõtliku pilguga punakas mees.

19. sajandi esimesel poolel. Kunstnik Aleksandr Andrejevitš Ivanov (1806-1858) elas ja töötas. Ta pühendas kogu oma loomingulise elu rahva vaimse ärkamise ideele, kehastades seda filmis "Kristuse ilmumine rahvale". Rohkem kui 20 aastat töötas ta maali "Kristuse ilmumine rahvale" kallal, millesse ta investeeris kogu oma talendi jõu ja sära. Peal esiplaanil tema suurejooneliselt lõuendilt püüab pilku Ristija Johannese julge kuju, mis osutab rahvale lähenevale Kristusele. Tema kuju on kauguses näidatud. Ta pole veel jõudnud, ta tuleb, ta tuleb kindlasti, ütleb kunstnik. Ja Päästjat ootavate inimeste näod ja hinged muutuvad heledamaks ja selgeks. Sellel pildil näitas ta, nagu I. E. Repin hiljem ütles, "rõhutud rahvast, kes igatseb vabaduse sõna".

19. sajandi esimesel poolel. Vene maalikunst sisaldab igapäevaseid teemasid.

Üks esimesi, kes tema poole pöördus, oli Aleksei Gavrilovitš Venetsianov (1780-1847). Ta pühendas oma loomingu talupoegade elu kujutamisele. Ta näitab seda elu idealiseeritud, ilustatud kujul, avaldades austust tollal moekas sentimentalismile. Venetsianovi maalid “Rehealune”, “Lõikusel. Suvi", "Põllumaal. Kevad”, “Rukkililledega taluperenaine”, “Zakharka”, “Maaomaniku hommik”, mis peegeldavad tavaliste vene inimeste ilu ja õilsust, kinnitasid inimese väärikust, sõltumata tema sotsiaalsest staatusest.

Tema traditsioone jätkas Pavel Andrejevitš Fedotov (1815-1852). Tema lõuendid on realistlikud, täidetud satiirilise sisuga, paljastades ühiskonna eliidi kaupmehemoraali, elu ja kombeid (“Majori matš”, “Värske kavaler” jne). Ta alustas oma teed satiirikunstnikuna vahiohvitserina. Seejärel tegi ta armee elust naljakaid, vallatuid visandeid. Aastal 1848 esitleti tema maali "Värske kavaler" akadeemilisel näitusel. See oli hulljulge mõnitamine mitte ainult rumala, enesega rahuloleva bürokraatia, vaid ka akadeemiliste traditsioonide üle. Räpane rüü, mida kandsin peategelane maal meenutas väga antiiktoogat. Bryullov seisis kaua lõuendi ees ja ütles siis autorile pooleldi naljaga, pooleldi tõsiselt: "Palju õnne, sa võitsid mind." Ka teised Fedotovi filmid (“Aristokraadi hommikusöök”, “Majori matš”) on koomilise ja satiirilise iseloomuga. Tema viimased maalid on väga kurvad (“Ankur, veel ankur!”, “Lesk”). Kaasaegsed võrdlesid P. A. Fedotovit maalikunstis õigesti N. V. Gogoliga kirjanduses. Feodaalse Venemaa hädade paljastamine on Pavel Andrejevitš Fedotovi loomingu peateema.

19. sajandi teise poole vene maalikunst.

19. sajandi teine ​​pool. iseloomustas vene kujutava kunsti õitseng. Sellest sai tõeliselt suur kunst, see oli läbi imbunud rahva vabadusvõitluse paatosest, vastas elunõuetele ja tungis aktiivselt ellu. Kaunites kunstides kinnistus lõpuks realism – tõetruu ja kõikehõlmav rahvaelu peegeldus, soov see elu võrdsuse ja õigluse põhimõtetel uuesti üles ehitada.

Uue vene maalikunsti teadlik pööre demokraatliku realismi, rahvuslikkuse ja modernsuse poole tekkis 50ndate lõpus koos revolutsioonilise olukorraga riigis, erinevate klasside intelligentsi sotsiaalse küpsemisega, Tšernõševski ja Dobroljubovi revolutsioonilise valgustamisega. , Saltõkov-Štšedrin, Nekrasovi rahvast armastava luulega. Tšernõševski kirjutas raamatus “Essees Gogoli perioodist” (1856): “Kui maalikunst on praegu üldiselt üsna haletsusväärses seisus, peamine põhjus Pealegi tuleb arvestada selle kunsti võõrandumisega kaasaegsetest püüdlustest. Sama mõte esitati paljudes ajakirjas Sovremennik artiklites.

Kunsti keskseks teemaks on saanud inimesed, mitte ainult rõhutud ja kannatajad, vaid ka inimesed – ajaloo looja, rahvasõjaja, kõige parema looja, mis elus on.

Realismi kinnistumine kunstis toimus visa võitluses ametliku suunaga, mille esindajaks oli Kunstiakadeemia juhtkond. Akadeemia juhid sisendasid oma õpilastesse arusaama, et kunst on elust kõrgem, ning nad esitasid kunstnike loomingule ainult piibellikke ja mütoloogilisi teemasid.

Kuid maal hakkas juba ühinema kaasaegsete püüdlustega - ennekõike Moskvas. Moskva kool ei nautinud kümnendikkugi Peterburi kunstiakadeemia privileegidest, kuid see sõltus vähem oma juurdunud dogmadest ja õhkkond oli selles elavam. Kuigi koolis on õpetajad valdavalt akadeemikud, on akadeemikud teisejärgulised ja kõikuvad – nad ei surunud oma autoriteediga nii alla kui Akadeemias vana kooli tugisammast F. Bruni, kes omal ajal konkureeris Brjullovi maaliga. Vaskmadu”.

1862. aastal otsustas Peterburi Kunstiakadeemia nõukogu võrdsustada kõigi žanrite õigused, kaotades ajaloolise maalikunsti ülimuslikkuse. Kuldmedal anti nüüd välja olenemata pildi teemast, võttes arvesse ainult selle teeneid. “Vabadused” akadeemia seinte vahel ei kestnud aga kaua.

1863. aastal esitasid akadeemilisel konkursil osalenud noored kunstnikud avalduse "lubamaks valida lisaks etteantud teemale ka aineid, mida nad soovivad". Akadeemia nõukogu keeldus. Seda, mis juhtus, nimetatakse Vene kunsti ajaloos neljateistkümnendiku mässuks. Neliteist ajalooklassi õpilast ei soovinud Skandinaavia mütoloogiast väljapakutud teemal - “Pidu Valgaalis” pilte maalida ja esitasid sihikindlalt avalduse akadeemiast lahkumiseks. Olles ilma töökodadeta ja rahata, ühinesid mässulised omamoodi kommuuniks - sarnaselt Tšernõševski romaanis “Mida tuleb teha?” kirjeldatavate kommuunide tüübiga - Kunstnike artelliks, mille eesotsas on maalikunstnik Ivan Nikolajevitš Kramskoy. . Artelli töötajad võtsid vastu tellimusi mitmesuguste tööde teostamiseks kunstiteos, elas samas majas, kogunes ühistuppa vestlusteks, maalide üle arutlemiseks, raamatute lugemiseks.

Seitse aastat hiljem läks Artel laiali. Selleks ajaks, 70ndatel, tekkis kunstnik Grigori Grigorjevitš Myasoedovi algatusel ühendus - "Kunstiliste mobiilsete lisade ühendus", sarnastel ideoloogilistel positsioonidel seisnud kunstnike professionaalne ja äriühing.

Rändurite Ühendus, erinevalt paljudest hilisematest ühendustest, tegi ilma deklaratsioonide ja manifestideta. Selle põhikirjas oli ainult kirjas, et partnerluse liikmed peaksid ise oma materiaalseid asju ajama, mitte kellestki sõltumata, ning korraldama ise näitusi ja viima neid erinevatesse linnadesse ("kolima" mööda Venemaad), et riiki tutvustada. Vene kunst. Mõlemad punktid olid olulise tähtsusega, kinnitades kunsti sõltumatust võimudest ja kunstnike tahet suhelda laialdaselt inimestega mitte ainult pealinnas. Peamine roll partnerluse loomisel ja selle harta väljatöötamisel kuulus lisaks Kramskoile ka Peterburist pärit Myasoedovile, Geile ja moskvalastele - Perovile, Prjanišnikovile, Savrasovile.

Peredvižnikeid ühendas oma mütoloogia, dekoratiivsete maastike ja pompoosse teatraalsusega „akadeemilisuse” tagasilükkamine. Nad tahtsid kujutada elavat elu. Juhtiv koht Nende töö võtsid võimust žanrilised (igapäevased) stseenid. Talurahvas tundis erilist sümpaatiat "ränduritega". Nad näitasid tema vajadust, kannatusi, rõhutud positsiooni. Sel ajal - 60-70ndatel. XIX sajand - kunsti ideoloogilist poolt hinnati kõrgemalt kui esteetilist. Alles aja jooksul mäletasid kunstnikud maalikunsti olemuslikku väärtust.

Võib-olla avaldas ideoloogiale suurimat tunnustust Vassili Grigorjevitš Perov (1834-1882). Piisab, kui meenutada selliseid tema maale nagu "Juurdlusjuhi saabumine", "Teeõhtu Mytištšis". Mõned Perovi teosed on läbi imbunud ehtsast traagikast (“Troika”, “Vanavanemad poja haual”). Perov maalis hulga portreesid oma kuulsatest kaasaegsetest (Ostrovski, Turgenev, Dostojevski).

Mõned "Rändurite" maalid, mis on maalitud elust või inspireeritud reaalsetest stseenidest, on rikastanud meie ettekujutusi talupojaelust. S. A. Korovini film “Maailma peal” näitab maakohtumisel toimunud kokkupõrget rikka ja vaese mehe vahel. V. M. Maksimov jäädvustas perekonna jagunemise raevu, pisaraid ja leina. Talurahva töö pidulik pidu kajastub G. G. Myasoedovi maalil “Niidukid”.

Portreed hõivasid Kramskoy loomingus peamise koha. Ta kirjutas Gontšarov, Saltõkov-Štšedrin, Nekrasov. Talle kuulub üks parimaid Lev Tolstoi portreesid. Kirjaniku pilk ei lahku vaatajast, ükskõik mis punktist ta lõuendit vaatab. Üks Kramskoy võimsamaid teoseid on maal "Kristus kõrbes".

1871. aastal avatud esimene “Rändurite” näitus demonstreeris veenvalt läbi 60ndate kujunenud uue suuna olemasolu. Eksponaate oli vaid 46 (vastupidiselt akadeemia kohmakatele väljapanekutele), kuid hoolikalt valitud ja kuigi näitus ei olnud sihilikult programmiline, tuli üldine kirjutamata programm üsna selgelt välja. Esindatud olid kõik žanrid - ajalooline, igapäevaelu, maastikuportree - ning publik sai hinnata, mida uut “Rändajad” neile tõid. Ebaõnne läks ainult skulptuuril (oli üks ja juba siis veidi tähelepanuväärne F. Kamensky skulptuur), kuid seda tüüpi kunsti „õnnestus“ pikka aega, tegelikult terve sajandi teise poole.

90. aastate alguseks leidus Moskva koolkonna noorte kunstnike seas aga neid, kes väärikalt ja tõsiselt jätkasid tsiviilränduri traditsiooni: S. Ivanov oma maalitsükliga immigrantidest, S. Korovin - ränduriteose autor. maal “Maailmast”, kus on huvitav ja läbimõeldult avatakse reformieelse küla dramaatilisi (tõesti dramaatilisi!) konflikte. Kuid nad ei andnud tooni: lähenes sissepääs “Kunstimaailma” esiplaanile, mis oli ühtviisi kaugel ränduritest ja akadeemiast. Kuidas akadeemia tol ajal välja nägi? Tema kunstilised senised rigoristlikud hoiakud olid hääbunud, ta ei nõudnud enam neoklassitsismi rangeid nõudeid, kurikuulsat žanrite hierarhiat, oli igapäevažanri suhtes üsna tolerantne, eelistas vaid, et see oleks pigem "ilus" kui "talupoeg". ("ilusate" mitteakadeemiliste teoste näide - stseenid tollal populaarse S. Bakalovitši iidsest elust). Enamasti oli mitteakadeemiline toodang, nagu teisteski riikides, kodanlik salong, selle "ilu" oli labane iludus. Kuid ei saa öelda, et ta ei oleks andeid välja toonud: ülalmainitud G. Semiradsky ja varakult surnud V. Smirnov (kellel õnnestus luua muljetavaldav suur maal “Nero surm”) olid väga andekad; teatud asju ei saa eitada kunstiline väärtus A. Svedomski ja V. Kotarbinski maalid. Repin rääkis neist kunstnikest tunnustavalt, pidades neid oma hilisematel eluaastatel “kreeka vaimu” kandjateks ja Vrubelile avaldasid nad muljet nagu ka “akadeemilisele” kunstnikule Aivazovskile. Seevastu ei keegi muu kui Semiradsky astus akadeemia ümberkorraldamise ajal otsustavalt välja selle poolt. igapäevane žanr, osutades positiivne näide Perovi, Repini ja V. Majakovski kohta. Seega oli “Rändurite” ja Akadeemia vahel piisavalt lähenemispunkte ja seda mõistis toonane akadeemia asepresident I. I. Tolstoi, kelle algatusel kutsuti õpetama juhtivad “rändurid”.

Kuid peamine, mis ei luba kunstiakadeemia, eeskätt õppeasutuse rollist sajandi teisel poolel täielikult alla teha, on lihtne tõsiasi, et selle seinte vahelt kerkis esile palju silmapaistvaid kunstnikke. Need on Repin ja Surikov, Polenov ja Vasnetsov ning hiljem - Serov ja Vrubel. Veelgi enam, nad ei kordanud „neljateistkümnendike mässu” ja ilmselt said oma praktikast kasu.

Austus joonistuse, konstrueeritud konstruktiivse vormi vastu on vene kunstis juurdunud. Tšistjakovi meetodi populaarsuse põhjuseks sai vene kultuuri üldine orienteeritus realismile - nii või teisiti austasid vene maalikunstnikud Serovi, Nesterovi ja Vrubelini kaasa arvatud "muutumatuid igavesi vormiseadusi" ja olid ettevaatlikud "dematerialiseerumise" suhtes. ” ehk värvilise amorfse elemendi alluvus, ükskõik kui väga nad värvi armastasid.

Akadeemiasse kutsutud Peredvižnikute hulgas oli kaks maastikumaalijat - Šiškin ja Kuindži. Just sel ajal sai kunstis alguse maastiku hegemoonia nii iseseisva žanrina, kus valitses Levitan, kui ka võrdväärse elemendina igapäevases, ajaloolises ja osaliselt ka portreemaalis. Vastupidiselt Stasovi prognoosidele, kes usub, et maastiku roll väheneb, kasvas see 90ndatel rohkem kui kunagi varem. Valitses lüüriline “meeleolumaastik”, mille esivanemad ulatusid Savrasovi ja Polenovini.

Peredvizhniki rühmitus tegi maastikumaalis tõelisi avastusi. Aleksei Kondratjevitš Savrasov (1830-1897) suutis näidata lihtsa vene maastiku ilu ja peent lüürikat. Tema maal “Vanrad on saabunud” (1871) pani paljud kaasaegsed oma koduloomust värske pilguga vaatama.

Fjodor Aleksandrovitš Vassiljev (1850-1873) elas lühike eluiga. Tema kohe alguses katkenud looming rikastas vene maalikunsti mitmete dünaamiliste põnevate maastikega. Kunstnik valdas eriti hästi looduse üleminekuseisundeid: päikesest vihmani, tuulevaikusest tormiseni.

Vene metsa, Venemaa looduse eepilise laiuse lauljaks sai Ivan Ivanovitš Šiškin (1832-1898). Arkhip Ivanovitš Kuindži (1841-1910) köitis maaliline valguse ja õhu mäng. Kuu salapärane valgus haruldaste pilvedes, koidu punased peegeldused Ukraina onnide valgetel seintel, viltused hommikukiired, mis murduvad läbi udu ja mängivad lompides mudasel teel – need ja paljud teised maalilised avastused on jäädvustatud tema pildile. lõuendid.

19. sajandi vene maastikumaal saavutas haripunkti Savrasovi õpilase Isaac Iljitš Levitani (1860-1900) loomingus. Levitan on rahulike, vaiksete maastike meister.Väga pelglik, häbelik ja haavatav mees, oskas lõõgastuda ainult üksi loodusega, läbi imbunud oma lemmikmaastiku meeleolust.

Ühel päeval tuli ta Volga äärde, et maalida päikest, õhku ja jõelaiusi. Kuid päikest polnud, üle taeva roomasid lõputud pilved ja tuim sadu lakkas. Kunstnik oli närvis, kuni ta selle ilmaga kaasa lõi ja avastas Vene halva ilma sirelililla värvide erilise võlu. Sellest ajast alates on Ülem-Volga ja provintsilinn Ples tema töös kindlalt juurdunud. Nendes osades lõi ta oma “vihmaseid” teoseid: “Pärast vihma”, “Sünge päev”, “Igavese rahu kohal”. Seal maaliti ka rahulikke õhtumaastikke: “Õhtu Volgal”, “Õhtu. Golden Reach", "Õhtuhelin", "Vaikne elukoht".

Oma elu viimastel aastatel juhtis Levitan tähelepanu prantsuse impressionistide kunstnike (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro) loomingule. Ta mõistis, et tal on nendega palju ühist, et nende loomingulised otsingud kulgesid samas suunas. Nagu nemadki, eelistas ta töötada mitte stuudios, vaid õhus (vabas õhus, nagu kunstnikud ütlevad). Nagu nemadki, muutis ta paletti heledamaks, tõrjudes välja tumedad maalähedased värvid. Nagu nemadki, püüdis ta tabada eksistentsi põgusat olemust, anda edasi valguse ja õhu liikumist. Selles läksid nad temast kaugemale, kuid peaaegu lahustasid mahulised vormid (majad, puud) kergetes õhuvoogudes. Ta vältis seda.

"Levitani maalid nõuavad aeglast vaatamist," kirjutas oma loomingu suur tundja K. G. Paustovsky. "Need ei uimasta silma. Need on tagasihoidlikud ja täpsed, nagu Tšehhovi lood, aga mida kauem neid vaadata, seda armsamaks muutub provintsilinnade, tuttavate jõgede ja maateede vaikus.

19. sajandi teisel poolel. tähistab I. E. Repini, V. I. Surikovi ja V. A. Serovi loomingulist õitsengut.

Ilja Efimovitš Repin (1844-1930) sündis Tšuguevi linnas sõjaväelise asuniku peres. Tal õnnestus astuda Kunstiakadeemiasse, kus P. P. Chistyakov, kes koolitas terve galaktika kuulsad kunstnikud(V. I. Surikova, V. M. Vasnetsova, M. A. Vrubel, V. A. Serova). Ka Repin õppis Kramskoilt palju. 1870. aastal rändas noor kunstnik mööda Volgat. Maali “Praamivedurid Volgal” (1872) jaoks kasutas ta arvukalt reisidelt kaasa võetud visandeid. Ta tootis tugev mulje avalikkusele. Autor tõusis kohe kuulsaimate meistrite hulka.

Repin oli väga mitmekülgne kunstnik. Tema pintslisse kuulub hulk monumentaalseid žanrimaale. Võib-olla pole vähem muljetavaldav kui “Praamivedajad” “Usuline rongkäik Kurski kubermangus”. Helesinine taevas, päikesest läbistatud maanteetolmu pilved, ristide ja rõivaste kuldne kuma, politsei, tavalised inimesed ja sandid – sellele lõuendile mahub kõik: Venemaa suurus, tugevus, nõrkus ja valu.

Paljud Repini filmid käsitlesid revolutsioonilisi teemasid (“Pihtimisest keeldumine”, “Nad ei oodanud”, “Propagandi vahistamine”). Revolutsionäärid tema maalidel käituvad lihtsalt ja loomulikult, vältides teatraalseid poose ja žeste. Maalil “Pihtimisest keeldumine” näis surmamõistetud mees olevat käed tahtlikult varrukatesse peitnud. Kunstnik tundis selgelt kaasa oma maalide tegelastele.

Mitmed Repini maalid on kirjutatud ajaloolistel teemadel ("Ivan Julm ja tema poeg Ivan", "Kasakad, kes kirjutavad kirja Türgi sultanile" jne). Repin lõi terve portreede galerii. Ta maalis portreesid teadlastest (Pirogov ja Sechenov), kirjanikest Tolstoist, Turgenevist ja Garšinist, heliloojatest Glinkast ja Mussorgskist, kunstnikest Kramskoist ja Surikovist. 20. sajandi alguses. sai ta tellimuse maali "Riiginõukogu pidulik koosolek". Kunstnikul õnnestus mitte ainult kompositsiooniliselt paigutada lõuendile nii palju kohalviibijaid, vaid anda paljudele neist psühholoogilisi omadusi. Nende hulgas olid sellised kuulsad tegelased nagu S. Yu. Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov Tian-Shansky. Nikolai II on pildil vaevumärgatav, kuid kujutatud väga peenelt.

Vassili Ivanovitš Surikov (1848-1916) sündis Krasnojarskis kasakate perekonnas. Tema loomingu hiilgeaeg oli 80ndatel, mil ta lõi oma kolm kuulsaimat ajaloolist maali: "Streltsy hukkamise hommik", "Menšikov Berezovos" ja "Boyaryna Morozova".

Surikov tundis hästi möödunud ajastute elu ja kombeid ning oskas anda elavat psühholoogilised omadused. Lisaks oli ta suurepärane kolorist (värvimeister). Piisab, kui meenutada silmipimestavalt värsket sädelevat lund filmis “Boyaryna Morozova”. Kui jõuate lõuendile lähemale, tundub, et lumi "mureneb" sinisteks, helesinisteks ja roosadeks tõmmeteks. Seda maalitehnikat, kus kaks või kolm erinevat lööki sulanduvad eemal ja annavad soovitud värvi, kasutasid laialdaselt prantsuse impressionistid.

Helilooja poeg Valentin Aleksandrovitš Serov (1865-1911) maalis maastikke, ajalooteemalisi lõuendeid, töötas teatrikunstnik. Kuid eelkõige tõid talle kuulsuse tema portreed.

1887. aastal puhkas 22-aastane Serov Moskva lähedal Abramtsevos, filantroop S. I. Mamontovi suvilas. Oma paljude laste seas oli noor kunstnik oma mees, nende lärmakates mängudes osaleja. Ühel päeval pärast lõunasööki pikutasid söögisaalis kogemata kaks inimest - Serov ja 12-aastane Veruša Mamontova. Nad istusid laua taga, millel olid virsikud, ja vestluse ajal ei märganud Verusha, kuidas kunstnik hakkas oma portreed visandama. Töö kestis kuu aega ja Veruša oli vihane, et Anton (nagu Serovit kodus kutsuti) pani ta tundideks söögitoas istuma.

Septembri alguses valmis "Tüdruk virsikutega". Vaatamata oma väiksusele tundus roosakas-kuldsetes toonides maalitud maal väga "avar". Selles oli palju valgust ja õhku. Tüdruk, kes istus umbes minutiks laua taha ja pööras pilgu vaatajale, võlus oma selguse ja vaimsusega. Ja kogu lõuend oli kaetud puhtlapseliku ettekujutusega igapäevaelust, mil õnn ei teadvusta ennast ja ees ootab terve elu.

Abramtsevo maja elanikud said muidugi aru, et nende silme all juhtus ime. Kuid ainult aeg annab lõpliku hinnangu. See asetas “Tüdruku virsikutega” Venemaa ja maailma maalikunsti parimate portreetööde hulka.

Järgmisel aastal suutis Serov oma maagiat peaaegu korrata. Ta maalis oma õe Maria Simonovići portree ("Päikesest valgustatud tüdruk"). Nimi on veidi ebatäpne: tüdruk istub varjus ja hommikupäikesekiired valgustavad lagendikku taamal. Kuid pildil on kõik nii ühtne, nii ühtne - hommik, päike, suvi, noorus ja ilu -, et raske on paremat nime välja mõelda.

Serovist sai moekas portreemaalija. Tema ees poseerisid kuulsad kirjanikud, näitlejad, kunstnikud, ettevõtjad, aristokraadid, isegi kuningad. Ilmselt polnud kõigil, kes ta kirjutas, südant. Mõned kõrgseltskonna portreed osutusid vaatamata filigraansele teostustehnikale külmaks.

Serov õpetas mitu aastat Moskva maali-, skulptuuri- ja arhitektuurikoolis. Ta oli nõudlik õpetaja. Tardunud maalivormide vastane Serov arvas samal ajal, et loomingulised otsingud peaksid põhinema joonistamise ja pildilise kirjutamise tehnikate kindlal valdamisel. Paljud silmapaistvad meistrid pidasid end Serovi õpilasteks. See on M.S. Saryan, K.F. Yuon, P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.

Paljud Repini, Surikovi, Levitani, Serovi ja “Rändajate” maalid sattusid Tretjakovi kogusse. Vana Moskva kaupmeeste perekonna esindaja Pavel Mihhailovitš Tretjakov (1832-1898) oli ebatavaline inimene. Peenike ja pikk, paksu habeme ja vaikse häälega ta nägi rohkem välja nagu pühak kui kaupmees. Ta alustas vene kunstnike maalide kogumist 1856. aastal. Tema hobist sai tema elu põhitegevus. 90ndate alguses. kollektsioon jõudis muuseumi tasemele, neelates endasse peaaegu kogu kollektsionääri varanduse. Hiljem läks see Moskva omandusse. Tretjakovi galeriist on saanud ülemaailmne kuulus muuseum Vene maal, graafika ja skulptuur.

1898. aastal avati Peterburis Mihhailovski palees Vene Muuseum (K. Rossi looming). See sai Vene kunstnike teoseid Ermitaažist, Kunstiakadeemiast ja mõnest keiserlikust paleest. Nende kahe muuseumi avamine näis kroonivat 19. sajandi vene maalikunsti saavutusi.

Maalimine Venemaal 19. sajandil on rikkalik ja huvitav.

19. sajandit nimetatakse tavaliselt "vene kultuuri kuldajastuks". Vene maalikunst koges erakordset õitsengut.

Aeg-ajalt vilksatas taevas mõni uus särav originaaltäht, mis moodustas andekate kunstnike tähtkuju. Igal neist oli oma individuaalne käekiri, mida oli võimatu mitte ära tunda ega segadusse ajada.

Kunstnik "karuselt Venemaalt"

Orest Adamovitš Kiprenski (24. märts 1782 – 17. oktoober 1836) Itaalia auväärsed maalikunstiprofessorid ei uskunud alguses, et aastal tehtud portreed. suurepärane tehnoloogia, edastades iseloomu, meeleolu ja meeleseisund kujutatud isikust ei kuulu kellelegi kuulus kunstnik Orest Kiprensky metsikust Venemaalt.

O. Kiprenski portree A. S. Puškinist foto

Mõisniku ja pärisorjast talunaise ebaseadusliku poja Kiprensky maalide meisterlikkus ei jäänud mingil juhul alla sellistele meistritele nagu Rubens või Van Dyck. Seda maalikunstnikku peetakse õigusega 19. sajandi parimaks portreemaalijaks. Kahju, et omal maal ei hinnatud teda vääriliselt. Kiprenski A. S. Puškini portree trükiti sellises väljaandes, nagu polekski teine ​​kunstnik.

Rahvaelu maalija

Aleksei Gavrilovitš Venetsianov (18. veebruar 1780 - 16. detsember 1847), väsinud kaheteistkümneaastasest akadeemiliste maalide kopeerimisest Ermitaažis, lahkus Tveri provintsi Safonkovo ​​külla. Ta hakkab kirjutama talupoegade elu talle omasel, ainulaadsel viisil. Päikesevalguse rohkus, õhuvoolud, erakordne kergus vene žanri ja maastikumaali rajaja lõuenditel.

Venetsianov. maalimine põllumaal. Kevadine foto

Vene avarused ja rahu kuulsad maalid“Põllumaal. Kevad“ ja „Lõikus. Suvi". “Karl Suur” Nii nimetati suure vene kunstniku, monumentaalmaali esindaja Karl Pavlovitš Brjullovi (23. detsember 1799 – 23. juuni 1852) õpilasi ja paljusid kaasaegseid, kelle maale nimetati maalil silmatorkavaks nähtuseks. 19. sajandist. Tema kuulsaimast maalist "Pompei viimane päev" sai vene kunsti triumf. Ning maalil “Itaalia pärastlõuna” päikesevalgusest läbi imbunud aristokraatlik “hobunaine” ehk terve külatüdruk erutab ja äratab romantilisi tundeid.

"Rooma erak"

Aleksandr Andrejevitš Ivanov (28. juuli 1806 – 15. juuli 1858) on vastuoluline nähtus vene maalikunstis. Ta kirjutas rangelt akadeemiliselt. Tema maalide teemad on piibellikud ja iidsed müüdid. Tuntuim neist on "Kristuse ilmumine rahvale". See suurejooneline lõuend tõmbab vaatajat endiselt ligi ega lase tal lihtsalt pilku heita ja eemalduda.

A. Ivanovi maali Kristuse ilmumine rahvale foto

See on selle maalikunstniku geenius, kes ei lahkunud oma Rooma töökojast veerand sajandit, kartes kunstniku isikliku vabaduse ja iseseisvuse kaotust kodumaale naasmise tõttu. Ta oli kaugel ees mitte ainult oma kaasaegsetest, vaid ka järgmistest põlvkondadest oma oskusega anda meisterlikult edasi mitte ainult välist, vaid ka sisemist sisu. Ivanovist ulatuvad järjepidevuse niidid Surikovi, Ge, Vrubeli, Korinini.

Kuidas inimesed maailmas elavad...

Argižanri laulja - nii võib määratleda kunstniku Pavel Andrejevitš Fedotovi (4. juuli 1815 - 26. november 1852) loomingut, kes elas väga lühikese, kuid väga viljaka elu. Kõigi tema väheste maalide teemad on sõna otseses mõttes üks sündmus, sageli üsna lühikese aja jooksul. Kuid selle abil saate kirjutada terve loo mitte ainult olevikust, vaid ka minevikust ja tulevikust.

P. Fedotovi maal Matchmaking of a Major foto

Ja seda hoolimata asjaolust, et Fedotovi maalid polnud kunagi detailidega üle koormatud. Tõelise andeka kunstniku mõistatus! Ja kurb traagiline saatus kui tõeline äratundmine saabub alles pärast surma.

Aeg muutusteks

Vene ühiskonnas 19. sajandi teisel poolel aset leidvad muutused ei põhjustanud mitte ainult uusi poliitilisi liikumisi, vaid ka kunstisuundumusi. Realism asendab akadeemilisust. Olles oma eelkäijate parimad traditsioonid omaks võtnud, eelistab uus maalikunstnike põlvkond töötada realismi stiilis.

Mässajad

9. novembril 1863 protesteerisid neliteist Kunstiakadeemia viimase kursuse tudengit keeldumise vastu kirjutada konkursitöid. vaba teema, lahkus Akadeemiast. Akadeemilise mässu algataja oli (8. juuni 1837 – 5. aprill 1887) suurepärane portreemaalija ning ebatavaliselt sügava, filosoofilise ja moraalse lõuendi “Kristus kõrbes” autor. Mässulised korraldasid oma “Rändavate kunstinäituste ühingu”.

Ivan Kramskoy maalis Kristuse kõrbefotol

Peredvizhniki sotsiaalne koosseis oli väga mitmekesine - lihtinimesed, talupoegade ja käsitööliste pojad, pensionil sõdurid, maaelu sekstonid ja alaealised ametnikud. Nad püüdsid teenida oma rahvast oma ande jõuga. Vassili Grigorjevitš Perov (21. detsember 1833 – 29. mai 1882) Peredvižnikute ideoloog ja vaimne mentor.

Tema maalid on täis tragöödiat inimeste raskest loost “Surnute nägemine” ning samas loob ta lõuendeid, mis on täidetud huumori ja loodusearmastusega. ("Jahimehed puhkamas") Aleksei Kondratjevitš Savrasov maalis 1871. aastal väikesemõõtmelise maali "Vanrad on saabunud" ja temast sai vene maastikumaali rajaja. Kuulus maal ripub Tretjakovi galerii ühes saalis ja seda peetakse Venemaa pildiliseks sümboliks.

Vene maalikunsti uus ajastu

Vajaduse, seadusetuse ja rõhumise maailm ilmub vaataja ette suure vene kunstniku maalidel (5. august 1844 – 29. september 1930), tema kuulsad “Praamvedurid Volgal” ei ole ainult pilt seljatagust raskest tööst. , aga ka rahva jõu ja jõu, tema mässumeelse iseloomu tähistamine. Isaac Iljitš Levitan (30. august 1860 – 4. august 1900) on endiselt Venemaa maastiku ületamatu meister.

Ilja Repin maalis Volga fotol praamvedajaid

Savrasovi õpilane tajub ja kujutab loodust hoopis teistmoodi. Päikese, õhu, lõputute avatud ruumide rohkus igal aastaajal lõuenditel loob rahu, vaikuse ja vaikse õnne meeleolu. Hing puhkab nendest armsatest Vene jõekäärudest, luhtadest ja sügisestest metsadest.

Kroonikad

Ajaloolised teemad köitsid maalijaid oma draama, kirgede intensiivsuse ja sooviga kujutada kuulsat ajaloolised isikud. Nikolai Nikolajevitš Ge (27. veebruar 1831 - 13. juuni 1894), ainulaadne maalikunstnik, äärmiselt siiras, kunstnik, mõtleja ja filosoof, keeruline, vastuoluline ja väga emotsionaalne.

Nikolai Ge maal Peeter 1 küsitleb Tsarevitš Aleksei fotot

Ta pidas maalimist kõrgeks moraalseks missiooniks, mis avab tee teadmistele ja ajaloole. Ta uskus, et kunstnik ei ole kohustatud pakkuma vaatajale ainult naudingut, vaid peab suutma ta nutma ajada. Milline jõud, milline traagika, milline kire jõud tema kuulsaimal lõuendil, mis kujutab Peeter I stseeni oma poega Alekseid ülekuulamas!

V. Surikov maalis Suvorovi ületus alpide foto

(24. jaanuar 1848 - 19. märts 1916) pärilik kasakas, Siber. Ta õppis kunstiakadeemias Krasnojarski kaupmehe ja filantroobi kulul. Tema suur talent Maalijat õhutas sügav patriotism ja kõrge kodakondsus. Seetõttu ei rõõmusta tema ajalooteemalised lõuendid mitte ainult oma oskuste ja kõrge tehnikaga, vaid täidavad vaatajat ka uhkusega vene rahva julguse ja vapruse üle.

V. Vasnetsovi maal Rüütel ristteel foto

(15. mai 1848 – 23. juuli 1926), kuulus maalikunstnik, püüdis oma teostes ühendada muinasjutulised, müütilised teemad vene rahva rahvuslike joontega. Ta nimetas end jutuvestjaks, eepiliseks kirjanikuks ja maaliliseks guslariks. Seetõttu on nii "Alyonushka" kui ka "Kolm kangelast" pikka aega saanud vene rahva ja Venemaa sümbolid.

Budyonny esimese ratsaväe võitlejate legendaarse Budenovka ja pika äärega mantli leiutas kunstnik Viktor Vasnetsov. Peakate meenutas iidsete Vene sõdalaste kiivrit ja "vestlustega" mantel (rinnale õmmeldud põikitriibud) sarnanes Streltsy kaftaaniga.

Maal 19.–20. sajandi vahetusel

vene keel kunstikultuur 19. sajandi lõppu – 20. sajandi algust nimetatakse tavaliselt "hõbeajaks" analoogia põhjal Puškini-aegse kuldajastuga, mil loovuses võidutsesid helge harmoonia ideaalid. Hõbeaega tähistas ka tõus kõigis kultuurivaldkondades – filosoofias, luules, teatritegevus, kaunid kunstid, kuid helge harmoonia meeleolu kadus. Kunstnikud, tabades tundlikult hirmumeeleolu enne masinaajastu tulekut, maailmasõja ja revolutsiooni õudusi, püüavad leida uusi vorme maailma ilu väljendamiseks. Sajandivahetusel toimus erinevate kunstisüsteemide abil reaalsuse järkjärguline teisenemine, vormi järkjärguline “dematerialiseerumine”.

Kunstnik ja kriitik A. Benoit kirjutas 20. sajandi alguses, et isegi tema põlvkonna esindajad „peavad ikka veel võitlema, sest vanemad ei tahtnud neile oma töödes õpetada seda, mida saab ainult õpetada – vormide, joonte valdamist. ja värvid. Lõppude lõpuks on sisu, mida meie isad nõudsid, Jumalalt. Ka meie aeg otsib sisu... aga nüüd mõistame sisu järgi midagi lõpmatult laiemat kui nende sotsiaalpedagoogilised ideed.“

Uue põlvkonna kunstnikud püüdlesid uue pildikultuuri poole, milles domineeris esteetiline printsiip. Vorm kuulutati maalikunsti armukeseks. Kriitiku S. Makovski järgi „looduskultus asendus stiilikultusega, isikulähedane pedantsus asendus julge pildilise üldistuse või graafilise teravusega, süžeelise sisu range järgimine asendus vaba eklektikaga, kusjuures kalduvus kaunistuste, maagia ja ajalooliste mälestuste suitsususe poole.

Valentin Aleksandrovitš Serov (1865–1911) oli kunstnik, kes ühendas sajandivahetusel traditsioonilise realistliku koolkonna uute loominguliste otsingutega. Talle anti vaid 45 eluaastat, kuid ta suutis teha erakordselt palju. Serov oli esimene, kes otsis vene kunstis “meeldivat”, vabastades maalikunsti hädavajalikust. ideoloogiline sisu(“Tüdruk virsikutega”) läbis ta oma loomingulistes otsingutes tee impressionismist (“Päikesest valgustatud tüdruk”) kuni juugendstiilini (“Euroopa vägistamine”). Serov oli oma kaasaegsete seas parim portreemaalija, tal oli helilooja ja kunstikriitiku B. Asafjevi sõnul "maagiline jõud kellegi teise hinge paljastamiseks".

Geniaalne uuendaja, kes sillutas vene kunstile uusi teid, oli Mihhail Aleksandrovitš Vrubel (1856–1910). Ta uskus, et kunsti ülesanne on äratada inimese hing"igapäevastest pisiasjadest majesteetlike piltideni." Vrubelist ei leia ühtki maiste, igapäevaste teemadega seotud maali. Ta eelistas “hõljuda” maa kohal või transportida vaataja “kaugesse kuningriiki” (“Pan”, “Luigeprintsess”). Tema dekoratiivpaneelid (“Faust”) tähistasid juugendstiili rahvusliku versiooni kujunemist Venemaal. Kogu oma elu oli Vrubel kinnisideeks Deemoni kujutisest - rahutu loomevaimu teatav sümboolne kehastus, omamoodi vaimne autoportree kunstnikust endast. “Istuva deemoni” ja “Lüütud deemoni” vahel möödus kogu tema loominguline elu. A. Benois nimetas Vrubelit „imeliseks Langenud ingel"," kelle jaoks oli maailm lõputu rõõm ja lõputu piin, kelle jaoks inimühiskond oli nii vennalikult lähedane kui ka lootusetult kaugel."

Kui näitusel näidati Mihhail Vassiljevitš Nesterovi (1862–1942) esimest teost “Noorte Bartolomeuse nägemus”, tuli maali ostnud P. Tretjakovi juurde vanemaealiste rändurite saadik palvega ostmisest keelduda. see "ebareaalne" lõuend galerii jaoks. Rändurid ajas segadusse oreool munga pea ümber – nende arvates sobimatu kahe maailma kombinatsioon ühel pildil: maise ja teispoolsuse. Nesterov oskas edasi anda “üleloomuliku lummavat õudust” (A. Benois), pööras näo Venemaa legendaarse, kristliku ajaloo poole, lüüriliselt muudetud loodust imelistel maastikel, mis olid täis naudingut “maise paradiisi” ees.

Konstantin Aleksejevitš Korovinit (1861–1939) nimetatakse "Vene impressionistiks". Impressionismi vene versioon erineb Lääne-Euroopa omast suurema temperamendi ja metodoloogilise ratsionaalsuse puudumise poolest. Korovini anne arenes peamiselt teatri- ja dekoratiivmaalis. Molbertimaali alal lõi ta suhteliselt vähe maale, mis torkavad silma oma löökide julguse ja värviarenduse peenuse poolest (“Kohvik Jaltas” jne).

19. sajandi lõpus ja 20. sajandi alguses tekkis Moskvas ja Peterburis palju kunstiühendusi. Igaüks neist kuulutas oma arusaama "ilust". Kõigil neil rühmadel oli ühine protest rändurite esteetilise doktriini vastu. Püüdluste ühel poolusel oli 1898. aastal tekkinud Peterburi ühenduse “Kunstimaailm” rafineeritud estetism. Moskvalaste – Sinise Roosi, Vene Kunstnike Liidu ja teiste esindajate – uuendused arenesid teises suunas.

“Kunstimaailma” kunstnikud kuulutasid välja vabaduse “moraaliõpetustest ja reeglitest”, vabastasid vene kunsti “askeetlikest ahelatest”, pöördusid peen, rafineeritud ilu poole. kunstiline vorm. S. Makovsky nimetas neid kunstnikke tabavalt "retrospektiivseteks unistajateks". Nende kunstis maaliliselt kaunist samastati kõige sagedamini antiigiga. Ühingu juht oli Aleksandr Nikolajevitš Benois (1870–1960), särav kunstnik ja kriitik. Tema kunstiline maitse ja mentaliteet tõmbusid esivanemate maale Prantsusmaale (“Kuninga jalutuskäik”). Ühingu suurimad meistrid olid Jevgeni Jevgenievitš Lanceray (1875–1946) armastusega möödunud ajastute dekoratiivse hiilguse vastu (“Elizaveta Petrovna Tsarskoje Selos”), vana Peterburi poeet Mstislav Valerianovitš Dobužinski (1875–1957). , pilkav, irooniline ja kurb Konstantin Andrejevitš Somov (1869–1939), “tark mürgine esteet” (K. Petrov-Vodkini järgi) Lev Samoilovitš Bakst (1866–1924).

Kui “Kunstimaailma” uuendajad võtsid palju Euroopa kultuurist, siis Moskvas kulges uuenemisprotsess rahvuslikele, rahvapärastele traditsioonidele orienteeritult. 1903. aastal loodi “Vene kunstnike liit”, kuhu kuulusid Abram Efimovitš Arhipov (1862–1930), Sergei Arsenijevitš Vinogradov (1869–1938), Stanislav Julianovitš Žukovski (1875–1944), Sergei Vassiljevitš (18)4–9. , Philip Andreevitš Maljavin (1869–1940), Nikolai Konstantinovitš Roerich (1874–1947), Arkadi Aleksandrovitš Rõlov (1870–1939), Konstantin Fedorovitš Juon (1875–1958). Juhtroll selles ühenduses kuulus moskvalastele. Nad kaitsesid rahvusteema õigusi, jätkasid Levitani “meeleolumaastiku” ja Korovini peene kolorismi traditsioone. Asafjev meenutas, et liidu näitustel valitses loomingulise rõõmsameelsuse õhkkond: "kerge, värske, särav, selge", "maaliline hingas kõikjal", "mitte ratsionaalsed leiutised, vaid soojus, kunstniku intelligentne nägemus". ülekaalus.

1907. aastal avati ühingu näitus intrigeeriva pealkirjaga “ Sinine Roos" Selle ringi juht oli Pavel Varfolomejevitš Kuznetsov (1878–1968), kellele oli lähedane kujutlus ebakindlast, tabamatust teispoolsuse sümbolitega täidetud maailmast (“Natüürmort”). Selle ühenduse teist silmapaistvat esindajat Viktor Borisov-Musatovit (1870–1905) nimetasid kriitikud “Tabamatu ilu Orpheuks” soovi tõttu jäädvustada iidse arhitektuuriga maastikuparkide kaduvat romantikat. Tema maalid on asustatud kummaliste kummituslike naiste kujutistega iidsetes rüüdes – nagu tabamatud minevikuvarjud (“Tik” jne).

Kahekümnenda sajandi 10. aastate vahetusel algas vene kunsti arengus uus etapp. 1912. aastal toimus seltsi “Jack of Diamonds” näitus. “Teemantide ventiil” Pjotr ​​Petrovitš Kontšalovski (1876–1956), Aleksandr Vassiljevitš Kuprin (1880–1960), Aristarkh Vassiljevitš Lentulov (1841–1910), Ilja Ivanovitš Maškov (1881–1944), Robert Rafailovitš 6 – Falk (1888) kogeda prantsuse kunsti uusimaid suundi (tsezanism, kubism, fovism). Nad pidasid erilist tähtsust värvide "käegakatsutavale" tekstuurile ja nende haletsusväärsele kõlalisusele. “Teemantide jacki” kunstil, nagu D. Sarabjanov tabavalt ütles, on “kangelaslik iseloom”: need kunstnikud olid armunud mitte teispoolsuse udustesse peegeldustesse, vaid mahlasesse ja viskoossesse maisesse liha (P. Konchalovsky. “Kuivad värvid”).

Marc Zakharovich Chagalli (1887–1985) looming eristub kõigist sajandialgustest liikumistest. Hämmastava kujutlusvõimega võttis ta omaks ja segas kokku kõik võimalikud “-ismid”, arendades välja oma unikaalse stiili. Tema kujundid on kohe äratuntavad: need on fantasmogoorilised, väljaspool gravitatsioonijõudu (“Roheline viiuldaja”, “Armastajad”).

Kahekümnenda sajandi alguses toimusid esimesed restauraatorite poolt “ilmutatud” iidsete Vene ikoonide näitused ja nende ürgne ilu sai kunstnikele tõeliseks avastuseks. Vanavene maalikunsti motiive ja selle stiilivõtteid kasutas oma loomingus Kuzma Sergejevitš Petrov-Vodkin (1878–1939). Tema maalides eksisteerivad imekombel kõrvuti lääne rafineeritud esteetika ja iidne vene kunstitraditsioon. Petrov-Vodkin tutvustas uut "sfäärilise perspektiivi" kontseptsiooni - kõige maa peal ilmuva tõstmist planeedimõõtmesse ("Punase hobuse suplemine", "Hommikune natüürmort").

Kahekümnenda sajandi alguse kunstnikud, nagu Makovsky ütles, otsisid "taassündi päris allikatel" ja pöördusid primitiivse rahvakunsti traditsiooni poole. Selle suuna suurimad esindajad olid Mihhail Fedorovitš Larionov (1881–1964) ja Natalia Sergeevna Goncharova (1881–1962). Nende teosed on täis õrna huumorit ja suurepärast, peenelt viimistletud värvide täiuslikkust.

1905. aastal kuulus tegelane Hõbedaaeg, lausus “Kunstimaailma” asutaja S. Diaghilev prohvetlikud sõnad: “Oleme tunnistajad suurimale ajaloolisele tulemuste ja lõpuhetkele uue tundmatu kultuuri nimel, mis meie poolt kerkib, kuid meid minema pühib. ..” Tõepoolest, 1913. aastal ilmus Larionovi “Luchism” - esimene manifest mitteobjektiivist kunstis meie kunstis ja aasta hiljem Vassili Vassiljevitš Kandinski (1866–1944) raamat “Vaimsusest kunstis”. avaldati. Peal ajalooline stseen esile kerkib avangard, mis vabastab maalikunsti “materiaalsetest köidikutest” (V. Kandinsky). Suprematismi leiutaja Kazimir Severinovitš Malevitš (1878–1935) selgitas seda protsessi järgmiselt: „Muutsin end nullvormiks ja püüdsin end välja akadeemilise kunsti prügikeerisest.<…>asjade ringist välja pääsenud<…>milles sisalduvad kunstnik ja looduse vormid.

19. sajandi lõpus ja 20. sajandi alguses kulges Vene kunst sama arenguteed nagu Lääne-Euroopa kunst, ainult et “kokkusurutud” kujul. Kriitiku N. Radlovi sõnul pildisisu “tõukas esmalt kõrvale ja siis hävitas pildi muu sisu.<…>Sellisel kujul sulandus maalikunst süsteemiks, millel oli kahtlemata sügav analoogia muusikaga. Kunstiline loovus hakati taandama abstraktseks mänguks värvidega, ilmus termin “molbert-arhitektuur”. Seega aitas avangard kaasa kaasaegse disaini sünnile.

Hõbedaajastu kunstiprotsessi tähelepanelikult jälginud Makovsky märkis kord: „Demokratiseerimine ei olnud esteetilistes tornides moes. Rafineeritud euroopluse propageerijad ei hoolinud asjatundmatust rahvamassist. Oma paremusele andudes vältisid "algatajad" kiduralt tänavaid ja põgenike vabriku tagatänavaid. Enamik hõbeajastu juhte ei märganud, kuidas maailmasõda kasvas üle oktoobrirevolutsiooniks...

APOLLINAR VASNETSOV. Sõnumitoojad. Varahommik Kremlis.1913. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Apollinar Vasnetsov oli kunstnik-arheoloog, vana Moskva asjatundja. see töö on osa sarjast “Time of Troubles”, mis räägib, milline võis Moskva kuulsa ajal välja näha ajaloolised sündmused 17. sajandi alguses. Vasnetsov loob omamoodi arheoloogilise rekonstruktsiooni Kremlist, mis oli tollal tihedalt ehitatud õukonnaaadli kivi- ja puidust kambritega, täites selle vana Moskva poeetilise atmosfääriga. Mööda hommikuse, veel unest ärgamata Kremli kitsast puitsillutist tormavad ratturid, kelle kiirustamine dissoneerib jäätunud, “nõiutud” maaliliste tornide kuningriigiga, millel on elegantsed verandad, väikesed kabelid ja maalitud väravad. Sõnumitoojad vaatavad tagasi, justkui jälitaks neid ja see tekitab ärevustunde, tulevaste õnnetuste aimamise.

MIKHAIL VRUBEL. Neitsi ja laps.1884–1885. Pilt Kiievi Püha Cyrili kiriku ikonostaasil

Vrubel töötas Püha Cyrili kiriku maalimisel teadlase ja arheoloogi A. Prakhovi juhendamisel. Enamik kavandatud kompositsioone jäi vaid visanditeks. Üks vähestest teostunud piltidest "Neitsi ja laps" on maalitud ajal, mil kunstnik viibis Veneetsias, kus ta tutvus Bütsantsi templimaalide monumentaalse suursugususega. Bütsantsi traditsiooni peamisi stiililisi aluseid tundlikult haarates täidab Vrubel Jumalaema kuvandi kurblike kannatuste ja samas intensiivse tahtega. Jeesuslapse silmis on ebainimlik arusaam tema enda saatusest. Kunstnik M. Nesterov kirjutas, et Vrubeli Jumalaema "on ebatavaliselt originaalne, atraktiivne, kuid peamine on imeline, range joonte ja värvide harmoonia."

MIKHAIL VRUBEL. Deemon istub.1890. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Vrubeli sõnul tähendab "Deemon hinge" ja kehastab rahutu inimvaimu igavest võitlust, otsides lepitust valdavate kirgede vastu, teadmisi elust ega leia vastust selle kahtlustele ei maa peal ega taevas. Vägev deemon istub mäe tipus keset salapärast, lõputut ilmaruumi. Käed on lõdva tegevusetuse tõttu suletud. Tema tohututest silmadest veereb alla leinav pisar. Vasakul leegitseb kauguses murettekitav päikeseloojang. Tundub, et võimsalt kujundatud Deemoni kuju ümber õitsevad mitmevärvilistest kristallidest valmistatud fantastilised lilled. Vrubel töötab nagu monumentalist – mitte pintsliga, vaid paletinoaga; ta maalib laiade tõmmetega, mis meenutavad mosaiik-smalti kuubikuid. Sellest maalist sai kunstniku omamoodi vaimne autoportree, millel olid ainulaadsed loomingulised võimed, kuid äratundmata ja rahutu.

MIKHAIL VRUBEL. S. I. Mamontovi portree.

Vrubeli asutamiseks ja toetamiseks tegi palju ära kuulus tööstur ja filantroop Savva Ivanovitš Mamontov (1841–1918). Vrubel elas pärast Kiievist Moskvasse kolimist oma külalislahkes majas ja sai seejärel aktiivseks osalejaks Abramtsevo ringis, mis moodustati Mamontovi Abramtsevo kinnistul. Portree traagilistes intonatsioonides on Mamontovi tulevase saatuse prohvetlik ettevaade. 1899. aastal süüdistati teda omastamises Severodonetski raudtee ehitamisel. Kohus mõistis ta õigeks, kuid tööstur sai ruineeritud. Portreel näib ta olevat hirmust tagasi tõmbunud, end toolile surunud, läbitungivalt murelik nägu pinges. Kurjakuulutav must vari seinal kannab endas tragöödia aimdust. Portree kõige silmatorkavam “visionäärne” detail on leinaja kujuke patrooni pea kohal.

MIKHAIL VRUBEL. K. D. Artsõbuševi portree.1897. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Konstantin Dmitrievich Artsybushev oli protsessiinsener, ehitaja raudteed, S.I. Mamontovi sugulane ja sõber. 1896. aasta kevadel elas Vrubel oma majas Sadovaja tänaval; Tõenäoliselt siis maaliti see portree, mis annab suurepäraselt edasi intellektuaalse töö mehe kuvandit. Artsõbuševi kontsentreeritud nägu kannab intensiivsete mõtete pitserit, parema käe sõrmed toetuvad raamatu leheküljele. Kontorikeskkond on kujutatud rangelt ja realistlikult. Sellel portreel esineb Vrubel kuulsa Kunstiakadeemia õppejõu P. Tšistjakovi särava õpilasena – suurepäraselt joonistatud vormide ja arhitektuurselt kontrollitud kompositsiooni asjatundjana. Ainult laiades pintslitõmmetes, rõhutades vormi üldistatud monumentaalsust, tunnustatakse Vrubeli originaalsust - virtuoosset stilisti ja monumentalisti.

MIKHAIL VRUBEL. Fausti ja Mefistofele lend.Dekoratiivpaneel gooti kontori jaoks Moskvas A. V. Morozovi majas. 1896. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Moskvas Vvedenenski (praegu Podsosenski) tänavale 1895. aastal arhitekt F. O. Shekhteli projekti järgi ehitatud A. V. Morozovi majas asuva kontori jaoks tegi Vrubel mitu paneeli, mille teemadeks olid I tragöödia motiivid. -V. Goethe "Faust" ja C. Gounod' samanimeline ooper. Esialgu teostas kunstnik kolm kitsast vertikaalset paneeli “Mefistofeles ja jünger”, “Faust töötoas” ja “Margarita aias” ning ühe suure, peaaegu ruudukujulise “Faust ja Margarita aias”. Hiljem, juba Šveitsis, lõi ta paneeli “Fausti ja Mefistofele lend”, mis asetati gooti stiilis kontori ukse kohale.

See Vrubeli teos on üks vene modernismi täiuslikumaid teoseid. Kunstnik tasandab ruumi, stiliseerib jooni, muutes need imelisteks ornamentaalseteks mustriteks, mida ühendab ühtne rütm. Värvikas gamma meenutab veidi pleekinud antiikset seinavaipa, mis sädeleb hinnalisest hõbedast.

MIKHAIL VRUBEL. Pan.

Iidsete müütide kangelane, kitsejalgne metsade ja põldude jumal Pan armus ilusasse nümfi ja tormas talle järele, kuid naine, tahtmata tema juurde pääseda, muutus pillirooks. Sellest pilliroost valmistas Pan piibu, millest ta kunagi lahku ei läinud, mängides sellel õrna, kurba meloodiat. Vrubeli maalil pole Pan sugugi hirmutav - ta meenutab vene kavalat goblini. Loodusvaimu kehastus, ta ise näib olevat loodud looduslikust materjalist. Tema hallid juuksed meenutavad valkjat sammalt, pikkade karvadega kaetud kitsejalad on nagu vana känd ja tema kelmikate silmade külm sinine tundub olevat küllastunud metsaoja jahedast veest.

MIKHAIL VRUBEL. N. I. Zabela-Vrubeli portree.1898. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Laulja Nadežda Ivanovna Zabela-Vrubel (1868–1913) polnud mitte ainult suure meistri abikaasa, vaid ka muusa. Vrubel oli armunud oma häälesse - kaunisse sopranisse, kujundas peaaegu kõik S. I. Mamontovi Venemaa eraooperi etendused ja kujundas lavapiltide jaoks kostüümid.

Portreel on teda kujutatud Vrubeli disainitud “Empire” stiilis kleidis. Kleidi keerukad mitmekihilised eesriided kumavad üksteisest läbi ja lainetavad arvukate voltidega. Pead kroonib kohev müts-müts. Liikuvad teravad pikad jooned muudavad lõuendi tasapinna lopsakaks fantaasiavaibaks, nii et laulja isiksus pääseb selles kaunis dekoratiivses voolus välja.

Zabela hoolitses Vrubeli eest kuni tema surmani ja külastas teda pidevalt psühhiaatriahaiglas.

MIKHAIL VRUBEL. Luigeprintsess.

See maal on lavaportree N. Zabelast Luigeprintsessi rollis N. Rimski-Korsakovi ooperis “Tsaar Saltani lugu”. Ta ujub süngel merel meist mööda ja heidab ümber pöörates murettekitava hüvastijätupilgu. Meie silme all on toimumas metamorfoos – kaunitari peenike kõver käsi muutub pikaks luigekaelaks.

Vrubel ise mõtles Luigeprintsessi rolli jaoks välja vapustavalt kauni kostüümi. Hõbedases pitsis sädelevad luksuslikud kroonid kalliskivid, sõrmused säravad sõrmedes. Maali pärlmuttervärvid meenutavad Rimski-Korsakovi ooperitest pärit meremuusikalisi motiive. «Orkestrit kuulen lõputult, eriti merd.

Iga kord, kui leian selles uut võlu, näen mõnda fantastilist tooni,” rääkis Vrubel.

MIKHAIL VRUBEL. Õhtuks.1900. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Maal on maalitud muljete põhjal, mis on saadud jalutuskäikudest Ukraina Pliski talu lähedal stepis, kus Vrubel külastas sageli oma naise sugulasi. Öö müsteerium muudab tavalise maastiku fantastiliseks nägemuseks. Nagu tõrvikud, vilguvad pimeduses ohakate punased pead, nende lehed põimuvad, meenutades peent dekoratiivmustrit. Päikeseloojangu punakas kuma muudab hobused omaks müütilised olendid, ja karjane - satiiriks. “Kallis noormees, tule minu juurde õppima. Ma õpetan sind nägema fantastilist tegelikkuses, nagu fotograafiat, nagu Dostojevski,” ütles kunstnik ühele oma õpilasele.

MIKHAIL VRUBEL. Lilla.1900. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Ka Vrubel leidis selle motiivi Pliski talust. Pilt lopsakast sirelipõõsast sündis välivaatlustel, kuid pildil moondub see salapäraseks lillaks mereks, mis väriseb ja virvendab paljudes toonides. Tihnikus peituv kurb neiu näeb välja nagu mingi mütoloogiline olend, sirelihaldjas, kes hämaruse saabudes kaob hetkega nendesse lopsakatesse kummaliste lillede laiali. Arvatavasti kirjutas O. Mandelstam selle Vrubeli maali kohta: “Kunstnik kujutas meile sügavat minestavat sirelit...”

MIKHAIL VRUBEL. Bogatyr.1898–1899. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Esialgu nimetas Vrubel maali "Ilja Murometsaks". Eeposeepose peamist, võitmatut kangelast kujutab kunstnik Vene maa võimsate elementide kehastusena. Kangelase võimas figuur näib olevat raiutud kivikaljust, mis sädeleb hinnaliste kristallide servadest. Tema raske hobune "kasvas" maa sisse, nagu mäeserv. Noored männid tiirlevad ümber kangelase ümmarguses tantsus, mille kohta Vrubel ütles, et soovis väljendada eepose sõnu: "Natuke kõrgem kui seisev mets, natuke madalam kui kõndiv pilv." Kaugel, taga tume mets, päikeseloojangu sära lõõmab - öö on langemas maa peale oma pettuste, saladuste ja ärevate ootustega...

MIKHAIL VRUBEL. Pärl.

"Kõik on dekoratiivne ja ainult dekoratiivne," - nii sõnastas Vrubel loomuliku vormiloome põhimõtte. Ta uskus, et kunstnik kohtleb loodust vormiloomes partnerina, ta õpib sellest looma.

Kaks salapärast tüdrukut, ojade ja jõgede jumalannad naiad, ujuvad pidevas ümmarguses tantsus pärlmuttervahu ja hinnaliste kristallide hajuvuse vahel hõbedases udus, mis on täidetud peegelduste väreleva säraga. Tundub, et see pärl peegeldab kogu Universumit planeetide ringikujulise liikumisega, paljude kaugete tähtede sädemega kosmose kosmilises lõpmatuses...

Käed pea kohal ristatud, lendab Deemon põhjatusse kuristikku, ümbritsetuna kuninglikest paabulinnusulgedest, keset kaugete mägede majesteetlikku panoraami... Figuuri deformatsioon rõhutab sureva, murtud hinge traagilist murdumist. Äärel psüühikahäire, kirjutas Vrubel Deemoni kuristiku hirmust moonutatud näo mitu korda ümber, kui maal oli juba näitusel eksponeeritud. Kaasaegsete mälestuste järgi oli selle värvil julge, trotslik ilu - see sädeles kullast, hõbedast, kinaverist, mis aja jooksul väga tumedaks muutus. See pilt on omamoodi finaal Vrubeli loomingulisele elule, keda tema kaasaegsed nimetasid "kukkunud deemoniks".

MIKHAIL VRUBEL. Deemon on võidetud.Fragment

MIHAIL NESTEROV. Erak.1888–1889. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Nesterov oli müstiliselt andekas inimene. Vene looduse maailmas paljastab ta jumaliku ilu ja harmoonia igavese alguse. Üks väga vana mees, kloostrikõrbe (kõrge eraldatud klooster) elanik, rändab varahommikul mööda põhjajärve kallast. Seda ümbritsev vaikne sügisene loodus on läbi imbunud ülevast palvelikust ilust. Järve peegelpind särab, kuuskede sihvakad siluetid tumenevad kuivanud rohu vahel, paljastades kallaste siledad piirjooned ja kauge nõlv. Näib, et sellel hämmastaval “kristallmaastikul” elab mingi saladus, maisele nägemisele ja teadvusele arusaamatu. “Erakis endas leiti selline soe ja sügav rahumeelse inimese joon.<…>Üldiselt õhkub pildist hämmastavat soojust,” kirjutas V. Vasnetsov.

MIHAIL NESTEROV. Visioon noorele Bartholomew.1889–1890. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Maali idee tekkis kunstnikul Abramtsevos Radoneži Sergiuse elu ja vaimse vägiteo mälestusega kaetud kohtades. Sergiuse (enne tonsuurimist oli ta nimi Bartholomeus) elu ütleb, et ta oli lapsena karjane. Ühel päeval, otsides kadunud hobuseid, nägi ta salapärast munka. Poiss astus talle arglikult ligi ja palus tal palvetada, et Issand aitaks tal õppida lugema ja kirjutama. Munk täitis Bartholomeuse palve ja ennustas talle suure askeedi, kloostrite rajaja saatust. Pildil kohtuvad justkui kaks maailma. Habras poiss tardus aukartusest munga ees, kelle nägu me ei näe; Tema pea kohal särab halo – teise maailma kuulumise sümbol. Ta ulatab poisile laeva, mis näeb välja nagu templi mudel, ennustades tema tulevast teed. Pildil on kõige tähelepanuväärsem maastik, kuhu Nesterov kogus kõik Vene tasandiku tüüpilisemad jooned. Iga rohulible on kunstnik maalinud nii, et võib tunda tema vaimustust Jumala loomingu ilust. “Tundub, nagu oleks õhku pilves paksu pühapäevaevangeeliumi, justkui voolaks üle selle oru imeline lihavõttelaul” (A. Benois).

MIHAIL NESTEROV. Suurepärane tonsuur.1897–1898. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Valgetes pearättides õrnalt vaimsed noored naised, kes on otsustanud pühenduda Jumalale, liiguvad nunnadest ümbritsetuna rahulikus rongkäigus kauni looduse süles. Nad hoiavad käes suuri küünlaid ja neid endid võrreldakse põlevate küünaldega - nende lumivalged sallid “lahvatavad” kloostrirüüde taustal valge leegiga. IN kevadine maastik kõik hingab Jumala armu. Naiste mõõdetud liikumine kordub peenikeste noorte kaskede vertikaalses rütmis, kaugemate küngaste lainelistes piirjoontes. Nesterov kirjutas selle pildi kohta: "Teema on kurb, kuid taastav loodus, Venemaa põhjaosa, vaikne ja õrn (mitte bravuurikas lõuna), teeb pildi puudutavaks, vähemalt neile, kellel on õrn tunne ..."

MIHAIL NESTEROV. Vaikus.1903. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Paadid munkadega liuglevad mööda heledat põhjajõge metsakallaste vahel. Ümberringi valitseb “ürgse” looduse lummav vaikus. Tundub, et aeg on seisma jäänud – need samad paadid sõitsid mööda jõge palju sajandeid tagasi, sõidavad täna ja sõidavad homme... See imeline “Püha Venemaa” maastik sisaldab endas kogu Nesterovi filosoofiat, kes arvas selles ära religioossed. maailma mõistmise sügavus, ühendades S. Makovski kriitika sõnadega "slaavi paganluse vaimsuse unistusega paganlikust looduse jumalikustamisest".

MIHAIL NESTEROV. "Amazon".1906. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Portree maaliti Ufas, kunstniku sünnikohas, looduse keskel, mida ta aupaklikult armastas. Kunstniku tütar Olga elegantses mustas ratsutamisülikonnas (amazon) poseerib päikeseloojangu selges õhtuvaikuses jõe heleda peegli taustal. Meie ees on ilus tardunud hetk. Nesterov maalib oma armastatud tütart tema elu helgel ajal – noorena ja hingelisena, sellisena, nagu ta tahaks teda mäletada.

MIHAIL NESTEROV. Püha Sergiuse noorus.1892–1897. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Sellest maalist sai jätk Nesterovi maalide tsüklile Radoneži Püha Sergiuse elust. Metsa kõrbes noor Sergius, surudes peopesad rinnale, justkui kuulaks kevadise looduse hõngu. Radoneži Sergiuse elulugu räägib, et teda ei kartnud ei linnud ega loomad. Pühaku jalge ees lebab nagu kuulekas koer karu, kellega Sergius oma viimast leiba jagas. Metsatihnikust on kuulda oja meloodilist kohinat, lehtede sahinat, lindude laulu... „Sambla, noorte kaskede ja kuuskede imelised aroomid sulanduvad ühtseks akordiks, mis on müstilisusele väga lähedal. viiruki lõhna,” imetles A. Benoit. Pole juhus, et kunstnik nimetas seda maali alguses "Au kõigevägevamale maa peal ja taevas".

MIHAIL NESTEROV. In Rus' (Rahva hing).1914–1916. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Maal näitab kollektiivne pilt Vene inimesed teel Jumala juurde. Mööda Volga kallast Tsarevi Kurgani lähedal marsivad inimesed, kelle hulgas tunneme ära palju ajaloolisi tegelasi. Siin on tsaar pidulikes rõivastes ja Monomahhi müts ja L. Tolstoi ja F. Dostojevski ja filosoof V. Solovjov... Igaüks rahvas järgib kunstniku sõnul oma tõe mõistmise teed, “ aga kõik lähevad samale asjale, üksi ainult kiirustades, teised kõhkledes, mõned ees, teised taga, mõned rõõmsalt, kahtlemata, teised tõsiselt, mõeldes...” Pildi semantiliseks keskpunktiks saab ees kõndiv habras poiss. rongkäigust. Tema ilmumine toob meelde evangeeliumi sõnad:

"Kui te ei saa laste sarnaseks, ei pääse te taevariiki" (Matteuse 18:3). Kuni pilt mind mitmes mõttes rahuldab, on elu, tegevus, põhiidee tundub selge (evangeeliumitekst: "Õndsad on need, kes nälgivad ja janunevad õiguse järele, sest nemad saavad rahuldust") kirjutas.

Mihhail NEsterov. Filosoofid.1917. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Nesterovit sidus isiklik sõprus Pavel Aleksandrovitš Florenski (1882–1937) ja Sergei Nikolajevitš Bulgakoviga (1871–1944), suurimate mõtlejate, 20. sajandi alguse vene filosoofia õitseaja esindajatega. Ta luges nende raamatuid, osales nimelise Usu- ja Filosoofiaühingu koosolekutel. V. Solovjov, kus nad esinesid, jagas oma vaimseid juhtnööre. See portree on maalitud Abramtsevos Venemaal revolutsiooniliste muutuste eelõhtul. Seda tungivamalt kõlas temas vene rahva tulevikuteele mõtlemise teema. Bulgakov meenutas: „See polnud kunstniku plaani kohaselt mitte ainult kahe sõbra portree... vaid ka vaimne nägemus ajast. Kunstniku jaoks esindavad mõlemad näod sama arusaamist, kuid erineval moel, üks neist kui õuduse nägemus, teine ​​kui rõõmumaailm, võidukas ületamine.<…>See oli kunstiline selgeltnägemine kahest Vene apokalüpsisest, maisest eksistentsist siinpool ja teispool, esimene pilt võitluses ja segaduses (ja minu hinges seostus see konkreetselt mu sõbra saatusega), teine ebaõnnestunud saavutuseni..."

NICHOLAS ROERICH. Sõnumitooja. "Tõuske üles põlvest põlve."1897. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Roerichi nimetati uue žanri - ajaloolise maastiku loojaks. Pilt sukeldab vaataja karvasse antiiki mitte läbi ahvatleva süžee, vaid läbi ajaloolise aja erilise, peaaegu müstilise meeleolu. IN kuuvalge öö Mööda jõe tumedat pinda hõljub paat. Paadis on kaks inimest: sõudja ja rasketesse mõtetesse vajunud vanamees. Eemal on murettekitav kodutu kallas palisaadi ja puidust kindlusega künkal. Kõik on täidetud öörahuga, kuid selles rahus tundub olevat pinge, ärev ootus.

NICHOLAS ROERICH. Ülemere külalised.

Pilt “hingab” muinasjutulist teatrilavastuste mütoloogiat, milles dekoraator Roerich palju osales. Kaunistatud paadid hõljuvad mööda laia sinist jõge, otsekui lendaks üle taeva muinasjutulised laevad valgete kajakate lennu saatel. Laeva telkidest vaatavad ülemerekülalised võõrastele randadele – karmile põhjamaale, kus küngaste tipus asuvad asulad. Maalil on ühendatud muinasjutu lummav võlu ajalooliste detailidega, värvi tavapärane dekoratiivsus realistliku ruumistruktuuriga.

NICHOLAS ROERICH. Slaavlased Dnepri ääres.1905. Papp, tempera. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Slaavi paganluse ajastust "lummatud" Roerich oli ebatavaliselt tundlik selle erilise, murettekitavalt müstilise "aroomi" mõistmise suhtes. Maastik “Slaavlased Dnepri ääres” on ehitatud dekoratiivpaneeli põhimõtete järgi: kunstnik tasandab ruumi, seab rütmi korduvate purjede, paatide ja onnidega. Ka värvilahendus on tinglik – see kannab endas pildi emotsionaalset meeleolu, mitte aga objekti tegelikku värvi. Lopsaka roheluse taustal paistavad silma pruunikaspunased purjed ja heledad ookrikarva majakesed; Inimeste särgid sädelevad nagu päikesevalgus.

NICHOLAS ROERICH. Tervendaja Panteleimon.1916. Tempera lõuendil. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Püha vanem Panteleimon Roerichi maalil on lahutamatu majesteetlikust mahajäetud maastikust. Iidsete kividega ülepuistatud rohelised künkad tõmbavad vaataja unenägu iidsest muinasajast, mälestustesse päritolust inimeste saatus. Kriitiku S. Makovski sõnul on Roerichi joonistusstiilis "tunnetatud kivimeisli survet". Keerulisus värvikombinatsioonid, üksikute detailide peene disainiga pilt meenutab luksuslikku sametvaipa.

NICHOLAS ROERICH. Taevane võitlus.1912. Papp, tempera. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Üle lõputu karmi põhjamaise maastiku, kus järvede ja küngaste vahel pesitsevad iidsed elamud, tunglevad pilved nagu suurejoonelised kummitused. Nad jooksevad üksteisele otsa, põrkuvad, taganevad, tehes ruumi helesinisele taevale. Taevane element kui jumaliku vaimu kehastus on kunstnikku alati köitnud. Selle maa on eeterlik ja illusoorne ning tõeline elu leiab aset taeva salapärastes kõrgustes.

ANDREI RJABUŠKIN. vene naised XVII sajand kirikus.1899. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Erksate mustritega freskode ja värviliste vitraažakende taustal seisavad naised vaatajale nähtamatu ikonostaasi vastas. Nende tugevalt valgeks lubjatud karedad maskinäod väljendavad rituaalset aupaklikku vaikust ja elegantsed rõivad peegeldavad kiriku seinamaalingute juubeldavaid värve. Pildil on palju helepunast värvi: põranda vaip, riided, paelad juustes... Rjabuškin tutvustab meile iidse vene arusaama elust ja ilust, sundides meid sukelduma ajastu stiil - rituaalne käitumisrituaal, templite imeline muster, "bütsantsi" külluslik rõivaste elegants. See pilt on "hämmastav dokument, mis paljastab Aleksei Mihhailovitši Venemaa kohta sada korda rohkem kui kõige üksikasjalikum ajalooteos" (S. Makovski).

ANDREI RJABUŠKIN. Pulmarong Moskvas (XVII sajand).1901. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Linnale on saabunud õhtuhämarus, ühekorruselised puuonnid paistavad tumedate siluettidena hõbesinise taeva taustal, loojuva päikese viimased kiired kullavad valge kivikiriku kuplit. Moskva tänava igavasse üksluisesse argipäeva puhkeb puhkus: mööda mudast kevadteed kihutab sarlakpunane vanker noorpaaridega. Nagu head sellid muinasjutust, saadavad teda nutikad punastes kaftanites ja erekollastes saabastes jalutajad ning täisverelistel traavlitel ratturid. Moskvalased tormavad kohe oma asja ajama - auväärsed pereisad, tagasihoidlikud kaunid tüdrukud. Esiplaanil ärevalt rahulolematu näoga elegantne, roisk noor kaunitar keeras kähku nurga taha, pulmarongkäigust eemale. Kes ta on? Tagasilükatud pruut? Tema psühholoogiliselt terav pilt toob sellesse poolmuinasjutulisesse unenägusse tunde päris elu kirgede ja probleemidega, mis jäävad kogu aeg muutumatuks.

ANDREI RJABUŠKIN. 17. sajandi Moskovskaja tänav puhkusel.1895. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Rjabuškini maal ei ole žanrivisand iidse elu teemal, vaid maal-nägemus, ärkvel olev unenägu. Kunstnik räägib minevikust, nagu oleks see talle tuttav. Selles pole pompoosset teatraalsust ja lavastuslikke efekte, küll aga on tunda virtuoosse stilisti imetlust “hallijuukselise antiigi” vastu, mis põhineb sügavatel teadmistel. rahvarõivas, iidsed riistad, iidne vene arhitektuur.

SERGEI IVANOV. Välismaalaste saabumine. 17. sajandil1902. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Kunstnik kaasab vaataja julgelt “elava” elu voogu. Välismaalaste saabumine tekitas lumega kaetud Moskva väljakul elavat uudishimu. Arvatavasti on kujutatud pühapäeva või püha, sest eemal, kiriku juures tungleb palju rahvast. Elegantsest vankrist väljuv välismaalane vaatab huviga talle avanenud pilti veidrast vene elust. Auväärne bojaar kummardub tema poole vöökohalt, vasakul tardus tummas hämmastusest kaltsukas mees. Esiplaanil vaatab soliidne “moskvalane” rahutult ja vihaselt saabuvale võõrale otsa ning kiirustab resoluutselt oma noort kaunist naist “ohust välja viima”.

SERGEI IVANOV. Teel. Rändaja surm.1889. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Maal “Teel. Rändaja surm” on üks paremaid kunstniku tööde seerias, mis on pühendatud maata talupoegade tragöödiale, kes pärast 1861. aasta maareformi tormasid Siberisse paremat elu otsima. Teel suri neid sadu, kogedes kohutavaid raskusi. S. Glagol rääkis, et Ivanov kõndis koos asunikega kümneid kilomeetreid “Vene teede tolmus, vihmas, halvas ilmas ja kõrvetavas päikeses steppides... tema silme eest käis läbi palju traagilisi stseene...”. Teos on teostatud kriitilise realismi parimate traditsioonide kohaselt: nagu plakat, pidi see mõjuma võimulolijate südametunnistusele.

ABRAM ARHIPOV. Pesumajad.1890. aastate lõpp. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Arhipov on tüüpiline Moskva koolkonna esindaja oma pildivabaduse ja ainete uudsusega. Talle meeldis Skandinaavia kunstniku A. Zorni lai pintslilöök, mis võimaldas maalil veenvalt edasi anda pesu niisket atmosfääri, aurupilvi ja naiste kurnava töö väga monotoonset rütmi. N. Jarošenko "Tuletõrjuja" järel kuulutab Arhipovi filmis end autoriteetselt uus kangelane kunstis - töötav proletaarlane. Erilise aktuaalsuse andis maalile asjaolu, et maalil on kujutatud naisi – kurnatud, sunnitud sentide eest rasket füüsilist tööd tegema.

ABRAM ARHIPOV. Eemal (kevadfestival).1915. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Selle pildi peategelane on päike. Selle kiired tungivad avatud aknast tuppa, “süütades” noorte talunaiste erkpunaste riiete rõõmsa kevadise leegi, kes ringis istudes rõõmsalt millestki lobisevad. “Akadeemik Arhipov maalis imelise pildi: onn, aken, päike lööb aknasse, naised istuvad, läbi akna paistab Vene maastik. Siiani pole ma midagi sellist näinud ei vene ega välismaa maalikunstis. Sa ei oska öelda, mis toimub. Valgus ja küla on imeliselt edasi antud, nagu oleksite mõnele kallile inimesele külla tulnud ja pilti vaadates muutute nooreks. Pilt oli maalitud hämmastava energiaga, vapustava rütmiga,” imetles K. Korovin.

PHILIP MALYAVIN. Vortex.1905. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Elegantsetes sundressides talunaiste tants on muudetud kõlavaks dekoratiivpaneeliks. Nende laiad mitmevärvilised seelikud keerlevad keerises ja nende punased sundressid lahvatavad leeki, luues lummava vaatemängu. Naiste pargitud nägusid kunstnik ei rõhuta - pildiraamiga “lõikab” need julgelt ära, kuid nende suurepärases realistlikus joonistuses on näha usin õpilane I. Repin. “Tuulte pööris” hämmastas kaasaegseid oma “rullivusega”: värvide julge helgus, kompositsiooni uljus ja laiade, impasto-löökide bravuurilisus.

SERGEI VINOGRADOV. Suvel.1908. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Vene Kunstnike Liidu üks asutajatest, V. Polenovi õpilane Vinogradov oli vana mõisakultuuri poeet, kes armastas vanade “üllaspesade” vaikust ja kiirustamata elurütmi ning erilisust. Vene aia stiil.

Maalil “Suvel” levib sooja päeva pärastlõunane õndsus kõikjal – värelevates peegeldustes majaseinal, poolläbipaistvates varjudes rajal, lugevate naiste loivas elegantses välimuses. Vinogradov valdas vabalt plein airi tehnikat, tema pintslitõmbed on nagu impressionistide omad voolavad, kuid säilitavad vormi tihedad piirjooned.

STANISLAV ŽUKOVSKKI. Park sügisel.1916. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Nagu S. Vinogradov, oli Žukovski vana aadlimõisa laulja. "Ma olen suur antiikaja, eriti Puškini aja armastaja," kirjutas kunstnik. Žukovski teostes ei tundu nostalgiline minevik kurb ja kadunud, see näib ärkavat ellu, pakkudes jätkuvalt rõõmu vana maja uutele elanikele.

STANISLAV ŽUKOVSKKI. Rõõmsat maikuud.1912. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Eriti meeldis Vinogradovile maalida ampiirstiilis mahagonist mööbliga interjööre ja seintel antiikportreesid. Kevad tungib tuppa läbi suurte avatud akende, täites kõik hõbedase sära ja erilise suvesoojuse ootusega. Võrreldes “Rõõmsat maikuud” kunstniku teiste interjööridega, märkis A. Benois, et selles töös “päike paistab eredamalt kui varem, tundub rõõmsam Värske õhk, on täielikumalt edasi antud maja sulamise eriline meeleolu, pärast talvekülma ärkamist, pärast pikka seisakut; lisaks on kogu pilt maalitud selle väärtusliku tehnikavabadusega, mis omandatakse alles siis, kui kunstniku seatud ülesanne saab kõigis osades selgeks.

MARIA JAKUNTŠIKOVA-WEBER. Vaade Zvenigorodi lähedal asuva Savvino-Storoževski kloostri kellatornist.1891. Paber papil, pastell. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Yakunchikova-Weber on A. Benoisi sõnul "üks neist väga vähestest naistest, kes suutis oma kunsti sisse panna kogu naiselikkuse võlu, tabamatu õrna ja poeetilise aroomi, langemata amatöörlusse või niru."

Savvino-Storoževski kloostri kellatornist avaneb tagasihoidlik, intiimne vaade Venemaa tasandikule. Vaatajale kompositsiooniliselt lähedased rasked muistsed kellad ilmuvad aja valvuritena, meenutades kõiki selle maa ajaloolisi katsumusi. Kellad on maalitud käegakatsutavalt, maaliliste plein air-efektidega - sädeleval vaskpinnal sädelevad sinised ja erekollased toonid. Kergesse udusse sukeldatud maastik täiendab maali peamist "südamlikku" ideed ja "laiendab" lõuendi ruumi.

KONSTANTIN YUON. Kevadine päikesepaisteline päev. Sergiev Posad.

Yuon oli tüüpiline moskvalane mitte ainult sünnilt, vaid ka oma maailmavaate ja kunstistiili poolest. Ta oli armunud vene antiikajast, iidsetest Vene linnadest, mille ainulaadne iidne arhitektuur sai tema maalide peategelaseks. Olles elama asunud Sergiev Posadis, kirjutas ta: "Olin väga elevil selle muinasjutuliselt kauni linna värvikirevatest arhitektuurimälestistest, mis on erakordsed oma silmapaistva vene rahvapärase dekoratiivsusega."

KONSTANTIN YUON. Trinity Lavra talvel.1910. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Kuulus klooster näib muinasjutulise nägemusena. Roosakaspruunide seinte kombinatsioon helesiniste ja kuldsete kuplitega kutsub esile iidsete Vene freskode oivalise värvingu kaja. Vaadates iidse linna panoraami, märkame, et sellel “muinasjutulisusel” on erksad märgid päris elust: mööda lumist teed kihutavad saanid, linnarahvas tormab oma asju ajama, lobiseb kuulujutte, mängivad lapsed... Yuoni teoste võlu peitub. modernsuse ja südamele kalli maalilise antiigi imelises sulandumises.

KONSTANTIN YUON. Märtsi päike.1915. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

See maastik on oma rõõmsas, juubeldavas meeleolus lähedane Levitani “Märtsile”, kuid Levitani tekstid on peenemad, valutava kurbuse nootidega. Märtsipäike Yuonis värvib maailma peamiste värvidega. Hobused ja ratsanikud kõnnivad reipalt üle helesinise lume, roosakaspruunid puuoksad sirutuvad taevasinise taeva poole. Yuon oskab maastikukompositsiooni dünaamiliseks muuta: tee kulgeb diagonaalselt horisondi poole, sundides meid nõlva tagant piiluvate onnideni “kõndima”.

KONSTANTIN YUON. Kuplid ja pääsukesed.1921. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

A. Efros kirjutas Yuoni kohta, et ta "valib ootamatuid vaatenurki, millest loodus ei tundu väga tuttav ja inimesed ei ole liiga tavalised". Just see ebatavaline vaatenurk valiti maalile “Kuplid ja pääsukesed”. Templi majesteetlikke kuldseid kupleid, mis "varjutavad" maad, tajutakse kunstnikule nii kalli Vana-Venemaa sümbolina, kelle vaim elab igavesti rahva seas.

Pilt on maalitud näljasel 1921. aastal, keset kodusõja laastamistööd. Kuid Yuon ei paista seda märkavat; tema maastikul kõlab võimas elujaatav põhimõte.

KONSTANTIN YUON. Sinine põõsas (Pihkva).1908. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Yuon ei nimetanud end asjata "tunnustatud rõõmsaks inimeseks" - tema maastik on alati täis rõõmsaid tundeid, tema pidulikud maalid annavad emotsionaalselt edasi kunstniku rõõmu looduse ilust. See töö torkab silma oma värvirikkuse poolest, mis põhineb sügavusel Sinine värv. Sekka roheliste, kollaste, punaste toonidega, kompleksne valguse ja varju mäng loob lõuendile suure pildilise sümfoonia.

ILYA GRABAR. Krüsanteemid.1905. Riiklik Vene Muuseum, Peterburi

Grabar uskus, et "krüsanteemid" "õnnestusid paremini kui kõik teised keerulised natüürmordid". Natüürmort maaliti sügisel ja kunstnik soovis edasi anda seda hetke, "kui päevavalgus hakkab tuhmuma, kuid hämarus pole veel saabunud". Töötades divisjonismi tehnikas (prantsuse keelest "division" - "division") - väikeste, eraldi löökide ja puhaste, segamata värvidega paletil annab kunstnik meisterlikult edasi valguse värelemist klaasklaasides, lopsakaid õhulisi päid. kollased krüsanteemid, hõbedane hämarus akna taga, värvireflekside mäng valgel laudlinal.

ILYA GRABAR. Märtsi lumi.1904. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva

Maastik võlub elust välja kistud killukese dünaamikaga. Nähtamatu puu sinised varjud lumel loovad avardunud ruumi tunde. Lühikeste reljeefsete löökide abil antakse edasi päikese käes sädeleva lahtise lume tekstuur. Naine, kellel on ikkel ämbrid, kõnnib kiirustades mööda kitsast rada, mis läbib pildiruumi. Tema lambanahkne kasukas paistab silma tumeda siluetiga, mis tähistab pildi kompositsioonilist keskpunkti. Taamal eredalt valgustatud lumeväljade vahel on päikesest kuldsed onnid. Seda pilti täidab erakordselt tugev ja selge tunne armastusest elu vastu, imetlust juubeldava looduse ilu vastu.

ILYA GRABAR. Veebruar sinine.1904. Riiklik Tretjakovi galerii, Moskva